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Dissertations / Theses on the topic 'Art brut – Histoire et critique'

Author: Grafiati
Published: 4 June 2021
Last updated: 13 February 2022

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Novello, Paglianti Nanta. "Les rapports sémiotiques entre le Mot, l'Image et le Corps dans l'Art brut : autour de l'oeuvre de Carlo Zinelli." Limoges, 2008. http://www.theses.fr/2008LIMO2015.

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Abstract:
La thèse est consacré au mouvement artistique de l'Art brut créé par J. Dubuffet dans les années 50. Comment l'Art brut traite la substance écrite et celle picturale normalement très distantes dans la peinture ? La thèse se divise en trois parties. La première comprend une présentation historique du mouvement pictural de l'Art brut. Le premier chapitre est consacré à Carlo Zinelli, auteur qui a passé la majorité de sa vie en interné dans un hôpital psychiatrique, mais très actif en ce qui concerne la production artistique. Ensuite seront rappelées les approches de la linguistique et de la psychiatrie qui ont cherché, depuis les années 50, période où on a commencé à prendre en considération ces formes expressives, de traiter les créations des malades mentaux. La deuxième partie est consacrée aux rapports entre mot et image dans la peinture et dans l'histoire de l'écriture. Comment l'Art brut traite les liens entre graphème et icône ? L'étude des oeuvres d'Art brut permet de comprendre la variété des productions et la complexité des phénomènes créatifs. La troisième partie traite le geste, vu le goût qu'ont beaucoup de créateurs pour la stéréotypie et pour toutes les formes de répétition gestuellen les plus variées. L'inscription corporelle passe, par le geste de l'artiste, sur la surface peinte qui est déjà une première trace d'énonciation. Des oeuvres dédiées à la représentation du corps soulignent le traitement qui ce dernier subit en se montrant morcelé, incomplet. Les conclusions cherchent à faire un bilan du parcours artistique de l'auteur avec la volonté d'établir un parcours génératif du sens qui puisse lier ensemble signes écrits, geste, corps et comportement.
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2

Choquard, Florence. "Le regard d'un psychiatre sur les écrits de la folie : la carrière de Hans Steck à l'Asile de Cery (1920-1960)." Paris, EHESS, 2012. http://www.theses.fr/2012EHES0117.

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Abstract:
Quelles représentations de la schizophrénie les psychiatres vont-ils construire à travers l’étude des écrits asilaires des patients et des scientifiques dans la première moitié du XXème siècle ? Le psychiatre helvétique Hans Steck (1891-1980), qui a travaillé à l’Asile psychiatrique de Cery de 1920 à 1960 et qui s’est fait connaître du public grâce à l’œuvre d’Aloïse Corbaz, reconnue comme auteure d’art brut par Jean Dubuffet en 1945, constitue le fil rouge de la thèse. Dans le contexte des mouvements tels que l’"art psychopathologique" et l’"art brut", Steck étudie les théories de "la mentalité primitive et les peintures magiques des schizophrènes". En 1927, il se tourne vers les théories évolutionnistes de la régression et les premières études de Lévy-Bruhl pour avancer l’idée qu’il existe un "parallélisme schizo-primitif". Puis il développe des explications de la pensée délirante, à partir des théories exposées lors du Premier Congrès International de Psychiatrie en 1950. Enfin, adoptant la perspective phénoménologique, il explique que "la fonction de l’art et la fonction du délire visent à reconstituer un monde viable pour le malade". En ce sens, l’expression artistique, bien que n’entrant pas dans le champ de la psychothérapie, fournit des indicateurs de l’état psychique du malade en même temps qu’elle contribue à son bien-être. Sont abordés les problèmes concernant la reconnaissance de l’"auteur" interné, dont les œuvres appartiennent soit aux archives médicales, soit au musée. La pérennité des critères qui définissent les œuvres d’"art psychopathologique" ou d’"art brut" est également mise en question. Enfin, le rôle essentiel de l’écriture à l’hôpital, tant pour les patients que pour les soignants, fait l'objet de nombreux développements
What representations of schizophrenia have psychiatrists been constructing when studying writings by patients and scientists in mental asylums in the first half of the 20th century ? The Swiss psychiatrist Hans Steck (1891-1980) is the protagonist of this dissertation. From 1920 to 1960, he has been working at the "Asile psychiatrique de Cery" near Lausanne. Steck is known thanks to the paintings of Aloïse Corbaz, an artist recognized by Jean Dubuffet as belonging to the "art brut" movement in 1945. In the context of movements like "art psychopathologique" and "art brut," Steck studies theories of "primitive character and magic paintings of schizophrenics. " In 1927, Steck engages with theories of regression and Lévy-Bruhl’s early studies in order to push the idea of a "parallelism schizo-primitif. " On the occasion of the First International Congress of psychiatry held in Paris in 1950, Steck develops explanations for the "pensée délirante. " Finally, turning to a phenomenological point of view, he explains, "the function of art and the function of the delusion help the patient to reconstruct a viable environment for the sick person. " In this way, artistic expression is not thought of as a psychotherapeutical means, but provides insight into the state of mind of a mentally sick person at the same time as contributing to his well-being. The dissertation discusses whether the "author’s" work belongs in medical archives or museums. The continuity of "psychopathological art" and "art brut" criteria will be discussed. Finally, the essential role that writing played in the hospital for the patients as well as for the medical staff is presented
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Couette, Déborah. "L'Aracine, de l'association au musée : histoire d'une collection d'art brut (1982-2010)." Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H043.

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Abstract:
L’Aracine est une association loi de 1901 créée en 1982 à l’initiative de Madeleine Lommel en collaboration avec Michel Nedjar et Claire Teller dans le but de rassembler, de conserver et d’exposer une collection d’art brut publique en France. Conçue comme un hommage aux recherches de l’artiste Jean Dubuffet, cette collection – offerte en 1999 au musée d’Art moderne de Villeneuve-d’Ascq – constitue un rare essai de légitimation et de patrimonialisation de l’art brut. Cette thèse, histoire d’une association, d’une collecte et d’une collection, propose de revenir aux origines et aux développements de l’association L’Aracine, en mettant en lumière le rôle joué par des non-professionnels de l’art dans la constitution d’un patrimoine du XXe siècle
L’Aracine is a non-profit association founded in 1982 by Madeleine Lommel with Michel Nedjar and Claire Teller, to collect, preserve and exhibit a public collection of art brut in France. Conceived in tribute to the research of artist Jean Dubuffet, the collection – which was given to the Modern Art Museum of Villeneuve-d’Ascq in 1999 ― is a rare attempt to establish art brut’s legitimization and legacy. This PhD – story of an association, a collection process and a collection – reconsiders the origin and development of the L’Aracine project and casts a light on the amateurs whose role was to establish this 20th century patrimony
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Soustre, Robert. "Art et nature dans quelques romans de l'insularité." Poitiers, 1992. http://www.theses.fr/1992POIT5007.

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Abstract:
La dialectique de la nature et l'art - au sens etymologique de ces termes - est celle des deux expressions contradictoires de l'etre humain, l'affectivite et la rationalite. La premiere domine dans la production des mythes, des religions et celle des "beaux-arts", alors que la seconde s'impose dans les productions techniques, dans les systemes philosophiques et dans les sciences. Il s'agit, dans cette etude, de montrer que les ecrits romanesques prenant l'ile pour theme sont, sous des formes diverses, le "roman" devenu inconscient de l'insularite de chacun, auteur ou lecteur. Dans cette perspective, le retour a la nature est, pour le robinson, le retour au temps mythique - anhistorique, donc - de sa propre nature, alors que l'art, s'il temoigne de l'effort de l'homme pour maitriser rationnellement et techniquement la nature, est surtout l'expression d'une acceptation, pour chacun, de son etre social et du reel a assumer. Retour a la nature par le moyen de l'art et passage de l'insularite a l'alterite par le moyen du don de l'oeuvre, tel est le sens de l'aventure esthetique.
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Safarova, Decharme Barbara. "L'oeuvre d'Achilles G. Rizzoli et d'Unica Zürn dans le cadre de l'art brut : approche interdisciplinaire." Paris 7, 2008. http://www.theses.fr/2008PA070077.

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Abstract:
L'objectif de cette thèse est de présenter les œuvres de deux artistes quasiment inconnus en France, d'Achilles G. Rizzoli (1896-1981) et d'Unica Zùrn (1916-1970). À son tour, ces œuvres nous permettront d'interroger le concept contestateur et paradoxal de l'art brut. Hautement complexes et marginales, elles se composent de productions graphiques, de textes prosaïques et de poèmes, qui reflètent l'« expérience intérieure » de leurs créateurs, leur rencontre avec la folie. Même si elles ne correspondent pas tout à fait à la définition originale de J. Dubuffet - les deux artistes utilisent les éléments de la (haute) culture - le concept de l'art brut nous permet d'explorer le rôle des emprunts « culturels » ainsi que la question de l'adresse de ces œuvres. Achilles G. Rizzoli, né à Port-Reyes (Californie, USA), a travaillé pendant toute sa vie comme dessinateur technique dans un bureau d'architectes à San Francisco ; il a dédié ses nuits d'abord à la création des dessins « symboliques », sur lesquels il métamorphose les membres de sa famille en cathédrales et palais. Par la suite, il se consacrera à la création de son deuxième grand projet, sa version personnelle du Troisièmi Testament, intitulée Amte's Celestial Extravag(r)anza (A. C. E). Unica Zùrn, née à Berlin Grunewald, débute s carrière d'artiste par la création des anagrammes. Également peintre et écrivaine, ces deux ouvrages les plu connus en France sont L'Homme-Jasmin. Impressions d'une malade mentale et Sombre printemps (1971). Cette thèse présente quelques approches possibles sans ambitionner pour autant toute exhaustivité
The aim of this thesis is to present the creative production of two artists almost unknown in France, Achilles G. Rizzoli (1896-1981) and Unica Zùrn (1916-1970). In return, their works will enable us to question the ambivalent and paradoxical concept of art brut. Highly complex and marginal, their production consists of drawings, prose and poetry, reflecting their « internal experience » of encounter with mental illness. Even if they do not entirely match the initial definition by J. Dubuffet - both artists use elements of (high) culture in their works - the concept of art brut allows us to explore the role of cultural « loans » as well as the problem of address encountered in these productions. Achilles G. Rizzoli, born in Port-Reyes (California, USA), has worked his entire life as a technical draftsman in an architectural company in San Francisco ; he has dedicated his nights to the creation of « symbolic >: drawings, in which he transforms the members of his family in cathedrals and palaces. Later on, he would devote himself to the creation of his second great project, his personal version of the Third Testament entitled Amte's Celestial Extravag(r)anza (A. C. E). Unica Zùrn, born in Berlin Grunewald, begins her artistic career with the creation of anagrams. Painter and writer, her most well known works in France are L'Homme-Jasmin. Impressions d'une malade mentale (The Man of Jasmine. Impressions from a Mental Illness) and Sombre printemps (Dark Spring, 1971). This thesis presents several possible approaches, however, without pretending at being exhaustive
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Fol, Carine. "De l'art des fous à l'art en marge: un siècle de fascination ou de l'évolution du regard porté sur les expressions artistiques de créateurs outsiders ,personnes malades ou handicapées mentales, artistes isolés." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2011. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209782.

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Abstract:
My dissertation analyses the evolution of the perception of creations of mentally ill, art brut or outsider art through a phenomenological point of view that focuses on the viewer and protagonists how permitted the discovery of these creations :psychiatrists (Hans Prinzhorn, Walter Morgenthaler, Leo Navratil, and others) Jean Dubuffet, Harald Szeemann and my own practice as curator through a case-study of the art & marges museum in Brussels /Ma thèse analyse l'évolution du regard porté sur les créations asilaires, art brut et outsider au vingtième siècle à travers une approche phénoménologique qui se focalise sur les protagonistes qui ont permis la découverte, la diffusion et la recherche de ces créations :psychiatres,(Hans Prinzhorn, Walter Morgenthaler, Leo Navratil, entre autres) Jean Dubuffet, Harald Szeemann. Ma propre pratique de curateur d'exposition est également abordée par le biais d'un case-study dédié à l'art & marges musée à Bruxelles
Doctorat en Histoire, art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Besson, Christian. "Au gai savoir de la critique : histoire de l'art contemporain et sémiotique appliquée (essais monographiques." Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20053.

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Abstract:
Le corps de cette thèse est constitué de 23 études monographiques sur l'œuvre d'artistes contemporains pour la plupart. Ayant déjà donné lieu à des prépublications, elles ont toutes été revues, corrigées, augmentées ou précisées et sont rassemblées par ordre chronologique. Chacune porte sur un problème sémiotique particulier: R. Long (dispositif sémiotique et poétique), J. Gerz (critique de la représentation et Dichtung), M. Merz (chiffre de la création), A. Et P. Poirier (Ars Memorandz), M. Verjux (dispositif, allégorie), D. Vermeiren (champ et véhicule), N. Toroni (énoncé et supplément), S. Taeuber (grille), C. Bart (index indéfini), H. Duprat (curiosité), P. Cazal (autoportrait), J. Mogarra (banalité, mysticisme), J. Armleder (désœuvrement), R. Fauguet (chronotope et dialogisme), G. Honegger (création, salvation), G. Umberg (topologie du spectateur), Y. Oppenheim (narratologie picturale), D. Schlier (dessous de la peinture), É. Bossut (substance du signifiant), L. Pariente (neutre), B. Venet (transparence/ opacité), Yan Pei-Ming (nom propre, traduction), D. Buren (nom propre, neutre). Le choix des artistes a été effectué en vue de constituer un panorama sémiotique diversifié. L'analyse des sources discursives (textes et déclarations de l'artiste) est une constante méthodologique. L'" excès critique" (Barthes) est revendiqué. La focalisation délibérée et l'énoncé explicite des interprétants répondent au requisit de falsifiabilité. Une longue introduction fait la synthèse des outils utilisés et développés. Les références principales vont à Ch. S. Peirce et Umberto Eco. L'abandon du critère esthétique par les néo-avant-gardes a conduit à l'adoption d'un point de vue textuel. Les acquis sémantiques, poétiques (questions génériques) et pragmatiques (pr. Intégrée) sont successivement examinés. Leur intrication est pointée. Ainsi conçue, selon une approche monographique et sémiotique, l'histoire de l'art restitue à son objet son " estrangement ", et se range dans le camp de la micro-histoire (Ginsburg). Elle dégage des traits morphologiques qui, mis en perspective (modernité, tradition occidentale, etc. ), laissent apercevoir une historicité non uniforme. Elle débouche sur une archéologie de l'art qui porterait sur la modalité du Croire, plutôt que sur celle du Pouvoir
This dissertation is essentially made up of 23 monographic essays on the work of - mostly contemporary - artists. Previously published in preliminary version, these essays, now collected in chronological order, have all been revised, corrected, amplified or clarified. Each focuses on a specific semiotic problem : R. Long (semiotic and poetic device), J. Gerz (criticism of representation and Dichtung), M. Merz (cypher of creation), A. & P. Poirier (Ars Memorandi), M. Verjux (device, allegory), D. Vermeiren (field and vehicle), N. Toroni (utterance and supplement), S. Taeuber (grid), C. Bart (indefinite index), H. Duprat (curiosity), P. Cazal (self-portrait), J. Mogarra (triteness, mysticism), J. Armleder (un-working), R. Fauguet (chronotope, dialogism), G. Honegger (creation, salvation), G. Umberg, (topology of the beholder), Y. Oppenheim (painting and narratology), D. Schlier (below the painting), É. Bossut (the substance of signifier), L. Pariente (neutral), B. Venet (transparency / opacity), Yan Pei-Ming (proper noun, translation), D. Buren (proper noun, neutral). The choice of these artists was aimed at presenting a diversified semiotic panorama. The analysis of discursive source-material, i. E. Texts and statements by the artist, has been integrated in a constant methodology. "Critical excess is claimed (Barthes). The stated focalisation and the explicit determination of the "interpretant" meet the requisit of falsifying (Popper). Ln a long introduction, synthesis is offered of the instruments which have been applied and further developed. The major references are to Ch. S. Peirce and Umberto Eco. The challenge presented by the neo-avant-garde - viz. Forsaking the aesthetic criterion - open the way to assuming a textual ventage-point. The semantic, poetic (generic questions) and pragmatic (integrated pragmatic) achievements are successively examined. The examination provides a fingerpost to their entanglement. History of art thug considered in a monographic and semiotic approach takes sides with micro-history. It makes it possible to draw out morphologic features which, put in perspective (modernity, Western tradition, etc. ), bring to light a non-uniform history. It leads up an archaeology of art whose matter is the modality of Belief, rather than of Power
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Frétigny-Ryczek, Marie. "L'Ecole romaine de 1918 à nos jours : histoire d'une fortune critique." Thesis, Paris, Institut d'études politiques, 2013. http://www.theses.fr/2013IEPP0051/document.

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Abstract:
Cette thèse de doctorat ne vise pas tant à questionner la pertinence de la formule d'École romaine (Scuola Romana) appliquée à un groupe de peintres et de sculpteurs actifs à Rome dans l'entre-deux-guerres qu'à tenter de comprendre le succès de cette étiquette jusqu'à nos jours. Différentes méthodes sont utilisées pour aborder les écrits de critique d'art et les discours scientifiques, mais aussi les productions textuelles plus liées à la fiction et au témoignage. D'autre part, ce travail analyse les carrières singulières des artistes ainsi que le devenir des œuvres afin de replacer l'École romaine par rapport à une histoire du goût en Italie et au-delà. L'étude suit une progression chronologique. Elle porte d'abord sur la réception de l'École romaine du temps de son activité, entre 1918 et 1945, puis interroge la place des artistes du mouvement dans l'Italie de l'après-Seconde Guerre mondiale, dans un contexte marqué par les divisions politiques. Enfin, à partir des années 1980, l'on assiste à une tentative de revalorisation marchande de l'École romaine sans précédent. Il s'agit alors d'évaluer les résultats de cette action et de comprendre ce qui l'a rendue possible. Les questions de la modernité artistique ainsi que celles des liens de la scène artistique romaine avec le fascisme puis avec la mémoire du régime sont au cœur de cette recherche, constituant des approches neuves pour étudier un objet encore mal connu en France
This PhD thesis questions the label « Ecole romaine » (also known as Scuola romana) used to designate a group of painters and sculptors in Rome between 1918 and 1945. We aim to understand the reasons for the success of this expression until now. We use various methods in order to investigate the discourses of both art critics and scholars as well as more fictional texts, often written as testimonies. Furthermore, this work analyses the singular career of each artist and the reception of their works in order to consider the Ecole Romaine within a history of taste in Italy and abroad. Our study follows a chronological development. First, we analyse the reception of the School when active, between 1918 and 1945. Then, we examine the place of our artists in post-war Italy, in a context of great political divisions. Finally, we study how, in the early 1980s, various actors on the artistic scene tried to raise the value of the Ecole Romaine's works on the art market. What were the results of their attempt, and to what extent this renewal of interest had a lasting impact, especially in the museums field ? The questions of artistic modernity and of the relationship between the Ecole Romaine and the fascist regime are central in this research. These constitute new approaches to a theme which has remained relatively unknown outside of Italy
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Costa, Sandra. "Des ateliers au musée : histoire du classicisme bolonais en France (1648-1816)." Paris 1, 1990. http://www.theses.fr/1990PA010582.

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Goldschmit, Marc. "L' Ecriture du messianique : art, langage, politique et histoire dans les textes de Walter Benjamin." Strasbourg, 2009. http://www.theses.fr/2009STRA1052.

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Abstract:
Il s’agit d’abord d’analyser le caractère primordial de la traduction, entendue par Benjamin comme réécriture messianique et origine du langage. La traduction est « survie » des œuvres et « vie » des langues. Le langage est, de ce point de vue, le fondement de la révélation biblique. Le désespoir politico-historique de Benjamin conduit celui-ci en 1921, dans sa Critique de la violence, à élaborer une conception apocalyptique et nihiliste du messianique, mais il semble que messianique comme écriture (que la thèse cherche à dégager), appartient à une autre strate des textes que celle de 1921. La question du Trauerspiel (« drame baroque ») constitue le cœur et le tournant de sa thèse : distingué du tragique, celui-ci sert, à partir de 1925, de machine de guerre contre la théologie chrétienne et constitue la mise en jeu de l’histoire dans l’écriture. La thèse essaie de montrer comment, de 1916 à 1940, en passant par le tournant du Trauerspiel, Benjamin passe d’une philosophie ouverte du langage à une philosophie secrète de l’écriture qui pose le problème de l’issue à et de l’histoire. La distinction du messianique (comme attente sans atteinte d’un messie), et du messianisme, structure toute la pensée benjaminienne de l’histoire, et que cette distinction sert à concevoir ce qui est, dans l’histoire, d’un autre ordre que l’histoire
It is a question at first of analyzing the essential character of the translation, understood by Benjamin as messianic rewriting and origin of the language. The translation is "survival" of the works and "the life" of the languages. The language is, from this point of view, the foundation of the biblical revelation. The politico-historic despair of Benjamin leads this one in 1921, in his Criticism of the violence, to elaborate an apocalyptic and nihilistic conception of the messianic, but it seems that messianic as writing (that the thesis tries to show), belongs to one the other stratum of the texts than that of the 1921. The question of Trauerspiel (" baroque drama ") constitutes the heart and the bend of its thesis: distinguished from the tragic, this one serves, from 1925, as machine of war against the Christian theology and constitutes the involvement of the history in the writing. The thesis tries to show how, from 1916 till 1940, by way of the bend of Trauerspiel, Benjamin passes of a philosophy opened of the language to a secret philosophy of the writing which raises the problem of the outcome in and of the history. The distinction of the messianic (as expectation without achievement of a messiah), and the messianism, structures all the benjaminienne thought of the history, and as this distinction serves for conceiving what is, in the history, of another order than the history
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Adjedj, Marie. "Déhiérarchiser l'art : usages et fonctions du document au tournant des années 1970." Thesis, Aix-Marseille, 2019. http://www.theses.fr/2019AIXM0039.

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Abstract:
À la fin des années 1960, dans un contexte de crise de légitimité des institutions, de nombreux artistes s’opposent au contrôle du système marchand-critique et muséal. Certains marchands, critiques et commissaires d’exposition s’associent à cette parole, et tâchent de déhiérarchiser le monde de l’art. Parmi eux : Germano Celant, Lucy Lippard, Carla Lonzi et Seth Siegelaub, ainsi que Kynaston McShine et Harald Szeemann. Les enjeux de leurs démarches ne se situent ni dans la négation des appareils de l’art, ni dans la redéfinition de leurs fonctions, mais dans la construction d’une position de sujet non surplombante. Pour ce faire, ils investissent le document au titre de ses économies qui relèvent du marché de l’art, de l’édition, de méthodes, toutes corrélées, dans le contexte de l’art conceptuel et post-minimal, à des œuvres et écrits d’artistes. Chacun des acteurs étudiés déploie sa pratique à l’aune d’un régime de l’information, qui suppose une collaboration étroite avec les artistes afin de leur restituer le contrôle sur la circulation de leurs œuvres et les discours qui sont produits à leurs sujets. Toutefois, dans son occurrence critique, le régime de l’information ne suppose aucunement le silence des critiques d’art. Dans les démarches de Germano Celant et Lucy Lippard, les discours critiques sont préservés, mais selon des modalités qui entendent déléguer au public l’une de ses opérations, qui est l’interprétation. Conjointement, le régime de l’information est confronté à la difficile conciliation entre la défense d’une autoréférentialité de l’art et des ambitions politiques élargies à la société. Cette situation donne lieu à des devenirs variables des démarches
At the end of the 1960’s, in a context of serious crisis of institutional legitimacy, number of artists defy the power and control of art market, criticism and museum. Some dealers, critics and curators join in and intend to de-hierarchize the art world. Among them : Germano Celant, Lucy Lippard, Carla Lonzi and Seth Siegelaub, along with Kynaston McShine and Harald Szeemann. What is at stake in their practices does not have to do with denying the art system, neither defining new functions for the middle-men, but is about occupying a position which would no longer be authoritarian. To do so, they relate their research to the document, considered as an operating mode involving trading, editing and methods. This operating mode is interrelated to art works and artists’ texts in a context of conceptual and post-minimal art. The ones who are part of this study develop their practices as an informational system, which suppose a close cooperation with the artists in order to restore their control on the circulation of their own works, along with their authority on the discourses about them. Nevertheless, the art criticism declination of this informational system does not suppose the absence of discourses from the art critics. In the cases of Germano Celant and Lucy Lippard, criticism is stable, even though they intend to delegate interpretation to the audience. Concomitantly, the informational system has to face the difficulty of articulating the defense of a self-referential art with political ambitions enlarged to society. This difficulty is solved by various ways, between drop out and strengthened practices of document
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Mathey, Marc. "Steve Reich : un art de l'ambiguïté." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040107.

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Abstract:
Steve Reich est un compositeur d'apparence simple. Derrière cette évidence de la forme et des éléments qui la composent se cache la complexité: l'ambiguïté est érigée en système. Ainsi, le processus qui est, a priori, implacable, inexorable, réserve toujours une part de surprises. Par le déphasage graduel, on perd quelque peu pied. Les motifs résultants montrent la virtualité de la musique reichienne. Et que dire de cette attraction/répulsion pour l'électronique. Un trait essentiel de la création de Reich à partir de 1976 est la notion de cycles d'accords: ceux-ci exposés dès le début sont supposés revenir dans l'ordre. Bien souvent, les oeuvres issues de ce procédé sont comme des jeux de pistes. Le rapport au texte a évolué chez le compositeur. Dans les premières pièces, le sens est atomisé. Puis il y a une sémantisation qui aboutit à des oeuvres ethiques aprés 1990. Par exemple, Three Tales (2002) est une oeuvre de réflexion sur les dangers de la technologie au XXème siècle. Mais c'est aussi une oeuvre postmoderne et on sait combien cette notion est équivoque
Steve Reich seems to be a simple composer. But behind this obviousness of the form and of the elements wich make it up, hides a true complexity: ambiguity is set up as a system. Thus, the process which is at first relentless and inexorable always reserves a share of surprises. By phasing, one is slighty lost. The resulting patterns show the virtuality of the reichienne music. And what is there to think of Reich's attraction and repulsion as regards electronics. An essential feature of the creation of Reich since 1976 is the concept of chord cycles:: those exposed from the very start are supposed to return in the same order. Very often, the works resulting from this process turn out to be mazes. The connection with the text evolved with the composer. In the first pieces, the meaning is atomised. Then, there is an evolution towards a semantisation which leads to ethical works after 1990. For example, Three Tales (2002) is a work of reflexion on the dangers of technology in the twentieth century. But it is also a post-modern work and one knows how much this concept is questionable
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Mandon, Frédéric. "Francis Ponge et Georges Braque : convergences et réciprocité de pratiques." Lyon, Ecole normale supérieure, 2009. http://www.theses.fr/2009ENSF0058.

Full text
Abstract:
Francis Ponge (1899-1988) rédigea entre 1946 et 1982 neuf textes sur Georges Braque (1882-1963). Prendre le parti de cet artiste aura été pour Ponge la possibilité d’affûter ses moyens d’expression et de questionner sa propre démarche d’écrivain, participant à nourrir et informer sa conception de la poésie comme sa pratique d’écriture. À la marge de toutes déterminations génériques, ces écrits permettent d’aborder la spécificité d’un discours sur l’art qui se caractérise par une absence de séparation entre l’artiste et son œuvre et par une attention particulière accordée au peintre plutôt qu’à la peinture et à la description des œuvres. Ponge interroge le rôle de l’artiste dans la société comme son inscription dans l’histoire. Braque est aussi pour lui un « maître de vie », porteur de valeurs relatives à la morale et à l’éthique que leurs deux œuvres partagent en bien des points. Avec les moyens propres au langage, Ponge procède, comme Braque en sa pratique artistique, par tâtonnements successifs, répétitions et variations, met à découvert le cheminement de l’œuvre au fur et à mesure de son élaboration, le processus de sa fabrication. Ainsi, cette étude ne se propose pas tant de chercher des correspondances entre les deux œuvres que de s’ouvrir aux lieux où elles convergent en confrontant les pratiques d’un peintre et d’un poète, sans qu’il soit question de l’une à l’autre d’un rapport d’influence ou de subordination. Il n’est pas tant question de pratiques réciproques que d’une réciprocité de pratiques quand il y a chez Ponge et chez Braque un même mouvement dans l’exercice d’une activité artistique et réflexive, une même relation qui lie leur pratique et leur réflexion
Francis Ponge (1899-1988) wrote between 1946 and 1982 nine texts on Georges Braque (1882-1963). Standing up for this artist gave Ponge the opportunity to sharpen his means of expression and to question his own approach as a writer, participating feeding and informing his conception of poetry as his practice of writing. On the fringe of all generic determinations, these writings allow to deal with the specificity of a discourse on art characterised by a lack of separation between the artist and his work and by paying more attention to the painter than to the painting and the description of works. Ponge questions the function of the artist in society and its insertion in history. Braque is also for him a « maître de vie », the bearer of values relating to morality and ethics, that the two works share in many points. With his own language, Ponge proceeds, as Braque in his own artistic practice, by successive attempts, repetitions and variations. He shows the path of the work as it advances, the process of manufacture. So, this study suggests less to seek a correspondence between the two works than to open to the places where they converge by comparing the practices of a painter and a poet. From the one to the other, there aren’t questions of influence or subordination. It is not so much a question of mutual practice than a question of reciprocity in practices, when Ponge and Braque have, a same motion in the pursuit of artistic and reflective activity, a same relationship linking their practice and reflection
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Tackels, Bruno. "Histoire d'aura. Benjamin, brecht, adorno, heidegger." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 1994. http://www.theses.fr/1994STR20043.

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Abstract:
Des la premiere lecture du fameux essai de walter benjamin, l'oeuvre d'art a l'epoque de sa reproductibilite technique. J'ai percu une hesitation, un flottement, ou plutot un malaise a meme le texte. Au point que je n'ai jamais vraiment compris sur quoi se fondait sa celebrite. Je n'ai jamais vraiment pu me satisfaire des deux idees (parfaitement contradictoires9 qui structurent ce texte : la reproduction dans les oeuvres fait disparaitre l'art et l'on peut penser cette disparition comme un declin, le mal de l'occident. On en arrive donc a regretter l'age du "grand art" qui devrait etre imperativement restaure pour sauver l'humanite. Mais le texte permet aussi de lire cette disparition de l'art comme une chance (messianique) qui ouvre l'espace et le temps utopiques d'un monde nouveau, desenchaine. Ces deux visions contradictoires ne me paraissaient pas satisfaisantes ou, pour etre plus precis, il me semblait qu'a travers ces deux perspectives de lecture le texte disait tout autre chose : ni la nostalgie, ni l'utopie, mais une traversee de ces visions du monde, qui elabore une perspective veritablement politique. Cette intuition m'a donne l'idee de remonter aux sources du texte et de comparer les auatres versions successives que benjamin a
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Xerri, Catherine. "L'oeuvre d'Antoni Clavé : peinture, idéologie et histoire." Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030212.

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Abstract:
A. Clave est un peintre catalan contemporain. Ne en 1913, il acquiert une formation de peintre en batiment a barcelone puis se specialise dans les affiches de cinema. Engage, lors de la guerre civile, dans les services de propagande republicains, il passe la frontiere en 1939 et s'installe a paris. Ses premiers travaux sont marques par l'avant-garde des annees 30. Dans les annees 40 il se tournera vers l'intimisme de bonnard et vuillard puis evoluera de maniere personnelle. Ses derniers travaux sont empreints de lyrisme et d'abstraction. Dans les annees 60 clave est classe comme appartenant a l'ecole de paris, termes formels qui ne recouvrent aucune signification. Cependant l'article a longtemps ete au contact de ses compatriotes et a participe a de nombreuses manifestations collectives. Marque par certains themes profondement hispaniques sont art a une dimension internationale grace a la confluence france-catalogne. Les specificites de ses travaux: continuite, utilisation des materiaux, innovation en font une oeuvre personnelle et originale. Cependant l'artiste se refuse a tout discours theorique, preferant le langage de la peinture. Il elabore un langage qui lui est propre, dont la semiologie est pertinente. Reconnu tres tot en france comme en espagne, le marche de l'art lui est propice
A. Clave is a contemporary catalonian painter. Born in 1913 he starts off a house-painter in barcelone. He then specializes in cinema posters. Engaged during the civil war in the republican propagenda services he leaves the country in 1939 and establishes himself in paris. His first work is marked by the avant-guarde movement of the 30's. In the 40's his work is influence by the intimist movement. He then developed his own individual style. The last work are full of lyrism and abstaction. Continuity, use of the materials and innovation make the specificity of his work as well as its originality. However the artist refuses any kind of theory about his work, prefering the langage of the painting. He was recognized very early in france and in spain and art dealers promote his work. In the 60's clave is often classifled as a belonging to the "ecole de paris" a definition that is purely formal. The artis always kept in close touch with his fellow country-men and has participated in many collective exhibitions. Although deeply influenced by a very specific spanish culture, his art transcendes regionalism to attain an international dimension thanks to the confluence between french and spanish culture
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Pelaudeix, Cécile. "Modèles de temporalité et lieux du sens en histoire de l’art : dessins et estampes (1959-2002) de l’artiste inuit Kenojuak Ashevak." Grenoble 2, 2004. http://www.theses.fr/2004GRE29044.

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Abstract:
La linéarité du temps ne permet pas d'articuler de façon convaincante art et histoire. L'étude montre comment la création de l'estampe par des acteurs occidentaux, en Arctique canadien, au milieu du XXe siècle, reproduit le motif de l'origine et de la fin de l'art. En se basant sur une approche réticulaire (Warburg et l'hétérogénéité des images et du temps, modèle encyclopédique d'Eco et notion d'interprétant de Peirce), sur l'iconologie analytique de Arasse, l'étude démontre ensuite que l'art graphique (1959-2002) de Kenojuak entremêle des éléments de représentation collectifs et des éléments issus d'un imaginaire personnel. Est notamment mis au jour un dispositif visuel (formant) de déploiement qui figure tarniq, composante de la personne reposant sur un principe de vitalité, dispositif aussi observé dans la sculpture, la tapisserie, les masques. L'étude montre enfin que la démarche est pertinente pour aborder, plus généralement, la singularité en histoire de l'art.
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Jante, Victor. "Jean de Wavrin, Cronicques d’Engleterre : édition critique et commentaire des livres 4 et 5 du volume I." Thesis, Strasbourg, 2019. http://www.theses.fr/2019STRAC009.

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Abstract:
Le présent travail est une édition critique d’une partie inédite des Cronicques d'Engleterre, vaste compilation exécutée par le seigneur picard Jean de Wavrin dans la seconde moitié du XVe siècle. Cette fresque historique couvre l’histoire de la Grande-Bretagne depuis la légende d’Albine et de ses sœurs jusqu’au retour d’Édouard IV sur le trône en 1471. Elle présente une structure très régulière en six volumes, divisés chacun en six livres. La partie ici éditée comprend la totalité du livre 4 du volume I ainsi que les 46 premiers chapitres du livre 5 du même volume. La période historique traitée s'étend de l'arrivée des Danois en Grande-Bretagne (ca 867) à la mort de Richard Cœur de Lion en 1199. Le texte a été établi à partir du ms. BNF fr. 75, réalisé pour le bibliophile Louis de Bruges. Il est accompagné des variantes tirées des six autres témoins connus du premier volume des Cronicques d'Engleterre
This study consists of a critical edition of a still unpublished part of the Cronicques d'Engleterre, a vast collection assembled by the Picardian lord, Jean de Wavrin, during the second half of the 15th century. This historical fresco covers the history of Great Britain from the legend of Albina and her sisters to the restoration to the throne of Edward IV in 1471. It's structure is regular in six volumes, each divided into six books. The present edition comprises book 4 of the first volume in its entirety, as well as the first 46 chapters of book five of the same volume. The historical period covered extends from the arrival of the Danes in Great Britain (c. 867) to the death of Richard the Lionheart in 1199. The text was established according to the ms. BNF fr. 75, produced for the bibliophile Louis de Bruges. It is accompanied by variant readings taken from the six other known witnesses of the first volume of the Cronicques d'Engleterre
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Guillien, Mathieu. "Du minimalisme dans la musique électronique populaire." Paris 8, 2011. http://www.theses.fr/2011PA084112.

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Abstract:
L’intention de ce travail est d’interroger la notion de minimalisme dans le cadre de la musique électronique populaire. Dans une première partie, il s’agit d’expliciter le concept de minimalisme en revenant sur la genèse de cette esthétique, apparue dans les arts plastiques dans les années 1950 aux Etats-Unis, puis sur sa transposition dans le domaine musical sous l’égide de compositeurs tels que La Monte Young, Terry Riley et Steve Reich. L’évocation des compositeurs minimalistes américains nécessite de justifier l’emploi du concept de « minimalisme » pour évoquer des univers a priori différents. Cette clarification se fait en plusieurs points : le rapport des musiciens à l’histoire, leur positionnement économique, les outils dont ils disposent et la réflexion qu’ils produisent sur leur art, leur contexte social, leur relation à l’interprétation et au concert, enfin leur gestion de problématique telles que la répétition ou la danse. La seconde partie du mémoire porte sur la techno en tant que telle. Après un historique du contexte d’apparition de ce genre musical, au début des années 1980 à Detroit aux Etats-Unis, ainsi qu’un aperçu des instruments électroniques ayant facilité la naissance de la techno et des conséquences structurelles de ces instruments, nous étudions l’émergence de la branche dite « minimale » de la techno. Enfin, l’étude du compositeur allemand Robert Henke permet d’approfondir des notions de composition assistée par ordinateur, et d’élargir notre propos au minimalisme dans la musique électronique populaire non dansante
The purpose of this study is to call into question the concept of minimalism in popular electronic music. The first part of the dissertation focuses on the concept of minimalism itself by mentioning the genesis of this aesthetic, which appeared in plastic arts in the 1950 in the United States, then its translation in the music field under the aegis of composers such as La Monte Young, Terry Riley and Steve Reich. To justify the use of the concept of minimalism while referring to different musical genres, a clarification is made in several steps: the relation of the musicians to History, their economic positioning, the technical means at their disposal as well as their reflection on their work, their social context, their relation to interpretation and live performance, and their views on problematics like repetition and dance. The second part focuses on techno itself. After tracing the history of the emergence of this musical genre at the beginning of the 1980’s in Detroit, as well as an outline of the electronic instruments which played a part in this emergence and their structural effects on the music, we can study the emersion of the « minimal » branch of techno. Lastly, studying the music of German composer Robert Henke allows us to broaden our subject by including an example of minimalism in popular electronic non-dance music
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Gresh, Kristen Ann. "The Family of man : histoire critique d'une exposition américaine." Paris, EHESS, 2010. http://www.theses.fr/2010EHES0132.

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Abstract:
En 1955, Edward Steichen organise l'exposition monumentale «The Family of Man» au Museum of Modem Art (MoMA) à New York, qui a été ensuite exposée dans le monde entier sous les auspices de l’United States Information Agency. L'objectif principal de cette thèse est de retracer les arcanes de cette exposition afin de créer un document de référence dévoilant sa nature concrète. Cette démystification de l'exposition a été conçue à partir de témoignages directs de photographes participants recueillis par l'auteur, complétée par un travail d'analyse de documents d'archives inédits. La première partie s'interroge sur les programmes du Musée lors de la Seconde Guerre mondiale qui ont préparé le terrain pour «The Family of Man», sur le personnage de Steichen et sur son rôle de directeur du département de la photographie du MoMA. La deuxième partie remonte aux prémices du projet, afin d'éclaircir les diverses collaborations de Steichen, comme de nombreuses correspondances, des réunions collectives, et un voyage déterminant en Europe. La troisième partie met en lumière les méthodes et les résultats du travail de Steichen, à la fois comme photographe et comme éditeur. A l'appui d'une discussion des sources, notamment journalistiques, les contours du monde de la photographie de presse à l'époque sont esquissés, suivis d'une synthèse de l'exposition et de sa diffusion à l'étranger en plusieurs versions. Ce travail révèle que «The Family of Man», à la fois véritable prouesse de la photographie et arme de propagande, témoigne de toute une chaîne de contacts et de connaissances au sein du monde de la photographie et de la politique, et des croisements entre ces deux mondes
In 1955, Edward Steichen organized the historic exhibition "The Family of Man" at the Museum of Modem Art (MoMA) in New York. Under the auspices of United States Information Agency, it was exhibited throughout the world and gained a mythic status. This dissertation looks beyond that myth, in order to present a reference document with background information not previously examined. It is based on the author's research involving personal interviews with photographers who contributed to the exhibition as well as the analysis of unpublished archival documents. Part 1 explores the MoMA's World War II programs that paved the way for "The Family of Man", Steichen's career and his role as director of the museum's photography department. Part II traces the origins of the project, showing Steichen's various collaborations through a thorough examination of his correspondence, his individual and group meetings with photographers, and, in particular, his decisive trip across Europe. Part III examines the methods and results of Steichen's work, as both photographer and editor. A discussion of the sources of "The Family of Man", mainly photojournalistic, illustrates the contours of press photography at the time followed by a synopsis of the exhibition and its international circulation, in several versions. This dissertation demonstrates how "The Family of Man" was a tour de force in the history of photography because of Steichen's ability to combine his innovative photographic and editing skills that exploited the medium to communicate a political agenda that is a reflection of a complex network of colleagues, friends and acquaintances from the world of photography and of politics
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Pavlov, Pavel. "Art conceptuel et protocoles photographiques." Thesis, Université Laval, 2014. http://www.theses.ulaval.ca/2014/30023/30023.pdf.

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Abstract:
La présente thèse repose sur une double proposition : que le concept de représentation a subi une mutation profonde aux alentours des années 1960s, au moment de l’avènement de ce qui est appelé aujourd’hui l’art conceptuel; et que c’est l’usage de la photographie – considérée jusqu’alors comme l’appareil vide de l’art – par les artistes conceptuels, qui lui a donné une identité mais aussi une histoire qui lui a permis de s’inscrire dans la discipline artistique. À partir de cette proposition, j’étudie une série d’œuvres photographiques produites dans le contexte de l’art conceptuel, et dont le point commun est de reposer sur un mode systémique de production. Dans mon analyse, les œuvres de Douglas Huebler, Jan Dibbets et Bernd et Hilla Becher sont analysées pour les innovations qu’elles introduisent au niveau du sujet de représentation, en même temps qu’elles sont mises en parallèle avec trois moments inauguraux de l’histoire de l’art : la première expérience de Brunelleschi en tant que démonstration d’un moment de rupture dans l’histoire de l’art au niveau de la production d’images considérées vraisemblables; le modèle d’istoria introduit par Alberti comme forme narrative faisant l’hypothèse que toute chose visible peut être représentée et toute histoire montrée uniquement par des moyens visuels; et l’approche anti-relationnelle élaborée par Frank Stella, comme démonstration de la plasticité de la peinture et comme opposition au concept de composition picturale telle qu’héritée d’Alberti. Mon analyse démontre qu’une démarche systémique permet d’établir une continuité avec les paradigmes précédents de l’histoire de l’art, et rend possible la construction de nouveaux instruments visuels plus aptes à circonscrire les processus complexes qui organisent la société contemporaine en tant qu’héritière de l’organisation industrielle ayant marqué le passage de la Renaissance à l’époque contemporaine. En dernier lieu, je présente une série de projets, issus de mes recherches sur les sujets et œuvres présentés, dont le point commun est l’élaboration d’une écriture vidéographique reposant sur la plasticité rendue possible par le recours à la procédure comme mode de représentation de l’histoire.
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Decker, Daniel. "Musique pop, pop art, messages, aux États-Unis et en Grande-Bretagne : analyse d'une double traversée culturelle des années soixante." Clermont-Ferrand 2, 1994. http://www.theses.fr/1994CLF20069.

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Abstract:
La musique pop, née des années 50 du rythm and blues afro-américain en tant que Rock and Roll, est devenue, dans les années soixante, le mode d'expression privilégié d'une nouvelle catégorie de consommateurs créée par les médias : les teenagers. Grâce à l'internationalisation des moyens de communication (transistor, TV), ces produits du baby boom, par leur nombre et leur pouvoir d'achat, promurent le changement social par la musique. Celle-ci, assimilée à des valeurs anti-américaines (violence, délinquance, sexe, drogue) s'éteignit aux USA pour mieux y revenir, adaptée par des britanniques provocateurs, exotiques, propagateurs de cette culture métissée. Des jeunes blancs contestèrent ainsi le bien-fondé d'une société tournée vers le profit et sous la menace d'un holocauste nucléaire, en une tentative de culture alternative où compteraient l'objet et l'image, pas les perspectives théoriques. Les messages simplistes des chansons pop firent croire que chacun pourrait être le compositeur de sa propre vie. Le mythe d'une société sans classes, diffusé par les médias de l'establisment supporta sans dommage les critiques hurlées par les chanteurs pop. La presse underground marginalisée et les hippies drogués qui, par leur existence prouvaient a contrario la validité du système
Pop music, born as rock'n'roll from black rhythm & blues in the mid-fifties, became, in the sixties, the privileged means of expression of a mediated category of consumers, the teenagers, with the advent of transistr radios and the development of television, the former baby boomers gave their social unrest a tune, this music, quickly assimilated to un-american negative values (violence, juvenile delinquency, sex, drugs) soon died out in the usa. It swung back from britain where it had been adapted by exotic provocative white bluesmen who popularized this once despicable negro music. Young white misfits thus protested against the profit-seekers still under the threat of a nuclear holocaust. Trying to consider the face value of objects, not thoughts. Led by the simplistic lyrics of pop songs they came to think of the making of their own lives as happenings. The myth of a classless society, enhanced by the media in control of the establishment, easily withstood the criticisms of yelling pop singers, the underground press and the drug-addicted hippies. Their very existence proved the tolerance of the system they were so unfairly permitted to criticize
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Kabous, Magali. "Ecriture filmique, écriture littéraire, chemins croisés de l'identité cubaine." Toulouse 2, 2006. http://www.theses.fr/2006TOU20053.

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Abstract:
La thèse étudie les représentations endogènes de l'identité cubaine à travers six œuvres filmiques adaptées de la littérature nationale : Cecilia de Humberto Solás, La Bella del Alhambra de Enrique Pineda Barnet, Los Sobrevivientes, Memorias del subdesarrollo et Fresa y chocolate de Tomás Gutiérrez Alea et Madagascar de Fernando Pérez. La partie "Introduction" expose le contexte historique, social et culturel de la Révolution cubaine et définit des notions telles que l'adaptation, l'identité, la nation et le nationalisme. Ensuite, l'étude s'organise en trois parties qui abordent les représentations filmiques et littéraires de Cuba dans le contexte prérévolutionnaire (I), au lendemain de la Révolution (II) et enfin à l'époque contemporaine (III). Nous nous interrogeons sur des aspects tant esthétiques (les rapports entre le cinéma et la littérature) qu'idéologiques (la relation entre l'art et l'Etat) et sur le rôle de l'artiste dans la construction des représentations collectives. Les écrivains et cinéastes cubains proposent au travers des œuvres étudiées un questionnement des modèles héroïques et des mythes, un renouvellement des stéréotypes ainsi que de nouvelles formes de cubanité
This thesis studies the endogenous representations of Cuban identity through six motion pictures adapted from the national literature : Cecilia by Humberto Solás, La Bella del Alhambra by Enrique Pineda Barnet, Los Sobrevivientes, Memorias del subdesarrollo and Fresa y chocolate by Tomás Gutiérrez Alea, and Madagascar by Fernando Pérez. The first part sets out the historical, social and cultural context of the Cuban Revolution, and defines notions such as adaptation, identity, nation and nationalism. The study is then organized into three parts, dealing with the representations of Cuba in movies and literature in the pre-revolutionary context (I), after the Revolution (II) and in contemporary times (III). We tackle aesthetic issues (the movie-literature relationships), as well as ideological ones (the connection between art and State) ; we also wonder about the part played by the artist in the construction of collective representations. Through the works that we study, Cuban writers and directors have attempted to question the myths and heroic models, to renew the stereotypes and create new forms of Cubanity
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Eggers, Françoise. "Forme et histoire Sur la théorie de l'art de Max Raphael (1889-1952)." Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040188.

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Abstract:
Le théoricien et philosophe de l'art Max Raphael (1889-1952) a légué une œuvre d'une très grande richesse. Pourtant seule une infime partie de ses écrits a été publiée de ses écrits aussi bien en Allemagne qu'en France et aux Etats -Unis où il résida successivement. L' objectif de cette recherche est de montrer la cohérence de son œuvre à première vue éclectique, explorant des domaines aussi différents que la peinture classique mais aussi le cubisme, l'architecture grecque, l'architecture médiévale ou constructiviste, puis les peintures rupestres et l'art archaïque dans les dernières années de sa vies. Surmontant le clivage entre idéalisme et matérialisme, ayant conçu une méthode empirique d'analyse des œuvres d'art, Raphael élabore cet idiome qui lui est propre où se cristallisent les concepts fondamentaux permettant selon lui de rendre compte de l'émergence de la forme dans la matière et au sein du processus de la création artistique. Son œuvre, pourtant profondément enracinée dans la tradition de la pensée idéaliste allemande s'inscrit dans une démarche résolument novatrice, entre herméneutique et iconologie, et préfigure à maints égards les voies de l'esthétique moderne
The theorist and philosopher of art Max Raphael (1889-1952) bequeathed a work of a very great richness. However only a negligible part of his writings was published as well in Germany as in France and in the United States where he resided successively. The objective of this research is to show the coherence of his work at first sight eclectic, exploring fields as different as traditional painting but also the cubism, the Greek architecture, medieval architecture or constructivist, then the cave paintings and archaic art in the last years of his life. Overcoming cleavage between idealism and materialism, having conceived an empirical method of analysis of the works of art, Raphael works out this idiom which is peculiar to him where crystallize the fundamental concepts allowing, according to him, to realize of the emergence of the form in the matter and within the process of artistic creation. However deeply rooted in the German idealistic tradition, his work comes within the context of a resolutely innovative step, between hermeneutics and iconology, and prefigures in many ways the modern esthetics
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Yang, Chorong. "Graffiti et Street art : étude des discours historiographiques et de la critique esthétique d'une forme sociale de modernité visuelle." Thesis, Grenoble, 2014. http://www.theses.fr/2014GRENH016/document.

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Abstract:
De nombreuses œuvres plastiques sont nées d'une réflexion théorique et pratique influencée par les questions politiques et sociales. Hormis des différences dans les procédés utilisés, elles sont fédérées par un esprit de rébellion et de contestation. A travers l'examen des rapports entre l'art et la culture populaire, le street art et les phénomènes socio-critiques dans la société de consommation, notre sujet est organisé sur trois axes en quatre parties. Notre intention première va montrer que les artistes modernes ont découvert la valeur artistique des graffitis et de certaines expressions anonymes inscrites sur les murs avec un caractère intellectuel. Ensuite, nous explorerons le sujet dans la perspective de la culture populaire, du regard critique sur l'époque, et de certains critères plastiques qui ont eu de l'influence sur les street artistes en France. Enfin, dans les troisième et quatrième parties, nous étudierons les querelles posées quant à la fonction sociale de l'œuvre d'art, le rôle de l'artiste, le problème éthique de l'artiste, et la valeur artistique véritable dans la culture industrielle et l'art commercial, en déroulant le panorama des activités des street artistes. C'est sur le fondement de cette hypothèse que nous nous sommes posé la question des contenus sociaux/critiques de ce street art et de ses rapports avec la sphère socio-critique qui, lui, est une représentation de l'ère contemporaine. Quant aux deux axes de « la valeur artistique » et de « l'acte rebelle », traitant de la modernité propre à l'art contemporain et des rapports qu'elle entretient avec la vision critique, ceux-ci fondent le mouvement street art, le caractère rebelle ou activiste de cet art et son approche critique du monde de l'art ou de notre société étant indispensables à sa survie en tant que tel. Les méthodologies visent à analyser et à critiquer l'influence politique et sociale de l'image de telle sorte qu'elles permettent de réfléchir sur le champ pratique et théorique de notre étude
Many plastic works were born from a theory and practice influenced by political and social issues. Apart from differences in the methods used, they are united by a spirit of rebellion and contestation. We examined the relationship between art and popular culture, street art and socio-critical phenomenon of this period. Our hypothesis is that this relationship can be defined by the concept of street art, understood as an artistic practice whose connotations are both aesthetic and social a critique and order. It is on the basis of this hypothesis that we questioned the social content / critique of street art and its relationship with the socio-critical sphere which is a representation of the contemporary era. Our first intention was to show, through the graffiti testimony that the modern artists discovered the artistic value of graffiti and some anonymous registrant walls with intellectual expression. Then, this part concerns the prospect of popular culture, critical look at the age and plastics criteria that have had an influence on the street artists in France. Finally, the third and fourth parts deepen the street art movement that became the graffiti art in the history of contemporary art. We study the quarrels offered by the social function of works of art, the ethical problem of the artist's work social function, role, and real artistic value in the industrial culture and commercial art, unrolling a panorama of street artists activities. The two axes of “the artistic value” and “rebellious act”, dealing with contemporary art and its relationship with its critical vision of modernity, those are the foundation of the street art movement, which activist and rebel practice, as an art, and a critical approach towards the art world or our society are essential to its survival as it is. This subject will therefore give us the opportunity to question the true art in our society, a consumer society. Any image that is concerned with the meaning of the pictorial discourse is contentious and feeds on cultural and political antagonisms
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Gouriou-Rollag, Catherine. "Les débuts de cinquante grands romans anglais et américains (XVIIIe-XXe) : de leur stratégies narratives et variations grammaticales à leur richesse énonciatrice." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2004PA040155.

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Abstract:
Cette thèse, au croisement de la littérature et de la linguistique, se propose d'étudier 50 débuts de grands romans anglo-américains. Pour mettre en évidence la relation triangulaire narrateur-auteur/texte/lecteur seront étudiées la fonction poétique (partie 1) et la fonction séductive (partie 2). L'étude du commencement de l'œuvre, de la mise en scène de la fiction et de la mise en marche de l'histoire nous permet de dégager, pour chaque début de roman, les trois grandes articulations textuelles (phases initiale, médiane et finale), le positionnement de la tension narrative et de mettre en évidence l'émergence d'une rhétorique par siècle. Trois marqueurs grammaticaux signalant la subjectivité de l'auteur-narrateur dans sa création romanesque ont été retenus : les opérateurs de fléchage, les structures comparatives et les auxiliaires modaux. Chaque marqueur est classé d'après les caractéristiques du début de roman et des outils d'exploration linguistiques bipolaires (clôture/non-clôture, rapports scalaire/non-scalaire, congruence/non-congruence). Ainsi, nous avons considéré les opérations de fléchage par rapport à leurs références anaphoriques et cataphoriques reprenant les personnages, lieux et situations. Les structures comparatives ont été analysées selon les trois normes : universelle identifiée par auteur et lecteur, universelle à démontrer et norme personnelle non-identifiable par le lecteur. Enfin le système complexe des auxiliaires modaux est organisé par rapport aux passages descriptifs, informatifs et explicatifs constituant un début de roman
This thesis, at the crossroads of literature and linguistics, intends to study the beginning of fifty English and American great novels selected over three centuries for their enunciative richness. In order to put into evidence the triangular correlation between the narrator-author, the text and the reader, two main functions sustained our study: the poetic function (part one) and the seductive function (part two). Three literary techniques; opening the novel, presenting the plot and the characters putting the plot into action, conveyed the narrative tension within the initial, middle, and final phases of an opening and put into evidence the emergence of rhetorics for each century. Three grammatical markers known for showing this author's subjectivity in his literary creation were selected: pinpointing operators such as demonstratives and determiners, comparative structures and modal auxiliaries. Each marker has been categorized according to specific aspects of fictive openings associated with binary linguistic explorative tools. Therefore, we have considered the anaphoric and cataphoric references conveyed by pinpointing operators related to the characters, the place and the plot introduced at the beginning. As for comparative structures, we have organized them according to three standards: the extra-linguistic universal standard identified by both writer and reader, universal references that need to be proven by the rest of the plot and finally the references that cannot be identified by the reader because they depend on the fictive context. The analysis of the modal auxiliaries emphasizes the descriptive, informative and explicative elements opening a novel
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Sasahara, Tomoko. ""La dernière mode" de Mallarmé : sa dimension historique et la réflexion sur son écriture." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040070.

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Abstract:
Considérée comme un écrit mineur de Mallarmé, La Dernière Mode (août-décembre 1874) n'a pas fait l'objet de nombreuses recherches. La plupart des études qui y sont consacrées se contentent de souligner son aspect " poétique " sans autre forme de procès, et quelques tentatives de rétablir sa dimension commerciale et journalistique aboutissent souvent à des malentendus, car leur approche historique se révèle insuffisante. Ce travail consiste donc avant tout à montrer de façon précise ce qu'était en réalité La Dernière Mode, tant comme une revue de mode qu'une éventuelle " œuvre " de Mallarmé. La première partie présente le contexte historique : nous traçons l'histoire de la mode, de la presse de mode et rétablissons le climat intellectuel du XIXe siècle autour de la mode, constitué par des écrivains et des critiques d'art, de Balzac, à Charles Blanc. La deuxième partie est consacrée à l'itinéraire de Mallarmé jusqu'à la publication de La Dernière Mode et à l'histoire de La Dernière Mode, ainsi qu'à la comparaison de celle-ci avec une trentaine de revues de mode contemporaines. La troisième partie aborde enfin l'écriture de La Dernière Mode : après avoir identifié les sources de Mallarmé, elle analyse le texte de La Dernière Mode, d'une part à partir des citations du poète et son travail sur le texte original, d'autre part en le rapprochant d'autres écrits du poète, notamment Divagations
Considered as a minor work of Mallarmé, La Dernière Mode (August-Decembre 1874) has been largely neglected by researchers. Most of the few studies on it just find there some “poetic” elements without any hard proof, and the others, trying to approach it from its commercial and journalistic aspect, often result in a misunderstanding because of their insufficiency of historical investigation. The purpose of this inquiry is so to show precisely what La Dernière Mode was in reality, both as a magazine and as a Mallarmé's literary work. Our Part 1 presents the historical background by investigating the history of fashion and fashion magazine, as well as the intellectual climate created around fashion by some writers and art critics, from Balzac to Charles Blanc. The Part 2 is devoted to a pre-history and to a history of La Dernière Mode as well as to a comparison between La Dernière Mode and about thirty fashion magazines of those days. The Part 3 takes up at last the writing of Mallarmé in the magazine. We identify Mallarmé's sources used in his articles, after which we analyze the text, on the one hand, comparing the quotations by the poet and their originals, and on the other hand, relating it to another works of Mallarmé, especially Divagations
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Shin, Hye-Kyung. "1960-1990 : le photographique comme instrument autobiographique dans l'art contemporain." Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA081053.

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Abstract:
Cette etude a pour theme l'analyse de l'art contemporain a partir de deux notions : le photographique et l'autobiographique. Ces deux parametres m'ont permis de fonder ma problematique theorique et plastique, et de saisir les idees fortes et les experiences caracteristiques de l'art contemporain. L'art contemporain a a voir avec l'omnipresence de la photographie comme mode de representation. Elle n'est pas seulement presentee dans le cas evident du realisme photographique mais aussi comme un apport documentaire. D'autre part, les artistes contemporains associent la logique de la photographie a un moyen artistique. Nous l'avons trouve non seulement dans la forme de leurs oeuvres, mais aussi dans leurs processus de production. Un autre phenomene important dans l'art contemporain se caracterise par l'interet envers soi-meme : beaucoup d'artistes construisent leurs propres points de reperes et temoignent de leur vie a travers leurs oeuvres. Notre propos etait de relever comment, a l'epoque contemporaine, la vie de l'artiste et son oeuvre sont imbriquees selon un mode nouveau. La these est constituee de trois grandes parties : la premiere partie est issue d'une analyse retroactive de mon travail plastique avec le constat d'une presence systematique des notions de photographique et d'autobiographique (le premier et le deuxieme chapitre). La seconde correspond a une etude plus large de ces notions vers quelques artistes contemporains (le troisieme, le quatrieme, le cinquieme et le sixieme chapitre). Enfin, la troisieme partie porte sur mes realisations commencees apres 1987 (le septieme chapitre)
The subject of this study is the analysis of comtemporary art using several photographic and autobiographic concepts. These concepts have served as the bases for my theoretical and plastic formulation of the problem and have allowed me to grasp the dominant ideas and characteristic experiences of contemporary art. Contemporary art is greatly influenced by the pervasive presence of photography as of means of representation. Photography is present not only in the obvious case of photographic realism, but also as a documentary source. Moreover, contemporary artists make use of the logic of photography as an artistic tool. We find it both in the form of their works and in the processes they use to produce them. Another important phenomenon in contemporary art is the interest in the self. Many artists construct their own reference points and recount their life through their works. My objective was to determine how, today, the life of the artist and his or her works overlap in a new way. The thesis is composed of three main parts : part 1 consists of a retrospective analysis of my work as a plastic artist in which the systematic presence of photographic and autobiographic concepts (chapters 1 and 2) is observed ; part 2 is a broader study of these concepts in relation to several contemporary artists (chapters 3, 4, 5 and 6) ; part 3 deals with my work after 1987 (chapter 7)
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Dagen, Philippe. "Le mythe du retour dans la peinture et les esthétiques en France, du symbolisme à l'abstraction." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040265.

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Abstract:
Par l'examen des oeuvres picturales, des demarches critiques et des doctrines esthetiques qui voient le jour en france dans le dernier tiers du dix-neuvieme siecle, la these s'applique a l'analyse des effets et des consequences de la decouverte des arts prehistoriques, africains et oceaniens ainsi que de la redecouverte des oeuvres du moyen-age occidental. De la curiosite a l'engouement et a la mode, du pastiche a des emplois de plus en plus varies et distancies, les arts "primatifs" envahissent les ateliers parisiens et apparaissent bientot comme autant de references capitales. A la suite de gauguin, les fauves - matisse et derain - et picasso font des archaismes de la couleur et du dessin les facteurs d'une rupture anti-academique et antiimpressionniste clairement definie comme telle par les ecrivains et les critiques qui accompagnent leur evolution
By a new analysis of painting and writings in fin-de-siecle france, the author reconsiders the questions of primitivism and archaic sources in modern art. The discovery of prehistoric, african and oceanian paintings and sculptures, the reevaluation of roman and gothic paintings from italy and france are the main elements of a real revolution in taste and theory. Such major artists as gauguin, matisse, derain and picasso find in these ancient or exotic works their ground inspiration and are able to build a new conception of representation and expression, against the academic rules and the tradition born from impressionnism
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Côté, Jean-François. "La profondeur et l'éclatement de l'image : réflexion critique sur l'image et les technologies." Thesis, Université Laval, 2007. http://www.theses.ulaval.ca/2007/24882/24882.pdf.

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Desveaux, Delphine. "Mariano Fortuny, monographie critique et postérité littéraire." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040013.

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Abstract:
Mariano Fortuny y Madrazo (Grenade 1871-Venise 1949) fut un artiste comme on les aimait pendant la Renaissance, peintre, graveur, sculpteur, architecte, éclairagiste, photographe et couturier, à la fois prolixe et surdoué. Après avoir assisté en 1893 à Bayreuth, à une représentation qu'il jugea manquée, l'envie lui vint de reformer la mise en scène et il se consacra pendant quelques années à l'électricité et inventa une coupole mobile et pliante qu'il breveta dans la majorité des pays européens. Du théâtre il passa à la mode avec son épouse Henriette, domaine encore novateur à cette époque où ils excellèrent en créant des robes et des costumes de théâtre inspirés du passé, leurs inspirations les portant autant vers la Renaissance que vers l'antiquité ou l'exotisme. Ayant reçu une formation artistique classique à l'école des Beaux-arts de Paris et à l'Accademia de Venise, Fortuny appliqua au domaine des teintures textiles l'expérience qu'il avait acquise au contact des maitres anciens et remit à l'honneur la délicatesse et l'extrême diversité des coloris vénitiens. Peintre avant toute chose comme il aimait à le dire, Fortuny livra de nombreuses toiles, photographies et dessins; il s'inspira de l'œuvre de son père, Mariano Fortuny y Marsal avec lequel il est trop souvent confondu, peignit des nus académiques, des caprices à la manière du XVIIIe siècle, des natures mortes, l'Orient, Venise évidemment, l'inspiration wagnérienne ne le quitta jamais et il sculpta quelques pièces, rares certes, mais d'une belle expressivité. Ce fut sa diversité et sa prolixité qui firent de Fortuny cette figure tant appréciée des écrivains, de Proust à Pere Gimferrer en passant par d'Annunzio, l'un de ses amis, Henri de Régnier, Paul Morand, Mary Mc Carthy et Leslie Poles Hartley, tous ont chanté ses louanges et transforme l'homme en une silhouette mythique et légendaire, en faisant de Fortuny la figure emblématique de la Venise du début du XXe siècle
Mariano Fortuny was an artist in the renaissance way, a painter, an engraver, a sculptor, an architect, a photographer and a fashion designer; highly productive and extremely talented. After attending a show in Bayreuth in 1893, which he judged to be unsuccessful, he was seized by the desire to transform the scenery; he devoted himself to electricity for several years and invented a mobile and folding cupola which was patented in most European countries. From the theater he moved on to fashion with his French wife Henriette, in that days, fashion was still a rare specialty and their clothes inspired from Italian and French Renaissance, by antiquity and by numerous exoticisms were very successful. With his classic education in the beaux-arts in Paris and the Accademia of Venice, Fortuny applied to the colouring of the textiles, knowledge he had gained through contact with the old masters; he reinvented the delicacy and fabulous diversity of Venetian colors. Above all a painter as he liked to see himself, Fortuny made many canevases, photographs and drawings, some inspired by the work of his father Mariano Fortuny y Marsal whose he is often confused with, he painted academic nudes, still life, caprici in the way of the XVIIIth century, oriental subjects and of course, Venice. His Wagnerian inspiration remained with him forever and he made some rare but very expressive sculptures. His diversity and abundance made Fortuny the figure so appreciated by writers from Proust to Gimferrerr, along with d'Annunzio, one of Fortuny's friend, Régnier, Morand, Mc Carthy and Hartley, who contributed to turning Fortuny into the mythical and legendary figure he became
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Idier, Nicolas. "Pierre Ryckmans (alias Simon Leys, né en 1935) : mise en perspective disciplinaire et apport méthodologique en histoire de l’art et sinologie." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040245.

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Abstract:
Pierre Ryckmans, né en 1935 en Belgique, est connu dans le monde entier sous le pseudonyme de Simon Leys, qu’il a adopté pour écrire une série d’essais sur la politique chinoise contemporaine. Cependant, ce sinologue perspicace est avant tout un grand historien de l’art chinois. Son œuvre a ouvert de nouvelles perspectives méthodologiques et théoriques : définition claire de cet « art de plus » (« one more art ») qu’est la calligraphie, périodisation de la peinture, établissement d’une terminologie esthétique, le tout appuyé sur la traduction non seulement de traités d’art, mais aussi de textes de plusieurs genres caractéristiques de la culture lettrée chinoise : notes au fil du pinceau, propos, souvenirs, canons classiques… L’apport principal de Pierre Ryckmans est d’avoir abordé la Chine tant classique que contemporaine par sa culture visuelle, et d’avoir su adapter l’histoire de l’art aux spécificités du terrain et du contexte de production – spécificités d’ordre linguistiques, philosophiques, littéraires et politiques. Dans l’historiographie de l’histoire de l’art chinois, Pierre Ryckmans occupe ainsi une place majeure, qui instruit une grande partie des évolutions de la recherche internationale actuelle, et dont il fallait expliquer le mécanisme de construction. Cette thèse s’est donc concentrée sur l’apport de Pierre Ryckmans à l’histoire de l’art chinois, afin de mettre en valeur la cohérence de sa méthode et la pertinence durable de ses résultats
Pierre Ryckmans, born in 1935 in Belgium, is famous throughout the world under the pen name of Simon Leys, which he adopted to write a series of essays on Chinese contemporary politics. However, this perspicacious sinologist is first and foremost a great Chinese art historian. His works have opened new methodological and theoretical perspectives: clear definition of this « one more art » that is calligraphy, periodization of painting, the setting of a terminology for aesthetics, all these based not only on the translation of art treaties, but also of several types of texts that are characteristic of Chinese scholars culture: casual literary notes, comments, memories, Chinese canons… The main contribution of Pierre Ryckmans is to have addressed both Classic and Contemporary China through its visual culture, to have succeeded in adapting art history to the specificities of the field and context of production – specificities related to linguistics, philosophy, literature and politics. In the historiography of Chinese art history, Pierre Ryckmans occupies a prominent place, largely influential to the developments of current international research. These construction mechanisms had to be explained. This dissertation thus focuses on the contribution of Pierre Ryckmans to Chinese art history, in order to emphasise the coherence of his methods and the lasting relevance of its results
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Midal, Alexandra. "Design par accident : pour une nouvelle histoire du design." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010644.

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Abstract:
Les publications en 1936 de "Pioneers of Modern Movement" de Nikolaus Pevsner suivie par "La Mécanisation au pouvoir" de Siegfried Giedion en 1948 constituent les deux narrations originelles d'une histoire du design. Cependant, pas plus Pevsner que Giedion n'a voulu établir une quelconque histoire du design. Le premier développait une généalogie de l'architecture moderne tandis que le second concevait un panorama de l'invention et de l'ingéniosité anonyme. Ces deux récits en faveur de l'architecture et du mouvement moderne font office d'origine à une histoire du design encore peu établie, par conséquent, nous nous sommes interrogés sur l'impact de ces conceptions partisanes sur le design, et si de telles circonstances n'avaient pas donné naissance au design par accident. Cette thèse a consisté à interroger la permanence de concepts qui s'imposent depuis Pevsner et à l'opposé de son énoncé à retracer une généalogie alternative débutant avec les féministes abolitionnistes américaines, et entrelaçant constamment les « oublis» et « dénis» de l'histoire du design. Afin d'engager une nouvelle historiographie du design, nous nous sommes concentrés sur la rupture épistémologique marquée par l'opposition à la fin des années 1960 entre le Controdesign des architectes radicaux et l’Antidesign énoncé par [oe Colombo. Ce dernier a permis de repenser l'histoire du design dans une dimension autonome vis-à-vis de l'architecture, le dernier axe de cette thèse s'est engagé dans le réexamen de l'histoire du design depuis William Morris jusqu'aujourd'hui dans la seule perspective de la dynamique expansionniste qui caractérise la discipline du design.
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Moderno, João Ricardo Carneiro. "Art et contradiction : histoire critique de la philosophie de l'art : les conceptions de l'oeuvre dans ses rapports à la réalité, à la connaissance, aux valeurs, etc." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010528.

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Abstract:
Le présent travail a eu comme objectif principal de constituer le corps historico-critique de la contradiction esthétique, telle qu'elle était écrite depuis Platon jusqu'à Theodor W. Adorno. L'objectif, donc, fut de détacher à l'intérieur de l'histoire de la philosophie de l'art ou de l'esthétique, des moments significatifs capables de totaliser un ensemble cohérent et pleinement identifiable. L'intérêt d'une telle entreprise critique se centre surtout dans l'action théorique d'isoler la contradiction esthétique, de connaitre son itinérance à travers les siècles, ses particularités et ses implications politiques. Dans plusieurs cas, on ne peut comprendre les contradictions esthétiques qu'en fonction des catégories du goût, de l'imagination créatrice, du génie, de la raison etc. Le concept de contradiction esthétique n'étant pas seulement œuvre de contradiction absolue, nous intégrons les différences, non-contradictions, les conciliations, etc. La recherche présentée ici est partie de l'hypothèse qu'il y aurait une histoire singulière intérieure à l'histoire de l'esthétique, tendant à se structurer dans une unité conceptuelle: Platon, Diderot, Goethe, Schiller, Schelling, Hegel, Schopenhauer, Nietzche, Adorno, entre autres
The main object of this work was to build, from Plato to Theodor W. Adorno, the whole historical group of the aesthetic contradiction. We selected significative moments in the philosophical history of art or aesthetic, to constitute a coherent group. The interest of this critical work is centered at the theoretical action, to isolate the aesthetical contradiction, and to know its way through the centuries, its particularities, and its political implications. In many cases, one can only understand the aesthetical contradiction depending on the categories of taste, creative imagination, genius, reason, etc. Since the aesthetical contradiction concept was not only absolute contradiction work, we include differences, non-contradictions, conciliations, etc. This research starts from the assumption that there is an interior history, aiming at conceptual unity: Plato, Diderot, Goethe, Schiller, Schelling, Hegel, Schopenhauer, Nietzsche, Adorno, among others
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Horchani, Inès. "La critique des traditions arabo-musulmane et gréco-occidentale par Adonis et Yves Bonnefoy." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040110.

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Abstract:
Cette thèse a pour objet la comparaison entre deux critiques de la tradition par deux poètes issus de deux civilisations différentes. Il s'agit, d'une part, d'Yves Bonnefoy, poète français né en 1923, et, d'autre part, d'Alî Ahmad Sa'îd Isbir dit Adonis, poète syrien né en 1930. Bien enracinés dans leur civilisation, Adonis et Yves Bonnefoy ont côtoyé les grands courants de la modernité et de la post-modernité, tout en tournant vers leur tradition un regard singulier. C'est cette relecture du patrimoine qui nous a intéressé ici, ses raisons, ses modalités et ses conséquences sur les créations (poétiques ou artistiques) de ces deux poètes. Cette comparaison nous fait découvrir deux ères culturelles aux traditions distinctes dans l'espace comme dans le temps ; elle nous invite aussi à nous arrêter sur leurs points de rencontre (comme lorsque Adonis traduit en arabe les poèmes d'Yves Bonnefoy) ; elle nous fait également mesurer à quel point une langue véhicule une conception du monde, que la poésie tend à transcender en l'universalisant ; elle nous prouve enfin, qu'en littérature comme en critique littéraire, la violence du choc des civilisations peut se transformer en énergie créatrice
The aim of this thesis is to compare two critics of tradition nurtured in two different cultures. On the one hand we have the French poet Yves Bonnefoy, born in 1923, and on the other the Syrian poet Ahmad Sa'id Isbir, otherwise referred to as Adonis, born in 1930. Both were deeply immersed in their respective cultures and were highly familiar with the modern and post-modern literary currents, yet they managed to offer a rather peculiar perception of their traditions. It is this new approach to heritage along with its motives, its various forms and its consequences upon the works both poetic and artistic of the two poets that we wish to examine here. This comparison enables us to discover two cultural eras with distinct traditions in terms of space and time. It also incites us to take a moment to reflect upon the occasional crossings of the two poets' paths (for instance when Adonis translated Yves Bonnefoy's poems into Arabic). Furthermore, it allows us to measure the extent to which language can reflect perception and how poetry transcends this perception by rendering it universal. Finally, it provides evidence that the violent clash between civilisations can, both in literature and in literary criticism, be a source of creative energy
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Faure, Agnès. "Mythes et fictions en histoire de l'art : histoire de la réception de l'image de Jean Cousin et étude critique des interprétations de l'Eva prima Pandora." Phd thesis, Université Michel de Montaigne - Bordeaux III, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00994497.

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Abstract:
Jean Cousin a suscité différentes formes de réception, révélatrices des enjeux discursifs des historiographes. De même, l'analyse critique des textes qui ont été produits sur l'Eva prima Pandora a fait émerger plusieurs problématiques inhérentes au processus de l'interprétation des œuvres d'art, au discours produit sur la peinture. À partir d'un contexte documentaire lacunaire, qui concerne autant le peintre que son tableau, les auteurs ont crée des fictions révélatrices de leur orientation méthodologique et des attentes de leur époque d'expression.Nous porterons donc un regard critique sur la construction mythique de l'image de l'artiste qui s'est opérée dans les différents textes consacrés à la vie et à l'œuvre de Jean Cousin. De même, à travers les propositions sémantiques qui ont été faites de la peinture, nous mettrons en évidence les présupposés théoriques et méthodologiques du discours produit par les interprètes, afin de montrer les limites de leur démarche. Partant de ce constat, prenant en compte les différentes pistes de réflexion récemment ouvertes par l'histoire de l'art, nous étudierons l'Eva prima Pandora, en portant notre attention sur le VOIR, sur le processus de création picturale, sur la nature des intentions de Jean Cousin alors qu'il peignait l'Eva prima Pandora.
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Papandreopoulou, Aikaterini. "Camille Mauclair (1872-1945), critique et histoirien de l'art : "une leçon de nationalisme pictural"." Thesis, Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010664.

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Abstract:
Camille Mauclair (1872-1945) est l'un des auteurs qui comptent non seulement parmi les plus prolifiques mais aussi parmi les plus lus de son temps. S'il a su puiser dans toutes les occasions offertes par la Troisième République, investissant sa curiosité des débuts dans différents genres (roman, poésie, essai et critique), c'est toutefois en tant que critique d'art qu'il s'affirme professionnellement. Ce travail de recherche retrace le parcours professionnel et intellectuel de Mauclair, des années modernistes du symbolisme aux années de l'entre-deux-guerres et de l'Occupation, et explique à travers l'histoire des idées comment un auteur internationaliste a placé la question nationale au cœur de son débat et est progressivement devenu un pôle de conservatisme et de réaction. Sa perception d'un art national basé sur le XVIIIe siècle inaugure une histoire de l'art vulgarisatrice et nationaliste. La notion de crise devient pour lui une clé pour la compréhension du système de l'art qui l'entoure. La radicalisation de ses thèses l'amènera à une collaboration déterminante avec l'homme influent de l'extrême-droite François Coty et cette collaboration fera de Mauclair un pamphlétaire de l'art. Au début de la Deuxième Guerre mondiale, le critique adhère à la presse collaborationniste et ses choix réactionnaires et antisémites lui coûteront la postérité
Camille Mauclair (1872-1945) was one of the most prolific and most read authors of his times. He used every opportunity offered to him by the Third Republic and he engaged his talents to many literary genres: fiction, poetry, essays, and critiques. However, he only established himself professionally as an art critic. This thesis traces the professional and intellectual itinerary of Camille Mauclair from his early preoccupation with the modernism of symbolism to his later reactionary period and seeks to explain how an initially internationalist author placed the national idea at the heart of his debate. His perception of national art as starting from the l8th century launches a popularizing and nationalist art history. He furthermore develops the notion of crisis in ail levels and he turns it into a key to the understanding of the system of modern art. The radicalization of his opinions leads to his collaboration with the powerful figure of extreme-right François Coty which will make him a profession al lampoonist. During the Second World War, Mauclair joins the collaborationist press and his reactionary and anti-Semitic opinions will ruin his posthumous fate
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Saint-Martin, Isabelle. "Voir, savoir, croire : textes et tableaux dans les catéchismes en images (1800-1920)." Paris 7, 1998. http://www.theses.fr/1998PA070101.

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Abstract:
Le "catéchisme en images" relève des arts visuels liés au sacré comme du manuel d’instruction chrétienne, tel qu’il s’est répandu dans la mouvance des Réformes, progressant avec les avancées de l’alphabétisation et la culture de l’écrit. En cela, il met en jeu une double économie de la transmission de la foi. Si les premiers catéchismes imprimés, ceux de Luther, du Concile de Trente ou de Canisius, reçurent très tôt des versions illustrées, celles-ci restèrent rares jusqu’au XIXe siècle. La vulgarisation de nouvelles techniques de reproduction comme les évolutions de la pédagogie et l’intérêt accru pour l’"enseignement par les yeux" favorisent alors la parution de séries de planches déclinées selon différents formats et supports (panneaux muraux, albums, vues pour projections lumineuses…) qui traduisent en images la totalité d’un "abrégé de la doctrine chrétienne". L’analyse veut éclairer la définition de ces objets mixtes, constitués de textes et de tableaux, par une approche croisée empruntant à l’histoire de l’image et de ses formes éditoriales comme à celle des pratiques et des sensibilités religieuses, ainsi qu’à l’histoire de l’art ou à la sémiologie, afin de préciser la spécificité d’un corpus bien distinct, dans son iconographie comme dans ses usages, de l’ensemble plus large des catéchismes illustrés ou des images de piété. L’étude, entre autres, de l’exemple du Grand Catéchisme de la Bonne Presse, retenu pour sa longévité (1884-1950) et sa très grande diffusion, y compris dans les missions (Canada, Chine, Inde…), met en évidence le dispositif mnémonique mis en place pour graver le souvenir de la leçon et le "musée imaginaire" de la foi composé par ces estampes. La comparaison avec d’autres albums permet enfin de cerner ce qu’était qu’"apprendre à être chrétien" à l’aide de ces grandes images et révèle les différentes conceptions de la relation de l’homme au monde et à l’au-delà que traduisent des partis pris iconographiques distincts
The catechism taught through pictures is part of both the visual arts being associated with the holy and the catechism manual as it became popular during the protestant and the catholic Reformation alongside advances in alphabetization and in the culture of the written. Thus, it enacted a transmission of the faith in two different ways. If the first printed catechisms of Luther, Canisius and the Concile de Trente were quite early enhanced by illustrations, examples such as these would remain scarce till the 19th century. The popularization of new means of reproduction, such as engraving or lithography, and the changes in pedagogy, in particular the increasing interest in the 'teaching by sight', favoured the production of series of engraved plates in various formats and with various supports (e. G. Wall-hangings, albums, slides for magic lanterns…) which intended to give a summary of the christian doctrine in all its aspects through the picture. This thesis analyses the definition of these 'mixed objects' which combine texts and pictures through an examination that blends art history, history of publishing, religious practice and semiology with the aim of pointing out the caracteristics of a corpus which differs in its uses and its iconography from the ordinary illustrated catechisms or the images of devotion. Amongst others, the study of the 'Grand Catéchisme en images' de la Maison de la Bonne Presse, with its longevity (1884-1950) and its large influence even abroad (in Canada, China and in India…) emphasizes the attempt to engrave the religious lesson and also the imaginary museum of the faith into human memory through pictures. Contrasts and comparisons with other types of albums allows us finally to understand what learning to be a Christian, through these images, was like, and also to distinguish the various conceptions of man’s relationship with society and with the divine which are shown through specific uses of iconography
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Long, Laurent. "Les sept classiques militaires dans la pensée stratégique chinoise contemporaine." Paris, INALCO, 1999. http://www.theses.fr/1999INAL0003.

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Abstract:
Quand le monde chinois prend une place accrue dans les affaires politiques, militaires, économiques et culturelles de la planète, il devient urgent de connaître les principes et les idées qui guideront l'action des pays concernés : Chine populaire, Taiwan, autres pays profondément marqués par la civilisation chinoise. Loin d'avoir disparu avec l'occidentalisation, les références des contemporains à leur tradition martiale, dont les "Sept classiques militaires" sont considérés comme l'essence, demeurent. Après une présentation de la pensée stratégique de la Chine ancienne, l'examen des écrits des dirigeants et chefs de guerre, du programme des écoles militaires, des principes appliqués dans les opérations et l'instruction des troupes serviront de pistes à cette enquête, chez les Nationalistes, puis chez les Communistes. Enfin, l'énorme travail de réédition, de commentaire et de recherche sur les "Classiques" sera analysé dans ses acteurs, ses préoccupations, ses justifications et ses buts. Si les principaux chefs d'Etat et stratèges de notre siècle ont été marqués par les Classiques ou une tradition qui en dérive, s'ils ont été enseignés dans les écoles militaires, si les savants s'y consacrent, certaines limites apparaissent cependant. Les généraux n'ont pas tous subi leur influence, ils n'ont pas été au programme de toutes les académies militaires. Ils ont été négligés pendant une partie de la période Républicaine, et entre 1957 et 1976. La rigueur des méthodes de recherche se ressent de l'immixtion de considérations politiques. Il n'en reste pas moins un grand intérêt des Chinois pour les traités militaires de l'Antiquité en tant que recette pour l'action politique, guerrière ou économique et comme modèle chinois de la guerre constituant des principes généraux d'application variable, mais non une doctrine contraignante
As sinicized Asia secures a more and more important part in the political, military, economic and cultural affairs of the world, it becomes quite necessary to know which philosophy and notions will guide and inspire future endeavours of the P. R. C. , Taiwan and other countries that have been deeply influenced by Chinese culture. China's martial tradition - of which the "Seven Military Classics" may be considered the essence - far from having been brushed aside by westernization, is indeed still referred to by the Chinese of our times. Having expounded the strategic thought of Ancient China, this study will deal with writings of political leaders and generals, including both Nationalists and Communists. Finally, the huge amount of reprints, commentary and research on the "Military classics", of the people involved, of its purpose and aims will be analysed. The most important leaders and strategists of our century may have been influenced by the "Military Classics" or a derivate tradition, they may have been taught in military schools and thoroughly studied by scholars, some limits do however stand out : they have not been "all" generals' nor "all" military academies' reference works ; they have been neglected during the Republic era and between 1957 and 1976 ; Party line and politics tends to interfere with scientific research on this matter. Nevertheless, a keen interest on the part of the Chinese vis-à-vis the military treatises of old cannot be denied. They make up the reference for practical ways and means to serve military, political or business endeavours and a Chinese model of warfare to be taken as broad principles rather than any kind of rigid doctrine
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Henderiks, Valentine. "Catalogue critique de l'oeuvre d'Albrecht Bouts et les pratiques de son atelier." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2009. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/210361.

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Abstract:
La thèse a pour objet d’établir le catalogue critique de l’œuvre d’Albrecht Bouts (1451-55 / 1549). Fils de Dirk Bouts (1410-1420 / 1475), peintre officiel de la ville de Louvain, Albrecht et son frère aîné, Dirk le Jeune (1448 / 1491), héritent de l’atelier de peinture à la mort de leur père. L’œuvre de l’aîné reste très controversée, aucun tableau ne pouvant lui être attribué avec conviction. Il en est autrement du puîné, Albrecht, à qui la paternité du Triptyque de l’Assomption de la Vierge des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique peut être donnée avec beaucoup de vraisemblance. Le corpus de son œuvre, établi, en 1925, par Max J. Friedländer et, en 1938, Wolfgang Schöne, autour de ce retable autographe, comprend un nombre important de peintures. Ce catalogue n’a, toutefois, jamais fait l’objet d’une révision par les historiens de l’art. Seules quelques peintures ont été publiées de manière ponctuelle. Devant l’abondance des tableaux attribués au peintre, il convenait donc de réaliser une étude fondamentale afin de distinguer ses propres créations de celles de ses collaborateurs.

La thèse se compose de cinq chapitres. Le premier établit une biographie complète, sélective et chronologique, se basant sur les sources livrées par les archives de la ville de Louvain. Leur interprétation critique renouvelée et enrichie livre ainsi de nombreux arguments pour mieux définir l’individualité d’Albrecht Bouts et justifier le développement de sa carrière.

Le second chapitre concerne l’étude de l’œuvre d’Albrecht Bouts et débute par un examen approfondi de la seule peinture au caractère autographe reconnu, le Triptyque de l’Assomption de la Vierge. L’examen combiné du style et de la technique d’exécution de cette œuvre de maturité du maître permet de mettre en exergue les influences de Dirk Bouts et d’Hugo van der Goes et de définir la personnalité artistique singulière d’Albrecht Bouts. Suite à cette analyse, le catalogue de son œuvre est reconstitué de façon linéaire, depuis sa genèse jusqu’à son terme. Chacune des peintures qui lui sont attribuées est ensuite étudiée de façon chronologique et détaillée, précédée d’une notice technique préliminaire reprenant les données matérielles et bibliographiques, dans le cinquième chapitre consacré au catalogue raisonné.

La révision du corpus de l’œuvre d’Albrecht Bouts est fondée sur un travail d’attribution reposant à la fois sur l’approche stylistique traditionnelle et sur les résultats fournis par les documents de laboratoire. Une importante documentation photographique et technologique des œuvres, dont certaines inédites, a ainsi été rassemblée et sa confrontation constitue un support essentiel à la démonstration.

Le troisième chapitre propose, à partir des hypothèses émises à propos de la biographie et du catalogue des œuvres d’Albrecht Bouts, une analyse de la production de son atelier, particulièrement intense à partir de la première décennie du XVIe siècle. Dans cette partie, l’objectif n’est pas d’établir un exposé circonstancié et complet de chaque peinture abordée, mais plutôt de rassembler des groupes cohérents d’œuvres, également fondés sur une approche combinée du style et de la technique d’exécution. Un même principe de renvoi aux notices dans le catalogue raisonné est adopté.

Enfin, le quatrième chapitre est consacré à la réalisation en série d’œuvres de dévotion privée dans l’atelier du maître. De nombreuses généralités et quelques études ponctuelles ont préparé le terrain, annonçant l’importance de ce phénomène sans, toutefois, en mesurer l’ampleur. C’est pourquoi, nous lui accorderons une investigation la plus exhaustive tant sur les pratiques en vigueur dans l’atelier, que sur l’iconographique et le contexte socio-économique de la création de prototypes par Albrecht, dans la foulée de l’héritage des modèles paternels.

Ainsi, ce travail permettra de mieux cerner la personnalité d’Albrecht Bouts, de retracer son individualité artistique, mais aussi de réévaluer la participation de son atelier, afin de rétablir chacun de ces éléments à leur juste place au sein de la peinture flamande de la fin du XVe siècle et du début du XVIe siècle

The subject of the thesis is to establish a critical catalogue of Albrecht Bouts’ (1451-55/1549) work. Son of Dirk Bouts (1410-1420/1475), official painter to the city of Leuven, Albrecht and his elder brother, Dirk the Younger (1448-1491), inherited their father’s workshop after his death. The work of the elder son, Dirk the Younger, is still a discussed topic since no painting could be attributed to him with certainty. It is quite different for Albrecht who is the likely author of the Tryptich of the Assumption of the Virgin from the Musées royaux des Beaux-Arts of Belgium. The corpus of his work, established in 1925 by Max J. Friedländer and in 1938 by Wolfgang Schöne based on this autograph altarpiece, includes an important number of paintings. This catalogue has however never been revised by art historians since then. Only some paintings have occasionally been published.

Considering the high number of paintings attributed to the master, there was a need to undertake a deeper study in order to distinguish Albrecht Bouts’ own creations from those of his workshop.

The thesis is divided into five chapters. The first one includes a complete, selective and chronological biography of the master, based on the data found in the archives of the city of Leuven. A newly enriched critical interpretation of these documents has allowed a better definition of Albrecht Bouts’s personality and a clearer understanding of the development of his career.

The second chapter is devoted to the study of the master’s work and starts with an in-depth examination of the Tryptich of the Assumption of the Virgin, the only painting recognized as an autograph work. The combined examination of the style and the technical execution of this altarpiece, painted during the mature period of his career, underlines both the influences of Dirk Bouts and Hugo van der Goes and helps to display his original artistic personality.

From there, the catalogue of his work is re-established, in the last chapter, from the very beginning to the end of his working life. In the last chapter devoted to the catalogue, each painting attributed to the master is carefully studied, on a chronological basis and in details, with an introductive technical note giving material as well as bibliographical information.

The review of the corpus of Albrecht Bouts’ work is based on a traditional stylistic approach and on the results given by laboratory documents. An important photographical and technological documentation of his works – some of them unpublished until now- has been gathered. Their comparison brought forward essential arguments on which our demonstration is based.

The third chapter, which builds on the two first ones, consists of an analysis of Albrecht Bouts’ workshop production, which was particularly active at the beginning of the XVIth century. The purpose was not to study thoroughly each painting but to extract coherent groups of works thanks to the same combined examination of style and technique. Like the master’s autograph work, each painting is subject to a careful study in the critical catalogue.

Finally, the fourth chapter is dedicated to the serial production of private devotional works carried out in the master’s workshop. There were already many general writings and some occasional studies on the subject, but none of them really measured the importance of the mass production. We therefore undertook a deep and thorough research on the workshop practices ,on the iconography and on the social-economical context of the realisation of works by Albrecht following the prototypes created by his father.

The thesis contributes to a better knowledge and understanding of the life, the personality and the work of Albrecht Bouts and re-evaluates the participation of his workshop. This will give to each of these elements its proper place in the Flemish Masters Painting of the end of the XVth and the beginning of the XVIth centuries.


Doctorat en Histoire, art et archéologie
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Ribas, d'Avila Nicia. "Approche semiotique du fait musical bresilien "batucada"." Paris 3, 1987. http://www.theses.fr/1987PA030088.

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Abstract:
La batucada bresilienne constitue le mode d'expression utilise par les executants des instruments de percussion specifiques, les "batuqueiros", qui jouent le rythme samba 2 4. Les acteurs sont ainsi representes : s1 (l'apito), s2 (le repinique), s3 (le surdo), s4 (le contra-surdo), s5 (la caixa), s6 (le tamborim), s7 (l'agogo), s8 (la cuica), s9 (les ganza et chocalho), s10 (le reco-reco), s11 (le pandeiro), s12 (la frigideira). Ils ont des blocs sonores propres a eux-memes, consideres d'apres leur agencement, comme les objets modaux de la "conversation" musicale. On presente : l'existence d'un motif rythmico-sonore, isole dans une serie de signes, qui amene au faire-bouger les gens, ayant la syncope comme "pivot narratif"; l'identification du fait musical; la construction de l'objet semiotique (reconstruction de la batucada); la nature des instruments reperee a travers l'analyse semiotique du rythme (selon notre conception), de l'accentuation, de la hauteur, du timbre, et leur maniere de "parler"; le motif du "balancement"; la competence du camouflage; les effets de sens dans l'isotopie du "balancement"; les pluri-isotopies dans ce fait sonore. Le statut du sujet executant d'une batucada et sa responsabilite dans la mise en discours nous ont permis de verifier le caractere labile des modalites et d'accompagner les "pas" de ce "danseur", sujet executant, qui, en jouant pour faire bouger les gens, se place sur deux niveaux distincts : 1)- vu comme un sujet de droit par rapport a son savoir- faire = jouer; 2)- vu comme un sujet de quete par rapport au savoir-faire- bouger les gens. Si les sons melodiques nous conduisent au niveau de la sensation, des etats d'ame, empechant la comprehension immediate du fait en tant que message, les sons intermediaires (du bruit au quasi-melodique), a contrario, ayant comme point de depart le rythme et les accentuations, nous ont permis de reconstruire le phenomene "batucada"
The brazilian batucada constitutes the mode of expression used by the executants of specific percussion instruments, the "batuqueiros", who play samba rythme (2 4). The actors are thus represented: s1 (apito), s2 (repinique), s3 (surdo), s4 (contra-surdo), s5 (caixa), s6 (tamborim), s7 (agogo), s8 (cuica), s9 (ganza and chocalho), s10 (reco-reco), s11 (pandeiro) and s12 (frigideira). They have their own sound units, considered according to their arrangement, as modal objects of the musical "conversation". We present: the existence of a rythme-sound motive, isolated in a series of signs, which leads to the "making-people-move", having the syncopation as "narrative pivot point"; the identification of the musical phenomena; the construction of the semiotic object (reconstruction of the batucada); the nature of the instruments identified through the semiotic analysis ot the rythme (according to our conception), the accentuation, the pitch, the tone, and their way of "talking"; the "swing" motive; the competence of the camouflage; the meaning effect in the "isotopy" of the "swing"; the "pluriisotopies" in this sound phenomena. The status of the executant subject of a batucada and his responsability in the construction of the "discourse" have allowed us to verify the mobile character of the modalities and to accompany the "steps" of this "dancer", executant subject who, in playing to make people move, places himself on two distinct levels : 1)- seen as subject in his own hight through his "know-now" = to play; 2)- seen as a subject of research through his "know-how" to make people move. If the melodic sounds lead us at the sensation and mood level, preventing the immediate understanding of the message as a phenomena, on the order hand the intermediate sounds (from noix to quasi-melody), having at base the rythme and the accentuations, have allowed us to reconstruct the batucada phenomena
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Giroud-Fliegner, Olivier. "La peinture moderne et contemporaine : propositions pour une esthétique de l'erreur." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040198.

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Abstract:
On se propose dans un premier temps de faire état du contexte philosophique de notre projet. En effet, la peinture de ce siècle fait l'objet de critiques qui ont comme point commun la question de la mort de l'art. C'est là ce qui fait d'une esthétique de l'erreur un questionnement philosophique. Le choix du terme d'erreur est motivé par la nécessité d'envisager la modernité picturale selon des concepts adéquats. On trouve chez Gombrich et chez Nietzsche une dimension perceptive et opératoire de l’erreur qui va dans notre sens. On construit alors le concept sur la base des analyses de Kant sur le temps et la perception. A cette esthétique transcendantale de l'erreur fait suite une dialectique de la liberté en peinture, issue du statut de l'erreur comme fonction d'une perception erronée. La dernière étape de notre démarche met en perspective le fonctionnement de l'erreur. On voit dans l'art "contemporain" et l'esthétique d’Adorno la perte du sens de la modernité en art, à savoir une attitude spécifique vis-à-vis de la perception; cette perte est accentuée par l'orientation postmoderne de l'art, perspective qui ouvre l'esthétique de l'erreur sur la question du sens de la modernité en art
The first part of our problematics explains the philosophical context of an esthetics of error; indeed, most of the pictorial movements of this century has been criticized as a danger of non-sense in painting. The common point of the critics is also the question of death of art, as a danger to overcome by finding a concept able to establish a logic of modernity in art. We find in Gombrich's and Nietzsche’s texts already a statute of error which confirms our purpose, and makes us enable to build a concept of error, in the second part of our purpose. Thus, error is determined by Kant’s analyses of temporality and perception. And we can define error as a function of an almost "false" perception. As a function, error creates a dialectics of liberty in painting. In the last part of our purpose, we analyze Adorno's esthetics as the loss of the sense of error and modernity, as well as the postmodernist orientation of art, which opens our problem on the question of the sense of modernity in art
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Pernot, Laurent. "La rhétorique de l'éloge dans le monde grec à l'époque de la seconde sophistique (fin du 1er - fin du IIIe siècle après J-C. )." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040042.

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Abstract:
La première partie de la thèse marque les étapes du développement de l'éloge, et de sa constitution en genre rhétorique, depuis les premières réalisations de la Grèce classique jusqu'au triomphe de l'éloquence épidictique dans le monde gréco-romain du Haut-Empire. La deuxième partie analyse la technique de l'éloge rhétorique, telle que les théoriciens l'édictent et que les orateurs la mettent en œuvre : plans types, différentes sortes de discours, catégories du style, conditions de prononciation et de publication. Parfois, la troisième partie interroge les enjeux de cette technique. On dresse le bilan des critiques adressées à l'éloge dans l'Antiquité, et l'on étudie les raisons de son succès : quelques missions étaient dévolues aux orateurs épidictiques, quelles fonctions remplissait leur parole et de quels messages elle était porteuse pour les Grecs de l'époque impériale
The first part of the thesis outlines the stages in the development of praise and its constitution as a rhetorical genre, from the earliest achievements of classical Greece until the triumph of epideictic oratory in the Roman Empire. The second part analyses the technique of the rhetorical praise, as it was laid down by rhetoricians and as it was practised by orators, with its model outline, its different types of speeches, its kinds of style, its conditions of pronunciation and publication. Lastly, the third part studies the stakes covered by this technique. It assesses the criticisms formulated against praise in antiquity, and studies the reasons for its success: what were the missions that the epideictic orators undertook, what functions their speeches fulfilled, and what messages they conveyed to the Greeks of the imperial period
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Wiegard, Gunda. "Die Geschichte der Klagefrist des Art. 1648 C. Civ. In der Fassung von 1804 im Vergleich mit der Entwicklung des § 477 Abs. 1 S. 1 BGB in der Fassung von 1900." Lyon 3, 2009. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/out/theses/2009_out_wiegard_g.pdf.

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Abstract:
A Rome, les édictes édilitiens donnaient aux acheteurs d'un esclave ou de bétail entachés d'un vice l'actio redhibitoria et l'actio quanto minoris contre le vendeur. Ces actions étaient limitées dans le temps: En principe, l'actio redhibitoria devait être intentée dans un délai de six mois, la quanti minoris dans un an. Beaucoup de questions autour de ces délais attendent encore une réponse: Quelle est la signification de Gai. D. 21, 1, 28, Ulp. D. 21, 1, 19, 6 et Pap. D. 21, 1, 55 et quelle est la relation entre ces textes? Comment la perception de ces textes a-t-elle changé entre le 2e et 6e siècle quand sous l'empereur Justinien le code et les digestes ont été compilés? Comment le droit byzantin a-t-il transformé ces textes à la suite? La première partie de la thèse essaie d'éclaircir ces points. La deuxième partie développe l'histoire de la prescription de la garantie édilitienne pour vice caché en France, commençant avec les leges (Romanae) barbarorum et se terminant avec un aperçu sur le droit moderne: Quelles prescriptions ont été mentionnées dans les ordonnances royales, les coutumes, les usages et la littérature juridique française? Quel a été le rôle du droit romain en France où les pères du code civil ont préféré le terme bref délai à un terme plus proche du droit romain? Que signifiait bref délai à leurs yeux? La troisième partie résume l'histoire de la prescription édilitienne en Allemagne, commençant avec les leges (Romanae) barbarorum et se terminant avec le droit moderne. § 477 BGB contient quelques éléments du droit édilitien et du droit régional allemand. L'accent de cette partie est sur les différences du développement allemand comparé au droit français
The aedilitian edicts provided in Rome a protection against goods with hidden deficiency. In general, the purchaser of a slave or cattle had six month for introducing the actio redhibitoria and one year for the quanto minoris. Some questions concerning these rules still await an answer: Which is the significance of Gai. D. 21, 1, 28, Ulp. D. 21, 1, 19, 6 and Pap. 21, 1, 55, and what is the relation between these fragments? How did the perception of these texts change between the 2nd century AD and the 6th century AD, when under Justinian the compilation of the code and the digests were accomplished? How did the later Byzantine law transform these prescription rules into national law? The first part of the thesis tries to clarify these points. The second part is dealing with the development in France: Starting with leges (Romanae) barbarorum and ending with modern law, what kind of aedilitian laws are known in French law, i. E. In the royal law, the coutumes and usages, and discussed in French literature? Which was the role of Roman law in France that the fathers of the Code civil in 1804 finally voted for the term bref délai in art. 1648 C. Civ and what is the meaning of bref délai? The third part summarizes the history of the aedilitian laws in Germany, starting with leges (Romanae) barbarorum and ending with modern law. § 477 BGB is closer to the Roman law, but contains some elements from the German regional law. The emphasis of this part lies on the differences in the development in Germany compared with the situation in France
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Delas, Céline. "Des mythologies quotidiennes à la figuration narrative : pour une histoire de la figuration critique, 1964-1977." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010549.

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Abstract:
Cette étude reconstitue I'histoire de la Figuration narrative entre 1964 et 1977, à partir des oeuvres de Gilles AiIIaud, Eduardo Arroyo, Equipo Crónica, Equipo Realidad, Erró, Gerard Fromanger, Jacques Monory, Bernard Rancillac et Peter Saul. Ces deux dates correspondent aux expositions collectives Mythologies quotidiennes, autre appellation sous laquelle, ces artistes se sont réunis. Apres Ie règne sans partage de I'abstraction, ces peintres rebelles ont imposé une nouvelle peinture d'Histoire furieusement engagée dans les affaires politiques et sociales de la cité. Donc, ce travail chronologique a pour ambition de faire taire les poncifs concernant une peinture de propagande, puis de faire apparaître Ie sens caché des choses sous les apparences d'une figuration sans qualité, c'est a dire d'une peinture renouant avec le sens et les engagements qui ont traverse ces deux décennies.
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Hould, Claudette. "La gravure revolutionnaire : diffusion et propagande." Paris, EHESS, 1990. http://www.theses.fr/1990EHES0315.

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Abstract:
Etude de la gravure produite pendant le revolution francaise (1789-1799), ses liens avec les evenements politiques, son utilisation a des fins de propagande pro- ou contre-revolutionnaire: corpus de 6 000 gravures exemplifie par 250 gravures exposees et commentees dans le catalogue de l'exposition l'image de la revolution francaise (edition en anglais sous le titre images of the french revolution), musee du quebec, 1989. Le statut artistique, social et legal des gravures et leur lutte seculaire pour defendre leur statut d'artiste, obtenir la reconnaissance legale de leurs droits et se premunir contre le vol de leur propriete intellectuelle aussi bien que contre la censure. Etude du contenu historique et politique de la gravure, de ses aspects materiels et de sa diffusion. Remise en question de l'authenticite de l'engagement politique des graveurs et mise en situation de leur patriotisme dans un contexte de contrainte politique. L'intervention du gouvernement dans les arts, ramenee au plan des discours, et decrite d'apres les documents officiels (principalement les actes du comite de salut public) a ete compromise en pratique par la realite revolutionnaire
Prints produced during the french revolution (1789-1799), their relation to political events, their utilization as means ofpropaganda for or against the revolution: a corpus of 6 000 prints, illustrated by 250 prints reproduced and commented in the catalogue of the exhibition images of the french revolution (french edition images de la revolution francaise), musee du quebec, 1989. The artistic, social and legal status of printmakers and their century old struggle to defend their artistic status, to obtain the legal recognition of copyright as well as against censorhip. Study of the content - historical and political - of the prints, of their material aspects and their diffusion. Calling into question the authenticity of the political commitment of printmakers and situating their patriotism in a context of political constraint. The intervention of the government in the arts, restricted to public speeches and described in the official documents (mainly in the acts of the committee of public safety) has been compromised in actual practive by the reality of the revolution
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Lefrançois, Louis. "Considérations sur la contribution d'Asger Jorn à la critique de l'autoreference artistique : la peinture détournée." Master's thesis, Université Laval, 1990. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33426.

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Abstract:
Il y eut deux grandes suites de peintures détournées par Asger Jorn, les Modifications de 1959 et les Nouvelles Défigurations de 1962. Dans les deux cas il s'agissait de tableaux quelconques repeints par Jorn à sa manière. Chaque tableau , vivement réinterprété dans sa singularité expressive, était relancé dans la modification de sa valeur même. Ces modifications relevaient tout autant du détournement tel qu'il fut avancé par les situationnistes que d'une critique centrale du caractère limité de l'activité artistique moderne. À la suite d'une esquisse critique de l'antinomie aporétique inhérente à la pratique artistique dite autoréférentielle, l'auteur aborde dans leur particularité signifiante quelques peintures détournées par Jorn. Le détournement est alors considéré comme méthode de propagande et comme procédé expérimental dominé par la dialectique dévalorisation-revalorisation de l'élément détourné dont la perspective réelle est le dépassement de l'art et le mobile le renversement de la société de classes modernes.
Montréal Trigonix inc. 2018
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Di, Lella Francesco. "Il Roman de Brut de Inghilterra. Tradizione manoscritta e tradizioni letterarie." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL015.

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Abstract:
Le Roman de Brut, conservé en trente-trois manuscrits, dont dix-sept complets, est une œuvre d'importance capitale pour l'histoire de la littérature en ancien français. La thèse, faisant abstraction de la fortune du texte dans les ouvrages romanesques, se concentre sur le rôle de l'œuvre de Wace dans l'évolution de l'historiographie insulaire en langue française et dans la manière de concevoir l’histoire de la période bretonne en Angleterre, introduite ex nihilo, seulement peu d'années auparavant, par l’Historia regum Britanniae de Geoffroy de Monmouth. En particulier, la thèse vise à mettre en évidence les conséquences de ce processus sur la tradition manuscrite du texte en analysant certains choix d'organisation des codices, certaines variantes et des rédactions partiellement différentes. Cependant, l'œuvre de Wace n'est pas isolée, mais se situe au cœur d'un vaste ensemble de traductions et de réécritures de la chronique de Geoffroy, composées entre le XIIe et le XIVe siècles, qui relèvent de ce même processus. La tradition manuscrite du Roman de Brut s’inscrit alors dans un réseau complexe de traditions littéraires dérivées de l'Historia regum Britanniae, tout en exerçant à son tour une influence sur ce même réseau. À partir d'une analyse des manuscrits du Brut à la fois codicologique, stylistique-littéraire et ecdotique et d'une réflexion d'ensemble concernant les chroniques anglo-normandes consacrées aux rois bretons d'Angleterre, la thèse montre les différents visages de la matière bretonne au sein de cette vaste production et l’affirmation de celle-ci comme "temps des origines" dans l'histoire d'Angleterre
The Roman de Brut, transmitted by thirty-three manuscripts – seventeen of which are complete – constitutes a fundamental text in Old French literary history. Setting aside the work’s fortune in the sphere of romance, this thesis concentrates instead on Wace’s role in regard to the evolution of French insular historiography and the modes of perception of the Breton era, a subject had been introduced ex nihilo only a few years prior by Geoffrey of Monmouth in his Historia Regum Britanniae. Specifically,the thesis aims to illustrate the consequences of such a process on the text’s manuscript tradition, by analysing certain choices pertaining to the organization of the codices by their scribes, specific variants, and other global re-adaptations. However, Wace’s oeuvre should not be considered as an isolated entity, but should rather be placed in the context of the vast complex of re-adaptations of Geoffrey’s chronicle that appear during the 12th to 14th centuries, and that should be understood as the expression of the same process. Thus, the manuscript tradition of the Roman de Brut evolves together with the convoluted knot of literary traditions that develop from the Historia Regum Britanniae: these do not only influence Wace’s text in its manuscripts, but are themselves shaped by it in turn. Starting from a codicological, stylistic, and ecdotic analysis of the Brut manuscripts, along with a comprehensive reflection on the entirety of Anglo-Norman chronicles on the subject of the Breton era, this thesis illustrates the various faces that the Breton matter has assumed within this production, and its journey towards affirming itself as the origin myth of England’s history
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Loire, Fouache Cécile. "L' art du quotidien dans les romans de Carol Shields : 1935-2003." Rouen, 2006. http://www.theses.fr/2006ROUEL544.

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Abstract:
L'univers des romans de Carol Shields trouve son ancrage dans la réalité nord-américaine de la fin du XXe siècle. Après en avoir analysé la teneur et son mode de représentation dans la fiction, ce travail s'appuie sur les manuscrits dont l'auteur a fait don aux Archives Nationales du Canada et sur ses dix romans publiés pour étudier le processus de création artistique à l'œuvre et les procédés utolisés pour élaborer une poetique du quotidien par laquelle elleappréhende la vie quotidienne d'hommes et de femmes ordinaires pour en révéler l'extraordinaire et la transmuer en œuvre d'art dans la fiction, opérant une déquotidianisation du quotidien qui fait surgir l'étrange(r) dans le familier, en subvertissant les genres traditionnels, notamment la biographie et l'autobiographie. Cette approche originale du quotidien s'inscrit dans le cadre des grands courants littéraires et théoriques, féminisme, réalisme, postmodernisme, vis à vis desquels Shields conserve une distance raisonnée
The world of Carol Shield's novels is rooted in the North-American reality of the end of the 20th century. After analyzing its nature and its mode of representation in fiction, this study relies on the manuscripts the author gave away to the National Archives of Canada and on the ten published novels to study the process of artistic creation at work and the devices used to build up a poetics of the quotidian through which she approaches the everyday life of ordinary men and women in order to conjure up the extraordinary that lies within the ordinary and to transmute it into a work of art in fiction, thus dequotidianizing the quotidian and highlighting the strange within the familiar, all the while subverting traditional genres such as biography and autobiography. This original approach of everydayness and the everyday finds its place in the context of the largerliterary and theoretical trends such as feminism, realism, postmodernism, towards which Shields remains safely distant
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Michelet, Jacquod Valérie. "Le roman symboliste : un art de l'"extrême conscience" (Edouard Dujardin, André Gide, Rémy de Gourmont, Marcel Schwob)." Caen, 2006. http://www.theses.fr/2006CAEN1472.

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Entre 1887 et 1895 paraît une série de romans qui relèvent de l’esthétique symboliste. Or, alors comme aujourd’hui, la critique minimise, voire rejette, le concept de roman symboliste. Sans soute est-il un objet paradoxal puisque, roman, il demeure tributaire du monde réaliste, alors que, symboliste, il rejette le récit au nom d’une immédiateté et d’une pureté de langage. Confronté à cette impasse théorique, comment le roman symboliste peut-il inscrire son originalité dans l’histoire littéraire ? C’est à quoi tente de répondre cette étude en proposant, dans le prolongement des différents regards portés sur le roman symboliste, un éclairage particulier du phénomène. A côté des tentatives de synthèse entre roman et poésie (Rodenbach, Poitevin ou Retté) E. Dujardin, A. Gide, R. De Gourmont et M. Schwob choisissent de faire œuvre des contradictions qui les habitent, et fondent un roman du roman qui relève le défi d’exploiter les obstacles théoriques au lieu de les éliminer, en les transformant en sujet littéraire, principalement par la mise en scène d’un écrivain symboliste au travail. Ce faisant, ces romans illustrent l’une des attitudes les plus représentatives du symbolisme : celle de « l’extrème conscience ». De Dujardin à Gide, ce sont donc les fondements de l’esthétique symboliste, et plus spécifiquement l’idéalisme, l’autonomie du langage, sa capacité à exprimer la pensée immédiate et l’élection d’une morale esthétique, qui se trouvent discutés et en partie remis en cause dans ces romans autocritiques. Ainsi, paradoxe ultime pour un roman qui n’a cessé de penser ces limites, le roman symboliste de l’extrème conscience se révèle un maillon capital, pour le dépassement du genre par lui-même
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Colson, Bruno. "Le général Rogniat : premier ingénieur de la Grande Armée et critique militaire." Paris, EPHE, 2006. http://www.theses.fr/2006EPHE4078.

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Abstract:
Le général Jospeh Rogniat (1776-1840) commandait en chef le génie de la Grande Armée en 1813 et publia en 1816 des considérations sur l'art de la guerre, où il émettait certaines critiques à l'égard de Napoléon. A Sainte-Hélène, celui-ci lut l'ouvrage et le prit de très haut, dictant des commentaires qui furent publiés en 1823. Choqué, Rogniat y répondit à son tour. Cet échange de vues contradictoires a été tout à fait singulier. Son étude et celle des réactions suscitées à l'époque conduisent à une réévaluation de la pensée militaire française du début du 19e siècle. D'autre part, la brillante carrière de Rogniat permet de mieux connaître la participation des officiers et des troupes du génie aux opérations militaires de la révolution et de l'Empire. Rogniat était le fils d'un notaire qui fut réputé à l'assemblée législative et qui incarna les nouvelles élites bourgeoises. Le général Rogniat se rallia à la Restauration et devint pair de France en 1831. Les principales sources d'archives utilisées sont celles du service historique de l'armée de terre (Vincennes), les archives nationales et des papiers de famille
General Joseph Rogniat (1776-1840) was chief engineer of the Grande Armée in 1813. In 1816, he wrote a book on the art of war, in which he praised but also critized Napoleon. On the island of Saint-Helena, the emperor read the book, denigrated it and dictated harsh commentaries which were published in 1823. Rogniat was shocked and wrote a angry response. This contradictory exchange of ideas was quite unique. Its analysis and the reactions it produced lead to a re-evaluation of french military thought at the beginning of the 19th century. General Rogniat's brilliant career also provides a better insight into the role of the french engineer corps during the napoleonic wars. Rogniat was the son of a notary who was a member of the legislative assemby and personified the new bourgeois elite. General Rogniat served the Bourbon restauration and became a pear of France in 1831. Most of the archival sources used in this work come from the french military archives in Vincennes, the national archives in Paris and private papers
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