Dissertations / Theses on the topic 'Art barroc'

La tesi és un estudi integral de la figura i l'obra del pintor Antoni Viladomat i Manalt (1678-1755), un dels artífexs més destacats del panorama artístic català del Set-cents. El primer volum aborda la revisió de la seva biografia partint de les aportacions de la historiografia i de les noves dades inèdites d'arxiu. S'hi fa també un anàlisi de la seva cultura visual i figurativa, una panoràmica sobre la relació del pintor amb el seu ambient artístic més proper i immediat, i un estudi de l'encaix de la seva personalitat artística en el context de la pintura precedent i contemporània peninsular i europea. El primer volum inclou, també, un epíleg on s'aborden temes com els detonants i les conseqüències de la seva extraordinària fortuna crítica.
El segon volum és un catàleg crític de la seva obra, organitzat a partir de fitxes individuals de cadascuna de les obres. L'autor considera que dues-centes cinquanta obres conservades, comptant dibuixos i pintures, són autògrafes, quaranta-una de les quals són inèdites. El catàleg també te recull i classifica les obres descartades i les perdudes.
Les principals aportacions de la tesi, a banda de l'actualització del coneixement de la seva biografia i de l'elaboració per primera vegada d'un catàleg crític complet de la seva obra, són la localització del testament del pintor, la revisió de la relació de Viladomat amb els artistes de la cort de l'Arxiduc Carles d'Àustria, la proposta d'una nova cronologia per als treballs dels anys vint del segle XVIII, una interpretació nova dels plets contra el col·legi de pintors de Barcelona, la revisió de la seva intervenció a la Capella dels Dolors de Santa Maria de Mataró, bona part de la qual l'autor d'aquesta Tesi atribueix al pintor Joan Gallart; la definició dels usos que el pintor fa amb l'estampa de traducció, la relació amb la pintura siscentista dels Juncosa o la importància de l'aprenentatge en un context tradicional, etcètera.
The thesis is a complete study on the painter Antoni Viladomat Manalt (1678-1755). He is one of the most famous spanish painters in the eighteenth-century. The first volume is a biographic revision related to the historiography and the previously unknown information of the historical archives. Includes also an analysis of his visual and figurative culture, and an study on the relationship between the painter and his nearer artistical environment and a study on his artistical personality in relation with the spanish and european painting. In the first volume, there is a chapter about his critical opinions. The second volume is a critical catalogue of his works. It is organized in individual reports, one for each one of the works.
The writer considers that two hundred and fifty kept works, including drawings and paintings, are from the artist, and forty-one of them are previous by unknown. The catalogue also classifies the ruled out and lost works.
The main contributions of the thesis, a part from the updating of the biography and the creation of the critical catalogue, are the location of his will, the revision of the relation ships between Viladomat and the artists of Carles d'Àustria court, the proposal of a new chronology for the second decade of the XVIII century, a new interpretation of the lawsuit against the painters association of Barcelona, the revision of his interventions in Capella dels Dolors of Santa Maria de Mataró (the writer thinks that it belong to the painter Joan Gallart), the relationship with paintings of Juncosa family of the seventeenth-century or the importance of the learning in a traditional context.

El hilo conductor de la tesis doctoral es el análisis del fenómeno del patronazgo español en Cerdeña en época barroca, a partir de las obras de arte que encargaron los virreyes y obispos de la isla. Estos personajes, escogidos directamente por el rey por su probada fidelidad a la Corona, formaban la élite que gozaba de la mayor visibilidad política y económica a nivel local. Conocedores del valor del arte como instrumento de poder, algunos de ellos patrocinaron importantes empresas artísticas durante su estancia sarda, como la decoración de iglesias y capillas, la ejecución de monumentos funerarios, el encargo de pinturas y esculturas para sus residencias particulares o la organización de fiestas efímeras. Algunas de estas obras, por su gran envergadura, son consideradas unánimemente como los ejemplos más interesantes de barroco en Cerdeña, por lo cual no son inéditas. Al contrario, a lo largo de las últimas décadas se han hecho avances importantes en su conocimiento, sobre todo gracias a una serie de estudios estilísticos y documentales que han permitido fecharlas e identificar sus autores. No obstante, faltaba una investigación que hiciese hincapié en su contenido intelectual, vinculándolas a los personajes que las patrocinaron y explorando de manera sistemática aspectos como su deseo de expresar riqueza o poder, la propaganda religiosa o política, la identidad nacional o cultural, etc. El objetivo principal de la tesis, pues, ha sido el de realizar un estudio de conjunto que abarque la labor de promoción artística de los patronos más importantes que residieron en Cerdeña, trazando una visión panorámica y evaluando el peso del arte que se hizo por su encargo. Por ello, el fundamento de la investigación se encuentra en los estudios de patronazgo artístico, que reivindican el papel del comitente en la gestación de la obra de arte, y las teorías que interpretan la imagen como documento histórico o testimonio visual, cuyo principal representante es Peter Burke. El diseño metodológico se ha desarrollado a través de dos fases paralelas. La primera ha consistido en la observación atenta y minuciosa de las obras, que ha sido acompañada por un riguroso análisis iconográfico-iconológico, para “leer” correctamente su significado simbólico. La segunda se ha resuelto en un trabajo de búsqueda y consulta de documentación primaria y secundaria relacionada con los patronos. Una vez recogidos los datos, se ha realizado una operación de análisis crítico para establecer los vínculos entre los materiales encontrados y las obras de arte. El trabajo de campo se ha realizado inicialmente utilizando los recursos disponibles en la ciudad de Barcelona, extendiéndose posteriormente a varios archivos y bibliotecas de ciudades como Cagliari, Madrid, Toledo, Ávila, Génova, Roma, Nápoles y Palermo. Es decir, teniendo en cuenta el perfil internacional de los patronos estudiados, que a lo largo de sus carreras políticas y eclesiásticas eran desplazados en distintos territorios bajo dominio español, se ha tratado fundamentalmente de ir siguiendo sus pasos. La decisión de centrar las búsquedas documentales en torno a las figuras de los comitentes, y no únicamente en los artistas, como se había hecho en la práctica totalidad de las investigaciones anteriores, ha permitido localizar numerosas fuentes inéditas que han ayudado en el proceso de lectura de la imagen y al mismo tiempo han revelado que los casos de patronazgo español en Cerdeña fueron más numerosos de los que se conservan hoy en día. La puesta en común de los casos particulares ha permitido apreciar la diversidad de los intereses artísticos de los virreyes y obispos estudiados, pero a la vez identificar divergencias y convergencias entre sus políticas culturales y, tras la correspondiente evaluación crítica, delinear unas tendencias comunes y proponer un modelo interpretativo del fenómeno del patronazgo español en Cerdeña.
This thesis analyses the artistic policy of the most important patrons who lived in Sardinia during the Baroque age: the viceroys and the Spanish bishops. During their stay in Cagliari, these aristocrats, chosen by the king for their loyalty to the Crown, promoted and supported many different forms of visual arts. Some of them concentrated on embellishing the town’s cathedral and royal palace, others made important donations to churches, others promoted the ephemeral arts and others acquired paintings, sculptures, relics or devotional objects that afterwards they brought with them back to Spain. Recently several stylistic and documentary studies have been published on these artworks, allowing to date them and to identify their authors. However, most researchers have focused their attentions on the artists, so that very little was known about their clients. The principal aim of the thesis, thus, is to propose an overall reflection on Spanish patronage in Sardinia. As far as the methodology is concerned, the research process started by observing and examining the artworks using the iconographic-iconological method, in order to investigate their intellectual and symbolic meaning. Afterwards, I carried out a meticulous research of primary and secondary sources related to the patrons, with the purpose of proposing a new approach to their artistic interests and establishing the links between their political and ecclesiastical career and the artworks they commissioned. The data collection process began in the archives and libraries of Barcelona. The second step was extending the research to other cities, such as Cagliari, Madrid, Toledo, Avila, Genova, Rome, Naples and Palermo. In fact, the Spanish viceroys and bishops were often displaced in different territories within the Spanish empire. In order to fully understand their artistic commissions, thus, it is necessary to “follow their footsteps” and consult widely scattered sources. Finally I analysed and compared the data with the purpose of offering a panoramic view of the artistic policy of viceroys and bishops. The analysis of individual case studies shows diversities, but at the same times reveals similarities within their artistic interests, allowing proposing an interpretative model of the phenomenon of Spanish patronage in Sardinia.

La present recerca doctoral es dedica a les representacions de Ramon de Penyafort (c.1185-1275) dins del marc de la construcció de la imatge religiosa en època moderna. El punt de partida és l’anàlisi de les primeres figuracions medievals del dominic català, amb l’objectiu d’observar d’una manera àmplia i transversal la gènesi, evolució i variants experimentades en la seva iconografia d’ençà del 1601, quan el personatge assoleix definitivament la santedat. Els continguts de la tesi s’han organitzat a partir de tres blocs principals, precedits per la introducció i les conclusions pertinents. El primer bloc presenta un recull biogràfic de Ramon de Penyafort com a personatge històric, tot subratllant les principals fites que contribuïren a la seva fama com a jurista i predicador de prestigi, abans d’afrontar detalladament la història del procés de canonització del personatge des de la seva mort l’any 1275, fins a la solemne canonització de 1601, celebrada a la nova Basílica de Sant Pere, sota la cúpula dissenyada per Michelangelo. El segon bloc de la tesi gira a redós de la difusió del culte a sant Ramon de Penyafort després de 1601 a Catalunya, però també a les penínsules ibèrica i itàlica, completant el marc geogràfic de l’anomenat Mediterrani catòlic. En aquests territoris es constata com durant les primeres dècades del segle XVII el culte a sant Ramon de Penyafort esdevé emergent i genera esplendoroses festes de canonització, però també nous encàrrecs artístics destinats a la veneració del dominic català, entre els quals destaca la desapareguda capella del sant al convent de Santa Caterina de Barcelona. El tercer bloc temàtic analitza sis qüestions vinculades directament a la imatge raimundiana, que abracen des de la gènesi de les representacions del frare dominic en època medieval, fins a la fixació de la seva iconografia arran de la canonització de 1601. Entre les problemàtiques plantejades, hi ha un especial èmfasi en la creació i difusió de la Transfretació, o viatge miraculós del sant sobre la seva capa entre Mallorca i Barcelona, però també en el seu impacte dins del cicle fundacional de l’Orde de la Mercè de Redempció de captius, així com en els seves conseqüències en època moderna.
The thesis analyses the representations of the catalan Dominican Raymond of Penafort (c.1185-1275). Raymond was probably the most famous and respected jurist in canon law of his time. After occupying the Chair of canon law at the University of Bologna, he received the Dominican habit in Barcelona in 1222, and begun a promising career inside the Order of Preachers, that reached the nomination as Great Master in 1239. During those years, Raymond also became a famous writer after his Summa de casibus poenitentiae, a book of cases for confessors. Knowing Raymond's reputation in the juridical sciences, Gregory IX appointed him chaplain and grand penitentiary, and also commissioned him the compilation of the Decretales, the most important collection of canon laws approved officially in 1234, that became a Standard until 1917. After Raymond’s death in the convent of Santa Caterina of Barcelona, his tomb was the scenario of different miraculous healings attributed to the friar’s intercession. This fact attracted many pilgrims and encouraged his brothers to begin a canonization process to ascend Raymond to the glory of the altars. The main objective of the thesis is the study of Raymond’s representations as confluence between art, sanctity and devotion in the modern era. Although the work is chronologically focused in the seventeenth and eighteenth centuries, in first instance are closely studied the medieval representations of the friar, in order to observe in a wide and transverse view the genesis, evolution and variants experienced on the iconography of the friar before and after his canonization, held in Rome in 1601.

Aquesta investigació pretén reconstruir les condicions del mercat artístic a la ciutat de Barcelona entre 1770 i 1808, coincidint amb un període històric en què la bonança econòmica va impulsar un moment d’auge de reforma urbanística, encàrrecs i activitats artístiques a la ciutat que va alentir-se entre 1796 i 1802, per aturar-se definitivament amb l’inici de la Guerra del Francès. La recerca s’ha estructurat en tres blocs principals que s’ocupen del reflectir els aspectes més determinants del mercat: la producció, el consum i el comerç d’art. En primer lloc, en l’àmbit de la producció cal situar-hi els artífexs, artesans i artistes, i la seva formació i corpus de coneixements especialitzats. Precisment, aquest període actuà com a frontissa entre el gremialisme i l’acadèmia amb l’entrada de les idees il·lustrades en les diferents àmbits artístics, per exemple, a través dels enginyers militars en l’arquitectura i seguides d’altres disciplines com el dibuix, la pintura i el gravat, principalment amb la creació de l’Escola Gratuïta de Dibuix de Barcelona, a l’ombra de les directrius de la Real Academia de San Fernando de Madrid. En segon lloc, el consum esdevé un altre tema cabdal, entès com un àmbit que permet conèixer la idiosincràcia de la clientela, els seus orígens socials, així com comprendre el mecenatge públic i privat, reflectint les disputes de poder de l’època a través de l’ostentació i els encàrrecs artístics, conformant per tant, el mercat primari. El tercer bloc, dedicat al comerç, mostra els sistemes de venda i revenda dels béns artístics existents en el període i aquells que hi aparegueren de bell nou, esmentant el mercat primari, però entrant de ple en les condicions de funcionament del mercat secundari a diferents nivells socials i econòmics. S’hi presenten diversos sistemes de venda com els encants i les subhastes; s’observa el funcionament d’alguns aspectes del mercat internacional; i es porten a debat alguns conceptes com el col·leccionisme en el món artístic de la Barcelona del segle XVIII. Com a tancament de la recerca, s’han inclòs tres annexos que s’han considerat fonamentals per al desenvolupament i comprensió de la investigació: un d’ells dedicat al context històric, econòmic, social i de pensament; un annex biogràfic del personatges i artífexs mes destacats en la recerca; i un tercer a mode de breu catàleg on es mostren fitxes d’alguns dels encàrrecs i obres més destacats dels esmentats al llarg de la investigació.
This research pretends to reconstruct art market conditions in Barcelona between 1770 and 1808, coinciding with a prosperous and wealthy historical period at the peak of the city’s urban reform and development, and the increasing quantity of assignments and artistic activities. This wealth slowed down between 1796 and 1802, coming to a stop at the beginning of the Spanish War of Independence in 1808. The research is structured in three main blocks referring to the most decisive art market aspects: production, consumption and art trade. Firsty, understanding the production conditions is necessary to recognise authors and makers, artisans and artists, their training and what kind of skills and knowledge they had. This period was a changeover from a Guilds system to an Academic system since the arrival of Enlightened ideas applied in different art disciplines. For example, so it was thanks architecture by military engineers and then followed by other artists in disciplines like drawing, painting and engraving, mainly since the foundation of the Barcelona’s Escola Gratuïta de Dibuix, led under the Real Academia de San Fernando de Madrid’s guideline. Secondly, consumption became another main subject, understanding who the patrons were and also their tastes, their social status and their actions in both private and public patronage, showing power disputes through ostentation and luxurious art assignments, on the primary market. Futhermore trade, which was also important, and showing sale systems and art goods re-sales, as good as new trade media in art beyond the primary market,which are secondary market, and its conditions in several social and economic levels. Several sale systems like almonedas or auctions were usual and thanks to this data it is possible to analyze some international market aspects or to understand some interesting concepts like collecting in 18th Century Barcelona. Finaly, three appendixes are included in the research with files considered fundamental in its development and understanding: a historical, economic and social appendix; a biographical appendix with the most important artist profiles; and a brief catalogue with the highlighted assignments and works of the period mentioned throughout the research.

La obra del colombiano José Alejandro Restrepo es monumental. No solo por la hondura y complejidad de los problemas estéticos, históricos y artísticos que aborda, sino porque su actividad creadora es incansable, constante y llena de sorpresivos encuentros con lo real y con lo absurdo de lo real. La investigación parte de los inicios en el arte de Restrepo, indagando en las razones por las que ha llegado al escenario de la producción artística y cultural. José Alejandro Restrepo nació en Paris, quizás por la casualidad de la vida que llevo a su padre a vivir en la ciudad de los poetas y los artistas en 1959. Pese a que es parisino de nacimiento su trabajo se ha centrado en Bogotá, la capital de la Republica de Colombia. Inició sus estudios en Medicina, de donde se extrae ese interés perpetuo en el cuerpo como escenario de los encuentros, no solo de los circuitos y los tendones y fluidos, sino de las narrativas, los símbolos y las historias. En Paris asiste a los seminarios de Michel Foucault, historiador y filósofo francés que encabeza la lista de una buena cantidad de intelectuales nacidos en la posguerra con intereses renovados que se enmarcan en una filosofía del desencanto frente al proyecto moderno, son sus grandes ideales y grandes palabras: progreso, libertad, felicidad. Allí también conocerá al filósofo Gilles Deleuze, una de las personalidades más interesantes en esta pléyade de pensadores que inician una auténtica revolución en el pensamiento de su época. Con estos intereses descubiertos al lado de los pensadores franceses, regresa a Colombia, para trabajar con artistas de gran auge en el momento como Maria Teresa Hincapie, allí descubrirá su interés por la música, el teatro, el tiempo-duración y también las paradojas. La investigación busca ahondar en tres ejes del largo y riguroso despliegue artístico de Restrepo. El primero es Transhistorias, una autentica fabulación de lo que es el poder de la narrativa y la descripción y clasificación, en la escritura de la historia y la afectación que tiene esta en Colombia. La mirada sobre América cambia a la luz de quien esté narrando el discurso. Del mismo modo, la ciencia europea se pone en contradicción frente a las ficciones que se mezclan al factico conocimiento de la naturaleza que los grandes sabios proponen. El segundo módulo plantea siguiendo el contrapunteo del módulo anterior, la idea de que la historia es repetición y persistencia y que el progreso no es más que una entelequia. En este caso la fase de interés para Jose Alejandro Restrepo es el Barroco, no estudiado como un periodo de la historia del arte que va de 1600 a 1740, sino como acto operativo y así mismo como un aura fría, es decir, un Barroco que circula y que conecta creando chispas sorprendentes con asuntos como la violencia en Colombia. El Barroco es un estilo de pliegues abiertos y laberintos que se arraiga al modo de vida de los colombianos y puede percibirse en la literatura, la gastronomía, los usos cotidianos pero también en los absurdos de la guerra. La Gran Obra de José Alejandro Restrepo es Iconomia del año 2,000, esta obra engloba las anteriores investigaciones que el artista ha realizado con suma paciencia y rigor de arqueólogo de los relatos. Se divide en: Iconoclastia e Iconofilia. En esta obra se entretejen y se reviven los problemas históricos desarrollados en los inicios del cristianismo, cuando se desató la pugna iconoclasta en Bizancio. Restrepo llega a la conclusión de que el primer sistema económico es así mismo la administración de la imagen de Dios. De ello se sigue que en la Bizancio del siglo VIII, era lo mismo iconomia que economía, se administraba igual el flujo de dinero que el flujo de la imagen. Los iconoclastas, bando político contrario a quienes apoyan la idea de que las imágenes ayuda a los iletrados a comprender las escrituras, no eran muy diferentes de ellos. Ambos en si se muestran como grandes iconólatras y como grandes escritores y descriptores de signos visuales. Los tres ejes de trabajo se hallan conectados por los problemas de: la escritura de la historia, las grietas y rupturas de los discursos y los intersticios por donde se fugan los relatos que el poder construye. El clamor de la razón remite a ese teatro mundo donde la razón ha soñado y en este caso clama por una nueva voz y un pensamiento propio donde puede ser hallada más allá de la historia contada hasta ahora.
The work of Colombian José Alejandro Restrepo is monumental. Not only for the depth and complexity of the aesthetic, historic and artistic issues addressed, but because his creative activity is tireless, constant and full of surprising encounters with reality and the absurdity reality. Research in the early part of the art of Restrepo, investigating the reasons why it has reached the stage of artistic and cultural production. José Alejandro Restrepo was born in Paris, perhaps by chance in life that led his father to live in the city of poets and artists in 1959. Though birth is Paris has focused its work in Bogota, the capital of the Republic of Colombia. He began his studies in medicine, where the perpetual interest is extracted in the body as the scene of the encounters, not just circuits and tendons and fluids, but the narratives, symbols and stories. In Paris attends seminars Michel Foucault, French historian and philosopher who tops the list of a good number of intellectuals born after the war with renewed interest that are part of a philosophy of disenchantment with the modern project, are its high ideals and great words, progress, freedom, happiness. There will also meet the philosopher Gilles Deleuze, one of the most interesting personalities in this galaxy of thinkers that initiate a revolution in the thinking of his time . With these discovered interests alongside the French thinkers, returns to Colombia to work with artists of boom at the time as Maria Teresa Hincapie, there discover their interest in music, theater, time-duration and paradoxes. The research aims to delve into three axes of long and rigorous artistic display of Restrepo. The first is TransHistorias, a real fantasy of what the power of narrative and description and classification, in the writing of history and the effects that has this in Colombia. The look on America changed in the light of who is narrating the speech. Similarly, European science is put at odds against the fictions that mix the factual knowledge of nature that the great sages proposed. The second module poses following the counterpoint of the previous module, the idea that history is repeating and persistence and that progress is but a pipe dream. In this case the phase of interest to Jose Alejandro Restrepo is the Baroque, not studied as a period of art history ranging from 1600 to 1740, but as operative act and himself as a cold aura, ie a Baroque that flows and creating amazing sparks connecting with issues such as violence in Colombia. The Baroque is a style of open folds and mazes that is rooted way of life of the citizens and can be seen in the literature, gastronomy, but also in everyday uses the absurdities of war. The Great Work of José Alejandro Restrepo is Iconomía the year 2000, this Investigation covers the latest research that the artist has done with great patience and rigor of archaeologist stories. It is divided into: Iconoclasm and Iconophilia. In this work are interwoven and developed historical problems are revived in the early days of Christianity, when the iconoclastic conflict in Byzantium broke. Restrepo concludes that the first economic system is likewise managing the image of God. It follows that in the eighth century Byzantium, which was the same Iconomía economy, the flow of money flow in. administered equally. The iconoclasts, opposite political side to support the idea that the images helps to understand the scriptures illiterate, were not very different from them. Both in itself is as great as iconolaters descriptors great writers and visual signs. The three areas of work are connected with the problems of: the writing of history, the cracks and ruptures of the speeches and the interstices where the stories are leaking power constructs. The clamour of reason refers to the theater world where reason has dreamed and in this case cries out for a new voice and a thought which itself can be found beyond the story told so far.

La present tesi vol explicar la implantació de la Reforma Catòlica en una sèrie de parròquies rurals dels bisbats de Girona (valls de Ridaura, Bas, Hostoles i Amer) i Vic (El Collsacabra i les valls de Susqueda i Sau), entre 1587 i 1800, des dels bisbes posttrentins Jaume Caçador i Pedro Jaime als il·lustrats Tomàs de Lorenzana i Francisco de Veyan. La documentació principal són les sèries de les visites pastorals conservades a l'Arxiu Diocesà de Girona i l'Arxiu Episcopal de Vic; paral·lelament, s'ha reforçat amb documentació parroquial (llibres sagramentals, consuetes, llibres d'obra i confraries), protocols notarials (notaries de Rupit, Sant Feliu de Pallerols, El Mallol i Amer) i impresos episcopals. Els manaments de les visites pastorals s'han contrastat, amb semblances i diferències, amb els decrets del concili de Trento, de les constitucions provincials tarraconenses i les sinodals gironines i vigatanes, i amb les evidències artístiques, arquitectòniques i arqueològiques. Tots ells han servit per demostrar la lentitud en la implantació del programa tridentí, que s'assoleix, de fet, amb força retard (ben entrat el segle XVIII).
The present thesis tries to explain the implantation of the Catholic Reform in a few rural parish churches in the bishoprics of Girona (Valleys of Ridaura, Bas, Hostoles and Amer) and Vic (El Collsacabra and Valleys of Susqueda and Sau), from 1587 to 1800, from the post-Trent bishops Jaume Caçador and Pedro Jaime to Illustrated Tomàs de Lorenzana and Francisco de Veyan. The main sources of information are the pastoral bishop visits. These series are well preserved in the Arxiu Diocesà de Girona and the Arxiu Episcopal de Vic. We also have added some other documents: parish registers, notary books (from Rupit, Sant Feliu de Pallerols, El Mallol i Amer) and bishop printed material. We have contrasted the orders from the bishops visits with the decrees from the Council of Trent, the Constitutions of the Tarraconense Province and the Synodal Constitutions of Girona and Vic, and the artistic, architectural and archaeological evidences. All of them have shown the slow pace and the delay of the enterprise.

Orientador: Maria Jose de Azevedo Marcondes
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
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Resumo: Esta dissertação de mestrado tem como objetivo analisar a interação entre as obras barrocas e a cenografia e assim, compreender o caráter da espetacularização da arte barroca conferido na Mostra do Redescobrimento ¿ Brasil 500 anos. Através desse projeto procurou-se pesquisar e analisar se esses dois pontos eram ¿compatíveis¿ e poderiam ser complementares. O início desta pesquisa se deu com a investigação sobre a origem e os princípios da arte barroca para conhecer as características estéticas e ¿funcionais¿ dessa arte. Em seguida, considerando que a mostra era constituída especificamente por obras brasileiras, buscou-se entender como esta ¿arte barroca¿ chegou ao Brasil e como esta produção artística se desenvolveu nas diversas regiões hegemônicas de nosso país. Além disso, como essa Mostra foi montada em um Museu, pesquisouse também, a origem dos museus e quais as inovações em relação à arquitetura e à organização do espaço museólogico que contribuíram para a criação e o planejamento da exposição Mostra do Redescobrimento ¿ Brasil + 500 anos. Por fim, foram reunidos todos os catálogos, artigos e críticas sobre a Mostra e o módulo propriamente ditos
Abstract: This essay has the purpose of analysing the interaction between the baroque workmanships and scenography. It aims to understand the character of the baroque art spectacle presented on the ¿Brazil Rediscovery Exhibition¿. Through this project it was researched and analysed the compatibility and complementation (harmony) between the two areas. This research started with the investigation of the origin and principles of the baroque art, in order to better understand the characteristics, aesthetics and functionality of the art. Subsequently, since the sample contained only of Brazilian workmanships, it was researched the reason of how the baroque art arrived in Brazil and how this art production developed in different hegemonic regions in the country. Furthermore it was also studied how this sample was mounted in the museum, the origin of the museums and which innovations related to architecture and distribution of the space in the museum contributed to the creation and planning of the exposition ¿Brazil Rediscovery Exhibition¿. At last, it was gathered the catalogues, articles and critiques about the sample and the module itself
Mestrado
Mestre em Artes

Francis Barlow (c. 1626-1704) was one of the most prolific picture makers to work in England during the second half of the seventeenth century. Surprisingly, there has not been an account of his life and works in almost forty years, and even then Barlow was •• #.-f presented rather narrowly as the 'first master of English book illustration' (Hodnett, 1978). Barlow is now chiefly remembered for his illustrated Aesop 's Fables (1666), but he has also gained attention as a satirist, and as a sporting artist. This dissertation attempts to piece together the many facets of wide-ranging oeuvre. Following the introduction, which reveals new information about his life, Barlow's works are investigated in eight chapters, arranged according to the heuristic categories of natural history; religion and politics; and hunting and travel. As the chapters proceed, the interconnectedness of Barlow's works is revealed, as is the lack of distinction between the aspects of seventeenth-century society and culture, which they reflect. The dissertation mainly recovers Barlow as a painter. It is argued that Barlow has been forgotten as a painter due to a strong connoisseurial tradition in the history of British art, which has tended to underrate his painting. No less than forty-three paintings are interpreted and placed into a chronology. Striving to understand them in a seventeenth-century context reveals Barlow' s craft, his relationships with a wide range of patrons, and the nature of his place in the London community. Extrapolating from what we know about Barlow' s activities as a graphic satirist, the politick of his patrons, and the 'internal' evidence of the narratives of his paintings, this study demonstrates how, at least for Barlow, painting was not merely decorative. - ---~--------- / \

L'art planetaire est une forme d'art qui prend la terre dans sa dimension planetaire comme support de creation artistique. Il s'est developpe au xxeme siecle parallelement a la mondialisation des activites humaines et a l'emergence des technologies de telecommunication. Stephan barron decrit des oeuvres d'art planetaire realisees par d'autres artistes en depeignant la demarche des futuristes, de duchamp, des artistes conceptuels, de klein, de beuys, du land art, de roy ascott, de fred forest, etc. . . Il decrit egalement ses propres oeuvres entre 1986 a 1996, notamment thaon / new york (reactivation par satellite des cloisters de new york), orient express (transmission par modem d'image du trajet paris-budapest), traits (transmission par telecopie le long du meridien de greenwich), autoportrait (fleche indiquant la direction de l'artiste), les plantes de mon jardin (transmission de telecopies entre un microscopique jardin et prague), le bleu du ciel (moyenne telematique de la couleur des ciels de toulon et de tourcoing), le jour et la nuit (moyenne telematique des ciels d'australie et du bresil), ozone (installation telematique sonore utilisant les mesures d'ozone de la pollution a lille et celles du trou d'ozone a adelaide), eurotunnel (dispersion de bouees sur le trace du tunnel suivi par satellite), enfin l'elaboration d'un cd rom. Stephan barron insere ces oeuvres dans une reflexion autour de la technologie et de l'ecologie et etablit un parallele avec l'esthetique romantique. Il definit un romantisme techno-ecologique, mouvement des idees, de l'art, et de la societe qui associe la technologie et l'ecologie et appelle a une mutation anthropologique dans laquelle le pouvoir accru des technologies sur l'autre et sur la nature serait compense par un developpement de la conscience. L'effet sur le corps et la perception de ces nouvelles machines serait compense par une autre qualite de relation a soi. Le romantisme techno-ecologique serait l'ame de l'art planetaire
Earth art uses the planetary dimension of the earth as an artistic medium and was developed in this century as a corollary to the telecommunications revolution and to the globalization of all spheres of human activity. Stephan barron begis by describing the art and philosophy of the futurists, of duchamp, klein, beuys, roy ascott, fred forest concept art and land art as well. He then outlines his own earth art produced between 1986 to 1996, most notably thaon / new york ("reactivation" by satellite of the new york cloisters), orient express (transmission by modem of images taken between paris and budapest), the plants of my garden (fax transmission between a microscopic garden and prag), the blue of the sky (telematic averaging of the colour of the sky between the north and the south of france), night and day (telematic averaging of the australian and brasilian skies), ozone (telematic audio installation transforming ozone pollution measurement taken in lille and measurements from the hole in the ozone layer above adelaide), eurotunnel (buoys placed on the water's surface mark the course of the chunnel, are spread by the sea and monitored by satellite), finally the production of a cd rom. Barron examines these works in relation to technology and ecology and establishes a parallel with the romantic aesthetic. He defines a techno- ecological romanticism, as a philosophical, artistic and social movement that proposes an anthropological mutation in which the impact of technology on human beings and nature would be conterbalanced by the developpment of a new consciousness, and a modern interpretation of self-awareness. Techno- ecological romanticism is thus seen as the essence of earth art

Orientador: Geralda Dalglish
Banca: Milton Sogabe
Banca: Angela Azevedo Silva Balloussier Ancora da Luz
Resumo: Esta dissertação de mestrado é o resultado de uma investigação sobre o aspecto integrativo da obra de Celeida Tostes. A pesquisa está dividida em quatro capítulos traçando um caminho que busca pensar o espaço ocupado pelo feminino, pela cerâmica, pela arte e suas transformações, e pelo trabalho da artista inserido neste panorama. O primeiro capítulo traz uma breve narrativa do papel da mulher e suas conquistas através da história. O segundo capítulo versa sobre transformações das Linguagens Artísticas no século XX e a produção tridimensional. O terceiro capítulo discorre sobre a importância da produção artística cerâmica. O quarto, último capítulo, apresenta a reflexão sobre o aspecto integrativo da obra da artista plástica Celeida Tostes e sua grande contribuição para a inserção da arte cerâmica na área academica e no campo das artes plásticas
Abstract: This presentation is the result of a deep study into the integrative aspect of the work of Celeida Tostes (1929-1995). The research is divided into four chapters tracing a path that seeks to think of the space occupied by women, pottery, art, and its transformation and the artist's work inserted in this panorama. The first chapter provides a brief description of the role of women throughout history and their achievements; the second chapter deals with the transformation of artistic expressions in the twentieth century and three-dimensional production; the third chapter discusses the importance of the artistic ceramic production and the fourth and last chapter presents a reflecton of the integrative aspect of the work of the artistic Celeida Tostes and her great contribution to the insertion of ceramic art in academia and in the field of fine arts
Mestre

150f.
Submitted by Suelen Reis (suziy.ellen@gmail.com) on 2013-04-08T18:46:34Z No. of bitstreams: 2 fernandessegparte2.pdf: 20784376 bytes, checksum: 58b4344530acd82b3978254d6449873a (MD5) fernandessegparte1.pdf: 14709135 bytes, checksum: f278dfae1941ba10cfc1439913b2d44e (MD5)
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A pesquisa investiga, de forma prático-teórica, o processo de confecção de objetos cerâmicos, enquanto signos de uma linguagem visual universal, através da qual o homem se encanta e canta sua concepção de universo. Uma linha imaginária visualsonora,portanto, liga o procedimento cerâmico que se faz com terra — argila — ao planeta Terra, considerando fazeres poéticos regionais e universais. Esta linha tornase eixo da imaginação para o movimento incessante entre cosmovisões ameríndias e devaneios contemporâneos. Enquanto as experimentações cerâmicas tornam-se sementes, proto-estrelas e outras formações cósmicas, constelações de obras-estrelas são traçadas para visualizar e analisar o gesto criativo por método associativo e processual como em redes de criação. Tomo Gaston Bachelard como filósofo norteador desta pesquisa porque é esclarecedora sua análise da ação do modelador,daquele que, com imaginação e vontade, trabalha com a maciez e resistência das massas cerâmicas. Faço aproximações e distanciamentos com obras de artistas pesquisadores nas áreas de artes visuais e música: Norma Grinberg, Eriel Araújo,Ana Maria Tavares, Walter Smetak, Susan Rawcliffe, Márcia Xavier, Gabriel Orozco,Amélia Toledo, Celeida Tostes e Delma Godoy. As reflexões e a prática no atelier apontaram caminhos e possíveis respostas para questões que envolvem o procedimento cerâmico e a arte contemporânea. Os resultados que abraçam o diálogo com o espectador para conquista de novos conhecimentos, interligados a esta dissertação, foram apresentados em duas exposições individuais: Germinando Estrelas, onde foram instalados objetos sonoros, as Proto-estrelas, na EBEC Galeria de Arte, em 2007, e terra-Terra, onde se pode perceber uma atmosfera cósmica com as obras Granulações, Sítio cósmico, Proto-estrelas, Cantos do joão-de-barro e Caco-cipó no sótão do Palacete das Artes Rodin Bahia, em 2009, em Salvador.
Salvador

Esta dissertação trata das Fotoformas, obra fotográfica produzida por Geraldo de Barros entre o final da década de 1940 e o início da seguinte. O conjunto é diversificado, pois possui imagens que podem ser vinculadas tanto ao Construtivismo, quanto a poéticas ligadas à revitalização do Expressionismo na arte internacional no segundo pós-guerra, ou a vanguardas da fotografia moderna como a Nova Visão, entre outros movimentos. Através da investigação dos grupos e ambientes artísticos freqüentados por Barros (Grupo XV, MAM/SP, Masp, Biblioteca Municipal de São Paulo, Grupo Ruptura, Setor de Terapia Ocupacional do Hospital Psiquiátrico Pedro II e Foto Cine Clube Bandeirante) percebe-se como ele conheceu algumas das referências identificadas em sua obra. Além disso, o trabalho analisa a relação das Fotoformas com as idéias de Mário Pedrosa, crítico considerado pelo artista como seu mentor intelectual. A partir desse mapeamento, a reflexão volta-se para o significado específico dessas referências no contexto cultural paulistano do período estudado. A concomitância de tradições, a princípio díspares, nas Fotoformas, encontra uma justificativa teórica no pensamento desenvolvido por Pedrosa: suas idéias sobre as origens da arte moderna, o conceito de arte virgem e a Teoria da Gestalt.
This dissertation is about Fotoformas, the Geraldo de Barros photographic work made between the end of 1940s and the beginning of the 1950s. The set is diversified because it has pictures linked to the Constructivism, to neo-expressionists poetics arisen in the international art after 1945, or to modern photographic vanguards like the New Vision, among others movements. Through an investigation on the artistic groups and environments frequented by Barros (Group XV, MAM/SP, Municipal Library of São Paulo, Rupture Group, Occupational Therapy Section of the Psychiatric Hospital Pedro II, Bandeirante Photo Cine Club) we can discern how he had known some references identified in his work. Moreover, the research analyses the relation between the Fotoformas and the Mário Pedrosas ideas, art critic considered by the artist like his intellectual mentor. From this survey, the reflection turns about to the specific meaning of these references in the cultural context studied. The concomitancy of different artistic traditions in Fotoformas finds a theoretical explanation in the Pedrosas thoughts: his ideas on the modern art roots, the virgin art concept and the Gestalt Theory.

Class/Act: Embodied Practices for Performative Pedagogy is a personal and practical exploration of embodiment’s role in higher education acting pedagogy. In my thesis, I propose that embodied acting practices rooted in phenomenology and corporeal dramaturgy surpass conventional acting curricula. Embodied training is often confused with movement curricula and is regularly considered a shallow and/or unintelligent means to approaching acting work. However, I will argue the efficiency and effectiveness of embodied teaching techniques in four parts. Part One: Seeing is a retrospective of how my personal experiences outside of the classroom have drawn me toward embodied aesthetics. Part Two: Knowing unveils my research of embodiment, its origins, and its impact on theatrical disciplines. Part Three: Being/Doing is an in-depth look into diverse schools of acting and how they fall short of fully embracing embodied practices. Part Four: Becoming is an introduction to my creation of an embodied business approach for actors called Professional Embodied Preparation (PEP) and continues the discussion of embodiment’s transformative influence and integration into the higher education curricula. Throughout the thesis, I hope to prove that embodied acting pedagogy is an essential tool for providing greater efficiency, proficiency, and auto-didacity for the pre-professional actor in the academic classroom and beyond.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:28Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-09-21Bitstream added on 2014-06-13T20:09:37Z : No. of bitstreams: 1 santos_er_me_ia.pdf: 3759819 bytes, checksum: ee36291779ac2de696c6d7e672eed0c1 (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Esta dissertação de mestrado é o resultado de uma investigação sobre o aspecto integrativo da obra de Celeida Tostes. A pesquisa está dividida em quatro capítulos traçando um caminho que busca pensar o espaço ocupado pelo feminino, pela cerâmica, pela arte e suas transformações, e pelo trabalho da artista inserido neste panorama. O primeiro capítulo traz uma breve narrativa do papel da mulher e suas conquistas através da história. O segundo capítulo versa sobre transformações das Linguagens Artísticas no século XX e a produção tridimensional. O terceiro capítulo discorre sobre a importância da produção artística cerâmica. O quarto, último capítulo, apresenta a reflexão sobre o aspecto integrativo da obra da artista plástica Celeida Tostes e sua grande contribuição para a inserção da arte cerâmica na área academica e no campo das artes plásticas
This presentation is the result of a deep study into the integrative aspect of the work of Celeida Tostes (1929-1995). The research is divided into four chapters tracing a path that seeks to think of the space occupied by women, pottery, art, and its transformation and the artist's work inserted in this panorama. The first chapter provides a brief description of the role of women throughout history and their achievements; the second chapter deals with the transformation of artistic expressions in the twentieth century and three-dimensional production; the third chapter discusses the importance of the artistic ceramic production and the fourth and last chapter presents a reflecton of the integrative aspect of the work of the artistic Celeida Tostes and her great contribution to the insertion of ceramic art in academia and in the field of fine arts

The study analyses the American neo-avantgarde as well as the narratives of Swedish post World War II art history, through a specific subject position. The Swedish painter Barbro Östlihn (1930-1995) lived in New York from 1961, where her work was exhibited and received on a new art scene. Despite the strong focus within Swedish Art History on the 1960’s and the American art scene, Östlihn seems to be marginalized in its narratives. Studies of selected corpora of American art criticism, and of segments in the Swedish art scene in the 1960’s are maintained. Discursive and field-related mechanisms, which help to explain what positions were available, are revealed. Transnational processes of avant-garde culture between Manhattan and Stockholm are discussed, e.g. through an analysis of the American pop art show at Moderna Museet in 1964. This becomes the backdrop for the final chapter’s discussion of the narratives in post World War II Art History in Sweden. In the interpretation of Östlihn’s work-process, her use of photography is understood as a strategy to connect her painterly work with urban space. The painterly and the photographic are merged, as in other artistic practices in a historical moment of crisis in painting. The studio, the site where modes of art production are constructed, is one point of departure in a spatial analysis of the art field. Another is the ongoing urban renewal on Lower Manhattan and its impact on artistic work and on how artists are positioned. Östlihn’s co-operation in the work of her husband Öyvind Fahlström, is understood as a merging of a traditional division of work between genders, and new co-operative modes of art-production. The study is the first academic work on Barbro Östlihn, and covers the time span 1960-1969. Feminist theory, Pierre Bourdieu’s field theory and Michel Foucault's discourse theory is used as its main framework.

Este trabalho apresenta uma observação acurada do universo da cerâmica no povoado de Maragogipinho, Bahia. A pesquisa revela quem são os mestres e mestras do barro, dá a conhecer o seu processo criativo e educativo. Esses homens e mulheres são protagonistas do patrimônio cultural imaterial brasileiro, eles detêm e socializam conhecimentos que perpassam gerações, saberes tecidos em práticas de ensino não sistematizadas e nem legitimadas pelas culturas hegemônicas. A educação artesanal está fundada na ancestralidade, na repetição e na invenção, no constante diálogo entre a tradição e a emergência da modernidade: novas formas de criação e antigos segredos de ofício se misturam, numa tensão permanente entre transformação e conservação. O artesão e a artesã vivem o seu legado cultural e o mantêm vivo, reinventando-o e atualizando-o eternamente. Essa herança conserva a conexão com o passado, mas se reveste de novos símbolos e significados no presente para fortalecer a identidade dos autores e de suas comunidades, e para dar sentido ao futuro.
This work presents an accurate observation of the pottery universe in the village of Maragogipinho, Bahia. The research reveals who are the masters of clay, makes known their creative and educational process. These men and women are protagonists of the brazilian intangible cultural heritage, they preserve and socialize knowledge across generations, originated in unsystematic practices, not legitimized by the hegemonic cultures. Craft Education is established on ancestry, on repetition and invention, in constant dialogue between tradition and the emergence of the modernity: new ways of creating and old trade secrets are mixed on a permanent tension between transformation and conservation. The craftsman lives his cultural legacy and keeps it alive reinventing and updating it forever. This heritage preserves the connection with the past, but acquires new symbols and meanings to strengthen the identity of the authors and their communities, and to make sense of the future.

Submitted by Marta Toyoda (1144061@mackenzie.br) on 2017-01-17T16:35:22Z No. of bitstreams: 2 Cícera Rosa Segredo Yamamoto.pdf: 1238755 bytes, checksum: 6b4136cbb81cad58ebe0909372716319 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5)
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Manoel de Barros is a poet and as defines itself, "word of poet", whose poems are closely related to the Pantanal (South) of Mato Grosso, putting on display the close relationship between the work and the context. We search to answer along the thesis, three questions: if the "poetic inspiration" by Manoel de Barros transcends his personal experience in his books, or the place and time where pronounced are so present in the works that ultimately enroll them autobiography traces; if the traits that make up the poetic writer can do (or not) identify in their works a poet "local" or a universalizing poetic; such as (South) Mato Grosso writer, chronologically enrolled in the "45 generation" articulates tradition and innovation in his poetic construction. Confirming or deconstructing "truths" published on the poetics of the author and searching new constructs and aesthetic effects that literary production, we have the following objectives: identify regularities and dispersions in the form and content of the poems; discuss the relationship between local and universal, between tradition and modernity, between memory and invention and among selves / others who live in the works; search identifying traits of poetic writer. To this end, we elected as corpus of research two works of Manoel de Barros: Poemas concebidos sem pecados (1937), the first book of the writer, and Memórias inventadas: A terceira infância (2008), searching to bridge the gap between the first and one of the last books the poet. Compliance with the proposed objectives requires, however, in addition to "face" the work, to provide himself with a theoretical foundation. Thus, we use of Candido (2000) to treat the issue of the location of the dialectic and universal literary decolonization, as well as the relationship of author-work-public. To clarify concepts or principles "technical" essential to the analysis, such as "tradition," "influence" and "intertextuality", we called to Nitrini (2000), to whom we add Bakhtin (2011), mainly to treat style, aesthetics and exotopy, and Paz (1972; 1991). For understanding the concept of identity, the support came from Hall (2011) and other invited authors to the reflections on identity and memory, as Gusdorf (1951, 1990, 1991), Bergson (2006), Halbwachs (2003), Ricoeur (2007) and Candau (2014). In addition to these authors, some others will emerge in due course, because indispensable to poetry reading Manoel de Barros. We found that Barros excluded from his poetry any purpose of describing landscapes or historicizing costumes, putting on display the dialogue, rapprochement and the gap between the selves, times and spaces. Barros attributed his lyricism to "a desert in the eye" and to express it, took a seemingly autobiographical format, just like the invention feature because sang "what was not," but what had missing "for not having been "revealing us exotopy spoken by Bakhtin (2011). From our reading, the memory was not as "representation" but as "eye divination" in tone and unmistakable verses of Manoel de Barros.
Manoel de Barros é poeta e, como se autodefine, “poeta da palavra”, cujos poemas guardam íntima relação com o Pantanal (sul-)mato-grossense, pondo à mostra a estreita relação entre a obra e o contexto. Procuramos responder, ao longo da tese, a três questões: se a “inspiração poética” de Manoel de Barros transcende sua experiência pessoal nos seus livros, ou se o lugar e o tempo de onde se pronuncia são tão presentes nas obras que acabam por inscrever nelas traços de autobiografia; se os traços que constituem o fazer poético do escritor podem (ou não) identificar em suas obras um poeta “do local”, ou uma poética universalizante; como o escritor mato-grossense, cronologicamente inscrito na “geração de 45”, articula tradição e inovação em sua construção poética. Ratificando ou desconstruindo “verdades” publicadas sobre a poética do autor e buscando novos construtos e efeitos estéticos nessa produção literária, temos como objetivos específicos: identificar regularidades e dispersões na forma e conteúdo dos poemas; discutir a relação entre local e universal, entre tradição e modernidade, entre memória e invenção e entre os eus/outros que convivem nas obras; buscar traços identificadores da poética do escritor. Para tanto, elegemos como corpus da pesquisa duas obras de Manoel de Barros: Poemas concebidos sem pecado (1937), primeiro livro do escritor, e Memórias inventadas: terceira infância (2008), procurando fazer uma ponte entre o primeiro e um dos últimos livros do poeta. O cumprimento dos objetivos propostos requer, no entanto, além de “enfrentar” a obra, munir-se de uma fundamentação teórica. Assim, valemonos de Candido (2000) para tratar da questão da dialética do local e do universal na descolonização literária, bem como da relação autor-obra-público. Para esclarecer conceitos ou princípios “técnicos” essenciais à análise, como tradição, influência e intertextualidade, recorremos a Nitrini (2000), a quem agregamos Bakhtin (2011), sobretudo para tratarmos de estilo, estética e exotopia, e Paz (1972; 1991). Para a compreensão do conceito de identidade, o apoio veio de Hall (2011) e de outros autores convocados para as reflexões sobre identidade e memória, como Gusdorf (1951, 1990, 1991), Bergson (2006), Halbwachs (2003), Ricoeur (2007) e Candau (2014). A esses autores de referência, alguns outros emergem oportunamente, porque indispensáveis à leitura da poesia de Manoel de Barros. Verificamos que Barros excluía de sua poesia qualquer propósito de descrever paisagens ou historiar costumes, pondo à mostra o diálogo, a aproximação e o distanciamento entre os eus, os tempos e os espaços. Barros atribuía seu lirismo a “um ermo dentro do olho” e, para expressálo, adotou um formato aparentemente autobiográfico, apenas como recurso de invenção, pois cantou “o que não fora”, mas do que tinha saudade “por não ter sido”, revelando-nos a exotopia de que fala Bakhtin (2011). De nossa leitura, ficou a memória não como representação, mas como "olho divinatório", em tom e versos inconfundíveis de Manoel de Barros.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:24:10Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-02-26Bitstream added on 2014-06-13T18:20:20Z : No. of bitstreams: 1 santos_mal_me_bauru.pdf: 1506173 bytes, checksum: 955405b44f5282efdb0c72fc200d3363 (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Concretismo foi um movimento vanguardista que abrangeu as artes plásticas, a arquitetura, a música, a poesia, o design. Os artistas que formaram o grupo concretista paulista Ruptura, em 1952, concebiam a arte como projeto, como idéia racional e propunham objetos múltiplos contrapondo-se à noção de obra única. Preocupavam-se com a função social do artista, a questão da reprodução da arte para todos e ansiavam por intervir no centro da produção industrial. Geraldo Barros foi um concretista que buscou a integração funcional da arte ao cotidiano por meio do design. A participação na indústria moveleira Unilabor, a partir de 1954, denota seu compromisso com essa idéia. O percurso de Barros - pintor, fotógrafo e design - permite caracterizá-lo como artista múltiplo. Esta pesaquisa, no entando, se delimita a sua produção no período compreendido entre o final dos anos 40 e meados dos anos 60. Seu objetivo é evidenciar os pressupostos sociais e racionais do Concretismo sobre a produção plástica e a metodologia de projeto de Geraldo Barros enquanto design de móveis. O estudo teve como fio condutor a linguagem geométrica das vanguardas do primeiro vintênio do século XX e a produção artística do Concretismo brasileiro, cujo processo de criação está objetiva e filosoficamente embasado na geometria. A proposta aspira a uma contribuição bibliográfica sobre o assunto, acrescentando uma maneira a mais de olhar o design
The Concretism was a vanguard movement that covered the arts, architecture, music, poetry, design. The artists who formed the group Ruptura in 1952, conceived of art as design, as rational idea and proposed multiple objects in opposition to the concept of a single work. Worried about the social role of the artist, the question of the reproduction of art of all and were eager to intervence in the center of industrial production. Geraldo Barros was a concrete sought the functional integration of art to everyday life through design. Participation in the furniture industry Unilabor, from 1954, reflects his commitment to this idea. The route of Barros - painter, photographer and designer - to characterize it as multiple artist. This research, however, is framed for its production in the period between the late 40th and mid '60s. Your intention is to show the social and rational assumptions of the Concretismo on the artistic production and design methodology Geraldo de Barros as a furniture designer. The study was lead by the geometric language of the vanguards ocurred in the first twenty years of century XX and the artistic production of Concretismo Brazilian, whose creation process is objective and philosophically grounded in geometry. The proposal aims to a contribution of literature on the subject, adding one more way of looking at the design

Por meio da organização e análise da crítica dispersa de Lourival Gomes Machado, textos em sua maioria pertencentes ao acervo do crítico, esta tese parte do pressuposto de que, para Gomes Machado, há uma arte brasileira autêntica, que se forma no século XVIII, sob o signo do barroco, e se estende até início de 1960, com a abstração expressiva, apresentando um interrompimento devido à implantação da Academia de Belas Artes, durante o século XIX. Nos anos 1940, apesar das preocupações do crítico envolverem sobretudo o modernismo brasileiro e a abstração aparecer apenas timidamente, no período de sua crítica madura, entre 1950 e início de 1960, passa a dedicar mais atenção à arte abstrata chegando, no fim desse período, a entender a abstração expressiva como vertente mais significativa, tanto da produção brasileira como internacional. Mário de Andrade era referência intelectual de destaque para Gomes Machado e ambos estavam em busca do que entendiam ser a configuração de uma arte propriamente brasileira. Para Andrade, a arte brasileira deveria carregar índices da natureza humana brasileira. Na crítica de Gomes Machado, a relação entre forma e lugar torna-se mais complexa, fazendo com que aquilo que antes transparecia na arte figurativa de deformação expressiva, relativa ao olhar de Andrade, passe a habitar a abstração não-geométrica, ou seja, a \"arte brasileira\" passa a ser caracterizada por formas, e não assuntos, que dizem respeito à mentalidade brasileira. Diante disso, optou-se por uma interpretação do pensamento crítico de Gomes Machado a partir de três momentos fundamentais de sua produção - modernismo, barroco e abstração expressiva -, cujos artigos revelam os contornos expressivos de sua concepção de \"arte brasileira\".
Through the organization and analysis of Lourival Gomes Machado\'s dispersed critical production, texts mostly belonging to the critic\'s personal archive, this thesis understands that, to Gomes Machado, there is an authentic Brazilian art, formed in the eighteenth century, under the sign of the Baroque, and which extends itself until early 1960, with informalism, presenting an interruption due to the implementation of the Academy of Fine Arts, during the nineteenth century. In the 1940s, despite the critic being mainly involved with Brazilian modernism and having abstraction appear only timidly, in the period of his mature critique between 1950 and early 1960, he devotes more attention to abstract art, understanding expressive abstraction as the most significant aspect of both Brazilian and international production. Mário de Andrade was an important intellectual reference to Gomes Machado and both sought to understand the configuration of an authentic Brazilian art. To Andrade, Brazilian art should carry aspects of Brazilian human nature. In Gomes Machado\'s critique, the relationship between form and space becomes more complex, so that what appeared in figurative art of expressive deformation - characteristic of Andrade\'s vision -, continues to inhabit non-geometric abstraction. In other words, \"Brazilian art\" becomes characterized by forms, and not themes that concern Brazilian mentality. Therefore, Gomes Machado\'s critical thinking was analyzed from three key moments of his production - modernism, baroque and expressive abstraction. His articles reveal the contours of his expressive conception of \"Brazilian art\".

Orientador: Aniceh Farah Neves
Banca: Roberto Alcarria do Nascimento
Banca: Janira Fainer Bastos
Resumo: Concretismo foi um movimento vanguardista que abrangeu as artes plásticas, a arquitetura, a música, a poesia, o design. Os artistas que formaram o grupo concretista paulista Ruptura, em 1952, concebiam a arte como projeto, como idéia racional e propunham objetos múltiplos contrapondo-se à noção de obra única. Preocupavam-se com a função social do artista, a questão da reprodução da arte para todos e ansiavam por intervir no centro da produção industrial. Geraldo Barros foi um concretista que buscou a integração funcional da arte ao cotidiano por meio do design. A participação na indústria moveleira Unilabor, a partir de 1954, denota seu compromisso com essa idéia. O percurso de Barros - pintor, fotógrafo e design - permite caracterizá-lo como artista múltiplo. Esta pesaquisa, no entando, se delimita a sua produção no período compreendido entre o final dos anos 40 e meados dos anos 60. Seu objetivo é evidenciar os pressupostos sociais e racionais do Concretismo sobre a produção plástica e a metodologia de projeto de Geraldo Barros enquanto design de móveis. O estudo teve como fio condutor a linguagem geométrica das vanguardas do primeiro vintênio do século XX e a produção artística do Concretismo brasileiro, cujo processo de criação está objetiva e filosoficamente embasado na geometria. A proposta aspira a uma contribuição bibliográfica sobre o assunto, acrescentando uma maneira a mais de olhar o design
Abstract: The Concretism was a vanguard movement that covered the arts, architecture, music, poetry, design. The artists who formed the group Ruptura in 1952, conceived of art as design, as rational idea and proposed multiple objects in opposition to the concept of a single work. Worried about the social role of the artist, the question of the reproduction of art of all and were eager to intervence in the center of industrial production. Geraldo Barros was a concrete sought the functional integration of art to everyday life through design. Participation in the furniture industry Unilabor, from 1954, reflects his commitment to this idea. The route of Barros - painter, photographer and designer - to characterize it as multiple artist. This research, however, is framed for its production in the period between the late 40th and mid '60s. Your intention is to show the social and rational assumptions of the Concretismo on the artistic production and design methodology Geraldo de Barros as a furniture designer. The study was lead by the geometric language of the vanguards ocurred in the first twenty years of century XX and the artistic production of Concretismo Brazilian, whose creation process is objective and philosophically grounded in geometry. The proposal aims to a contribution of literature on the subject, adding one more way of looking at the design
Mestre

Pretendemos entender a filosofia de Espinosa, em especial, a sua Ética ordine geometrico demonstrata, a partir de uma operação conflituosa bem específica entre, por um lado, a perspectiva do transcendente (ou a teologia racional) e, por outro, um desejo de salvação mundana; entre o projeto da filosofia imanentista de Espinosa e um mundo submetido ao poder teológico-político; e entre o texto teológico e o método da escrita da filosofia de Espinosa. Tais operações estruturam o cerne de nosso trabalho, no qual visamos entender o nexo causal na passagem de um Deus sive natura absolutamente infinito para nós, os modos finitos desta mesma natureza, de maneira a chegarmos a um entendimento que possa nos garantir não apenas ser, mas tomar parte ativamente neste absolutamente infinito. Não só procuraremos caminhar neste solo conflituoso, mas ainda proporemos tratá-lo com um procedimento que em si enfatiza conflitos, pois visamos responder às nossas questões acerca da filosofia da imanência, de Deus, da passagem do infinito ao finito a partir de uma aproximação entre a obra de Espinosa e o complexo universo artístico da literatura, das artes plásticas e da música do século XVII barroco. Além disto, procuramos demonstrar a hipótese de que a singularidade da Ética enquanto texto, expressa por uma forma textual filosófica sem precedentes, produz uma questão conceitual extremamente complexa que se funde à própria idéia do absolutamente infinito. Pois se a síntese da geometria dos indivisíveis, do século XVII, fornece-nos uma nova idéia de infinito (como amplamente discutiremos) e se a ordem geométrica da demonstração da Ética é fruto desta mesma síntese, então o livro deve necessariamente trazer, já, em sua fartura textual esta idéia de infinito. (Continua)
We intended to understand Espinosa\'s philosophy, especially, his Ethics ordine geometrico demonstrata, starting from a very specific conflicting operation against, on one side, the perspective of the transcendent (or the rational theology) and, on other, a desire for a mundane salvation; between the project of Espinosa\'s immanentist philosophy and a world submitted to the theological-political power; and between the theological text and the method of writing of Espinosa\'s philosophy. Such operations structure the core of our work, in which we seek to understand the causal connection in the passage from a God sive natura, absolutely infinite, to us, the finite manners of his same nature, in way that we can arrive to an understanding that can guarantee to us not to be a part, but to take part actively in this absolutely infinite. Not only we will try to walk in this conflicting path, but we intend to treat it with a procedure that emphasizes conflicts in itself, for we aim to answer our subjects - concerning the philosophy of the immanence, God, and the passage from the infinite to the finite - dealing with an approach between Espinosa\'s work and the complex artistic universe of literature, visual arts and music from the Baroque XVII century. Farther, we intend to demonstrate the hypothesis that the singularity of the Ethics while a text, expressed by an unprecedented philosophical textual form, produces an extremely complex conceptual subject that merges to the same idea of the absolutely infinite present in the Ethics. For if the synthesis from the geometry of the indivisibles, of the XVII century, provide us a new idea of the infinite (as we will extensively discuss) and if the geometric order on the demonstration of the Ethics is a fruit of this same synthesis, then the book should necessarily bring, already, in its textual profusion 7 this idea of the infinite. In other words, the idea of the geometric-synthetic order, key to the formulation of the absolutely infinite, already takes place in the textual structure ordine geometric demonstrata of the Ethics. Thus, we look forward to demonstrate that the order of exposition of the text in the Ethics operates with the same idea expressed by its ontology (the idea that is also expressed in mathematics by the geometrical synthesis). Farther on, we will insist that the formal articulation of the Ethics renders to us patent the fruition of the infinite, because we believe that such work while a text and as text, already expresses to its reader the experience of this new synthesis of an indivisible absolutely infinite.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:28Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-08-23Bitstream added on 2014-06-13T18:49:10Z : No. of bitstreams: 1 schunk_r_me_ia.pdf: 17928712 bytes, checksum: a7f5fef580d8ac17a8c1699102d9cc03 (MD5)
Universidade Estadual Paulista (UNESP)
Na história da colonização brasileira, a produção de imagens sagradas representou um importante papel didático no processo de ensino e conversão religiosa do território conquistado, sobretudo incentivado nas oficinas conventuais jesuíticas, beneditinas, franciscanas e carmelitas. No planalto de Piratininga, as pioneiras relações sociais estabelecidas por meio de laços matrimoniais entre tupis e portugueses foram de encontro à secular sociedade paraguaia formada por espanhóis e guaranis, gerando uma mescla de culturas que resultaram na idéia de sertão: local onde a miscigenação e liberdade fugiram de tratados ibéricos e controles metropolitanos. Pelos velhos caminhos indígenas Peabirus, os bandeirantes paulistas avançaram no interior do continente em busca de riquezas, levando consigo suas experiências e retornando com a prata de Potosí e mão de obra missioneira. No meio deste caminho estava Santana de Parnaíba e a arte do primeiro grande artista brasileiro: Frei Agostinho de Jesus. Residindo no Mosteiro dos Beneditinos desta localidade a partir de 1643 transforma o panorama cultural do Brasil, um significativo momento das artes plásticas nacionais. Em Parnaíba, o mestre encontrou uma sociedade original, miscigenada, criando obras-primas, testemunhos da arte sacra paulista, berço da identidade nacional. A série de imagens em terracota desenvolvidas nesta região integra umas das primeiras tradições brasileiras de escultura religiosa somando contribuições de artistas como Frei Agostinho da Piedade, Mestre de Angra dos Reis e entalhadores missioneiros. A partir desse evento forma-se um conjunto de santeiros que seguirão estéticas eruditas e populares formando a Escola Cultural do Vale do Rio Tietê e Paraíba do Sul. Toda essa agitação social irá acompanhar os pioneiros no processo de expansão do país rumo a Minas Gerais, Mato Grosso e Goiás...
The production of sacred images played important role for the teaching process and religious conversion for the history of the Brazilian colonization. Jesuits, Benedictines, Franciscans and Carmelites, had encouraged the production of sacred images in their handcrafts spaces. At the Piratininga plateau, the first social relationships have been born through marriages between Tupis and Portugueses. The opposite of the secular Paraguayan society, made up of Spanish and Guaranis. These relationships, turned into a mix of cultures resulting in an idea of backwoods: miscegenation and freedom, ran away from Iberic control. The pioneers from São Paulo “paulistas” used the old indigenas ways, looking for wealth. They returned to the silver of Potosi, bringing their experience and missionary labor. Through the middle of the way, in Santana de Parnaíba, was Frar Agostinho de Jesus, the first, and most important Brazilian artist. From 1643, Frar Agostinho living with the Benedictines transformed the culture of Brazil, into a significant moment of national art. In Parnaíba, the master found an original and mixed society, creating masterpieces, standarts of sacred art in São Paulo, birth of national identity. The series of images in terracotta developed in this region includes one of the first Brazilian traditions of religious sculpture by adding contributions from artists such as Frar Agostinho da Piedade, Master of Angra dos Reis and carvers missionaries. This event result in the foundation of the important “The School Culture of the Tietê and Paraíba do Sul River Valley”. All this unrest will follow the pioneers in the expansion of the country towards Minas Gerais, Mato Grosso and Goiás... (Complete abstract click electronic access below)

Made available in DSpace on 2016-04-26T20:24:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Raquel Domingues do Amaral.pdf: 1299397 bytes, checksum: b28b4150c988ca0651c06f147655ac25 (MD5) Previous issue date: 2016-02-18
Based on the epistemological premise of the Logical Semantic Constructivism (CARVALHO, 2010), the present study proposes to reflect about the incidence of the constitutional rule which restrain the demarcation of indigenous lands. It seeks for the meaning of the signs: Indian, Indigenous Community and Indigenous Lands, in the statements of art. 231 caput, §§§ 1, 2 and 3 and art. 20, XI, from the Federal Constitution, considering the connotation of these signs in the social, cultural and historical context of Indians. The study also handles the matter of demarcation of indigenous lands in the current state of the art, being strongly influenced by the theory of John Mendes Jr. (1912) on indigenato, as well as making a counterpoint with Ferraz Jr. s (2007; 2012) discussion, which contemplates indigenato as a title that explains the Indians originating status of the right to permanent possession, although not limited to this. It discusses the relevance of the legal precedent of the Supreme Court, as a pragmatic dimension of linguistic semiosis on the fixed rules of the statements in art. 231 caput, §§§ 1, 2 and 3 and art. 20 XI, in the Federal Constitution, that is, as a text not written in the physical support of prescriptive statements, but that cannot have its meaning ignored as real technical legitimacy. From the perspective of the epistemology proposed by Paulo de Barros Carvalho (2010) on the incidence of general and abstract tax norm, it proposes a hermeneutics of the incidence of the rule, which is constructed through the interpretation of the statements of the art. 231 caput, §§§ 1, 2 and 3 and art. 20 XI, from the Federal Constitution. The demarcation of indigenous lands is denoted in the present research as a procedure and as a sole and specific rule that enables the incidence of general and abstract rule laid down in art. 231 caput, §§§ 1, 2 and 3 and art. 20 XI, from the Federal Constitution. One may conclude that the individual and solid rule that documents the demarcation has a legal effect on subjective and originating rights of the Indians of permanent possession of the lands they traditionally occupy. It has been defined The existence of two legal systems in relation to the land known as traditionally occupied by demarcation: the regulatory legal framework of the legal relationship between "non-Indians", which precedes the advent of sole and specific rule documented in the demarcation, and the legal regime subsequent to the formation of subjective originating rights of "Indians", in the subsequent individual and solid rule. Individual and solid rules that make up the property right of "non-Indians" are repealed before the advent of individual and solid rules documented in the demarcation, therefore, the extinction of these legal relations has ex nunc effects and shall be harmonized with the rules of items XXII, XXIV of art. 5 of the Federal Constitution. After the advent of individual and solid rule of demarcation, the legal framework is set out in § 6 of art. 231 of the Federal Constitution, as a means of protecting the Indians original right to possession
Propõe-se uma reflexão sobre a incidência da norma constitucional que disciplina a demarcação de terras indígenas, com base na premissa epistemológica do Constructivismo Lógico Semântico de Paulo de Barros Carvalho. Buscamos o sentido dos signos índio, comunidade indígena e terras indígenas nos enunciados do art. 231 caput, §§§ 1º, 2º e 3º e art. 20, XI, da CF, levando em consideração o sentido destes signos no contexto social, cultural e histórico do índio. Abordamos a problemática da demarcação de terras indígenas no estado atual da arte, fortemente influenciado pela teoria do indigenato de João Mendes Jr., fazendo um contraponto com o entendimento esposado por Tércio Sampaio Ferraz Jr., que compreende o indigenato como um título que explica o caráter originário do direito à posse permanente dos índios, mas que não se reduz a este. Discorremos sobre a relevância do precedente jurisprudencial do Supremo Tribunal Federal, como dimensão pragmática da semiose linguística da norma construída a partir dos enunciados do art. 231 caput, §§§ 1º, 2º e 3º e art. 20 XI da CF, ou seja, como texto não escrito no suporte físico dos enunciados prescritivos, mas que não pode ser ignorado, na busca de sentido, como verdadeira técnica de legitimação. Propomos uma hermenêutica sobre a incidência da norma, que se constrói pela interpretação dos enunciados do art. 231 caput, §§§ 1º, 2º e 3º e art. 20 XI da CF, sob a perspectiva da epistemologia proposta por Paulo de Barros Carvalho para a incidência da norma geral e abstrata tributária. Abordamos a demarcação de terras indígenas, como procedimento e como norma individual e concreta que viabiliza a incidência da norma geral e abstrata prevista no art. 231 caput, §§§ 1º, 2º e 3º e art. 20 XI da CF. Concluímos que a norma individual e concreta que documenta a demarcação tem o efeito constitutivo do direito subjetivo originário dos índios à posse permanente das terras que tradicionalmente ocupam. Delimitamos a existência de dois regimes jurídicos em relação às terras que são reconhecidas como ocupação tradicional pela demarcação: o regime jurídico regulador das relações jurídicas, entre não índios , anteriores ao advento da norma individual e concreta documentada na demarcação e o regime jurídico posterior à constituição do direito subjetivo originário dos índios no consequente da norma individual e concreta. Anteriormente ao advento da norma individual e concreta documentada na demarcação, as normas individuais e concretas que constituem o direito de propriedade de não índios são revogadas, de modo que a extinção dessas relações jurídicas tem efeitos ex nunc e devem ser harmonizadas com as normas dos incisos XXII, XXIV do art. 5º, da CF.Após o advento da norma individual e concreta da demarcação, o regime jurídico a incidir é o previsto no § 6º, do art. 231, da CF, como um meio de proteger o direito originário à posse dos índios

Esta dissertação consiste na tradução comentada do tratado L\'Art de Preluder de Jacques Martin Hotteterre - Le Romain (1674-1763), publicado em Paris em 1719. Este trabalho teve como objetivo ampliar a literatura em língua portuguesa para a flauta doce, tornando-o acessível aos estudantes de música e principalmente aos instrumentistas de sopro que se preocupam com uma performance historicamente orientada. Para tanto, foram estudados termos importantes que circundam a Arte de Preludiar de Hotteterre de acordo com as fontes primárias, como os dicionários setecentistas de Furetière e Brossard, e fontes secundárias, como o dicionário de Benoit. A pesquisa de termos indicou a dimensão retórica de diversos conceitos utilizados no tratado, tais como arte, engenho, capricho, princípios, método etc. Além da pesquisa de elementos gerais pertencentes ao estilo barroco francês, uma biografia do instrumentista e compositor, a relação de suas obras e, ainda, o resgate do significado setecentista do gênero musical \"prelúdio\", são partes integrantes deste trabalho. Este trabalho mostra que a técnica de improvisação apresentada por Hotteterre é baseada em práticas francesas e italianas. Esse fato permitiu conhecer uma nova dimensão da influência italiana na música francesa do início do Setecentos.
This work is a commented translation of the treaty L\'Art de Preluder by Jacques Martin Hotteterre Le Romain (1674-1783), published in Paris in 1719. The purpose of this work is to extend the recorder references in Portuguese language, making it accessible to music students and wind musicians that care about historical performance. For that, all-important terms that were used in the treaty were studied with the primary sources, like Brossard and Furetières eighteenth dictionaries, and with secondary sources, like the Benoit Dictionary. This research of terms points to a rhetorical dimension of various terms used in the treated, like art, wit (ingenium), caprice, principles, method, etc. Beyond the research of French styles general elements, a musician composers biography, his works list, and so the eighteenth means of the prelude musical genre, are part of this work. The research points that Hotteterres improvisation technique is based in Italian and French practices. This fact allowed to know a new dimension of the Italian influence in the French early eighteenth century music.

Orientador: Mauricius Martins Farina
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campoinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-21T10:34:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Andreghetto_LuizCarlos_M.pdf: 3812044 bytes, checksum: 109b69588e940f7f0045bc741eb69e2d (MD5) Previous issue date: 2012
Resumo: O texto a seguir propõe uma aproximação maior entre as teorias Neobarrocas, proferidas por Omar Calabrese e Severo Sarduy, com a imagem audiovisual e suas especificidades. Os elementos e as figuras Neobarrocas servem de estrutura para analisarmos a poética do cineasta inglês Derek Jarman, mais especificamente cenas do filme Caravaggio, de 1986. Jarman trafega em suas obras pelo universo Neobarroco, sendo uma constante dentro de sua filmografia o apreço pelas artes plásticas, pelo experimentalismo, pela polêmica e pela construção poética amparada nesses elementos barrocos: o excesso, o caos, a multiplicidade, a dramaticidade, a sexualidade, a intertextualidade, etc. Ao juntar esses dois sistemas de cognição, o cinema e a história da arte, o Neobarroco adentra-se pela pós-modernidade como uma das formas que mais caracteriza esse momento histórico. Sua confluência com as especificidades proporcionadas pela imagem audiovisual (o enquadramento, a fotografia, o som, a iluminação, etc), multiplica seu entendimento e sua ressonância
Abstract: The following text proposes a forthcoming between the Neo-baroque theories, given by Omar Calabrese and Severo Sarduy, with the audio-visual image and its specificities. The Neo-baroque elements and figures serve as a framework for analyzing the poetic of a British filmmaker Derek Jarman, specifically scenes from the film Caravaggio, 1986. Jarman travels his works through the universe of Neo-baroque, being a constant in his filmography appreciation of the arts, for experimentation, controversy and the poetic construction supported by these baroque elements: the excess, chaos, multiplicity, drama, sexuality , intertextuality, etc.. By combining these two systems of cognition, cinema and art history, the Neo-baroque enters by the post-modernity as one of the ways that best describes this historical moment. Its confluence with the specifics provided by the audiovisual image (framing, photography, sound, lighting, etc.), multiply their understanding and their resonance
Mestrado
Artes Visuais
Mestre em Artes

Esta investigación, El dibujo arquitectónico en los libros de arquitectura hispánicos del siglo XVI, surge tras constatar un aspecto no tratado de estos libros relacionado con sus ilustraciones y más concretamente con los dibujos arquitectónicos, como es la conceptualización y el desarrollo del sistema de proyección ortogonal. Del mismo modo, se prestará atención a la implementación, evolución y finalidad de recursos gráficos como tramas, rayados y líneas auxiliares dentro de estas representaciones. Igualmente, también será objeto de análisis las difrentes técnicas gráficas – escalas, acotación y rotulación– presentes en el aparato gráfico de estas obras. El campo de estudio se ha divido en tres grupos claramente definidos. Un primer grupo formado por los Tratados de arquitectura hispánicos del siglo XVI (I): Tratados teóricos. Un segundo grupo compuesto por los Tratados de arquitectura hispánicos del siglo XVI (II): Tratados prácticos. Los tratados de cantería. Y, por último, un tercer grupo que engloba Otras obras relacionadas con la arquitectura española del siglo XVI. En el primer grupo de obras, Tratados de arquitectura hispánicos del siglo XVI (I): Tratados teóricos, se agrupan aquellos tratados de arquitectura hispánicos del siglo XVI en los que priman los contenidos teóricos y especulativos: Medidas del romano de Diego de Sagredo; el manuscrito de Rodrigo Gil de Hontañón a través del Compendio de architectura y simetría de los templos de Simón García; el Libro de arquitectura de Hernán Ruiz; la traducción española de Los diez libros de arquitectura de Marco Vitruvio realizada por Lázaro de Velasco y, por último, De varia commensuracion para la esculptura, y architectura de Juan de Arfe y Villafañe. En el segundo grupo de obras, Tratados de arquitectura españoles del siglo XVI (II): Tratados prácticos. Los tratados de cantería, se recogen otros tratados de arquitectura del ámbito hispánico del siglo XVI donde, a diferencia de los tratados del epígrafe anterior, priman las cuestiones de la práctica arquitectónica y constructiva sobre la especulación teórica. Son los tratados de cantería, también llamados de arte de montea o de estereotomía: El tratado de cantería de Pedro de Alviz, el tratado de cantería de Alonso de Guardia, el Libro de cortes de cantería de Alonso de Vandelvira y, por último, Cerramientos y trazas de montea de Ginés Martínez de Aranda. El tercer y ultimo grupo de elementos que forman el campo de estudio de la investigación está formado por Otras obras relacionadas con la arquitectura española del siglo XVI y engloba aquellas obras que, si bien no son exactamente tratados de arquitectura, son textos muy relevantes, directamente relacionados con la arquitectura española de la segunda mitad siglo XVI: el Sumario y breve declaracion delos disenos y estampas de la Fabrica de san Lorencio el Real del Escurial de Juan de Herrera; In Ezechielem explanationes et apparatus vrbis ac templi Hierosolymitani de Jerónimo de Prado y Juan Bautista de Villalpando; el Compendio de la segunda parte de los comentarios sobre el propheta Ezechiel de Jerónimo de Prado y, por último, el Álbum sevillano de dibujo arquitectónico. Para realizar este estudio, se plantea una metodología analítica que permita que cualquiera de estos dibujos pueda ser estudiado con los parámetros del modelo teórico que plantea, con independencia de la época en la que fuese realizado y tanto si pertenece a un libro manuscrito como a un libro impreso, proyecto arquitectónico, colección de dibujos de arquitectura, o simplemente constituya un dibujo de arquitectura único e independiente. El objetivo es analizar los dibujos arquitectónicos de los tratados de arquitectura hispánicos del siglo XVI con objeto de determinar en ellos la presencia o la ausencia de convenciones de símbolos no verbales, que se concretan en su modo de representación –proyección ortogonal– y en el uso de técnicas gráficas –rotulación, acotación y escalas–. Del mismo modo, se prestará una especial atención a explicar cuál ha sido la evolución desde el punto de vista teórico del concepto del dibujo arquitectónico y de la proyección ortogonal, así como de la rotulación, acotación y escalas gráficas, desde la Antigüedad hasta el siglo XVI, para lo que intentaremos ofrecer una perspectiva lo más amplia y plural posible, desde Los diez libros de la arquitectura de Marco Vitruvio hasta los tratados de arquitectura italianos y centroeuropeos de los siglo XV y XVI. Igualmente, centraremos nuestra atención en el ámbito hispánico del siglo XVI, en el que se intentará establecer desde el punto de vista teórico cuál era la conceptualización expresada en los tratados de arquitectura hispánicos del quinientos sobre todas estas cuestiones. Por un lado, el marco referencial para realizar este análisis se sitúa en la representación visual, concretamente en los postulados que sobre esta materia enunciaron E. H. Gombrich, Donis A. Dondis, W. M. Ivins, Francesc Marcè i Puig y Justo Villafañe. Este marco teórico establece que estamos ante un metalenguaje formado por símbolos no verbales de carácter icónico, que está directamente influenciado por el medio en el que se representa, y en el cual estos símbolos no verbales pueden ser utilizados para representar la realidad mediante unas reglas o convenciones que operan entre ellos. Mientras, por otro lado, en el marco conceptual y teórico de la investigación, se establecerá cuál es la definición de dibujo arquitectónico, así como su ámbito, límites tanto cuantitativos como cualitativos y sus características y en base a la cual poder estudiar las representaciones de los tratados de arquitectura hispánicos del siglo XVI. Ante la ausencia de estudios previos que aborden el análisis de estas cuestiones gráficas planteadas en esta investigación tanto en el modo de representación –proyección ortogonal– como en el uso de técnicas gráficas –rotulación, acotación y escalas– en la tratadística de arquitectura europea desde la Antigüedad hasta el siglo XVI, se ha procedido a una revisión exhaustiva de estas obras. El objeto es por un lado determinar cuáles son los antecedentes y por otro establecer puntos de referencia, a través de los cuales realizar un estudio comparado con los tratados de arquitectura hispánicos del siglo XVI. De esta forma, será posible dirimir cuales son las aportaciones de la tratadística europea a la tratadística hispánica y cuáles son la innovaciones autóctonas.
This research, The architectural drawing in the books of the sixteenth century Hispanic architecture, emerges after verifying a non-discussed aspect in these books with its graphic content and specially their architectural drawings, such as conceptualization and the development of orthogonal projection. In the same way, implementation, evolution and the purposes of graphic resources such as frames, stripes and auxiliary lines in these representations will be taken into account. Equally, the different graphic techniques –scale, dimensioning and labeling– presented in the graphical system of these works will also be object of analysis. The field of this study has been divided into three defined groups. A first group formed by Hispanic architectural of the sixteenth century (I): Theoretical treatises. A second group made up of Hispanic architectural of the sixteenth century (II): Practical treatises. Stonecutting treaties. And lastly, a third group which includes Other works related to the Spanish architecture of the sixteenth century. In the first group of works, Hispanic architectural of the sixteenth century (I): Theoretical treatises, those treatises of Spanish architecture of the 16th century which give priority to theoretical and speculative contents are gathered. These treatises are: Medidas del romano by Diego de Sagredo, Rodrigo s Gil de Hontañón manuscript through the Compendio de arquitectura y simetría de los templos by Simón García, Libro de arquitectura by Hernán Ruiz, the Spanish translation of Los diez libros de arquitectura by Marco Vitruvio translated by Lázaro de Velasco and lastly, De varia commensuracion para la esculptura, y architectura by Juan de Arfe and Villafañe. In the second group of treaties, Hispanic architectural of the sixteenth century (II): Practical treatises. Stonecutting treaties, other sixteenth century treaties of the Hispanic architecture were collected where, unlike the treatises of the previous section, the issues of architectural and structural practice on theoretical speculation are prioritized. These are the stonecutting treaties, also known as montea or stereotomy: the Pedro de Alviz’ stonecutting treaty, the Alonso de Guardia’ stonecutting treaty, Libro de cortes de cantería by Alonso de Vandelvira and lastly, Cerramientos y trazas de montea by Ginés Martínez de Aranda. The third and last group of elements which make up the field of study of this research are Otras obras relacionadas con la arquitectura española del siglo XVI which includes those works that, although they are not exactly architectural treatises, they are very relevant texts directly related to the Spanish architecture of the second half of the 16th century. These works are: Sumario y breve declaración de los diseños y estampas de la Fabrica de san Lorencio el Real del Escurial by Juan de Herrera, In Ezechielem explanationes et apparatus vrbis ac templi Hierosolymitani by Jerónimo de Prado and Juan Bautista de Villalpando, el Compendio de la segunda parte de los comentarios sobre el propheta Ezechiel by Jerónimo de Prado and lastly, el Álbum sevillano de dibujo arquitectónico. In order to carry out this study, it is considered an analytical methodology that allows that any of these drawings can be studied with the parameters of the theoretical model that is proposed regardless of the era in which it was done and whether it belongs to a manuscript or a printed book, architectural project, a collection of architectural drawings, or it simply constitutes a unique and independent architectural drawing. The aim to achieve is the fact of analyzing the presence or absence of these conventions about non-verbal symbols, which are specified on their representation method –orthogonal projection– and the use of graphic techniques –labeling, dimensioning and graphic scales– in the architectural drawings of Spanish architectural treatises of the 16th century. In the same way, some special attention will be provided in order to explain what has been the evolution from the theoretical point of view of the concept of both architectural drawing and orthogonal projection, as well as labeling, dimensioning and graphic scales, from Antiquity to 16th century. In order to achieve this, we will attempt to provide a wide range of perspectives from Los diez libros de la arquitectura by Marco Vitruvio to Italian and Central European architectural treatises of 15th & 16th centuries. Similarly, we will focus on the Hispanic scope of the 16th century trying to establish, from the theoretical point of view, which was the conceptualization showed in the Spanish architectural treatises of 1500’s on all these issues. On one hand, the reference framework to carry out this analysis focuses on the issue of visual representation, specifically on the hypothesis previously stated about this subject by E. H. Gombrich, Donis A. Dondis, W. M. Ivins, Francesc Marcè i Puig and Justo Villafañe. This theoretical framework establishes that we are in front of a metalanguage composed of non-verbal symbols with an iconic nature directly influenced by the field in which it is represented whose non- verbal symbols are able to be used in order to represent reality through a number of rules or conventions which work between them. Meanwhile, on the other hand, the conceptual and theoretical framework of the research and on base in which representations of Spanish architectural treatises of the 16th century are able to be studied, the definition of architectural drawing as well as its scope, its quantitative and qualitative approaches and its characteristics will be established. It has been proceeded to an exhaustive review of these works due to the absence of previous studies which broach the analysis of the graphical issues mentioned in this research, both in the mode of representation –orthogonal projection– as well as the use of graphic techniques –labeling, dimensioning and graphic scales– in the group of European architectural treatises from Antiquity to 16th century. On the one hand, the aim is to decide which are the precedents and on the other hand, the fact of determining reference points in order to make a study comparing it with the Spanish treatises of the 16th century. Therefore, it will be possible to resolve which are the contributions of European group of treatises to Hispanic group of treatises and which are the native innovations.

[ES] Por considerarse un periodo crucial dentro de la pintura de la escuela valenciana, es digno de una rigurosa investigación el estudio de la transición entre soportes pictóricos en el paso de la tabla al lienzo. La contribución de un abanico de pintores a esta evolución técnica en el panorama artístico valenciano marcará la producción de los siglos posteriores, perpetuando una nueva forma de pintar sobre lienzo que no terminará de reemplazar por completo a la tradicional pintura sobre tabla. Una serie de particularidades técnicas y matéricas acompañarán este cambio, ya que en su afán por abrazar los nuevos recursos pictóricos, los maestros de la pintura valenciana del siglo XVI y dos primeros tercios del XVII introducirán nuevos procedimientos y materiales en sus obras. A su vez, la sensibilidad artística del momento virará desde la enraizada tradición juanesca plenamente renacentista, hacia el naturalismo y la búsqueda de la realidad inmediata que surgiría en València con la llegada de Juan Sariñena y Francisco Ribalta. Profundizar en el conocimiento de la magnitud de este cambio técnico y estilístico desde varios enfoques pero principalmente desde el científico, gracias al acceso a un conjunto de pinturas que abarcan la producción de Juan de Juanes hasta la de Jerónimo Jacinto de Espinosa, ha permitido reconstruir la manera de trabajar de los principales talleres de pintura de este periodo. En efecto, el alcance de este estudio no habría sido posible sin una extensa labor de revisión de la literatura artística, siendo los tradicionales tratados, manuales y recetarios de pintura referencias clave en la interpretación de los datos que el método científico ofrece. Las aportaciones que brinda esta investigación no solo confirman el esplendor de esta etapa de la pintura valenciana, sino que a su vez se constituyen como un apoyo sólido sobre el que fundamentar nuevas autorías y atribuciones y la puesta en valor por la conservación de nuestro patrimonio pictórico.
[EN] For being considered a crucial period inside the painting of the Valencian school, the study of the transition between pictorial supports in the step of the wooden panel to the canvas is worthy of a rigorous research. The contribution of a range of painters to this technical evolution in the Valencian artistic panorama will mark the production of later centuries, perpetuating a new way of painting on canvas that will not finish completely replacing the traditional painting on panel. A series of technical and material particularities will accompany this change, since in their eagerness to embrace the new pictorial resources, the masters of Valencian painting of the 16th century and two first thirds of the 17th will introduce new procedures and materials in their masterpieces. At the same time, the artistic sensibility of the moment will veer from the fully Renaissance Juanes'deep-rooted tradition, towards naturalism and the search for the immediate reality that arose in València with the arrival of Juan Sariñena and Francisco Ribalta. Deepen the knowledge of the magnitude of this technical and stylistic change from several approaches but mainly from the scientific one, thanks to access to a set of paintings that include the production from Juan de Juanes to that of Jerónimo Jacinto de Espinosa, has allowed to reconstruct the way of working of the main painting workshops of this period. Indeed, the scope of this study would not have been possible without extensive work review of the artistic literature, being the traditional treatises, manuals and recipe books of painting key references in the interpretation of the data that scientific method offers. The contributions that provide this research not only confirm the grandeur of this stage of Valencian painting, but at once they constitute themselves as a solid support on which to base new authorships and attributions and make the enhancement for the conservation of our pictorial heritage.
[CA] Per considerar-se un període crucial dins la pintura de l'escola valenciana, és digne d'una rigorosa investigació l'estudi de la transició entre suports pictòrics en el pas de la taula al llenç. La contribució d'un ventall de pintors a aquesta evolució tècnica en el panorama artístic valencià marcarà la producció dels segles posteriors, i perpetuarà una nova forma de pintar sobre llenç que no terminarà de reemplaçar per complet la tradicional pintura sobre taula. Una sèrie de particularitats tècniques i matèriques acompanyaran aquest canvi, ja que en el seu afany per abraçar els nous recursos pictòrics, els mestres de la pintura valenciana del segle XVI i dos primers terços del XVII introduiran nous procediments i materials en les seues obres. Alhora, la sensibilitat artística del moment virarà des de l'arrelada tradició joanesca plenament renaixentista, cap al naturalisme i la cerca de la realitat immediata que sorgirà a València amb l'arribada de Joan Sarinyena i Francesc Ribalta. Profunditzar en el coneixement de la magnitud d'aquest canvi tècnic i estilístic des de diversos enfocaments però principalment des del científic, gràcies a l'accés a un conjunt de pintures que comprenen la producció des de Joan de Joanes fins a la de Jeroni Jacint d'Espinosa, ha permés reconstruir la manera de treballar dels principals tallers de pintura d'aquest període. En efecte, l'abast d'aquest estudi no hauria sigut possible sense una extensa labor de revisió de la literatura artística, sent els tradicionals tractats, manuals i receptaris de pintura referències clau en la interpretació de les dades que el mètode científic ofereix. Les aportacions que brinda aquesta investigació no sols confirmen l'esplendor d'aquesta etapa de la pintura valenciana, sinó que alhora es constitueixen com un suport sòlid sobre el que fonamentar noves autories i atribucions i la posada en valor per la conservació del nostre patrimoni pictòric.
La tesis doctoral que aquí se presenta fue llevada a término gracias a una serie de ayudas que han sido indispensables para esta investigación. En primer lugar, la concesión de una beca de carácter predoctoral con una duración máxima de tres años (01/07/2014 - 30/06/2017) integrada dentro de las Ayudas para la contratación de personal investigador de carácter predoctoral, programa VALi+d (DOCV núm. 7081/02.08.2013) financiadas por la Consellería de Educación, Cultura y Deporte de la Generalitat Valenciana. Por otra parte, los estudios analíticos derivados de este trabajo se incluyen en el marco del proyecto de investigación del Ministerio de Economía, Industria y Competitividad (MINECO) CTQ2014-53736-C3-01-P sobre la Aplicación de las técnicas nanoelectroquímicas y biotecnologías en el estudio y conservación del patrimonio en metal, cofinanciado con fondos FEDER y adscrito al Programa Estatal de Fomento de la Investigación Científica y Técnica de Excelencia, Subprograma Estatal de Generación del Conocimiento.
Castelló Palacios, A. (2021). De la tabla al lienzo. Evolución técnica del soporte pictórico en la Escuela Valenciana del Renacimiento pleno al naturalismo barroco [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/162071
TESIS

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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
This work is integrated to the research line History Education and Historic Knowledge, of the Master s Degree Course of History Graduate Program in Federal University of Paraíba, whose area of concentration is History and Historical Culture. The dissertation has as main objective to analyze the Carmelite baroque historical culture, through the meaning of the allegories of Our Lady of Carmel Church, builded in the colonial City of Paraíba. The methodology is assented in the images analysis proposed by Erwin Panofsky in his book Meaning in the visual arts. An iconological interpretation of the images in Portuguese tiles and walls and roof paintings is done, in order to understand which behavior model was expected to be followed by the Christians in the 18th-century City of Paraíba. In such a way, the allegories are understood as doctrinal tools made to teach the Christian the Carmelite historical culture, in an attempt to conduct the prayer to salvation. The research integrates the local historical context during the church construction, in the second half of 18th century, the birth and spread of Baroque art in the Europe in the ends of 16th century and the History of the Carmelite Order.
O presente trabalho está integrado à linha de pesquisa Ensino de História e Saberes Históricos, do curso de mestrado do Programa de Pós-Graduação em História da Universidade Federal da Paraíba, cuja área de concentração é História e Cultura Histórica. A dissertação tem como objetivo principal analisar a cultura histórica barroca carmelita por meio das alegorias da Igreja de Nossa Senhora do Carmo na Cidade da Paraíba colonial. A partir da metodologia de análise imagética proposta por Erwin Panofsky em seu livro Significado das artes visuais realiza-se uma interpretação iconológica das imagens, no intuito de compreender qual o modelo de conduta que deveria ser seguido pelos cristãos na Cidade da Paraíba do século XVIII. Desta forma, as alegorias são compreendidas como ferramentas doutrinárias que buscam introjetar no cristão a cultura histórica carmelita, no intuito de conduzi-lo à salvação. O corpo da pesquisa integra o contexto histórico local durante a construção da igreja, na segunda metade do século XVIII, o surgimento da arte Barroca na Europa no final do século XVI e a História da Ordem Carmelita.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:28Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-08-30Bitstream added on 2014-06-13T20:28:53Z : No. of bitstreams: 1 pereira_dms_me_ia.pdf: 2875732 bytes, checksum: ccf1d90300572347cb5641930beea4a5 (MD5)
Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP)
Universidade Estadual Paulista (UNESP)
Esta dissertação analisa e compara as pinturas coloniais da região de Diamantina e do Serro, no meio-norte de Minas Gerais, com as pinturas do forro da Igreja da Ordem Terceira do Carmo de Mogi das Cruzes, em São Paulo. Os estudos desenvolvidos procuram avaliar as possibilidades de influência, ainda que apenas visual, dessas pinturas mineiras sobre as obras paulistas. As obras da rota do Serro (MG) são classificadas como pertencentes aos ciclos barroco e rococó da pintura mineira. São obras destacadas no panorama artístico por seus efeitos ilusionistas, a arquitetura e a pintura se integram aos forros das construções, criando arquiteturas fantasiosas em direção ao céu ou apresentando-nos uma visão celestial, que arrebata o espectador. As pinturas carmelitas de Mogi das Cruzes possuem visualmente uma relação muito intensa com as obras mineiras, o que indica as trocas artísticas ocorridas entre os pintores. Documentos levantados em arquivos mineiros possibilitaram identificar diversos dados sobre as obras que foram utilizadas para a análise: informações a respeito de sua construção e, principalmente, a identificação dos pintores que realizaram as obras mogianas. Dos artistas que realizaram as obras em São Paulo, não há em Diamantina ou no Serro nenhum documento que revele sua passagem pela região, mas isso não afasta a influência que se nota quando comparamos os elementos formais e constitutivos dessas obras. Essas são pinturas diferenciadas na arte colonial paulista, não encontram pares no território ao qual estão circunscritas e, por isso mesmo, devem ser preservadas e destacadas na história da arte nacional
This dissertation analyzes and compares the colonial paintings from the region of Diamantina and Serro in mid-north of Minas Gerais with paintings on the ceiling of the Church of the Third Order of Mogi das Cruzes’ Carmo in Sao Paulo. The studies carried out look to evaluate the possibilities of influence, even if only visual, of these paintings from Minas Gerais with the paintings in São Paulo. The paintings from Rota do Serro (MG) are classified as belonging to the cycles of the Baroque and Rococo painting from Minas Gerais. They are paintings that stands out in the art scene, where the architecture and the paintings integrate with the buildings ceiling, creating fanciful architectures toward the sky or showing us a heavenly vision, which grabs the viewers attention. The paintings from the Carmelites of Mogi das Cruzes have, visually, an intense relationship with the paintings of Minas Gerais, which indicates the artistic exchanges that took place among the painters. Documents collected from Minas Gerais’ archives helped to identify various data regarding the paintings that were used for analysis, information regarding the construction of paintings and especially the identification of the artists who worked on the mogianas paintings. From the artists who worked on the paintings in Sao Paulo, there is not, in Diamantina nor in the Serro any document that reveals its passage through the region, but this does not rule out the influence when comparing the formal and constituent elements of these works. These unique paintings of the colonial art in São Paulo, and wich there are no matching pairs in the territory to which they are confined, should be preserved and highlighted in the history of national art

Orientador: Percival Tirapeli
Banca: Omar Khouri
Banca: André Luiz Tavares Pereira
Banca: Marcos Horácio Gomes Dias
Banca: Marcos Tognom
Resumo: A presente pesquisa tem por objetivo buscar, nas fontes primárias, as autorias das pinturas ilusionistas de algumas igrejas coloniais do Estado de São Paulo. Foram selecionadas as igrejas das cidades de São Paulo - igreja da Venerável Ordem Terceira de São Francisco da Penitência da cidade de São Paulo (pintura no forro da capela-mor, medalhão da nave e zimbório) e a igreja da Venerável Ordem Terceira de Nossa Senhora do Carmo (pintura no painel do forro da sacristia, biblioteca, nave, coro e capela-mor); na cidade de Itu - igreja Matriz de Nossa Senhora da Candelária (pintura no forro da capela-mor) e a igreja de Nossa Senhora do Carmo (pintura no forro da capela-mor, nave e o forro em caixotão da "capela velha"); na cidade de Mogi das Cruzes - igreja de Nossa Senhora do Carmo (pintura no forro da capela-mor) e a igreja da Ordem Terceira de Nossa Senhora do Carmo (pinturas no forro da capela-mor, nave e vestíbulo). Com base em tal documentação é possível discutir e rever as atribuições estabelecidas por Frei Adalberto Ortmann (1951) e Mário de Andrade (1963), legitimando ou refutando-as. Inventariar e/ou catalogar os pintores atuantes entre as cidades de São Paulo, Itu e Mogi das Cruzes do período colonial e os pintores que interferiram nas obras primitivas a partir de 1850. Realizar um inventário dos forros pintados no Estado de São Paulo (períodos barroco e rococó), estabelecendo fases para a pintura paulista colonial dentro de seu conjunto e contexto, apresentando as obr... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)
Abstract: This resarch aims to search into the primary sources the ilusionist paintings' authorship of some colonial churches of São Paulo State. In São Paulo city - Venerável Ordem Terceira de São Francisco da Penitência da cidade de São Paulo church (paintings on the ceiling of the presbytery, nave medallion and the dome) and Venerável Ordem Terceira de Nossa Senhora do Carmo church (paintings on the panel of the ceiling of the sacristy, library, nave, choir and presbytery); in Itu city - Nossa Senhora da Candelária main church (painting on the ceiling of the presbytery) and the Nossa Senhora do Carmo church (paintings on the ceiling of the presbytery, nave, and the panels ceiling of the "old chapel"); in Mogi das Cruzes city - Nossa Senhora do Carmo church (painting on the ceiling of the presbytery) and Ordem Terceira de Nossa Senhora do Carmo church (paintings on the ceiling of the presbytery, nave and vestibule of the sacristy). Based on these documents, it is possible to discuss an to review the atributions established by Frei Adalberto Ortmann (1951) and Mário de Andrade (1963), legitimating or refuting them. To catalogue the active painters in São Paulo, Itu and Mogi das Cruzes cities in the colonial period and the painters interfered in the primitive works since 1850. To make a catalogue of the ceilings painted in São Paulo State (baroque and rococo period), establishing phases for the colonial paulista painting inside the whole setting and context, presenting the works and th... (Complete abstract click electronic access below)
Doutor