Academic literature on the topic 'Art – 21e siècle'
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Journal articles on the topic "Art – 21e siècle"
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Heinrich, Ari, Livia Monnet, and Gabriel Remy-Handfield. "Lu Yang." Screen Bodies 7, no. 1 (June 1, 2022): 1–12. http://dx.doi.org/10.3167/screen.2022.070101.
Full textAbstract:
Lu Yang (陆扬, 1984) is a critically acclaimed new media artist and rising star based in Shanghai, China, who works across film, games, performance, and installation. His work has been exhibited at numerous biennales and exhibitions in China and around the world, including the 59th Venice Biennale in 2022. He has collaborated on videos with high-profile rock bands like The 1975, and one of his videos featured in a 2020 fashion show of the Chinese sportswear company Li-Ning.1 Lu Yang has also won prestigious awards, including the BMW Art Journey Culture award in 2019, and Deutsche Bank’s Artist of the Year award in 2022, and the artist was anthologized in Barbara London’s critical history of video and the digital arts, Video Art: The First Fifty Years (2020), as well as in Dominique Moulon’s Chefs d’oeuvre du 21e siècle : l’art à l’ère digitale (Masterworks of the 21st Century: Art in the Digital Era, 2021). In contemporary art and popular culture, Lu Yang is clearly a force to be reckoned with.
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Reynès, Laurent. "Construction abstraite: Frontière / Abstract Construction: Border." Borders in Globalization Review 5, no. 2 (August 6, 2024): 87–93. http://dx.doi.org/10.18357/bigr52202422082.
Full textAbstract:
Le Navire Avenir est un outil pionnier de sauvetage et de soin en haute mer, premier bâtiment d'une flotte mondiale. C’est un « ready-made pour le 21e siècle », une œuvre agissante conçue pour soutenir l'action des marins sauveteurs et contribuer à leur reconnaissance au Patrimoine culturel immatériel de l'humanité. « Comme toutes les œuvres d’art », écrit le collectif dans son manifeste, le projet « vise non seulement à changer notre vision du monde mais aussi à changer le monde lui-même ». Le manifeste complet suit, avec des illustrations du processus de création développé depuis 4 ans en Europe. Cette oeuvre doit encore être réalisée avec le soutien financier des citoyennes et citoyens notamment, via la plateforme www.navireavenir.eu. The Vessel of the Future is a pioneering tool for rescue and care on the high seas, the first vessel of a global fleet. It is "ready-made for the 21st century" a proactive work designed to support the actions of rescue sailors and contribute to their recognition as part of the intangible cultural heritage of humanity. "Like all works of art" writes the collective in its manifesto, the project "aims not only to change our vision of the world but also to change the world itself". The full manifesto follows, with illustrations of the creation process developed over the past four years in Europe. This work is yet to be realized with the financial support of citizens, particularly through the platform www.navireavenir.eu.
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Collectif du Navire Avenir. "Manifeste: Navire Avenir / Vessel of the Future: Manifesto." Borders in Globalization Review 5, no. 2 (August 8, 2024): 104–10. http://dx.doi.org/10.18357/bigr52202422080.
Full textAbstract:
Le Navire Avenir est un outil pionnier de sauvetage et de soin en haute mer, premier bâtiment d'une flotte mondiale. C’est un « Ready-made pour le 21e siècle », une œuvre agissante conçue pour soutenir l'action des marins sauveteurs et contribuer à leur reconnaissance au Patrimoine culturel immatériel de l'humanité. « Comme toutes les œuvres d’art », écrit le collectif dans son manifeste, le projet « vise non seulement à changer notre vision du monde mais aussi à changer le monde lui-même ». Le manifeste complet suit, avec des illustrations du processus de création développé depuis 4 ans en Europe. Cette oeuvre doit encore être réalisée avec le soutien financier des citoyennes et citoyens notamment, via la plateforme www.navireavenir.eu. The Navire Avenir is a pioneering tool for rescue and care on the high seas, the first vessel in a worldwide fleet. It is “Ready-made for the 21st century”, a proactive work designed to support the actions of rescue sailors and contribute to their recognition as part of the Intangible Cultural Heritage of Humanity. “Like all works of art”, writes the collective in its manifesto, the project "aims not only to change our vision of the world, but also to change the world itself". The full manifesto follows, with illustrations of the creative process developed over the past four years in Europe. This work is yet to be realized with the financial support of citizens, notably via the www.navireavenir.eu platform.
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Bechelany, Camila Campelo. "Modernidade, art brésilien du 20e siècle (Paris, 1987)." Revista VIS: Revista do Programa de Pós-Graduação em Arte 15, no. 2 (November 7, 2016): 238–52. http://dx.doi.org/10.26512/vis.v15i2.20403.
Full textAbstract:
A partir de uma análise da narrativa curatorial da exposição Modernidade art brésilien du 20e siècle (Paris, 1987-1988) e da recepção crítica desta na França e no Brasil, pretendemos refletir sobre as possibilidades e os limites de um "modernismo brasileiro" no contexto inicial da globalização da arte, em meados da década de 1980. Esta reflexão pode nos conduzir a uma leitura da história da arte internacional de uma perspectiva brasileira e à compreensão do sistema internacional de arte como um campo simbólico multi-centralizado.
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Bugnon, Pascale. "L’ art d’accommoder les ancêtres de la nation." TSANTSA – Journal of the Swiss Anthropological Association 23 (May 1, 2018): 99–103. http://dx.doi.org/10.36950/tsantsa.2018.23.7311.
Full textAbstract:
Depuis le début des années 1980, le patrimoine funéraire en Chine connaît un changement paradoxal : de grands tombeaux abritant les dépouilles de héros mythiques ou historiques sont érigés ou bien restaurés à grands frais par les autorités gouvernementales, attitude qui tranche radicalement avec les dernières décennies du 20e siècle, où ces édifices furent violemment détériorés.
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Bechelany, Camila. "L’exposition « Modernidade, art brésilien du 20e siècle » : dislocation et assimilation à l’aube de la globalisation de l’art." Marges, no. 23 (October 20, 2016): 23–34. http://dx.doi.org/10.4000/marges.1193.
Full text
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Thibeault, Jimmy. "Écrire dans l’ombre de la longue décennie 1970 en Acadie et en Ontario français. La place de la relève littéraire dans le discours critique." Recherche 61, no. 2-3 (June 10, 2021): 275–95. http://dx.doi.org/10.7202/1077913ar.
Full textAbstract:
Il semble que la prise de parole poétique en Acadie et en Ontario français au cours de la longue décennie 1970 (1968-1985) ait marqué l’imaginaire acadien et franco-ontarien au point de s’instituer, dans le discours, en mythe fondateur. Cette prise de parole poétique a effectivement permis de tracer les contours d’une nouvelle manière de dire les identités acadienne et franco-ontarienne en les inscrivant dans un mouvement qui dépassait les limites d’un ici folklorique pour entrer dans une modernité plus largement planétaire. Les caractéristiques de cette parole ont été célébrées au point d’établir une grille de lecture identificatoire qui occulte une part de la production littéraire. Il en va ainsi de l’écriture des femmes, plus intimiste, et des générations d’écrivains et d’écrivaines qui arrivent à l’écriture au tournant du 21e siècle. Le présent article s’interroge sur le traitement de cette part occultée par l’étude du discours critique en Acadie et en Ontario français et, plus particulièrement, sur l’ombre jetée par l’oeuvre des poètes de la longue décennie 1970.
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Lévesque, Francis. "Le contrôle des chiens dans trois communautés du Nunavik au milieu du 20e siècle." Études/Inuit/Studies 34, no. 2 (June 16, 2011): 149–66. http://dx.doi.org/10.7202/1004074ar.
Full textAbstract:
Le contrôle des chiens des Inuit par les autorités fédérales et provinciales au Nunavik fait l’objet d’un vif débat depuis plus d’une décennie. Depuis 1999, la Société Makivik accuse le gouvernement canadien et le gouvernement québécois d’avoir orchestré l’abattage des chiens du Nunavik dans les années 1950 et 1960 afin de favoriser l’assimilation des Inuit à la société canadienne. Pour leur part, les gouvernements d’Ottawa et de Québec ainsi que leurs corps policiers respectifs — Gendarmerie royale du Canada (GRC) et Sûreté du Québec (SQ) — nient catégoriquement avoir appliqué une politique d’élimination des chiens qui aurait eu pour objectif d’imposer un mode de vie nouveau aux Inuit. Cet article traite du contrôle des chiens au Nunavik durant cette période à partir d’événements survenus dans les communautés de Kuujjuaraapik, Puvirnituq et Kangirsujuaq.
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Kahn, Pierre. "HOFSTETTER Rita & ÉRHISE. Le Bureau international d’éducation, matrice de l’internationalisme éducatif (premier 20e siècle)." Revue française de pédagogie, no. 218 (July 13, 2023): 136–38. http://dx.doi.org/10.4000/rfp.12811.
Full text
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Laudin, Gérard, and Didier Masseau. "Valentina Vestroni , Jardins romanesques au 18 e siècle , Paris, Garnier, « L’Europe des Lumières », 2016, 218 p." Dix-huitième siècle 49, no. 1 (May 30, 2017): LIX. http://dx.doi.org/10.3917/dhs.049.0729bg.
Full textDissertations / Theses on the topic "Art – 21e siècle"
1
Kueny, Claire. "Sculptures d’ombres : l’ombre projetée dans la sculpture à partir des années 1980." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080064.
Full textAbstract:
Les sculptures d’ombres sont des œuvres pour lesquelles les artistes font un usage conscient de l’ombre projetée comme d’un matériau essentiel de l’œuvre, par la mise en place de dispositifs de projection. Ces derniers se composent au minimum d’un projecteur lumineux et d’un écran sur lequel apparaissent les ombres, fixes ou en mouvement, créées par l’interception de la lumière par un objet central. On observe à partir des années 1980, une multiplication de l’usage des ombres projetées dans la sculpture, qui va de pair avec un usage renouvelé de celles-ci pour leur qualité d’images. Inspirées par les œuvres du début du XXe siècle (dont celles de László Moholy-Nagy), les sculptures d’ombres trouvent leur existence entre la photographie, le cinéma et la sculpture ; entre la sculpture et l’image ; entre la sculpture et la projection, dont elles reprennent le vocabulaire technique ainsi que les modalités de vision. Cette particularité des sculptures d’ombres les différencie d’une part des sculptures des décennies précédentes qui ont préféré aux images, les effets perceptifs et sensoriels des ombres. Elle permet d’autre part d’interroger le médium sculpture, a priori étranger à l’image. Elle permet enfin d’inscrire les sculptures d’ombres dans un contexte, celui des années 1980, qu’elles interrogent et dont elles sont le reflet. Analyse d’œuvres singulières, définition du médium sculpture, étude de la période historique qui s’étend depuis les années 1980 et exploration de la nature polysémique des ombres sont les quatre grands projets entrepris dans la présente thèse qui nous ont permis, à partir de l’expression « sculptures d’ombres », de dessiner un médium singulier“Shadow sculptures” are works of art where artists use projected shadows as a material. All works are composed with a basic projection device, and comprised of at least, a light source, a screen and an object. The shadow-pictures, still or moving, appear by the object’s interception of light. Since the 80’s, projected shadows have multiplied in sculpture. In addition, artists use them to enhance their picture quality. Inspired by the works from the beginning of the 20th century (such as László Moholy-Nagy’s Light-Space Modulator (1922-1930)), shadow sculptures stand between photography, cinema and sculpture, between sculpture and picture and between sculpture and projection. They use their technical vocabulary and their vision modality. This specificity distinguishes shadow sculptures from sculptures in the past few decades that preferred the sensorial quality of light and shadows. It also gives the opportunity to question the medium sculpture, which has been constantly (re-)defined since the late 60’s. Lastly, this specificity of shadow sculptures positions them in the context of the 80’s that they question and reflect. Artwork analyses, the definition of the medium sculpture, the study of the historical period beginning in the 80’s and the exploration of the shadows’ polysemy are the four principal elements investigated in the following PhD. They all participate to define shadow sculptures as a singular medium
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Baghi, Alireza. "L'état de la création en arts plastiques en Iran depuis la révolution islamique." Strasbourg, 2011. http://www.theses.fr/2011STRA1097.
Full textAbstract:
Depuis la Révolution islamique en 1979, il faut considérer l'art iranien sous tous ses aspects. Multiplicité sans cesse jaillissante, des espaces de création et d’exposition. Et dans ses supports, et dans les matières travaillées. Un engouement pour les nouvelles technologies n'a cessé de proliférer sous le régime des Qâdjâr : photographie, cinéma, imprimerie, journaux et plus tard, la radio et la télévision ont été importés d’Occident comme autant de nouvelles ressources qui ont permis aux arts iraniens de se développer. On n’a jamais vu un Iran aussi varié en termes d’essor culturel qu’aujourd’hui. A son tour Internet œuvre beaucoup pour une reconnaissance identitaire de l’art iranien dans un champ désormais mondialisé. En conséquence les arts plastiques iraniens ont pu rompre avec les influences occidentales premières, et sont entrés de plain-pied sur le terrain parfois réduit, mais souvent libérateur de la mondialisation, et ont gagné une reconnaissance en termes de marketing mais également d'authenticitéSince the time of the Islamic Revolution, in 1979, it has been impossible to overlook the multiplicity and the strength of Iranian art, its sources, supports and materials, as well as the new areas it offers to creation and events. The keen interest for new technologies, already palpable under the Qajjar dynasty, has never ceased to expand into a variety of fields. Photography, cinema, printing, papers, and later broadcasting and television, first imported from the West, have been turned into new resources for the development of Iranian art. Thanks to the Internet, the art of Iran can now blossom without limits and enjoy worldwide recognition. Subsequently, it has been able to break free from original Western influences, enter the global playground and win full recognition in terms of both marketing approach and authenticity
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Boivent, Marie. "La revue dʼartiste : enjeux et spécificités dʼune pratique artistique." Rennes 2, 2011. http://www.theses.fr/2011REN20015.
Full textAbstract:
En s’appuyant sur un nombre significatif d’exemples des années 1960 à aujourd’hui, cette thèse examine la façon dont les artistes investissent la revue pour en faire le lieu d’une pratique à part entière. Après avoir déterminé les principales caractéristiques de la revue d’artiste – et les nombreuses zones de chevauchement avec d’autres pratiques éditoriales – ainsi que les conditions qui ont présidé à son développement, il s’agit de mettre au jour les enjeux qui accompagnent le choix de ce médium artistique, dont la particularité est d’être aussi un média. Un certain nombre de spécificités se dessinent au fil de l’étude, tissant des liens entre des projets pourtant très différents de prime abord. L’analyse des publications permet ainsi d’observer le lien particulier qui s’instaure entre les revues d’artistes et la grande presse – de la rupture sans appel à la parodie, en passant par son usage comme source inépuisable de textes et d’images –, elle souligne la manière dont la reproduction participe des projets ou encore, elle questionne la volonté d’autonomie souvent à l’origine des publications d’artistes. Une attention particulière est portée à la façon dont les artistes-éditeurs composent avec leur indépendance, ce qu’elle permet et/ou implique sur le plan artistique, politique et économique. Enfin, l’étude s’attache à interroger les modalités spécifiques de création et de réception qui accompagnent cette pratique, inhérentes à la dimension collective de la revue, à sa nature sérielle et à la relation multiple qu’elle entretient avec le temps. La pratique artistique et les développements qui ont accompagné ce travail de recherche sont placés en annexe et disséminés sous forme d’insertions dans les pages des volumes afin d’instaurer un dialogueBased on a significant number of examples from the 1960s to the present, this thesis explores the way artists have used the medium of the periodical to create a practice in its own right. Having determined the main characteristics of the artist’s periodical and how it overlaps with other editorial practices as well as the conditions that have influenced its development, the main thrust of this research is to uncover the issues at stake when choosing this artistic medium, which also has the particularity of being a media. A number of characteristics emerge in the course of the study, weaving links between projects that at first glance seem quite different. Thus, the analysis of these publications highlights the specific relationships between artist’ periodicals and the press – including use of parody, unflinching opposition to it or seeing it as an inexhaustible source of texts and images –, it unearths the way replication takes part in these projects, what’s more, it questions the editors’ desire for autonomy which often lies at the root of artists publications. Particular attention is paid to the manner in which artist-publishers compose using their independence and what it allows and/or what it implies on an artistic, political and economic level. Finally, this study endeavours to explore the specific terms of creation and reception connected to this practice, as well as the collective dimension of the periodical coupled with its serial nature and multiple links with concepts of time. The artistic practice and developments that accompany this research can be found in the appendix and have been spread throughout the pages of the volumes in order to establish a dialogue
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Landry, Mélissa. "La réception du portrait chez Pascal Grandmaison : une expérience postmoderne de l'aura." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27320/27320.pdf.
Full textAbstract:
Le présent mémoire s’intéresse à la problématique du portrait chez l’artiste montréalais Pascal Grandmaison. Autant en photographie qu’en vidéo, Grandmaison renouvelle le genre du portrait en montrant des personnages dont l’identité de même que la raison d’être à l’image demeurent inconnues du spectateur. Ce qui caractérise l’expérience réceptive, qui s’apparente à l’expérience auratique, est un sentiment d’indéterminé. L’analyse des œuvres comme du discours de l’artiste révèle que la production de portraits de ce dernier présente une perspective sociale. L’indéterminé caractéristique de la réception de l’image répond en effet à la situation sociale actuelle que nous qualifions de postmoderne. Avec la postmodernité, la surconsommation est favorisée. Or, chez Grandmaison, l’expérience réceptive s’oppose à l’attitude du «surconsommateur». Contrairement au «surconsommateur» dont le rapport au monde est dicté par l’industrie marchande, le spectateur est seul face à la définition de sens ne pouvant s’appuyer sur aucun point de référence pour orienter son interprétation.
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Kueny, Claire. "Sculptures d’ombres : l’ombre projetée dans la sculpture à partir des années 1980." Thesis, Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080064.
Full textAbstract:
Les sculptures d’ombres sont des œuvres pour lesquelles les artistes font un usage conscient de l’ombre projetée comme d’un matériau essentiel de l’œuvre, par la mise en place de dispositifs de projection. Ces derniers se composent au minimum d’un projecteur lumineux et d’un écran sur lequel apparaissent les ombres, fixes ou en mouvement, créées par l’interception de la lumière par un objet central. On observe à partir des années 1980, une multiplication de l’usage des ombres projetées dans la sculpture, qui va de pair avec un usage renouvelé de celles-ci pour leur qualité d’images. Inspirées par les œuvres du début du XXe siècle (dont celles de László Moholy-Nagy), les sculptures d’ombres trouvent leur existence entre la photographie, le cinéma et la sculpture ; entre la sculpture et l’image ; entre la sculpture et la projection, dont elles reprennent le vocabulaire technique ainsi que les modalités de vision. Cette particularité des sculptures d’ombres les différencie d’une part des sculptures des décennies précédentes qui ont préféré aux images, les effets perceptifs et sensoriels des ombres. Elle permet d’autre part d’interroger le médium sculpture, a priori étranger à l’image. Elle permet enfin d’inscrire les sculptures d’ombres dans un contexte, celui des années 1980, qu’elles interrogent et dont elles sont le reflet. Analyse d’œuvres singulières, définition du médium sculpture, étude de la période historique qui s’étend depuis les années 1980 et exploration de la nature polysémique des ombres sont les quatre grands projets entrepris dans la présente thèse qui nous ont permis, à partir de l’expression « sculptures d’ombres », de dessiner un médium singulier“Shadow sculptures” are works of art where artists use projected shadows as a material. All works are composed with a basic projection device, and comprised of at least, a light source, a screen and an object. The shadow-pictures, still or moving, appear by the object’s interception of light. Since the 80’s, projected shadows have multiplied in sculpture. In addition, artists use them to enhance their picture quality. Inspired by the works from the beginning of the 20th century (such as László Moholy-Nagy’s Light-Space Modulator (1922-1930)), shadow sculptures stand between photography, cinema and sculpture, between sculpture and picture and between sculpture and projection. They use their technical vocabulary and their vision modality. This specificity distinguishes shadow sculptures from sculptures in the past few decades that preferred the sensorial quality of light and shadows. It also gives the opportunity to question the medium sculpture, which has been constantly (re-)defined since the late 60’s. Lastly, this specificity of shadow sculptures positions them in the context of the 80’s that they question and reflect. Artwork analyses, the definition of the medium sculpture, the study of the historical period beginning in the 80’s and the exploration of the shadows’ polysemy are the four principal elements investigated in the following PhD. They all participate to define shadow sculptures as a singular medium
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Viel, Louis. "La question des relations arts et sciences dans les pratiques artistiques contemporaines." Toulouse 2, 2007. http://www.theses.fr/2007TOU20037.
Full textAbstract:
Cette recherche a pour objet l’étude des relations entre les arts et les sciences dans les pratiques artistiques contemporaines. Elle y porte un regard épistémologique « ouvert ». Deux parties en sont constituantes. La première est dévolue au positionnement des œuvres « arts et sciences » dans l'ensemble de la production des plasticiens contemporains. Les artistes de ce territoire adoptent une posture de transgression et nous montrons que l'altérité des productions inscrit ces créateurs dans le champ des acteurs sociaux, en particulier par les appropriations qui constituent les matériaux fondateurs des œuvres. De plus il est fécond de confronter les processus mis en œuvre par l'artiste – utilisant le réel comme matériau – à ceux développés par les scientifiques qui agissent sur le réel pour donner une explication des phénomènes constitutifs de notre Univers, voire formuler des prédictions. Le propos de la deuxième partie est de montrer que le dépassement d'une première perception au cours de l'expérience esthétique est particulièrement enrichissant pour le spectateur-acteur qui participe de l'art contemporain. En nous fondant sur un choix d'œuvres exemplaires, nous mettons en évidence les articulations liant le sens manifesté par l'œuvre avec les grandes notions « universelles » comme les questions du temps, de l'espace et de la matérialité du monde ainsi que les différentes interrogations qui y sont attachées. Une telle approche montre que l'art contemporain contribue à la compréhension du monde par la manifestation de données scientifiques que la science formalise dans d'autres registresThe aim of this research is to study the relationship between the arts and the sciences in contemporary art. It takes an « open » epistemological viewpoint. The study consists of two parts. The first part is focused on establishing the position, in the overall context of contemporary artistic production, of those works considered as « arts et sciences ». Artists in this field adopt a transgressive attitude and we show that the otherness of these works allows these creative artists to be included as members of the working community, in particular through the adaptations that make up the foundation materials of their works. Furthermore, it is productive to compare the techniques employed by the artist, using reality as material, with those developed by scientists who use reality to explain and predict the natural phenomena of our Universe. The aim of the second part of the study is to demonstrate that, for the spectator-actor, it is particularly rewarding, when engaging with a work of contemporary art, to go beyond initial aesthetic impressions. Using selected examples, we provide evidence to link the interpretation of a work with such broad « universal » concepts as time, space and the material nature of the world, and the various questions that arise there from. This approach shows that contemporary art contributes to an understanding of the world by displaying scientific information, in a manner other than that expressed by science
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Eggers, Françoise. "Forme et histoire Sur la théorie de l'art de Max Raphael (1889-1952)." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040188.
Full textAbstract:
Le théoricien et philosophe de l'art Max Raphael (1889-1952) a légué une œuvre d'une très grande richesse. Pourtant seule une infime partie de ses écrits a été publiée de ses écrits aussi bien en Allemagne qu'en France et aux Etats -Unis où il résida successivement. L' objectif de cette recherche est de montrer la cohérence de son œuvre à première vue éclectique, explorant des domaines aussi différents que la peinture classique mais aussi le cubisme, l'architecture grecque, l'architecture médiévale ou constructiviste, puis les peintures rupestres et l'art archaïque dans les dernières années de sa vies. Surmontant le clivage entre idéalisme et matérialisme, ayant conçu une méthode empirique d'analyse des œuvres d'art, Raphael élabore cet idiome qui lui est propre où se cristallisent les concepts fondamentaux permettant selon lui de rendre compte de l'émergence de la forme dans la matière et au sein du processus de la création artistique. Son œuvre, pourtant profondément enracinée dans la tradition de la pensée idéaliste allemande s'inscrit dans une démarche résolument novatrice, entre herméneutique et iconologie, et préfigure à maints égards les voies de l'esthétique moderneThe theorist and philosopher of art Max Raphael (1889-1952) bequeathed a work of a very great richness. However only a negligible part of his writings was published as well in Germany as in France and in the United States where he resided successively. The objective of this research is to show the coherence of his work at first sight eclectic, exploring fields as different as traditional painting but also the cubism, the Greek architecture, medieval architecture or constructivist, then the cave paintings and archaic art in the last years of his life. Overcoming cleavage between idealism and materialism, having conceived an empirical method of analysis of the works of art, Raphael works out this idiom which is peculiar to him where crystallize the fundamental concepts allowing, according to him, to realize of the emergence of the form in the matter and within the process of artistic creation. However deeply rooted in the German idealistic tradition, his work comes within the context of a resolutely innovative step, between hermeneutics and iconology, and prefigures in many ways the modern esthetics
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Desiderio, Pauline. "L'art contemporain comme experiences de paradoxes : anamorphoses et autres distorsions de l'espace-temps." Thesis, Montpellier 3, 2019. http://www.theses.fr/2019MON30095.
Full textAbstract:
L’anamorphose ou l’art de l’image qui se déploie dans l’espace en se formant et se déformant, propose une expérience singulière. Si elle semble naître à la Renaissance, elle se répand ensuite sur les murs des centres cartésiens au XVIIe siècle, plongeant le public dans le doute. Elle s’impose à nouveau au XXe siècle dans l’œuvre des artistes surréalistes qui voient en elle la possibilité de créer des images doubles. Elle revient aujourd’hui, dans l’Art contemporain, transcendée par la possibilité de sortir du cadre. Felice Varini et Georges Rousse atomisent et distordent les images en les projetant dans un volume quand elles sont habituellement bidimensionnelles. Les sculpteurs Markus Raetz et Tjeerd Alkema travaillent, eux, des volumes se transformant alors que le spectateur tourne autour, arpente l’espace, s’approche ou s’éloigne de l’œuvre. Une esthétique poétique de la distorsion et du paradoxe, d’une relativité subjective et perceptive, nous entraînera pas à pas de l’expérimentation de l’anamorphose aux singularités spatio-temporelle des confins de l’universThe anamorphosis, or the art of picture that deploys itself into space by forming and deforming itself, proposes a strange and singular experience. If it seems to be born during the Renaissance, it spread out later on the wall of cartesians’ centers in the 17th century, to drive the viewer into doubt. Later, it was found in the 20th century with surrealists’ works, where they were using it to show double pictures. It comes back today in contemporary art transcended by the possibility to go beyond the frame. Felice Varini and Georges Rousse atomize and distort pictures, throwing them into space, even if they are usually two-dimensional ones. Markus Raetz and Tjeerd Alkema create sculptures that transform themselves when the public walks around in the room and comes closer or farther. A poetical aestheticism of distortion and paradox, of a subjective and perceptive relativity, will bring us step by step from the anamorphosis experience to the space-time singularities of the universe
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Wang, Hongfeng. "Être artiste à Shanghai au début du XXI' siècle, entre institutions publiques et marché." Paris 7, 2014. http://www.theses.fr/2014PA070073.
Full textAbstract:
Depuis les deux derniers plans quinquennaux, le gouvernement chinois met au premier rang de ses priorités le développement des zones rurales. La stratégie suivie repose largement sur l'industrialisation et l'urbanisation, ce qui d'une part ne tient pas compte des thypicités de l'espace rural et d'autre part entre en contradiction avec les objectifs de protection de l'environnement et de stabilité sociale. Le développement rural est envisagé comme la diffusion du développement urbain. Dans cette thèse sont recherchés les moyens de réaliser des projets de développement socialement durable en Chine rurale. Partant du principe que les techniques et systèmes économiques durables existent déjà, le problème central est de trouver les moyens de les appliquer dans le contexte chinois. Le deuxième objectif est de déterminer quel acteur est à même de mettre en place un modèle de développement durable, et comment il peut légitimer ses actions auprès des acteurs actuels locaux que sont les gouvernements et les entrepreneurs. La thèse relate une recherche-action. Dans le cadre d'un village du Hebei, ont été lancés des projets de réhabilitation du patrimoine (tourisme, gîtes, produits du terroir). Le patrimoine est placé au centre du développement du village. Ces initiatives offrent l'occasion d'étudier la réaction de la population et du gouvernement local. Cette première série d'actions prépare l'étape suivante, une intervention à l'échelle d'un territoire de cinq villages. Cette proposition est analysée au regard d'autres modèles de développement alternatif, telles que celui formulé par le Nouveau mouvement de reconstruction rurale. Ces projets restent pour la plupart limités en termes d'échelleThe development of the art market in China has drastically changed the Chinese art world for 30 years. This market is supervised, controlled and monitored by the govemment which also vigorously takes part in its expansion. First, this thesis disçusses the analysis of public and private mechanisms which allow artists to practice their professions. All these mechanisms are presented in a historical perspective. The main research field of this thesis is the city of Shanghai. It shows that these public and private mechanisms, far away from opposing each other, interpenetrate each other. Second, this thesis talks about artistic careers: from training programs in schools and at universities to part-time or full¬time pursuit of the artistic profession on the local, national or international stage. This survey is based on questionnaires and interviews with artists and students who are very involved in visual arts. Thus, this thesis is both a contribution to the literature on changes in the fast 30 years and to the one on artistic careers
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Majoul, Madiha. "La création artistique, les théories des fractales et du chaos : (L'art et la nouvelle vision scientifique de la complexité)." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010504.
Full textAbstract:
Dans cette thèse, j'ai entrepris de montrer qu'il est possible de favoriser le développement de la connaissance artistique, en utilisant les théories scientifiques récentes : chaos et fractales. Ces théories ne se rattachent pas à l'infiniment grand ou encore à l'infiniment petit, mais au monde à notre échelle. Elles se proposent d'appréhender le monde mouvant des formes naturelles et les processus complexes de la nature. Cette nouvelle vison scientifique de la complexité offre un langage nouveau et une modélisation des arbres, arbrisseaux, montagnes et nuages, objets de prédilection des artistes. Elle semble pertinente pour éclairer certains aspects obscurs, relatifs à la création artistique. C'est ainsi que diverses analogies, sont développées pour proposer en premier lieu, une réflexions sur la dynamique de l'acheminement vers l'œuvre d'art, partiellement prévisible, ou hasard et déterminisme, faire et défaire, sont les lieux d'édification d'une structure complexe du chemin. Ensuite, une nouvelle lecture des formes de Paul Klee et de la fragmentation chez Van Gogh ; - peintres connus pour l'intérêt à restituer dans leurs œuvres les structures internes de la nature -, est assurée par le modèle fractale. Enfin, la troisième partie, esquisse une ouverture sur l'avenir de la fractale dans l'art contemporain, ou l'on voit d'un cote quelques expressions plastiques élaborées par des artistes fractaliens, de l'autre une certaine « plasticité » fractale dans les œuvres de Klee et de Van Gogh.
Books on the topic "Art – 21e siècle"
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vitrail, Centre international du, ed. Lumières en éclat: Art et espace de lumière au 21e siècle. [Paris]: Néo, 1999.
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Bernard, Heyberger, Naef Silvia, and Boğaziçi Üniversitesi, eds. La multiplication des images en pays d'Islam: De l'estampe à la télévision (17e-21e siècle). Würzburg: Ergon, 2003.
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Wu, Christina Jialin. Altérité rencontrée, perçue, représentée: Entre Orient et Occident, du 18e au 21e siècle. Louvain-la-Neuve: Academia-l'Harmattan, 2014.
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Hodge, Susie. Pourquoi un enfant de 5 ans n'aurait pas pu faire cela: L'art moderne expliqué. Paris: Marabout, 2013.
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Centre international du Vitrail (Chartres). Lumière en éclat: Art et espace de lumière du 21e siècle : [exposition, Chartres, Centre international du vitrail, 9 octobre 1999-23 septembre 2000]. Besançon: Neo typo, 1999.
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Nato, Thompson, Sholette Gregory, Thompson Joseph 1958-, Mirzoeff Nicholas 1962-, Chavoya C. Ondine, Noordeman Arjen, and Massachusetts Museum of Contemporary Art., eds. The interventionists: Users' manual for the creative disruption of everyday life. North Adams, Mass: MASS MoCA, 2004.
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Weiss, Evelyn. L'Art du 20e siècle: Museum Ludwig, Cologne. Köln: B. Taschen, 1996.
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8
diffusion, Musée des beaux-arts de Montréal Service de. Sculptures européennes du 20e siècle. Montréal: Le Musée = The Museum, 1985.
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Fauchereau, Serge. Hommes et mouvements esthétiques du XXe siècle. Paris: Cercle d'art, 2005.
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10
Cauquelin, Anne. L' art contemporain. 6th ed. Paris: Presses universitaires de France, 2001.
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Arcidiacono, Alessandra. "Zoonimi nei libri dell’Esodo e dei Salmi tra la Bible du XIIIe siècle e il Tanakh: il caso delle scinifes." In Studi di letterature moderne e comparate, 53–61. Florence: Firenze University Press, USiena Press, 2024. https://doi.org/10.36253/979-12-215-0602-0.07.
Full textAbstract:
The translations of zoonyms in the Exodus are the focus of this contribution. Among them, there are the locusts, of which the scribe of Bern Burgerbibliotek 27 declares not to know the French correspondent. Another case is represented by the sciniphes. This term appears problematic for several reasons, such as the fact that it is not found in Old French dictionaries. Also, it presents ambiguities from a semantic point of view: in fact, it is found replaced by terms probably considered by copyists to be more common or by periphrastic phrases. The analysis has been extended to the comparison of the Bible du IIIe siècle with the Exodus of the Tanakh to show how much the support of the Hebrew text can be fruitful for a more in-depth analysis in the Old French field.
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Caliste, Lisa, and Catherine Verna. "Pratiques du troc, industries et stratégies individuelles (Lodévois et Vallespir, XVe siècle-vers 1550)." In Datini Studies in Economic History, 337–55. Florence: Firenze University Press, 2024. http://dx.doi.org/10.36253/979-12-215-0347-0.21.
Full textAbstract:
In the southern industrial districts of Vallespir (Roussillon) and Lodévois (Languedoc), exchanges in kind (in goods and services) are common practice, some of which has been recorded by notaries. Based on a corpus of 425 notarial deeds, it is possible to examine the legal conditions of 'barter', the categories of goods exchanged (all of which are manufactured locally) and their market prices. In both districts, payments in kind are part of everyday exchanges: people exchange what they have in order to obtain a product they need. Merchants and drapers also barter, for wollen cloth and iron, which are exported to international markets. In this case, barter is a way to obtain products making a profit and controlling the workforce. Thus, regardless of their social or professional identity, economic players take part in barter and make payment in kind out of a choice between necessity and profit.
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Maraval, Pierre. "Actes et passions des martyrs chrétiens des premiers siècles. Introduction, traduction et notes." In Ars Christiana: In Memoriam Michail F. Murianov (21.XI.1928 – 6.VI.1995), edited by Roman Krivko and Andrei Orlov, 363. Piscataway, NJ, USA: Gorgias Press, 2012. http://dx.doi.org/10.31826/9781463235291-022.
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Khrouchkova, Liudmila. "Les monuments chrétiens de la côte orientale de la Mer Noire. Abkhazie. IVe–XIVe siècles." In Ars Christiana: In Memoriam Michail F. Murianov (21.XI.1928 – 6.VI.1995), edited by Roman Krivko and Andrei Orlov, 358–62. Piscataway, NJ, USA: Gorgias Press, 2012. http://dx.doi.org/10.31826/9781463235291-021.
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Păun, Radu G. "L’invention d’une «tradition» liturgique: le rite de consécration des princes valaques (XVIIe-XVIIIe siècles)." In Europe in between. Histories, cultures and languages from Central Europe to the Eurasian Steppes, 403–71. Florence: Firenze University Press, 2024. https://doi.org/10.36253/979-12-215-0646-4.17.
Full textAbstract:
The aim of this study is to re-examine the question of the alleged Byzantine origin of the consecration ritual of the Wallachian princes and to reconstruct the liturgical scenario and the political context in which this ritual emerged. The first part provides an overview of the sources on the coronation of Byzantine emperors. The second part outlines the liturgical tradition of the coronation of monarchs in the South Slavic countries (Bulgarian and Serbian states). The third part aims at reconstructing the liturgical scenario of the consecration of the Wallachian princes, taking into account the main elements of the ritual, notably the liturgical gestures and words, but also the spatial dimension of the ceremony, i.e. the place where the liturgical act was performed. A thorough analysis of the sources shows that, contrary to common opinion, this scenario has nothing in common with the rite of the consecration of the basileis, but was inspired by and closely follows the rite of episcopal ordination as it appears in the Archieratikon. The theological-political significance of this choice is analyzed in the fourth and final part of the study. Finally, this study is accompanied by a documentary portfolio (originals and translations).
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Heyberger, Bernard. "La diffusion de la pratique de la confession en Orient (XVIIe-XVIIIe siècles), entre expansion catholique et confessionnalisation orthodoxe." In Europe in between. Histories, cultures and languages from Central Europe to the Eurasian Steppes, 473–99. Florence: Firenze University Press, 2024. https://doi.org/10.36253/979-12-215-0646-4.18.
Full textAbstract:
Penance in the form of confession became a strong marker of Catholic identity from the Council of Trent onwards. In terms of Scholastic theology, the “form” of the sacrament consists of the absolution given to the penitent by the priest. This becomes a judicial act, making the confessor a judge, requiring a secret and precise confession of sins, and imposing a penance proportionate to the fault. This conception is opposed to the Eastern tradition, in which sin was rather considered as a disease, and the confessor as a doctor, who did not judge or absolve, but interceded with God. In this tradition, a list of sins was proposed aloud to the assembled faithful, over whom the priest recited prayers. This Catholic pattern of penance began to spread in the Eastern Churches, especially among the Greek Orthodox, as their Euchologion / Trebnyk and their manuals for confession attest, without however completely erasing the previous rituals. The “Greek” Melkite archbishop, later Patriarch of Antioch, Athanasius Dabbās, edited in Arabic a handbook for confessors and penitents in Aleppo in 1711, which will be scrutinized in this study. It follows the Latin pattern of confession, perhaps from a translation into Greek, nevertheless making sure to hide its dependency on a Catholic source by referring exclusively to Eastern ancient authorities. Penance is linked to questions of salvation and human destiny in the afterlife. Dabbās’ book provides a long excursus on the issue, shedding some light on his conception of Purgatory and indulgences – in fact, quite controversial topics hotly debated between the Catholics, the Protestants and the Orthodox of his time.
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Healey, Luke. "‘The Gaze Always Finds Zidane’: Aesthetics and Overdetermination in Toussaint, Delbée, and Gordon and Parreno." In Pour le Sport, 225–46. Liverpool University Press, 2022. http://dx.doi.org/10.3828/liverpool/9781800856899.003.0011.
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Luke Healey writes that within the globalized image economy that circulates around soccer in the 21st century, a number of individuals are singularly visible; one of these is the former French national captain Zidane. As a highly prominent and successful working-class French Maghrebian from the banlieue of Marseille, Zidane occupies a delicate position within French cultural discourse, and his importance with regard to France’s sporting, colonial and cultural history has occasioned appearances in numerous artistic depictions. This essay focuses in particular on Douglas Gordon and Philippe Parreno’s film, Zidane, un portrait du 21e siècle; Jean-Philippe Toussaint’s short literary essay, La Mélancolie de Zidane; and Anne Delbée’s novella, La 107e Minute. In addition, it considers Adel Abdessemed’s monumental bronze sculpture Coup de Tête. Each of these projects, Healey argues, attempts to negotiate the skeins of discourse that accompany ‘Zizou’ wherever he goes, in order to offer a perspective of their subject that differs substantially from the on-dit. In presenting this argument, Healey engages with Pierre Bourdieu’s conception of the aesthetic regime of high culture advanced in La Distinction, thus illustrating the diverse ways in which these four works enact this rejection in terms of cultural politics.
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BERK, Cybèle. "Enseigner la grammaire turque." In Enseignement-apprentissage de la grammaire en langue vivante étrangère, 21–32. Editions des archives contemporaines, 2023. http://dx.doi.org/10.17184/eac.5810.
Full textAbstract:
L’enseignant de la langue turque parlerait volontiers des facilités d’apprentissage de cette langue ; alphabet phonétique, absence de genre, absence d’article, absence d’accord entre le sujet et le verbe, entre l’adjectif et le nom, régularité remarquable des conjugaisons, proximité phonétique avec le français, ainsi que des milliers de mots empruntés au français au 19e et 20e siècles. Cela étant dit, tout apprentissage a ses servitudes, celui du turc n’y échappe pas. C’est une langue agglutinante, donc loin des langues flexionnelles, quelque peu déconcertant pour un apprenant francophone, du moins au début de son apprentissage. L’étonnement continue pour ce qui est de l’ordre syntaxique dont l’ordre inversé contrarie les débutants, sans oublier la nécessaire appropriation de l’harmonie vocalique, l’une des particularités du turc. La sonorité turque demande ainsi une attention soutenue : bien qu’il y ait peu de sons sans équivalence en français, on doit néanmoins enseigner aux apprenants comment produire les quelques sons particuliers qu’ils n’ont jamais prononcés. Nous allons d’abord évoquer l’état de la question des erreurs des apprenants dans la littérature pédagogique. Ensuite, à partir de notre propre expérience, nous tenterons de faire un inventaire des problèmes les plus fréquents rencontrés dans l’apprentissage de la grammaire turque, notamment par les francophones, puis nous en analyserons les causes et les conséquences de ces problèmes et enfin, nous proposerons des solutions pédagogiques pour les surmonter.
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Dasgupta, Subrata. "Entscheidungsproblem: What’s in a Word?" In It Began with Babbage. Oxford University Press, 2014. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780199309412.003.0008.
Full textAbstract:
In 1900, the celebrated German mathematician David Hilbert (1862–1943), professor of mathematics in the University of Göttingen, delivered a lecture at the International Mathematics Congress in Paris in which he listed 23 significant “open” (mathematicians’ jargon for “unsolved”) problems in mathematics. Hilbert’s second problem was: Can it be proved that the axioms of arithmetic are consistent? That is, that theorems in arithmetic, derived from these axioms, can never lead to contradictory results? To appreciate what Hilbert was asking, we must understand that in the fin de siècle world of mathematics, the “axiomatic approach” held sway over mathematical thinking. This is the idea that any branch of mathematics must begin with a small set of assumptions, propositions, or axioms that are accepted as true without proof. Armed with these axioms and using certain rules of deduction, all the propositions concerning that branch of mathematics can be derived as theorems. The sequence of logically derived steps leading from axioms to theorems is, of course, a proof of that theorem. The axioms form the foundation of that mathematical system. The axiomatic development of plane geometry, going back to Euclid of Alexandria (fl . 300 BCE ) is the oldest and most impressive instance of the axiomatic method, and it became a model of not only how mathematics should be done, but also of science itself. Hilbert himself, in 1898 to 1899, wrote a small volume titled Grundlagen der Geometrie (Foundations of Geometry) that would exert a major influence on 20th-century mathematics. Euclid’s great work on plane geometry, Elements, was axiomatic no doubt, but was not axiomatic enough. There were hidden assumptions, logical problems, meaningless definitions, and so on. Hilbert’s treatment of geometry began with three undefined objects—point, line, and plane—and six undefined relations, such as being parallel and being between. In place of Euclid’s five axioms, Hilbert postulated a set of 21 axioms. In fact, by Hilbert’s time, mathematicians were applying the axiomatic approach to entire branches of mathematics.