Dissertations / Theses on the topic 'Arnold (George Arnold)'

Doutoramento em Música
A presente dissertação tem um formato bipartido, constituindo a primeira das suas partes um trabalho de investigação teórico, e a segunda um corpo de composições livres. A investigação analisa as relações entre ritmos e significados semânticos no ciclo de canções Das Buch der hängenden Gärten (O Livro dos jardins Suspensos) op. 15 de Arnold Schönberg, sobre um livro de poemas homónimo de Stefan George. As composições que integram a Tese são o ciclo de canções Non Altro para tenor, piano e electrónica, sobre textos de Michelangelo Buonarroti; a ópera de câmara Melodias Estranhas, com libreto de Gerrit Komrij; e a peça para coro de câmara intitulada Quatrains du Secret Estude, sobre centúrias de Michel de Nostredame ou Nostradamus. O seguinte resumo restringe-se ao trabalho de investigação, incluindo-se um texto introdutório às partituras no início da 2ª parte da presente Tese. A investigação sobre o op. 15 de Schönberg decorreu da convicção de que, na representação musical de obras vocais, a diferentes formulações rítmicas correspondem diferentes níveis de significados semânticos. Trata-se de um trabalho que procura aprofundar as relações entre música e texto, privilegiando a observação do comportamento de ritmos e seus padrões. Para a aferição de tais correspondências, o trabalho de investigação propõe uma estratificação rítmica que se consubstancia numa tipologia tripartida, a qual inclui famílias rítmicas cuja designação – ritmos objectivantes, sincopados e sensoriais – foi buscar justificação nas funções históricas que o ritmo desempenha na música ocidental desde a Antiguidade Grega. Constatou-se que, na obra estudada, cada um dos tipos rítmicos articula significados semânticos específicos, agrupando-se estes em três famílias que estabelecem com os tipos rítmicos os seguintes binómios: ritmos objectivantes/ significados de cariz intelectual, ritmos sincopados/significados do foro emocional e ritmos sensoriais/significados referentes a sensações e imagens. A relação entre estes dois critérios de análise passou igualmente pelo estudo de outros elementos musicais (harmonia, timbre, agógica), tendo-se, porém, concluído que o comportamento dos tipos rítmicos face às famílias de significados semânticos (e suas implicações poéticas) apresenta muito mais estabilidade do que o evoluir de harmonias face ao mesmo universo.
This dissertation is structured in two different parts, being the first of them a theoretical investigation, and the second an autonomous body of free compositions. The investigation analyses the relationship between rythm and semantics in the song cycle Das Buch der hängenden Gärten (The Book of the Hanging Gardens) op. 15, by Arnold Schoenberg, on a book of poems by Stefan George that bears the same title. The free compositions that are included in this dissertation are the songs from the cycle Non Altro for tenor, piano and electronics, on texts by Michelangelo Buonarroti; the chamber opera Melodias Estranhas, with a libreto by Gerrit Komrij; and finally the a capella chorus piece Quatrains du Secret Estude, on texts by Michel de Nostredame or Nostradamus. This abstract focuses solely on the investigation on Schoenberg’s op. 15. The investigation was conducted based on the premise that, in the musical representation of vocal works, a correspondence between different levels of semantic meanings and rythmical formulae can be found. Therefore, its paths cross the ways between music and text, enhancing the observation of rythmical cells and patterns in the scores. In order to establish solid correspondences between words and rhythm, a specific methodology was created. This consists of a three-level scheme that groups rythmical “families”, whose designations (objective, syncopated and sensorial) were supported by the historical functions that rythm has played in the Western music since Ancient Greece. The investigation claims to have found in the Das Buch a clear parallelism between this three “families” and three platforms of semantic signification of the poems. The articulation between each of the rythmical types and its semantic counterpart made also possible that a three axes matrix could be used throughout the entire work: objective rythm/intelectual content of words; syncopated rythm/ emotional conotation of words; and finally, sensorial rythm/ sensorial conotation of words, that is to say, words that express images and sensations. The relationship between these two criteria of analysis didn’t neglect the study of other musical elements such as harmony, timbre and dynamics. However, the conclusions of the research point out to the fact that the behaviour of the rythmical types vs. the semantic levels (and their poetical implications), show much more stability and coherence than, for instance, the relation between harmonic types and the same semantic universe.

Representations of the Gypsies and their lifestyle were widespread in British culture in the late-eighteenth and nineteenth centuries. This thesis analyzes the varying literary and artistic responses to the Gypsy figure in the period circa 1780-1870. Addressing not only well-known works by William Wordsworth, Jane Austen, Walter Scott, John Clare, Robert Browning, Matthew Arnold and George Eliot, but also lesser-known or neglected works by Gilbert White, Hannah More, George Crabbe and Samuel Rogers, unpublished archival material from Princess Victoria's journals, and a range of articles from the periodical press, this thesis examines how the figure of the Gypsy was used to explore differing conceptions of the landscape, identity and freedom, as well as the authoritative discourses of law, religion and science. The influence of William Cowper's Gypsy episode in Book One of The Task is shown to be profound, and its effect on ensuing literary representations of the Gypsy is an example of my interpretation of Wim Willem's term ‘paper Gypsies': the idea that literary Gypsies are often textual (re)constructions of other writers' work, creating a shared literary, cultural and artistic heritage. A focus on the picturesque and the Gypsies' role within that genre is a strong theme throughout this thesis. The ambiguity of picturesque Gypsy representations challenges the authority of the leisured viewer, provoking complex responses that either seek to contain the Gypsy's disruptive potential or demonstrate the figure's refusal to be controlled. An examination of texts alongside contemporary paintings and sketches of Gypsies by Princess Victoria, George Morland, Thomas Gainsborough, J. M. W. Turner, John Constable and John Everett Millais, elucidates the significance of the Gypsies as ambiguous ciphers in both literature and art.

Scholars and storytellers alike have deemed George MacDonald a great mythopoeic writer, an exemplar of the art. Examination of this accolade by those who first applied it to him proves it profoundly theological: for them a mythopoeic tale was a relational medium through which transformation might occur, transcending boundaries of time and space. The implications challenge much contemporary critical study of MacDonald, for they demand that his literary life and his theological life cannot be divorced if either is to be adequately assessed. Yet they prove consistent with the critical methodology MacDonald himself models and promotes. Utilizing MacDonald’s relational methodology evinces his intentional facilitating of Mythopoesis. It also reveals how oversights have impeded critical readings both of MacDonald’s writing and of his character. It evokes a redressing of MacDonald’s relationship with his Scottish cultural, theological, and familial environment – of how his writing is a response that rises out of these, rather than, as has so often been asserted, a mere reaction against them. Consequently it becomes evident that key relationships, both literary and personal, have been neglected in MacDonald scholarship – relationships that confirm MacDonald’s convictions and inform his writing, and the examination of which restores his identity as a literature scholar. Of particular relational import in this reassessment is A.J. Scott, a Scottish visionary intentionally chosen by MacDonald to mentor him in a holistic Weltanschauung. Little has been written on Scott, yet not only was he MacDonald’s prime influence in adulthood, but he forged the literary vocation that became MacDonald’s own. Previously unexamined personal and textual engagement with John Ruskin enables entirely new readings of standard MacDonald texts, as does the textual engagement with Matthew Arnold and F.D. Maurice. These close readings, informed by the established context, demonstrate MacDonald’s emergence, practice, and intent as a mythopoeic writer.

This thesis traces the shift from liberal to neoliberal education from the nineteenth century to the present day, in order to provide a rich and previously underdeveloped narrative of value in higher education in England. Rather than attempting to justify the value of the humanities within the presiding economic frameworks, or writing a defence against market rationalism, this thesis offers an original contribution through an immersion in historical, financial, and critical debates concerning educational policy. Drawing upon close reading and discursive analysis, this thesis constructs a nuanced map of the intersections of value in the humanities. The discussion encompasses an exploration of policymaking practices, scientific discourse, mediated representations, and public cultural life. The structure of the thesis is as follows. The introductory chapter outlines the overarching methodology by defining the contemporary period of this project (2008-14), establishing relevant scholarship, and drawing out the correspondences between the nineteenth century and the present day. Chapter one establishes a history of the Payment by Results approach in policymaking, first established in the Revised Code of Education (1862) and recently re-introduced in the reforms of the Browne Report (2010). Understanding the predominance of such short-term and quantitative policy is essential for detailing how value is articulated. Chapter two reconsiders the two cultures debate. In contrast to the misrepresentative, yet pervasive, perception that the sciences and the humanities are fundamentally in opposition, I propose a more nuanced history of these disciplines. Chapter three addresses fictional representations of the humanities within literature in order to establish a vantage point from which to assess alternative routes for valuation beyond economic narratives. The final chapter scrutinises the rise of the impact criterion within research assessment and places it within a wider context of market-led cultural policy (1980-90s). This thesis argues that reflecting on Victorian legacies of economism and public accountability enables us to reconsider contemporary valuation culture in higher education. This analytical framework is of benefit to future academic studies interested in the marketisation and valuation of culture, alongside literary studies that focus on the relationship between higher education, the individual, and the state.

From the first electric lights in London along Pall Mall, and in the Holborn Viaduct in 1878 to the nationalisation of National Grid in 1947, the narrative of the simple ascendency of a new technology over its outdated predecessor is essential to the way we have imagined electric light in London at the end of the nineteenth century. However, as this thesis will demonstrate, the interplay between gas and electric light - two co-existing and competing illuminary technologies - created a particular and peculiar landscape of light, a 'lightscape', setting London apart from its contemporaries throughout the late nineteenth and early twentieth centuries. Indeed, this narrative forms the basis of many assertions made in critical discussions of artificial illumination and technology in the late-twentieth century; however, this was not how electric light was understood at the time nor does it capture how electric light both captivated and eluded the imagination of contemporary Londoners. The influence of the electric light in the representations of London is certainly a literary question, as many of those writing during this period of electrification are particularly attentive to the city's rich and diverse lightscape. Though this has yet to be made explicit in existing scholarship, electric lights are the nexus of several important and ongoing discourses in the study of Victorian, Post-Victorian, Modernist, and twentieth-century literature. This thesis will address how the literary influence of the electric light and its relationship with its illuminary predecessors transcends the widespread electrification of London to engage with an imaginary London, providing not only a connection with our past experiences and conceptions of the city, modernity, and technology but also an understanding of what Frank Mort describes as the 'long cultural reach of the nineteenth century into the post-war period'.

Made available in DSpace on 2016-03-22T17:26:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 odete.pdf: 631143 bytes, checksum: ff3ca4a6702b1df5572ae314d46bd4c6 (MD5) Previous issue date: 2007-12-12
This research aims at analyzing the process of carnavalization in the political columns written by Arnaldo Jabor, trying to discuss the ways and strategies the author uses to give the texts a humored accent and to build irony. The theoretical-methodological basis inserts itself into the dialogical view of discourse and of speech genres of Bakhtin s Circle, as well as the viewpoint of Critical Discourse Analysis about genre, and more specific contributions in respect to irony building. The research data consists itself of four columns by the writer and journalist Arnaldo Jabor, published between 2002 and 2004 in newspapers with national circulation (O Globo newspaper and O Estado de São Paulo newspaper), all of the them connected to the conflict between USA and the Islamic world, personified in the figure of the American president George W. Bush and of the taliban Osama Bin Laden, respectively. The analysis was based on the methodology proposed by Hutcheon (2000) that suggests three analytical perspectives: circumstantial, textual and intertextual, in order to contemplate a deeper analysis of the text, taking into account its relations with the context of production and enunciation. The circumstantial context includes the uttering situation and the communicative context, thus motivating a reflection about the publishing vehicles, their journalistic filiations, their ideal or expected reader, the space in which the column is published, the social-historical moment of enunciation and the career of the author himself, as it is the voice of the author that moves behind the text, constituting him as the ironist. Still in the circumstantial context it seemed necessary to carry out a brief discussion about the journalistic movement called new journalism that showed to influence the context of production. In what concerns the textual context, the analysis considered the lexical selection, the grammatical options, the cohesion mechanisms and the text structure as a whole, as well as the strategies used to build the different characters, in order to perceive the management of humor and irony, and the connection between the texts and carnavalization. Finally, within the intertextual context, the focus was on the dialogical relation among the columns and between the columns and the implied social knowledge. The data analysis pointed to the articulation of three kinds of irony: ludic, content analyzer and of opposition, what reflects the fact that the author, when mobilizing the irony, does not do it only to institute laughter, or humor, but mainly to lead the reader to a reanalysis of the facts observed in the recent world history, which are part of the reader s knowledge. To do so, Jabor takes advantage of a particular use of the ordinary language , creating parodical and carnavalized effects that seem to contribute to the emergence of both humor and irony
O objetivo desta pesquisa é analisar a carnavalização nas crônicas de fundo político de Arnaldo Jabor, procurando discutir de que maneiras e de que estratégias o autor se utiliza para dar à crônica um teor humorístico e para a construção da ironia. A fundamentação teóricomedotodológica insere-se na linha dialógica da linguagem e dos gêneros do Círculo de Bakhtin, bem como procura trazer para o texto a visão da Análise Crítica do Discurso a respeito de gênero, e contribuições mais específicas a respeito da construção da ironia. Os dados de pesquisa constituem-se de quatro crônicas do escritor e jornalista Arnaldo Jabor, publicadas entre 2002 e 2004 em jornais de circulação nacional (Jornal O Globo e Jornal O Estado de São Paulo), referindo-se todas ao conflito entre Estados Unidos e o mundo islâmico, personificados na figura do presidente americano George W. Bush e do taliban Osama Bin Laden, respectivamente. A metodologia de análise baseou-se na metodologia proposta por Hutcheon (2000) que sugere que esta se realize sob três perspectivas: circunstancial, textual e intertextual de maneira a contemplar uma análise mais profunda do texto, observando suas relações com o contexto de produção e enunciação. Desta forma, entende-se o contexto circunstancial como a situação de enunciação e o contexto comunicativo, fato que motivou uma reflexão a respeito dos veículos de publicação das crônicas, sua linha jornalística, seu leitor padrão, o espaço de publicação da crônica, o momento sócio-histórico da enunciação e da carreira do próprio autor, já que é a voz deste que se mobiliza por trás do texto, constituindo, antes de tudo o ironista. Ainda dentro do contexto circunstancial, pareceu-nos necessário realizar uma breve discussão a respeito da corrente jornalística que recebeu o nome de new journalism e que demonstrou influenciar o contexto de produção. No que se refere ao contexto textual, observou-se a seleção lexical, opções gramaticais, mecanismos de coesão e estrutura do texto como um todo, bem como de estratégias de construção dos personagens para se perceber o agenciamento do humor e da ironia, bem como a vinculação entre as crônicas e carnavalização. Finalmente no contexto intertextual voltou-se uma maior atenção para a relação dialógica entre as crônicas e entre as crônicas e os já-ditos socialmente compartilhados. A análise dos dados de pesquisa apontou para a articulação de três tipos de ironia: lúdica, analisadora de conteúdo e de oposição, o que reflete o fato de que o autor, ao mobilizar a ironia, o faz não apenas para instituir o riso popular, o humor, mas também para levar o leitor a uma re-análise de fatos observados na história mundial recente, os quais se encontram entre os já-ditos do leitor previsto das crônicas. Para tanto, Jabor apropria-se de um uso particular da linguagem comum , criando efeitos paródicos e carnavalizados que parecem contribuir tanto para emergência do humor, quanto da ironia

This is a paper about Canto IV of Lord Byron's long narrative poem, Childe Harold's Pilgrimage. It demonstrates the ways in which that poem makes use of both georgic themes and the theories of Catastrophist geology current at the end of the eighteenth century. In short, these two lenses create a mode of poetry in which Byron can view the ruins of Italian culture being consumed by nature in a positive, revolutionary, regenerative light. The paper concludes by contrasting this attitude of Byron's to Victorian attitudes toward ruins in the wake of Uniformitarianism. Readings of the archaeological site at Pompeii, Matthew Arnold's "Stanzas from the Grande Chartreuse," and Darwin's later work demonstrate that late-19th-century scientific georgic cultivates an ethos of preservation and a desire for human agency.
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Entre os rios : para um analfabetismo poético propõe-se, seguindo Ahmed Bouanani e José Bergamín, estudar uma constelação de formas analfabetas, nomeadamente poéticas e cinematográficas; tentar entender quais são as ligações intrínsecas entre poesia e analfabetismo, e como se manifestam formalmente; procurar dar a ver e a pensar as relações entre culturas populares e vernaculares, as culturas resistentes e as formas analfabetas, e por fim, reflectir, pela via da análise de sequências e de filmes, sobre o que podia ser um cinema analfabeto e quais seriam as suas problemáticas semânticas e políticas. Encontraremos neste ensaio, o estudo de poetas e cineastas como: Ahmed Bouanani, Paul Celan, Guerasim Luca, Peter Kubelka, Pier Paolo Pasolini, Jean-Luc Godard, John Cassavetes, Chris Marker, e Sergueï Paradjanov; reunidos de modo subjetivo e não-linear de forma a criar um corpus heterogéneo de formas que apelidaremos analfabetas. O que entendemos por formas analfabetas? É esta a questão central, que este ensaio coloca, usando como ponto de partida a ideia, para retomar as palavras de José Bergamín, que “O analfabetismo é a definição poética de todo o estado realmente espiritual”. Talvez se trate de falar dos analfabetismos plurais, múltiplos, que atravessam os nossos tempos e as nossas fronteiras, mais do que tentar encontrar uma definição unilateral. Assim, na primeira parte deste ensaio, estudaremos o conceito de alfabeto e analfabeto, e as diversas problemáticas que lhe são intrínsecas, nomeadamente seguindo o ponto de vista de José Bergamín (Decadência do analfabetismo, 1980) e Ahmed Bouanani (O analfabeto: história, 1967). Estes autores desenvolveram esteconceito em situações muito diferentes: um em Espanha no início dos anos 80, ancorando-se fortemente na cultura andaluz, e o segundo em Marrocos no fim dos anos 60, num país fragmentado linguisticamente depois da colonização. Veremos que, desde o seu nascimento, o conceito de analfabetismo tem problemáticas muito amplas, como: a resistência das culturas vernaculares, a defesa da pluralidade da sabedoria e das suas formas de transmissão, o dever da memória e da passagem desta memória para as gerações futuras. Se a palavra “analfabeto” é para Ahmed Bouanani e José Bergamín muito ligada com a língua oral e escrita, mesmo se a utilizam com uma conotação completamente diferente daquele presente nas definições de dicionário, tentaremos, desde logo, reflectir sobre como esta ideia e esta posição crítica contra um pensamento uniforme e centralizada, se podem deslocar, e como, para outros campos das artes, e nomeadamente o cinema. Antes de discutir sobre possíveis formas analfabéticas no cinema, tentaremos, numa segunda parte intitulada Poesia, desenvolver a nossa abordagem do analfabetismo através do estudo dos poetas. Iremos basear-nos nomeadamente no pensamento de Georges Didi-Huberman, que defende, através de José Bergamín, que “a poesia é, simplesmente, a mais impura: poesia analfabeta”, falando do bailarino de flamenco Israël Galvan. Veremos assim qual pode ser a ligação entre o analfabetismo e as culturas orais tais como: o flamenco em Espanha, ou, a poesia popular e dos contos de Marrocos, e estudaremos um dos poemas do Ahmed Bouanani, que deu luz a este ensaio, um tipo de conto poético contemporâneo, intitulado “O analfabeto: história”. Tentaremos, de seguida, abrir esta reflexão a outras formas escritas analfabetas, tais como os poemas e experimentações poéticas de Gherasim Luca e de Paul Celan, os dois possuindo uma certa estranheza da linguagem, na linguagem poética, muito ligada à matéria mesma da linguagem: através do silêncio, da desconstrução, e do uso do branco, no caso de Paul Celan, pelo uso de uma língua, que não é a sua língua materna, e pela oralidade nomeadamente no caso de Gherasim Luca, que se localiza na “no man’s langue”. Na terceira parte, Cinema, propomo-nos a pensar como o analfabetismo, que estudámos anteriormente nas suas formas escritas e orais, pode ser aplicado como ferramenta de reflexão das formas cinematográficas. Estudaremos nomeadamente Arnulf Rainer (1960), um filme do Peter Kubelka, que experimenta as questões rítmicas que igualmente marcaram o trabalho dos poetas. Através da manipulação de fotogramas pretos e brancos, veremos como o Kubelka desenvolve a ideia que “é entre os fotogramas que o cinema fala”. Para desenvolver esta analogia subjacente entre formas poéticas e formas cinematográficas, iremos basear-nos especificamente sobre o artigo de Pier Paolo Pasolini “Cinema de Poesia” (1965), defendendo um cinema da poesia e reflectindo sobre quais poderiam as características desse cinema, tal como o uso do discurso indireto livre e a presença sensível da câmara (câmara na mão, movimentos ou ritmos não habituais no cinema normativo ou cinema de prosa). Estudaremos também o filme de Pier Paolo Pasolini “La Rabbia” (1963), e o modo como utiliza a voz-off neste filme, recorrendo tanto à “voz da prosa” como à “voz da poesia”. Passaremos a seguir a “Adieu au langage” (2014), o filme de Jean-Luc Godard, para reflectir sobre o modo como utiliza a linguagem, a materialidade das imagens, a ausência de personagens, sobre as quais poderíamos desenvolver uma “projeção” no sentido psicanalítico do termo, e a presença animal, permitindo a Godard desconstruir as normas cinematográficas e dizer “adeus à linguagem” normativa. Por fim, iremos concentrar-nos sobre uma característica que consideramos estar profundamente ligada com o que podemos chamar “cinema da poesia” ou “cinema analfabeto”: o olhar-câmara. Seguindo o exemplo de Chris Marker, que declarava “Francamente, será que inventámos alguma coisa mais estúpida do que dizer às pessoas, como se ensina nas escolas de cinema, para não olhar para a câmara?” na voz-off de “Sans Soleil” (1983); reflectiremos ainda: através do estudo de “Opening Night” (John Cassavetes, 1977) sobre o ecrã de cinema enquanto fronteira poética ou simbólica; sobre a problemática da igualdade do olhar entre a pessoa que filma e a pessoa que é filmada, nomeadamente no documentário, levantando questões políticas e pós-coloniais, ainda partindo do estudo de “Sans Soleil”; através de “À bout de souffle” (Jean-Luc Godard, 1960), sobre o olhar-câmara como ferramenta de conscientização do dispositivo narrativo e técnico para o espectador; por fim, através de “Sayat Nova” (Sergueï Paradjanov, 1969) sobre a penetração na materialidade do mundo (ou imaginário material) que pode propôr o cinema da poesia, neste caso através do olhar dos atores que nos guiam no seu viagem e no seu universo. Desenvolveremos também algumas reflexões em torno da produção prática que acompanha esta pesquisa teórica, que toma forma no filme “entre os rios/bin el ouidane/entre les rivières”, uma viagem poética cruzando os territórios de Marrocos, de Portugal e da França, formando um outro território onde as fronteiras com altos muros em cimento se transformam em caminhos, cursos de água, cantos que atravessam corpos, línguas e memórias. A prática é aqui considerada fundamentalmente indissociável do estudo, do mesmo modo que a experiência é considerada fundamentalmente indissociável da teoria: os analfabetismos pensam-se desde logo a partir de uma viagem (de idas e de voltas) sensível e constante entre o que fazemos e o que já foi feito, e entre o que experimentamos e o que já foi experimentado.