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Dissertations / Theses on the topic 'Art chrétien – France – 1500-'
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Gaulard, Bénédicte. "Création artistique et réforme catholique en Franche-Comté (1571-1654) : "connaitre invisible par les choses visibles"." Dijon, 1999. http://www.theses.fr/1999DIJOL009.
Full textAbstract:
La réforme catholique a suscité de nombreuses représentations artistiques en Franche-Comté, terre de fidélité à la foi romaine. L'articulation entre création artistique et dévotions est étudiée dans cette thèse divisée en cinq parties et dont les limites chronologiques couvrent plus d'un demi-siècle, de la publication des décrets du Concile de Trente en 1571 à la mort de l'archevêque Claude d'Achey en 1654. Dans une première partie, l'auteur souligne la spécificité de la société comtoise qui est sacralisée. La question des images, de la décoration des édifices religieux (églises, abbayes, couvents, collèges jésuites) et des demeures privées est ensuite abordée, ainsi que l'importance de la Franche-Comté comme foyer artistique vital au XVIIe siècle. L'auteur analyse le phénomène des dynasties d'artistes, leur activité au service des municipalités, des gouverneurs de Besançon et du clergé. Les liens entre dévotions et iconographie sont ensuite examinés à travers l'étude des représentations de la vierge et des saints, l'essor du culte des reliques et la piété christocentriqueThe catholic reform aroused many artistic representations in Franche-Comté, land of fidelity at the catholic faifth. The articulation between artistic creation and devotions is studied in this thesis divided in five parts from the publication of the decrees of the Council of Trente in 1571 to the deadth of Claude d'Achey in 1654. In a first time, the autor emphasizes the specificity of Franche-Comté 's society which is sacred. The question of pictures, embellishment of churchs and houses is then tackled, and the importance of the Franche-Comté like an vital artistic center during the XVIIe century. The autor analyses the phenomenon of the artists 's dynasties, these activities for corporations, municipalities, clergy and governors of Besançon. The connections between devotions and iconography are studied trought representations of the blesses virgin mary, the saints, worship of relics and christian piety
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Gagné, Annick. "ISTE LOCUS FULGET: LES INSCRIPTIONS D'AUTEL (FRANCE, XIe-XIIIe SIÈCLES): l'écriture et la matière dans l'église." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27553/27553.pdf.
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Genest, Renée. "Les formes circulaires sculptées : Étude de cas : la frise à médaillons du portail roman de l'église abbatiale de Cluny au XIIe et XIIIe siècles." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/28813/28813.pdf.
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Lacroix, Laurier. "Le fonds de tableaux Desjardins : nature et influence." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1998. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp03/NQ36285.pdf.
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5
Pernuit, Claire. "Une relecture de la cathédrale de Sens : (1130-1550)." Thesis, Dijon, 2015. http://www.theses.fr/2015DIJOL016.
Full textAbstract:
Cette thèse s’inscrit dans le prolongement d’un premier travail, mené dans le cadre du Master I, puis du Master II, sur l’iconographie des vitraux du XIIIe siècle de la cathédrale sénonaise. Suite à cette première étude, un constat s’est imposé : malgré l’étendue des travaux antérieurs, l’analyse de l’édifice du « premier maître », pour reprendre l’expression de Jacques Henriet, c’est-à-dire l’analyse du projet du XIIe siècle, l’étude de la chronologie du chantier, mais également des nombreuses modifications subies par la cathédrale métropolitaine au Moyen Âge, et plus particulièrement aux XIIIe et XIVe siècles, laissait place à des observations complémentaires. Au regard de l’ampleur de la tâche, la démarche devait alors prendre le sens d’une « relecture » de la cathédrale métropolitaine, c’est-à-dire une nouvelle lecture approfondie et systématique des données. L’étude se divise en trois parties permettant successivement la définition du contexte archéologique de la cathédrale métropolitaine, puis l’analyse de l’édifice du premier maître et les modifications apportées à ce projet aux XIIIe, XIVe et XVe siècles. La troisième et dernière séquence de ce travail, est conçue comme une tentative de « faire vivre » l’édifice médiéval, afin d’aborder les questions de la gestion de l’espace, de la circulation et de la place des images au seuil et au sein de la cathédraleThis research is an extension of a previous work, dedicated to the 13th-century stained-glass windows of the cathedral of Sens. Out of this first study was recognition that despite earlier initiated works and studies, the analysis of the building of the « First Master », to quote Jacques Henriet – that is, the chronology of the construction in the 12th and the modifications of its structure in the 13th, 14th and 15th century – was not fully achieved. The study is divided into three parts : the first two parts are dedicated to the archaeological context of the metropolitan church, the architectural analysis of the builing and the chronology of the construction (12th to 15th century) ; the third part is intended to understand the place of the monumental images and the light in the building, and how both clerical and lay could have reacted to them
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Côté, Mélanie. "La légende de Théophile dans l’occident médiéval (IXe-XVIe siècle) : analyse textuelle et iconographique." Master's thesis, Université Laval, 2014. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25592.
Full textAbstract:
La légende de Théophile est complexe et elle occupe une place privilégiée dans l’Occident médiéval. Elle est représentée dans plusieurs manuscrits et sur de nombreux vitraux. Elle est également sculptée sur les parois de quelques églises et elle bénéficie très tôt d’une vaste tradition textuelle. L’objectif de cette étude est d’analyser ce thème en l’articulant à la réalité historique, aux comportements humains, mais aussi en effectuant de continuels allers et retours entre les images, les textes et leur environnement. Ainsi, l’étude sérielle et relationnelle de cinquante images provenant de supports variés (manuscrits, vitraux, images sculptées), combinée à l’analyse de plusieurs textes, révèle la dynamique et l’inventivité des représentations de cette légende particulièrement entre le IXe et le XVIe siècle.
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Delerins, Richard. "Le goût des saveurs : art culinaire et philosophie à l'âge classique." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010667.
Full textAbstract:
A l'âge classique (XVIe - XVIIIe siècles) cuisine et philosophie ont entretenu des liens étroits; les cuisiniers ont emprunté aux philosophes leurs idées sur la nature et sur la « nature humaine»; les philosophes se sont interrogés sur l'alimentation et sur l'art culinaire. Que signifie lire et interpréter les recettes de cuisine anciennes : du Mesnagier de Paris (1393) à L'Art de la cuisine française au XIX siècle d'Antonin Carême (1832) ; la classification et le statut des aliments; les relations entre médecine, pharmacopée et alimentation; la diététique; les relations entre l'âme et le corps; la physiologie de la nutrition; les relations entre alchimie et cuisine; qu'est-ce qu'un aliment ?; la structure et la dynamique de l'« espace alimentaire» ; les principes de cuisson des aliments; La Varenne et l'invention de la cuisine française au milieu du XVIIe siècle; la réforme de la matière et des savoirs alimentaires; les représentations et les modèles du goût et des saveurs; les savoirs des grands chefs du siècle des Lumières : L. S. R, Massialot, Marin, Menon ; l'architecture du système culinaire français; la cuisine et son statut parmi les arts: peut-on parler d'une esthétique culinaire? Le goût et les saveurs ont-ils une histoire?
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Rolland, Juliette. "Pour tout l'art de Dieu : contribution à une sociologie picturale des églises parisiennes pendant l'ère paroissiale." Paris 5, 2003. http://www.theses.fr/2003PA05H061.
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Leclercq-Marx, Jacqueline. "La sirène dans la pensée et dans l'art chrétien, 2e - 12e siècles: antécédents culturels et réalités nouvelles." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 1987. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/213418.
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10
Amiot, Emmanuelle. "La peinture religieuse en France : 1873-1879." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040106.
Full textAbstract:
1873-1879 : années fastes pour la peinture religieuse, encouragée par une Etat clérical comme par les municipalités, celle de Paris en particulier. Dans un contexte troublé de "retour à l'ordre", sous la présidence de Mac Mahon, les artistes qui sacrifièrent au genre pouvaient-ils garder quelque liberté d'invention ? De fait, si le directeur des Beaux-Arts, Philippe de Chennevières, dans la mise en pratique de sa politique, s'avère tout libéral, le parti catholique affirmait une théorie de l'art qui donne la mesure des enjeux qui se nouent autour du genre mais qui pouvait constituer une contrainte supplémentaire. Dans les Salons comme aux murs des églises, religion rimait-elle avec tradition et convention ? A l'inverse, les peintures retrouvées sont si diverses et inventives qu'elles semblent refléter toutes les préoccupations du temps et bien des formes possibles : néo-primitivisme, éclectisme, naturalisme, autant de voies explorées qui confèrent à cette peinture un visage kaléidoscopique, celui-là même de l'époque.
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Drugeon, Fanny. "Incarnation sans figures ? : l'abstraction et L'Église catholique en France, 1945-1965." Tours, 2007. http://www.theses.fr/2007TOUR2015.
Full textAbstract:
Le développement d'un art abstrait au sein de la religion de l'Incarnation a des conséquences en partie paradoxales du point de vue du dogme catholique. Il s'agit de comprendre le rôle qu'a pu jouer la notion d'abstraction dans l'Église, et vice et versa, et comment a pu être acceptée une incarnation sans figures. La thèse aborde tout d'abord les rapports réflexifs que l'Église entretient avec les arts, et les enjeux institutionnels et artistiques qui y sont liés. Elle s'intéresse ensuite aux réalisations nées en partie d'une volonté de rapprochement du temps présent et de recherche d'un langage propre à l'Église. En outre, les créations indépendantes conduisent à s'interroger sur la complexité de la relation entre abstraction et Église catholique dans un cadre non liturgique. Enfin, le débat est replacé dans un contexte plus large : la société moderne, à travers les expositions, salons ou collections d'art sacré, dans lesquels l'abstraction trouve progressivement une place de choixThe development of an abstract art within the religion of Incarnation has partly paradoxical consequences regarding the catholic dogma. The point is to understand the part played by the notion of abstract art within the Church, and vice versa, and how an incarnation without figures could be accepted. This dissertation firstly studies the reflexive relationship between the church and the arts, and the institutional and artistic issues linked. Then, it examines the creations partly born because of the will of a connection between the present and the research of a proper Church language. Moreover, through the independent creations appears the complexity of the relations between abstract art and Catholic Church in a non-liturgical environment. Finally, the debate is replaced in a larger context : the modern society, through sacred art exhibitions, shows or collections, where abstract art progressively gains a prime space
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Costa, Sandra. "Des ateliers au musée : histoire du classicisme bolonais en France (1648-1816)." Paris 1, 1990. http://www.theses.fr/1990PA010582.
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Dauphin-Meunier, Romain. "Joseph Aubert (1849-1924) : la vie et l'oeuvre d'un peintre chrétien." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2004PA040136.
Full textAbstract:
Joseph Aubert fut un des peintres religieux majeurs de la période 1880-1920. Tombé aujourd'hui dans l'oubli, il nous est apparu nécessaire de l'en sortir par une analyse générale de sa vie et de son œuvre. Né à Nantes en 1849, Aubert se sentit très tôt une vocation de peintre religieux. Élève d'Yvon puis de Cabanel, n'ayant pu concourir pour le Prix de Rome en raison de son mariage, il se spécialisa dans la peinture religieuse, et plus particulièrement dans les décors d'églises. Désirant renouveler les thèmes bibliques, il fit trois périples au Proche-Orient entre 1892 et 1900. Les décors de Notre-Dame-des-Champs à Paris et de Notre-Dame de Besançon sont considérés comme des œuvres ayant marqué la peinture religieuse de ces années. Aubert avait acquis en 1898 le domaine de l'Ermitage dans le Doubs où il venait se reposer chaque été. Il y tenait également un atelier. Il mourut en 1924 au couvent des Fontenelles, ne laissant pas de descendance directe. Peintre discret mais réputé auprès du Clergé de son époque, chrétien pratiquant, dessinateur talentueux, bon portraitiste, Aubert fut sans doute le chaînon manquant reliant le classicisme archaïsant d'Hippolyte Flandrin au renouvellement formel de Maurice Denis. D'où la nécessité d'un catalogue raisonné qui puisse rendre compte de l'ampleur d'un travail plus éclectique qu'il n'y paraît et rendre ainsi sa place à un artiste qui avait fait de la religion sa principale confidente et museJoseph Aubert was one of the greater religious painters at the turn of the 19th century. Although he's completely forgotten nowadays, it seemed necessary for us to rehabilitate him with a general analysis of his life and work. Born in Nantes in 1849 Aubert felt an early vocation for religious painting. He studied at Yvon's studio, then at Cabanel's. He wasn't allowed to compete for the Rome Grand Prix cause of his recent marriage. He specialized in religious painting and especially in decoration of churches. As he desired to renew biblical topics, he made three trips to Palestine between 1892 and 1900. The pannels of Notre-Dame-des-Champs in Paris and Notre-Dame in Besançon are considered as masterpieces of religious painting at that time. Aubert bought the Ermitage castle in Franche-Comté in 1898. He got used to come there every summer for resting and he also had a studio. He died in 1924 at the Fontenelles monastery without having any children. Aubert was a discreet but renowned artist by the Clergy. Fervent Christian, talentuous drawer, good portraitist, Aubert maybe was the missing link between Hippolyte Flandrin's archaic classicism and Maurice Denis' formal renewal. So it was necessary to make a Catalogue Raisonné that gives his place back to an artist who had made religion her main confidant and Muse
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Courtillé, Anne. "Les débuts de l'art gothique en Auvergne." Paris 10, 1988. http://www.theses.fr/1988PA100012.
Full textAbstract:
Pares les raisons du choix du sujet, l'expose de la méthode et des difficultés un état de la question précède la présentation géographique et historique de la région et un point sur l'art roman auvergnat. Les prémices - abbatiales de Saint-Pourçain-sur-Sioule et d’Ébreuil - précèdent les étapes d’Aigueperse, de Riom, d’Ennezat et de Billom. Le troisième chapitre montre la présence d'éléments gothiques - bases a griffes, chapiteaux a crochets, portails - dans les édifices de structure encore romane. Puis sont analysées les églises ou les voutes d'ogives sont adoptées de façon ponctuelle et sans entrainer d'effet vraiment nouveau. Vient ensuite une série d'édifices ou l'ogive se répand au contraire. 94 églises ont ainsi été répertoriées pour une période entre 1160 et 1250. Situes surtout dans le nord-ouest et le long des Limagnes, ils témoignent d'une importante activité architecturale dont les promoteurs sont surtout monastiques mais aussi laïques dans le cadre notamment des villes neuves. Le poids de la tradition énorme tant dans l'éclairage, le mur épais que les supports ou la modestie des portails, s'y conjugue avec une capacité d'accueil remarquable du nouveau style, et d'amalgame, d'où des expériences multiformes et un éclectisme général ambiant. Rencontre de forces contradictoires internes et externes, mutation lente qui témoigne de la souplesse remarquable dont l'art gothique faisait finalement preuve, tel est le gothique débutant en auvergne. Des jalons étaient posés qui seraient revigores par le chantier de la cathédrale de Clermont à partir de 1248This doctoral dissertation aims at showing the very early existence in Auvergne of gothic features, which appeared first in the abbey-churches at St-Pourcain-sur-Sioule and Ebreuil, followed by developments at Aigueperse, Riom and Billom. Chapter iii explains the adoption of such gothic elements as bases, capitals, portals in churches that, structurally, are still Romanesque. The next step was the adoption of rib-vaulting but in so limited a way that there was no alteration in the general aspect of churches. The last two chapters insist on the contrary on the wide-spread use of rib-vaulting. A list of 94 churches dating from 1160 to 1250 has been exanimated in this book. Most of these churches are located north-west of the Limagne basin alongside id and stand as witnesses of an important architectural activity promoted by the monasteries, but also by lay persons. The weight of tradition is still felt in the small windows, the thick walls or the vertical supports as well as in the size of portals, although one can observe a remarkable capacity for adopting the new style and therefore to combine new with old in a rather remarkable way, the aesthetic effect being one of multiplicity of forms and pervading eclectic. From 1248 onwards, the adoption of gothic features was to be encouraged by the building of the cathedral at Clermont
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Caussé, Françoise. "Les artistes, l'art et la religion en France : les débats suscités par la revue "L' art sacré" entre 1945 et 1954." Bordeaux 3, 1999. http://www.theses.fr/1999BOR30037.
Full textAbstract:
La these retrace a propos de l'eglise catholique de france une etape importante de la reflexion sur les liens entre l'art d'une epoque et l'expression de la foi religieuse, cette reflexion nee au xixe siecle et qui avait recu de premieres reponses durant l'entre-deuxguerres. Trouva apres la seconde guerre une veritable audience mediatique. Puisant a de nombreuses sources inedites la these retracel'histoire de la revue l'art sacre et de ses deux directeurs, les peres m-a. Couturier et p-r. Regamey, o. P. Elle precise les donnees relatives aux edifices qui provoquerent les debats, principalement: l'eglise d'assy (hte savoie), decoree par des artistes celebres (rouault, leger, bonnard. . . ), la chapelle de vence, concue et decoree par matisse, l'eglise du sacre-coeur a audincourt, decoree par bazaine et leger. Elle presente la biographie de nombreuses personnes et decrit les actions menees dans le diocese de besancon. La these met dans une perspective historique correcte les positions theoriques de la revue. Le parti fondamental des directeurs de l'art sacre etait que l'art religieux revelait l'etat de la spiritualite de son eglise. Aussi s'opposant a l'esprit de "saint-sulpice" la revue, prenant en compte tous les aspects de l'eglise (programme architectural, decor mais aussi culte) defendit le principe de constructions modestes mais dignes, portant temoignage par leur qualite artistique et leur modernite. Pour etre veritablement religieux en effet, l'art devait etre "vivant", plonger dans la vie artistique de son temps. La these analyse les debats majeurs et leur posterite, les principaux themes etant les relations entre l'eglise institutionnelle et la creation contemporaine; le role du decor et la place de l'art non-figuratif dans l'eglise; la fonction sociale de l'art. La question traitee recoupe d'autres champs d'etudes, notamment l'histoire religieuse de la societe francaise. Nombreuses annexes, documentation, chronologies, index.
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Hamoury, Maud. "La peinture religieuse en Bretagne aux XVIIe et XVIIIe siècles." Rennes 2, 2006. http://www.theses.fr/2006REN20010.
Full textAbstract:
La richesse du patrimoine religieux breton n'est plus à démontrer. Pourtant l'étude de la peinture religieuse bretonne aux XVIIe et XVIIIe siècles, négligée par les érudits en raison de sa pauvreté supposée, restait encore à découvrir. Cette thèse propose d'analyser dans un premier temps les mécanismes de la commande à travers les différents commanditaires et d'étudier les différentes étapes de la commande que sont le choix de l'artiste, les modalités d'exécution, les obligations respectives des parties et le paiement des œuvres. Une seconde partie s'attache à l'étude des centres de production, l'environnement social et matériel des peintres, avant de s'intéresser au statut et à la formation. La troisième partie analyse le métier de peintre. Il s'agit d'abord de comprendre l'organisation du travail au sein d'un atelier ainsi que le rayonnement des peintres, puis, d'appréhender la technique et la nature du travail du peintre de tableaux. L'analyse du processus de création des œuvres à travers l'étude des sources d'inspiration et en particulier la gravure permet de mesurer l'importance de la copie. Enfin, une dernière partie s'attache à l'étude des œuvres d'un point de vue quantitatif et qualitatif. Un catalogue d'œuvres conservées en Bretagne et un dictionnaire d'artistes font l'objet de volumes à partThe purpose of this thesis is to study Breton religious painting between the XVII and the XVIII centuries. Although the richness of Breton religious heritage is well known, little attention has been given so far to Breton religious painting during this period because of its alleged poorness. This thesis is divided into four sections. Each one will analyse in depth the following topics : First an analysis of the structures of patronage and artistic commissions. These range from choosing the artist, methods and techniques through to contracts and final payments. Next, this thesis look into the different centres of artistic production and the social and economic contexts in which the artists worked. Attention will also be given to the artist's place in society and his training. Then the examine of the painter's profession : analysis of task distribution within the workshop and of the painters' influence. Understanding of painter's technical ability and nature of his work through the study of sources, especially prints. Then lastly, this thesis surveys the amount and range of paintings. Appendix I: Catalogue of paintings in Brittany. Appendix II: Biographical artists dictionary
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Notteghem, Emilie. "Parcours d’objets de dévotion : mémoire, esthétique, culture (France, XIXème-XXIème siècles)." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100069.
Full textAbstract:
Alors que s’effondre l’observance des obligations cultuelles, se multiplient les initiatives de patrimonialisation des traces matérielles de la culture chrétienne -collectionneurs privés, associations, musées d'art sacré. La recherche questionne pour une part les modalités de détachement de la religion catholique à l’âge adulte: ces objets sont mobilisés pour supporter une mémoire biographique et culturelle. L’autonomisation du registre esthétique permet la neutralisation de leur valeur cultuelle; néanmoins ils peuvent acquérir une nouvelle fonctionnalité rituelle qui prolonge ou transpose des usages domestiques de la coutume chrétienne. D’autre part, les officiants religieux, au tournant de deux mouvements institutionnels d’injonction patrimoniale, ecclésial et étatique, révèlent la quasi-impossibilité de faire des musées d’art sacré laïcs, et la grande difficulté à manipuler la catégorie des objets liturgiques; l’action muséographique paraissant impuissante à réanimer comme culture un « patrimoine commun »While cultual obligations are fading away, initiatives from private collectors, associations, sacred art museums to preserve Christian material heritage are growing. First, this study investigates individuals’ ways to distance themselves from Catholicism, in adulthood: objects are used to hold together a biographic and cultural memory. The autonomy of aesthetic from religion neutralizes objects’ cultual value; however they may acquire new ritual functions which extend or transpose domestic use of Christian traditions. Secondly, this study sheds light on religion officers’ position, caught in between two institutional movements of heritage summons – either ecclesiastical or governmental. This analysis leads to the conclusion that it is extremely difficult to work with liturgical objects and quasi-impossible to make non-religious sacred art museums. Museography seems to be helpless to resuscitate as a culture the so-called “shared heritage”
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Faggianelli, Camille Simone. "Image et prière : l'art monumental de la fresque dans la Corse génoise à la fin du Moyen Age (1386-1513) : étude iconographique et étude stylistique." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040273.
Full textAbstract:
Cette recherche a pour but de traduire le langage de l'imagerie pariétale conservée in situ, dans les absides d'une dizaine de chapelles rurales en mauvais état de conservation, situées en majorité dans le département de Haute-Corse. Les panneaux encore interprétables sont caractérisés par une grande richesse chromatique et ont été exécutés selon la technique de la fresque. L'image reflète la structure organique des ordres mendiants et plus particulièrement de l'ordre franciscain qui transmet un message pastoral essentiellement christocentrique et mariologique propre à la fin du moyen âge occidental chrétien. Les documents d'archives permettent d'affirmer une présence majoritaire des frères mineurs en Corse, en particulier au cours de la seconde moitié du XVe siècle. Ce moment franciscain post-bernardinien obéit à l'exégèse christologique augustinienne basée sur la primauté de la révélation sur le raisonnement, la passion, l'eucharistie et la rédemption. L'abside est réservée au Christ en majesté, parfois entouré du tétramorphe, et les deux écoinçons sont réservés à l'espace marial de l'annonciation, introduisant Marie dans le mystère trinitaire. L'intercession mariale et la médiation des saints sont réalisées au moyen de correspondances chromatiques croisées, horizontales ou verticales, définies par le choix de bordures d'encadrement linéaires ou géométriques. Le culte des saints met en scène trois modes de sainteté. Les apôtres s'alignent en frise, en piliers de l'église, au registre inferieur de l'abside, aux pieds du Christ en majesté parfois entoure du tetramorphe. Les martyrs paléochrétiens sont les médiateurs reconnus pour leurs vies dévolues à l'amour divin et pour leurs pouvoirs prophylactiques, au cours de cette période d'endémie pesteuse. Les saints plus récents, Bernardin de Sienne ou François d'Assise, occupent sur les piédroits de l'arc triomphal des espaces de dévotion privilégiés. Les formules iconographiques mêlent plusieurs niveaux de fonctionnement et héritent des expériences réalisées en Italie centrale, remodelées par les courants nordiques et leur assimilation dans les centres religieux alpins, ligures, sardes et aragonais. La pastorale franciscaine en Corse, en écho à Vekphrasis des frères, illustre, par des modèles répétés à l'identique dans les absides et réinterprétés par des ateliers locaux itinérants, les grandes options formelles…
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Gauer, Jean. "Henri Bacher et ses représentations religieuses oecuméniques." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 1999. http://www.theses.fr/1999STR2A011.
Full textAbstract:
Henri Bacher a été un artiste-peintre, portraitiste, graveur, illustrateur et exlibriste qui avait acquis une solide réputation pour la qualité de ses travaux. Il a été l'illustrateur de 3 volumes des "verkiingende weisen" édités par l'abbé Louis Pinck, le cure-folkloriste de Hambach. Grace à son don d'adaptation aux situations, il a illustré de nombreux calendriers, almanachs, livres, articles de presse qui lui ont valu la renommée d'imagier populaire. Il a été le créateur d'affiches, d'en-têtes de revues, de diplômes et de dessins de paysages qui restent des souvenirs d'une époque révolue. Ses ex-libris, échanges avec d'autres xylographes, sont connus dans le monde des collectionneurs de ces vignettes : il a ete a l'origine de la création, en 1933, de l'association des amis de l'ex-libris en alsace. Avec le pasteur K. H. Berron, il fut l'un des créateurs du mouvement oecuménique "una sancta ecclesia" d'Alsace et en animait des rencontres. Il en avait pris l'idée en s'inspirant de la <
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McKendrick, Scot. "Classical mythology and ancient history in works of art at the Courts of France, Burgundy and England 1364-1500." Thesis, Courtauld Institute of Art (University of London), 1988. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.282956.
Full text
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Gnuva, Jean. "Peintures murales médiévales d'Aquitaine, de la moitié du XIIème au milieu du XVIème siècle : étude iconographique, stylistique et chronologique." Rennes 2, 2000. http://www.theses.fr/2000REN20056.
Full textAbstract:
D'après un recensement d'environ 350 édifices ornés de peintures murales médiévales égayant les 5 départements d'une région admettant divers facies, la présence actuelle de cette expression artistique, essentiellement religieuse, a subi une perte pour moitié. L'époque romane comptabiliserait en tout 36 exemples, le XIVème siècle : 50, le XVème : 4, la fin du XVème et le début du XVIème siècle : 50, le XVIème siècle enfin : 81. L'absence de centre artistique ou d'un grand atelier est globalement à déplorer en Aquitaine. Hors, les premiers temps où quelques spécimen caractérisent des liens avec le Poitou, le midi languedocien ou la Catalogne, la production du XIVème siècle est féconde et porteuse d'un style relativement unifié, parfois encore propre à un art de cour. ; la fin du Moyen-Age, plus prolixe, s'abâtardit dans sa manière et se moralise, avant que des courants nordiques à nouveau, ou bien italianisants (provenant de la coulée méridionale de la Garonne) n'achèvent notre période dans une crise stylistique et une déperdition technique. En matière quantitative apparaît d'abord la Gironde, puis la Dordogne, les Landes, le Lot-et-Garonne et les Pyrénées-Atlantiques. Les conditions de la création furent tout de même intimées par une politique au long état de guerre (1345-1453) ravageant les campagnes, par un monachisme en grande partie urbain, évoluant parfois dans le rigorisme, par une situation géographique nodale sur les chemins de pèlerinage vers Saint-Jacques de Compostelle, ainsi qu'enfin par une révolution protestante (1540-1592) restant encore enracinée ; alors les paroisses de ces derniers temps reprenaient souvent pour leur décor les traits sous-jacents ou inventés des XIVème et XVème siècles, sans convictions novatricesA recent census shows that from the roughly 350 medieval wall-painted buildings to be found in the 5 departments of this diversified region, only half remains today. Among them, 36 may date back to the romanesque period, 50 to the XIVth century, 4 to the XVth, 50 to the end of the XVth and beginning of the XVIth, and 81 at last to the XVIth century. One could wish there had been some artistic center or famous workshop in Aquitaine. Although the first period reveals its links with the Poitou , the Languedoc or the Catalonia, the XIVth century is more creative with a style of its own, wich is sometimes similar to court art ; the end of the middle-ages is fertile but tends to denegerate and become moral ; eventually some trends from the North or from Italy (via the Southern Garonne) made this period lose part of its technical skills and meet a style crisis. Most of paintingscan be found first in the department of the Gironde, then the Dordogne, the Landes, the Lot-et-Garonne and finally the Pyrenees-Atlantiques. Nevertheless, creation has been affected by a long time of war (from 1345 to 1453) wich destroyed the countyside, by the fact that monasteries tended to settle in town and sometimes became austere, by the location at the crossroads on the way to Santiago de Compostela, and finally by the protestant revolution (1540-1592) wich was still deeply rooted. At the end of the period , the parishes would borrow their decoration items from the XIVth and XVth century, without trying to innovate
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Blancher-Riviale, Laurence. "Le Vitrail dans les anciens diocèses de Rouen et d'Evreux : formes et réformes (1517-1596)." Tours, 2004. http://www.theses.fr/2004TOUR2023.
Full textAbstract:
Partant d'une remarque d'Emile Mâle qui voyait dans les verrières de Conches, une "réfutation du calvinisme", cette thèse s'est proposée une étude stylistique et iconographique du vitrail normand dans la perspective de la Réforme, étude effectuée sur la base des données du récent Récensement des Vitraux de le Haute Normandie et justifiée à la fois par un imposant corpus et par la précose pénétration dans cette province des doctrines nouvelles. La méthode adoptée associe à l'approche iconographique la recherche des modèles graphiques, considérés comme signifiants et privilégie une mise en relation avec les évenements historiques et la controverse religieuse, les poésies et pamphlets anti-protestants. Si les modéles gravés utilisés entre 1520 et 1550 sont de préférence italiens et exaltent la Rome vaticane, de 1562 à l'édit de Nantes, ils sont pour la pluspart originaires des Pays -Bas où ils servent une idéologie ; on remarque encore des relations étroites entre les illustrations des pamphlets anti-protestants et les verrières. Une analyse approfondie des oeuvres réalisées entre 1522 et 1562 montre ainsi que la contre propagande catholique utilise le vitrail comme médium privilégié et qu'elle n'attend ni la fin du Concile de Trente ni l'ère de la Contre-Réforme officielle.
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Meiffret, Laurence. "Les cycles de la vie de Saint Antoine ermite dans l'iconographie française et italienne du XIVème au XVIème siècle : intervention des légendes et influence culturelle dans la constitution de l'image d'un Saint." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010561.
Full textAbstract:
Au milieu du XIVème siecle apparaissent les premiers cycles iconographiques de la vie de Saint Antoine ermite, le père Égyptien des moines. Ce phénomène, qui correspond à l'apogée du culte du Saint en occident grâce notamment au prosélytisme des chanoines de l'ordre de Saint Antoine, connait un développement important jusqu'au XVIème siècle, particulièrement dans le sud-est de la France et dans l'Italie septentrionale et centrale. En témoigne un corpus d'une quarantaine de cycles d'origines variées : manuscrits destinés à l'élite religieuse, retables de patriciens ou de riches confréries, fresques de chapelles rurales ou de communautés réformées. Les raisons de cette émergence et de ce déclin, aussi impromptus l'une que l'autre, révèlent la coïncidence de l'intérêt populaire pour un Saint thaumaturge et justicier et de celui des ordres, essentiellements des mendiants, pour ce modèle de sainteté érémitique des débuts du christianisme. L'occidentalisation progressive de l'ermite passe ainsi par deux procédés presque antagonistes : d'une part la substitution a son austerité d'ascète solitaire d'un paternalisme bienveillant quoi qu'intransigeant, d'autre part l'accentuation de son identité de précurseur ayant ouvert la voie du désert. Pour ce faire, l'iconographie, étayée par l'invention de légendaires apocryphes, propose un vecteur de diffusion privilégié à l'attention des commanditaires. Outre les antonins, qui développent de tels programmes iconographiques surtout dans le premier quart du XVème siècle, les augustins et les franciscains reformes vont se faire les principaux initiateurs du phenomene, trouvant avec la personnalite d'Antoine, dans leur quête d'un exemple antérieur à leurs fondateurs eux-mêmes, une caution pour justifier l'orientation de leurs choix spirituels et de leurs modes de vie. En ce sens, le redécouverte du Saint servit plus de support a une reforme interne des courants ascétiques de la fin du Moyen-Age qu'au renouveau même de leurs doctrines. C'est aussi en quoi ce phénomène iconographique particulier semble emblématique d'un processus d'appropriation plus général, conduisant à faire des Saints les plus éloignés dans le temps et l'espace, des figures initiatiques et exemplaires, rajeunies par une relecture totale de leur existence.
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Sansy, Danièle. "L'image du juif en France du nord et en Angleterre du XIIe au XVe siècle." Paris 10, 1994. http://www.theses.fr/1994PA100035.
Full textAbstract:
L'imaginaire du juif en France du nord et en Angleterre, aussi bien dans les textes que dans les représentations figurées, s'articule entre le douzième et le quinzième siècle autour de deux figures principales : le meurtrier du christ et l'infidèle. La responsabilité des juifs dans la crucifixion du christ est sans cesse réaffirmée, réactualisée dans les accusations de meurtre d'enfants chrétiens qui apparaissent en Angleterre et en France dans la seconde moitié du douzième siècle, puis, à partir du milieu du treizième siècle, dans des accusations de profanation d'hostie, en particulier lors du miracle des billettes de 1290. Au fur et à mesure que se développe la dévotion au christ souffrant, le juif est peint de plus en plus comme le bourreau du christ, prenant vie sur la scène des mystères de la passion de la fin du Moyen Age. En tant que non-chrétien, représentant de l'ancienne loi, le juif est conçu comme l'enfant de la synagogue, source permanente de blasphème au sein d'une société chrétienne. Il devient une figure emblématique de l'infidélité, de préférence au musulman, mais ne semble pas avoir été perçu comme un réel danger d'apostasie ou d'hérésie. Les associations entre le juif et le diable demeurent limitées, même si certains attributs iconographiques du juif puisent dans l'iconographie diabolique. L'étude des déformations physiques et des écarts vestimentaires (les signes distinctifs et les couvre-chefs) dans les représentations figurées confirme l'absence de portrait type du juifThe imaginary of the Jew in northern France and in England, as well in the texts as in the pictures, is represend from the twelfth to the fifteenth century by two main figures: the murderer of Christ and the infidel. The Jew’s guilt of Christ’s crucifixion is alleged and repeated in the allegations of christian children murders which occur in the second half of the twelfth century and in the charges of host desecration, particularly in the miracle of billettes in 1920. As the devotion to the suffering Christ is increasing, the Jew is described as Christ’s torturer, becoming a character of the passion plays in the end of the middle ages. As a non-christian, the Jew is considered as synagogue's child and as a permanent source of blasphemy within the Christian society. He becomes an emblematic figure of the infidelity, more than the Saracen, but he is not considered as a real danger of apostasy or heresy. Surprisingly, the associations between the Jew and the devil are very exceptional, even if some iconographic attributes of the Jew come from those of the devil. The study of the physical distortions, the clothing differences, the Jewish badge, and the headdress in the pictures confirms that there is not a typical representation of the Jew
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Brodier, Sébastien. "L'histoire d'une place forte à l'époque moderne : Givet." Reims, 2005. http://www.theses.fr/2005REIML002.
Full textAbstract:
Cette étude vise à rendre, à travers l'exemple de Givet, toute la complexité de l'objet historique place forte à l'époque moderne. Givet a été choisi en raison de deux singularités dont il importe de rendre compte. De 1555 à 1680, il est placé sous la souveraineté des Habsbourgs de Madrid, alors maîtres des "pays de par-deçà". Après 1680, il fait partie du royaume de France. Ce passage sous la bannière des fleurs de lys n'est pas remis en question durant le reste de la période. Il permet par conséquent d'analyser dans quelle mesure il constitue une rupture pour chacun des éléments qui structurent la vie de la place forte. Une autre singularité de Givet réside dans ses liens avec la principauté épiscopale de Liège. Ceux-ci, antérieurs à la période, ne se disloquent que sous la Révolution. La volonté d'appréhender sur la longue durée l'évolution de chacun des éléments autour desquels s'organise la vie d'une place forte fait que plusieurs axes d'étude sont suivis en parallèle. Le premier concerne l'ensemble fortifié. Est étudiée la manière dont les principes de la "Trace italienne" sont mis en œuvre pour le constituer, puis le perfectionner. Les choix effectués par les souverains successifs au sujet des fortifications givetoises relèvent cependant de bien d'autres choses que de simples considérations techniques. Comprendre leur réelle portée implique de reconstituer l'évolution du contexte stratégique, mais aussi financier. L'étude d'une place forte est aussi celle de son personnel militaire. La prosopographie permet d'éclairer les évolutions que connaissent le groupe des individus chargés de son commandement, ainsi que celui des responsables techniques. Pour les hommes de troupes, les comptes sont plus utiles. Il en est de même pour les relations économiques entre les civils et l'armée. Les premiers trouvent un réel bénéfice dans ces rapports. Celui-ci n'est pas annulé par les éventuels désordres sociaux ou religieux générés par la présence de militairesThis study aims to render, through the example of Givet, all the complexity of the historical object strong place in early modern period. Givet has been chosen because of two peculiarities which matter to account for. From 1555 to 1680, it is placed under the sovereignty of the Habsburg of Madrid, at that time masters of the "pays de par-deçà". After 1680, it is part of the kingdom of France. This passage under the banner of the flowers of lily hasn't been questioned during the rest of the period. It allows accordingly analysing in which measure it constitutes a breaking for each of the elements that structure the life of the strong place. Another particularity of Givet rests in its links with the Episcopal principality of Liege. These one, former to the period, don't break up before the Revolution. The will of apprehending on the long duration the evolution of each of the elements around which gets the life of the strong place gets organised makes that several axis of study have been followed parallel. The first concerns the fortified whole. Is studied the way of which the principles of "Trace italienne" are brought into operation to constitute it, then to improve it. Choices made by the successive sovereigns relating to fortifications of Givet reveal however a lot of other things than simple technical considerations. To understand their real bearing involves reconstructing the evolution of strategic context, but financial too. The study of a strong place is also this of its military personal. Prosopography permits to throw lights on the evolutions that know the group of the individuals who are in charge of its command, and the one of the technical responsibles. In the case of soldiers, accounts are more useful. It is the same thing for economical relations between civilians and the army. The firsts find a real benefice in these connections. This one is not cancelled by the eventual social or religious disorders generated by the presence of servicemen
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Le, Moussu Clara. "Des théâtres d'images dans le bocage virois : autels et retables des XVIIe et XVIIIe siècles de l'ancienne élection de Vire." Rennes 2, 2007. http://www.theses.fr/2007REN20066.
Full textAbstract:
"Théâtres d'images" au coeur de l'église, chargé d'instruire les paroissiens, le retable est aussi l'apologie d'une église triomphante. Né de la volonté de commanditaires zélés et de l'attente d'autorités religieuses soucieuses de la décence de leurs sanctuaires, il est l'oeuvre d'artistes peintres, sculpteurs, doreurs et menuisiers qui, riches de savoir-faire locaux, réinterprètent les grands courants artistiques. Aussi, en s'attachant aux décors d'autels de petites paroisses rurales, cette étude rend compte de deux réalités. Elle analyse la mise en oeuvre des principes définis par le concile de Trente et intéresse l'histoire du goût en Province sous l'Ancien Régime. Enfin, cette synthèse est l'occasion de mettre en lumière un patrimoine méconnu : l'oeuvre peint et sculpté des XVIIe et XVIIIe siècles dans l'ancienne élection de Vire"Theatre of picture" in the center of the church, undertaked to educate parishioners, the retable above the high altar vindicates the Church Triomphant too. Originated from the will of devoted sleeping partners and come up to clergy's expectations which is concerned about the decency of its church, the altar is created by painters, sculptors and joiners who are inspired by Parisian models but create original decorations with local know-how. Consequently, this study which concerns the decoration of the altar inside little country church accounts for two realities. First, it explains the implementation of the principles defined by the Concil. Secondly, it interests a history if styles in the provinces under the old regime. Finally, this thesis is an opportunity for bringing an unrecognized patrimony to light : painting and sculpture from the 17th and 18th centuries in the region of Vire
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Bontemps, Sébastien. "Le décor sculpté religieux à Paris (1660-1760)." Thesis, Aix-Marseille, 2012. http://www.theses.fr/2012AIXM3110.
Full textAbstract:
Ce travail de recherche sur le décor sculpté religieux à Paris a eu pour ambition de reconstruire l'image d'un patrimoine en partie disparu : l'espace interne de l'église parisienne entre 1660 et 1760 à travers le mobilier liturgique, le décor en relief ou en ronde-bosse, dans la nef, le transept et le chœur des églises de la capitale du royaume. Notre étude analyse ainsi la sculpture religieuse dans son espace d'inscription immédiat, entre art monumental et art décoratif, de la fin des grandes commandes religieuses royales du XVIIe siècle, tel le Dôme des Invalides, à l'avènement du néo-classicisme dans le chœur de Saint-Germain-l'Auxerrois en 1760, avant la reprise des grands chantiers royaux, inaugurés par les travaux menées à la basilique Sainte-Geneviève. Même si une partie de ces décors a été démonté à la Révolution, il est possible d'appréhender précisément leur contenu, les éléments détruits étant analysés à partir de nombreuses sources iconographiques et écrites qui permettent de restituer l'œil du contemporain dans une église. Grâce à la découverte de nombreux contrats d'archives, il a été possible de déterminer les conditions et les facteurs matériels et religieux de la commande. L'étude des textes critiques, issus de la théorie artistique et religieuse contemporaine, pose le problème du luxe du décor religieux, ainsi que le problème de l'organisation de l'espace intérieur de l'église, et dont est largement tributaire l'évolution stylistique et formelle du décor. Cette thèse, combinant histoire de l'art, histoire du visuel, histoire économique et histoire religieuse, contribue ainsi à la connaissance d'un patrimoine artistique français méconnuThis work on the religious sculptured decoration in Paris had for ambition to built the image of a partially disappeared heritage : the space interns of the Parisian church between 1660 and 1760 through the liturgical furniture, the relief decoration or in round-bump, in the nave, the transept and the choir of the churches of the capital of the kingdom. Our study so analyzes the religious sculpture in its immediate space, between monumental art and decorative art, the end of the big royal religious orders of the XVIIth century, such the Dome des Invalides, in the advent of the neoclassicism in the choir of Saint-Germain-l'Auxerrois in 1760, before the resumption of the big royal construction works, inaugurated by the works in the basilica saint-Geneviève. Even if a part of these decorations was destroyed in the Revolution, it is possible to determinate exactly their contents : the destroyed elements are analyzed from numerous iconographic and written sources which allow to restore the eye of the contemporary in a church. Thanks to the discovery of contracts of archives, it was possible to determine the conditions and the material and religious factors of the order. The study of the critical texts, stemming from the contemporary artistic and religious theory, raises the problem of the luxury of the religious decoration, as well as the problem of the organization of the internal space of the church, and on which is widely dependent the stylistic and formal evolution of the decoration. This work combine art history, history of the picture, economic history and religious history to contributes to the knowledge of an underestimated French artistic heritage
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Curtil, Josette. "Mémoire et patrimoine : les représentations de Saint François de Sales dans les églises et chapelles des Pays de Savoie (1594-1965)." Grenoble 2, 2009. http://www.theses.fr/2009GRE29044.
Full textAbstract:
Restaurateur de la religion catholique dans le Chablais de 1694 à 1698, Saint François de Sales (1567-1622), prince-évêque depuis 1602 du diocèse de Genève en exil à Annecy, s'attache à réformer les mentalités dans l'esprit du concile de Trente. Directeur de conscience et écrivain célèbre de l'Introduction à la vie dévote et du Traité de l'amour de Dieu, il est le sujet de nombreux ouvrages. Cependant, malgré quelques réflexions ou études, on pouvait regretter qu'il n'y ait pas de recension générale des éléments iconographiques salésiens. Avec un corpus iconographique commenté de 233 œuvres peintes, partant de portraits pour lesquels est étudié la genèse depuis le "portait à la dérobée" jusqu'au portrait officiel, et de scènes avec saint(s), cette étude apporte un regard innovant sur la personne de ce grand saint. Réalisée à partir d'un territoire défini et significatif : les Pays de Savoie recouvrant 4 diocèses (Annecy, Chambéry et ses suffragants de Tarentaise et de Maurienne) dans lequel ont été visitées 670 églises et plus d’une centaine de chapelles, cette recherche invite les historiens à prendre les images pour de véritables sources. En effet, l'œuvre peinte, présence du saint, modèle à imiter, démonstration de foi ou message théologique renvoie également une image intéressante des commanditaires, des artistes et de ceux qui lui vouent un culte tant dans le patrimoine que dans la mémoire locale depuis 4 siècles. Au terme de l'étude, sa présence foisonnante en terre savoyarde confirme que saint François de Sales constitue toujours un élément fédérateur d'une identité culturelle religieuse savoyardeRestaurator of the catholic religion in the Chablais région from 1694 to 1698, saint Francis of Sales (1567-1622), prince-archbishop, since 1602 of the Geneva diocèse, exiled in Annecy, tries to reform mentalities according to the concil of Trente. Director of conscience and wellknown author of l'Introduction à la vie dévote and Traité de l'amour de Dieu, he his the subject of numerous books and works. Nevertheless even though some reflecxions and studies do existe one might regret the absence of a general recension of salesian iconographic elements. With a commented iconographic corpus of 233 paintings, composed of portraits of wich is studied the genesis since "portrait à la dérobée" up to an official portrait and scenes with saints, this study brings a new look concerning the person of this important saint. Realised from a difined and significant territory : "Les Pays de Savoie", covers 4 dioceses (Annecy, Chambéry, Maurienne and Tarentaise) in which 670 churches and more than one hundred chapels were visited, this research invite historiens to take images for reals sources. In fact, painting canvas, presence of the saint, model to imitate, demonstration of faith or theological message gives also an interesting image of the silent partners, of the artists, and those who are devoted to him as well as in patrimonial than in local memory since 4 centuries. At the end of the study, his exuberant presence in Savoy confirms that saint François de Sales is always a federate element of Savoy religious cultural identity
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Féraudet, Colette. "La fortune critique des peintres de Parme en France jusqu'à la Révolution." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040066.
Full textAbstract:
Par "peintres de Parme" nous entendons principalement Le corrège et Le parmesan. Ces deux artistes ont occupé une place importante dans la critique d'art française des 17es et 18es siècles. Notre thèse se propose donc de répondre a la question suivante: comment regardait-on Le corrège et Le parmesan dans la France de l'ancien régime? Cette interrogation nous a conduite en premier lieu à étudier les sources iconographiques, c'est-a-dire les collections de tableaux et de dessins attribués aux peintres de Parme en France, et l'existence de copies et de gravures d'après leur oeuvre. Dans un second temps, nous avons essayé de rassembler les principaux écrits français relatifs à ces peintres, précédés de leurs sources italiennes. Notre conclusion porte sur l'influence stylistique des peintres de parme dans l'art français du 16e au 18e siècle. De cette analyse de la critique française se dégage une image du corrège et du parmesan, légèrement différente de notre approche actuelleThe expression of "painters of Parma" we mean Correggio and Parmigianino. These two artists have held an important position in the french art criticism in the 17th and 18th century. In this work we intend to answer the following question: how were Correggio and Parmigianino considered in France before 1789? This interrogation brought us first to study the iconographic origins, that is to say the painting- and drawing-collections, the copies and prints from the pictures by the painters of Parma. Then we tried to collect the main french writings about both painters. We end by a study of the stylistic influence of the painters of Parma on french art from 16th to 18th century. From the investigation of the french criticism comes out an image of Correggio and Parmigianino which differs slightly from our actual vision
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Salatko, Gaspard. "Restauration liturgique et planifications esthétiques : enquête sur les modalités de gestion de la forme art sacré en contexte de reconfiguration cultuelle catholique (France, XIXe-XXIe siècles)." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0485.
Full textAbstract:
Centré sur l'observation du fonctionnement des commissions diocésaines d'art sacré , ce travail interroge les conséquences esthétiques de l'entreprise de restauration liturgique entérinée par le concile Vatican II. En particulier, l'examen des ressources littéraires, produites ou utilisées par ces commissions, vise à mettre en évidence la façon dant lers théoriciens et les praticiens de la liturgie déduisent, à partir de la théologie, des architectures sensibles ajustées à leurs pratiques. Par ce biais, il s'agit d'explorer la façon dont l'institution ecclésiale catholique contemporaine administre l'esthétisation des lieux de son culte en y disposant les ressources objectives régissant un accèssensible au dieu chrétien, paradoxalement réputé imperceptible. Sous cette perspective, les activités humaines administrant la composition de ces environnements cultuels peuvent être saisies comme relevant d'une architecture théologique instruisant la production des solutions esthétisées d'accès et de contact au divin. L'observation montre ainsi comment cette acception du christianisme problèmatise l'inscription spatialisée de cette entité de déité dans l'enceinte du sanctuaire. Les opérations relevant de l'application de cette économie stabilisatrice tendent dès lors à définir une dynamique d'homologation de la forme "art sacré"By observing the diocesan commission on sacred art, this work examines the esthetic results of liturgical project of restoration ratified by the second Vatican concil. In particular, the examination of the literary resources, producted or employed by these commissions, allows to emphasize how the theorists and the experts of the liturgy compose, from theology, sensitive arhitectures adjusted to their practices. By means of those documents, this work propose to explore how contemporary catholic church manages the esthetisation of its worship by laying the objective ressources allowing sensitive access to the Christian god, paradoxically considered unperceivable. In this manner, the human activities managing the composition of these worship environments can be discribed like a theological architecture which informs production of the solutions of access and contact to the divine one. This, the observation argues how this church reformulates the spatialized inscription of the christian god in the enclosure of the sanctuary. Consequently, the opeartions concerned with the application of this stabilizing economy tend to define a dynamics of homologation of the form "sacred art"
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Blanchard, Marianne, and Marianne Blanchard. "De materialibus ad immaterialia : le rôle de la matière dans l'œuvre de Suger de Saint-Denis." Master's thesis, Université Laval, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11794/38210.
Full textAbstract:
L’oeuvre écrite de l’abbé Suger de Saint-Denis à propos de la reconstruction de son église abbatiale est l’objet de nombreuses recherches depuis les années 1940. Puisqu’il fut longtemps considéré comme le fondateur de l’architecture dite « gothique », ses écrits ont attiré l’attention de ceux qui cherchaient la source de ce style, la doctrine philosophique derrière l’oeuvre architecturale. Or, les études consacrées à Suger ont évoqué l’exaltation d’un processus anagogique — du matériel vers le spirituel — et mis en valeur l’utilisation de la lumière dans l’église dans certains passages isolés, sans forcément prendre en compte l’ensemble des écrits sur Saint-Denis ni l’ensemble des processus entourant l’édification de l’église. L’abbé donna en effet dans ses écrits une place importante à la production issue des terres du monastère, à leur administration, aux matériaux spécifiques employés dans la construction de l’église et dans la fabrication des objets sacrés et des ornements qu’il avait commandités, ainsi qu’aux méthodes par lesquelles il avait obtenu les moyens d’y parvenir. Il accorda — semble-t-il — une attention très nette au rôle du labeur (labor) et de l’ouvrage (opus) des artisans, à son propre rôle d’administrateur et à la dimension matérielle des oeuvres dédiées à Dieu. Pour Suger, tous ces éléments semblent avoir été inclus dans un processus de donation et de transformation incluant tous les membres du corps social, processus dans lequel il jouait le rôle de maître d’oeuvre en étant tout à la fois administrateur, donateur, auteur et dévot. Nous proposons donc, dans le cadre de ce mémoire, de situer sa conception de la dimension matérielle des oeuvres d’art dans le processus de transformation dont il fut l’auteur.L’oeuvre écrite de l’abbé Suger de Saint-Denis à propos de la reconstruction de son église abbatiale est l’objet de nombreuses recherches depuis les années 1940. Puisqu’il fut longtemps considéré comme le fondateur de l’architecture dite « gothique », ses écrits ont attiré l’attention de ceux qui cherchaient la source de ce style, la doctrine philosophique derrière l’oeuvre architecturale. Or, les études consacrées à Suger ont évoqué l’exaltation d’un processus anagogique — du matériel vers le spirituel — et mis en valeur l’utilisation de la lumière dans l’église dans certains passages isolés, sans forcément prendre en compte l’ensemble des écrits sur Saint-Denis ni l’ensemble des processus entourant l’édification de l’église. L’abbé donna en effet dans ses écrits une place importante à la production issue des terres du monastère, à leur administration, aux matériaux spécifiques employés dans la construction de l’église et dans la fabrication des objets sacrés et des ornements qu’il avait commandités, ainsi qu’aux méthodes par lesquelles il avait obtenu les moyens d’y parvenir. Il accorda — semble-t-il — une attention très nette au rôle du labeur (labor) et de l’ouvrage (opus) des artisans, à son propre rôle d’administrateur et à la dimension matérielle des oeuvres dédiées à Dieu. Pour Suger, tous ces éléments semblent avoir été inclus dans un processus de donation et de transformation incluant tous les membres du corps social, processus dans lequel il jouait le rôle de maître d’oeuvre en étant tout à la fois administrateur, donateur, auteur et dévot. Nous proposons donc, dans le cadre de ce mémoire, de situer sa conception de la dimension matérielle des oeuvres d’art dans le processus de transformation dont il fut l’auteur.
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Pleybert, Frédéric. "Contribution à l'étude de l'art en France autour de 1400 : la sculpture de la cathédrale de Rouen." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040213.
Full textAbstract:
La façade occidentale de la cathédrale de Rouen constitue une entreprise majeure des XIVe et XVe siècles. Ce chantier est indissociable du tombeau que CHarles V y fait exécuter, et qui s'inscrit dans un projet politique visant l'ensemble de la capitale de la Normandie. Son architecture novatrice et audacieuse abrite un décor sculpté qui semble traduire le foissonnement intellectuel de cette époque. Le rôle de Nicolas Oresme a pu être déterminant dans ce choix, marqué par la prégnance de la pensée thomiste et des idées aristotéliciennes. Entre 1370 et 1420, le chantier de la cathédrale fait de Rouen un foyer essentiel de la scène artistique européenne, attirant de nombreux sculpteurs dont beaucoup sont originaires du nord de l'Europe et ont travaillé en Bourgogne et dans le Berry. L'occasion est fournie de découvrir deux maîtres de premier plan, personnalités méconnues et pourtant majeures pour la compréhension de la sculpture française des environs de 1400The West front of the cathedral of Rouen is a major work of the XIVth and XVth centuries. To this construction site must be associated the grave that Charles the V had executed there, and which joins in a political project related to the capital of Normandy in its entirely. .
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Komada, Akiko. "Les illustrations de la Bible historiale : les manuscrits réalisés dans le Nord." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040097.
Full textAbstract:
La bible historiale traduite en langue française par Guyart des Moulins, à partir de l'historia scholastica de Pierre Comestor, fut achevée peu avant la fin du XIIIe siècle. Elle mit les histoires de la Bible à disposition d'un large public, en particulier des laïcs. Le nombre des manuscrits - une centaine, la plus part illustres - atteste de son succès et notre volume de catalogue (t. 3) propose des notices détaillés, servant de socle à cette étude. Il est précédé d'annexes (t. 2) offrant notamment un répertoire des enlumineurs. Nos analyses cependant portent sur neuf manuscrits, distingués, car réalisés dans les régions du nord proches de la collégiale d'Aire-sur-la-Lys, le foyer de l'œuvre. Compte tenu de leur diversité, nous avons opté pour un traitement monographique, traitant un à un chacun de leurs aspects : tradition textuelle, provenance, milieu artistique et caractéristiques iconographiques. Ces manuscrits datent des XIVe et XVe siècles. Il s'agit de : Paris, bibliothèque Mazarine, ms, 312 ; Paris, bibliothèque nationale de France, ms. Fr. 152 ; Iena, Thuringer universitats- und landesbibliothek, ms. El. F. 95 - 96 ; Londres, British library, royal ms. 18 dix - x & 15 di ; New Haven, Yale university, Beinecke library, ms. 129 ; Turin, bibliothèque nationale, ms. L. I. 1 ; Turin, bibliothèque nationale, ms. L. I. 12; Bibermule, collection Heribert Tenschert. Les questions relatives à la tradition manuscrite se sont avérées étroitement liées aux questions artistiques ; les secondes livrant parfois des indices, voire des réponses à des problèmes jusqu'alors restés en suspens. Cette thèse atteste d'une lignée de manuscrits restant fidèles à la conception originale de Guyart. Ce problème du « texte original de Guyart » soulevé en 1884 par Samuel Berger, trouve enfin dans cette thèse des arguments qui sont concluants. Mais la contribution majeure que l'on retiendra est la fraicheur de la pensée iconographique de l'école du nord qui exploite la veine de la bible historiale.
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Lecoutre, Matthieu. "Ivresse et ivrognerie dans la France moderne (XVIème - XVIIIème siècles)." Phd thesis, Université de Bourgogne, 2010. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00562667.
Full textAbstract:
Du XVIe au XVIIIe siècle, une culture de l'enivrement héritée, mémorielle et complaisante est fortement enracinée dans le royaume. La société considère que l'enivrement collectif, festif et sociabilisant est permis. Mais de nombreux opposants réprouvent l'ivresse et l'ivrognerie. Dans la France moderne, monarchie absolue de droit divin en construction, l'opposition fondamentale provient des pouvoirs religieux et civils. L'enivrement apparaît, selon les cas, comme un péché ou comme une faute plus ou moins grave qui pousse à en commettre d'autres. À partir de 1536, la correspondance est faite entre le péché et le crime : s'enivrer devient un crime secondaire et intermédiaire. Mais, face à la force de la culture de l'enivrement, les autorités religieuses et politiques agissent avec pragmatisme et n'essayent pas d'éradiquer réellement l'ivresse et l'ivrognerie du royaume. Malgré le développement parallèle de discours moraux, économiques et médicaux qui font de l'ivresse et de l'ivrognerie des vices, des dépenses ruineuses et des maladies, la sobriété ne triomphe pas à l'époque moderne. Au contraire, du XVIe au XVIIIe siècle, s'enivrer est de plus en plus fréquent. L'enivrement d'Ancien Régime se déroule essentiellement le dimanche, de l'après-midi au cœur de la nuit, et dans les cabarets. Il touche surtout des hommes de vingt à trente-quatre ans, paysans ou artisans. Mais toutes les catégories sociales sont concernées. La pluralité et la concomitance des normes religieuses, juridiques, morales, économiques, médicales et sociales, parfois contradictoires et souvent évolutives, compliquent l'opposition et favorisent le compromis.
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Clementz, Élisabeth. "Les Antonins d'Issenheim : essor et dérive d'une vocation hospitalière à la lumière du temporel." Besançon, 1995. http://www.theses.fr/1995BESA1038.
Full textAbstract:
Ce travail, consacré aux antonins de la preceptorie d’Issenheim, a tenté de mettre en lumière leur engagement hospitalier et caritatif. Une étude approfondie des 67 cartons d'archives conservés à Colmar et d'autres sources ont permis de cerner l'activité hospitalière et de préciser les techniques de soins utilisées. La renommée d’Issenheim comme centre de traitement de l'ergotisme et de la gangrène est maintes fois attestée tout au long du moyen âge. Une monographie de cette maison ne pouvait se désintéresser de son temporel. Au moyen âge, l'hôpital d’Issenheim est doté d'importants revenus, au premier rang desquels il faut citer ceux de la quête. Les multiples donations, les dimes, les cens et les rentes constituées viennent compléter les ressources de la preceptorie. Avec les bouleversements liés à la reforme, les deux principales sources de revenus quêtes et donations - tarissent. Désormais, les religieux ont des difficultés à entretenir le patrimoine légué par leurs prédécesseurs. L'exploitation des documents à dominante économique a permis un développement tout-à-fait inattendu sur l'église conventuelle. Si les origines dauphinoises du précepteur Guy Guers ont pu être établies avec certitude, aucun indice concernant Mathias Grunewald, le peintre du célèbre retable, n'est apparu les résultats de cette recherche viennent confirmer les travaux d'A. Mischlewski sur l'ordre en général : les Antonins ont joué un rôle important sur le plan hospitalierThis thesis about the house at isenheim belonging to the order of st. Anthony is an attempt to appreciate its commitment concerning hospital affairs. A thorough study allowed to specify various methods of treatment used : the balsan of st. Anthony, discovered in a recipe of the 18th century, the holy wine, the amputations meticulously described by Hans Von Gersdorff, a surgean who worked for the hospital of st. Anthony at strasbourg at the beginning of the 16th century, in his book "feldbuch derwundarznei". Throughout the middle ages the fame of the hospital at Issenheim is attested several times. In the second part of the thesis the different types of income of the house have been examined. In the middle ages the collections were the most important part. The gifts, the tithes and the rents completed the income. With the reformation the principal sorts of income collections and gifts - faded away. This research also helps to complete our knowledge about the church for which the famous altar-piece of Mathias Grunewald was made. The results confirm those of A. Mischlewski about the order as a whole :the order of st. Anthony was a hospital order which till the 16th century and in some places even longer remained true to its principles : the care and support of the poor and the sick
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Métral, Florian. "Les figures de la genèse : représenter la création du monde dans l'art italien de la Renaissance." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H037.
Full textAbstract:
L’émergence de la Renaissance en Italie s’est accompagnée d’un intérêt renouvelé pour la problématique des origines et, plus spécifiquement, de la création du monde. Les figures de la genèse qui imprègnent le discours humaniste, aux XVe et XVIe siècles, n’ont cessé d’exalter la fonction matricielle du mythe cosmogonique pour penser le rapport au temps présent. Les images – en particulier les œuvres d’art – constituent les traces visibles de ces spéculations qui touchent autant les conceptions religieuses et philosophiques relatives au commencement que les moyens visuels, mis en œuvre par les artistes, pour figurer le mystère de la première naissance. La première partie de ce travail consiste en une étude de l’imaginaire de la création du monde aux XVe et XVIe siècles à travers la mise en évidence de son rôle fondamental dans la pratique de l’histoire, la structuration des savoirs sur la nature et l’exercice du pouvoir. Une série d’étude de cas de grands décors peints – de la voûte de la chapelle Sixtine, complétée en 1512, à la sala della Creazione du palazzo Besta, achevée à la fin du Cinquecento – compose la deuxième partie et la troisième partie de cette thèse. À partir de la mise en évidence d’un ensemble de textes et d’images, la quatrième partie de ce travail explore les ressorts poétiques et figuratifs de l’analogie entre la création du monde et le faire artistique. L’investissement théorique de l’iconographie de la création du monde à la Renaissance a été au fondement de la définition de la notion de « création artistique » et de l’œuvre comme monde agencé par l’artiste qui marque la conception moderne de l’artThe emergence of Renaissance in Italy was associated with a renewed interest in the questioning of origins and, more specifically, in the creation of the world. The humanist discourse in the fifteenth and sixteenth centuries was permeated by figures of the genesis that ceaselessly glorified the matrix functionality of the cosmogonic myth to conceive the relationship to the present time. Images, and more specifically works of art, constitute the visible remnants of these contemplations, affecting the religious and philosophical representation of the beginning, as well as the visual means used by the artists to portray the mystery of the first birth. The first part of this study analyses the idea of the creation of the world, during the fifteenth and sixteenth centuries, through the portrayal of its fundamental role in the practice of history; the construction of knowledge about nature; and the exercise of power. The second and third part of this thesis take the form of case studies focusing on mural paintings - the vault of the Sistine Chapel, completed in 1512, to the Sala della Creazione of Palazzo Besta, completed at the end of the Cinquecento. Finally, the fourth part of this study will explore the poetic and figurative drive emerging from the analogy between the creation of the world and the artistic practice, illustrated via an evocative ensemble of texts and images. During the Renaissance, the theorized iconography of the world’s creation yielded the concept of “artistic creation” and of the work of art as a universe modeled by the artist, thus introducing the modern notion of art
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Zito, Mickaël. "Les Marca (fin XVIIe - début XIXe siècles) : itinéraires et activités d'une dynastie de stucateurs piémontais en Franche-Comté et en Bourgogne." Thesis, Dijon, 2013. http://www.theses.fr/2013DIJOL038/document.
Full textAbstract:
Le sujet abordé dans cette thèse est la famille Marca, dynastie piémontaise originaire de la Valsesia spécialisée dans le travail du stuc. Au début du XVIIIe siècle, certains membres de cette famille migrèrent vers la Franche-Comté en quête de travail tandis que les autres restèrent dans le Piémont. Les Marca installés en France accueillirent ensuite les autres artistes de la famille qui ainsi purent travailler dans la même région voire dans des zones limitrophes. Leurs ouvrages sont présents dans des lieux de culte et des demeures privées italiens, franc-comtois et bourguignons. Ces œuvres (retables, chaires à prêcher, statues et bas-reliefs en stuc) ont été réalisées entre la fin du XVIIe siècle et le début du XIXe siècle. Ce sujet est entièrement nouveau dans la mesure où les informations concernant cette famille sont rares et dispersées et qu’aujourd’hui aucune recherche n’a été entreprise sur eux, ni en France ni en Italie. Ce travail consiste donc en une étude de cette famille italienne et de son activité. La thèse établit une biographie précise de chacun des membres, définit l’organisation, les méthodes et les techniques de travail de ces stucateurs, dresse l’inventaire de leurs œuvres et les situe dans le contexte artistique et religieux de leur temps. Les archives de Bourgogne, du Doubs, du Jura, de la Haute-Saône et des régions de Biella et de Vercelli ont été exploitées. La visite d’un grand nombre d’édifices italiens et français possédant du mobilier de la main des Marca ou d’un style proche du leur fût également nécessaire afin de mener à bien ce travail. L’objectif principal étant de replacer les Marca dans un contexte géographique, historique et culturel, de comprendre leur organisation et leur spécificité et de définir leur style de façon précise à partir des œuvres connues afin de pouvoir tenter de nouvelles attributionsThe topic of this thesis is the Marca dynasty, a piedmontese family from the Valsesia area, specialized in the stucco work. In the early eighteenth century, some of its members migrated to the Franche-Comté in France, in search of work, the others remaining in Piedmont. Their realizations can be studied in religious places and private houses in Italy, in Franche-Comté and Burgundy. These works (altars, pulpits, statues and bas-reliefs in stucco) were created between the late seventeenth century and the early nineteenth century. This topic is entirely unpublished, especially as the information on this family are rare and scattered. Moreover, no research has been undertaken on it, neither in France nor in Italy. This study is well an analysis on this Italian family and its activity. The thesis provides an accurate biography of each member, defines the organization, methods and techniques of the stucco work, the inventory of their works, and position them in the artistic and religious context of their time. The archives of Burgundy, Doubs, Jura, Haute-Saône in France and of the regions of Biella and Vercelli in Italy have been exploited. Visit a large number of Italian and French buildings decorated with Marca’s furniture or near their style has been also necessary to carry out this work. The main objective was to place the Marca dynasty in its geographical, historical and cultural context, to understand its organization and specificity, to define accurately its style from recognized works, to be able to propose new attributions
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Rouet, Marion. "Les potagers aristocratiques et royaux en Ile-de-France : (fin XVIIe - fin XVIIIe siècle)." Paris 13, 2011. http://www.theses.fr/2011PA131012.
Full textAbstract:
Les potagers des domaines royaux et des maisons aristocratiques sont des jardins jugésindispensables en Ile-de-France car ils garnissent en fruits et en légumes la table des propriétaires en toute saison. Ils sont les témoins d'un changement de mentalité qui s'opère au sein de la société française d'Ancien régime entre la fin du XVIIe et la fin du XVIIIe siècle. Source de bien être alliant dépense physique et réflexion intellectuelle, ce jardin devient à la fin de la période étudiée le symbole de la décadence de la noblesse, à travers notamment lal uxueuse production contre-nature de primeurs. Les jardiniers et leur main d'oeuvre jouent donc un rôle primordial, sans oublier les matériaux et les outils à leur disposition. Les savoirs faire évoluent grâce à la recherche scientifique (botanique) conjuguée aux progrès techniques. Les serres chaudes deviennent incontournables à la fin du XVIIIe siècle et permettent de cultiver des plantes exotiques. Les cultures fruitières et potagères cherchent à satisfaire les exigences des seigneurs des lieux en matière de beauté et de goût (texture et saveur) afin de se distinguer ainsi des jardins de paysans. La notion d'esthétique se retrouve en effet dans le tracé du jardin, qui n'exclut pas la promenade, mais aussi dans la conduite des arbres fruitiers,qui habillent les murs et parent le jardin. La beauté du fruit entre également en compte dans le jardin et dans l'assiette. Le potager est donc un jardin à part entière, en lien étroit avec la maison, même s'il est parfois controversé. Il est soumis à la mode et il possède à ce titre une place au sein de la composition générale des parcs. Cette étude s'appuie sur les exemples de Versailles, Trianon, Fontainebleau, Compiègne, Meudon, Bellevue, Choisy, Sceaux,Chantilly, La Roche Guyon, L'Isle Adam, Pontchartrain, Chamarande et MérévilleVegetables gardens of royal properties and aristocratic houses are gardens which are thought to be essential in the Ile-de-France region as they filled the owners’ table with fruits and vegetables all the year round. They were the witnesses of a change of mentality which took place within the French society during the Ancien Régime between the end of the seventeenth century and the end of the eighteenth century. A the end of the studied period, this garden, which was a source of well-being combining physical exercise and intellectual thought, became the symbol of the nobility’s decline, in particular through the luxurious and unnatural production of early fruit and vegetables. Gardeners and their labour forces thus played an essential role, bearing in mind the equipments and the tools at their disposal. The expertises developed thanks to scientific research (botany) combined with technical progresses. Hothouses became indispensable at the end of the eighteenth century and enabled to grow exotic plants. The fruit and edible cultivations tried to satisfy the demands of the lords of the places as far as beauty and taste (texture and flavour) were concerned in order to be thus distinguished from peasants’ gardens. The notion of aesthetic can be indeed found in the line of the garden, which does not exclude the walk, but it can also be found in the behaviour of fruit trees, which cover the walls and adorn the gardens. The beauty of the fruit also comes into play in both the garden and the plate. The vegetable garden is thus a full-fledged garden, in close connection with the house, even if it is sometimes controversial. It is subject to fashion and it has quite rightly a place within the general arrangement of parks. This study is based on examples from Versailles, Trianon, Fontainebleau, Compiègne, Meudon, Bellevue, Choisy, Sceaux, Chantilly, La Roche Guyon, L'Isle Adam, Pontchartrain, Chamarande and Méréville
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Roche, Lucile. "L'ombre de Dieu : représenter la Création du monde en France (1610-1789)." Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H039.
Full textAbstract:
«Au commencement, Dieu créa le Ciel et la Terre». À l’ouverture du récit de la Genèse, le plus célèbre des incipit condense ce qui a constitué durant des siècles à la fois l’imagerie et le modèle théorique de la Création du monde en Occident. Or, dès le XVIIe siècle, la conception de la Création s’enrichit de considérations savantes qui bousculent l’univoque de la version biblique. Le récit canonique est alors instruit par les notions profanes d’évolution ou de loi mécanique qui bouleversent l’image biblique d’un Dieu-Créateur du monde en six jours dont la tradition avait longtemps fixé le canon. Pensées au pluriel, les représentations de la Création du monde se diversifient au sein d’une iconographie variée et créative, fruit de la conciliation entre le sacré et le profane qui autorise des représentations inédites où Dieu viendrait souffle rles tourbillons imaginés par Descartes ou encore dynamiser un mécanisme terrestre résolument voltairien. À l’heure de sa complexification théorique, il sera plus particulièrement question d'appréhender la relecture du mythe biblique de la Création du monde dans les arts de la période concernée. À partir d’un corpus d’images tirées de divers horizons – bibliques, scientifiques,alchimiques ou physico-théologiques – l’objet de cette thèse est justement d’appréhender la résilience de l’iconographie biblique dans un monde en pleine sécularisation. Nous verrons notamment comment, autorité latente ou référent stéréotypé, telle une ombre, la figure du Créateur condense toute la complexité des rapports entre l’homme et ses mythes“In the beginning God created Heaven and Earth”. Opening of the first chapter of the Genesis,the most well-known incipit of all time sums up both the imagery and the main idea of the Creation of the World that has existed in the west for thousands of years. However, this biblical conception of Creation starts to weaken in the beginning of the XVIIth century and to expand to embrace scientific views when secular ideas of evolution or the laws of mechanics shook the biblical tradition of the six-Day Creation narrative. The once unique idea of a World Creation becomes a more complex concept at the crossroads between sacred and profaneand authorized innovative pictures representing, for example, God blowing the Cartesian cosmogenic whirlpools or giving thrust to the terrestrial mechanism inspired by Voltaire. When the groundbreaking theories on the Creation were published, it was necessary to focus on the artistic reinterpretations of the myth. Based on a great diversity of images – biblical, scientific,alchemical – we’ll try to analyze how biblical iconography stands still at the time of the global secularization of the world in which, as a paradoxical authority or an unconscious standard, the image of the Creator holds up the complex relationship between Man and his Mythology
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Stahl, Fabienne. "Les décorations religieuses de Maurice Denis (1870-1943) entre les deux guerres." Clermont-Ferrand 2, 2009. http://www.theses.fr/2009CLF20003.
Full textAbstract:
S'appuyant presque exclusivement sur des archives de première main, cette thèse présente les décors d'églises de Maurice Denis (1870-1943) entre les deux guerres, étudiées d'un point de vue iconographique, formel, technique, remis en situation dans la vie et l'oeuvre de l'artiste et examinées à la lumière du contexte artistique, architectural mais aussi historique et religieux de la période. Les Ateliers d'art sacré, qu'il crée en 1919 avec George Desvallières et qui apportent au maître nombre de commandes et une main d'oeuvre qualifiée, sont aussi évoqués. Ses théories sur l'art religieux sont également analysées et confrontées aux écrits de George Desvallières, d'Alexandre Cingria, de Jacques Maritain ou du Père Couturier. Un catalogue raisonné de ses décorations religieuses réalisées entre 1914 et 1943 ou restées à l'état de projet (peintures murales, vitraux et mosaïques), accompagné d'un corpus complet d'images des décors in situ, des travaux préparatoires et de documents inédits, permet un examen exhaustif et renseigné sur des décors encore mal connus. Cette thèse, qui entend porter un nouveau regard sur le Maurice Denis de la maturité, réhabilite ses ensembles décoratifs, longtemps décriés, en les replaçant dans le courant de renouveau de l'art sacré au XXe siècleThis thesis, based almost exclusively on firsthand records, introduces the church decorating from Maurice Denis (1870-1973) in the interwar period, studied from an iconographic, formal and technical point of view, set back in context with the life and the work of the artist and investigated in light of the artistic, architectural, historical and religious background of these days. The Ateliers d'art sacré, created with George Desvallières in 1919, which brings to the master numerous commissions and a skilled labor, are also provoked. His theories on religious art are analyzed too and compared with the texts from George Desvallières, Alexandre Cingria, Jacques Maritain or Père Couturier. A catalogue raisonné of his religious decorating, accomplished between 1914 and 1943 or still remaining in a project state (wall paintings, stained glass windows and mosaic) altogether with a complete corpus of the decorating pictures in situ, of the preparatory works and a some unpublished documents, allows an exhaustive and informed review on some still unknown decorating. This thesis, intending to look at the mature Maurice Denis from a different perspective, rehabilitates his decorative wooks, long-discretized, in replacing them in the course of the sacred art renewal of the 20st century
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Thivolle, Guennola. "Les pratiques de la commande picturale dans la Généralité de Moulins de 1531 à 1790." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2015. http://www.theses.fr/2015CLF20019/document.
Full text
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Girard, Max. ""La Grande Emotion". La mise en scène des missions chrétiennes dans les expositions coloniales et universelles : France - Belgique. 1897 - 1958." Thesis, Lyon, 2019. http://www.theses.fr/2019LYSE3010.
Full textAbstract:
La France et la Belgique organisent plusieurs expositions coloniales internationales et universelles de la fin du XIXe siècle à 1958. Ces deux puissances coloniales y développent une propagande multiforme pour justifier leurs « missions civilisatrices ». Les missionnaires catholiques et protestants participent à ces grandes fêtes. La consultation d’archives des congrégations religieuses (Spiritains, Jésuites…), de l’œuvre de la Propagation de la Foi, de fonds publics français, belges, suédois et du Saint-Siège permet de comprendre comment s’organisent les missionnaires pour participer à ces expositions en France et en Belgique. De l’exposition de 1897 (Tervuren) à celles de 1935 et 1958 (Bruxelles), en passant par Paris 1900, 1931 et 1937, les missionnaires s’exposent dans des pavillons qui s’agrandissent pour devenir de véritables complexes architecturaux. Les vecteurs de la mise en scène changent et s’adaptent : les objets « indigènes » sont délaissés au profit de dioramas, de statistiques stylisées et de cartes lumineuses. L’architecture du pavillon est en elle-même un discours comme le prouve le pavillon des missions catholiques de 1931. A travers ces évolutions de la mise en scène, ce sont des changements dans les représentations missionnaires du monde qui s’observent : les colonisés et leurs cultures sont de plus en plus valorisés et le lien avec la colonisation moins affirméFrance and Belgium organised several international and colonial exhibitions, as well as universal exhibitions or World Fairs, from the end of the 20th century to 1958. Through these world exhibitions, these two great colonial powers developed various forms of propaganda to account for their “civilizing missions”. Protestant and catholic missionaries took part in those great celebrations. By reading and working on archives of religious congregations such as the congregation of the Holy Spirit, The Jesuit, and the oeuvre de la Propagation de la Foi, but also the French, Belgian and Swedish national archives and the Holy Sea archives, I was able to understand how the missionaries organized themselves to take part in those exhibitions in France and Belgium. The missionaries organised exhibitions in ever growing pavilions which would become huge architectural complexes, from the 1897 exhibition (taking place in Tervuren) to the 1935 and 1958 exhibitions (taking place in Brussels), not forgetting the 1900, 1931 and 1937 Paris exhibitions. The way missionaries staged their work changed and evolved. Indeed, “indigenous” artifacts were gradually less displayed and missionaries used dioramas, stylish statistics and lit-up maps instead. The architecture of the pavilion was in itself telling, a good example of this being the 1931 pavilion of the Catholic missions. The way missionaries staged their exhibitions reflected the changes in their worldview. The colonized populations and their cultures were more and more emphasized, while the link with the colonization was less and less asserted and straightforward
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La, Manna Jimmy. "Entre l'ici-bas et l'au-delà : monuments et stratégies funéraires de la famille d'Estouteville à l'abbaye de Valmont (XIIIe – XVIe siècles)." Master's thesis, Université Laval, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11794/67584.
Full textAbstract:
Importante famille aristocratique de la Normandie médiévale, les Estouteville ont participé à de nombreux événements qui ont marqué cette région de la France, de la Conquête normande à la Guerre de Cent Ans. Ces faits d’armes ainsi que divers mariages avec des familles de l’aristocratie normande et même de la royauté ont permis aux Estouteville de se hisser progressivement aux plus hautes sphères de la société médiévale. Plusieurs membres de cette famille ont été inhumés dans l’église abbatiale de Valmont, fondée par Nicolas Ier d’Estouteville au XIIe siècle. Les Estouteville ont utilisé leurs tombeaux pour affirmer ce statut particulier au sein de la société féodale, que ce soit par l’emplacement de ceux-ci à l’intérieur de l’église abbatiale, par leur monumentalité, par leur matérialité ou par leur iconographie, par leurs inscriptions funéraires et par leur décor héraldique. En effet, en imitant ceux des autres grandes lignées féodales, les tombeaux des Estouteville participent pleinement à la construction identitaire de cette famille, notamment à travers ses relations avec la communauté monastique de Valmont.As an important aristocratic family in medieval Normandy, the Estoutevilles (or Stutevilles) took part in several events that shaped this region of France, from the Norman Conquest to the Hundred Years’ War. These feats along with various marriages with Norman aristocratic and even royal family members allowed the Estoutevilles to progressively climb the ranks to reach the highest echelons of medieval society. A lot of the members of this family was buried within the abbey church of Valmont, which was founded by Nicolas I d’Estouteville during the 12th century. The Estouteville family have used their monuments to confirm their particular status within the feudal society, be it by the location of their burial grounds within the abbatial church they were buried, by their monumentality, the quality of the materials or by their epigraphic, heraldic and iconographic elements. Indeed, by imitating those of other great feudal lines, the tombs of the Estouteville truly participate in the construction of the identity of this family, notably through their relations with the monastic community of Valmont.
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Buchet, Christian. "La lutte pour l’espace caraïbe et la façade atlantique de l’Amérique centrale et du sud entre 1672 et 1763." Paris 4, 1990. http://www.theses.fr/1989PA040097.
Full textAbstract:
Cette étude sur les expéditions géostratégiques se divise en deux parties: la première est une réflexion sur les tactiques et, même plus globalement, sur les stratégies employées par les différents protagonistes, principalement l’Angleterre et la France. Pour ce faire parallèlement a une présentation chronologique de chacune des expéditions- nous avons cherché à analyser les facteurs ayant abouti au succès ou à l’échec de chacune d’elles (14 chapitres). A partir de cette réflexion sur les facteurs généraux, une seconde partie traite de trois aspects qui, au vu de l’analyse initiale, nous semblent avoir joué un rôle plus particulièrement déterminant, à savoir : *les caractéristiques des bâtiments de guerre envoyés afin de mieux mesurer leurs incidences sur les résultats précédemment dégages (2 chapitres : comparaison franco-britannique). *les problèmes sanitaires (2 chapitres) ( un premier chapitre quantifie à partir des rôles d’équipages les pertes de deux escadres de manière exhaustive. Un second chapitre analyse les facteurs étiologiques conditionnant dans le domaine sanitaire les pertes humaines). *la logistique des vivres (respectivement 4 et 5 chapitres consacrés aux logistiques anglaises et françaises)The following study on geo-strategic expeditions falls into two parts: the first one deals with the tactics and strategies used by the various protagonists mainly England and France. In this part, we have a chronological presentation of each of the expeditions and an analysis of the factors leading to the success or the failure of each of them (14 chapters ). As to the second part it deals with three aspects which, according to the first analysis, seem to have played a most deciding role: *the characteristics of the war ships that were sent in order to gauge their effects according to the results previously obtained ( 2 chapters ) *the sanitary problems (2 chapters). (The first chapter quantifies from the ships muster and pay books the losses of two squadrons. The second chapter analyses the factors conditioning losses in the sanitary field). *the logistics of the supplies (9 chapters - England and France)
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Simon, Clélia. "Style, culture et société. La sculpture religieuse en France de la Restauration à la fin du Second Empire (1820-1870)." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040206.
Full textAbstract:
Entre 1820 et 1870, l’État et les villes françaises mettent en œuvre, à grands renforts budgétaires, une commande massive destinée à pourvoir les lieux de culte d’une statuaire monumentale à vocation liturgique et didactique. Une première partie est consacrée à l'approche synoptique de la sculpture religieuse du XIXe siècle, par l'entremise des grands programmes. Celle-ci permet de porter un regard d'ensemble sur une évolution chronologique rendue complexe par la variation des attentes et des ambitions, et ainsi de prendre conscience du statut de frontispices culturels qu'acquièrent, grâce à la sculpture, les édifices religieux. Cette étude montre d’ailleurs les places éminentes qu’occupent généralement au sein de ces ensembles sculptés le Christ, la Vierge et leur association dans la Pietà, auxquels est consacrée la deuxième partie. L'espace liturgique qu'initie la Restauration hérite de la Révolution et de l'Empire d'une dimension expiatoire. C'est cette douleur mêlée de foi et d'espérance qui guide l'exécution des Vierges à l'Enfant, des Christs crucifiés et des Pietà, leur attribuant une fonction de pôles liturgiques déterminant. La période connaît enfin, en terme de représentation hagiographique, un foisonnement étonnant. La troisième partie étudie l'importance numérique des saints comme le moyen dont use la restauration du culte pour favoriser une relation intercessionnelle de tout temps forte en France. Un triple dialogue est alors mis en évidence : celui des artistes dans le temps, celui des sujets dans l’imaginaire théologique et théocratique, et celui des formes dans les recoupements parfois surprenants des généalogies stylistiquesBetween 1820 and 1870, the State and the French cities are implementing - using a great budget - a massive order to fill the churches with monumental sculptures to serve a liturgical and educational purpose. The first part of this study examines the synoptic approach to religious sculpture of the nineteenth century, through the major programs. This leads to an overall view of a chronological evolution complicated by changes in expectations and ambitions and therefore to be aware of the status of cultural frontispieces that churches had acquired trough sculpture. This study also shows the prominent places that Christ and the Virgin generally occupy within these carved sets. The liturgical space initiated by the Restauration inherits expiatory dimension from the Revolution and the Empire. This pain mixed with hope and faith guided the execution of the Virgin and Child, crucified Christs and Pieta, giving them a decisive liturgical function. The period finally knows, in terms of hagiographic representation, a surprising abundance. The third part examines the numerous representations of the saints as a mean used by the restoration of religion to foster an intercessional relationship that has always been strong in France. Hence, a triple dialogue is highlighted: one between artists in time, one between subjects in the theological and theocratic imaginary, and one between forms in the overlaps - sometimes surprising - of stylistic genealogies
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Tuchscherer, Jean-Michel 1942. "Sponsus - SponsaChristus - Ecclesia : the illustrations of the Song of Songs in the Bible moralisée de Saint-Louis, Toledo, Spain, Cathedral Treasury, Ms. 1 and Paris, Bibliothèque Nationale, Ms. lat. 11560." Thesis, McGill University, 1996. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=40269.
Full textAbstract:
Among the considerable manuscript production of the twelfth and thirteenth centuries, the Bible moralisee stands out by the number of miniatures and by the conception of the manuscript itself. The composition and many iconographical themes recall stained glass windows of contemporary cathedrals, such as Chartres, Sens, Bourges, or Canterbury in England.The manuscript of the Bible moralisee to which this study is partly dedicated, is located in the Treasury of the Toledo cathedral chapter in Spain. This study deals also with the duplicate copy which was realized soon afterwards. The interpretation and illustrations of the verses vary in number according to the books of the Bible. Though being one of the smallest biblical books, the Song of Solomon is given outstanding consideration, more than any other book in the Bible. The central theme--the espousal of the Bride and the Bridegroom, Christ and Ecclesia being its allegory--enjoyed a considerable success in medieval theology. It corresponded to the courtly love atmosphere of its time. Abundant commentary literature and the development of mariology made this book even more popular. About a quarter of the commentary illustrations are dedicated to the theme Christus-Ecclesia. Ecclesia, always crowned, holds the chalice which confirms her sacramental significance. In no other known iconographical medieval programme has Ecclesia such a position.
The question raised by the problematic around this Bible is the eventual intention being at the origin of this order which, without any doubt, emanates from French royalty. Has it been produced to enhance the prestige of royalty? Is it a pedagogical work intended for the education of the royal children? Was it meant to be a royal political gift? The Ecclesia theme in the Bible is the exaltation of, or an hommage to the Church, spiritual or temporal, by the French royalty of the thirteenth century.
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Gloc, Marie. "Construire, restaurer, écrire, Edouard Jules Corroyer (1835-1904) : l'architecture dans tous ses états." Paris, EPHE, 2003. http://www.theses.fr/2003EPHE4019.
Full text
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Dimova, Temenuzhka. "Le langage des mains dans les arts figurés en France (1604-1795)." Thesis, Strasbourg, 2017. http://www.theses.fr/2017STRAG022.
Full textAbstract:
Le langage iconographique des mains est un système conventionnel utilisé par les peintres afin de doter les personnages de leurs oeuvres de fonctions discursives, affectives et symboliques particulières. La lecture des gestes figurés nous a ainsi permis de révéler des nouvelles structures narratives. Les différents signes gestuels sont étudiés ici en fonction de leurs origines, usages, connotations et stylistiques dans l’art français des XVIIe et XVIIIe siècles. Dans l’objectif de comprendre le potentiel sémantique de la main et son implication dans les oeuvres d’art, nous avons sollicité des écrits issus de champs épistémiques multiples. Lors de ce travail, nous avons souligné l’importance de la chirologie, discipline explorant les configurations signifiantes des mains et leurs possibles applications. Les gestes picturaux ne fonctionnent pas uniquement de manière isolée mais sont impliqués dans des schémas d’interaction, raccordés au genre et à la composition de l’oeuvre. L’étude du langage des mains favorise le dialogue entre l’histoire de l’art et d’autres disciplines scientifiques, engagées dans des questions de perception, de représentation et de mémoireThe iconographic language of the hands is a conventional system used by the painters in order to provide some particular discursive, affective and symbolical functions to their characters. In our work, we show that the analysis of the figurative gestures reveals new narrative structures. The different gestural signs are studied according to their origins, usages, connotations and stylistics in the French art of the 17th and 18th centuries. With the aim of understanding the semantic potential of the hand and its implication in the works of art, we referred to multiple epistemic fields. In this study, we underline the importance of the chirology, discipline exploring the meaningful configurations of the hands and their possible applications. The pictorial gestures are not isolated but involved in interactional schemas, connected to the genre and the composition of the work of art. The study of the language of the hands favours the dialogue between the History of art and other scientific disciplines,engaged in the questions of perception, representation and memory
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Doustaly, Anne. "L'esprit de la chair : images de la sainteté féminine entre Rhône et Alpes au XVe siècle." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0109.
Full textAbstract:
Après avoir répertorié les figures de la sainteté féminine employées dans les peintures publiques provençales et alpines du XVe siècle, l'étude constate un sanctoral visuel limité (Marie-Madeleine, vierges martyres), l'absence des saintes locales, et explore les modalités de ces choix (polysémie de la sainteté, agencements visuels). Retables, peintures murales et exempla forment le corpus principal, complété par l 'hagiographie, les calendriers et les prix-faits. L'usage des saintes se révèle limité dans certains media (peinture, exempla), en décalage à la fois avec la popularité des pèlerinages et la féminisation de la spiritualité contemporaine. L'étude recherche les usages communs de la sainteté féminine et les conventions visuelles attachées à la figure centrale de Marie-Madeleine et au groupe homogène des vierges martyres qui fonctionne en série. La fonction visuelle de l'attribut, les formes de l'identité, les classifications sont analysées. La figure de sainte Lucie, les mécanismes particuliers de l'attribut-organe et les variations visuelles sur le genre des saintes, témoignent de l'inventivité suggestive des images, et conduisent à préciser la notion polysémique de saintetéAfter listing the examples of female saints used in the Proven cal and Alpine public paintings in the XVth century, this study notes limited sanctoral representations (Mary Magdalen, martyr virgins), the absence oflocal saints, and explores the consequences of these choices (polysemy of saintliness, visuallayout). The main corpus, made up of retables, mural paintings and exempla, is completed by hagiography, calendars and the commission contracts (prix-faits). There is a discrepancy between the fact that the figure of the female saint turns out to be limited in some media (painting, exempla), and with both the popularity of pilgrimages and the feminization of contemporary spirituality. This study looks into the common use of female saintliness and the visual conventions related to the central figure of Mary Magdalene and to the homogeneous group of martyr virgins that works out as a series. The visual function of the attribute, the fonns of identity, and the classifications are analysed. The figure of Saint Lucy, the specific mechanisms of the organ-attribute and the visual variations on the gender of the female saints bear witness to the suggestive inventivity of images, and lead to a redefinition of the polysemic notion of saintliness
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Croizier-Varillon, Isabelle. "L'art sacré en Béarn et en Pays Basque dans la période de l'entre-deux-guerres." Thesis, Pau, 2012. http://www.theses.fr/2012PAUU1010/document.
Full textAbstract:
La période de l’entre-deux-guerres en France correspond à une phase de renaissance pour l’Art sacré. Après la loi de Séparation de 1905, l’Église dut se réorganiser, renouveler son message spirituel et inscrire concrètement son action au sein d’une société en mutation. La création d’ateliers d’art sacré et le lancement des Chantiers parisiens du cardinal Verdier, soutenus par plusieurs publications comme la revue de L’Art Sacré, insufflèrent une impulsion nouvelle à la production religieuse. Le diocèse de Bayonne participa pleinement à cet essor. Souscrivant, d’une manière originale et dynamique, à cette nouvelle configuration, il tenta d’y inclure les particularismes régionaux en faisant notamment apparaître les spécificités identitaires basque et béarnaise. L’action conjointe des évêques et des curés bâtisseurs, des architectes, des maîtres verriers et mosaïstes, des peintres, des sculpteurs ou même des orfèvres, témoigne de la réécriture de schémas anciens, voire conventionnels, au profit d’un art hésitant entre audaces et compromis. C’est en effet sous les bannières de la tradition et du renouveau, du régionalisme et de la modernité que se situe l’art sacré dans le diocèse de BayonneThe interwar years in France witnessed a revival of sacred Art. After the 1905 law on the separation of Church and State, the Church had to reorganize and renew its spiritual message and reposition its action in the context of a changing society. The creation of religious art workshops as well as the launching of the Parisian “Chantiers du Cardinal”, initiated by cardinal Verdier, supported by a number of reviews such as L’Art Sacré, gave a new impulse to the production of religious art. The diocese of Bayonne took a full part in this initiative. It was keen to contribute in original and dynamic ways to this new direction and tried to include regional elements and in particular features reflecting Basque and Bearnais identities. The joint work done by bishops and priests involved in building churches, architects, glassmakers and mosaic artists, painters, sculptors and even goldsmiths, shows how well-established and even conventional designs were revisited to produce an art which hesitated between daring innovation and compromise. Indeed, the sacred art of the diocese of Bayonne was marked by a mixture of tradition and renewal, regionalism and modernity