Dissertations / Theses: 'Art – 21e siècle'

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Kueny, Claire. "Sculptures d’ombres : l’ombre projetée dans la sculpture à partir des années 1980." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080064.

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Abstract:

Les sculptures d’ombres sont des œuvres pour lesquelles les artistes font un usage conscient de l’ombre projetée comme d’un matériau essentiel de l’œuvre, par la mise en place de dispositifs de projection. Ces derniers se composent au minimum d’un projecteur lumineux et d’un écran sur lequel apparaissent les ombres, fixes ou en mouvement, créées par l’interception de la lumière par un objet central. On observe à partir des années 1980, une multiplication de l’usage des ombres projetées dans la sculpture, qui va de pair avec un usage renouvelé de celles-ci pour leur qualité d’images. Inspirées par les œuvres du début du XXe siècle (dont celles de László Moholy-Nagy), les sculptures d’ombres trouvent leur existence entre la photographie, le cinéma et la sculpture ; entre la sculpture et l’image ; entre la sculpture et la projection, dont elles reprennent le vocabulaire technique ainsi que les modalités de vision. Cette particularité des sculptures d’ombres les différencie d’une part des sculptures des décennies précédentes qui ont préféré aux images, les effets perceptifs et sensoriels des ombres. Elle permet d’autre part d’interroger le médium sculpture, a priori étranger à l’image. Elle permet enfin d’inscrire les sculptures d’ombres dans un contexte, celui des années 1980, qu’elles interrogent et dont elles sont le reflet. Analyse d’œuvres singulières, définition du médium sculpture, étude de la période historique qui s’étend depuis les années 1980 et exploration de la nature polysémique des ombres sont les quatre grands projets entrepris dans la présente thèse qui nous ont permis, à partir de l’expression « sculptures d’ombres », de dessiner un médium singulier
“Shadow sculptures” are works of art where artists use projected shadows as a material. All works are composed with a basic projection device, and comprised of at least, a light source, a screen and an object. The shadow-pictures, still or moving, appear by the object’s interception of light. Since the 80’s, projected shadows have multiplied in sculpture. In addition, artists use them to enhance their picture quality. Inspired by the works from the beginning of the 20th century (such as László Moholy-Nagy’s Light-Space Modulator (1922-1930)), shadow sculptures stand between photography, cinema and sculpture, between sculpture and picture and between sculpture and projection. They use their technical vocabulary and their vision modality. This specificity distinguishes shadow sculptures from sculptures in the past few decades that preferred the sensorial quality of light and shadows. It also gives the opportunity to question the medium sculpture, which has been constantly (re-)defined since the late 60’s. Lastly, this specificity of shadow sculptures positions them in the context of the 80’s that they question and reflect. Artwork analyses, the definition of the medium sculpture, the study of the historical period beginning in the 80’s and the exploration of the shadows’ polysemy are the four principal elements investigated in the following PhD. They all participate to define shadow sculptures as a singular medium

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Baghi, Alireza. "L'état de la création en arts plastiques en Iran depuis la révolution islamique." Strasbourg, 2011. http://www.theses.fr/2011STRA1097.

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Abstract:

Depuis la Révolution islamique en 1979, il faut considérer l'art iranien sous tous ses aspects. Multiplicité sans cesse jaillissante, des espaces de création et d’exposition. Et dans ses supports, et dans les matières travaillées. Un engouement pour les nouvelles technologies n'a cessé de proliférer sous le régime des Qâdjâr : photographie, cinéma, imprimerie, journaux et plus tard, la radio et la télévision ont été importés d’Occident comme autant de nouvelles ressources qui ont permis aux arts iraniens de se développer. On n’a jamais vu un Iran aussi varié en termes d’essor culturel qu’aujourd’hui. A son tour Internet œuvre beaucoup pour une reconnaissance identitaire de l’art iranien dans un champ désormais mondialisé. En conséquence les arts plastiques iraniens ont pu rompre avec les influences occidentales premières, et sont entrés de plain-pied sur le terrain parfois réduit, mais souvent libérateur de la mondialisation, et ont gagné une reconnaissance en termes de marketing mais également d'authenticité
Since the time of the Islamic Revolution, in 1979, it has been impossible to overlook the multiplicity and the strength of Iranian art, its sources, supports and materials, as well as the new areas it offers to creation and events. The keen interest for new technologies, already palpable under the Qajjar dynasty, has never ceased to expand into a variety of fields. Photography, cinema, printing, papers, and later broadcasting and television, first imported from the West, have been turned into new resources for the development of Iranian art. Thanks to the Internet, the art of Iran can now blossom without limits and enjoy worldwide recognition. Subsequently, it has been able to break free from original Western influences, enter the global playground and win full recognition in terms of both marketing approach and authenticity

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Boivent, Marie. "La revue dʼartiste : enjeux et spécificités dʼune pratique artistique." Rennes 2, 2011. http://www.theses.fr/2011REN20015.

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Abstract:

En s’appuyant sur un nombre significatif d’exemples des années 1960 à aujourd’hui, cette thèse examine la façon dont les artistes investissent la revue pour en faire le lieu d’une pratique à part entière. Après avoir déterminé les principales caractéristiques de la revue d’artiste – et les nombreuses zones de chevauchement avec d’autres pratiques éditoriales – ainsi que les conditions qui ont présidé à son développement, il s’agit de mettre au jour les enjeux qui accompagnent le choix de ce médium artistique, dont la particularité est d’être aussi un média. Un certain nombre de spécificités se dessinent au fil de l’étude, tissant des liens entre des projets pourtant très différents de prime abord. L’analyse des publications permet ainsi d’observer le lien particulier qui s’instaure entre les revues d’artistes et la grande presse – de la rupture sans appel à la parodie, en passant par son usage comme source inépuisable de textes et d’images –, elle souligne la manière dont la reproduction participe des projets ou encore, elle questionne la volonté d’autonomie souvent à l’origine des publications d’artistes. Une attention particulière est portée à la façon dont les artistes-éditeurs composent avec leur indépendance, ce qu’elle permet et/ou implique sur le plan artistique, politique et économique. Enfin, l’étude s’attache à interroger les modalités spécifiques de création et de réception qui accompagnent cette pratique, inhérentes à la dimension collective de la revue, à sa nature sérielle et à la relation multiple qu’elle entretient avec le temps. La pratique artistique et les développements qui ont accompagné ce travail de recherche sont placés en annexe et disséminés sous forme d’insertions dans les pages des volumes afin d’instaurer un dialogue
Based on a significant number of examples from the 1960s to the present, this thesis explores the way artists have used the medium of the periodical to create a practice in its own right. Having determined the main characteristics of the artist’s periodical and how it overlaps with other editorial practices as well as the conditions that have influenced its development, the main thrust of this research is to uncover the issues at stake when choosing this artistic medium, which also has the particularity of being a media. A number of characteristics emerge in the course of the study, weaving links between projects that at first glance seem quite different. Thus, the analysis of these publications highlights the specific relationships between artist’ periodicals and the press – including use of parody, unflinching opposition to it or seeing it as an inexhaustible source of texts and images –, it unearths the way replication takes part in these projects, what’s more, it questions the editors’ desire for autonomy which often lies at the root of artists publications. Particular attention is paid to the manner in which artist-publishers compose using their independence and what it allows and/or what it implies on an artistic, political and economic level. Finally, this study endeavours to explore the specific terms of creation and reception connected to this practice, as well as the collective dimension of the periodical coupled with its serial nature and multiple links with concepts of time. The artistic practice and developments that accompany this research can be found in the appendix and have been spread throughout the pages of the volumes in order to establish a dialogue

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Landry, Mélissa. "La réception du portrait chez Pascal Grandmaison : une expérience postmoderne de l'aura." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27320/27320.pdf.

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Abstract:

Le présent mémoire s’intéresse à la problématique du portrait chez l’artiste montréalais Pascal Grandmaison. Autant en photographie qu’en vidéo, Grandmaison renouvelle le genre du portrait en montrant des personnages dont l’identité de même que la raison d’être à l’image demeurent inconnues du spectateur. Ce qui caractérise l’expérience réceptive, qui s’apparente à l’expérience auratique, est un sentiment d’indéterminé. L’analyse des œuvres comme du discours de l’artiste révèle que la production de portraits de ce dernier présente une perspective sociale. L’indéterminé caractéristique de la réception de l’image répond en effet à la situation sociale actuelle que nous qualifions de postmoderne. Avec la postmodernité, la surconsommation est favorisée. Or, chez Grandmaison, l’expérience réceptive s’oppose à l’attitude du «surconsommateur». Contrairement au «surconsommateur» dont le rapport au monde est dicté par l’industrie marchande, le spectateur est seul face à la définition de sens ne pouvant s’appuyer sur aucun point de référence pour orienter son interprétation.

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Kueny, Claire. "Sculptures d’ombres : l’ombre projetée dans la sculpture à partir des années 1980." Thesis, Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080064.

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Abstract:

Les sculptures d’ombres sont des œuvres pour lesquelles les artistes font un usage conscient de l’ombre projetée comme d’un matériau essentiel de l’œuvre, par la mise en place de dispositifs de projection. Ces derniers se composent au minimum d’un projecteur lumineux et d’un écran sur lequel apparaissent les ombres, fixes ou en mouvement, créées par l’interception de la lumière par un objet central. On observe à partir des années 1980, une multiplication de l’usage des ombres projetées dans la sculpture, qui va de pair avec un usage renouvelé de celles-ci pour leur qualité d’images. Inspirées par les œuvres du début du XXe siècle (dont celles de László Moholy-Nagy), les sculptures d’ombres trouvent leur existence entre la photographie, le cinéma et la sculpture ; entre la sculpture et l’image ; entre la sculpture et la projection, dont elles reprennent le vocabulaire technique ainsi que les modalités de vision. Cette particularité des sculptures d’ombres les différencie d’une part des sculptures des décennies précédentes qui ont préféré aux images, les effets perceptifs et sensoriels des ombres. Elle permet d’autre part d’interroger le médium sculpture, a priori étranger à l’image. Elle permet enfin d’inscrire les sculptures d’ombres dans un contexte, celui des années 1980, qu’elles interrogent et dont elles sont le reflet. Analyse d’œuvres singulières, définition du médium sculpture, étude de la période historique qui s’étend depuis les années 1980 et exploration de la nature polysémique des ombres sont les quatre grands projets entrepris dans la présente thèse qui nous ont permis, à partir de l’expression « sculptures d’ombres », de dessiner un médium singulier
“Shadow sculptures” are works of art where artists use projected shadows as a material. All works are composed with a basic projection device, and comprised of at least, a light source, a screen and an object. The shadow-pictures, still or moving, appear by the object’s interception of light. Since the 80’s, projected shadows have multiplied in sculpture. In addition, artists use them to enhance their picture quality. Inspired by the works from the beginning of the 20th century (such as László Moholy-Nagy’s Light-Space Modulator (1922-1930)), shadow sculptures stand between photography, cinema and sculpture, between sculpture and picture and between sculpture and projection. They use their technical vocabulary and their vision modality. This specificity distinguishes shadow sculptures from sculptures in the past few decades that preferred the sensorial quality of light and shadows. It also gives the opportunity to question the medium sculpture, which has been constantly (re-)defined since the late 60’s. Lastly, this specificity of shadow sculptures positions them in the context of the 80’s that they question and reflect. Artwork analyses, the definition of the medium sculpture, the study of the historical period beginning in the 80’s and the exploration of the shadows’ polysemy are the four principal elements investigated in the following PhD. They all participate to define shadow sculptures as a singular medium

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Viel, Louis. "La question des relations arts et sciences dans les pratiques artistiques contemporaines." Toulouse 2, 2007. http://www.theses.fr/2007TOU20037.

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Abstract:

Cette recherche a pour objet l’étude des relations entre les arts et les sciences dans les pratiques artistiques contemporaines. Elle y porte un regard épistémologique « ouvert ». Deux parties en sont constituantes. La première est dévolue au positionnement des œuvres « arts et sciences » dans l'ensemble de la production des plasticiens contemporains. Les artistes de ce territoire adoptent une posture de transgression et nous montrons que l'altérité des productions inscrit ces créateurs dans le champ des acteurs sociaux, en particulier par les appropriations qui constituent les matériaux fondateurs des œuvres. De plus il est fécond de confronter les processus mis en œuvre par l'artiste – utilisant le réel comme matériau – à ceux développés par les scientifiques qui agissent sur le réel pour donner une explication des phénomènes constitutifs de notre Univers, voire formuler des prédictions. Le propos de la deuxième partie est de montrer que le dépassement d'une première perception au cours de l'expérience esthétique est particulièrement enrichissant pour le spectateur-acteur qui participe de l'art contemporain. En nous fondant sur un choix d'œuvres exemplaires, nous mettons en évidence les articulations liant le sens manifesté par l'œuvre avec les grandes notions « universelles » comme les questions du temps, de l'espace et de la matérialité du monde ainsi que les différentes interrogations qui y sont attachées. Une telle approche montre que l'art contemporain contribue à la compréhension du monde par la manifestation de données scientifiques que la science formalise dans d'autres registres
The aim of this research is to study the relationship between the arts and the sciences in contemporary art. It takes an « open » epistemological viewpoint. The study consists of two parts. The first part is focused on establishing the position, in the overall context of contemporary artistic production, of those works considered as « arts et sciences ». Artists in this field adopt a transgressive attitude and we show that the otherness of these works allows these creative artists to be included as members of the working community, in particular through the adaptations that make up the foundation materials of their works. Furthermore, it is productive to compare the techniques employed by the artist, using reality as material, with those developed by scientists who use reality to explain and predict the natural phenomena of our Universe. The aim of the second part of the study is to demonstrate that, for the spectator-actor, it is particularly rewarding, when engaging with a work of contemporary art, to go beyond initial aesthetic impressions. Using selected examples, we provide evidence to link the interpretation of a work with such broad « universal » concepts as time, space and the material nature of the world, and the various questions that arise there from. This approach shows that contemporary art contributes to an understanding of the world by displaying scientific information, in a manner other than that expressed by science

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Eggers, Françoise. "Forme et histoire Sur la théorie de l'art de Max Raphael (1889-1952)." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040188.

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Abstract:

Le théoricien et philosophe de l'art Max Raphael (1889-1952) a légué une œuvre d'une très grande richesse. Pourtant seule une infime partie de ses écrits a été publiée de ses écrits aussi bien en Allemagne qu'en France et aux Etats -Unis où il résida successivement. L' objectif de cette recherche est de montrer la cohérence de son œuvre à première vue éclectique, explorant des domaines aussi différents que la peinture classique mais aussi le cubisme, l'architecture grecque, l'architecture médiévale ou constructiviste, puis les peintures rupestres et l'art archaïque dans les dernières années de sa vies. Surmontant le clivage entre idéalisme et matérialisme, ayant conçu une méthode empirique d'analyse des œuvres d'art, Raphael élabore cet idiome qui lui est propre où se cristallisent les concepts fondamentaux permettant selon lui de rendre compte de l'émergence de la forme dans la matière et au sein du processus de la création artistique. Son œuvre, pourtant profondément enracinée dans la tradition de la pensée idéaliste allemande s'inscrit dans une démarche résolument novatrice, entre herméneutique et iconologie, et préfigure à maints égards les voies de l'esthétique moderne
The theorist and philosopher of art Max Raphael (1889-1952) bequeathed a work of a very great richness. However only a negligible part of his writings was published as well in Germany as in France and in the United States where he resided successively. The objective of this research is to show the coherence of his work at first sight eclectic, exploring fields as different as traditional painting but also the cubism, the Greek architecture, medieval architecture or constructivist, then the cave paintings and archaic art in the last years of his life. Overcoming cleavage between idealism and materialism, having conceived an empirical method of analysis of the works of art, Raphael works out this idiom which is peculiar to him where crystallize the fundamental concepts allowing, according to him, to realize of the emergence of the form in the matter and within the process of artistic creation. However deeply rooted in the German idealistic tradition, his work comes within the context of a resolutely innovative step, between hermeneutics and iconology, and prefigures in many ways the modern esthetics

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Desiderio, Pauline. "L'art contemporain comme experiences de paradoxes : anamorphoses et autres distorsions de l'espace-temps." Thesis, Montpellier 3, 2019. http://www.theses.fr/2019MON30095.

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Abstract:

L’anamorphose ou l’art de l’image qui se déploie dans l’espace en se formant et se déformant, propose une expérience singulière. Si elle semble naître à la Renaissance, elle se répand ensuite sur les murs des centres cartésiens au XVIIe siècle, plongeant le public dans le doute. Elle s’impose à nouveau au XXe siècle dans l’œuvre des artistes surréalistes qui voient en elle la possibilité de créer des images doubles. Elle revient aujourd’hui, dans l’Art contemporain, transcendée par la possibilité de sortir du cadre. Felice Varini et Georges Rousse atomisent et distordent les images en les projetant dans un volume quand elles sont habituellement bidimensionnelles. Les sculpteurs Markus Raetz et Tjeerd Alkema travaillent, eux, des volumes se transformant alors que le spectateur tourne autour, arpente l’espace, s’approche ou s’éloigne de l’œuvre. Une esthétique poétique de la distorsion et du paradoxe, d’une relativité subjective et perceptive, nous entraînera pas à pas de l’expérimentation de l’anamorphose aux singularités spatio-temporelle des confins de l’univers
The anamorphosis, or the art of picture that deploys itself into space by forming and deforming itself, proposes a strange and singular experience. If it seems to be born during the Renaissance, it spread out later on the wall of cartesians’ centers in the 17th century, to drive the viewer into doubt. Later, it was found in the 20th century with surrealists’ works, where they were using it to show double pictures. It comes back today in contemporary art transcended by the possibility to go beyond the frame. Felice Varini and Georges Rousse atomize and distort pictures, throwing them into space, even if they are usually two-dimensional ones. Markus Raetz and Tjeerd Alkema create sculptures that transform themselves when the public walks around in the room and comes closer or farther. A poetical aestheticism of distortion and paradox, of a subjective and perceptive relativity, will bring us step by step from the anamorphosis experience to the space-time singularities of the universe

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Wang, Hongfeng. "Être artiste à Shanghai au début du XXI' siècle, entre institutions publiques et marché." Paris 7, 2014. http://www.theses.fr/2014PA070073.

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Abstract:

Depuis les deux derniers plans quinquennaux, le gouvernement chinois met au premier rang de ses priorités le développement des zones rurales. La stratégie suivie repose largement sur l'industrialisation et l'urbanisation, ce qui d'une part ne tient pas compte des thypicités de l'espace rural et d'autre part entre en contradiction avec les objectifs de protection de l'environnement et de stabilité sociale. Le développement rural est envisagé comme la diffusion du développement urbain. Dans cette thèse sont recherchés les moyens de réaliser des projets de développement socialement durable en Chine rurale. Partant du principe que les techniques et systèmes économiques durables existent déjà, le problème central est de trouver les moyens de les appliquer dans le contexte chinois. Le deuxième objectif est de déterminer quel acteur est à même de mettre en place un modèle de développement durable, et comment il peut légitimer ses actions auprès des acteurs actuels locaux que sont les gouvernements et les entrepreneurs. La thèse relate une recherche-action. Dans le cadre d'un village du Hebei, ont été lancés des projets de réhabilitation du patrimoine (tourisme, gîtes, produits du terroir). Le patrimoine est placé au centre du développement du village. Ces initiatives offrent l'occasion d'étudier la réaction de la population et du gouvernement local. Cette première série d'actions prépare l'étape suivante, une intervention à l'échelle d'un territoire de cinq villages. Cette proposition est analysée au regard d'autres modèles de développement alternatif, telles que celui formulé par le Nouveau mouvement de reconstruction rurale. Ces projets restent pour la plupart limités en termes d'échelle
The development of the art market in China has drastically changed the Chinese art world for 30 years. This market is supervised, controlled and monitored by the govemment which also vigorously takes part in its expansion. First, this thesis disçusses the analysis of public and private mechanisms which allow artists to practice their professions. All these mechanisms are presented in a historical perspective. The main research field of this thesis is the city of Shanghai. It shows that these public and private mechanisms, far away from opposing each other, interpenetrate each other. Second, this thesis talks about artistic careers: from training programs in schools and at universities to part-time or full¬time pursuit of the artistic profession on the local, national or international stage. This survey is based on questionnaires and interviews with artists and students who are very involved in visual arts. Thus, this thesis is both a contribution to the literature on changes in the fast 30 years and to the one on artistic careers

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Majoul, Madiha. "La création artistique, les théories des fractales et du chaos : (L'art et la nouvelle vision scientifique de la complexité)." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010504.

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Abstract:

Dans cette thèse, j'ai entrepris de montrer qu'il est possible de favoriser le développement de la connaissance artistique, en utilisant les théories scientifiques récentes : chaos et fractales. Ces théories ne se rattachent pas à l'infiniment grand ou encore à l'infiniment petit, mais au monde à notre échelle. Elles se proposent d'appréhender le monde mouvant des formes naturelles et les processus complexes de la nature. Cette nouvelle vison scientifique de la complexité offre un langage nouveau et une modélisation des arbres, arbrisseaux, montagnes et nuages, objets de prédilection des artistes. Elle semble pertinente pour éclairer certains aspects obscurs, relatifs à la création artistique. C'est ainsi que diverses analogies, sont développées pour proposer en premier lieu, une réflexions sur la dynamique de l'acheminement vers l'œuvre d'art, partiellement prévisible, ou hasard et déterminisme, faire et défaire, sont les lieux d'édification d'une structure complexe du chemin. Ensuite, une nouvelle lecture des formes de Paul Klee et de la fragmentation chez Van Gogh ; - peintres connus pour l'intérêt à restituer dans leurs œuvres les structures internes de la nature -, est assurée par le modèle fractale. Enfin, la troisième partie, esquisse une ouverture sur l'avenir de la fractale dans l'art contemporain, ou l'on voit d'un cote quelques expressions plastiques élaborées par des artistes fractaliens, de l'autre une certaine « plasticité » fractale dans les œuvres de Klee et de Van Gogh.

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Bellec-Nado, Gaëlle. "Le Royaume du Bhoutan, dépositaire du Bouddhisme de Dorje Thegpa : la statuaire en argile : patrimoine matériel et immatériel (du 17e au 21e siècle) : définition d’un style régional." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040222.

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Abstract:

Au vingt-et-unième siècle, le Bhoutan délivre les trésors de la statuaire du bouddhisme de Dorje Thegpa (skt. Vajrayâna) dont il demeure l’intègre dépositaire. La tradition artisanale se reflète au sein de ce royaume par son patrimoine matériel et immatériel. L’unification du territoire au 17e siècle, a néanmoins acheminé le modèle tibétain vers une interprétation régionale drukpa kagyu et nyingma. La statuaire d’argile replacée dans son univers de création in situ ou en atelier, dans ses institutions de prévention et de développement, propose un corpus varié de forme. Toutefois, la diversité s’efface dans la décomposition et la reconstruction des éléments superposés. Dans les mains des religieux la forme creuse s’anime de l’intérieur, pour devenir le support de foi d’une lignée religieuse. Sur les routes de pèlerinages aux lieux sacrés, la statuaire d’argile bhoutanaise nous ouvre de nouveaux horizons dans l’interprétation régionale des apparences, laissés aux artisans jimzop
In the twenty-first century, Bhutan is the sole depository of the masterpieces of the statuary of Tibetan origin of Dorje Thegpa (skt. Vajrayâna) Buddhism. Traditional Bhutanese craftsmanship stands as the guarantor of the transmission of this material and immaterial religious heritage. Nevertheless, the Tibetan model has moved towards a regional drukpa kagyu and nyingma interpretation due to the unification of the territory during the seventeenth century. Replaced in the universe of its creation /in situ/ or in workshops, the clay statuary offers a diverse corpus of shapes preserved by the official institutions for its protection and development. However, its diversity partially fades during the natural breaking down of the layered elements which compose the statues, and during their reconstruction. In the hands of religious practitioners, the hollow part of the clay pieces comes alive from the inside to become a basis for faith along the pilgrimage routes or in sacred places. By receiving the monopoly of Bhutanese clay statuary, the jimzop craftsmen open new perspectives in the regional interpretation of appearances

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Caron, Jean-Michel. "Art - expérience." Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26336.

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Abstract:

Le présent mémoire est un texte d’accompagnement qui témoigne du développement de mon travail de recherche tout au long de mon parcours de maîtrise en arts visuels. Ce texte prend la forme d’un journal de bord qui aborde mon cheminement d’artiste d’une façon chronologique. Ce texte évolue au rythme des réalisations ponctuelles et des réflexions qui y sont liées. L’aboutissement prend la forme d’une synthèse par la mise en espace des meilleures expériences retenues durant mes études.

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Trapp, Franziska. "Lectures de cirque contemporain : un modèle d'analyse des représentations circassiennes axé sur des textes et contextes." Thesis, Montpellier 3, 2019. http://www.theses.fr/2019MON30002.

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Abstract:

En 1996, après avoir assisté à la dernière représentation de la septième édition du Centre National des Arts du Cirque, le journal parisien Libération prédit une troisième ère du Cirque : « Après les cirques traditionnels, puis les nouveaux cirques, il faut désormais compter avec le cirque contemporain. » Le pronostic devient réalité : la pièce du metteur en scène Joseph Nadj est considérée, en France comme ailleurs, comme le point de départ d’un nouveau genre dont la définition reste des plus vagues jusqu’à aujourd’hui : « Le cirque contemporain, lui, n’a strictement aucune unité formelle, ou disons, sans craindre le paradoxe, que c’est la diversité de ses formes qui l’unifie. » D’une part, cela s’explique par le fait que, dans le cirque contemporain, l’originalité est un moteur central et, d’autre part, que le genre se situe encore dans une phase de développement. Cela est en outre dû à l’absence jusqu’à aujourd’hui, dans la recherche scientifique, d’une analyse détaillée des représentations du cirque contemporain et qu’en plus on ne dispose pas d’un modèle d’analyse cohérente des représentations du genre. Le discours actuel autour du genre s’intéresse moins de savoir comment les spectacles de cirque contemporain engendrent du sens et quels sont les procédés caractéristiques qui les définissent. Au lieu de cela, on s’interroge sur ce qui devrait caractériser les pièces. Notre thèse tient compte de ce desiderata en développant pour la première fois une méthode pour analyser les représentations de cirque contemporain. En outre, elle explique et interprète résolument le genre au moyen d’une méthode solide, c’est-à-dire d’une description contextualisée de l’objet – à savoir la représentation – dans son contexte historique et culturel et fournit ainsi, au sens lessingien du terme, une dramaturgie du cirque contemporain qui, malgré la diversité des représentations, révèle des caractéristiques généralisables, le procédé fondamental, la structure des pièces et l'effet qu'elles produisent. Le développement du modèle de lecture pour les spectacles de cirque contemporain ainsi que l’évolution consécutive et la spécification du modèle s’appuient sur l'analyse textuelle de la poétique de la culture que justifie l’historien de la littérature Moritz Baßler dans son œuvre La fonction d’une poétique de la culture et l’archive sur la base du New Historicism conçu par Stephen Greenblatt. En outre, le travail présent se situe dans le domaine des théories de lecture relevant de la science du théâtre (Fischer-Lichte) et de la danse (Foster et Brandstetter). Le noyau de l‘argumentation se fonde sur l’hypothèse selon laquelle les représentations de cirque sont lisibles en tant que textes culturels
In 1996, the Paris newspaper Libération predicted a third era of circus after visiting the seventh edition of the Centre National des Arts du Cirque: “After traditional and new circus, we now have to account for contemporary circus.” The prognosis became reality: nowadays, in France as elsewhere, the performance of Joseph Nadj is considered as the starting point of a new genre whose definition however remains vague: “The contemporary circus has no formal unity. It is paradoxically the diversity of its forms that unifies the genre.” On the one hand, this is explained by the fact that originality is a central motor in contemporary circus; on the other hand, the genre is still developing . A further reason for the lack of a clear definition lies in the absence of detailed analyses of contemporary circus performances in circus research, and in the desideratum regarding a coherent model for its interpretation. The current discourse dedicated to the genre is less interested in knowing how contemporary circus performances generate meaning and in outlining the characteristic techniques and processes. Instead, one wonders what should characterize the performances. The present thesis takes into account this desideratum by developing for the first time a method to analyse representations of contemporary circus. In addition, it resolutely explains and interprets the genre by means of a contextualized description of the object - namely representation - in its historical and cultural context. In the Lessingian sense of the term, the thesis therefore provides a dramaturgy of contemporary circus which, despite the diversity of representations, reveals generalizable characteristics of the genre, the fundamental techniques and structures of the performances. and the effects they produce. The development of a reading model for contemporary circus performances as well as the consequent evolution and the specification of the model are grounded in the textual analysis of poetics of culture that the literary scholar Moritz Baßler justifies in his work on the basis of the theory of New Historicism designed by Stephen Greenblatt. In addition, the present work situates itself in the field of reading theories pertaining to theatre (Fischer-Lichte ) and dance studies (Foster and Brandstetter ). The core of the argument is based on the assumption that circus performances are readable as cultural texts

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Thibault-Morin, Maude. "Construire des mondes : une démarche picturale immersive." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28346.

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Abstract:

Dans ce texte destiné à accompagner mon travail d’atelier, j’aborde mon besoin de solitude et son rôle dans ma pratique artistique. Je tenais aussi à expliquer l’importance que je porte à la dimension charnelle de l’art. D’abord, je décris la relation que j’entretiens avec mes médiums de création et mes matériaux, tout en observant les caractéristiques formelles de mon travail de dessin et de peinture. Puis, j’expose comment j’ai canalisé mes gestes instinctifs dans des contextes de création prédéterminés. Ainsi, j’explique que mes démarches picturale et graphique ont pris la forme de corpus qui ont généré des univers stylistiques et narratifs distincts. Durant mes deux années de maîtrise, j’ai réalisé des corpus qui composent trois mondes fictifs différents. En analysant ma façon de procéder, j’ai constaté que même si j’avais une approche figurative, je cherchais constamment à esquiver toute référence qui reproduisait directement le monde réel. J’ai par la suite réfléchi au rôle que l’émotion prenait dans mon travail. J’ai compris que, jusqu’à maintenant, ma démarche artistique cherchait à combler des besoins de contemplation et de rêverie. Finalement, ce texte est une occasion, pour moi, d’exposer la méthode de création qui a dirigé mon travail en atelier, durant mes deux années de maîtrise. Mots clés : solitude, dessin, peinture, corpus, monde, narration

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González, Vásquez Angélica. "Les écrits des curateurs : analyse depuis la théorie curatoriale et l'histoire des expositions." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080091.

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Abstract:

Cette thèse interroge le champ de pratiques et de positions discursives appelées récemment « curating ». L’approche que nous avons choisie est celle de l’analyse des écrits des curateurs d’art contemporain. De nature très variée, ils nous permettent de percevoir leurs conceptions à partir de leurs pratiques d’organisation d’expositions et des diverses activités de présentation publique de l’art. Il s’agit de traiter la proximité, ainsi que la distance, entre la construction d’une théorie curatoriale et la pratique à travers un ensemble de règles et d’opérations de normalisation décidées par une communauté disciplinaire et professionnelle. La notion de champ de curating est abordée à partir des diverses conceptions sociologiques et philosophiques qui nous conduisent à approfondir la question de l’écriture des curateurs sur un terrain concret au sein des expositions. À travers des cas historiques, nous abordons la question des traces écrites laissées par une exposition ; nous examinons également certains problèmes associés à la construction de l’histoire des événements artistiques d’art contemporain. La dernière partie de cette recherche est consacrée à la question des stratégies discursives de positionnement des curateurs à partir des publications parues depuis les années 1990. Ces formes discursives constituent entre autres la base de l’enseignement des formations curatoriales récentes
This thesis questions the practice field and discursive positions recently called curating. The perspective we have selected is the analysis of writings by contemporary art curators. Of varied nature, these texts allow us to discern their understanding of their practice of organizing exhibitions and diverse activities for the public display of art. With the purpose of tackling the proximity and the distance between the construction of curatorial theory on one hand, and on the other, curatorial practice as determined by a set of rules and processes decided by a disciplinary and professional community. The notion of the curatorial field is approached through various sociological and philosophical concepts that lead us to deepen our inquiry about writing to a concrete field of exhibitions. Selected historical cases allow us to address the issue of written traces left by an exhibition; equally important, we examine certain problems related to the construction of the history of art events in contemporary art. The last part of this research is devoted to the question of discursive strategies of positioning by curators, starting with publications that first appear in the 1990s. These discursive forms, among others, constitute the foundation of teaching in recent curatorial training

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Blanchet, Anne-Sophie. "Lorsque le spectateur se fait acteur : la manoeuvre artistique." Thesis, Université Laval, 2012. http://www.theses.ulaval.ca/2012/29378/29378.pdf.

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Abstract:

La manoeuvre est une conception de l’art action développée au début des années 1990 au Québec. La création collective y est perçue comme un moyen de renouer avec l’environnement et de repenser la pratique de la performance. Les oeuvres-manoeuvres cherchent ainsi à sortir le spectateur de sa léthargie habituelle afin de le faire participer au processus de création, tant physiquement qu’intellectuellement. Ce mémoire vise à analyser comment une participation plus active du spectateur dans le processus de création artistique peut influencer la réception et l’appréciation de l’oeuvre performative par le grand public.

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Levy, Fanny. "FIGURES SANS VISAGE Disparaitre, Dessiner, S'apparaitre." Master's thesis, Université Laval, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11794/40162.

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Abstract:

Dessiner est dans ma pratique une action artistique, politique et sociale de résistance à l’effacement et à la disparition des figures, des personnes. Dans ma pratique, le dessin rend visible et son processus se définit par une action intrinsèque aux mouvements du corps : il suit ses tremblements, s’imprègne de son contexte et trace un lien entre son état intérieur et extérieur. À travers un processus d’actions dessinées, ma recherche questionne l’état de présence, son apparition et sa disparition. Ma pratique du dessin s’est ainsi déplacée pendant la maitrise, en va-et-vient constants de mon atelier vers l’espace public. À l’atelier je dessine en suivant des conditions de création, dans l’espace public, j’invente des espaces dans lesquels j’invite des personnes à se dessiner selon certaines conditions. Nous verrons comment l’action de dessiner permet de s’apparaitre à soi et aux autres. Et comment cette micro action cherche à recréer du lien. Il sera question dans ce mémoire de définir les axes de résistance des actions dessinées et de comprendre en quoi ces actions locales et volontairement rudimentaires agissent dans ma pratique en tant que « perturbateur social »

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Robitaille, Vincent, and Vincent Robitaille. "Comment occuper calmement une position non-définie par l'autre." Master's thesis, Université Laval, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.11794/37874.

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Abstract:

Je suis né juste avant les vidéo VHS. Je ne sais toujours pas ce que les gens vivent. Ni ce qu’ils connaissent. Lorsqu’ils ferment une porte. Lorsqu’ils en ouvrent une. Le tourbillon. L’électricité. Le grand oui enfin. Je ne sais comment les gens cultivent leur sens. Je fais état ici de mes enquêtes sur les conditions passagères et favorables à l’état de grâce; celui qui sait me libérer juste assez longtemps de mon existence parfois trop actuelle pour me redonner l’envie d’y rejouer toujours. Projection, transfert; je m’identifie souvent aux contextes que je visite momentanément. Afin d’éviter qu’une langue vivante ne devienne langue morte, la kabbale juive, en interprétant seulement les consonnes, traduit ainsi un cantique de la première bible en hébreu: «Le double véritable de l’homme habite dans une pièce sans porte avec une seule fenêtre de laquelle il ne peut se faire entendre des hommes; celui qui parvient à maîtriser son double, et à le civiliser, celui-là sera en paix avec lui-même.» Moi qui aurai eu la chance d’être parfois entendu. Peut-être dans un même ordre d’idées, un passage de la médecine autochtone d’ici suggère que la corneille a un pied dans chaque monde: celui connu, et l’autre. Les Anciens disent que lorsque la corneille se mire dans une flaque d’eau en forêt, elle s’y penche et griffe son propre reflet. J’essaie d’entendre. Je n’ai pas su encore parler d’amour.
Je suis né juste avant les vidéo VHS. Je ne sais toujours pas ce que les gens vivent. Ni ce qu’ils connaissent. Lorsqu’ils ferment une porte. Lorsqu’ils en ouvrent une. Le tourbillon. L’électricité. Le grand oui enfin. Je ne sais comment les gens cultivent leur sens. Je fais état ici de mes enquêtes sur les conditions passagères et favorables à l’état de grâce; celui qui sait me libérer juste assez longtemps de mon existence parfois trop actuelle pour me redonner l’envie d’y rejouer toujours. Projection, transfert; je m’identifie souvent aux contextes que je visite momentanément. Afin d’éviter qu’une langue vivante ne devienne langue morte, la kabbale juive, en interprétant seulement les consonnes, traduit ainsi un cantique de la première bible en hébreu: «Le double véritable de l’homme habite dans une pièce sans porte avec une seule fenêtre de laquelle il ne peut se faire entendre des hommes; celui qui parvient à maîtriser son double, et à le civiliser, celui-là sera en paix avec lui-même.» Moi qui aurai eu la chance d’être parfois entendu. Peut-être dans un même ordre d’idées, un passage de la médecine autochtone d’ici suggère que la corneille a un pied dans chaque monde: celui connu, et l’autre. Les Anciens disent que lorsque la corneille se mire dans une flaque d’eau en forêt, elle s’y penche et griffe son propre reflet. J’essaie d’entendre. Je n’ai pas su encore parler d’amour.

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Paul, Frédéric. "Convergences aventureuses : l’écho des années soixante-dix californiennes sur l’art européen des années quatre-vingt-dix et autres essais sur l’art contemporain." Rennes 2, 2008. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00383238/fr/.

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Abstract:

Le contexte artistique californien de la fin des années 60 et du début des années 70 constitue un terrain favorable aux investigations d’une nouvelle génération d’artistes, même s’il ne bénéficie pas de réels soutiens logistiques marchands ou institutionnels. L’art conceptuel promu à la même époque par Seth Siegelaub à New York prépare une alternative à l’art minimal. Ce phénomène a déjà son équivalent en Europe. La dématérialisation de l’oeuvre d’art aura des conséquences décisives en Californie, où elle donnera naissance à un art conceptuel dénué de tout dogmatisme marqué par l’influence de fortes personnalités comme Edward Ruscha et John Baldessari. Des artistes originaires de la côté est comme Douglas Huebler, William Wegman, Robert Cumming, du Midwest comme Ruppersberg trouveront de l’autre côté des États-Unis des conditions de travail plus stimulantes. Des Européens comme Bas Jan Ader ou son complice Ger van Elk suivront le même chemin. Leurs oeuvres ne trouveront pas immédiatement sur place une grande visibilité. Mais après une éclipse d’une quinzaine d’années, voici qu’une nouvelle génération d’artistes européens (citons des artistes comme Claude Closky, en France, ou Jonathan Monk, en Angleterre) se penche sur ces grand frères et les place au premier rang de leurs références. À partir d’exemples sélectionnés d’artistes et d’un corpus de textes constitué depuis le début des années 90, que j’ai écrits pour différents catalogues d’expositions, revues, éditeurs, l’objet de cette thèse est de présenter ce dialogue entre les générations et de mettre en évidence certaines convergences malgré la dissemblance des contextes institutionnels et sociétaux
The art scene in California in the late 1960s and early 1970s established favourable terrain for the investigations of a new generation of artists, even if it did not enjoy any real logistical support, be it from the art trade or from institutions. The conceptual art promoted at the same time by Seth Siegelaub in New York prepared an alternative to Minimal art. This phenomenon already had its equivalent in Europe. The dematerialization of the work of art would have decisive consequences in California, where it gave rise to a Conceptual art stripped of any dogmatism and marked by the influence of powerful personalities like Ed Ruscha and John Baldessari. East coast artists such as Douglas Huebler, William Wegman, and Robert Cumming, plus Ruppersberg in the Midwest, would find more stimulating working conditions on the other side of the United States. Europeans like Bas Jan Ader and his colleague Ger van Elk would follow the same path. Their works would not find any immediate on-the-spot visibility, but after a gap of about fifteen years, a new generation of European artists (let us mention artists like Claude Closky, in France, and Jonathan Monk, in England) leaned on those older brothers and elevated them to the rank of primary references. Using selected examples of artists and a corpus of texts put together since the beginning of the 1990s, written for various exhibition catalogues, reviews and publishers, the aim of this thesis is to introduce this dialogue between generations and shed light on certain convergences despite the disparity of institutional and societal contexts

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Kobryn, Olga. "Esthétique de la durée." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA055.

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Abstract:

La problématique essentielle de la présente recherche découle de l’intuition qu’il y aurait à l’intérieur du régime contemporain de l’art, et ce malgré le caractère à première vue très hétérogène de ses expressions artistiques, un moment esthétique commun, un moment commun de forme et d’investigation conceptuelle, qui s’est défini, tout au long de ce travail, comme la notion d’esthétique de la durée. Ce terme théorique, qui englobe aussi bien un certain nombre d’installations, d’images contemporaines en mouvement conçues pour l’exposition à l’intérieur des espaces muséaux ainsi que de productions cinématographiques, n’est pas réductible au concept de la durée bergsonienne, même s’il s’y apparente par certains aspects, notamment par l’idée du devenir en tant que changement d’état et de qualité, devenu le principe esthétique d’une grande majorité des œuvres contemporaines. La notion de durée se trouve ainsi à l’origine d’une nouvelle conceptualisation de la forme de l’œuvre d’art et travaille au cœur même de la constitution d’une pensée esthétique singulière qui définit le régime contemporain de l’art en tant que régime de pensée indépendant que nous proposons de qualifier de conceptuel
The main topic of this work develops from the intuition that there would be, inside the contemporary regime of art - despite the impression of extreme heterogeneity that its artistic expressions could give at first sight - a common aesthetic moment, a common moment of form and conceptual investigation, that will be defined throughout this work as the notion of Aesthetics of Duration. Such a theoretical notion refers to a certain number of installations, contemporary moving images created for museum space as well as cinematographic productions. However, it does not only involve Henri Bergson’s concept of Duration even though the theory echoes it in several ways, such as the idea of becoming as a change of quality. The approach turns out to be at the origin of a new conceptualization of the very form of works of art. Deeply influencing the development of a singular aesthetic approach, The Aesthetics of Duration defines the contemporary artistic regime as an independent regime of thought that could be qualified as conceptual

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Anzellotti, Elisa. "Memoria e materia della danza : problemi conservativi di un patrimonio culturale immateriale." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080130.

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Abstract:

Ce document vise à répondre à un discours sur la conservation du patrimoine culturel immatériel, qu’est la danse.A partir d'un postulat philosophique esthétique, nous étudierons les problèmes qui se posent avec un art dont l'essence réside dans l’éphémère.Une nouvelle perception du temps et de l’espace entrent en jeu et font que la danse est plus adaptée que les autres arts à l'évolution de ce siècle fluide et remplie de dichotomies.Pour bien comprendre l'importance de la préservation de ces biens, nous avons consacré un chapitre à la législation sur le patrimoine culturel immatériel, en référence notamment à la danse et aux droits d'auteur, point essentiel, lorsque nous allons aborder les problèmes liés aux archives, thème sur lequel se concentre une grande partie de notre travail.Après avoir enquêté sur les matériaux de la danse (avec une attention particulière sur le corps du danseur, le nouvelle technologies et sur le rapport avec les arts plastiques), nous traiterons la problématique de la préservation de la danse. Les principales questions concernent l'avenir, la préservation dans l'ère numérique, avec une référence particulière aux changements des musées et des archives.Nous prendrons pour exemples des cas européens et italiens pour étudier la situation de la protection de la danse et comprendre son évolution. Le critère qui a guidé ce choix fut précisément celui de souligner le danseur (nous nous somme appuyé sur la collaboration d’importants danseurs, comme les Dupuy, aussi avec de les entretien).De cette façon, nous avons jeté les bases théoriques d'un centre idéal pour l'étude et la préservation de la danse en Italie
This paper aims to discuss the difficulties involved in the preservation of the an intangible cultural heritage: the Dance.We shall begin from an aesthetic and philosophical premise as we investigate the problems that arise with an art form whose virtual essence lives in the ephemeral. However, this quality and the different perception of time and space that the dance create, that allows this art form to adapt to the fluidity of the 21st century - an era encumbered by dynamic dichotomies.In order to fully understand the importance of preserving this cultural heritage, an entire chapter has been devoted to “intangible cultural heritage legislation” which includes particular reference to dance works and copyright laws. An understanding of this aspect is essential - especially when confronting problems related to exploring and researching within dance archives - a prominent theme in this work. The thesis then moves onward to define the element of dance itself, with particular attention placed on the dancer’s instrument (the body) and the new technology. Only after thoroughly exploring this fundamental aspect, we will then discuss the sensitive issue of dance archive preservation.The preliminary exploration and definition in the thesis then brings us to the main question: How can we preserve and protect dance masterpieces in the digital era, especially with respect to current changes in National museums and archive conservation.Specific examples with regards to dance conservation and its evolution have been hued from selected European Institutions and in particular, those in Italy. One of the overriding concepts throughout this thesis has been to focus on the topic from the dancers point of view and therefore, collaborating with important dance figures such as the French master, Dupuy, has offered invaluable insight. It is the hope of this thesis to lay the ground work of a theoretical basis for an ideal center to study and preserve the evolution of dance in Italy
Il presente lavoro ha come obiettivo quello di affrontare un discorso conservativo di un bene culturale immateriale, qual è la danza.Partendo da una premessa estetico filosofica, si indagano le problematiche che si pongono in essere con un’arte la cui essenza risiede nell’effimero. Questa caratteristica, insieme alla diversa percezione di spazio e tempo che si ha con la danza, fanno sì che si adatti meglio di altre arti ai cambiamenti di questo secolo fluido e pieno di dicotomie.Per comprendere appieno l’importanza della salvaguardia di tale bene è stato dedicato un capitolo alla legislazione dei beni culturali intangibili, con particolare riferimento alla danza e al diritto d’autore, fondamentale anche quando si vanno ad affrontare le problematiche riguardanti gli archivi, punto su cui è incentrato molto del lavoro. Tema cardine è infatti la questione della conservazione della danza sia nelle sue componenti materiali, ma soprattutto nella sua immaterialità. Ruolo centrale è rivestito dal corpo del danzatore, elemento sfuggente come in tutte le arti performative. Particolare attenzione viene data alle nuove tecnologie (fotografia, cinema e video) senza tralasciare la documentazione e la conservazione che si ha con la scrittura e le immagini (con specifico riferimento al rapporto con le arti plastiche). Vengono presi in esame poi specifici esempi europei e italiani per indagare la situazione inerente la conservazione della danza. Un criterio che ha guidato la scelta è stato proprio quello di dare risalto al danzatore. In questo modo si sono volute gettare le basi teoriche per un ideale centro per lo studio e la conservazione della danza in Italia sul modello francese del CND

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Bach, Caroline. "Quand l’art contemporain s’intéresse à l’économie : espaces de travail et formes économiques en question." Thesis, Montpellier 3, 2019. http://www.theses.fr/2019MON30088.

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Abstract:

Dans un ouvrage intitulé Art et économie, Jean-Marc Huitorel indiquait, dans son introduction, que « l’artiste fournit des outils pour lire le monde ». Pour les artistes dont la pratique est tournée vers l’extérieur et consiste, entre autres, à fournir des outils pour lire le monde (Allan Sekula ou Alfredo Jarr, par exemple), un travail avec l’économie est inévitable, sans pour autant qu’ils en deviennent nécessairement des spécialistes. Que ce soit à travers des cartographies des flux ou des dispositifs explorant, à grande échelle, la mondialisation des échanges, ou que cela soit à une autre échelle, à travers les espaces et conditions de travail, ils s’inscrivent parfaitement dans le courant 'hétérodoxe' (qui revendique la pluralité des approches) et apportent toute sa légitimité au dialogue entre art et économie
In a book entitled Art and Economy, Jean-Marc Huitorel stated, in his introductio,n that 'artist provides tools to read the world.' For the artists whose practice is looking outward and consists, among other things, into provide tools to understand the read (Allan Sekula or Alfredo Jarr, for instance), an approach with economy is inevitable, without, however becoming necessarily specialists. Whether through flows cartography or exploring global trade mechanisms, on a large scale, or whether through a different scale, exploring spaces and working conditions, they fit perfectly into the current 'heterodox' (which claims the plurality of approaches) and give full legitimacy to the dialogue between art and economy

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Gee, Gabriel. "La création et ses formes dans le contexte socio-politique de la Grande-Bretagne : les scènes artistiques dans le Nord de l'Angleterre des années 1980 au début du 21e siècle." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100132.

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Abstract:

Cette étude porte sur les scènes artistiques dans les grandes conurbations du Nord de l'Angleterre depuis la fin des années 1970 et l'élection de Margaret Thatcher à la tête du gouvernement britannique jusqu'à nos jours. La production, la diffusion, et la réception des arts contemporains à Liverpool, Manchester, Leeds, Newcastle-upon-Tyne sont étudiées en relation avec le contexte socio-politique de l'époque. Ces villes ont progressivement vu au cours du 20e siècle le démantèlement de leurs économies traditionnelles fondées sur la manufacture et diverses activités industrielles. La mise en place pendant les années 1980 des politiques thatcheriennes a accentué les antagonismes nord-sud et Londres - province dans un premier temps. Puis durant les années 1990, ce sont les stratégies de régénération économique au travers des arts et notamment des arts contemporains qui ont prévalu dans la reconstruction urbaine, économique, et identitaire dans le Nord de l'Angleterre. Cette étude s'intéresse au développement des arts durant la période en relation avec ce contexte de transformations sociales et économiques notables, en en considérant les conséquences en termes d'infrastructures, de politiques de diffusion artistiques institutionnelles, mais en considérant également les oppositions, les résistances, et d'une manière générale les interactions qui se forgent entre les artistes, leurs pratiques, et les politiques culturelles, les évolutions de l'environnement, des économies régionales, nationales et mondialisée, les évolutions de la société britannique tant locale que nationale
This research focuses on the art scenes in the cities of the North of England from the late seventies and the election of Margaret Thatcher at the head of the British government to the beginning of the 215` century. The production, exhibition, and reception of contemporary arts in Liverpool, Manchester, Leeds, Newcastle-upon-Tyne are studied in relation to the socio-political context of the time. These Northem cities have witnessed the progressive demise of their traditional economies based on manufacture and various industriel activities. The politics of Thatcherism during the 1980s increased the tensions in between north and south, the capital London and the provinces. During the 1990s, economic regeneration strategies involving arts and particularly contemporary visual arts have prevailed in the reconstructions of the urban, the economic, and identities in the North of England. This study looks at the development of the arts during the period in relation to this context of major social and economic transformations, considering the consequences in tenus of infrastructures, institutional policies of art exhibition, as well as oppositions, resistance, and more generally the interaction that connects the artists, artists practices, to the cultural policies, the evolution of the environment, of regional, national, and global economies, and the evolutions of British society locally and nationaley

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Darida, Veronika. "La théorie de la représentation chez Louis Marin." Paris 12, 2007. http://www.theses.fr/2007PA120017.

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Abstract:

Il y a un « corpus » des livres - un « corpus » de texte nommé : « Louis Marin » - dont on découvrira plus en plus l’importance. Mais « Louis Marin » est aussi une voix vivante et captivante, un regard attentif et inévitable pour ceux qui l’accompagnent en traversant ses textes. L’oeuvre de Louis Marin est une oeuvre qui croise toutes les catégories de l’histoire de l’art, notamment avec ses livres : Sublime Poussin et Philippe de Champaigne ou la Présence cachée. On a choisi deux livres (ultimes et posthumes) de Louis Marin pour illustrer son travail de « méthode », pour montrer sa mode de penser, en bref : pour suivre ses parcours de regard, pour suivre ses pas vers les chemins « traversières ». Les « essais » de Louis Marin ne cessent pas s’interroger sur les entrelacs (le « chiasme ») de l’écriture et peinture. Dans les écrits de Louis Marin, les œuvres lisibles et visibles sont inséparables : il faut « lire » et « décrire » les tableaux. Ces deux livres montrent non seulement l’intérêt inépuisable de cet auteur/écrivain envers les peintres : mais ces deux « portraits » dessinent un portrait (« caché ») de Louis Marin
At his death in 1992, the eminent philosopher, critic and theorist Louis Marin left unfinished his books on Poussin (Sublime Poussin) and Philippe de Champaigne. These books interrogate the theory and practice of representation as it is carried out by both linguistic and graphic signs, and thus the complex relation between language and image. Reading images of Poussin and Champaigne offers us a cultural study of seventeenth century, a history of art and aesthetics and an analysis of reception. Marin demonstrates with consummate rigor why the pursuit of a general theory of representation is experienced by artists and critics alike as an inevitable, yet unattainable objective

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Pellicciotti, Elena. "André Malraux et l’ethnologie : le dialogue des cultures entre civilisations et art." Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040067.

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Abstract:

André Malraux a toujours porté un grand intérêt à tout ce qui concerne l’approche du Divers, les civilisations lointaines et inconnues, l’aventure et la définition de la notion d’homme. L’ethnologie nous a semblé offrir un parcours efficace pour essayer d’élargir, d’un regard spécifique et, croyons-nous, novateur, le champ de lecture d’une œuvre complexe et parfois difficilement classable. Notre but était de reconstruire une toile d’influences, de contaminations et de diffusions entre la pensée, le style et la création artistique de notre auteur d’une part, et certaines idées, théories et pratiques liées au domaine de l’ethnologie de l’autre. Nous avons voulu reconstruire, dans la première partie, le contexte d’origine des deux pôles de notre étude – l’œuvre d’André Malraux et l’ethnologie. Nous avons donc reconstitué le cadre historique de la naissance et de la diffusion de l’ethnologie en France pour en comprendre les enjeux, politiques, sociaux et idéologiques. La deuxième partie de notre étude a été consacrée à l’analyse de l’œuvre de Malraux, menée à partir de thématiques qui nous ont semblé particulièrement pertinentes : l’exotisme, le colonialisme, le mythe de l’aventurier, entre autres, mais surtout les thèmes du Sacré et du Mal. Dans la troisième partie nous avons examiné la notion d’art selon trois aspects différents : la considération des arts primitifs ; le rapport entre la culture orientale et l’Occident ; la fonction du musée selon la science ethnologique et selon l’idée qui ressort des écrits malruciens avec une attention particulière au concept de Musée imaginaire
André Malraux has always been attracted by the Other, by distant civilisations, by adventure and the definition of mankind. In this thesis, I have used ethnology as an original key of interpretation of his work, which forms a complex and difficult to classify corpus. The main aim of this study was to reconstruct the connections between Malraux’s thinking, style and artistic achievements and the ethnological ideas, theories and practices flourishing in his times. In the first part of this thesis, I describe the original context in which both Malraux’s work and ethnology as a discipline developed. I investigate the historical settings in which ethnology was born and developed in France, together with its cultural and societal implications. In the second part, I focus on Malraux’s work, and analyse a number of topics that I have identified as of particular relevance for my research assumption : the attraction for the exotic, colonialism and the myth of the adventurer, and the two major themes of the Sacred and Evil, in particular. In the third and final section, I look at the way art is regarded in Malraux’s works, considering three different aspects : his interest in primitive arts ; the relation between oriental and western culture ; and the idea of the museum as it is laid out in the ethnological approach and as it emerges from Malraux’s writings, with particular attention to the notion of “Musée imaginaire”

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Chevallier, Jennifer Geneviève. "L’empreinte du chamane : le souffle de la pensée chamanique dans l’art contemporain des Premières Nations au Canada. Essai de sociologie de l’art entre 1990 et 2010." Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030025.

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Abstract:

Le chamanisme, exprimé dans l’art contemporain des Premières Nations du Canada, opère comme un puissant marqueur ethnique. Il symbolise l’espace sacré où se joue la résistance culturelle, avec les engagements politiques qui la sous-tendent. Il représente aussi un référent identitaire. L’analyse de ce courant esthétique actuel soulève des questions essentielles : de quelle manière le chamanisme est-il abordé par les artistes, à la fois comme concept et comme pratique artistique ? Quelle est la mission de l’art d’inspiration chamanique contemporain, du point de vue de son rôle social, en tant que gardien de l’identité et de la spiritualité mais aussi comme catalyseur du processus de guérison collective et individuelle ? Dans le contexte artistique postmoderne, le chamanisme peut être considéré comme une source de pouvoir et d’inspiration, une terre sacrée que les artistes autochtones explorent avec détermination. En puisant dans les racines profondes de la tradition, et en s’engageant dans une expérience moderne, les artistes se donnent pour mission de raviver la sagesse des anciens et de se relier à la cosmogonie autochtone.Leur pratique a pour but de réduire le clivage psychique entre nostalgie des origines et indianité contemporaine. Ainsi, le statut d’hybridité donne naissance à une force de transformation d’une grande créativité. Cette thèse analyse les enjeux philosophiques et politiques auxquels l’art d’inspiration chamanique est confronté, en s’appuyant sur un point de vue anthropologique et esthétique. Après un rappel du contexte socio-historique canadien, nous abordons les deux missions essentielles des chamanes de l’art : la réécriture de l’histoire et la reconquête de leur identité, qui dessinent, à travers la reconnaissance de leur différence, l’architecture d’une nouvelle Amérindie
Shamanism in contemporary native art in Canada is becoming one of the most relevant ethnic markers. It is the sacred place, the major source for cultural resistance, with strong roots and political implications underneath. It works as a powerful identity referent. As we analyse the aesthetic phenomenon from a modern perspective,different issues are emerging : how shamanism is acknowledged, both as a concept and as a practice by the First Nations artists ? Which social functions and philosophical involvements are assumed by the contemporary “shamanic art”, considering its symbolic part as the keeper of identity and spirituality, or/and performed or seen as a healing process ?In the postmodern artistic context, shamanism may be considered as an essential source of power and inspiration, a sacred land that most of the native artists are now exploring, defining therefore a new ontology. From the deep roots of the traditional knowledge, their legacy, and through their own contemporary experiment, these artists are trying to bring back the original wisdom in order to reconnect themselves with the native cosmogony and consequently, to reduce the psychic schism between traditionalism’s nostalgy and contemporary indianness (nativeness). Therefore the status of “betweenness”, that is specifically attributed to the native artists, is shifted into a power of creative transformation. This thesis analyses the process of shamanistic inspiration in contemporary native art, through the philosophical and political issues as well as with an anthropological and aesthetics point of view. The historical and sociological contexts are explored before defining th! e two main missions of the “Shamen of Art” : the rewrighting of the History and the Conquest of Identity, drawing through the recognition of their alterity, the architecture of a new “Amerindia”

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Breuil, Marie-Hélène. "L'œuvre de Claude Rutault définitions/méthodes : peinture, écriture, sociabilité." Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040023.

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Abstract:

L'œuvre de Claude Rutault (né en 1941) s’est développé depuis 1973 à partir de l'écriture d’énoncés programmatiques qu'il a appelés "définitions/méthodes", puis "d/m" et plus récemment "dm". Notre étude "L'œuvre de Claude Rutault - définitions/méthodes : peinture, écriture, sociabilité" porte sur le principe même de ces définitions/méthodes, leurs implications formelles, théoriques et sociales, ainsi que sur leurs conditions de production au début des années 1970 ainsi que ces dernières années. À partir du postulat d’origine : "une toile tendue sur châssis peinte de la même couleur que le mur sur lequel elle est accrochée", Claude Rutault a produit un grand nombre d'écrits qui tendent à affirmer la spécificité de la peinture au travers d'analyses de sa matérialité, de son histoire et de son fonctionnement. Considérant le rapport particulier de ce travail au temps - les réalisations donnant lieu à autant d'actualisations différentes - j'ai articulé cette étude autour de deux hypothèses : la possibilité d'une peinture écrite et le caractère éminemment politique de cet œuvre qui redéfinit le travail et le statut de l'artiste, du collectionneur et de l'institution
Claude Rutault's work has developed in the years since 1973 using statements which he calls "definitions/methods", later abbreviated to "d/m", then, more recently "dm". This study, entitled "The Work of Claude Rutault - definitions/methods : painting, writing, sociability" considers the basic principal of the definitions/methods, their formal, theoretical and social implications, as well as the conditions under which the work was produced, whether in the early nineteen seventies or in recent years. Using the original statement: "a canvas, stretched on a frame, painted the same colour as the wall on which it is hung", Claude Rutault has produced a large body of written work which argue for the specific nature of painting through an analysis of its materiality, its history and its different functions. Considering the specific relationship of this work to the passage of time - every time a definition/method is realised, it is reactivated - I have articulated this study around two hypotheses : the possibility of painting as writing and the eminently political nature of Rutault's practice, which redefines the artist's work and status and those of the collector and the art institution

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Kapelusz, Anyssa. "Usages du dispositif au théâtre. Fabrique et expérience d'un art contemporain." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030170.

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Abstract:

Cette recherche est consacrée à l’évolution de la représentation théâtrale immédiatement contemporaine, à l’aune de mutations induites par un ensemble de croisements interartistiques, intermédiaux et, plus largement, interdisciplinaires. Elle est fondée sur l’analyse d’un corpus de créations mixtes et récentes, qui opèrent un recentrement sur leurs dispositifs, c'est-à-dire un agencement matériel, spatialement installé et multimédiatique. Généralement immersifs, ces derniers provoquent, chez le spectateur, une expérience esthétique individualisée de l’ordre de l’activation physique, de la participation ou de la mise en jeu. Par tropisme langagier, ces créations sont fréquemment désignées comme des "dispositifs", terme qui émerge dès lors que les spécificités théâtrales se voient déplacées, sous l’effet d’hybridations multiples. La thèse s’élabore dans un double mouvement : elle distingue différents usages du "dispositif", dans les discours théâtraux, qui traduisent, à plusieurs niveaux, une mise en tension du dispositif théâtral, alors considéré comme un cadre de référence ; conjointement, la recherche examine ce qui "fait dispositif" au sein de ces pratiques, observant l’articulation entre organisation matérielle et expérience esthétique, au cours de l’évènement. Mêlant étude des discours et approche esthétique, la thèse considère le dispositif sous l’angle d’une dynamique de la variation, et comme le signe d’un repositionnement théorique, focalisé sur enjeux relationnels à l’oeuvre dans ces propositions artistiques
This Ph.D. dissertation examines the evolution of the theatrical performance – in its most immediately contemporary state – in light of the mutations engendered by a variety of inter-artistic, intermediary and interdisciplinary exchanges. The study is founded on the analysis of a corpus of recent productions that effectuate a conscious re-centering of their own dispositif: namely through establishing a multi-media and spatially-installed material layout. Often immersive, these productions provoke an individualized aesthetic experience in the spectator, materializing in different kinds of physical activation, participation, or direct involvement. By tropism, these creations are frequently designated as "dispositifs", a term that is often applied when the theatrical specificities of a production are displaced, especially after having undergone multiple hybridations. The dissertation proceeds in a double trajectory. First, it distinguishes different uses of "dispositif" in theatrical discourses, which translates on multiple levels into placing the theatrical apparatus under question – much in contrast to theater as a frame of reference. In parallel, the study examines what at the heart of these creative practices actually constructs "dispositif", thus observing the articulation between material organization and aesthetic experience that occurs during the course of the theater event. Mixing the study of discourses and aesthetic approaches, this dissertation considers the dispositif as a dynamic of variation and as the sign of a theoretical repositioning, focusing on the relational positions highlighted in the art work by these different artistic propositions

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Bentabed, Leïla. "Chemins et langages de la peinture allemande de 1900 à 1945 : Klee et Kandinsky." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040059.

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Abstract:

Klee et Kandinsky donnent à voir l’invisible dans leur art. Leur démarche créatrice repose sur le postulat de l’analogie de la genèse du monde et de l'œuvre. Dans cette double interprétation basée sur l'unicité de la vie, la pensée, l'enseignement et la peinture chez Klee et Kandinsky, la première partie est consacrée à l'étude contrastive de leurs écrits (autobiographiques, poétiques, théoriques et didactiques). Un corpus de textes fondamentaux de ces deux précurseurs de l'art abstrait dévoile une pensée métaphysique créant un lien original entre l'Occident et l'Orient. Les deux artistes parviennent ainsi à résoudre le paradoxe suprême de l'art moderne, à savoir la relation Visible/Invisible. Dans la deuxième partie, l'unité des deux œuvres peints de Klee et de Kandinsky est analysée selon notre propre méthode sémiologique : un système parallèle dynamique de lectures et de décodage des signes et archétypes kléens et kandinskiens démontrent ce passage du visible à l'invisible en tant qu'articulation esthétique spécifique de Klee et de Kandinsky. Notre méthodologie sémiologique basée sur le métissage des approches théoriques s'inscrit dans la problématique actuelle de la théorie de l’art
The artistic method of Klee and Kandinsky is based on the hypothesis that world and creative product emerge simultaneously. Founded on the unity of their life, thought, teaching, and painting, in the first part of my twofold study regarding both thes artist I am focussing on a constrastive analysis of their (autobiographical, poetical, theoretical and didactic) writings. This body of fundamental texts of these two predecessors of abstract art reveals a metaphysical thought, creating an original connection between occident and orient. Thereby, the two artists succeed in resolving the greatest paradox of modern art, namely the relationship between the visible and the invisible. The second part of my thesis is concerned with the analysis of the paintings of these two artists, using my own semiological method. A parallel, dynamic reading and decoding of Klee’s and Kandinsky's signs and archetypes demonstrates that their specific aesthetic expression is the passage from visible to invisible. My semiological method, based on a combination of a variety of theotical approaches, thereby joins the current challenges posed by modern theories of art

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Gourde, Étienne. "La fin de l'art." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27061/27061.pdf.

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Masoura, Athina. "L’expérience immersive du spectateur dans l’art de l’installation." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2018. http://www.theses.fr/2018PA080103.

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Abstract:

L’immersion, notion clé en sculpture contemporaine, notamment dans les installations artistiques, est une réalité complexe qui touche aussi la littérature, le cinéma ou les environnements virtuels interactifs. Cette appartenance pluridisciplinaire a nourrit de riches études mais n’a pas permis d’arriver à une définition universelle du terme. Notre ambition est de rechercher la nature particulère de l’immersion dans l’art contemporain. Cette expérience immersive, qui influence fortement l’expression artistique actuelle, s’est inscrite dans une évolution de l’œuvre d’art et une réévaluation de la place du spectateur. Dès les années soixante, nous identifions l’émergence de plusieurs mouvements artistiques qui s’opposent au dualisme séparatif entre le sujet et l’œuvre et favorisent un engagement intense du spectateur dans la proposition artistique. Afin d’analyser l’expérience immersive dans le cadre des installations contemporaines, nous avons unit des approches théoriques des champs divers, la pratique des artistes contemporains ainsi que ma conception et pratique personnelle de l’immersion en tant qu’artiste-chercheur. La coupure du milieu d’origine, l’intégration physique du sujet dans le monde fictif de l’œuvre qui se déploie en temps et en espace réel ainsi que l’absorption sensorielle et psychologique demeurent les traits principaux de l’immersion telle que nous l’analysons
Immersion, a key concept in contemporary sculpture, especially in installation art, is a complex reality that can also be found in others areas like literature, cinema or interactive virtual environments.This multidisciplinary identity has, one the one hand, nourished a rich study of the topic, but has also inhibited the development of an universal definition of the term. Our ambition is to search for and identify the particular connections between contemporary art and the experience of immersion. This immersive experience, a strongly influence in current artistic expression, is part of an evolution of the work of art and a re-evaluation of the place of the spectator. Since the 1960s, we identify the emergence of several artistic movements which oppose the separative dualism between subject and work, encouraging an intense engagement of the spectator in the artistic proposal. In order to analyse the immersive experience of contemporary installations, we have combined theoretical approaches from diverse fields, the various works of contemporary artists, and my own conception and personal practice of immersion as an artist-researcher. The disconnection from our usual environment, the embodied presence of the spectator in the fictional world of the work, displayed in real space and time, as well as sensory and psychological absorption, remain our main research features of immersion as we analyze it

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McInnis, Catherine. "L'odeur du sang humain me rit et autres considérations sur le métier de peintre." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/29465.

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Abstract:

Le mémoire qui suit fait état des recherches et explorations réalisées lors du parcours m'ayant mené à l'exposition L'odeur du sang humain me rit, présentée à la Galerie des arts visuels de l'Université Laval, du 15 au 22 août 2017. Les œuvres proposées ont été exécutées entre 2013 et 2017, dans le cadre du programme de maîtrise en arts visuels de l'Université Laval et abordent les thèmes de la vanité, de l'abjection ainsi que la notion de pérennité. Issu d'une réflexion sur le rapport de l'artiste à la création, mon corpus de maîtrise est porteur d'une attitude autoréflexive vis-à-vis de la pratique artistique, du travail de la peinture et de l'histoire de l'art, et questionne l'importance du choix des matériaux, et de leur compréhension. Les sujets représentés s'éloignent de la dimension moralisatrice de la scène de genre telle qu'on la connait afin de donner à celle-ci une valeur principalement autobiographique. Mes recherches s'articulent autour du motif de la vanité et de l'utilisation de l'art comme catharsis.

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Falardeau, Isabelle. "Le chantier cyclique du construit, de l’effacement et de ce qui les relie." Master's thesis, Université Laval, 2021. http://hdl.handle.net/20.500.11794/69490.

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Abstract:

Dans ce mémoire, je donne un aperçu de ma perception de ce qui m'entoure et de la manière dont j'aborde le monde à travers ma pratique artistique. Mes déplacements sur le territoire se font à l'intérieur de sites et de paysages que je m'approprie avec la photographie. Je travaille à partir de parcelles extraites du réel, des fragments issus du champ visuel et physique existant, et j'exploite leur effacement partiel à l'aide de la surexposition et du traitement des images. Le brouillage résultant advient également et inévitablement pour moi dans le souvenir que j'ai de mes prises de vue. Une fois que j'ai quitté les lieux photographiés, je m'en fais une représentation paysagère qui s'éloigne déjà du vécu in situ. Je reconstruis dès lors, à partir de cette nouvelle réalité brouillée et fragmentaire, quelque chose de concret et de praticable, qui permettra un renouvellement de l'expérience par le corps. Je travaille mes constructions en intégrant des vestiges de territoire, donnant ainsi une forme renouvelée à l'espace et au temps dont ils se sont dissociés dans la mémoire et l'acte photographique. De cette façon, je prends concrètement part au chantier cyclique du construit, de l'effacement et de ce qui les relie.

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Latreille, Emmanuel. "Le monde comme art." Thesis, Rennes 2, 2018. http://www.theses.fr/2018REN20024.

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Abstract:

L’art moderne et contemporain a quitté le régime de la Représentation pour expérimenter d’autres fonctions et proposer à un nouveau « regardeur » d’autres rapports avec la réalité vécue. Pour cela, il faut que quelque chose de fondamental ait changé dans la relation de l’artiste au monde : l’espace n’est plus quelque chose qu’il élabore au moyen de l’oeuvre, ou en elle. L’espace est, pour l’artiste moderne, une « donnée » dans laquelle il est placé d’emblée, à l’instar de tout être. Cela veut dire qu’il n’y a pas d’espace propre à l’oeuvre d’art qui ne soit l’espace du monde lui-même. L’art, c’est le monde, à travers l’engagement de tout ce qui l’occupe.C’est ce que Jean Paulhan (1884-1968), en parlant des cubistes, avait appelé « l’espace brut » ou « l’espace spontané », et qui est désigné ici comme « l’espace réel », pour le différencier de toute fiction spatiale. C’est aussi ce que Marcel Duchamp a élaboré à travers ses expérimentations sur les choses et le langage, l’ayant conduit à concevoir cette complexematrice de l’art qu’est le Ready-made en remplacement de la Perspective. Ainsi, ce qu’on nomme art contemporain est un art qui s’élabore dans le monde, impliquant les êtres et les choses, les formes et les signes, mais aussi la « lumière » des idées, toujours déjà là. Comprendre l’art, c’est, pour chacun, appréhender, sans pouvoir se dérober, comment se joue une rencontre entre ces entités contradictoires, visant une unité nouvelle et exprimant l’intuition du monde comme Tout.Cette thèse est un tel effort de compréhension qui, dans ma pratique de commissaire d’exposition et de critique d’art, a été partagé avec des artistes, au plus près des oeuvres et dans de multiples contextes, dans le cadre de ces institutions « d’aménagement du territoire » que sont les Fonds régionaux d’art contemporain
Modern and contemporary art have abandoned the system of Representation to experiment with other functions and to offer a new “beholder” different relations with a lived reality. To do this, something fundamental had to alter the artist’s relation to the world: space is no longer developed by means of the work, or within it. For modern artist, space is a “given” in which he is immediately placed, like any being. This means that there is no space peculiar to the work of art which is not the space of the world itself. Art is the world, through the involvement of everything occupying its space.This is what, in talking about the Cubists, Jean Paulhan (1884-1968) called “raw space” and “spontaneous space”, which is here described as “real space”, to differentiate it from any spatial fiction. It is also what Marcel Duchamp developed in his experiments involving things and language, leading him to devise that new matrix of art known as the Readymade,replacing Perspective. So what we call contemporary art is an art that is developed within the world, involving beings and things, forms and signs, invariably already there. For everyone, understanding art is grasping how, without being able to sidestep, the encounter between these contradictory entities is enacted, aimed at a new unity and expressing the intuition of the world as a Whole.This thesis is such an effort at comprehension, which, in my activities as an exhibition curator and art critic, has been shared with artists, at very close quarters with works and in many different contexts, within the framework of those institutions of “regional development”, the regional contemporary art collections (FRAC)

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Chutaux, Corina. "Art, littérature et Intelligence Artificielle. Sur le chemin de la dématérialisation." Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2025. http://www.theses.fr/2025SORUL021.

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Abstract:

Avec l'émergence des intelligences artificielles génératives de nombreuses craintes ont secoué les terrains de l'art et de la littérature divisant potentiellement le monde en deux catégories diamétralement opposées : les technophobes et les technophiles. Cette thèse vise à réconcilier l'art, la littérature et l'intelligence artificielle en proposant un état de l'art sur ces questions et en esquissant des pistes pour l'interprétation de l'esthétique et de la poétique algorithmiques. Il s'agit notamment de mettre en lumière les différentes sémantiques de la créativité. Face à des réalités nouvelles, les termes doivent être réadaptés, recyclés, voire réinterprétés. L'artiste et l'écrivain sont amenés à revoir leurs acquis et à se réinventer, comme l'histoire de l'art l'a prouvé à maintes reprises, mais de manière moins équivoque lors du paragone avec la photographie. Qu'est-ce qu'être artiste ou écrivain à l'aube de la dématérialisation ? Quel apport peut avoir l'intelligence artificielle dans les secteurs de l'art et de la littérature ? Comment relier ces trois domaines, en apparence disjoints, et faire de ce décloisonnement une force dans l'écosystème créatif ? Quelles sont les limites des intelligences artificielles hic et nunc mais aussi quelles sont les limités des artistes humains face à une crise de la représentation ressentie par les critiques d'art depuis plus d'un siècle ?
With the emergence of generative artificial intelligences, numerous concerns have shaken the fields of art and literature, potentially dividing the world into two diametrically opposed categories: technophobes and technophiles. This thesis aims to reconcile art, literature, and artificial intelligence by providing a state-of-the-art overview on these questions and by outlining avenues for interpreting algorithmic aesthetics and poetics. It specifically seeks to shed light on the different semantics of creativity. In the face of new realities, terms must be readjusted, recycled, or even reinterpreted. The artist and the writer are called to reconsider their achievements and reinvent themselves, as art history has demonstrated repeatedly, albeit in a less ambiguous manner during the paragone with photography. What does it mean to be an artist or a writer at the dawn of dematerialization? What contribution can artificial intelligence make to the fields of art and literature? How can these three seemingly disjointed domains be connected, and how can this breaking down of barriers become a strength within the creative ecosystem? What are the current limits of artificial intelligences hic et nunc but also the limits of human artists in the face of a crisis of representation, felt by art critics for over a century ?representation observed by art critics for over a century

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Anzellotti, Elisa. "Memoria e materia della danza : problemi conservativi di un patrimonio culturale immateriale." Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080130.

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Abstract:

Ce document vise à répondre à un discours sur la conservation du patrimoine culturel immatériel, qu’est la danse.A partir d'un postulat philosophique esthétique, nous étudierons les problèmes qui se posent avec un art dont l'essence réside dans l’éphémère.Une nouvelle perception du temps et de l’espace entrent en jeu et font que la danse est plus adaptée que les autres arts à l'évolution de ce siècle fluide et remplie de dichotomies.Pour bien comprendre l'importance de la préservation de ces biens, nous avons consacré un chapitre à la législation sur le patrimoine culturel immatériel, en référence notamment à la danse et aux droits d'auteur, point essentiel, lorsque nous allons aborder les problèmes liés aux archives, thème sur lequel se concentre une grande partie de notre travail.Après avoir enquêté sur les matériaux de la danse (avec une attention particulière sur le corps du danseur, le nouvelle technologies et sur le rapport avec les arts plastiques), nous traiterons la problématique de la préservation de la danse. Les principales questions concernent l'avenir, la préservation dans l'ère numérique, avec une référence particulière aux changements des musées et des archives.Nous prendrons pour exemples des cas européens et italiens pour étudier la situation de la protection de la danse et comprendre son évolution. Le critère qui a guidé ce choix fut précisément celui de souligner le danseur (nous nous somme appuyé sur la collaboration d’importants danseurs, comme les Dupuy, aussi avec de les entretien).De cette façon, nous avons jeté les bases théoriques d'un centre idéal pour l'étude et la préservation de la danse en Italie
This paper aims to discuss the difficulties involved in the preservation of the an intangible cultural heritage: the Dance.We shall begin from an aesthetic and philosophical premise as we investigate the problems that arise with an art form whose virtual essence lives in the ephemeral. However, this quality and the different perception of time and space that the dance create, that allows this art form to adapt to the fluidity of the 21st century - an era encumbered by dynamic dichotomies.In order to fully understand the importance of preserving this cultural heritage, an entire chapter has been devoted to “intangible cultural heritage legislation” which includes particular reference to dance works and copyright laws. An understanding of this aspect is essential - especially when confronting problems related to exploring and researching within dance archives - a prominent theme in this work. The thesis then moves onward to define the element of dance itself, with particular attention placed on the dancer’s instrument (the body) and the new technology. Only after thoroughly exploring this fundamental aspect, we will then discuss the sensitive issue of dance archive preservation.The preliminary exploration and definition in the thesis then brings us to the main question: How can we preserve and protect dance masterpieces in the digital era, especially with respect to current changes in National museums and archive conservation.Specific examples with regards to dance conservation and its evolution have been hued from selected European Institutions and in particular, those in Italy. One of the overriding concepts throughout this thesis has been to focus on the topic from the dancers point of view and therefore, collaborating with important dance figures such as the French master, Dupuy, has offered invaluable insight. It is the hope of this thesis to lay the ground work of a theoretical basis for an ideal center to study and preserve the evolution of dance in Italy
Il presente lavoro ha come obiettivo quello di affrontare un discorso conservativo di un bene culturale immateriale, qual è la danza.Partendo da una premessa estetico filosofica, si indagano le problematiche che si pongono in essere con un’arte la cui essenza risiede nell’effimero. Questa caratteristica, insieme alla diversa percezione di spazio e tempo che si ha con la danza, fanno sì che si adatti meglio di altre arti ai cambiamenti di questo secolo fluido e pieno di dicotomie.Per comprendere appieno l’importanza della salvaguardia di tale bene è stato dedicato un capitolo alla legislazione dei beni culturali intangibili, con particolare riferimento alla danza e al diritto d’autore, fondamentale anche quando si vanno ad affrontare le problematiche riguardanti gli archivi, punto su cui è incentrato molto del lavoro. Tema cardine è infatti la questione della conservazione della danza sia nelle sue componenti materiali, ma soprattutto nella sua immaterialità. Ruolo centrale è rivestito dal corpo del danzatore, elemento sfuggente come in tutte le arti performative. Particolare attenzione viene data alle nuove tecnologie (fotografia, cinema e video) senza tralasciare la documentazione e la conservazione che si ha con la scrittura e le immagini (con specifico riferimento al rapporto con le arti plastiche). Vengono presi in esame poi specifici esempi europei e italiani per indagare la situazione inerente la conservazione della danza. Un criterio che ha guidato la scelta è stato proprio quello di dare risalto al danzatore. In questo modo si sono volute gettare le basi teoriche per un ideale centro per lo studio e la conservazione della danza in Italia sul modello francese del CND

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Velasco, lugo Julio. "L'artiste comme stratège : topographie de l'art contemporain à Paris au début du XXIe siècle." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H301.

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Abstract:

Ce travail aborde la question des lieux d'art non pas, comme c'est souvent le cas, pour leurs répercussions sur leur voisinage, mais pour leur apport à la création plastique elle-même. Dans sa première partie sont précisés les termes de la recherche : le mot "stratégie" à la fois dans le contexte artistique et dans d'autres contextes ; les "quartiers d'art" selon leur usage: création, exhibition et habitation ; les "gens de l'art", considérés comme le groupe qui crée, conceptuellement, l'œuvre d'art. La deuxième partie présente, en plus d'une synthèse historique, six territoires de l'art contemporain : le Fbg Saint-Denis (Paris), qui constitue la colonne vertébrale de ce travail, la Macarena (Bogota), San Telmo (Buenos Aires), Belleville (Paris), le Red Hook (New York) et la ville de Berlin. La troisième partie analyse le travail individuel de sept personnalité de l'art ayant habité le Fbg Saint-Denis depuis l'année 2000 : Nathalie Heinich, Nicolas Bourriaud, Jean-Philippe Antoine, Thomas Hirschhorn, Esther Shalev-Gerz, Pierre Huyghe et Olga Kisseleva. La dernière partie relie cette recherche avec l'œuvre de son auteur. La conclusion met en évidence une série d'hypothèses qui se dégagent de cette étude : les lieux d'art comme instrument d'identification des différents groupes œuvrant dans l'art ; la notion de débat comme forme de stratégie, avec un niveau interne (qui participe et à quel titre) et un niveau global (le rôle de l'art dans la société) ; les artistes considérés non pas comme une catégorie socio-professionnelle, mais comme "produits" de chaque groupe social ; l'art comme une forme de participation à un territoire commun plus que comme un espace en soi
This work concerns the question of art territories, but not, as is often the case, for their repercussions on their neighbourhood, but for their contribution to the plastic creation itself. In the first part, the terms of the research are defined: the word "strategy" in the artistic context as well as in other contexts; the "art districts". according to their use: creation, exhibition and residence; the "people of art", considered as the group that creates, conceptually the artwork. The second part presents, in addition to a historical synthesis, six territories of contemporary art: Faubourg Saint-Denis (Paris). which is the backbone of this work, Macarena (Bogota), San Telmo (Buenos Aires), Belleville (Paris), the Red Hook (New York) and the city of Berlin. The third part analyses the individual work of seven contemporary art personalities who lived in Faubourg SaintDenis since 2000: Nathalie Heinich, Nicolas Bourriaud, Jean-Philippe Antoine, Thomas Hirschhorn, Esther Shalev-Gerz, Pierre Huyghe and Olga Kisseleva. The last part links this research with the work of its author. The conclusion highlights a series of hypotheses emerging from this study: places of art as an instrument of identification of the different groups working in art; the notion of "debate" as a form of strategy, with an internal level (who participates and in what capacity) and a global level (the role of art in society); artists considered not as a socio-professional category, but as "products" of every social group; art as a form of participation in a common territory more than as a self-space

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Sheedy, Catherine. "De la structure à la «sculpture installative»." Thesis, Université Laval, 2007. http://www.theses.ulaval.ca/2007/24985/24985.pdf.

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Akhras, Yveline. "Regard aveugle, regard multiple dans la peinture." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010714.

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Abstract:

Le peintre aveugle imagine son ombre comme la trace de son corps et lui donne la valeur d'une déchirure dans Ie support. La trace optique et la trace tactile interpellent différemment Ie créateur et Ie spectateur. L'aveugle voit à travers ses yeux voilés de larmes. II retire son bandeau et sa vue se sent et se sait jouir. II a senti I'invisible d'une présence et I'invisibilité dans la vision. Sa vision est une vision en acte dans la science silencieuse de la peinture et du mime du mouvement. Par son absorbement, iI définit sa conception dramatique et la place du spectateur. Le "théâtre de mains" a gardé sa trace.

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Dubois-Joucla, Leila. "L'utopie et ses monstres : images du corps et perspectives des nouvelles technologies." Bordeaux 3, 2009. http://www.theses.fr/2009BOR30033.

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Abstract:

Les rêves de perfection de la société occidentale ont toujours modelé le corps à l’image d’un idéal. Celui-ci était considéré comme beau, mais l’envers en était parfois monstrueux. Aujourd’hui, la puissante vague d’innovations technologiques et scientifiques réactive ces rêves, ouvrant la voie à de nouvelles utopies, à de nouvelles images. Sur la scène de l’art, au milieu des visions hyper idéalisées qui envahissent notre quotidien, surgissent des monstres engendrés par le numérique et les multimédia. Cependant des figures, créées par des artistes, se distinguent par leur ambivalence entre corps rêvé et corps redouté. Citons quelques exemples parmi d’autres : Aziz et Cucher, Michaël Najjar, Nicole Tran Ba Vang, Inez Van Lamsweerde ou encore Keith Kottingham. Comment interpréter ces images à l’heure où la fascination pour ces mutations est au moins aussi grande que les craintes et les doutes qu’elles inspirent ? Serait-ce le désir de voir se réaliser cet idéal ou, au contraire, d’en dénoncer l’esprit totalitaire ? Comment les artistes, à travers leur pratique même, se positionnent-ils ? Quelles formes donnent-ils à ces dérives possibles ?
This research work has been built along a visual art thought upon the image of the body in the era of digital technology. It leans on a personal plastic practice, dedicated to the diversion of the advertising ideal of beauty, that has contributed to fix the limits of the research. The dreams of perfection of the western society have always shaped the human body in the image of an ideal. This body was thus considered has beautiful, but the reverse side was sometimes monstrous. Today, the powerful wave of technological and scientific innovations is reviving these dreams, opening up the way to new utopian views and new images. On the art scene, among the hyper idealized visions that flood our everyday environment, freaks bred by the digital technology and the multimedia are arising. In the meantime, some figures created by contemporary artists can be distinguished by their ambivalence between dream body and feared body. A few examples are: Aziz and Cucher, Michaël Najjar, Nicole Tran Ba Vang, Inez Van Lamsweerde, or Keith Cottingham. How can these images be interpreted, at this moment in time where the fascination exerted by the contemporary mutations is at least as important as the fears and the doubts that they inspire? Would it be the desire to see that ideal come true or, on the contrary, to denounce its totalitarian spirit?

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González, Vásquez Angélica. "Les écrits des curateurs : analyse depuis la théorie curatoriale et l'histoire des expositions." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080091.

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Abstract:

Cette thèse interroge le champ de pratiques et de positions discursives appelées récemment « curating ». L’approche que nous avons choisie est celle de l’analyse des écrits des curateurs d’art contemporain. De nature très variée, ils nous permettent de percevoir leurs conceptions à partir de leurs pratiques d’organisation d’expositions et des diverses activités de présentation publique de l’art. Il s’agit de traiter la proximité, ainsi que la distance, entre la construction d’une théorie curatoriale et la pratique à travers un ensemble de règles et d’opérations de normalisation décidées par une communauté disciplinaire et professionnelle. La notion de champ de curating est abordée à partir des diverses conceptions sociologiques et philosophiques qui nous conduisent à approfondir la question de l’écriture des curateurs sur un terrain concret au sein des expositions. À travers des cas historiques, nous abordons la question des traces écrites laissées par une exposition ; nous examinons également certains problèmes associés à la construction de l’histoire des événements artistiques d’art contemporain. La dernière partie de cette recherche est consacrée à la question des stratégies discursives de positionnement des curateurs à partir des publications parues depuis les années 1990. Ces formes discursives constituent entre autres la base de l’enseignement des formations curatoriales récentes
This thesis questions the practice field and discursive positions recently called curating. The perspective we have selected is the analysis of writings by contemporary art curators. Of varied nature, these texts allow us to discern their understanding of their practice of organizing exhibitions and diverse activities for the public display of art. With the purpose of tackling the proximity and the distance between the construction of curatorial theory on one hand, and on the other, curatorial practice as determined by a set of rules and processes decided by a disciplinary and professional community. The notion of the curatorial field is approached through various sociological and philosophical concepts that lead us to deepen our inquiry about writing to a concrete field of exhibitions. Selected historical cases allow us to address the issue of written traces left by an exhibition; equally important, we examine certain problems related to the construction of the history of art events in contemporary art. The last part of this research is devoted to the question of discursive strategies of positioning by curators, starting with publications that first appear in the 1990s. These discursive forms, among others, constitute the foundation of teaching in recent curatorial training

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Chartrand, Geneviève. "Dans mon silence vertical." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/29463.

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Abstract:

Ce mémoire se veut principalement une réflexion sur ma pratique en arts visuels. Je tente de présenter les différents concepts qui alimentent mes recherches, ainsi que la manière dont je travaille pour concevoir mes œuvres. J'évoque les notions de fragment et de récit dans l'image peinte et vidéographique. Il est question ici d'un compte rendu subjectif de ma démarche artistique ainsi que du processus de création auquel je participe. Je pose donc un regard analytique sur mon travail ainsi que sur mes inspirations, puisées à même mon expérience personnelle et intime par rapport au quotidien et au banal.

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Oliver, Stacy-Ann. "Exposer son monde : le paysage comme espace participatif." Master's thesis, Université Laval, 2021. http://hdl.handle.net/20.500.11794/68739.

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Abstract:

L’essentiel de ce texte est une réflexion sur mon travail de création et les concepts théoriques qui le construisent. J’aborde plusieurs thèmes dont en particulier le paysage autour duquel je développe une réflexion sur l’habitation. Ma recherche est au confluent de ces deux éléments qui concernent les relations entre le paysage, l’habitation et l’appartenance. À travers ce projet de recherche-création, j’explore différentes facettes du paysage et je m’approprie ce concept à travers une quête identitaire puisque j’utilise ma ville natale, Lebel-sur-Quévillon, pour mener ma recherche. Les concepts mentionnés seront développés en relation avec les oeuvres produites tout au long de mon projet de recherche-création.

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Salucci, Marco. "Gilles Deleuze, une inéfinition esthétique." Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA084150.

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Abstract:

La notion de ressemblance, l’inconscient œdipien, l’ordre de la grammaire, sont respectivement trois manières finalisées à définir la sensibilité, le désir, l’écriture. Cependant, la philosophie de Deleuze fait dysfonctionner la ressemblance, délirer le désir, met sous tension la grammaire. Dans cette thèse, nous proposons une approche opératoire de la pensée de Deleuze afin de montrer par quels mouvements et par quels concepts, la définition atteint ses limites et la pensée retrouve le véritable étonnement philosophique. Lorsque désir et objet, Dire et Faire, corps et sensation, se retrouvent dans une zone indéfinie, la philosophie ne concerne plus la pensée, elle fait sensation. Cette thèse décompose et explicite les mouvements et les milieux où les concepts deleuziens se forment en partant de la destitution d’un objet clair, pensé et défini. Les vitesses qui parcourent sa philosophie seront mises en contrepoint avec des œuvres d’art qui permettront d’activer une sensation au delà de tout objet défini et en-deçà de tout sujet constitué. Nous verrons comment les trajets indéfinis de leur destitution parcourent une surface dans laquelle la notion de création rencontre, chez Deleuze, la vie
The concepts of similarity, unconscious Oedipal tendencies, and grammatical order are, respectively, three basic ways of framing sensibility, desire, and writing. Deleuze’s philosophy, however, dismisses this understanding; he renders similarities dysfunctional, while enflaming desire and energizing grammar. In this thesis, we propose an operative approach to Deleuze’s thought, in order to show how it has reclaimed the power of shocking philosophical insight. When desire and its object, or the declaration and its accomplishment, as well as the body and its capacities of sensation, are left in an indefinite area, philosophy is no longer confined to realm of thought; it creates a sensation. This thesis deconstructs and makes explicit those areas where Deleuzian concepts take on this matter of the removal of the certain object. The quick thinking that runs through his philosophy will be placed in counterpoint to those works of art that activate a sharp feeling beyond all defined objects and subject matter. We will see how such undefined paths give rise to a surface where the notion of creation is, according to Deleuze, life itself

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Hoffman, Sheila K. "L'histoire de la documentation des oeuvres d' art du 17e au 21e siècle : les impacts des technologies optiques et numériques sur les pratiques documentaires des galeries nationales à Londres, Ottawa et Washington D.C." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H014/document.

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Abstract:

Cette thèse examine les convergences et divergences le long de l'histoire de la documentation muséale dans trois galeries nationales en Angleterre, au Canada et aux États-Unis. Elle met en évidence un modèle commun, émanant plus particulièrement des deux types d'institutions apparues en Angleterre au 17e siècle : les musées publics, fondés sur des principes scientifiques et populistes, et la galerie privée, ancrée dans des traditions élitistes. Les galeries nationales analysées constituent un modèle hybride, en conflit avec ces deux formats antagonistes, mais leurs similitudes les plus frappantes résident dans l'évolution de leurs pratiques respectives de la documentation des œuvres d'art. La lutte continue afin d'intégrer véritablement la technologie dans la documentation d'art trahit l'héritage difficile entre ces deux modèles opposés. Tout au long des trajectoires uniques à chacune des institutions étudiées, peu de preuves montrent que les technologies optiques ou numériques ont eu des répercussions importantes sur les méthodologies ou les philosophies de la documentation des œuvres d'art. Au contraire, on observe que la documentation de forme numérique repose toujours sur une approche minimale de recueil de données, sur un groupe restreint de personnes habilitées à les collecter et sur un accès limité à ces données. Cette recherche renforce l'argumentation pour une redéfinition de la documentation des œuvres d'art pour repenser ses stratégies et ses philosophies directrices, pour poser un nouveau regard sur la recherche dans les collections et pour élargir l'intégration des technologies numériques dans ces processus
This research examines the divergences and convergences across the histories of three national galleries, in England, Canada and the United States, providing evidence of a common model that emanates particularly from two types of institutions that appeared in England during the 17th century: public museums founded on scientific and populist principles, and private art galleries anchored in elitist traditions. The national galleries compared in this study constitute hybrids in conflict with the original antagonistic models. But their most striking similarities reside in the evolution of their respective documentation practices. The continued struggle to truly integrate technologies in the documentation of art betrays the difficult heritage between these two opposing models. Throughout the unique historical trajectories of these institutions, there was little proof that optical or digital technologies had had important repercussions on the methodologies or the philosophies of the documentation of works of art. On the contrary, it was observed that documentation, even in digital form, continued to rely on minimal standards of data gathering, restricted groups of persons trained to collect data, and limited access to any data captured. This research reinforces the need to redefine museum documentation in order to rethink its strategies and guiding philosophies, to enable new research into museum collections, and to enlarge the integration of digital technologies into the process

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Wharton-Ayer, Noelle-Dominique. "Looking at Landscape." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28343.

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Abstract:

Ce mémoire examine l’exploration du paysage et de la perception dans ma pratique artistique. Mon travail concerne principalement les représentations du monde naturel, la manière dont les images sont incorporées dans le quotidien et les façons dont notre perception de ces images façonne notre relation aux paysages réels. Cette étude du paysage et de la vision se manifeste par des explorations du dessin, de l’estampe et du collage numérique; ma pratique est également centrée sur une recherché du paysage dans la culture populaire, notamment au cinéma et à la télévision. Enfin, ce mémoire retrace la structure de ma démarche artistique en logique de la décoration, une logique qui fournit à mes images une certaine organisation et une cohérence visuelle, tout en déplaçant simultanément les objets du paysage commun dans le domaine du spectaculaire et de l’extraordinaire.
This dissertation examines the exploration of landscape and vision in my artistic practice. My work is primarily concerned with representations of the natural world, how these images are incorporated into the everyday, and the ways in which our perception of these images shape our relationship to landscape. This investigation of landscape and vision is executed through explorations in drawing, printmaking, and digital collage; my practice is also centred on an investigation of landscape in popular culture, notably film and television. Finally, this dissertation outlines how my artistic process is structured by a logic of the decorative, which provides visual coherency and organization to the images I create while simultaneously displacing objects of the banal landscape into the realm of the spectacular and the extraordinary.

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Fabre, Julie. "L'oeuvre précaire : expériences de l'art au tournant du XXIe siècle." Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3084.

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Abstract:

La réalité que recouvre la notion d’œuvre d'art est complexe et plurielle. Maintes fois remise en question, on lui préfère fréquemment aujourd'hui les termes de "production", "travail", "pièce", "situation". Néanmoins, et malgré les transformations de l'art à l'heure actuelle, peut-on se passer de l’œuvre sans que cet abandon ne relève d'un "extrême artifice"? Nous proposons de l'analyser sous l'angle d'une précarité à la fois intrinsèque et conjoncturelle. L’œuvre est précaire, d'une part, parce qu'elle est un objet de pensée voué à la critique et à la réflexivité depuis son apparition à la Renaissance et sa réception esthétique au dix-huitième siècle. D'autre part, parce qu'elle s'expose aux risques et aux transformations liés aux évolutions de la modernité et de la postmodernité. Une autre forme de précarité, propre à la société contemporaine dans ses fondements capitalistes et technologiques, est interrogée notamment au travers de la production de trois artistes - Pierre Huyghe, Ryan Trecartin et Camille Henrot - dont les œuvres consistent davantage en des champs de relations aux variations multiples qu'en des objets. Quel type d'expérience accompagne la traversée, contingente et fugitive, latérale et fragmentaire, des expositions et des espaces discursifs de ces "œuvres précaires"?
The definition of the artwork is complex and plural. Repeatedly called into question, the terms of "production", "work", "piece", "situation", are frequently preferred nowadays. Nonetheless, and in spite of the current transformations of art, could we do without this notion? Our thesis analyses the work of art from the angle of an intrinsic and temporary precariousness. It is precarious, on one hand, because the work is an object devoted to criticism and reflexiveness ever since its appearance during the Renaissance and its aesthetic reception in the eighteenth century, and on the other hand, because it is exposed to the risks and disruptions of modernity and postmodernity's developments. Another form of precariousness, specific to the capitalist and technological age, is examined through the production of three contemporary artists - Pierre Huyghe, Ryan Trecartin and Camille Henrot. Their works consist more in a field of relations with multiples variations than in objects. What sort of experience should we expect from those exhibitions and discursive spaces of the "precarious work"?

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Théberge, Julie. "Nous sommes Plusieurs." Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28345.

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Abstract:

Ce mémoire est l’aboutissement de mes efforts à nommer et rendre concret ce qui voyage entre les synapses de mon cerveau en ce qui a trait à l’art, à mes visions de l’art, à mes manières de faire de l’art. À la place de l’art comme moteur de changement personnel et social. À la recherche en art. Bref, à l’art comme expérience sensorielle, conceptuelle et esthétique. Personnelle et collective. Se rapprochant plus du style « écrit d’artiste » que d’un texte théorique, ce mémoire propose des réflexions en lien au commun dans ses deux significations. Soit celle qui réfère au banal et celle qui renvoie au collectif. Nous sommes plusieurs se veut une ode au précaire. À l’intuition, aux débuts, au processus. À l’ordinaire, au banal et au commun. À la communauté. Depuis toujours, je baigne dans ces eaux. Je tourne autour de ce pot : le quotidien. Les lectures entreprises associées à ce champ de recherche ont été des plus révélatrices. Ce texte aborde donc les thématiques du quotidien, de l’excellence ordinaire, et des problématiques en lien avec les termes vulgaire, ambigu et superficiel.

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Romagny, Vincent. "Jouer l’aire de jeux : les arts de l’exposition de Playgrounds : Reinventing the Square (Musée de la Reina Sofia, Madrid, 2014), PLAY TIME (biennale de Rennes 2014) et The Playground Project (Kunsthalle Zurich, 2016)." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2022. http://www.theses.fr/2022PA080051.

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Abstract:

Notre recherche porte sur trois expositions d’art contemporain présentant chacune une approche spécifique d’un même objet urbain : l’aire de jeux. The Playground Project à la Kunsthalle Zurich (2016) envisage l’évolution des formes données au jeu à partir d’une large documentation photographique et de reproductions d’aires de jeux à échelle un ; Playgrounds: Reinventing the Square (2014) au musée de la Reina Sofia à Madrid considère l’aire de jeux comme la métaphore de la conflictualité sociale et consiste en œuvres d’art modernes et contemporaines ne portant pas directement sur la question de l’aire de jeux ; l’exposition L’Aire de jeu, présentée dans le cadre la biennale PLAY TIME de Rennes (2014) présente des œuvres contemporaines qui doivent provoquer une réflexion sur le jeu, loin de faire jouer le spectateur. Ces expositions sont l’effet de pratiques discursives qui construisent à nouveaux frais une connaissance seconde de l’aire de jeux qu’on envisage ici comme un mythe. Il s’agit d’abord de comprendre les intentions des commissaires et le choix des œuvres qui les manifestent. Nous tentons ensuite de montrer comment ces pratiques sont axiologiquement déterminées, et à le mettre en évidence en montrant les approches distinctes d’œuvres similaires auxquelles elles donnent lieu. Nous nous interrogeons enfin sur la présence spectrale de l’enfance dans ces expositions : chaque exposition repose sur une figure de l’enfant qui permet de comprendre et comparer les différentes approches d’un jeu qualitatif à valeur artistique qui explique la façon dont l’aire de jeux est comprise et, conséquemment, transmise
Our research focuses on three contemporary art exhibitions that each present a specific approach to the same urban object: the playground. The Playground Project at the Kunsthalle Zurich (2016) considers the evolution of the forms that are given to play, based on extensive photographic documentation, and life-sized reproductions of playgrounds; Playgrounds: Reinventing the Square (2014) at the Reina Sofia Museum in Madrid, considers the playground as a metaphor for social conflict and consists of modern and contemporary artworks that do not address the issue of the playground directly; the exhibition L'Aire de jeu, part of the PLAY TIME biennial in Rennes (2014), presents contemporary works that are intended to provoke a reflection on play, quite far from the idea of making the viewer play. These exhibitions are the result of discursive practices which establish a different understanding of the playground, considered here as a myth, in new ways. At first, it is a question of grasping the curators’ intentions, and the choice of the works that manifest them. We then try to show how these practices are axiologically determined and to highlight this by showing the distinct approaches of similar works to which they give rise. Finally, we question the spectral presence of childhood within these exhibitions: each exhibition is based on a figure of the child that enables one to understand and compare the different approaches to a qualitative game with artistic value that explains the way in which the playground is understood and, as a consequence, transmitted

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De, Siqueira Daniella Géo. "Représenter la mort : le remploi d'images photographiques post mortem en art contemporain." Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030013.

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Abstract:

Cette thèse porte sur l’examen du mode d’opération du remploi photographique en art contemporain, et en spécial celui d’images photographiques post mortem. Avec l’appui de différentes théories qui portent sur la photographie et l’observation de plusieurs oeuvres de remploi photographique, ce travail étudie,d’une part, les problématiques d’ordre génétique et théorique spécifiques à cette pratique contemporaine. De l’autre, ce travail traverse des perspectives historiques et aussi anthropologiques à propos de l’homme face au corps mort pour, en tenant en compte des différents aspects des transformations du rapport de la société occidentale à la mort, observer les effets sur la production de la photographie contemporaine. Dans ce contexte, l’étude identifie les deux types majeurs d’images photographiques post mortem remployées – les deux associé à la violence – et analyse, en suite, les nouveaux rapports symboliques proposés par un nombre d’oeuvres. Cet étude cherche à observer à quoi répond ces oeuvres de remploi d’images photographique post mortem et, en même temps, à observer que l’oeuvre de remploi photographique, en tant que pratique artistique qui vise la révision et la critique des représentations, contribue néanmoins pour la construction d’une représentation de la mort selon les perspectives contemporaines auxquelles elles répondent
This thesis focuses on the examination of the operation mode of the photographic re-employment incontemporary art, and in special of post mortem photographic images. With the support of various theories that focus on photography and the observation of several photographic re-employment artworks, this study examines, on the one hand, genetic and theoretical problematic that are specific to this contemporary practice. On the other, this work crosses historical and also anthropological perspectives on humans facing the dead body, taking into account different aspects of the transformations in Western society’s relationship to death, in order to observe the effects on contemporary photography production. In this context, this study identifies two major types of postmortem photographic images re-employed – both associated with violence –, and then analyses the newsymbolic relations proposed by a number of artworks. This study seeks to observe to what these artworks that re-employ post mortem photographic images respond to, and at the same time, seeks toobserve that the photographic re-employment, as an artistic practice that aims to review and criticize representations, contributes however, for the construction of a representation of death within the very contemporary perspectives, which they respond to

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Dissertations / Theses on the topic 'Art – 21e siècle'

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