Academic literature on the topic 'Art chrétien – France – 19e siècle'

Joseph Aubert fut un des peintres religieux majeurs de la période 1880-1920. Tombé aujourd'hui dans l'oubli, il nous est apparu nécessaire de l'en sortir par une analyse générale de sa vie et de son œuvre. Né à Nantes en 1849, Aubert se sentit très tôt une vocation de peintre religieux. Élève d'Yvon puis de Cabanel, n'ayant pu concourir pour le Prix de Rome en raison de son mariage, il se spécialisa dans la peinture religieuse, et plus particulièrement dans les décors d'églises. Désirant renouveler les thèmes bibliques, il fit trois périples au Proche-Orient entre 1892 et 1900. Les décors de Notre-Dame-des-Champs à Paris et de Notre-Dame de Besançon sont considérés comme des œuvres ayant marqué la peinture religieuse de ces années. Aubert avait acquis en 1898 le domaine de l'Ermitage dans le Doubs où il venait se reposer chaque été. Il y tenait également un atelier. Il mourut en 1924 au couvent des Fontenelles, ne laissant pas de descendance directe. Peintre discret mais réputé auprès du Clergé de son époque, chrétien pratiquant, dessinateur talentueux, bon portraitiste, Aubert fut sans doute le chaînon manquant reliant le classicisme archaïsant d'Hippolyte Flandrin au renouvellement formel de Maurice Denis. D'où la nécessité d'un catalogue raisonné qui puisse rendre compte de l'ampleur d'un travail plus éclectique qu'il n'y paraît et rendre ainsi sa place à un artiste qui avait fait de la religion sa principale confidente et muse
Joseph Aubert was one of the greater religious painters at the turn of the 19th century. Although he's completely forgotten nowadays, it seemed necessary for us to rehabilitate him with a general analysis of his life and work. Born in Nantes in 1849 Aubert felt an early vocation for religious painting. He studied at Yvon's studio, then at Cabanel's. He wasn't allowed to compete for the Rome Grand Prix cause of his recent marriage. He specialized in religious painting and especially in decoration of churches. As he desired to renew biblical topics, he made three trips to Palestine between 1892 and 1900. The pannels of Notre-Dame-des-Champs in Paris and Notre-Dame in Besançon are considered as masterpieces of religious painting at that time. Aubert bought the Ermitage castle in Franche-Comté in 1898. He got used to come there every summer for resting and he also had a studio. He died in 1924 at the Fontenelles monastery without having any children. Aubert was a discreet but renowned artist by the Clergy. Fervent Christian, talentuous drawer, good portraitist, Aubert maybe was the missing link between Hippolyte Flandrin's archaic classicism and Maurice Denis' formal renewal. So it was necessary to make a Catalogue Raisonné that gives his place back to an artist who had made religion her main confidant and Muse

La richesse du patrimoine religieux breton n'est plus à démontrer. Pourtant l'étude de la peinture religieuse bretonne aux XVIIe et XVIIIe siècles, négligée par les érudits en raison de sa pauvreté supposée, restait encore à découvrir. Cette thèse propose d'analyser dans un premier temps les mécanismes de la commande à travers les différents commanditaires et d'étudier les différentes étapes de la commande que sont le choix de l'artiste, les modalités d'exécution, les obligations respectives des parties et le paiement des œuvres. Une seconde partie s'attache à l'étude des centres de production, l'environnement social et matériel des peintres, avant de s'intéresser au statut et à la formation. La troisième partie analyse le métier de peintre. Il s'agit d'abord de comprendre l'organisation du travail au sein d'un atelier ainsi que le rayonnement des peintres, puis, d'appréhender la technique et la nature du travail du peintre de tableaux. L'analyse du processus de création des œuvres à travers l'étude des sources d'inspiration et en particulier la gravure permet de mesurer l'importance de la copie. Enfin, une dernière partie s'attache à l'étude des œuvres d'un point de vue quantitatif et qualitatif. Un catalogue d'œuvres conservées en Bretagne et un dictionnaire d'artistes font l'objet de volumes à part
The purpose of this thesis is to study Breton religious painting between the XVII and the XVIII centuries. Although the richness of Breton religious heritage is well known, little attention has been given so far to Breton religious painting during this period because of its alleged poorness. This thesis is divided into four sections. Each one will analyse in depth the following topics : First an analysis of the structures of patronage and artistic commissions. These range from choosing the artist, methods and techniques through to contracts and final payments. Next, this thesis look into the different centres of artistic production and the social and economic contexts in which the artists worked. Attention will also be given to the artist's place in society and his training. Then the examine of the painter's profession : analysis of task distribution within the workshop and of the painters' influence. Understanding of painter's technical ability and nature of his work through the study of sources, especially prints. Then lastly, this thesis surveys the amount and range of paintings. Appendix I: Catalogue of paintings in Brittany. Appendix II: Biographical artists dictionary

"Théâtres d'images" au coeur de l'église, chargé d'instruire les paroissiens, le retable est aussi l'apologie d'une église triomphante. Né de la volonté de commanditaires zélés et de l'attente d'autorités religieuses soucieuses de la décence de leurs sanctuaires, il est l'oeuvre d'artistes peintres, sculpteurs, doreurs et menuisiers qui, riches de savoir-faire locaux, réinterprètent les grands courants artistiques. Aussi, en s'attachant aux décors d'autels de petites paroisses rurales, cette étude rend compte de deux réalités. Elle analyse la mise en oeuvre des principes définis par le concile de Trente et intéresse l'histoire du goût en Province sous l'Ancien Régime. Enfin, cette synthèse est l'occasion de mettre en lumière un patrimoine méconnu : l'oeuvre peint et sculpté des XVIIe et XVIIIe siècles dans l'ancienne élection de Vire
"Theatre of picture" in the center of the church, undertaked to educate parishioners, the retable above the high altar vindicates the Church Triomphant too. Originated from the will of devoted sleeping partners and come up to clergy's expectations which is concerned about the decency of its church, the altar is created by painters, sculptors and joiners who are inspired by Parisian models but create original decorations with local know-how. Consequently, this study which concerns the decoration of the altar inside little country church accounts for two realities. First, it explains the implementation of the principles defined by the Concil. Secondly, it interests a history if styles in the provinces under the old regime. Finally, this thesis is an opportunity for bringing an unrecognized patrimony to light : painting and sculpture from the 17th and 18th centuries in the region of Vire

Ce travail de recherche sur le décor sculpté religieux à Paris a eu pour ambition de reconstruire l'image d'un patrimoine en partie disparu : l'espace interne de l'église parisienne entre 1660 et 1760 à travers le mobilier liturgique, le décor en relief ou en ronde-bosse, dans la nef, le transept et le chœur des églises de la capitale du royaume. Notre étude analyse ainsi la sculpture religieuse dans son espace d'inscription immédiat, entre art monumental et art décoratif, de la fin des grandes commandes religieuses royales du XVIIe siècle, tel le Dôme des Invalides, à l'avènement du néo-classicisme dans le chœur de Saint-Germain-l'Auxerrois en 1760, avant la reprise des grands chantiers royaux, inaugurés par les travaux menées à la basilique Sainte-Geneviève. Même si une partie de ces décors a été démonté à la Révolution, il est possible d'appréhender précisément leur contenu, les éléments détruits étant analysés à partir de nombreuses sources iconographiques et écrites qui permettent de restituer l'œil du contemporain dans une église. Grâce à la découverte de nombreux contrats d'archives, il a été possible de déterminer les conditions et les facteurs matériels et religieux de la commande. L'étude des textes critiques, issus de la théorie artistique et religieuse contemporaine, pose le problème du luxe du décor religieux, ainsi que le problème de l'organisation de l'espace intérieur de l'église, et dont est largement tributaire l'évolution stylistique et formelle du décor. Cette thèse, combinant histoire de l'art, histoire du visuel, histoire économique et histoire religieuse, contribue ainsi à la connaissance d'un patrimoine artistique français méconnu
This work on the religious sculptured decoration in Paris had for ambition to built the image of a partially disappeared heritage : the space interns of the Parisian church between 1660 and 1760 through the liturgical furniture, the relief decoration or in round-bump, in the nave, the transept and the choir of the churches of the capital of the kingdom. Our study so analyzes the religious sculpture in its immediate space, between monumental art and decorative art, the end of the big royal religious orders of the XVIIth century, such the Dome des Invalides, in the advent of the neoclassicism in the choir of Saint-Germain-l'Auxerrois in 1760, before the resumption of the big royal construction works, inaugurated by the works in the basilica saint-Geneviève. Even if a part of these decorations was destroyed in the Revolution, it is possible to determinate exactly their contents : the destroyed elements are analyzed from numerous iconographic and written sources which allow to restore the eye of the contemporary in a church. Thanks to the discovery of contracts of archives, it was possible to determine the conditions and the material and religious factors of the order. The study of the critical texts, stemming from the contemporary artistic and religious theory, raises the problem of the luxury of the religious decoration, as well as the problem of the organization of the internal space of the church, and on which is widely dependent the stylistic and formal evolution of the decoration. This work combine art history, history of the picture, economic history and religious history to contributes to the knowledge of an underestimated French artistic heritage

Après avoir répertorié les figures de la sainteté féminine employées dans les peintures publiques provençales et alpines du XVe siècle, l'étude constate un sanctoral visuel limité (Marie-Madeleine, vierges martyres), l'absence des saintes locales, et explore les modalités de ces choix (polysémie de la sainteté, agencements visuels). Retables, peintures murales et exempla forment le corpus principal, complété par l 'hagiographie, les calendriers et les prix-faits. L'usage des saintes se révèle limité dans certains media (peinture, exempla), en décalage à la fois avec la popularité des pèlerinages et la féminisation de la spiritualité contemporaine. L'étude recherche les usages communs de la sainteté féminine et les conventions visuelles attachées à la figure centrale de Marie-Madeleine et au groupe homogène des vierges martyres qui fonctionne en série. La fonction visuelle de l'attribut, les formes de l'identité, les classifications sont analysées. La figure de sainte Lucie, les mécanismes particuliers de l'attribut-organe et les variations visuelles sur le genre des saintes, témoignent de l'inventivité suggestive des images, et conduisent à préciser la notion polysémique de sainteté
After listing the examples of female saints used in the Proven cal and Alpine public paintings in the XVth century, this study notes limited sanctoral representations (Mary Magdalen, martyr virgins), the absence oflocal saints, and explores the consequences of these choices (polysemy of saintliness, visuallayout). The main corpus, made up of retables, mural paintings and exempla, is completed by hagiography, calendars and the commission contracts (prix-faits). There is a discrepancy between the fact that the figure of the female saint turns out to be limited in some media (painting, exempla), and with both the popularity of pilgrimages and the feminization of contemporary spirituality. This study looks into the common use of female saintliness and the visual conventions related to the central figure of Mary Magdalene and to the homogeneous group of martyr virgins that works out as a series. The visual function of the attribute, the fonns of identity, and the classifications are analysed. The figure of Saint Lucy, the specific mechanisms of the organ-attribute and the visual variations on the gender of the female saints bear witness to the suggestive inventivity of images, and lead to a redefinition of the polysemic notion of saintliness

Partant d'une remarque d'Emile Mâle qui voyait dans les verrières de Conches, une "réfutation du calvinisme", cette thèse s'est proposée une étude stylistique et iconographique du vitrail normand dans la perspective de la Réforme, étude effectuée sur la base des données du récent Récensement des Vitraux de le Haute Normandie et justifiée à la fois par un imposant corpus et par la précose pénétration dans cette province des doctrines nouvelles. La méthode adoptée associe à l'approche iconographique la recherche des modèles graphiques, considérés comme signifiants et privilégie une mise en relation avec les évenements historiques et la controverse religieuse, les poésies et pamphlets anti-protestants. Si les modéles gravés utilisés entre 1520 et 1550 sont de préférence italiens et exaltent la Rome vaticane, de 1562 à l'édit de Nantes, ils sont pour la pluspart originaires des Pays -Bas où ils servent une idéologie ; on remarque encore des relations étroites entre les illustrations des pamphlets anti-protestants et les verrières. Une analyse approfondie des oeuvres réalisées entre 1522 et 1562 montre ainsi que la contre propagande catholique utilise le vitrail comme médium privilégié et qu'elle n'attend ni la fin du Concile de Trente ni l'ère de la Contre-Réforme officielle.

Entre 1820 et 1870, l’État et les villes françaises mettent en œuvre, à grands renforts budgétaires, une commande massive destinée à pourvoir les lieux de culte d’une statuaire monumentale à vocation liturgique et didactique. Une première partie est consacrée à l'approche synoptique de la sculpture religieuse du XIXe siècle, par l'entremise des grands programmes. Celle-ci permet de porter un regard d'ensemble sur une évolution chronologique rendue complexe par la variation des attentes et des ambitions, et ainsi de prendre conscience du statut de frontispices culturels qu'acquièrent, grâce à la sculpture, les édifices religieux. Cette étude montre d’ailleurs les places éminentes qu’occupent généralement au sein de ces ensembles sculptés le Christ, la Vierge et leur association dans la Pietà, auxquels est consacrée la deuxième partie. L'espace liturgique qu'initie la Restauration hérite de la Révolution et de l'Empire d'une dimension expiatoire. C'est cette douleur mêlée de foi et d'espérance qui guide l'exécution des Vierges à l'Enfant, des Christs crucifiés et des Pietà, leur attribuant une fonction de pôles liturgiques déterminant. La période connaît enfin, en terme de représentation hagiographique, un foisonnement étonnant. La troisième partie étudie l'importance numérique des saints comme le moyen dont use la restauration du culte pour favoriser une relation intercessionnelle de tout temps forte en France. Un triple dialogue est alors mis en évidence : celui des artistes dans le temps, celui des sujets dans l’imaginaire théologique et théocratique, et celui des formes dans les recoupements parfois surprenants des généalogies stylistiques
Between 1820 and 1870, the State and the French cities are implementing - using a great budget - a massive order to fill the churches with monumental sculptures to serve a liturgical and educational purpose. The first part of this study examines the synoptic approach to religious sculpture of the nineteenth century, through the major programs. This leads to an overall view of a chronological evolution complicated by changes in expectations and ambitions and therefore to be aware of the status of cultural frontispieces that churches had acquired trough sculpture. This study also shows the prominent places that Christ and the Virgin generally occupy within these carved sets. The liturgical space initiated by the Restauration inherits expiatory dimension from the Revolution and the Empire. This pain mixed with hope and faith guided the execution of the Virgin and Child, crucified Christs and Pieta, giving them a decisive liturgical function. The period finally knows, in terms of hagiographic representation, a surprising abundance. The third part examines the numerous representations of the saints as a mean used by the restoration of religion to foster an intercessional relationship that has always been strong in France. Hence, a triple dialogue is highlighted: one between artists in time, one between subjects in the theological and theocratic imaginary, and one between forms in the overlaps - sometimes surprising - of stylistic genealogies