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Dissertations / Theses on the topic 'Art brut'
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Peiry, Lucienne Frank James. "Art brut : the origins of outsider art /." Paris : Flammarion, 2001. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39042381k.
Full textAbstract:
Texte remanié de: Thèse universitaire--Lausanne, 1996. Titre de soutenance : De la clandestinité à la consécration, histoire de la collection de l'Art brut, 1945-1996.<br>Bibliogr. p. 303-313. Notes bibliogr. Index.
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Magliozzi, Marielle. "Art brut, architectures marginales : un art du bricolage /." Paris [u.a.] : Harmattan [u.a.], 2008. http://swbplus.bsz-bw.de/bsz285369385inh.htm.
Full text
3
Arous, Jamila. "L'esthétique du caché : à propos de l'art brut." Paris 1, 1987. http://www.theses.fr/1987PA010551.
Full textAbstract:
L'idée essentielle est celle-ci : la possibilité de créer existe. Encore, faut-il que l'œil et la main soient conditionnés par une alimentation "culturelle ou inculturelle" pour trouver matière à expression. À cet effet, l'exemple de quelques œuvres de la collection de l'art brut de Lausanne - émanant de personnes étrangères au domaine artistique - était sollicité pour dévoiler certaines vérités. Et s'il faut découvrir un sens à l'œuvre, ce ne peut être que du caché, de l'obscur, enfoui dans le manifeste, tout comme un plat cuisine qui ne diffuse réellement son parfum qu'une fois entamé. D'où la correspondance entre l'art culinaire et l'art plastique. À décortiquer l'œuvre - dotée d'un corps - qui appelle une sensibilité esthétique, nous nous sommes rendu compte que l'auteur se métamorphose en matière volante, tissée de chimère. Certes, l'œuvre fantasmatique gonfle le réel et fortifie l'être de l'auteur. Aussi, on peut dire qu'il y a dans l'art une exigence qui ne relève pas de la vérité. Cependant, l'œuvre doit sa genèse a la "cuisine-technique", au retour aux sources de son auteur. Déterminé, ce dernier crée pour calmer sa faim. Nous ne pouvons perdre de vue le fait que le phénomène osmose qui apparait lors de l'analyse de l'œuvre dévoile les lignes de forces de notre sensibilité. Ainsi, nous ne parlons plus du caché, de l'enfoui de l'œuvre, de son auteur, mais du notre, de ce qui est ancre en nous. La réflexion sur l'art brut nous renvoie à celle de l'art enseigné
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Nahum-Adamsbaum, Edith. "L'art brut et les femmes." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010624.
Full textAbstract:
Le propos de cette thèse est d'examiner si, et dans quelle mesure, les oeuvres d'art brut realisées par des femmes se différencient de leurs homologues réalisées par des hommes. Auparavant, nous précisons la notion d'art brut, notamment en l'opposant à des formes d'art voisines avec lesquelles on a pu ici et là le confondre (art primitif, art naif, art enfantin, art populaire). Nous portons ensuite notre attention sur les formes d'expression qui font ou ne font pas apparaitre une différence de traitement des mêmes sujets par les femmes d'une part, les hommes d'autre part. L'art brut ne se prête guère aux approches classiques en matière d'histoire de l'art. C'est pourquoi nous avons privilégié pour la plupart des artistes l'approche iconographique par rapport à une approche formelle ou toute autre qui aurait pu être envisagée. Nous avons rassemblé dans une base de données les éléments essentiels concernant les artistes d'art brut. Cette base de données contient différentes natures de renseignements : artistes, sources d'information, thèmes et techniques traités dans les oeuvres. Sur 246 artistes d'art brut, hommes et femmes, nous comptons 87 femmes et 159 hommes soit environ 35% de femmes. Nous avons ainsi esquissé une sorte de statistique, de profil collectif des oeuvres féminines comparées aux oeuvres masculines. Le but recherche était de recenser les oeuvres d'artistes masculins dont les thèmes ou les techniques se rapprochent des thèmes et techniques des oeuvres feminines ou, au contraire, s'en distinguent nettement. Notre analyse comporte douze thèmes et techniques. Nous avons ainsi tenté de dégager des caractéristiques qui seraient propres à l'art brut féminin et de répondre à la question : hommes et femmes se comportent-ils pareillement devant le concept d'art brut et, si leurs approches sont différentes, comment ces différences se manifestent-elles ?
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Arous, Jamila. "L'Esthétique du caché à propos de l'art brut /." Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37602412z.
Full text
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Chassagneux, Yvon. "De l'art brut à l'art singulier, genèse et analyse d'un paradoxe social et artistique." Thesis, Saint-Etienne, 2011. http://www.theses.fr/2011STET2151.
Full textAbstract:
« Quel est le point commun entre un fou, un poète, un artiste, un curé, une personne handicapée mentale et un facteur? L'Art Brut bien sûr». L’Art Brut (les anglophones préfèrent la notion d' Outsider Art) et sa déclinaison actuelle, l'Art Singulier apparaissent comme un sujet qui dépasse largement le cadre artistique et l'invention de Jean Dubuffet en 1945, pour s'étendre au domaine de la psychologie et de la sociologie, en « touchant » la société toute entière. Ce phénomène social et artistique, dans sa diversité, ses manifestations et ses paradoxes, interroge tout autant la sociologie, que l'histoire de l'art. Le regain d'intérêt actuel pour cette forme d'expression singulière, liée à une morale et à une certaine vision del'existence, nous interroge sur des questions essentielles de la vie sociale. A partir d'une enquête et d'entretiens avec des artistes contemporains, nous avons voulu interroger la filiation, artistique et sociologique, entre les pionniers del'Art Brut et les créateurs, qui se réclament aujourd'hui de l'Art Singulier; comprendre le sens de la multiplication des expositions et des manifestations qui sont consacrées à une forme artistique qui semble aujourd'hui cristalliser unecontestation de l'art contemporain officiel et un engagement social spécifique des artistes, dans leur mode de vie et leur rapport au travail. A travers l'étude des thèmes et de l'esthétique particulière à cet« art populaire contemporain», nous avons aussi voulu comprendre quelle vision du monde voulaient nous faire partager ces artistes atypiques et en quoi leurs œuvres étaient révélatrices d'une morale, mais aussi constitutives d'un courant et d'un style<br>"What do a lunatic, a poet, an artist, a priest, a mentally retarded person and a postman have in common? "Outsider Art, of course" Outsider art (as it is referred to by English speakers) and its current approach Known as Singular Art (Art Singulier) appear like a subject that goes way beyond the artistic scope and the invention by Jean Dubuffet in 1945, to extend to the field of psychology and sociology, thus encompassing "society at large». This artistic and social phenomenon, through its diversity, its various expressions and paradoxes, raises questions in sociology as well as in the history of Art. The current renewed interest for that furur of uncommon artistic expression, linked to ethics and a certain vision of existence, makes us ponder over the essential issues of social life. Through a survey and several interviews with contemporary artists, we have sociological relation between the pioneers of " Art Brut " and today's artists who claim to belong to " Art Singulier"; we have also tried to understand the meaning of the many exhibitions as well as multifarious .events dedicated to a forum of Art which seems, today, to embody a certain anti-official contemporary trend as well as a specific social commitment from the artists, in their way of life as well as in the relation they have with their own work. By studying the themes and aesthetics of that "contemporary popular art" we have endeavoured to understand what vision of world those atypical artists wanted to share with us and to what extent their works revealed an ethnics and also actually built up an artistic movement and a style
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Prosvetina, Elena. "« Nous aussi sommes créateurs » : Variations russes sur quelques « autres » de l'art (Xxe-XXIe siècles)." Paris, EPHE, 2012. http://www.theses.fr/2012EPHE5016.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour point de départ une enquête ethnographique dans divers espaces culturels entre Moscou et Saint-Péterbourg, pour identifier des figures singulières de créateurs. A la tentative, finalement vouée à l'échec, de transférer à Moscou une institution de collection et d'exposition d' « art brut », à la manière de Jean Dubuffet, s'oppose le mouvement inverse de réhabilitation sociale. En reconstruisant les parcours des acteurs de ces diverses formes de réparation, ce sont des trajectoires biographiques de la dernière génération soviétique, se réclamant de la figure de l'artiste « non conformiste », qui sont mises au jour. Les questionnements, sur l'origine de l'art à travers la catégorie d' « art des fous », sont, dans la Russie des années 1920, pris en charge par l’Académie des Sciences artistiques où on étudiait les conditions psychologiques et sociales de l'activité créatrice. Cette remontée au temps des « utopies radieuses » est nécessaire pour comprendre les transferts culturels du présent et les enjeux qui président aujourd'hui, entre Paris et Moscou, à l'identification de créateurs singuliers<br>This research has begun as an ethnographic study in various cultural spaces that seek to identify, between Moscow and St. Petersburg, some singular figures of creators. To the unsuccessful attempt to transfer in Moscow an institution of collection and exhibition of "art brut" in accord to Dubuffet ideas, an opposite trend of social movement that intended to achieve results “by the means of art”. The study is reconstructing the careers of actors involved in various forms of compensation, and the biographical trajectories of the last Soviet generation by the image of the “non-conformist” artist. This ethnography, had leed to revitalizing the memory of the great expectations that were placed on the art in the early years of the Soviet revolution to bring up a new man. Western European approaches towards identification of the origins of art were supported in Russia in the 1920s by a new Academy of the Artistic Sciences where the creative activity was studied. This rise in the time of "radiant utopias" has been necessary to understand the cultural transfers and to a better understanding of the issues related to identities of the strange creators that preside today between Paris and Moscow
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Verley, Timothée. "Genèse et structure du marché de l’art brut." Thesis, Lille 1, 2020. http://www.theses.fr/2020LIL1A001.
Full textAbstract:
L’art brut est une catégorie d’œuvres d’art aujourd’hui installée dans le paysage artistique. Les œuvres sont exposées dans des musées, elles s’échangent en galeries et en ventes aux enchères, de nombreuses publications leur sont consacrées, elles suscitent l’admiration de certains spectateurs et l’intérêt de collectionneurs. Pourtant, pendant longtemps, les objets réunis sous cette catégorie n’étaient pas considérés comme de l’art et la catégorie « art brut » n’existait pas. Par conséquent, aucun marché ne lui était dédié, aucune galerie ne commercialisait d’art brut et aucun musée n’exposait ou n’était consacré à ces œuvres. Partant de ce constat, la thèse porte sur un double objet : elle étudie la formation progressive d’un marché consacré à cette catégorie d’œuvres d’art, d’une part, et s’intéresse à la structure de ce marché, d’autre part. Pour reconstruire les conditions d’émergence de l’art brut et le processus de construction de la catégorie (définition, formation de la première collection, promotion des œuvres et de la catégorie dans l’espace artistique), la thèse propose d’abord une histoire de « seconde main » fondée sur des travaux d’économie institutionnaliste, de sociologie, d’histoire de l’art et d’histoire sociale de l’art. L’analyse de la construction du marché et de sa structure articule ces travaux à une enquête de terrain déclinée en deux volets. Le premier volet est constitué d’entretiens et d’observations : 40 entretiens semi-directifs ont été réalisés avec des acteurs du marché ou, plus largement, de l’espace social qui s’est construit autour de l’art brut (galeristes, conservateurs ou conservatrices, artistes, collectionneurs, directrice de foire). Des observations lors de foires, de ventes aux enchères, de vernissages et d’expositions sont également venues appuyer notre travail. Le deuxième volet de notre enquête repose sur la construction et l’exploitation statistique d’une base de données recensant les résultats en ventes aux enchères d’oeuvres catégorisées « art brut » entre 1985 et 2016. Notre travail montre que le marché de l’art brut se forme véritablement dans les années 1980 et 1990, à mesure que les relations de concurrence et d’échange nouées autour de la catégorie se stabilisent parce qu’elles s’insèrent dans des institutions qui les rendent pérennes. L’analyse des ventes aux enchères met en évidence que le marché de l’art brut se développe dans les décennies suivantes, et devient un segment dominé du marché de l’art au sens où il est de taille restreinte et que les œuvres d’art brut les plus valorisées s’échangent à des prix très inférieurs aux œuvres les plus valorisées sur le marché de l’art. Le marché secondaire de l’art brut est par ailleurs structuré d’une manière identique au marché de l’art. Ces marchés partagent en effet une structure des prix similaire, une même domination des artistes masculins et des phénomènes identiques de concentration du marché sur quelques artistes et en quelques lieux. La thèse montre enfin qu’un espace des galeries commercialisant de l’art brut s’est construit en France. Cet espace est appréhendé avec le concept de « champ », ce qui nous permet de montrer qu’il est structuré par une double opposition : la première entre les « petites » et les « grandes » galeries, la deuxième entre les galeries principalement insérées sur le marché de l’art brut et les galeries qui s’insèrent davantage sur d’autres segments du marché de l’art, en particulier celui de l’art contemporain<br>Nowadays, art brut is an artwork category that is set up in the artistic landscape. It is exhibited in museums, exchanged in galleries and auctions, interpreted in many publications, it is also the object of admiration by spectators and collectors. Yet, for a long time, objects in this category were not considered as art and the category "art brut" did not exist. Therefore, there was no market was dedicated to it, no gallery showed art brut and no museum exhibited or was devoted to these works. Starting with this observation, the thesis deals with a twofold object: it studies, on one hand, the gradual emergence of a market dedicated to this category of works; and it is concerned, on the other hand, with the contemporary structure of this market. To reconstruct the conditions of possibility of the appearance of art brut and the process of construction of that category, we relied on the literature in economy, sociology, art history and social history of art. The analysis of the market’s construction and its structure is based on a field research divided into two parts. The first part consists of interviews: 40 semi-structured interviews were conducted with market players or, more broadly, members of the social space that was built around art brut (gallery owners, curators, artists, collectors, art fair director). The second part of our inquiry is based on the construction and statistical exploitation of a database of auction results for works categorised as "art brut" between 1985 and 2016. Our work shows that the art market is really forming in the 1980’s and 1990’s, as the competition and exchange relations around the category stabilise. This is made possible by the embedding of these relations in a set of institutions. The auction analysis highlights that the market for art brut is growing in the following decades, becoming a dominated segment of the art market. It is dominated because of its small size and because the most valued works of art brut are traded at prices much lower than the most valued works on the art market. In addition, the secondary market for art brut is structured in the same way as the art market. Indeed, these markets share a similar price structure, the same domination of male artists and identical phenomena of concentration of the market on some artists and in some places. The thesis shows finally that there is a “field” of galleries selling art brut in France. This field is structured by a double opposition: the first between the “big” galleries and the “small” galleries, the second between the galleries mainly inserted on the art brut market and the galleries which are more tied to other segments of the art market, especially that of contemporary art
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Couette, Déborah. "L'Aracine, de l'association au musée : histoire d'une collection d'art brut (1982-2010)." Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H043.
Full textAbstract:
L’Aracine est une association loi de 1901 créée en 1982 à l’initiative de Madeleine Lommel en collaboration avec Michel Nedjar et Claire Teller dans le but de rassembler, de conserver et d’exposer une collection d’art brut publique en France. Conçue comme un hommage aux recherches de l’artiste Jean Dubuffet, cette collection – offerte en 1999 au musée d’Art moderne de Villeneuve-d’Ascq – constitue un rare essai de légitimation et de patrimonialisation de l’art brut. Cette thèse, histoire d’une association, d’une collecte et d’une collection, propose de revenir aux origines et aux développements de l’association L’Aracine, en mettant en lumière le rôle joué par des non-professionnels de l’art dans la constitution d’un patrimoine du XXe siècle<br>L’Aracine is a non-profit association founded in 1982 by Madeleine Lommel with Michel Nedjar and Claire Teller, to collect, preserve and exhibit a public collection of art brut in France. Conceived in tribute to the research of artist Jean Dubuffet, the collection – which was given to the Modern Art Museum of Villeneuve-d’Ascq in 1999 ― is a rare attempt to establish art brut’s legitimization and legacy. This PhD – story of an association, a collection process and a collection – reconsiders the origin and development of the L’Aracine project and casts a light on the amateurs whose role was to establish this 20th century patrimony
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Delavaux, Céline. "Dubuffet et l'art brut : les enjeux d' un discours." Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA082484.
Full textAbstract:
La définition de l'art brut — expression inventée par Jean Dubuffet en 1945 — fait d'emblée problème dans les discours contemporains sur l'art. Parfois strictement utilisé pour désigner la collection d'œuvres d'autodidactes marginaux constituée par le peintre, le terme est de plus en plus souvent interprété dans le sens d'un label visant à qualifier diverses formes artistiques singulières. Or, l'analyse des écrits de Dubuffet démontre que ce terme dépasse la simple désignation d'objets et engendre une pensée spécifique de l'artisticité. Sur un mode anthropologique, en dehors de l'esthétique, l'art brut fait travailler ensemble les notions d'art, de folie et de culture. Une éthique de l'art s'élabore, concernant toutes les pratiques, qui pose la question fondamentale du rapport de l'art et du langage. La conceptualisation de l'art brut génère une activité critique — le Brut — qui favorise une interrogation réciproque de l'artistique et du linguistique<br>The definition of art brut (raw art) — a phrase invented by Jean Dubuffet in 1945 — poses problems straight away in contemporary discourses on art. Sometimes used in a strict sense to refer to the set of self-taught outsiders' works collected by the painter, the term is increasingly misinterpreted as a label covering several singular artistic forms. However, the analysis of Dubuffet's writings demonstrates that the term goes beyond simply a designation of concrete objects and generates a specific thinking about the question of art. On an anthropological level, forgetting the aesthetics, art brut brings together the notions of art, madness and culture. An ethic of art is elaborated, which concerns all the disciplines and questions the relation between art and language. Conceptualization of art brut involves a critical activity — the Brut — which implies a reciprocal questioning of the artistic and linguistic fields
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Peiry, Lucienne. "De la clandestinité à la consécration : histoire de la Collection de l'art brut, 1945-1996 : thèse présentée à la Faculté des lettres de l'Université de Lausanne pour obtenir le grade de Docteur ès lettres /." Lausanne : [S.n.], 1996. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb375455923.
Full text
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Bazin, Quentin. "Perplexités, Institutions, Créativités : De l’art brut au laboratoire itinérant." Thesis, Lyon, 2019. http://www.theses.fr/2019LYSE3046.
Full textAbstract:
En indiquant l’importance de travailler à soigner la culture qui est malade, en affirmant que ce quiimporte se passe dans les interstices de la société, l’art brut n’est pas pour autant dénué deréflexes normatifs et identitaires. Comment prendre la mesure de la nouveauté impliquée par l’a rtbrut sans servir ses contradictions ? Comment raconter l’art brut, que l’on tient pour capable devivifier nos créativités, sans reconduire des dominations portées sur les altérités qui président àses oeuvres ?Ce travail cherche à appréhender la notion d’art brut en considérant que ses productions, sesdiscours et ses effets témoignent d’une nouvelle conception de la créativité, qui nourrit lecommun par le détour de ce qui est hors du commun. Le premier mouvement prospecte descomposantes signifiantes de l’art brut (les fantasmes portés sur l’altérité, la primitivité, l’intensit é ,la singularité, mais aussi les pouvoirs de mutation et de conflit des productions brutes), ainsi quedes registres de discours tenus sur ses productions. Le mouvement suivant descend le long del’imaginaire conceptuel brut pour approcher une métaphysique de la créativité. Celle-ci articule lescomposantes de l’art brut et redessine le rapport aux subjectivités, aux expériences esthétiques etaux institutions (ce terme renvoyant aux établissements, mais aussi au langage, aux significationset aux comportements institués). Le dernier mouvement remonte des concepts vers uneproposition de pratiques organisées, prenant place dans une politique culturelle attentive auxrapports aux institutions, aux créativités mineures et aux inégalités dans les légitimités à créer. Cespratiques s’organisent autour d’un projet de laboratoire itinérant en Auvergne-Rhône-Alpes, dontles fonctions sont la transmission de nouvelles de la biodiversité culturelle locale, l’animationd’ateliers et de chantiers collectifs dans l’espace public et en institutions, ainsi que la recherche surles créativités populaires et leurs potentiels de transformation sociale<br>By pointing out the importance of working to heal the culture that is sick, by saying that what matters is happening in the interstices of society, art brut is not without normative and identity reflexes. How can we measure of the novelty implied by the art brut without serving its contradictions ? How to tell the art brut, which we consider capable of invigorating our creativities, without renewing the domination of the othernesses which preside over his works ?This survey seeks to understand the notion of art brut by considering that its productions, its speeches and its effects reflect a new conception of creativity, which feeds the common through what is out of the ordinary. The first movement explore the significant components of art brut (phantasies about otherness, primitivity, intensity, singularity, but also the powers of mutation and conflict of raw productions), as well as registers of speeches about his productions. The next movement descends along the raw conceptual imaginary to approach a metaphysics of creativity. It articulates the components of art brut and redesigns the relationship to subjectivities, aesthetic experiences and institutions (this term referring to establishments, but also language, instituted meanings and behaviors). The last movement goes back from concepts to a proposal of organized practices, taking place in a cultural policy attentive to relations with institutions, minor creativities and inequalities in the legitimacy to create. These practices are organized around a mobile laboratory project in Auvergne-Rhône-Alpes, whose functions are the transmission of news about local cultural biodiversity, the animation of workshops and collective projects in the public spaces and in institutions, as well as research on popular creativity and their potential for social transformation
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Shelley, Roger James. "‘SELBY WARREN: AUSTRALIAN BUSH ARTIST AND TRIBE OF ONE’." Thesis, The University of Sydney, 2017. http://hdl.handle.net/2123/16844.
Full textAbstract:
In this thesis I have looked at the life and works of the Australian self-taught artist, Selby Warren, who was born in 1887 and spent his whole life in rural New South Wales near the small, inland city of Bathurst. Warren was typical of many self-taught artists in that he was completely untrained in art, unaware of the artworld and, having worked as a labourer, only began painting in earnest after semi-retiring at the age of seventy-six. Almost a decade later he was discovered by an art lecturer who introduced him to a city dealer and gallery owner and his work was exhibited in commercial galleries in Sydney, Melbourne and Brisbane. During this brief (three year) period he was reasonably well known in art circles but this soon ended and he spent the remaining years of his life in his home town of Trunkey Creek. He died in 1979 aged 91. Warren exemplified the experiences shared by many self-taught artists both in Australia and overseas. I consider the events involved in the growth of interest in self-taught art and the ensuing influences it (and related phenomena like primitivism and primitive art) had on approaches to modern art movements from the turn of the twentieth-century until about 1980 in Europe, America and Australia. George Melly’s idea of the ‘tribe of one’ 1 and how it relates to artists like Warren and his ilk is explored. An analysis of Warren’s paintings and those of his Australian, European and American contemporaries is provided in a response to the view that it is the sometimes unusual lives rather than the output of self-taught artists that is too often used in the discussion of a unique, but not uncommon, art form.
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Brun, Baptiste. "De l’homme du commun à l’art brut : « mise au pire » du primitivisme dans l’œuvre de Jean Dubuffet : Jean Dubuffet et le paradigme primitiviste dans l'immédiat après-guerre (1944-1951)." Thesis, Paris 10, 2013. http://www.theses.fr/2013PA100084.
Full textAbstract:
L’œuvre de Jean Dubuffet dans l'immédiat après-guerre est le moment paradoxal d'un refus radical du peintre de toute critique primitiviste à l'endroit de son œuvre. Or d'un point de vue formel, il pousse à l'excès des moyens jugés alors comme caractéristiques de l'art primitif et d'un point de vue conceptuel, il se réclame d'une forme d'animisme qui trahit une conception agissante de la matière. Enfin, il emprunte largement aux procédures propres à la science ethnographique alors en plein développement dans le cadre des prospections relevant de ce qu'il nomme, à l'été 1945, l'Art Brut. Afin de dépasser ce paradoxe, en considérant tour à tour sa pratique picturale, les écrits qui relaient sa pensée et son travail autour de l'Art Brut, nous montrons comment Dubuffet, en procédant à un déplacement systématique d'un regard a priori primitiviste, engage à une critique systématique de ce dernier.L'Art Brut, envisagé comme un opérateur critique dérivant de l'informe bataillien, se constitue alors comme le levier d'une remise en cause des manières consensuelles de penser l'art. Il lui permet de dépasser l'esthétique pour ouvrir le champ d'une interrogation proprement anthropologique de ce qu'il nomme l'opération artistique<br>Immediately following the conclusion of the Second World War, Jean Dubuffet categorically refused the qualification of his work as part of Primitivism. But Paradoxically, the means by which this painter expressed himself were none other than those identified in so-called primitive art, and he often claimed himself as an animist what in a way betrayed an active conception of matter. Furthermore, Dubuffet drew from ethnographic research processes to finetune his method which would be baptized as Art Brut in the summer of 1945. In order to move beyond this paradox, and by using Dubuffet's paintings, writings and other work, this paper will demonstrate how Art Brut shifted the original perception of primitive art, and in thus doing so, became its unconditional critic. Art Brut, which was considered to be a means of critique as a derivative of George Bataille's « informe », emerged as a concept leading to think art differently. Esthetics could finally be pushed aside to make way for an anthropological interrogation of what the painter named the « artistic operation »
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Couet, Lydia. "Soigner la folie et collectionner 'l'art des fous' : l'art asilaire au XIXème siècle : archéologie de l'art brut." Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2019. http://www.theses.fr/2019UBFCH030.
Full textAbstract:
Ce travail s'intéresse aux artefacts réalisés en milieu asilaire au XIXe siècle et début XXe : de leur apparition au sein de collections et publications à caractère majoritairement scientifique jusqu'aux premières expositions dans les galeries d'art à partir des années vingt. Nous tenterons de montrer comment, grâce à l'initiative de quelques grandes figures de la médecine, de la littérature et de l'art, ces réalisations ont pu sortir des murs de l'asile et dépasser leur statut d'objet médical pour commencer à investir la scène artistique<br>Treating madness and collecting the "art of the insane". Asylum art during the nineteenth century : an archeology of Art Brut.This work is about artifacts made by patients in asylums during the XIXth and the beginning of the XXth century: from their entrance into scientific collections and publications, until the first exhibitions into art galleries during the 1920's. We will try to show how, thanks to the role of some personalities of medical, litterary and artistic areas, the medical status of those creations will be overtaken and they will begin to invest artistic scene
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Goutain, Pauline. "Les mythologies matérielles de l'Art Brut (1945-1976) : dimensions, processus créateurs et matériaux à l'œuvre." Thesis, Paris 10, 2017. http://www.theses.fr/2017PA100059.
Full textAbstract:
L'Art Brut est un concept inventé par le peintre français Jean Dubuffet en 1945 pour désigner des œuvres faites par des artistes non professionnels, autodidactes et isolés en contextes rural, psychiatrique voire carcéral. De 1947 à 1976, avec l'aide de la Compagnie de l'Art Brut, il collecta, présenta et documenta ces œuvres dans le but de remettre en question le goût et les valeurs de son époque. Faites le plus souvent à partir de médias non achetés dans des commerces d'art, leur matérialité questionne les catégories artistiques, les pratiques conventionnelles de l'art, ainsi que l'accrochage muséal.Cette thèse s'attache à montrer en quoi le processus créateur, les matériaux, et les dimensions des œuvres collectées par Dubuffet et ses compagnons ont servi à construire un « mythe », au sens barthien du terme, dans le contexte de l'après Seconde Guerre mondiale. Nous montrons que les matériaux « pauvres », les formats extrêmes – très petits, très grands, informes – ont supporté l'idée fantasmatique d'un art « brut », « hors-norme », « anti-culturel » et « autre ». Notre travail réinscrit, d'autre part, le projet de l'Art Brut dans l'histoire des avant-gardes dans le but d'en montrer la spécificité et la portée politique. Nous mettons enfin en avant en quoi les formats des œuvres collectées ont amené à une réforme de l'espace muséal. La Collection de l'Art Brut, ouverte en 1976 et conçue spécifiquement en fonction de la matérialité des œuvres, se présente comme un modèle muséal à part<br>Jean Dubuffet coined the term Art Brut in 1945 to designate artworks made by untrained and non-professional artists. Between 1945 and 1976, with the help of the Compagnie de l'Art Brut, he constituted and exhibited an important collection made of thousands of artworks – the Collection of Art Brut, which was donated to Switzerland in 1976. Art Brut artworks were collected in psychiatric hospitals, rural contexts, or jails. Some are made with second-hand materials, most of them differ from the academic canons, and their uncommon aspect – very large, very small, and formless – questions the artistic norms. This research demonstrates that the materiality of these artworks has been the support of an avant-gardist project and a myth in the context of the post Second World War. They serve Dubuffet's subversive discourse and his fantasy to transform the art and the society of his time through artworks made outside the "cultural" sphere. They also serve the myth of an art « poor », « humble », « natural » and « raw ». In addition to that, this thesis highlights how the sizes of these artworks have changed museum space and display. Unprecedentedly, the Collection de l'Art Brut was conceived according to the materiality of artworks, leaving space to welcome rolls of more than 5 m
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Michel, Julien. "Saint-Alban-sur-Limagnole, art, psychiatrie et politique : expérience française et réseaux internationaux (1940-1972)." Electronic Thesis or Diss., Université de Toulouse (2023-....), 2024. http://www.theses.fr/2024TLSEJ095.
Full textAbstract:
De 1940 à 1972, l’hôpital psychiatrique de Saint-Alban-sur-Limagnole, en Lozère, a été le théâtre d’un dialogue d’une fécondité inédite entre l’art, la psychiatrie et la politique. Expérience initialement française, les leçons de la « psychothérapie institutionnelle » qui y voit le jour se propagent aux pays frontaliers puis plus lointains, où elles encouragent les soignants et les médecins à repenser une psychiatrie plus humaine. L’institution asilaire nécessite une transformation profonde dans son rapport à l’aliéné, et les influences conjointes de la guerre, de la poésie et d’une nouvelle lecture de la folie y contribuent. Or, ces dernières années, de nombreuses recherches ont ravivé la mémoire des lieux, sous la forme de travaux universitaires, de productions audiovisuelles, théâtres et littéraires, ou d’un cycle d’expositions inauguré à Toulouse en 2021, et clos en 2024 à New York. Elles recomposent ensemble le récit d’une aventure hors-normes, au nom d’une « résistance à l’inhumain » et d'un art qui, parallèlement, émerge de territoires inconnus. La pratique artistique, celle des patients comme des soignants ou des visiteurs de passage dans cette institution ouverte, occupe une place prépondérante qui restait encore à définir, à l’heure où l’Art Brut, initié en 1945 par Jean Dubuffet, jouit d’une popularité croissante. Il apparaissait nécessaire d’interroger la manière dont l’expression plastique – ou poétique – a justement concouru au succès de l’expérience lozérienne, et la dette réciproque que l’art « psychiatrique » et la psychiatrie saint-albanaise se doivent mutuellement. En trois décennies seulement, la psychothérapie institutionnelle a été imaginée, portée à maturité et confrontée à son propre déclin, au gré des recherches théoriques de ses acteurs, des expériences intellectuelles et artistiques des uns et des autres, et de la libre circulation de tous. Le présent travail illustre l’institutionnalisation d’un art qui s’extrait de l’institution psychiatrie pour paradoxalement rejoindre celle du Musée. D’une institution à l’autre, de l’hôpital au musée, l’histoire de Saint-Alban est une histoire d’exil et d’aliénation, où la pratique artistique incarne l’émancipation, la reconquête de ses droits, en tant qu’être humain et en tant qu’artiste ou auteur, et l’exploration de nouveaux territoires physiques et mentaux. Elle s’écrit, définitivement, à la faveur d’une réhabilitation de la folie, de ses lieux, et de ses expressions<br>From 1940 to 1972, the psychiatric hospital of Saint-Alban-sur-Limagnole, in Lozère, became the site of an unprecedentedly fruitful dialogue between art, psychiatry, and politics. Initially a French experiment, the lessons of "institutional psychotherapy," which emerged there, spread to neighboring and more distant countries, encouraging caregivers and doctors to rethink psychiatry in a more humane way. The asylum institution needed a profound transformation in its approach to the mentally ill, and the combined influences of war, poetry, and a new understanding of madness contributed to this change. In recent years, many studies have rekindled the memory of this place through academic work, audiovisual productions, theater and literary projects, and a series of exhibitions that began in Toulouse in 2021 and concluded in New York in 2024. Together, these efforts reconstruct the narrative of an extraordinary adventure, driven by a "resistance to inhumanity" and an art that simultaneously emerged from unknown territories. Artistic practice—whether by patients, caregivers, or visitors passing through this open institution—held a prominent place that remained to be fully defined, especially as Art Brut, initiated by Jean Dubuffet in 1945, gained increasing popularity. It became necessary to explore how artistic—and poetic—expression contributed to the success of the Saint-Alban experiment and the mutual debt that "psychiatric" art and Saint-Alban's psychiatry owe each other. In just three decades, institutional psychotherapy was imagined, brought to maturity, and confronted with its own decline, shaped by the theoretical research of its actors, their intellectual and artistic experiences, and the free flow of people and ideas. This work illustrates the institutionalization of an art that, paradoxically, extracts itself from the psychiatric institution only to enter the realm of the Museum. From one institution to another, from the hospital to the museum, the history of Saint-Alban is one of exile and alienation, where artistic practice embodies emancipation, the reclaiming of rights as both a human being and an artist or author, and the exploration of new physical and mental territories. This story is definitively written in the context of a rehabilitation of madness, its spaces, and its expressions
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Fol, Carine. "De l'art des fous à l'art en marge: un siècle de fascination ou de l'évolution du regard porté sur les expressions artistiques de créateurs outsiders ,personnes malades ou handicapées mentales, artistes isolés." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2011. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209782.
Full textAbstract:
My dissertation analyses the evolution of the perception of creations of mentally ill, art brut or outsider art through a phenomenological point of view that focuses on the viewer and protagonists how permitted the discovery of these creations :psychiatrists (Hans Prinzhorn, Walter Morgenthaler, Leo Navratil, and others) Jean Dubuffet, Harald Szeemann and my own practice as curator through a case-study of the art & marges museum in Brussels /Ma thèse analyse l'évolution du regard porté sur les créations asilaires, art brut et outsider au vingtième siècle à travers une approche phénoménologique qui se focalise sur les protagonistes qui ont permis la découverte, la diffusion et la recherche de ces créations :psychiatres,(Hans Prinzhorn, Walter Morgenthaler, Leo Navratil, entre autres) Jean Dubuffet, Harald Szeemann. Ma propre pratique de curateur d'exposition est également abordée par le biais d'un case-study dédié à l'art & marges musée à Bruxelles<br>Doctorat en Histoire, art et archéologie<br>info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Topitsch, Rainer. "Schriften des Körpers : zur Ästhetik von halluzinatorischen Texten und Bildern der Art Brut, der Avantgarde und der Mystik /." Bielefeld : Aisthesis Verl, 2002. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb38967000z.
Full text
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Allamel, Frédéric. "Sociologie de l'environnementalisme : une contribution africaine-américaine à l'éco-esthétique." Paris 5, 1995. http://www.theses.fr/1995PA05H072.
Full textAbstract:
La modernité nous livre une vision du monde de plus en plus fragmentée et ou ne prévaut plus la dimension holiste caractérisant l'équilibre des sociétés traditionnelles. C’est dans ses formes anomiques ("folie", criminalité, exclusion sociale, etc. ) que se recrutent préférentiellement les autodidactes de l'art, ceux qui, délestes de leurs inhibitions, ont irrépressiblement recours à l'acte artistique. Il s'agit en fait moins d'une nouvelle catégorie esthétique (art brut) à verser au dossier de l'histoire de l'art que d'une "stratégie" existentielle inavouée visant à se réconcilier avec un monde à leur égard hostile. En ce sens l'environnementalisme représente pour l'auteur une nouvelle manière d'être au monde, une façon plus satisfaisante de se conjuguer a son environnement à la fois humain et naturel. Cette ouverture holistique ou systémique passe par un retour à la pensée sauvage ou mythique, par de nouveaux réseaux de correspondances symboliques qui dessinent avant tout un nouvel art de vivre. On est dès lors fonde a parler d'une éco esthétique, d'un réenchantement par l'art de l'espace de vie de chacun (oikos: la maison), d'une révision poétique de ce qui fait la quotidienneté. Et même si ces territoires de haute créativité ont des allures de niches utopiques, ils sont autant de contributions personnalisées portées à la postmodernité<br>Modernity is displaying an increasingly fragmented world view which is lacking the holistic dimension that characterized the balance in traditional societies. Self-taught artists (those who free themselves from their inhibitions and are irrepressibly attracted to the process of making art) are particularly recruited from such anomic forms (madness, criminality, social exclusion, and so forth). In fact it is less a new aesthetical category outsider art) to be added to history of art than an unconscious existential "strategy" which aims at being reconciled with an hostile world. To that end environmentalism represents for the artist a new way to be in the world, and a more satisfying way to be tied to his environment, both human and natural. This holistic systemic perspective requires a recurrence to mythical thought and new networks of symbolic correspondences on which are based a new art of living. It is consequently founded to talk about an "eco-aesthetics", a delight by the arts of the space to live in (oikos: the house), a poetic revision of what daily life is made. And even if these highly creative territories look like small spots of utopia they are as many personalized contributions to post-modernity
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Trapani, Roberta. "Patrimoines irréguliers en France et en Italie : origines, artification, regard contemporain." Thesis, Paris 10, 2016. http://www.theses.fr/2016PA100087.
Full textAbstract:
Depuis les années 1930, un lent processus d’« artification » investit des lieux de vieembellis par leurs propres habitants avec des techniques improvisées. Considérés àl’origine comme des curiosités locales, ces sites sont révélés au monde de l’art par lessurréalistes, qui amorcent leur documentation. Dans l’après-guerre, ils connaissent uneréception de plus en plus enthousiaste au sein de certains milieux artistiques et serontannexés successivement à l’art médiumnique, à l’art naïf, à l’art brut, à l’outsider art, àl’architecture fantastique, entre autres, donnant lieu à une pléthore de définitions. Cesenvironnements irréguliers seront alors considérés souvent comme l’expressionspontanée d’impulsions intérieures, sans influences ni tradition. Cette thèse propose derevenir aux origines de cette forme artistique, en révélant le mouvement circulaire qui larelie, d’une part, aux cultures populaires et, d’autre part, aux courants officiels del’histoire de l’art contemporaine. Elle examine également les conditions de sa réceptions,dans un contexte dominé jusque dans les années 1970 par le paradigme primitiviste,avant de se concentrer sur la multiplication des initiatives qui, depuis la fin des années1970, marquent un renouvellement du regard. Tout au long, les environnementsirréguliers sont questionnés dans leur faculté à associer des notions fondamentales –art, culture, marginalité, architecture, grotesque, baroque, ornemental, entre autres – età être saisis comme un outil opératoire désignant une forme d’authenticité artistique ouculturelle<br>Since the 1930s, a slow process of « artification » invested living spaces decorated bytheir own inhabitants with improvised techniques. Originally regarded as localcuriosities, these sites have been introduced to the artistic world by the Surrealists, whobegan their documentation. In the post war period, they have been seen with increasingenthusiasm in some artistic circles and then have been linked to mediumistic art, naiveart, art brut, outsider art, fantastic architecture, among others, creating a plethora ofdefinitions. Irregular environments have often been considered as the spontaneousexpression of inner impulses, without influence or tradition. This thesis proposes toreturn to the origins of this form of art, revealing the circular movement that connects it,on one hand, to the popular cultures and, on the other hand, to the officials movementsof the history of contemporary art. It also examines the conditions of its own reception,in a context dominated until the 1970s by the primitivist paradigm, before of focusing onthe many initiatives that, since the late 1970s, brought a renewed look. All along,irregular environments have been questioned in their ability to combine fundamentalconcepts - art, architecture, culture, marginality, ornamental, among others - and to betaken as an operational tool for a form of artistic or cultural authenticity
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Magliozzi, Marielle. "L' art du bricolage dans l'architecture marginale de la seconde moitié du XXeme siècle en France : les créations de la "subculture"." Aix-Marseille 1, 2004. http://www.theses.fr/2004AIX10A98.
Full textAbstract:
Dans le cadre des recherches entreprises dès le début du XXème siècle en art, fondées sur le rejet de l'académisme et de ses traditions, les arts premiers et les arts marginaux sont redécouverts. Jean Dubuffet amorce alors un travail de prospection d'oeuvres marginales, provenant d'hôpitaux psychiatriques, de créateurs autodidactes entre autres, qui aboutira à la création d'une collection et donnera lieu dès 1948 à l'appellation d'Art Brut. Cette découverte permet de mettre en lumière des créations arhitecturales hors du commun, jusqu'alors peu étudiées du point de vue de l'histoire de l'art. Parallèlement, c'est en 1962 que Claude Lévi-Srauss développe une réflexion sur le bricolage dans les sociétés dites "primitives" mais également dans l'art occidental du XXème siècle et plus particulièrement dans l'Art Brut, lui conférant une toute nouvelle signification. En effet, si dans la première moitié du XXème siècle, le bricolage est une activité populaire liée à l'occupation du temps libre, il devient à la lumière de létude de Claude Levi-Strauss une expression artistique à part entière qui utilise d'autres moyens que ceux employés couramment en art ou en architecture. Ainsi, les bâtisseurs de ces arhitectures, de ces environnements d'Art Brut, composent souvent avec le hasard, ne conçoivent pas de projet, dialoguent avec le matériau. Ils interviennent sur leur espace quotidien, leur demeure ou leur jardin, lieux où leurs rêves vont prendre corps pour devenir réalité. Ces créations marginales proviennent ainsi d'une "subculture", celle de "l'homme du commun", cher à Jean Dubuffet, de l'ouvrier, du retraité, et leur position au sein de l'art et de la culture fait question. Cette recherche tente ainsi de constituer une histoire de bricolage et des environnements d'Art Brut, à travers quelques sites emblématiques, de montrer combien leur mise en relation apporte un nouveau regard sur l'art de façon plus générale.
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Capt, Vincent. "La manie épistolaire : d’une analyse textuelle à une poétique des lettres asilaires conservées à la collection de l’art brut." Paris 8, 2012. http://www.theses.fr/2012PA083491.
Full textAbstract:
Relevant globalement de l’analyse de discours, cette thèse se penche sur un corpus raisonné de lettres asilaires initialement conservées dans des archives d’hôpitaux psychiatriques de Suisse romande et désormais placées au sein des archives de la Collection de l’Art Brut, à Lausanne. Ce transfert institutionnel implique de s’intéresser aux modalités actuelles de réception des textes concernés. Pour répondre à cette question, il faut une théorie du langage. L’énonciation (Benveniste) permet tout particulièrement d’analyser et de conceptualiser dans le langage la perspective de l’interprétant. En outre, l’énonciation installe l’univers du discours, octroyant au corpus une dimension dialogique canalisée ici autour du thème de la folie. La réflexion débouche alors sur cette question : en quoi est-ce que les œuvres d’art brut dépassent-elles leur statut de documents cliniques ? Le couple manie/manière (Dessons) permet de conceptualiser dans le langage la conversion de point de vue que nécessite le corpus. A grands traits, il s’agit de se débarrasser d’une rhétorique au profit d’une poétique de l’énonciation. Ne pas penser le langage à partir de catégories (le genre, mais aussi le signe, notamment) qui préexistent aux textes et qui ne sont aptes à saisir que des variations de modèles (ou pire des déviances, voire des symptômes), mais les aborder en fonction des procédés et, plus globalement et radicalement, des modes de signifier spécifiques (et indésignables jusque-là – c’est pourquoi ils « rendent fous ») que ces textes mettent en place. La critique de nos conceptualités et le renversement de perspective constitue le nœud du problème épistémologique dont traite cette thèse<br>Anchored in the field of discourse analysis, this dissertation studies a corpus of letters which were written by patients interned in pyschiatric institutions located in the French-speaking part of Switzerland. These letters were initially kept in the archives of the psychiatric institutions, but are now archived at the Collection de l’Art Brut, in Lausanne. Such an institutional transfer leads one to ponder on the current modalities of reception of these texts. To answer this question, a theory of language is needed. Enunciation theory (Benveniste) is particularly apt to analyse and to conceptualize language from the perspective of the interlocutor. Besides, enunciation theory opens to discursivity, enriching the corpus with a dialogical dimension which is here channelled around the theme of madness. The question which is then raised is the following : in which respect do the works of art brut exceed their status as clinical documents ? Coined by Gérard Dessons, the conceptual couple « manie » / « manière » allows one to conceptualize within language the shift of point of view which is required by the corpus. What is at stake, in broad outline, is to get rid of rhetorics to the benefit of a poetics of enunciation. The challenge is to quit thinking language on the basis of categories (such as genre, but also sign) which preexist texts and which are only able to capture variations on models (or worse, abnormalities, even symptoms) : one has to approach these texts according to the processes and, more globally and radically, according to the specific (and thus unnameable up until then – which is why they « drive one crazy ») modes of signification which they set up. This criticism of widely accepted conceptualities and this reversal of perspective form the epistemological knot of my dissertation
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Danling, Eva. "Jean Dubuffet - materialet, skulpturen och idéerna : en analys av Dubuffets monumentala skulpturer från 1970-talet." Thesis, Högskolan på Gotland, Institutionen för humaniora och samhällsvetenskap, 2013. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:hgo:diva-1961.
Full textAbstract:
Jag har med denna uppsats undersökt hur den franske målaren och skulptören Jean Dubuffet (1901-1985) arbetade med olika material med ett fokus på de materialval han gjorde för sina skulpturer. Jag har valt att se närmare på tre monumentala skulpturer som Dubuffet skapade under 1970-talet och även undersökt vad han genom verkens material kommunicerar. Vidare har jag analyserat och diskuterat verkens motiv och utformning för att understödja min diskussion om materialets egenskaper. Dubuffet intresserade sig som så många andra konstnärer för de avantgardisitska idéer som spred sig i mellankrigstidens Europa. Dubuffet ville föra en konstnärlig revolution mot den etablerade kultureliten och mot den klassiska konsten som han ansåg formats av den västerländska kulturen. Vidare var han mycket intresserad av material och hur material i sig kunde påverka konstens utformning och mening och han ägnade en stor del av sin karriär till att experimentera med olika naturliga material. Under 1960-talet började Dubuffet ägna all sin tid åt att skulptera och för de första skulpturserierna använde han endast naturliga och okonventionella material. Efter några år började Dubuffet istället arbeta med syntetiska material vilket jag för min uppsats har valt att undersöka anledningen till. Det naturliga som hans tidigare verk uttrycks av försvinner i samband med de nya syntetiska materialen. De syntetiska materialen bidrog dock till att Dubuffet enklare kunde skapa storskaliga verk då de inte var lika tunga utan enklare att hantera och arbeta med än de naturliga materialen. Jag har kommit fram till att materialets funktionalitet kan ha varit av betydelse då det syntetiska materialet troligtsvis är mer hållbart på längre sikt. De syntetiska materialen tror jag också lämpade sig bättre för det yviga och odetaljerade formspråket som jag anser samtliga undersökningsobjekt uttrycks av. Dock har jag kommit fram till att den djärvhet som jag anser karaktäriserar Dubuffets konst bibehålls och uttrycks även genom de senare verken skapade med de syntetiska materialen. Jag har dragit slutsatsen att Dubuffet genomgick en konstnärlig utveckling som innebar att han ville undersöka och arbeta med olika nya material för att kunna förverkliga sina konstnärliga visioner. Slutligen så tror jag att hans uppdragsgivares önskemål även kan ha påverkat hans val av material.
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Safarova, Decharme Barbara. "L'oeuvre d'Achilles G. Rizzoli et d'Unica Zürn dans le cadre de l'art brut : approche interdisciplinaire." Paris 7, 2008. http://www.theses.fr/2008PA070077.
Full textAbstract:
L'objectif de cette thèse est de présenter les œuvres de deux artistes quasiment inconnus en France, d'Achilles G. Rizzoli (1896-1981) et d'Unica Zùrn (1916-1970). À son tour, ces œuvres nous permettront d'interroger le concept contestateur et paradoxal de l'art brut. Hautement complexes et marginales, elles se composent de productions graphiques, de textes prosaïques et de poèmes, qui reflètent l'« expérience intérieure » de leurs créateurs, leur rencontre avec la folie. Même si elles ne correspondent pas tout à fait à la définition originale de J. Dubuffet - les deux artistes utilisent les éléments de la (haute) culture - le concept de l'art brut nous permet d'explorer le rôle des emprunts « culturels » ainsi que la question de l'adresse de ces œuvres. Achilles G. Rizzoli, né à Port-Reyes (Californie, USA), a travaillé pendant toute sa vie comme dessinateur technique dans un bureau d'architectes à San Francisco ; il a dédié ses nuits d'abord à la création des dessins « symboliques », sur lesquels il métamorphose les membres de sa famille en cathédrales et palais. Par la suite, il se consacrera à la création de son deuxième grand projet, sa version personnelle du Troisièmi Testament, intitulée Amte's Celestial Extravag(r)anza (A. C. E). Unica Zùrn, née à Berlin Grunewald, débute s carrière d'artiste par la création des anagrammes. Également peintre et écrivaine, ces deux ouvrages les plu connus en France sont L'Homme-Jasmin. Impressions d'une malade mentale et Sombre printemps (1971). Cette thèse présente quelques approches possibles sans ambitionner pour autant toute exhaustivité<br>The aim of this thesis is to present the creative production of two artists almost unknown in France, Achilles G. Rizzoli (1896-1981) and Unica Zùrn (1916-1970). In return, their works will enable us to question the ambivalent and paradoxical concept of art brut. Highly complex and marginal, their production consists of drawings, prose and poetry, reflecting their « internal experience » of encounter with mental illness. Even if they do not entirely match the initial definition by J. Dubuffet - both artists use elements of (high) culture in their works - the concept of art brut allows us to explore the role of cultural « loans » as well as the problem of address encountered in these productions. Achilles G. Rizzoli, born in Port-Reyes (California, USA), has worked his entire life as a technical draftsman in an architectural company in San Francisco ; he has dedicated his nights to the creation of « symbolic >: drawings, in which he transforms the members of his family in cathedrals and palaces. Later on, he would devote himself to the creation of his second great project, his personal version of the Third Testament entitled Amte's Celestial Extravag(r)anza (A. C. E). Unica Zùrn, born in Berlin Grunewald, begins her artistic career with the creation of anagrams. Painter and writer, her most well known works in France are L'Homme-Jasmin. Impressions d'une malade mentale (The Man of Jasmine. Impressions from a Mental Illness) and Sombre printemps (Dark Spring, 1971). This thesis presents several possible approaches, however, without pretending at being exhaustive
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Jenkins, Gareth Sion. "Anthony Mannix 'The atomic book' /." Access electronically, 2008. http://ro.uow.edu.au/theses/89.
Full text
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Novello, Paglianti Nanta. "Les rapports sémiotiques entre le Mot, l'Image et le Corps dans l'Art brut : autour de l'oeuvre de Carlo Zinelli." Limoges, 2008. http://www.theses.fr/2008LIMO2015.
Full textAbstract:
La thèse est consacré au mouvement artistique de l'Art brut créé par J. Dubuffet dans les années 50. Comment l'Art brut traite la substance écrite et celle picturale normalement très distantes dans la peinture ? La thèse se divise en trois parties. La première comprend une présentation historique du mouvement pictural de l'Art brut. Le premier chapitre est consacré à Carlo Zinelli, auteur qui a passé la majorité de sa vie en interné dans un hôpital psychiatrique, mais très actif en ce qui concerne la production artistique. Ensuite seront rappelées les approches de la linguistique et de la psychiatrie qui ont cherché, depuis les années 50, période où on a commencé à prendre en considération ces formes expressives, de traiter les créations des malades mentaux. La deuxième partie est consacrée aux rapports entre mot et image dans la peinture et dans l'histoire de l'écriture. Comment l'Art brut traite les liens entre graphème et icône ? L'étude des oeuvres d'Art brut permet de comprendre la variété des productions et la complexité des phénomènes créatifs. La troisième partie traite le geste, vu le goût qu'ont beaucoup de créateurs pour la stéréotypie et pour toutes les formes de répétition gestuellen les plus variées. L'inscription corporelle passe, par le geste de l'artiste, sur la surface peinte qui est déjà une première trace d'énonciation. Des oeuvres dédiées à la représentation du corps soulignent le traitement qui ce dernier subit en se montrant morcelé, incomplet. Les conclusions cherchent à faire un bilan du parcours artistique de l'auteur avec la volonté d'établir un parcours génératif du sens qui puisse lier ensemble signes écrits, geste, corps et comportement.
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Tůmová, Helena. "Křehká linie." Master's thesis, Vysoké učení technické v Brně. Fakulta výtvarných umění, 2014. http://www.nusl.cz/ntk/nusl-232428.
Full textAbstract:
The project of my diploma thesis Fragile Line is a continuation of my bachelor thesis Limits of Normality in which I compiled part of the drawn black and white imaginary world of a 10-year old boy Jára with Asperger syndrome and created its colourful 3D visualisation. Fragile Line is for me some imaginary border between the real world and Jára`s fictional world. In my diploma work I created three planets from Jára`s space system, intentionally I used different technology and range of colours for each of them because children like disparity and variety.
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Latreille, Emmanuel. "Le monde comme art." Thesis, Rennes 2, 2018. http://www.theses.fr/2018REN20024.
Full textAbstract:
L’art moderne et contemporain a quitté le régime de la Représentation pour expérimenter d’autres fonctions et proposer à un nouveau « regardeur » d’autres rapports avec la réalité vécue. Pour cela, il faut que quelque chose de fondamental ait changé dans la relation de l’artiste au monde : l’espace n’est plus quelque chose qu’il élabore au moyen de l’oeuvre, ou en elle. L’espace est, pour l’artiste moderne, une « donnée » dans laquelle il est placé d’emblée, à l’instar de tout être. Cela veut dire qu’il n’y a pas d’espace propre à l’oeuvre d’art qui ne soit l’espace du monde lui-même. L’art, c’est le monde, à travers l’engagement de tout ce qui l’occupe.C’est ce que Jean Paulhan (1884-1968), en parlant des cubistes, avait appelé « l’espace brut » ou « l’espace spontané », et qui est désigné ici comme « l’espace réel », pour le différencier de toute fiction spatiale. C’est aussi ce que Marcel Duchamp a élaboré à travers ses expérimentations sur les choses et le langage, l’ayant conduit à concevoir cette complexematrice de l’art qu’est le Ready-made en remplacement de la Perspective. Ainsi, ce qu’on nomme art contemporain est un art qui s’élabore dans le monde, impliquant les êtres et les choses, les formes et les signes, mais aussi la « lumière » des idées, toujours déjà là. Comprendre l’art, c’est, pour chacun, appréhender, sans pouvoir se dérober, comment se joue une rencontre entre ces entités contradictoires, visant une unité nouvelle et exprimant l’intuition du monde comme Tout.Cette thèse est un tel effort de compréhension qui, dans ma pratique de commissaire d’exposition et de critique d’art, a été partagé avec des artistes, au plus près des oeuvres et dans de multiples contextes, dans le cadre de ces institutions « d’aménagement du territoire » que sont les Fonds régionaux d’art contemporain<br>Modern and contemporary art have abandoned the system of Representation to experiment with other functions and to offer a new “beholder” different relations with a lived reality. To do this, something fundamental had to alter the artist’s relation to the world: space is no longer developed by means of the work, or within it. For modern artist, space is a “given” in which he is immediately placed, like any being. This means that there is no space peculiar to the work of art which is not the space of the world itself. Art is the world, through the involvement of everything occupying its space.This is what, in talking about the Cubists, Jean Paulhan (1884-1968) called “raw space” and “spontaneous space”, which is here described as “real space”, to differentiate it from any spatial fiction. It is also what Marcel Duchamp developed in his experiments involving things and language, leading him to devise that new matrix of art known as the Readymade,replacing Perspective. So what we call contemporary art is an art that is developed within the world, involving beings and things, forms and signs, invariably already there. For everyone, understanding art is grasping how, without being able to sidestep, the encounter between these contradictory entities is enacted, aimed at a new unity and expressing the intuition of the world as a Whole.This thesis is such an effort at comprehension, which, in my activities as an exhibition curator and art critic, has been shared with artists, at very close quarters with works and in many different contexts, within the framework of those institutions of “regional development”, the regional contemporary art collections (FRAC)
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Skancke, Astrid Husvik. "Outsider Art i Norge : Kunstnere fra den nord-norske sentralinstitusjonen Trastad Gård." Thesis, Norges teknisk-naturvitenskapelige universitet, Institutt for språk og litteratur, 2014. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:no:ntnu:diva-26662.
Full textAbstract:
Denne oppgaven omhandler kunstsjangeren Outsider Art i norsk kontekst, med særlig fokus på kunsten som ble laget av elevene ved skolen på den nord-norske sentralinstitusjonen Trastad Gård. Skolen og kunstnerne blir stilt opp mot rådende teorier innenfor sjangeren for å få svar på spørsmålet: Kan kunsten fra Trastad Gård defineres som Outsider Art?<br>This paper deals with the art genre Outsider Art in a Norwegian context, with particular focus on the art that was created by students at the school at Trastad Gård (Trastad Gård was the main Northern Norwegian institution for people with mental disabilities). The school and the artists are examined against the prevailing theories in the genre to answer the question: Can art from Trastad Gård be defined as Outsider Art?
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Schmitt, Florent. "L'art comme jeu : pratiques et utopies." Thesis, Strasbourg, 2015. http://www.theses.fr/2015STRAC019/document.
Full textAbstract:
L'art comme jeu n'est pas une simple métaphore. Il correspond à la forme que prennent de nombreuses œuvres d'art notamment les maquettes et miniatures contemporaines et aujourd'hui le jeu est représenté ou mis en scène dans de nombreuses expositions. Cependant l'artiste n'est pas un joueur comme les autres mais un joueur professionnel qui s'oppose à la figure du non-artiste ou de l'artiste amateur défendue par les artistes des avant-gardes qui avaient élevé le jeu au rang d'art. Alors que la consommation de l'art prend la forme d'un divertissement à grande échelle et que l'on assiste à une Disneylandisation des musées, l'art contemporain comme jeu ne semble plus aussi subversif que celui des années soixante. Pourtant l'art comme jeu en tant que modèle et outil de changement social perdure. C'est un art d'attitude, héritier des dernières avant-gardes, se tenant en dehors des frontières habituelles de l'art et réalisant le dépassement souhaité par les situationnistes ou Allan Kaprow<br>Art as play is not only a metaphor. It is the particular form of many works of art, especially contemporary models and miniatures. Play itself is nowadays represented or staged in numerous exhibitions. However, the artist is not a player like any other but a professional player in contrast to the figure of the non-artist or amateur artist defended by avant-garde artists who had raised play to the level of art. While the consumption of art takes the form of large-scale entertainment and we witness a Disneylandisation of museums, contemporary art as play no longer seems as subversive as it did in the sixties. Yet art as play as model and tool for social change endures. It is an art of attitude, heir to the last avant-gardes, standing outside the usual boundaries of art and an art that achieves the desired by Allan Kaprow and the Situationists
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Palou, 1961. "Luís Claramunt. Cuaderno de Bitácora." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2019. http://hdl.handle.net/10803/668217.
Full textAbstract:
La tesis trata de la extensa, valiosa y desconocida obra del singular pintor Luis Claramunt, (Barcelona 1951- Zarautz 2000). La obra se ha analizado y clasificado a través de la investigación llevada a cabo en el archivo del propio artista, archivo cedido al MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona) por su familia, con motivo de la exposición antológica que el Museo le dedicó en el año 2012. La tesis también incorpora los testimonios de personas de diferentes ámbitos de su entorno. Con este material se ha realizado una personal clasificación de su pintura en tres etapas y trece series temáticas. Series ordenadas cronológicamente y contextualizadas en el panorama artístico internacional, a las que se incorporan dibujos, fotografías, artículos de prensa, los textos de los críticos del momento, y los del propio artista. Las series también se acompañan de los testimonios de la familia, amigos y galeristas. Voces que sitúan la obra en el contexto en el que fue creada. El resultado es un bricolaje de documentos, muchos de ellos inéditos, de diferente origen, índole y formato, que permiten percibir el peculiar y rico mundo del artista, su visión plasmada en su obra, su mirada, su vocación de narrador. En esta recopilación adquiere un especial interés el estudio del contenido y significado de sus libros autoeditados, sus documentos más personales e intimistas que realizó en la última etapa de su vida. La clasificación de la obra, la exploración en la vida de Luis Claramunt y el análisis de la forma y contenido de sus cuadernos, son las herramientas utilizadas para presentar la obra y el artista y así tratar de aventurar una interpretación particular de las líneas que siguen sus trabajos, presentados buscando su procedencia en su particular cuaderno de bitácora.<br>The scope of this thesis is to give insight on the extensive, valuable and relatively unknown artwork of the singular painter Luis Claramunt (Barcelona 1951-Zarautz 2000). Such artwork has been analysed and classified after carrying out an investigation into the archives of the artist, which were transferred to MACBA (Museum of Contemporary Art of Barcelona) by the family when in 2012 the museum held an anthological exhibition. In this thesis it can also be found the testimonies of relevant people from the different circles of the artist. With such material the artwork has been classified into three stages and thirteen thematical series. Such series are sorted chronologically and contextualized with the international artistic panorama, which include drawings, photographs, press articles, critical writings of the time, as well as those of the artist himself. Along with the series, testimonies of relatives, friends and gallerists can also be found. The result yields a vast number of documents, a significant amount of which had never been published, from different origins, nature and format that allows the reader to perceive the unique world of the artist. Within this recompilation, it is compellingly interesting the study of the content and meaning of the artist's self-published books, the most intimate element of his artwork, developed during the latter stage of his life. The methodology used to present the artwork and the artist includes the classification of the artwork, research into the Luis Claramunt's life and analysis of form and content, this approach allows a unique interpretation of the tendencies followed by his pieces and presents it looking far its origins in the artist's particular logbook.
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Bonet, Torra David. "La Curación como ideología. Una crítica ético-política a la curaduría del arte marginal." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2018. http://hdl.handle.net/10803/666311.
Full textAbstract:
Las tendencias curatoriales de los macro-eventos artísticos recientes (Bienales y exposiciones de ámbito internacional) se han caracterizado, entre otras cosas, por el interés en resucitar y releer los trabajos de algunos artistas provenientes de esferas, en un principio, ajenas al mundo del arte, y que podríamos calificar de personas marginalizadas en la sociedad.
A partir de esta observación, decido realizar un análisis crítico de los discursos curatoriales de las exposiciones de estos artistas marginales, desde un punto de vista ético-político.
Más específicamente, pretendo reflexionar sobre las relaciones de poder existentes entre curadores y estos supuestos artistas. Sobre todo, cuando los primeros articulan sus discursos sobre las producciones de autores ya fallecidos. Es en estas circunstancias, cuando el curador, juntamente con el dispositivo expositivo, gana suficiente poder para otorgarles la condición de artista a unas personas que a sí mismas no se consideraban como tal.
Para poder contextualizar dicho análisis, propongo la construcción de unos relatos histórico- filosóficos fragmentados, que pongan en cuestión la curaduría del arte marginal, desde la crítica ideológica. En ellos, analizaré las teorías de: Cesare Lombroso, Hans Prinzhorn y Karl Jaspers, Alfred Rosenberg y Adolf Ziegler, Jean Dubuffet y Harald Szeemann, entre otros.
En el análisis de las exposiciones realizadas recientemente, voy a concentrarme en los discursos generados a partir de las muestras de: Forrest Bess, Arthur Bispo do Rosário y Carol Rama, entre otros; curadas por: Robert Gober, Luis Pérez-Oramas y Paul B. Preciado, entre otros.
Con las herramientas obtenidas en estos análisis, intentaré sugerir las bases de una posible teoría política sobre la curaduría como profesión e ideología. Para ello partiré de las ideas agrupadas en llamada teoría crítica, vinculada a la tradición de pensamiento marxista más heterodoxa y frecuentemente vinculada a la escuela de Frankfurt. Además de los métodos
adornianos o benjaminianos, también me he impregnado de otras teorías marxistas contemporáneas, como las de Michel Löwy, Alex Callinicos y Terry Eagleton. Por ejemplo, me he basado en las ideas de este último autor para abordar el concepto de ideología.
Partiendo de la tradición crítica marxista, he analizado las múltiples teorías, que han sido constitutivas de la mayoría de los discursos dominantes articuladores de los conceptos del arte de los enfermos mentales, del art brut o del outsider art.
Por ejemplo, en el primer capítulo sugiero la creación de un sujeto político nuevo a inicios de los años veinte en la república de Weimar, y más específicamente, a raíz de las obras de los médicos analizados, entre los cuales destaca el libro de Prinzhorn que nos habla de las expresiones de la locura y del zeitgeist esquizofrénico.
En los capítulos tercero y cuarto he partido de la noción de “utopías artísticas”, para referirme a las distintas corrientes de pensamiento en las que destacaba el hecho de haber depositado en el arte unas esperanzas revolucionarias y de transformación social. Siguiendo la lógica de muchas de estas utopías artísticas he abordado el sentido político del art brut y de la arteterapia.
Respecto al quinto capítulo, que aborda el arte outsider posmoderno y el nacimiento de la figura del curador como autor, he intentado confirmar que el mito autoral de Harald Szeemann, donde el comisario independiente se erigía como un genio “decididor” y un experto “savant”, aún permanece con fuerza en la curaduría más actual del arte contemporáneo.
En el último capítulo, además de hacer una crítica expositiva, he confrontado algunas nociones de suma actualidad como son la globalización y el surgimiento de las políticas identitarias o identitarismo.<br>The curatorial tendencies of the recent artistic macro-events (International biennials and traveling exhibitions) have been characterized, among other things, by the interest in rereading and resurrecting works of some marginal artists.
From this observation, I decide to make a critical analysis of the curatorial discourses of the exhibitions by these marginal artists, from an ethical-political point of view.
More specifically, I intend to reflect on the existing power relations between curators and marginal artists. Particularly since curators articulate their speeches about the productions of already deceased marginal artists. It is in these circumstances, when the curator, together with the exhibition device, gains enough power to grant the status of artist who did not consider themselves as such.
In order to contextualize this analysis, I propose the construction of fragmented historical- philosophical accounts that question the curatorship of marginal art, from the ideological critique. In them, I will analyze the theories of: Cesare Lombroso, Hans Prinzhorn and Karl Jaspers, Alfred Rosenberg and Adolf Ziegler, Jean Dubuffet and Harald Szeemann, among others.
In the analysis of recent exhibitions, I will concentrate on the speeches generated from the artworks by: Forrest Bess, Arthur Bispo do Rosário and Carol Rama, among others; curated by: Robert Gober, Luis Pérez-Oramas and Paul B. Preciado, among others.
With the tools obtained in these analyzes, I will try to suggest the bases of a possible critical theory about curatorship as a profession and as an ideology.
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Oliveira, Solange de. "Arte por um fio: mitopoética nas obras têxteis de Bispo do Rosário e de Judith Scott: um estudo no campo da recepção crítica." Universidade de São Paulo, 2017. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/47/47134/tde-14112017-173649/.
Full textAbstract:
Esta pesquisa averigua a forma como tem sido estabelecido o estatuto de recepção de algumas obras de arte no registro bruto/culto. Os artistas que abordamos são frequentemente classificados segundo tais categorias, ainda que tradicionalmente opostas: Arthur Bispo do Rosario (1909-1989), artista cujas obras foram alinhadas à Arte Contemporânea, e Judith Scott (1943-2005), artista com apenas algumas obras inseridas no campo da Arte Moderna e Contemporânea. O intento é examinar se os critérios e modos de leitura, praticados por críticos e curadores em mostras e exposições nacionais e internacionais, contemporaneamente, têm observado o vivido como significante preponderante do acervo desses artistas ou se, por outro lado, a prática é a de aproximação e incorporação no sistema de arte por aspectos meramente formais. Através do recolhimento da literatura referida a esses eventos, pretendemos explicitar os critérios de leitura e de fruição das obras desses artistas que compartilham o gosto por materiais têxteis, cujo processo de tecimento/destecimento é ingrediente-base de suas poéticas, mas que participam do sistema de arte em diferentes estatutos de integração. Finalmente, a pesquisa visa investigar até que ponto o sentido da escolha de têxteis no desenvolvimento de suas mitopoéticas foi considerado no campo da recepção crítica. A meio termo, destacamos um olhar de dentro do sistema de arte, contabilizando alguns dos pronunciamentos da artista francesa contemporânea Louise Bourgeois (1911-2010), considerando-os especialmente em dois aspectos que nos interessam neste estudo: sua relação com os têxteis, dos pontos de vista formal ou conceitual, e também sua singular perspectiva sobre o processo criativo e o engajamento do criador. A artista não tece julgamentos ou considerações de modo a estabelecer uma delimitação ou alguma fronteira entre os campos (in-) e (out-)sider, o que torna sua perspectiva particularmente atrativa. Colaborar para a reflexão sobre a interpretação de obras estrangeiras à esfera da arte institucionalizada é importante instrumento de compreensão dos processos de construção do saber artístico e de consolidação da fortuna crítica, além de proporcionar uma discussão sobre a possibilidade de pensar lArt Brut a partir de um ponto de vista do próprio sistema de arte<br>This research aims to enquire how the statute of some art works has been established in the outsider/cultivated art reception register. In this approach the artists are often classified accordingly to those categories, even though they are traditionally opposites: Arthur Bispo do Rosario (1909-1989), an artist whose works are linked to the contemporaneous art, and Judith Scott (1943-2005), an artist who has only some of her work included in the modern and Contemporary Arts system. The intent is to examine what is the criteria and reading tools currently used by curators and art critics in both national and international exhibits, to evaluate if they have considered that bulk of work as something of significant value or if the approach is one of incorporating it into the system in merely formal terms. Through the investigation of the available literature related to those events, we intend to think the criteria used in the evaluation and fruition of those artists work. They have in common the preference for textile materials; the weaving/unweaving process is the basis of their poetic. However, they hold different status of integration in the arts system. Finally, this research aims to investigate how much the choice of textile materials in the development of mythopoetic has been considered and accepted by the critics. In the middle ground, we point to a view that is inside the arts system, listing some of the pronoucements of the contemporary french artist Louise Bourgeois (1911-2010), regarding specially two aspects of interest in the present study: her relation with textiles, be it from the formal or conceptual point of view, and also her singular perspective about the creative process and the creators commitment to it. The artist does not judge or deliberate in order to establish or set out a boundary between the fields of (in-) and (out-)sider art, which makes her perspective even more interesting. Reflecting on the interpretation of foreign works connected to the institutionalized art is an important and valuable contribution to the construction of artistic knowledge and to the consolidation of critical fortune. It also provides a discussion on how to consider the possibility of viewing the Outsider Art from the art systems perspective
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Choquard, Florence. "Le regard d'un psychiatre sur les écrits de la folie : la carrière de Hans Steck à l'Asile de Cery (1920-1960)." Paris, EHESS, 2012. http://www.theses.fr/2012EHES0117.
Full textAbstract:
Quelles représentations de la schizophrénie les psychiatres vont-ils construire à travers l’étude des écrits asilaires des patients et des scientifiques dans la première moitié du XXème siècle ? Le psychiatre helvétique Hans Steck (1891-1980), qui a travaillé à l’Asile psychiatrique de Cery de 1920 à 1960 et qui s’est fait connaître du public grâce à l’œuvre d’Aloïse Corbaz, reconnue comme auteure d’art brut par Jean Dubuffet en 1945, constitue le fil rouge de la thèse. Dans le contexte des mouvements tels que l’"art psychopathologique" et l’"art brut", Steck étudie les théories de "la mentalité primitive et les peintures magiques des schizophrènes". En 1927, il se tourne vers les théories évolutionnistes de la régression et les premières études de Lévy-Bruhl pour avancer l’idée qu’il existe un "parallélisme schizo-primitif". Puis il développe des explications de la pensée délirante, à partir des théories exposées lors du Premier Congrès International de Psychiatrie en 1950. Enfin, adoptant la perspective phénoménologique, il explique que "la fonction de l’art et la fonction du délire visent à reconstituer un monde viable pour le malade". En ce sens, l’expression artistique, bien que n’entrant pas dans le champ de la psychothérapie, fournit des indicateurs de l’état psychique du malade en même temps qu’elle contribue à son bien-être. Sont abordés les problèmes concernant la reconnaissance de l’"auteur" interné, dont les œuvres appartiennent soit aux archives médicales, soit au musée. La pérennité des critères qui définissent les œuvres d’"art psychopathologique" ou d’"art brut" est également mise en question. Enfin, le rôle essentiel de l’écriture à l’hôpital, tant pour les patients que pour les soignants, fait l'objet de nombreux développements<br>What representations of schizophrenia have psychiatrists been constructing when studying writings by patients and scientists in mental asylums in the first half of the 20th century ? The Swiss psychiatrist Hans Steck (1891-1980) is the protagonist of this dissertation. From 1920 to 1960, he has been working at the "Asile psychiatrique de Cery" near Lausanne. Steck is known thanks to the paintings of Aloïse Corbaz, an artist recognized by Jean Dubuffet as belonging to the "art brut" movement in 1945. In the context of movements like "art psychopathologique" and "art brut," Steck studies theories of "primitive character and magic paintings of schizophrenics. " In 1927, Steck engages with theories of regression and Lévy-Bruhl’s early studies in order to push the idea of a "parallelism schizo-primitif. " On the occasion of the First International Congress of psychiatry held in Paris in 1950, Steck develops explanations for the "pensée délirante. " Finally, turning to a phenomenological point of view, he explains, "the function of art and the function of the delusion help the patient to reconstruct a viable environment for the sick person. " In this way, artistic expression is not thought of as a psychotherapeutical means, but provides insight into the state of mind of a mentally sick person at the same time as contributing to his well-being. The dissertation discusses whether the "author’s" work belongs in medical archives or museums. The continuity of "psychopathological art" and "art brut" criteria will be discussed. Finally, the essential role that writing played in the hospital for the patients as well as for the medical staff is presented
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Ross, Susan Imrie. "The inner image: an examination of the life of Helen Elizabeth Martins leading to her creation The Owl House and A Camel Yard as outsider art." Thesis, Rhodes University, 1996. http://hdl.handle.net/10962/d1002227.
Full textAbstract:
The Owl House is situated in the Karoo village of Nieu Bethesda, and the person responsible for its creation, Helen Elizabeth Martins (1897-1976), is South Africa's best known Outsider artist. A number of newspaper and magazine articles, television programmes, radio interviews, play, films, short stories, theses and art works have resulted directly from her work. Interest in The Owl House continues to grow, with visitors coming from all over South Africa, and various parts of the world,to visit it. The Owl House was Helen Martins' home for most of her 78 years. During the last 30 or so years of her life she devoted all her time and energy to transforming the interior of her house into a glistening fantasy world of colour and light, using crushed glass stuck to almost every surface, coloured glass pane inserts in the walls, mirrors of many sizes and shapes, and countless paraffin lamps and candles. She called her garden' A Camel Yard', and filled it with over 500 cement statues, structures and bas reliefs. All the labour involved, apart from crushing and sorting the coloured glass, was provided by at least four different men, who assisted her over the years, Johannes Hattingh, Jonas Adams, Piet van der Merwe and Koos Malgas, though Helen Martins was the inspiration and director behind it all. Through a study of Helen Martins' background and life, and their effects upon her psyche, a rigorous attempt has been made to reach some understanding of why she became a recluse, and what caused her to create this unique body of work comprising her entire domestic environment. She became increasingly asocial as her life progressed, and ultimately ended it by committing suicide in 1976. Through the universality of symbolism, the meanings of the subjects, themes and concerns which she chose to depict are studied. Then, together with some knowledge of her life and personal influences, an attempt has been made to deduce what it was that Helen Martins was trying to express and work through in her creations. This study also led to an awareness of the fact that, although each one is unique, there are many examples of Outsider Art throughout the world. Fundamentally, creators of Outsider Art remain asocial in relation to their cultural milieu and cultural context. Some other examples of Outsider Art, both in South Africa as well as in Europe and India, were visited, and are described and compared with The Owl House as well as with one another. The way in which society reacts or responds to Outsider Art and its creators is studied through the comprehensive records of one specific case which caused great controversy in Johannesburg during the 1970s. Ultimately, working alone or with assistance, it is the Outsider artist who is the driving force behind these unique works, and whose indefinable inner fire of passion alone makes it possible to bring them into being. It would seem that the fascination with Outsider Art is that through their work, creators allow others a glimpse into a different sense of reality which is both mysterious and inexplicable.
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Sévigny, Michel. "Sculpture et bruit /." Thèse, Chicoutimi : Université du Québec à Chicoutimi, 1994. http://theses.uqac.ca.
Full text
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Langwagen, Simon. "Bjurfors bruk : Lämningar med guldkant." Thesis, Uppsala universitet, Kulturvård, 2016. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:uu:diva-323588.
Full textAbstract:
Under 1600-talet anlades en handfull mässingsbruk i Sverige, främst i mellersta Svealand, detta som svar på kungliga påbud. Trotts att det är en förhållandevis liten industri, så vägde den tungt för svensk handel, och den svenska mässingstråden var efterfrågad i hela Europa. Dokument från inrikestullen 1756 visar att skatten, eller det vi idag kallar momsen, var dubbelt så hög på en mässingsvara, i jämförelse med motsvarande vara tillverkad i koppar. I grova drag kan vi säga att mässingen drog in dubbelt så mycket intäkter som kopparen, sett till samma kvantitet. Trotts denna typ av bruks viktiga roll i svensk socioekonomi och industrihistoria, så är de många gånger dåligt dokumenterade. Bjurfors mässingsbruk är, trotts det rika arkivmaterialet, ett outforskat område. Ett forskningsområde som kan ge viktiga nycklar till att förstå mässingsmanufakturen under och efter den svenska storhetstiden. I dagsläge hotas de fornlämningsklassade ruinerna efter den stora trådhyttan av direkt passiva åtgärdsplaner. Naturen har sedan länge tagit tillbaka de områden som en gång var en livlig industri i hjärtat av bergslagen. Skogen utgör stor skada på de överlevande murverken, och i denna takt kommer detta historiska minnesmärke inom kort vara förlorat för all framtid.<br>During the 17th century, a handful of brassworks were founded in Sweden as a result of a royal decree. These brassworks are today mainly to be found in the swedish midlands, in a region called Bergslagen. Although a small industry, it was a big and heavy player in the swedish economy, and its goods were exported all over Europe. Even though it is an important part of Swedish industrial history, the brassworks of the Stuart era are badly recorded, and many of the industrial sites are long gone. The national archives sits on huge quantities of information, and yet it is seldomly used for research purposes. This study focuses on the brassworks at Bjurfors, and lists its historical devlopment in the region. The individual workshops are mainly described by its appearances and functions. Finally i rise the discussion concerning the situation of today , and the problems in preserving the ruins for the future
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Le, Saux Françoise Hazel Marie. "Layamon's "Brut" : the poem and its sources /." Cambridge : [GB] : D. S. Brewer, 1989. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb36660138f.
Full text
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Tiller, Kenneth Jack. "Lazamon's "Brut" and the Anglo-Norman vision of history /." Cardiff : University of Wales press, 2007. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41040855x.
Full text
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Kristiansen, Heidi. "Å bruke fortiden : Helleristninger i Sverige som eksempel på kulturarv og dens bruk." Thesis, Uppsala universitet, Institutionen för arkeologi och antik historia, 2018. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:uu:diva-353049.
Full textAbstract:
The aim of the essay is to investigate rock art in Sweden as a cultural heritage. The material in the essay is rock art. The method is a literature study that compiles and analyzes other researchers’ views of the material (rock art). I limit the essay to rock art in Sweden. The essay has 3 questions: 1 How can cultural heritage be used? 2 Which laws protect rock art? 2 Are there archaeological traces of the fact that the rock art continued to have significance after no new rock art were created? The theoretical point of departure of the essay is historical perspective. The physical traces of the past are seen as different functions and have different meanings for different periods of time. The result of the essay is that rock art are seen as memories preserved in physical form (in books) and the actual ritual to punch the pictures or that performing rituals are seen as bodily preserved memory for example memorial ceremonies. The Heritage Board of Sweden works with the protection of culture, with knowledge dissemination and knowledge building, conservation and care authority work and archaeological assignments. County Administrative Board is responsible for protecting, informing and protecting the regional cultural environment as building and settlements, ancient objects and churches, cultural landscapes and industrial history sites. The Heritage Law determines the protection of valuable buildings such as ancient monuments, ancient finds, church cultural monuments and some cultural objects. The rock art form Stone Age may have affected where new rock art were placed under the Bronze Age, which affected the location of Rockies during the younger Bronze Age. Recent visits created a movement pattern in the landscape that may have lived and structured peoples activities also after the tradition of making new pictures had ceased. Rock art premises may have affected where new rock art were placed during the early Bronze Age, which affected the location of Rockies during the younger Bronze Age.
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Michel, Agnès. "Production de protéines de levures à partir de lactosérum brut." Grenoble 2 : ANRT, 1986. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37599642t.
Full text
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Oppedal, Anita Iren. "Alt er metadata : Bruk av metadata i et integrert brukersystem." Thesis, Norwegian University of Science and Technology, Department of Computer and Information Science, 2000. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:no:ntnu:diva-227.
Full textAbstract:
<p>Denne hovedfagsavhandlingen setter fokus på hvordan metadata brukes i et integrert brukersystem i en bedrift.</p><p>I et informasjonsrom er informasjonsressurser fra ulike medier intergrert, og en trenger et felles “bindeledd” for å støtte bedre gjenfinning og tilgang til informasjon i informasjonsrommet. Problemet er ofte at de ulike medier bruker ulike format for beskrivelse av sine informasjonsressurser, noe som vanskeliggjør interoperabilitet mellom de ulike medier. Dersom de ulike medier kan bruke samme metadataformat til å beskrive sine informasjonsressurser, vil det bedre interoperabiliteten.</p><p>Dublin Core Metadata Element Set (DC) er et format utviklet med tanke på publisering av informasjonsressuser via Intranett og Internett. Det er DC som er bindeleddet i det virtuelle informasjonsrommet som denne avhandlingen tar utgangspunkt i.</p><p>Sentralt i denne avhandlingen står vurderingen av hvordan Adresseavisens indekseringsbehov kan tilfredsstilles i DC for informasjonsressurser som artikler, bilder/illustrasjoner og film. Forslag til et kjerneformat for Adresseavisens informasjonsressurser, med medieavhengige variasjoner legges frem. Dette er informasjonsressurser hvor avis er brukskontekst. Forslaget som fremlegges imøtekommer resultater fra brukerundersøkelsen, og opplysninger og observasjon av hvordan indekseringsformatene allerede benytter brukes.</p><p>Undersøkelsen har resultert i følgende funn:</p><p>• De fleste brukere velger fritekstsøk fremfor metadatasøk</p><p>• Opplæring virker inn på bruk av metadata</p><p>• Arbeidsoppgaver/Informasjonsbehov påvirker bruk av metadata</p><p>• Erfaring med databasesystemet og hyppighet i søk i databasen kan påvirke bruk av metadata</p><p>• Noen metadataelement er mer bedre egnet for søk enn andre.</p><p>Undersøkelsene gir også anbefalinger som kan være nyttige ved navngivning av metadata. Følgende fremgår av undersøkelsen:</p><p>• Forkortelser i navngivning av metadata bør unngås for å gjøre dem mer selvforklarende</p><p>• Tvetydige begreper i navngivning av metadata gjør dem mindre intuitive i forhold til forståelse for innhold</p><p>Undersøkelsen er presentert med stolpediagram og tabeller, som er metoder som kan brukes til kvalitative analyser.</p>
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Schwanberg, Johanna. "Günter Brus : Bilddichtungen /." Wien ; Berlin ; New York : Springer, 2003. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb391281352.
Full text
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Centergran, Ulla. "Bygdedräkter, bruk och brukare /." [Göteborg] : [Etnologiska Föreningen i Västsverige], 1996. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37022552v.
Full text
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Freytag, Sylvie. "Art et politique en Autriche : l'impact des oeuvres d'Alfred Hrdlicka, de Friedenreich Hundertwasser, de Günter Brus et de Valie Export sur l'Autriche de la Seconde République." Thesis, Strasbourg, 2017. http://www.theses.fr/2017STRAC007/document.
Full textAbstract:
La recherche porte sur les relations entre les acteurs politiques et l’art subversif et leur positionnement face à des thèmes récurrents tels l’antisémitisme, l’oubli du passé, la condition de la femme, l’écologie. Partant des théories existantes sur les rapports entre l’art engagé et le politique, il s’agit d’étudier les œuvres de quatre artistes représentatifs à la fois de l’évolution des positions politiques et des techniques nouvelles à travers l’histoire de 1945 à nos jours, dans la IIe République d’Autriche : le sculpteur Alfred Hrdlicka, le peintre et architecte Friedensreich Hundertwasser, l’actionniste viennois Günter Brus, la féministe Valie Export. Ces artistes bousculent l’ordre établi à travers leur art agressif et leurs écrits. Le but est de définir la nature et le degré de leur protestation et de déterminer dans quelle mesure ils ont participé au débat démocratique et à la modernisation de la société autrichienne ainsi qu’à la construction identitaire de l’Autriche après 1945<br>The research relates to the relation between the political actors and subversive art and their respective position on dominant themes such as anti-Semitism, the denial of the Nazi past, the status of women, ecology. From existing theories on relations between engaged art and politics, it is a question of studying the works of art of four artists representative on both policy statements and newer technologies through history from 1945 up to now, in the Second Republic of Austria : the sculptor Alfred Hrdlicka, the painter and architect Friedensreich Hundertwasser, the Viennese actionist Günter Brus, the feminist Valie Export. Each one, in his own way, shakes up the established order through his aggressive art and writings. The aim is to specify the type and level of protest of these artists and to assess to what extent they have participated in the democratic debate and modernisation within Austrian society as well as in the identity building of Austria after 1945
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Frydendahl, Jan Gaute. "ARB-valsede laminatkompositter av AA3103 og Cu." Thesis, Norges teknisk-naturvitenskapelige universitet, Institutt for materialteknologi, 2012. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:no:ntnu:diva-18885.
Full textAbstract:
Laminatkompositter av plater av AA3103 aluminium + copper, samt AA3103 + C24000 messing, har blitt laget ved å anvende en prosess for akkumulert valsesveising (ARB). To forskjellige kobber/aluminium-stabler ble utsatt for 6 sykluser ARB ved en valsetemperatur på 350°C, og beholdt en kontinuerlig lagstruktur gjennom hele prosessen. Den relativt lave graden av kaldbearbeiding gjorde imidlertid at styrken økte lite eller ingenting med økende antall passeringer. 3 andre paralleller med originalstabler ble lagd av kobber, ikke-anløpt messing, og anløpt messing, der hver plate ble stablet mellom to aluminiumsplater som var betraktelig kaldvalset. Den første passeringen ARB foregikk ved 350°C, mens de påfølgende passeringene skjedde ved romtemperatur (CARB). Hver prøve som ble laget i løpet av denne prosessen ble kritisk oppsprukket, langs midten av plata, langsmed valseretningen, i løpet av den 5. passeringen ARB. I tilleg så hadde store, akkumulerte tøyninger forårsaket betydelig sprekkvekst langs kantene av laminatplatene.Etter passeringene før kritisk sprekkvekst oppstod, viste de kaldvalsede prøvene økende styrke med økende antall passeringer gjennom valsen, helt til det punktet hvor kobber/messing-lagene hadde sprukket opp og ble diskontinuerlige. De oppsprukne lagene bidro lite til styrke i både strekk- og bøyetester, samt at disse materialene gav prøver med innbyrdes større avvik mellom prøver tatt fra forskjellige steder på samme plate. Tidligere forskningsarbeid har funnet at forskjeller i plastisk flyt kan forårsake instabiliteter ved grenseflatene, og at dette fører til necking av lagene til det hardeste materialet. I løpet av arbeidet utført i denne rapporten, ble forholdet mellom lagtykkelsen til de ulike materialene balansert for å motarbeide denne effekten. I tillegg så viste de fremstilte prøvene en hittil oversett instabilitetsmekanisme: skjærdeformasjon. Skjærbånd ble observert i kobberlagene under EBSD-undersøkelser, og antatt korresponderende bølgelignende deformasjonsmønstre, som forplantet seg på tvers av lag, ble observert i lysmikroskop.Videre ARB-passeringer med de utforskede materialene vil ikke være mulig uten noen form for varmebehandling eller anløping mellom enkelte passeringer, siden det vil bli nødvendig å løse opp spenninger i de svært arbeidsherdede materialene.
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Hulak, Fabienne. "L'Inscription trait d'union entre l'art des fous et l'art brut de Prinzhorn à Dubuffet." Lille 3 : ANRT, 1987. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb375984065.
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Dupuis, Matthew. "Charles Lebrun : painting the king and the king of painting." Thesis, McGill University, 1997. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=26684.
Full textAbstract:
This thesis examines the transformation in the representation of painters during Charles LeBrun's tenure as Life-Chancellor to the Academie Royale de Peinture et de Sculpture, from an initial definition in terms of the monarchy at Versailles to one founded on the practice of the art of painting. To promote the status of painters and painting, Louis XIV was celebrated as the protector of the arts in a royal portrait by Henri Testelin and was depicted as the ideal subject of art in paintings by Nicolas Loir and others. A painter's stature was then derived from the skillful manner in which he painted the history of the King. Engraved portraits accompanied by verse of Charles LeBrun and Adam Frans Van der Meulen identify allegorical painters as more distinguished than those who painted in a natural style. In both cases, Louis XIV is posited as being the source, subject, and eloquence of the art celebrating his achievements. Nicolas de Largillierre's Portrait of Charles Lebrun is modeled on Testelin's royal portrait and offers a portrayal of the artist which advocates service to the monarchy, but it grounds aesthetic activity in the body of the painter. This conception of LeBrun, in turn, serves as a paradigm for Pierre Mignard to create a self-portrait that proclaims his status in relation to the art of painting rather than through service to the King.
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Falcou, Roselyne. "Tissu adipeux brun et obésité nutritionnelle du rat." Grenoble 2 : ANRT, 1987. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb376049313.
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