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Dissertations / Theses on the topic 'Art chrétien – France – 19e siècle'
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Rolland, Juliette. "Pour tout l'art de Dieu : contribution à une sociologie picturale des églises parisiennes pendant l'ère paroissiale." Paris 5, 2003. http://www.theses.fr/2003PA05H061.
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Dauphin-Meunier, Romain. "Joseph Aubert (1849-1924) : la vie et l'oeuvre d'un peintre chrétien." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2004PA040136.
Full textAbstract:
Joseph Aubert fut un des peintres religieux majeurs de la période 1880-1920. Tombé aujourd'hui dans l'oubli, il nous est apparu nécessaire de l'en sortir par une analyse générale de sa vie et de son œuvre. Né à Nantes en 1849, Aubert se sentit très tôt une vocation de peintre religieux. Élève d'Yvon puis de Cabanel, n'ayant pu concourir pour le Prix de Rome en raison de son mariage, il se spécialisa dans la peinture religieuse, et plus particulièrement dans les décors d'églises. Désirant renouveler les thèmes bibliques, il fit trois périples au Proche-Orient entre 1892 et 1900. Les décors de Notre-Dame-des-Champs à Paris et de Notre-Dame de Besançon sont considérés comme des œuvres ayant marqué la peinture religieuse de ces années. Aubert avait acquis en 1898 le domaine de l'Ermitage dans le Doubs où il venait se reposer chaque été. Il y tenait également un atelier. Il mourut en 1924 au couvent des Fontenelles, ne laissant pas de descendance directe. Peintre discret mais réputé auprès du Clergé de son époque, chrétien pratiquant, dessinateur talentueux, bon portraitiste, Aubert fut sans doute le chaînon manquant reliant le classicisme archaïsant d'Hippolyte Flandrin au renouvellement formel de Maurice Denis. D'où la nécessité d'un catalogue raisonné qui puisse rendre compte de l'ampleur d'un travail plus éclectique qu'il n'y paraît et rendre ainsi sa place à un artiste qui avait fait de la religion sa principale confidente et museJoseph Aubert was one of the greater religious painters at the turn of the 19th century. Although he's completely forgotten nowadays, it seemed necessary for us to rehabilitate him with a general analysis of his life and work. Born in Nantes in 1849 Aubert felt an early vocation for religious painting. He studied at Yvon's studio, then at Cabanel's. He wasn't allowed to compete for the Rome Grand Prix cause of his recent marriage. He specialized in religious painting and especially in decoration of churches. As he desired to renew biblical topics, he made three trips to Palestine between 1892 and 1900. The pannels of Notre-Dame-des-Champs in Paris and Notre-Dame in Besançon are considered as masterpieces of religious painting at that time. Aubert bought the Ermitage castle in Franche-Comté in 1898. He got used to come there every summer for resting and he also had a studio. He died in 1924 at the Fontenelles monastery without having any children. Aubert was a discreet but renowned artist by the Clergy. Fervent Christian, talentuous drawer, good portraitist, Aubert maybe was the missing link between Hippolyte Flandrin's archaic classicism and Maurice Denis' formal renewal. So it was necessary to make a Catalogue Raisonné that gives his place back to an artist who had made religion her main confidant and Muse
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Hamoury, Maud. "La peinture religieuse en Bretagne aux XVIIe et XVIIIe siècles." Rennes 2, 2006. http://www.theses.fr/2006REN20010.
Full textAbstract:
La richesse du patrimoine religieux breton n'est plus à démontrer. Pourtant l'étude de la peinture religieuse bretonne aux XVIIe et XVIIIe siècles, négligée par les érudits en raison de sa pauvreté supposée, restait encore à découvrir. Cette thèse propose d'analyser dans un premier temps les mécanismes de la commande à travers les différents commanditaires et d'étudier les différentes étapes de la commande que sont le choix de l'artiste, les modalités d'exécution, les obligations respectives des parties et le paiement des œuvres. Une seconde partie s'attache à l'étude des centres de production, l'environnement social et matériel des peintres, avant de s'intéresser au statut et à la formation. La troisième partie analyse le métier de peintre. Il s'agit d'abord de comprendre l'organisation du travail au sein d'un atelier ainsi que le rayonnement des peintres, puis, d'appréhender la technique et la nature du travail du peintre de tableaux. L'analyse du processus de création des œuvres à travers l'étude des sources d'inspiration et en particulier la gravure permet de mesurer l'importance de la copie. Enfin, une dernière partie s'attache à l'étude des œuvres d'un point de vue quantitatif et qualitatif. Un catalogue d'œuvres conservées en Bretagne et un dictionnaire d'artistes font l'objet de volumes à partThe purpose of this thesis is to study Breton religious painting between the XVII and the XVIII centuries. Although the richness of Breton religious heritage is well known, little attention has been given so far to Breton religious painting during this period because of its alleged poorness. This thesis is divided into four sections. Each one will analyse in depth the following topics : First an analysis of the structures of patronage and artistic commissions. These range from choosing the artist, methods and techniques through to contracts and final payments. Next, this thesis look into the different centres of artistic production and the social and economic contexts in which the artists worked. Attention will also be given to the artist's place in society and his training. Then the examine of the painter's profession : analysis of task distribution within the workshop and of the painters' influence. Understanding of painter's technical ability and nature of his work through the study of sources, especially prints. Then lastly, this thesis surveys the amount and range of paintings. Appendix I: Catalogue of paintings in Brittany. Appendix II: Biographical artists dictionary
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Gloc, Marie. "Construire, restaurer, écrire, Edouard Jules Corroyer (1835-1904) : l'architecture dans tous ses états." Paris, EPHE, 2003. http://www.theses.fr/2003EPHE4019.
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Le, Moussu Clara. "Des théâtres d'images dans le bocage virois : autels et retables des XVIIe et XVIIIe siècles de l'ancienne élection de Vire." Rennes 2, 2007. http://www.theses.fr/2007REN20066.
Full textAbstract:
"Théâtres d'images" au coeur de l'église, chargé d'instruire les paroissiens, le retable est aussi l'apologie d'une église triomphante. Né de la volonté de commanditaires zélés et de l'attente d'autorités religieuses soucieuses de la décence de leurs sanctuaires, il est l'oeuvre d'artistes peintres, sculpteurs, doreurs et menuisiers qui, riches de savoir-faire locaux, réinterprètent les grands courants artistiques. Aussi, en s'attachant aux décors d'autels de petites paroisses rurales, cette étude rend compte de deux réalités. Elle analyse la mise en oeuvre des principes définis par le concile de Trente et intéresse l'histoire du goût en Province sous l'Ancien Régime. Enfin, cette synthèse est l'occasion de mettre en lumière un patrimoine méconnu : l'oeuvre peint et sculpté des XVIIe et XVIIIe siècles dans l'ancienne élection de Vire"Theatre of picture" in the center of the church, undertaked to educate parishioners, the retable above the high altar vindicates the Church Triomphant too. Originated from the will of devoted sleeping partners and come up to clergy's expectations which is concerned about the decency of its church, the altar is created by painters, sculptors and joiners who are inspired by Parisian models but create original decorations with local know-how. Consequently, this study which concerns the decoration of the altar inside little country church accounts for two realities. First, it explains the implementation of the principles defined by the Concil. Secondly, it interests a history if styles in the provinces under the old regime. Finally, this thesis is an opportunity for bringing an unrecognized patrimony to light : painting and sculpture from the 17th and 18th centuries in the region of Vire
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Bontemps, Sébastien. "Le décor sculpté religieux à Paris (1660-1760)." Thesis, Aix-Marseille, 2012. http://www.theses.fr/2012AIXM3110.
Full textAbstract:
Ce travail de recherche sur le décor sculpté religieux à Paris a eu pour ambition de reconstruire l'image d'un patrimoine en partie disparu : l'espace interne de l'église parisienne entre 1660 et 1760 à travers le mobilier liturgique, le décor en relief ou en ronde-bosse, dans la nef, le transept et le chœur des églises de la capitale du royaume. Notre étude analyse ainsi la sculpture religieuse dans son espace d'inscription immédiat, entre art monumental et art décoratif, de la fin des grandes commandes religieuses royales du XVIIe siècle, tel le Dôme des Invalides, à l'avènement du néo-classicisme dans le chœur de Saint-Germain-l'Auxerrois en 1760, avant la reprise des grands chantiers royaux, inaugurés par les travaux menées à la basilique Sainte-Geneviève. Même si une partie de ces décors a été démonté à la Révolution, il est possible d'appréhender précisément leur contenu, les éléments détruits étant analysés à partir de nombreuses sources iconographiques et écrites qui permettent de restituer l'œil du contemporain dans une église. Grâce à la découverte de nombreux contrats d'archives, il a été possible de déterminer les conditions et les facteurs matériels et religieux de la commande. L'étude des textes critiques, issus de la théorie artistique et religieuse contemporaine, pose le problème du luxe du décor religieux, ainsi que le problème de l'organisation de l'espace intérieur de l'église, et dont est largement tributaire l'évolution stylistique et formelle du décor. Cette thèse, combinant histoire de l'art, histoire du visuel, histoire économique et histoire religieuse, contribue ainsi à la connaissance d'un patrimoine artistique français méconnuThis work on the religious sculptured decoration in Paris had for ambition to built the image of a partially disappeared heritage : the space interns of the Parisian church between 1660 and 1760 through the liturgical furniture, the relief decoration or in round-bump, in the nave, the transept and the choir of the churches of the capital of the kingdom. Our study so analyzes the religious sculpture in its immediate space, between monumental art and decorative art, the end of the big royal religious orders of the XVIIth century, such the Dome des Invalides, in the advent of the neoclassicism in the choir of Saint-Germain-l'Auxerrois in 1760, before the resumption of the big royal construction works, inaugurated by the works in the basilica saint-Geneviève. Even if a part of these decorations was destroyed in the Revolution, it is possible to determinate exactly their contents : the destroyed elements are analyzed from numerous iconographic and written sources which allow to restore the eye of the contemporary in a church. Thanks to the discovery of contracts of archives, it was possible to determine the conditions and the material and religious factors of the order. The study of the critical texts, stemming from the contemporary artistic and religious theory, raises the problem of the luxury of the religious decoration, as well as the problem of the organization of the internal space of the church, and on which is widely dependent the stylistic and formal evolution of the decoration. This work combine art history, history of the picture, economic history and religious history to contributes to the knowledge of an underestimated French artistic heritage
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Doustaly, Anne. "L'esprit de la chair : images de la sainteté féminine entre Rhône et Alpes au XVe siècle." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0109.
Full textAbstract:
Après avoir répertorié les figures de la sainteté féminine employées dans les peintures publiques provençales et alpines du XVe siècle, l'étude constate un sanctoral visuel limité (Marie-Madeleine, vierges martyres), l'absence des saintes locales, et explore les modalités de ces choix (polysémie de la sainteté, agencements visuels). Retables, peintures murales et exempla forment le corpus principal, complété par l 'hagiographie, les calendriers et les prix-faits. L'usage des saintes se révèle limité dans certains media (peinture, exempla), en décalage à la fois avec la popularité des pèlerinages et la féminisation de la spiritualité contemporaine. L'étude recherche les usages communs de la sainteté féminine et les conventions visuelles attachées à la figure centrale de Marie-Madeleine et au groupe homogène des vierges martyres qui fonctionne en série. La fonction visuelle de l'attribut, les formes de l'identité, les classifications sont analysées. La figure de sainte Lucie, les mécanismes particuliers de l'attribut-organe et les variations visuelles sur le genre des saintes, témoignent de l'inventivité suggestive des images, et conduisent à préciser la notion polysémique de saintetéAfter listing the examples of female saints used in the Proven cal and Alpine public paintings in the XVth century, this study notes limited sanctoral representations (Mary Magdalen, martyr virgins), the absence oflocal saints, and explores the consequences of these choices (polysemy of saintliness, visuallayout). The main corpus, made up of retables, mural paintings and exempla, is completed by hagiography, calendars and the commission contracts (prix-faits). There is a discrepancy between the fact that the figure of the female saint turns out to be limited in some media (painting, exempla), and with both the popularity of pilgrimages and the feminization of contemporary spirituality. This study looks into the common use of female saintliness and the visual conventions related to the central figure of Mary Magdalene and to the homogeneous group of martyr virgins that works out as a series. The visual function of the attribute, the fonns of identity, and the classifications are analysed. The figure of Saint Lucy, the specific mechanisms of the organ-attribute and the visual variations on the gender of the female saints bear witness to the suggestive inventivity of images, and lead to a redefinition of the polysemic notion of saintliness
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Blancher-Riviale, Laurence. "Le Vitrail dans les anciens diocèses de Rouen et d'Evreux : formes et réformes (1517-1596)." Tours, 2004. http://www.theses.fr/2004TOUR2023.
Full textAbstract:
Partant d'une remarque d'Emile Mâle qui voyait dans les verrières de Conches, une "réfutation du calvinisme", cette thèse s'est proposée une étude stylistique et iconographique du vitrail normand dans la perspective de la Réforme, étude effectuée sur la base des données du récent Récensement des Vitraux de le Haute Normandie et justifiée à la fois par un imposant corpus et par la précose pénétration dans cette province des doctrines nouvelles. La méthode adoptée associe à l'approche iconographique la recherche des modèles graphiques, considérés comme signifiants et privilégie une mise en relation avec les évenements historiques et la controverse religieuse, les poésies et pamphlets anti-protestants. Si les modéles gravés utilisés entre 1520 et 1550 sont de préférence italiens et exaltent la Rome vaticane, de 1562 à l'édit de Nantes, ils sont pour la pluspart originaires des Pays -Bas où ils servent une idéologie ; on remarque encore des relations étroites entre les illustrations des pamphlets anti-protestants et les verrières. Une analyse approfondie des oeuvres réalisées entre 1522 et 1562 montre ainsi que la contre propagande catholique utilise le vitrail comme médium privilégié et qu'elle n'attend ni la fin du Concile de Trente ni l'ère de la Contre-Réforme officielle.
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Simon, Clélia. "Style, culture et société. La sculpture religieuse en France de la Restauration à la fin du Second Empire (1820-1870)." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040206.
Full textAbstract:
Entre 1820 et 1870, l’État et les villes françaises mettent en œuvre, à grands renforts budgétaires, une commande massive destinée à pourvoir les lieux de culte d’une statuaire monumentale à vocation liturgique et didactique. Une première partie est consacrée à l'approche synoptique de la sculpture religieuse du XIXe siècle, par l'entremise des grands programmes. Celle-ci permet de porter un regard d'ensemble sur une évolution chronologique rendue complexe par la variation des attentes et des ambitions, et ainsi de prendre conscience du statut de frontispices culturels qu'acquièrent, grâce à la sculpture, les édifices religieux. Cette étude montre d’ailleurs les places éminentes qu’occupent généralement au sein de ces ensembles sculptés le Christ, la Vierge et leur association dans la Pietà, auxquels est consacrée la deuxième partie. L'espace liturgique qu'initie la Restauration hérite de la Révolution et de l'Empire d'une dimension expiatoire. C'est cette douleur mêlée de foi et d'espérance qui guide l'exécution des Vierges à l'Enfant, des Christs crucifiés et des Pietà, leur attribuant une fonction de pôles liturgiques déterminant. La période connaît enfin, en terme de représentation hagiographique, un foisonnement étonnant. La troisième partie étudie l'importance numérique des saints comme le moyen dont use la restauration du culte pour favoriser une relation intercessionnelle de tout temps forte en France. Un triple dialogue est alors mis en évidence : celui des artistes dans le temps, celui des sujets dans l’imaginaire théologique et théocratique, et celui des formes dans les recoupements parfois surprenants des généalogies stylistiquesBetween 1820 and 1870, the State and the French cities are implementing - using a great budget - a massive order to fill the churches with monumental sculptures to serve a liturgical and educational purpose. The first part of this study examines the synoptic approach to religious sculpture of the nineteenth century, through the major programs. This leads to an overall view of a chronological evolution complicated by changes in expectations and ambitions and therefore to be aware of the status of cultural frontispieces that churches had acquired trough sculpture. This study also shows the prominent places that Christ and the Virgin generally occupy within these carved sets. The liturgical space initiated by the Restauration inherits expiatory dimension from the Revolution and the Empire. This pain mixed with hope and faith guided the execution of the Virgin and Child, crucified Christs and Pieta, giving them a decisive liturgical function. The period finally knows, in terms of hagiographic representation, a surprising abundance. The third part examines the numerous representations of the saints as a mean used by the restoration of religion to foster an intercessional relationship that has always been strong in France. Hence, a triple dialogue is highlighted: one between artists in time, one between subjects in the theological and theocratic imaginary, and one between forms in the overlaps - sometimes surprising - of stylistic genealogies
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Lacroix, Laurier. "Le fonds de tableaux Desjardins : nature et influence." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1998. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp03/NQ36285.pdf.
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Palonka-Cohin, Anetta. "La peinture religieuse dans le Haut-Maine au XVIIe siècle." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040176.
Full textAbstract:
Le recensement des tableaux du XVIIe siècle conservés dans les églises sarthoises a permis de constater une forte activité des peintres manceaux à cette époque, jusque là encore très mal connue. Pourtant, elle a contribué à l’élaboration d’une manière propre aux milieux artistiques manceaux d’alors qui ont su prolonger loin dans le siècle la séduction du maniérisme, sans pour autant raidir celui-ci. La prédominance, puis la persistance du maniérisme s’expliquent par l’immense diffusion de la gravure anversoise à la charnière des XVIe et XVIIe siècles. Plus tard, l’autorité des maîtres parisiens, italiens et flamands reposa sur la reproduction de leurs oeuvres par l’intermédiaire des estampes. Éloignée des grands foyers artistiques, la peinture mancelle était en général conservatrice et répétitive, cherchant tout d’abord à vivement frapper le fidèle. Les tableaux religieux de l’époque post tridentine étaient surtout des oeuvres fonctionnelles, limitées à l’interprétation stricte des scènes, et pour lesquels pouvaient suffire des talents médiocres, et où le recours à la copie était très courant. Cette thèse permet de constater que le milieu des peintres manceaux, tout en gardant ses particularités provinciales, fût dynamique, ouvert aux apports nouveaux et riche en personnalités intéressantes. Leurs oeuvres ont constitué une sorte de tournant dans la production régionale dont l’évolution a suivi les mêmes directions que les grands courants parisiens, quoique avec un écart inévitable. Sont d’abord étudiés la Commande, les Peintres, la Création, les OEuvres et l’Évolution de la peinture mancelle (I). Vient ensuite le Dictionnaire des peintres manceaux (II), et enfin le Catalogue des oeuvres (III)The inventory of 17th-century paintings in churches in the département of Sarthe reveals that painters in Le Mans, hitherto little known, were prolific at that time. This hive of activity gave rise to an artistic scene in the province of Maine, in and around the city of Le Mans, which prolonged the style of mannerism well into the century, until it was replaced by the authority of Parisian, Italian and Flemish masters. A far cry from main artistic centres, Maine painting was generally conservative and repetitive. Above all, it sought to strike religious believers. Religious works by Maine painters during the post-Tridentine era were functional works, content to merely portray a scene. They required little or no talent and copying was very widespread. This thesis shows that the painting scene in and around Le Mans, although doggedly provincial, was dynamic, open to new contributions and full of interesting characters. Their work marked a turning point in regional production and its evolution followed the same trends as the major Parisian currents, albeit with an evitable delay. We shall examine commissioning, the artists, creation, works and the evolution of painting in Le Mans (I). This will be followed by the dictionary of Maine painters (II) and the catalogue of works (III)
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Pleybert, Frédéric. "Contribution à l'étude de l'art en France autour de 1400 : la sculpture de la cathédrale de Rouen." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040213.
Full textAbstract:
La façade occidentale de la cathédrale de Rouen constitue une entreprise majeure des XIVe et XVe siècles. Ce chantier est indissociable du tombeau que CHarles V y fait exécuter, et qui s'inscrit dans un projet politique visant l'ensemble de la capitale de la Normandie. Son architecture novatrice et audacieuse abrite un décor sculpté qui semble traduire le foissonnement intellectuel de cette époque. Le rôle de Nicolas Oresme a pu être déterminant dans ce choix, marqué par la prégnance de la pensée thomiste et des idées aristotéliciennes. Entre 1370 et 1420, le chantier de la cathédrale fait de Rouen un foyer essentiel de la scène artistique européenne, attirant de nombreux sculpteurs dont beaucoup sont originaires du nord de l'Europe et ont travaillé en Bourgogne et dans le Berry. L'occasion est fournie de découvrir deux maîtres de premier plan, personnalités méconnues et pourtant majeures pour la compréhension de la sculpture française des environs de 1400The West front of the cathedral of Rouen is a major work of the XIVth and XVth centuries. To this construction site must be associated the grave that Charles the V had executed there, and which joins in a political project related to the capital of Normandy in its entirely. .
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Bastet, Delphine. "Les Mays de Notre-Dame de Paris (1630-1707) : Peinture, Eglise et monarchie au XVIIe siècle." Thesis, Aix-Marseille, 2014. http://www.theses.fr/2014AIXM3116.
Full textAbstract:
Les mays de Notre-Dame, tableaux offerts de 1630 à 1707 par la confrérie Sainte-Anne-Saint-Marcel des orfèvres parisiens à la cathédrale Notre-Dame de Paris en signe de dévotion à la Vierge, forment un des ensembles de peinture religieuse les plus importants du XVIIe siècle. La thèse de doctorat propose une étude de cette série en deux volets, une approche analytique à travers un essai et une approche synthétique à l'aide d'un catalogue. L'essai aborde dans une première partie le contexte confraternel et explique le choix de grands formats présentés dans la nef de la cathédrale. La deuxième partie s'intéresse à la fonction religieuse et politique de ces tableaux. La troisième partie s'attache aux conditions de la commande et aux questions de style et évalue la réception des œuvres au XVIIIe, XIXe et XXe siècles. Le catalogue reprend pour chaque tableau l'ensemble des données documentaires et visuelles. Les textes accompagnant les toiles (contrats, explications, inventaires de Notre-Dame) constituent les annexes. L'importance des mays dans la peinture religieuse du XVIIe siècle tient à leurs résonances avec les préoccupations pastorales et théologales de l'Église de Paris, ainsi qu'à leur statut de modèle pour la peinture religieuse. Exposés au cœur de la cathédrale de Paris, ils constituent un décor sacré au service du roi et de la politique religieuse du royaumeThe mays of Notre-Dame, paintings offered from 1630 till 1707 by the brotherhood Sainte-Anne-Saint-Marcel of the Parisian silversmiths to the cathedral Notre-Dame de Paris in sign of worship in the Virgin, are one of main group of paintings of the XVIIth century. The doctoral thesis proposes a study of this series in two steps, an analytical approach through a essay and a synthetic approach by means of a catalog. The essay approaches on a first part the fraternal context and explains the choice of large formats presented in the nave of the cathedral. The second part is interested in the religious function and the politics of these paintings. The third part becomes attached in the conditions of the command and to the questions of style and estimates the reception of the works at the XVIIIth, XIXth and XXth centuries. The catalog resumes for every picture all the documentary and visual data. Texts accompanying paintings (contracts, explanations, inventories of Notre-Dame) establish appendices. The importance of mays in the religious painting of the XVIIth century holds their echos with the pastoral concerns and théologales of the Church of Paris, as well as in their status of model for the religious painting. Exposed at the heart of the cathedral of Paris, they constitute a decoration crowned in the service of king and of religious politics of the kingdom
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Roche, Lucile. "L'ombre de Dieu : représenter la Création du monde en France (1610-1789)." Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H039.
Full textAbstract:
«Au commencement, Dieu créa le Ciel et la Terre». À l’ouverture du récit de la Genèse, le plus célèbre des incipit condense ce qui a constitué durant des siècles à la fois l’imagerie et le modèle théorique de la Création du monde en Occident. Or, dès le XVIIe siècle, la conception de la Création s’enrichit de considérations savantes qui bousculent l’univoque de la version biblique. Le récit canonique est alors instruit par les notions profanes d’évolution ou de loi mécanique qui bouleversent l’image biblique d’un Dieu-Créateur du monde en six jours dont la tradition avait longtemps fixé le canon. Pensées au pluriel, les représentations de la Création du monde se diversifient au sein d’une iconographie variée et créative, fruit de la conciliation entre le sacré et le profane qui autorise des représentations inédites où Dieu viendrait souffle rles tourbillons imaginés par Descartes ou encore dynamiser un mécanisme terrestre résolument voltairien. À l’heure de sa complexification théorique, il sera plus particulièrement question d'appréhender la relecture du mythe biblique de la Création du monde dans les arts de la période concernée. À partir d’un corpus d’images tirées de divers horizons – bibliques, scientifiques,alchimiques ou physico-théologiques – l’objet de cette thèse est justement d’appréhender la résilience de l’iconographie biblique dans un monde en pleine sécularisation. Nous verrons notamment comment, autorité latente ou référent stéréotypé, telle une ombre, la figure du Créateur condense toute la complexité des rapports entre l’homme et ses mythes“In the beginning God created Heaven and Earth”. Opening of the first chapter of the Genesis,the most well-known incipit of all time sums up both the imagery and the main idea of the Creation of the World that has existed in the west for thousands of years. However, this biblical conception of Creation starts to weaken in the beginning of the XVIIth century and to expand to embrace scientific views when secular ideas of evolution or the laws of mechanics shook the biblical tradition of the six-Day Creation narrative. The once unique idea of a World Creation becomes a more complex concept at the crossroads between sacred and profaneand authorized innovative pictures representing, for example, God blowing the Cartesian cosmogenic whirlpools or giving thrust to the terrestrial mechanism inspired by Voltaire. When the groundbreaking theories on the Creation were published, it was necessary to focus on the artistic reinterpretations of the myth. Based on a great diversity of images – biblical, scientific,alchemical – we’ll try to analyze how biblical iconography stands still at the time of the global secularization of the world in which, as a paradoxical authority or an unconscious standard, the image of the Creator holds up the complex relationship between Man and his Mythology
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Laurant, Jean-Pierre. "L'ésotérisme chrétien en France, de 1848 à 1914." Paris 12, 1989. http://www.theses.fr/1989PA120055.
Full textAbstract:
Les mots esoterisme et occultisme sont apparus en francais dans les annees 1840, autour de pierre leroux, des premiers socialistes et dans les milieux maconniques pour combler le fosse qui allait croissant entre la science et la religion. L'echec de la tentative de science catholique invitait a faire entrer dans le cadre de systemes nouveaux les efforts pour retrouver l'unite de la connaissance. Ces courants, lies tout d'abord aux idees prophetiques du debut du siecle, se referant a une pseudo kabbale ou a d'hypothetiques gnoses, s'epanouirent a l'occasion des remises en cause de la revolution de 1848 et connurent de nouveaux succes entre 1880 et 1900 avant de se diluer dans les preoccupations de l'avant-guerre. Ils demeurerent, en tout etat de cause, paralleles au discours religieuxEsoterism and occultism appeared in the french language around 1840 with pierre leroux, the first socialists and masonics authors both, to fill up the ditch increasing between science and religion. After the check of a new christian science, new systems only seemed able to manage the reconcilement. The revolutions of 1848 assisted these ideas connected with prophecy, kabbala and gnosticism; their success increased between 1880 and 1900. Anyway, occultism and esoterism remained in the religious estate like a parallel speech
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Chaix, Valérie. "Edifices ecclésiaux de la fin du Xème siècle au début du XIIème siècle en Normandie : formes et fonctions." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100143.
Full textAbstract:
La recherche concerne les édifices ecclésiaux érigés de la fin du Xème jusqu’au milieu du XIIème siècle, en Normandie. Au sein de cet ensemble géographique, une quinzaine d’églises seront étudiées. L’objectif consiste à proposer, dans la mesure du possible, une interprétation fonctionnelle des partis architecturaux – soit, donc, à justifier ces derniers par leurs utilisations liturgiques, funéraires, dévotionnelles diverses et éventuellement à caractère profane. Ainsi sont écartés les aspects architectoniques, esthétiques et symboliques, en raison de leur caractère exclusivement technique, ou au contraire de nature abstraite ; ceux-ci pourront cependant être brièvement signalés, lorsque cela s’avère nécessaire. Dans un premier temps, l’étude s’effectuera édifice par édifice ; pour chaque composante architecturale, il conviendra d’analyser le détail de ses articulations, afin d’en dégager les caractéristiques exactes. Par ailleurs, la lecture approfondie des sources textuelles doit fournir des indices déterminants quant à l’usage qui en était fait. L’ensemble de ce travail permettra donc d’établir une série de monographies rassemblant toutes les informations utiles. En second lieu, on établira une typologie régionale précise des partis architecturaux ; composante par composante, on mènera une étude comparative hors du domaine normand. Chaque synthèse formelle sera suivie d’une synthèse fonctionnelle établie selon les mêmes principes. Enfin, on opérera éventuellement les recoupements qui s’imposent entre les différentes données à notre disposition, pour aboutir à la mise en évidence d’un système de relations privilégiées entre un type de disposition architecturale et une ou des fonctions particulièresThis study focuses on ecclesial edifices built between the end of the 9th century and the middle of the 12th century in Normandy. About 15 churches will be thus examined. The purpose of this study is to offer a functional interpretation of architectural designs when possible : they will be analysed according to their liturgical, funeral, religious and even possibly non-religious uses. Architectonic, aesthetic and symbolic aspects will not be taken into account because of their technical or abstract character. However, they will be pointed out if necessary. First, the study will concentrate on the edifices themselves. The articulations between each of their architectural components will be analysed in order to reveal their exact characteristics. A thorough analysis of the written sources will provide significant clues concerning their customary functions. We will then be able to establish a series of monographs gathering all the useful information. Then, we will establish a regional typology of the architectural designs ; we will expand our research out of Normandy in order to make a comparative study of these components. After each formal synthesis, we will make a functional one following the same pattern. Finally, all the collected data will be carefully examined and we will then try to show if there is a system of close associations between a certain type of architectural arrangement and specific uses and functions
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Gensbeitel, Christian. "L'architecture religieuse du XIe siècle en pays charentais et ses transformations à l'aube du XIIe siècle." Bordeaux 3, 2004. http://www.theses.fr/2004BOR30063.
Full textAbstract:
Le but de cette recherche était de déterminer les caractéristiques de l'architecture religieuse du premier âge roman dans les deux anciens diocèses d'Angoulême et de Saintes, et de saisir les mécanismes qui ont conduit à l'éveil des formes plus élaborées de l'art roman du XIIe siècle et de déterminer des prémices extérieures aux deux grands monuments novateurs que furent Saint-Eutrope de Saintes et la cathédrale Saint-Pierre d'Angoulême. L'inventaire a permis de repérer 98 édifices méritant une étude monographique et 54 autres, répertoriés sous la forme de simples fiches de présentation. Tous présentent des parties construites en petit appareil de moellons. Deux tendances se dégagent dans les pays charentais : l'une tournée vers la tradition et le passé carolingien, et qui se maintient partiellement jusqu'au début du XIIe siècle, et l'autre, marquée par des expériences novatrices qui se développent au cours du dernier tiers du XIe siècle, avant ou pendant le chantier de Saint-Eutrope de Saintes. La tradition est représentée par des édifices en moellons, simplement charpentés. Les nefs uniques sont largement majoritaires et constituent un élément d'identité locale. Le traitement des éléments de détail, notamment les ouvertures, manifeste des influences diverses venues de plusieurs régions voisines. Cette capacité d'assimilation de formes extérieures est également à l'oeuvre dans les réalisations plus novatrices, où les facteurs déterminants sont la construction un clocher intégré à la partie orientale des édifices, et la volonté d'embellir l'intérieur des sanctuaires à travers, notamment, des compositions murales basées sur la multiplication des arcades dans les absidesThe aim of this research was to determine the characteristics of the religious architecture of the first Romanesque era in the ancient dioceses of Angoulême and Saintes. It also entailed comprehending the mechanisms which led to the awakening of the more intricate forms of Romanesque art in the XIIth century, and determining the early beginnings external to the two great innovative monuments : Saint Eutrope in Saintes and Saint-Pierre cathedral in Angoulême. 98 buildings were sufficiently interesting to form the object of a monographic study, and 54 others are simply listed. They all feature sections built in Opus vittatum (brick and block work). Two tendencies stand out in the Charente region : one turned towards tradition and the Carolingian past, and which continued in part until the beginning of the XIIth century and the other marked by innovative experiments which developed during the last third of the XIth century, before or during the construction of Saint-Eutrope in Saintes. Tradition is represented by buildings constructed simply without voults. There is a large majority of single naves and these constitute an element of local identity. The treatment of elements of detail, notably the openings, shows diverse influences which came from several neighbouring areas. This capacity for assimilating forms from outside is also in evidence in the most innovative achievements, where the determining factors are the construction of steeples integrated into the eastern side of the buildings and the desire to embellish the interior of sanctuaries notably by wall structures based on the multiplication of arches in the apses
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Fath, Sébastien. "Immigrés de l'intérieur. Implantation des églises batptistes en France 1810-1950 : une autre façon d'être chrétien en France." Paris, EPHE, 1998. http://www.theses.fr/1998EPHE5046.
Full textAbstract:
L'implantation baptiste en France s'est effectuée en environ un siècle et demi. Elle aboutit à l'affirmation d'une identité protestante évangélique ultra-minoritaire mais dynamique, qui compte autour de 10. 000 fideles en 1950, dont environ 3000 membres baptisés par immersion. Une approche historique nourrie par la sociologie parait adaptée pour comprendre cette implantation. Processus culturel complexe, ou le groupe qui s'installe agit sur son environnement, mais se voit aussi transforme par lui, l'implantation baptiste s'est opérée en quatre phases principales. La première, celle du "baptisme originel" (1810-32) voit jaillir les premières assemblées baptistes. Ensuite, au cours de la période dite du "baptisme pionnier" (1832-1870), les premiers noyaux baptistes se développent sur la base d'une identité "stricte" encouragée par les baptistes américains, qui deviennent alors les principaux soutiens de l'œuvre baptiste en France. Lors d'une troisième étape, celle du "baptisme institutionnalisé" (1870-1921), les églises baptistes poursuivent leur développement (elles représentent environ 6000 personnes vers 1900) tout en se structurant en trois branches. La dernière étape ("le baptisme implanté", 1921-1950) marque l'ancrage durable des baptistes français, malgré un tassement de leur croissance numérique. Ils ne se ressentent plus alors comme "immigres de l'intérieur": être baptiste n'est plus qu'une autre façon d'être chrétien en France. L'étude chronologique de l'implantation (première partie "s'établir") se combine à une étude du fonctionnement interne des églises baptistes de France (seconde partie, "se structurer") et à une réflexion sur les relations entretenues entre ces églises, marquées par une forte culture militante, et la société environnante (troisième partie, "se situer"). La compréhension de l'implantation baptiste débouche ainsi sur une analyse de la société française toute entière, dans le regard qu'elle porte sur les minorités religieuses actives.
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Gastinne-Biclet, Armelle. "Image et parole : le vitrail de Saint Lubin à Chartres : sens et fonction de ses images à la fin du XIIe siècle." Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2019. http://www.theses.fr/2019UBFCH040.
Full textAbstract:
L’énigme du vitrail de saint Lubin à Chartres, qui montre une histoire de vin au centre de la vie du saint, se résout si l’on en pratique une lecture symbolique respectueuse des schèmes mentaux médiévaux : le mystère eucharistique central du vin permet au jeune Lubin de devenir un saint, dans sa vocation propre de consacré (le chanoine lettré du XIIème siècle transparaissant sous le moine du VIème siècle), prêtre et évêque, Bon Pasteur dispensateur des dons divins. La présence insolite de petits personnages dans la bordure correspond à une reprise en compte du peuple des laïcs à travers le mystère eucharistique et participe, avec les vignettes introductives, à une parénèse homilétique invitant tous les spectateurs à la conversion. Un enseignement théologique par l’image trouve son langage dans des images scripturaires interprétées par la glossa ordinaria et actualisées, constituées en chapitre de somme théologique fidèle à l’enseignement patristique de la figura et de la veritas, - le rapport veritas-figura du sang versé et du vin de la Cène étant de même type que celui qui régit le rapport de l’Ancien et du Nouveau Testaments, ainsi que celui de la Vie de l’Eglise terrestre et de l’Eschatologie ; il utilise les ressources constructives de la logique sans se soumettre à son hégémonie destructrice du mystère. Loin d’une publicité pour la relique du saint, l’évêque ou le chapitre, le vitrail s’inscrit ainsi dans la démarche contemporaine de l’école biblico-morale parisienne qui partage avec Saint-Victor, en particulier Richard, le projet de fonder la réforme morale du clergé et du peuple sur l'étude à la fois historique et symbolique de la Bible et sur la prédicationThe enigma of saint Lubin stained glass window at Chartres, showing a wine story in the middle of the saint’s life, can be resolved by a symbolic interpretation of it’s images, if paying regard to the medieval mental schemes : the central Eucharistic mystery of the wine enables the young Lubin to achieve sainthood, through his own vocation of consecrated (the learned canon of XIIth century appearing under the VIth century monk), priest and bishop, Good Sheperd dispensing divine gifts. The unusual presence of small human figures at the outer framework of the stained glass window emphasises the important role to be played by the laity in the Eucharistic mysteries. It takes part, with the introductive images, to a preached exhortation of the window, inviting all spectators to be converted. It’s theological teaching imports as it’s means of expression the images of the Scriptures, as interpretated by glossa ordinaria, updated, and organised into a Theological Sum chapter, remaining faithfull to the Fathers’ teaching about figura and veritas, the relationship figura-veritas of the wine of the Last Supper and the blood of Christ being of the same ‘type’ as between the Old and the New Testaments, or between the Life of earthly Church and Eschatology, using the constructive resources of Logic, without submitting to its mystery devastating hegemony. Far from being an advertisement for the relic of the saint, for the bishop or the canons, the stained-glass window thus takes place in the contemporaneous stream of the Parisian ‘Biblico-moral School’, who shared with Saint-Victor, in particular with Richard, the project to lay foundations for a moral reformation of Clergy and Laity on the study, -as well historical as symbolic-, of the Bible, and on preaching
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Bahk, Hyun-Chan. "L'îlot institutionnel à Paris : projets, formation des édifices publics et art urbain au XIXe siècle." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010556.
Full text
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Saint-Martin, Isabelle. "Voir, savoir, croire : textes et tableaux dans les catéchismes en images (1800-1920)." Paris 7, 1998. http://www.theses.fr/1998PA070101.
Full textAbstract:
Le "catéchisme en images" relève des arts visuels liés au sacré comme du manuel d’instruction chrétienne, tel qu’il s’est répandu dans la mouvance des Réformes, progressant avec les avancées de l’alphabétisation et la culture de l’écrit. En cela, il met en jeu une double économie de la transmission de la foi. Si les premiers catéchismes imprimés, ceux de Luther, du Concile de Trente ou de Canisius, reçurent très tôt des versions illustrées, celles-ci restèrent rares jusqu’au XIXe siècle. La vulgarisation de nouvelles techniques de reproduction comme les évolutions de la pédagogie et l’intérêt accru pour l’"enseignement par les yeux" favorisent alors la parution de séries de planches déclinées selon différents formats et supports (panneaux muraux, albums, vues pour projections lumineuses…) qui traduisent en images la totalité d’un "abrégé de la doctrine chrétienne". L’analyse veut éclairer la définition de ces objets mixtes, constitués de textes et de tableaux, par une approche croisée empruntant à l’histoire de l’image et de ses formes éditoriales comme à celle des pratiques et des sensibilités religieuses, ainsi qu’à l’histoire de l’art ou à la sémiologie, afin de préciser la spécificité d’un corpus bien distinct, dans son iconographie comme dans ses usages, de l’ensemble plus large des catéchismes illustrés ou des images de piété. L’étude, entre autres, de l’exemple du Grand Catéchisme de la Bonne Presse, retenu pour sa longévité (1884-1950) et sa très grande diffusion, y compris dans les missions (Canada, Chine, Inde…), met en évidence le dispositif mnémonique mis en place pour graver le souvenir de la leçon et le "musée imaginaire" de la foi composé par ces estampes. La comparaison avec d’autres albums permet enfin de cerner ce qu’était qu’"apprendre à être chrétien" à l’aide de ces grandes images et révèle les différentes conceptions de la relation de l’homme au monde et à l’au-delà que traduisent des partis pris iconographiques distinctsThe catechism taught through pictures is part of both the visual arts being associated with the holy and the catechism manual as it became popular during the protestant and the catholic Reformation alongside advances in alphabetization and in the culture of the written. Thus, it enacted a transmission of the faith in two different ways. If the first printed catechisms of Luther, Canisius and the Concile de Trente were quite early enhanced by illustrations, examples such as these would remain scarce till the 19th century. The popularization of new means of reproduction, such as engraving or lithography, and the changes in pedagogy, in particular the increasing interest in the 'teaching by sight', favoured the production of series of engraved plates in various formats and with various supports (e. G. Wall-hangings, albums, slides for magic lanterns…) which intended to give a summary of the christian doctrine in all its aspects through the picture. This thesis analyses the definition of these 'mixed objects' which combine texts and pictures through an examination that blends art history, history of publishing, religious practice and semiology with the aim of pointing out the caracteristics of a corpus which differs in its uses and its iconography from the ordinary illustrated catechisms or the images of devotion. Amongst others, the study of the 'Grand Catéchisme en images' de la Maison de la Bonne Presse, with its longevity (1884-1950) and its large influence even abroad (in Canada, China and in India…) emphasizes the attempt to engrave the religious lesson and also the imaginary museum of the faith into human memory through pictures. Contrasts and comparisons with other types of albums allows us finally to understand what learning to be a Christian, through these images, was like, and also to distinguish the various conceptions of man’s relationship with society and with the divine which are shown through specific uses of iconography
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Parise, Maddalena. "Du portrait ressemblant à l'excès de détails : le daguerréotype, une technique à l'épreuve de l'art." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010591.
Full textAbstract:
Dans quelle mesure la question de la ressemblance est-elle essentielle à la formation d'une esthétique de la photographie à l'ère de son invention? Quels en sont les enjeux à une époque où le nouveau médium expérimente une technique inédite dans le genre artistique du portrait? Nous partons de l'hypothèse que les premières épreuves photographiques se caractérisent par une dichotomie fondamentale entre un art de la représentation et un art de l'enregistrement. À cette époque, esthétique et technique sont étroitement liées et si les photographes se révèlent conscients des possibilités offertes par le nouveau médium, ils sont aussi continuellement confrontés à la tradition picturale. Notre approche cherche ainsi à croiser théorie et histoire, technique et esthétique dans le but d'examiner la construction de la ressemblance sous ses multiples aspects. Le portrait daguerréotype (1830-1855) matérialise la réflexion contemporaine sur la question de la ressemblance qui se présente construite autant qu'exacte. Le rôle crucial des détails dans la construction des portraits daguerréotypes nous a conduits à l'analyse des photographies et à l'étude des textes, de la production à la réception des images. La fonction paradoxale que ces détails exercent au sein des épreuves est symptomatique de la dualité de la ressemblance photographique, scindée entre un excès de précision et une extrême composition des images. La fonction du détail à l'intérieur de la composition des images, aléatoire ou participant à leur construction, ouvre une question plus vaste : celle du paradoxe de la représentation ressemblante et pourtant enregistrée.
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Auger-Sergent, Anne-Sophie. "Les graffiti marins de Normandie (13e siècle- 19e siècle)." Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010544.
Full textAbstract:
La Normandie est extrêmement riche en graffiti marins, mais ces sources iconographiques n'ont jamais fait l'objet d'études synthétiques régionales. L'inventaire des graffiti normands permet de disposer d'un corpus de quelques 500 documents dates du 13e au 19e siècle. Les gravures figurent essentiellement des navires, mais aussi des éléments de navire (ancre, pavillon, greement, éperon) ou de navigation (balise), des animaux (poisson, oiseau de mer) et des inscriptions maritimes. Leur intérêt réside dans le fait qu'ils livrent des représentations de bâtiments des petites marines de pèche et de commerce pour lesquelles nos sources sont rares avant le 18e, tout en contribuant au renouvellement des sources iconographiques navales. La répartition des graffiti en Normandie calque les zones maritimes et fluviales. Ils sont omni présents sur les pierres calcaires et les plâtres des églises, châteaux et maisons traditionnelles. Malgré leur intérêt pour l'archéologie navale, les graffiti soulèvent de nombreux problèmes et en particulier pour leur détermination et leur datation. L'utilisation de la voilure comme fil conducteur de la typologie permet à la fois une sériation des données, leur détermination par le biais de comparaisons iconographiques et leur datation. Les graffiti de navires normands désignent des bâtiments de commerce et de cabotage. Les bateaux fluviaux sont raresNormandy is extremely rich in ship graffiti, but we haven't any regional and synthetical studies about these iconographic sources. The inventory of Normand graffiti allows to have a corpus of some 500 documents dated from 13th to 19th centuries. The documents present essentialy ships, but also elements of ship (anchor, flag, rigging, head) or elements of navigation (sea-mark), animals (fisch, sea-bird), and maritime inscriptions. Their major value ist that graffiti give representations of boats of merchant navy and fisching navy, on which we haven't any iconographic source before the 18th century, and contribute to the repacement of naval iconographic material. The geographic repartition of ship graffiti follows the maritime and fluvial zones. They are omnipresent on the soft calcareous and plaster of the churchs, castles and traditionnal houses. In spite of their value for ship archaeology, graffiti pose a problem and particulary for determination and dating. The use of sails as leading thread allows at the same time a classification of ships graffiti, their typing according iconographic comparaisons, and their datation. Normand graffiti present merchant and coast ships. Barges are rare
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Millet, Audrey. "Les dessinateurs de fabrique en France (XVIIIe-XIXe siècles)." Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080017.
Full textAbstract:
La première industrialisation, au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, s’est appuyée sur « la révolution des consommateurs » : une consommation et une circulation accrue de tous les objets du quotidien que sont tissus, dentelles, tapisseries, faïences, papiers peints, vaisselle… Le désir d’acheter et de posséder des biens autres que ceux qui permettent la simple survie conduit ainsi à une affirmation des phénomènes de mode, impliquant pour les producteurs la nécessité de prendre en compte le goût changeant des consommateurs et la diversification de leurs consommations. La course à la novation pour séduire la clientèle devient un enjeu majeur pour les manufacturiers. Le dessinateur occupe une place essentielle dans cette compétition, puisque la première phase du processus de production, avant celle de la fabrication et de la commercialisation, est celle de la création, du design du produit.Ce travail interroge le statut de cette main-d’œuvre qualifiée, détentrice d’un savoir-faire peu formalisé durant le XVIIIe siècle, mais qui tend à une lente institutionnalisation, dont nous examinons les rythmes jusqu’à l’émergence et la codification de la profession. L’œuvre et l’auteur étant des entités indissociables, il s’agit de questionner le statut du dessinateur-auteur au sein du processus de production collectif et industriel, et non singulier et artistique. Rarement étudiée, la place des femmes dans le monde manufacturier doit aussi être analysée. De plus, il convient de faire le deuil des taxinomies sociales ordinaires et en particulier des oppositions binaires figées : art/industrie, artiste/artisan, art libéral/art mécanique, mais aussi dessin de figure/dessin linéaireThe first industrialization rested on what recent historiography calls “the revolution of the consumers”: a consumption and an increased circulation of all the objects of the daily life which are fabrics, laces, tapestries, earthenware, wallpapers, crockery… The desire to buy and have other goods than those which allow simple survival led thus to an assertion of the phenomena of fashion, implying for the producers the need for taking into account the changing taste of the consumers and the diversification of their consumption. The race to novation to allure the customers becomes a major stake for the manufacturers. The draughtsman occupies an essential place in this competition, since the first phase of the production process, before that of manufacturing and of marketing, is that of creation, the design of the product. This study thus aims at questioning the statute of this very qualified worker, holder of a know-how ; still little formalized in the second half of the 18th century, this know-how tends to show a slow institutionalization, of which we will examine the rhythms until the emergence and the coding of the profession. Work and its author being indissociable entities, we will question the statute of the draughtsman-author within the production process which is collective and industrial, nonsingular and artistic. Seldom studied, the place of the women in the manufacturing world must also be analyzed. Moreover, it is advisable to live behind us ordinary social taxonomies and in particular the fixed binary oppositions: art/industry, artist/craftsman, liberal art/mechanical art, but also drawing of linear figure/drawing
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Schvalberg, Sophie. "Des marbres d'Elgin à la Dame d'Auxerre : le modèle grec en débat dans l'art français au XIXe siècle (1815-1908)." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100185.
Full textAbstract:
Le modèle grec dans l'art français du XIXe siècle connaît une lente mutation, entre les présupposés néoclassiques en vigueur jusqu'à la Restauration et le nouveau classicisme à l'aube du XXe siècle. Dans cette évolution des normes et de l'enseignement de l'art, que les peintres et les sculpteurs contribuent à remodeler, l'archéologie joue un rôle fondamental. Avec l'affaire Elgin sur les marbres du Parthénon, avec le débat sur la polychromie antique, jusqu'à l'entrée dans les musées d'œuvres d'art grec archaïque et cycladique, on peut mesurer à la fois la résistance et la crise du modèle classique idéal et l'émergence du modèle archaïque en peinture et en sculpture. Dans les trois domaines ainsi entrecroisés (savoir scientifique, création artistique et théorie de l'art), des personnalités incarnent les positions successives de l'institution académique et de sa contestation : Quatremère de Quincy, David d'Angers, Ingres, Hittorff, Papety, Daumier, Beulé, Schliemann, Rodin, BourdelleThe Greek model in 19th century French Art bears a slow mutation, from the neoclassical doctrine still alive in 1815 at the fall of Napoleon Ist until the new classicism at the turn of the 20th century. In this evolution of artistic standards and education, which painters and sculptors tend to reshape, archaeology takes a central role. With the Elgin affair about the Parthenon marbles, with the debate on classical polychromy, until the integration of archaic and cycladic greek artworks in museums, it is possible to assess the strength and the crisis of the classical idealistic model and the simultaneous rise of an archaic model, both in painting and in sculpture. At the three levels that interfere here (scientific knowledge, artistic creation and art theory), some figures embody various stances of the academic establishment and its reappraisal : Quatremère de Quincy, David d'Angers, Ingres, Hittorff, Papety, Daumier, Beulé, Schliemann, Rodin, Bourdelle
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Hourquet, Jean-Louis. "Nicolas Poussin, lecteur des Anciens." Thesis, Rennes 2, 2016. http://www.theses.fr/2016REN20007.
Full textAbstract:
« Lisez l’histoire et le tableau » : telle est l’invitation formulée par Poussin à l’adresse d’un de ses commanditaires, etqui d’une certaine manière consacre d’emblée le bien-fondé d’une approche iconologique de ses oeuvres. Et l’artisted’affirmer ailleurs que « la nouveauté dans la peinture ne consiste pas surtout dans un sujet non encore vu, mais dans labonne et nouvelle disposition et expression, et [qu’] ainsi de commun et vieux, le sujet devient singulier et neuf ».S’agissant cependant de la part cruciale de l’inspiration de ce peintre savant que représente la transposition des auteursclassiques, nous avons constaté que ses modalités n’avaient guère retenu l’attention de la critique. Nous avons donctenté de saisir, pour reprendre les mots de Poussin, ce qui fait la nouveauté et la singularité de la manière dont il traite sesapports littéraires. Il est ainsi apparu que le parti qu’il en tire, bien moins illustratif que d’ordre herméneutique, exige uneparticipation active du spectateur, en l’occurrence invité à déceler dans ses tableaux les rapports secrets qui s’y trouvent suggérés entre plusieurs passages d’une même oeuvre, voire entre le texte ancien apparemment figuré et tel autre, le cas échéant d’un auteur cette fois moderne. Une telle conception de sa pratique culmine dans le recours à un dispositif tout aussi ignoré de la critique, alors qu’il apparaît on ne peut plus caractéristique de l’art de Poussin : l’équivoque visuelle. Nous y percevons en dernier recours l’héritage du tableau à énigme cher aux collèges jésuites, et par là l’une des nombreuses marques que contient son oeuvre de la culture propre aux membres de la Compagnie« Read the story and the painting »: this invitation, sent by Poussin to one of his patrons, grounds the iconological approach of his works. The artist asserted elsewhere that « newness in painting does not consist mostly in a yet unrepresented subject, but in a proper and new dispositio and elocutio, thus turning the common and the old into the singular and new ». Still, little sustained critical attention has been paid to the actual ways in which Poussin made use and transposed the Ancient authors from which this erudite painter drew a large of share of his inspiration. We have therefore tried to recover what, according to Poussin himself, constitutes the newness, the singularity of his way of transposing the literary material. It appears that, rather than producing an illustration, Poussin’s word relied on a hermeneutic mode of engagement, calling upon the viewer to decipher in the paintings the secret relationships drawn between a plurality of a literary work’s loci, or between the Ancient source text ostensibly figured in the painting and another, eventually modern one. Such a conception of his practice is epitomized in Poussin’s characteristic use of a critically neglected device : the visual equivoque. We mayrecognize in its use the trace of a genre, that of the enigma painting, dear to the culture of Jesuit colleges, and anothermark of their influence on Poussin’s oeuvre
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Therrien, Lyne. "L'enseignement de l'histoire de l'art et de l'archéologie en France avant 1914." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010644.
Full textAbstract:
Cette thèse étudie les débuts de l'enseignement de l'histoire de l'art et de l'archéologie en France. L’auteur combine une histoire de type institutionnel avec une histoire du personnel enseignant et une étude des pratiques dans les deux disciplines. La méthode est basée sur la recherche bibliographique et archivistique : recherches aux archives nationales sur les institutions (expliquer la création des cours), recherches biographiques et bibliographiques sur les enseignants (formation, publications et attaches institutionnelles) et finalement, analyse de leçons publiées (en particulier, les leçons d'ouverture). En d'autres mots, qui a enseigné quoi, ou et pourquoi ? Le plan adopté correspond à la suite chronologique des nouveaux enseignements : 1795, cours d'archéologie à la bibliothèque nationale ; 1830, archéologie monumentale en province ; 1847, archéologie médiévale à l'école des chartes ; 1863, réorganisation de l'école des beaux-arts de Paris ; 1876, chaire d'archéologie à la Sorbonne ; 1878, chaire d'esthétique et d'histoire de l'art au collège de France ; 1882, fondation de l'école du Louvre ; 1893, cours d'histoire de l'art à la sorbonne suivie en 1906 d'un cours d'histoire de l'art chrétien. L'enseignement dans les facultés des lettres en province fait l'objet d'un chapitre séparé et insiste sur l'impact des publications, l'importance des collections muséales et le rôle des photographies en histoire de l'art. Cette enquête historique montre les enjeux et les conflits qui caractérisent les débuts de cet enseignement spécifique : le passage de l'archéologie classique à l'archéologie médiévale ou d'un idéal esthétique à un intérêt historique pour les monuments, le conflit lié à l'architecture médiévale et la réhabilitation des arts du Moyen Age en général, l'archéologie comme nouvelle discipline universitaire, les multiples archéologies à l'école du Louvre, l'histoire de l'art comme spécialité de l'histoire à l'université et finalement, l'influence de l'histoire nationale et de la notion de patrimoine dans ce contexteThis thesis concerns the first academic courses in art history and archeology in France. The author combines a history of the institutions and the teachers with study of pratices in both disciplines. The methodology is based on a bibliographical and archival research : from the national archives for each institution (to document how new courses were created) ; from biographies and bibliographies for each teacher (studies, publications and career profiles) and analyses of published lectures (particularly their opening lectures). In others words, who taught what, where and why ? The thesis' plan corresponds to the chronological development of the new courses : 1795, archeology at the national library ; 1830, monumental archeology in Caen ; 1847, medieval archeology at the école des chartes ; 1863, reorganization of the école des beaux-arts de paris ; 1876, the first chair of archeology at the Sorbonne ; 1878, establisment of a chair of aesthetic and art history at the collège de France; 1882, founding of the école du Louvre ; 1893, first art history course at the sorbonne followed in 1906 by a christian art history course. The development of teaching in the universities outside of paris is studied separately and focuses on the impact of published works, the developing importance of museums and the use of photography in art history. This historical investigation underlines the main issues and conflicts which caracterized the beginning of teaching in this specific field : the transition from classical to medieval archeology or from the aesthetic ideal to an interest in the historical background of national monuments ; the conflict raised by medieval architecture and the revival of interest in medieval arts generally ; archeology as a new university discipline ; the various archeological courses at the école du Louvre ; art history as a history specialism in the universities ; and finally, the influence of national history and the notion of national heritage in this context
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Lecerf, Guy. "Le coloris dans l'art des jardins : théories en France et en Angleterre, 1820-1930." Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010644.
Full textAbstract:
Le jardin en tant qu'art a ete au xixe siecle le lieu de la realisation d'un coloris specifique, ideal, qui peut etre considere comme un objet de connaissance a partir duquel nous pouvons entrevoir la pratique d'une science du coloris. Cette derniere nous a permis de mettre en evidence des antagonismes entre les deductions des theories des couleurs et les regles du coloris. L'homogeneite obtenue par la mise en coordonnees des couleurs bute contre les limites des domaines heterogenes definis par les peintres. Cette science du coloris distingue les combinaisons de couleurs (conventions resultant du developpement d'une logique formelle, presupposant une conception reductionniste du reel et une representation statique de la memoire comme stockage referentiel) des schemes du coloris (motifs et climax se referant a une conception integrationniste du reel, a une image dynamique de la memoire comme processus). Considerant que l'art des jardins ne peut pas se reduire a une application, cette science met en evidence les limites des developpements logiques.
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Goetz, Adrien. "L'Artiste, une revue de combat des années romantiques (1831-1848)." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1998PA040336.
Full textAbstract:
Fondé en 1831, L'Artiste, qui exista jusqu'en 1904, voulut être à l’origine la revue de défense des romantiques. L'étude des quarante-et-un volumes parus sous la Monarchie de Juillet et des fragments retrouvés de la correspondance de ses directeurs, montre qu'il n'en fut rien. Tribune ouverte à tous les artistes modernes, elle défendit des causes aussi diverses que celle de l'architecture et des monuments historiques, de la nouvelle sculpture, du renouveau industriel des arts décoratifs ou de l'estampe. Très sévère pour les excès du romantisme, elle combat, au nom de la vérité en art, pour le métier et l'inspiration du créateur, ce qui l'amena à prôner Léopold Robert ou Paul Delaroche, tout en reconnaissant l'hégémonie d’Ingres et de Delacroix. Revue illustrée de planches et de vignettes, elle montre les œuvres, en particuliers lors des salons annuels, parallèlement aux textes critiques de Gustave Planche, Victor Schœlcher, Paul Mantz ou Théophile Thore. Dans L'Artiste, s'invente alors un ton nouveau de la critique d'art scientifique et passionné, qui perdura durant le siècle. De nombreux textes de fiction, sous les signatures de Balzac, Dumas ou Arsène Houssaye constituent le pendant des lithographies de Devéria, Gavarni ou de Tony Johannot. Les textes sur le théâtre et la vie musicale ne sont ici envisagés que sous l'angle strict de l'histoire de l'art. Cette thèse est complétée en annexe par des documents d'archives relatifs à l'artiste (correspondance d’Achille Ricourt, en particulier) et d'une anthologie thématique des principaux textes parus durant la période dans tous les domainesFounded in 1831, L'Artiste, which was published up to 1904, set out originally to be the review defending the romantics. The study of the forty-one volumes that were published under the july monarchy and the fragments of its directors correspondence that have since been found, show that this was not the case at all an open forum for all the modern artists, it defended causes as varied as architecture and historical monuments, new sculpture, industrial revival of decorative arts or engraving. Very severe towards romantic excesses and in the name of the truth in art, it fought for the profession and the inspiration of the creator. This led id to extol Leopold Robert or Paul Delaroche whilst at the same time recognizing the hegemony of Ingres and Delacroix. The review, enhanced with plates and illustrations, published the works, particularly on the occasion of annual exhibitions, in parallel to the criticism of Gustave Planche, Victor Schoelcher, Paul Mantz or Theophile Thore. In L'Artiste, a new tone of scientific and impassioned artistic criticism was invented which was to last throughout the century. The numerous fictional texts, signed by Balzac, Dumas or Arsene Houssaye, make up the counterpart to the lithographs by Devéria, Gavarni or Tony Johannot. The texts focusing on the theatre or musical life are contemplated solely from the strict angle of the history of art. This thesis is completed by appended documents from the archives of L'Artiste (Achille Ricourt's correspondence, in particular) and a thematic anthology of the principal texts that appeared during this period in every field
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Tolède, Olivia. "Une sécession française : la Société nationale des beaux-arts (1889-1903)." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100151.
Full textAbstract:
Cette étude retrace l’histoire de la Société nationale des beaux-arts et de ses Salons en France, de sa fondation en 1890 jusqu’à son déclin au tournant du siècle. Elle analyse le bouleversement majeur suscité par la nouvelle institution sur la scène artistique nationale et internationale dans un contexte de libéralisation des filières artistiques. Grâce au dépouillement d’archives inédites, elle offre un éclairage nouveau sur les circonstances de sa création au lendemain de la scission au sein de la Société des artistes français. L’examen précis des réformes entreprises (cooptation d’une élite de sociétaires, roulement du jury, nombre illimité d’œuvres, expositions particulières, attention portée au placement des œuvres et à leur mise en scène) révèle une conception moderne de l’exposition salonnière qui soutient la reconnaissance de tous les arts, de la peinture à l’architecture, en passant par les objets d’art nouvellement admis. L’exploitation via une base de données des informations relatives aux exposants de 1890 à 1905 permet, pour la première fois, d’avoir une vision exhaustive de leur participation aux Salons de la Nationale et met en avant une élite cosmopolite formée d’artistes venus essentiellement d’Europe du Nord et des États-Unis. Au vu de ses répercussions importantes en France et en Europe notamment sur les Sécessions de Munich, Vienne et Berlin, la Société nationale, peu reconnue jusque là, peut être considérée comme la première Sécession artistique d’envergure et comme le fer de lance du mouvement sécessionniste européen. D’Ernest Meissonier à Puvis de Chavannes en passant par Guillaume Dubufe, son étude révèle l’action d’artistes très engagésThis study tells the story of the Société nationale des beaux-arts and of its Salons in France, from its foundation in 1890 till its decline at the turn of the century. It analyses the major upheaval initiated by the new institution on the national and international artistic stages in a context of liberalisation of artistic stakeholders. Based on newly discovered archives, it brings a new light on the circumstances of its creation following the scission within the Société des artistes français. The close examination of the undertaken reforms (cooptation of elitist members, jury rotation, unlimited number of works, private exhibitions, careful presentation of works) reveals a modern conception of the Salon exhibition, supporting all arts from painting to architecture including newly admitted decorative arts. Information about the exhibitors from 1890 to 1905 were exploited through a database, enabling for the first time an exhaustive insight on their taking part in the Nationale’s Salons and enhancing a cosmopolite elite mostly composed of North-European and American artists. Taking into account its repercussions in France and Europe, notably on the Munich, Vienna and Berlin Secessions, the hitherto unrecognised Société nationale des beaux-arts can be considered as the first significant artistic Secession and as the spearhead of the European Secessionist movement. This study reveals the action of deeply involved artists, such as Ernest Meissonier, Puvis de Chavannes or Guillaume Dubufe
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Laurent, Béatrice. "Tradition et subversion : l'iconographie religieuse des peintres préraphaélites en Angleterre (1848-1860)." Avignon, 2000. http://www.theses.fr/2000AVIG1028.
Full textAbstract:
En 1848, les peintres anglais Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), William Holman Hunt (1827-1910) et John Everett Millais (1829-1896) fondèrent à Londres la Confrérie Préraphaélite, une école artistique qui cessa d'exister en 1860. Tentant d'éluder la légende romanesque inspirée par les biographies des artistes, nous proposons une approche scientifique du Préraphaélisme, basée sur l'étude de documents autographes et l'observation des œuvres, ce qui permet de soulever, ou de réétudier, certaines questions touchant notamment aux traditions dans lesquelles s'inscrivit le mouvement. Parvenue à la conclusion que les Préraphaélites admiraient surtout les maîtres de l'art chrétien de la Renaissance, et cela pour des raisons théologiques et philosophiques autant qu'artistiques, nous avons souhaité identifier les emprunts. Ceux-ci se rapportent à l'aspect technique de l'art - formats, supports, préférences chromatiques - mais également à la structure narrative de la scène peinte et à la configuration " en feuilleté " des différents sens de l'œuvre. Nous suggérons ici que les œuvres préraphaélites aux signifiés multiples répondent à un schéma religieux de lecture. En appliquant aux œuvres une grille de lecture analogue à celle que certains théologiens de l'époque, en héritiers de la scolastique patristique, recommandaient pour la lecture de la Bible - à savoir la " doctrine des quatre sens " -, nous proposons un système logique et permanent d'organisation du message peint dans l'œuvre préraphaélite. Toutefois, influencés par les grands débats théologiques de la première partie du règne de Victoria les Préraphaélites ne purent rester longtemps fidèles aux canons de l'art. Ils s'en détournèrent peu à peu pour mettre en question les sources religieuses et l'interprétation qui en était donnée. Rejoignant le contre-courant artistique européen, dès les années 1850, leur art procéda simultanément à la démystification du religieux et à la sacralisation du profane
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Arneville, Marie-Blanche. "La France des jardins et des espaces verts entre 1789 et 1870." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1986PA040271.
Full textAbstract:
Cette étude traite du destin et de la transformation du trace des jardins pendant la période considérée. Elle examine la manière dont ils traduisent les transformations de la société et du monde de l'époque. Sont étudiés d'abord les principaux éléments constitutifs d'un jardin: l'espace, élément primordial qui va aller en se rétrécissant en ville du fait de l'urbanisation, hors des cités du fait de la diminution des propriétés et de l'introduction de l'industrie dans les parcs, les arbres qui, par suite du nombre accru des expéditions botaniques lointaines et de l'amélioration des procédés d'acclimatation, vont permettre un choix plus varie, les fleurs qui du fait de nombreux apports exotiques et surtout de l'application des méthodes d'hybridation embellissent et se diversifient beaucoup. Tenant compte des faits constates la seconde partie suit l'évolution du visage des jardins et le sort qui leur réserve sous l'influence des mœurs, des idées, des techniques, des possibilités nouvelles, des agressions aussi dont les jardins sont victimes. Elle donne, par étapes quelques exemples (Malmaison, Clisson, l'Élysée, Bagatelle) et conclut que « le jardin est bien un fil conducteur pour juger de l'histoire des civilisations »
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Nourry, Louis-Michel. "Les jardins publics en province : un élément de la politique de l'espace du Second Empire." Paris 1, 1995. http://www.theses.fr/1995PA010615.
Full text
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Foucher, Charlotte. "Un symbolisme enfoui : les femmes artistes dans les milieux symbolistes en France au passage du siècle (XIXe-XXe)." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010707.
Full textAbstract:
Au passage du XIXe au XXe siècle, la dichotomie masculin/féminin où l'homme serait dévolu à la création et la femme cantonnée à la procréation bat son plein mais commence progressivement à s'effriter et à se troubler. La femme artiste constitue l'une de ces figures intermédiaires susceptible de remettre en cause l'ordre établi des genres. Dans un climat extrêmement hostile à une émancipation du féminin, visant clairement à exclure la femme du champ créatif, nous analyserons la pluralité des stratégies envisagées et déployées par ces artistes, qu'elles assimilent le discours normatif ambiant ou qu'elles contournent de manière plus subversive le réseau artistique androcentrique mis en place. L'articulation entre genres artistiques et genres sexuels, admise de la plupart des historiens de l'art, est au cœur de ce travail balayant des domaines aussi divers que les arts décoratifs, graphiques et médiumniques - champs relativement favorables au féminin - jusqu'à ceux plus difficiles à infiltrer comme la peinture et la sculpture. À l'appui des méthodes culturelles et du genre, ce sujet esquive les nombreuses études consacrées à la représentation du féminin au passage du siècle pour se placer de l'autre côté du miroir, du côté de la femme qui crée, peint ou sculpte, et démontre, par l'exhumation d'un corpus méconnu, jusqu'alors oublié, que l'esthétique symboliste, nabie et Art nouveau fut loin d'être un apanage masculin.
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Savoy, Bénédicte. "Les spoliations de biens culturels opérées par la France en Allemagne autour de 1800." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081924.
Full textAbstract:
@Entre 1794 et 1811, les gouvernements successifs de la France ont soumis les Etats d'Europe à plusieurs campagnes de saisies d'"oeuvres d'art et de sciences". Légitimée par une doctrine selon laquelle les oeuvres d'art, fruit du génie de la liberté, doivent retourner au pays de la liberté (c'est-à-dire la France), cette politique d'appropriation a suscité d'importants flux d'objets culturels (tableaux, sculptures, manuscrits, incunables précieux etc. ) entre les pays lésés et la France. Réunis dans leur grande majorité à Paris, entre musée du Louvre et Bibliothèque nationale, la plupart de ces objets ont été restitués à leurs propriétaires légitimes après la chûte de l'Empire (1814/15). Le présent volume s'est donné pour objectif d'éclairer les modalités et les effets des saisies pratiquées par la France dans le domaine allemand. . .
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Orzech, Rachel. "“Un art universel, un art pour tous”? : La réception de Richard Wagner dans la presse parisienne, 1933-1944." Rouen, 2016. http://www.theses.fr/2016ROUEL036.
Full textAbstract:
Cette thèse examine la réception de Richard Wagner dans l’optique de la presse parisienne entre 1933 et 1944. Nous évaluons les façons dont les Français utilisaient Wagner pour discuter de nation, identité et culture pendant la période du Troisième Reich, et dans quelle mesure la réception de Wagner dans les années 30 et l’Occupation interagissaient avec la réception française de Wagner auparavant. Nous prenons aussi en considération les questions de la continuité et de la rupture, à la fois entre la période 1933-44 et des périodes précédentes, et entre 1933-39 et l’Occupation. Les questions suivantes sont posées : dans quelle mesure le changement dramatique dans le paysage politique français-qui eut lieu quand la France fut envahie par les troupes allemandes à l’été de 1940- a-t-il influencé la réception de Wagner dans la presse ? Que cela nous apprend-il sur la place de Wagner dans l’histoire culturelle française ? Et sur la façon dont la nation française se voyait et dont elle conceptualisait ses relations avec l’Allemagne ? Au travers d’un examen des thèmes qui émergent de la presse parisienne, nous verrons que les Parisiens utilisaient Wagner pour faire face au nazisme, pour se heurter à l’idée de rapprochement, pour situer la France dans une nouvelle Europe potentielle, pour se débrouiller dans la vie hebdomadaire de la France occupée, et pour composer avec la politique de CollaborationThis thesis examines the reception of Richard Wagner through the lens of the Parisians press between 1933 and 1944. It considers the ways in which the French used Wagner to discuss nation, identity and culture during the period of the Third Reich, and the extent to which Wagner reception from the 1930s and the Occupation interacted with earlier French reception of Wagner. The thesis also considers the question of continuity and rupture, both between the period 1933-44 and previous periods, and between 1933-39 and the Occupation. It examines the extent to which the dramatic change in the French political landscape-which took place when France was invaded by German troops in the summer of 1940-affected the press reception of Wagner, and what this can tell us about how the French nation thought about itself and its relationship with Germany. It argues, through an examination of themes emerging from the Parisian press, that Parisians used Wagner to confront Nazism, grapple with the idea of rapprochement, situate France within a potential New Europe, understand past Franco-German conflict, manage life under the Occupation, and come to terms with the policy of Collaboration
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Lozère, Christelle. "Mises en scènes de l'objet dans les "salons coloniaux" de province (1850-1896) : vers l'emergence de modèles d'expositions coloniales." Bordeaux 3, 2009. https://hal.science/tel-04204839v1.
Full textAbstract:
Peut-on construire une histoire des « expositions coloniales » françaises sans parler de celles organisées dès 1850 à Bordeaux, Nantes, Metz, Le Havre, Lyon, Rochefort, Cherbourg, Beauvais, Nice, Montauban, Rouen, Tours, Marseille ? La connaissance des « expositions coloniales » se circonscrit encore aujourd’hui aux seuls exemples parisiens, marseillais et lyonnais. Mais qu’en est-il des autres villes de province, et en particulier des ports qui ont des liens commerciaux anciens avec les Outre-Mers ? Existe-t-il des noyaux de motivation, des ambitions, des engouements, qui poussent ces « petites patries » à ouvrir leurs modestes expositions aux colonies ? Cette thèse, dont le corpus est novateur, met en lumière le processus qui conduit au XIXe siècle de l’émergence en province du concept de « salon colonial », organisé par quelques amateurs collectionneurs, à celui d’« exposition coloniale ». Ce passage, orchestré par l’Etat, sous la IIIe République, a pour dessein de vulgariser, par la diffusion de modèles scénographiques populaires, des expositions qui, au Second-Empire, s’adressent en priorité aux élites locales. L’objet exotique, écarté peu à peu des pavillons métropolitains et des salons artistiques, qu’il occupe au départ, se trouve mis à l’écart, rassemblé parmi les produits de même origine dans une « section coloniale », dans un pavillon ou dans un village ethnographique. Ce changement de place a des conséquences sur la fonction et sur le regard porté sur l’objet. Il passe, en effet, du statut d’objet rare, curieux et lointain, à un objet colonisé, dominé, sérialisé, hiérarchisé et façonné par les imaginaires et par les discours impérialistes en constructionCan we relate an history about French colonial exhibitions without talking about the ones organised in the 1850's in Bordeaux, Nantes, Metz, Le Havre, Lyon, Rochefort, Cherbourg, Beauvais, Nice, Montauban, Rouen, Tours, Marseille? The colonial exhibitions cognition is still today limited to the cities of Paris, Marseille or Lyon. And what about the other cities, specially harbours which have ancient commercial links with The Overseas? Which motivations, ambitions or trends let these « small patries » open their modest exhibitions to colonies? This thesis, which corpus is innovator, lightens the process, which leads in the XIXth century from the emergence in small cities of “salon colonial” concept, organised by some amateur collector, to a giant “colonial exhibition”. The aim of this process, stipulated by the State during the IIIrd Republic is to popularize exhibitions dedicated first to local elites under 2nd Empire. The exotic object put aside step by step from metropolitan houses and artistic exhibitions, is put apart, gathered amongst products with same source, in a « colonial section », in a thematic house or an ethnographic village. This switching has consequences on the use and interest given to the object. Indeed first considerated as a rare, strange and foreign object, it becomes a colonized, dominated object, with a hierarchy, built by the upcoming imperialist thoughts and talks
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Caussé, Françoise. "Les artistes, l'art et la religion en France : les débats suscités par la revue "L' art sacré" entre 1945 et 1954." Bordeaux 3, 1999. http://www.theses.fr/1999BOR30037.
Full textAbstract:
La these retrace a propos de l'eglise catholique de france une etape importante de la reflexion sur les liens entre l'art d'une epoque et l'expression de la foi religieuse, cette reflexion nee au xixe siecle et qui avait recu de premieres reponses durant l'entre-deuxguerres. Trouva apres la seconde guerre une veritable audience mediatique. Puisant a de nombreuses sources inedites la these retracel'histoire de la revue l'art sacre et de ses deux directeurs, les peres m-a. Couturier et p-r. Regamey, o. P. Elle precise les donnees relatives aux edifices qui provoquerent les debats, principalement: l'eglise d'assy (hte savoie), decoree par des artistes celebres (rouault, leger, bonnard. . . ), la chapelle de vence, concue et decoree par matisse, l'eglise du sacre-coeur a audincourt, decoree par bazaine et leger. Elle presente la biographie de nombreuses personnes et decrit les actions menees dans le diocese de besancon. La these met dans une perspective historique correcte les positions theoriques de la revue. Le parti fondamental des directeurs de l'art sacre etait que l'art religieux revelait l'etat de la spiritualite de son eglise. Aussi s'opposant a l'esprit de "saint-sulpice" la revue, prenant en compte tous les aspects de l'eglise (programme architectural, decor mais aussi culte) defendit le principe de constructions modestes mais dignes, portant temoignage par leur qualite artistique et leur modernite. Pour etre veritablement religieux en effet, l'art devait etre "vivant", plonger dans la vie artistique de son temps. La these analyse les debats majeurs et leur posterite, les principaux themes etant les relations entre l'eglise institutionnelle et la creation contemporaine; le role du decor et la place de l'art non-figuratif dans l'eglise; la fonction sociale de l'art. La question traitee recoupe d'autres champs d'etudes, notamment l'histoire religieuse de la societe francaise. Nombreuses annexes, documentation, chronologies, index.
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Defoy, Sophie. "James Tissot, peintre des récits évangéliques." Master's thesis, Université Laval, 1992. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33428.
Full textAbstract:
La présente étude est consacrée au peintre nantais du XIXe siècle, James Tissot, et à son œuvre d'inspiration biblique intitulée la Vie de Notre-Seigneur Jésus-Christ. Elle se veut une recherche sur la valeur artistique et historique de l'œuvre. Par diverses façons, James Tissot nous entraîne dans un univers réaliste, basé sur ses recherches archéologiques, typologiques et topographiques. En outre, une connexité s'installe entre les périodes picturales mondaine et biblique de sa carrière artistique, ce qui créera une œuvre teintée d'influences de toutes parts. L'analyse de l'œuvre religieuse se fera par un aperçu de la biographie de l'artiste, une recherche sur sa théorie de l'art biblique, un regard sur le contexte artistique, politique, social et religieux ainsi que sur la fortune critique du peintre, lesquels serviront à cerner les tendances picturales de l'artiste. Enfin, l'influence de l'œuvre religieuse de James Tissot dans le cinéma français et américain se retrouve en postface de ce mémoire.Montréal Trigonix inc. 2018
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Bonnet, Alain. "La réforme de l'école des beaux-arts de 1863 : Problèmes de l'enseignement artistique en France au XIXème siècle." Paris 10, 1993. http://www.theses.fr/1993PA100126.
Full textAbstract:
Le décret du 13 novembre 1863 a profondément remanié les structures administratives de l'école des beaux-arts, le système de nomination des professeurs et le jugement des concours des prix de Rome en enlevant à l'Académie des beaux-arts le jugement de ce concours et en réformant l'enseignement traditionnel que dispensait l'école: il provoqua un débat passionné qui secoua pendant des mois l'opinion publique, mettant en lumière l'intérêt que suscitaient les questions touchant à l'administration et à l'enseignement de l'art. Ce décret autorise une étude précise d'un moment important de l'histoire de l'art au XIXe siècle; il agit comme un révélateur, dévoilant deux conceptions antagonistes de l'art, qui s'affrontaient depuis longtemps, mais qui arrivent alors à la pleine expression de leur divergence. La réforme contraignit les deux parties à définir leur position en les exposant sur la place publique. La doctrine académique, qui servait de fondement à l'action pédagogique, trouva dans cette dispute l'occasion de réaffirmer une dernière fois ses principes. Elle dut céder la place à une conception résolument moderne qui introduisit dans le domaine du beau les concepts d'actualité et de progrès, subsumés sous la notion déterminante (quoique floue) d'originalité, qui fut au centre du débat sur l'enseignement de l'art. La réforme ne bouleversa pas seulement les structures de l'enseignement des arts en France, ou les modalités de la transmission des savoirs et des techniques (elle ne les modifia, finalement, qu'assez superficiellement). Elle prit en compte une modification radicale de la place et du rôle de l'art dans la société, mais ne sut pas proposer une structure scolaire adéquateThe decree dated November 13rd of 1863 deeply altered the Paris Ecole des beaux-arts administrative structures, the teachers' appointment system and the Prix de Rome competitive examination judgment by taking away from the French Académie des beaux-arts the jugdment of this competitive examination and by reforming the traditional teaching dispensed by this School; it gave rise to a passionate debate which shaked the world of arts for months and captivated the general public, highlighting the interest related to administration and art teaching were rousing. That decree is giving place to a detailed study of an important step in art history in the 19th century; it happens to act as a revealing unveiling two antagonistic conceptions of art which had been fighting each other for a long time but which there reached the point of their divergence. The decree forced both parties to define their positions by exposing them on the public place. Academic doctrine which was the very basis of educational action, found in that controversy the opportunity to assess for the very basis of educational action, found in that controversy the opportunity to assess for the very last time its principles. It had to give way to a resolutely modern conception which introduced concepts of actuality and progress into the field of beauty, included in the determining (although fuzzy) notion of originality which was at the very center in the debate on art teaching. The decree not only turned upside down arts teaching structures in France or modalities of transmission of knowledge and techniques (at the end of the day it only modified them superficially). It took into account a drastic modification of place
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Okada, Tomoko. "Le japonisme sur scène en France de 1870 à 1914." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040248.
Full textAbstract:
Cette thèse traite des exemples de japonisme sur scène (opéra, ballet, pièce de théâtre) de la fin du XIXe siècle, domaine encore très peu exploité. Dans la première partie, après les deux premiers chapitres consacrés à la presse et au théâtre ainsi qu'à un constat historique sur l'exotisme, le japonisme est abordé de manière globale, dans la littérature, les arts et la musique, en rapport avec les œuvres scéniques et leurs auteurs traités dans la deuxième partie. Celle-ci est dédiée à des analyses spécifiques de chaque pièce, à l'aide de nombreux documents iconographiques de l'époque, sous trois aspects qui font pendant aux trois éléments de la première partie : le livret, le décor et le costume, et la musique. Outre des aspects encore méconnus des geishas ou des instruments de musique, l'étude, toujours basée sur les faits historiques, mettra en lumière des œuvres aujourd'hui totalement oubliées mais qui recueillirent toujours un grand succèsThis thesis deals with examples of japonism on the stage (opera, ballet, theatre) at the end of the XIXth century, a field which remains largely unexploited. In the first part, after the two first chapters devoted to the press and the theater and to an historical review of exoticism, japonism will be considered in a global perspective, in literature, the arts and music, in connection with the scenic works and their authors dealt with in the second part. This second part presents specific analyses of each work, using numerous iconographic documents of that time, under three aspects corresponding to the three elements of the first part : the libretto, the scenery and costume, and the music. Besides some still little-known aspects of the geishas or music instruments, the study, always based on historical facts, will highlight some works which are now completely forgotten but were always highly successful at the time
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Vocat, Christophe. "La censure des arts graphiques de 1881 à nos jours." Nantes, 2006. http://www.theses.fr/2006NANT4028.
Full textAbstract:
Cette thèse concerne la censure dans les arts graphiques, dans la perspective d’une évolution depuis l’adoption de la loi de 1881 sur la liberté de la presse jusqu’à nos jours. Les arts graphiques sont les dessins, affiches, photographies, gravures. Le cinéma est exclut de cette étude. Il existe plusieurs formes de censure. La censure directe va concerner toutes les mesures de police administrative visant à empêcher la diffusion des œuvres d’art graphique (titre 1). La censure indirecte va se manifester au travers de l’usage du droit pénal (titre2). Il faut également tenir compte des nouveaux visages de la censure, avec le recours alternatif au droit civil et la nécessaire adaptation aux nouvelles technologies (titre 3)This thesis relates to the censure in the graphic arts, from the point of view of an evolution since the adoption of the law of 1881 on the freedom of the press until our days. The graphic arts are the drawings, posters, photographs, engravings. The cinema is excludes from this study. There are several forms of censure. The direct censure will relate to all measurements of administrative police force aiming at preventing the diffusion of the works of art graphic (title 1). The indirect censure will appear through the use of the criminal law (titre2). It is also necessary to take account of the new faces of the censure, with the alternative recourse to the civil law and the necessary adaptation to new technologies (title 3)
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Absalon, Patrick. "La Légende d'Oedipe dans l'art en France au XIXe siècle." Strasbourg 2, 2001. http://www.theses.fr/2001STR20051.
Full textAbstract:
Cette thèse propose d'explorer la légende d'Œdipe et ses avatars dans l'art en France, à travers l'analyse d'œuvres diverses, peinture, sculpture, poésie et critique d'art. Elle a pour objectif de déterminer les réceptions du mythe par les artistes et plus généralement dans l'esprit du temps. Œdipe intéresse les artistes et les écrivains du XIXe siècle pour plusieurs raisons. En premier lieu, la question du mythe se pose dès lors qu'on s'interroge sur le théâtre, en particulier la tragédie. Dans un second temps, le héros thébain se place fréquemment au cœur de réflexions découlant de la philologie comparée, laquelle permet d'alimenter les nombreuses recherches de mythologie comparée. En troisième lieu, Œdipe suscite l'intérêt des archéologues qui mettent au jour les richesses du passé de la Grèce et renouvellent les études de son histoire. Enfin, deux œuvres d'art fondamentales, dont la renommée a traversé tout le siècle, ont contribué à faire d'Œdipe l'un des mythes les plus prégnants dans l'histoire culturelle du XIXe siècle : le chef-d'œuvre de Jean-Auguste Dominique Ingres de 1808 et celui de Gustave Moreau exposé en 1864. Participant au renouvellement de la peinture d'histoire, la légende d'Œdipe a su reconquérir son statut de mythe symbolique, devenant de la sorte un maillon essentiel de la culture classique et littéraire. Mais il a également fait l'objet de nombreuses manipulations, témoignant ainsi du pouvoir exégétique des artistes, qui en ont rapidement fait un mythe personnel. Œdipe incarne, à la fin du siècle, au même titre que les mythes d'Orphée et de Prométhée, la figure du héros tueurs de monstres, l'artiste déchiffreur des mystères de la nature
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Bouillon, Christine. "Un acteur et son public : Frédérick Lemaître à Paris et en province (1823-1876)." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010638.
Full textAbstract:
Frederick Lemaître fut l'un des comédiens les plus populaires du boulevard du crime ; au XIXème siècle. Issu de la petite bourgeoisie normande, il accéda à la célébrité en 1823 grâce à sa création du rôle de Robert Macaire dans l'auberge des adrets, et joua presque sans interruption jusqu'à sa mort en 1876. Il fut l'interprète de Victor Hugo (Ruy Blas), de Dumas (Kean), de Lamartine (Toussaint Louverture), mais aussi de nombreux obscurs auteurs de mélodrames. Ses diverses tournées lui permirent de se faire connaitre et applaudir à travers toute la France ainsi qu'à Londres, Bruxelles et Genève. Il entretint au cours de sa carrière des liens très forts avec son public, qui le suivait d'un théâtre à un autre (de la porte Saint-Martin, où il joua le plus souvent à l'ambigu et même aux variétés ou aux folies dramatiques) et savait lui manifester tout aussi bruyamment son enthousiasme que sa désapprobation. Sa vie privée, dont le public était curieux, fut en grande partie dévoilée par la presse, d'autant plus que sa femme, comme la plupart de ses maitresses, fut également sa partenaire au théâtre. Peu à peu, une véritable légende se créa autour le lui, étayée par de nombreuses anecdotes rocambolesques, le présentant comme un débauche et un ivrogne qui battait ses maitresses et jetait l'argent par les fenêtres. Peu soucieux de donner un démenti à ces allégations, Frederick Lemaître semble même parfois s'être amusé à jouer son propre rôle en dehors de la scène. A l'inverse, il prit bien davantage à cœur de réfuter l'idée, reprise par plusieurs critiques, qu'il mettait un peu de Robert Macaire dans chacune de ses créations. En effet, en 1834, il avait participé à l'écriture et interprète une pièce qui reprenait le héros de l'auberge des adrets et en faisait un escroc de haut vol. Perçue comme une satire de la société, la pièce connut un énorme succès. Par la suite, malgré ses prouesses dans de multiples rôles très différents, ce personnage lui colla à la peau durant toute la fin de sa carrière et même au-delàFrederick Lemaître was one of the most famous actors of the + boulevard du crime ; in the xixth century. He was born in normandy in a middle-class family. He became famous in 1823 thanks to his creation of the character of robert macaire in the auberge des adrets, and played almost without a break until he died in 1876. He has been the interpreter of Victor Hugo (Ruy Blas), of Dumas (Kean), of Lamartine (Toussaint Louverture), but also of numerous unknown authors of melodrama. His differents tours allowed him to be famous through the whole country and even in london, brussels and geneva. He had very strong links with his audience, who followed him from one theater to another (from the porte saint-martin where he played most of the time to the ambigu or even the varietes or the folies-dramatiques) and this audience used to applaud him as well as to boo him if they were displeased. The audience was also interrested in the actor's private life and newspapers published a lot of articles about it, all the more than his wife, like most of his mistresses were also frequently his main partners. Gradually a real legend was created around his personnality, presenting him as a debauched man, a drunkard who beat his lovers and wasted all his money. Frederick Lemaître seams to have taken pleasure sometimes in playing his own character out of the stage. On the contrary, Frederick seams to have taken to heart to dismiss the idea, spread by several critics, that he always played something of robert macaire whatever the play he performed. In fact, in 1834 he wrote a play which showed the character of robert macaire became a great swindler and performed it. The play was perceived as a satire of the society and was very successfull. From then, in spite of all his efforts in very different parts, this robert macaire stuck to him until his death and even after
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Zmelty, Nicholas-Henri. "L'affiche illustrée en France (1889-1905) : naissance d'un genre ?" Amiens, 2010. http://www.theses.fr/2010AMIE0007.
Full textAbstract:
"L'affiche illustrée, depuis que Jules Chéret a créé le genre, est devenue une véritable oeuvre d'art. " Cette phrase résume à elle seule le credo partagé par un ensemble d'artistes, de critiques, de marchands et de collectionneurs qui, au tournant du XIXe et du XXe siècle, furent les acteurs de "l'affichomanie". La thèse propose de compléter les connaissances sur ce phénomène en le décrivant selon une approche socio-historique alimentée par des sources encore peu exploitées, avec le souci de poser la question de la position de l'affiche par rapport aux autres champs de la création artistique de son temps. L'objectif est donc d'articuler histoire de la réception et analyse esthétique.
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Voyer, Cécile. "L'image hagiographique dans l'Église : étude sur les fonctions des images monumentales des saints (XI-XIIe siècles en France)." Poitiers, 2003. http://www.theses.fr/2003POIT5008.
Full textAbstract:
Les études des images hagiographiques monumentales montre qu'une réflexion intense a été menée au Moyen-Âge sur l'utilisation de ces images dans l'église. Les images hagiographiques ont, en effet, différentes fonctions dans l'édifice sacré. Outre la dévotion rendue à un saint et l'entretien de son culte, les images hagiographiques sont l'expression d'une pensée politique, sociale et cultuelle dans les édifices appartenant aux ordres religieux. Elles font de l'église un lieu d'affirmation et de cohérence. Une des fonctions des images hagiographiques est d'affirmer la mission et le rôle que les collectivités religieuses entendent mener à l'échelle locale ou à l'échelle de la chrétienté. Elles permettent de définir l'identité et la spécificité de l'ordre au sein d'un monde régulier composité. Les images hagiographiques sont également utilisées pour l'élaboration d'une mémoire liturgique dans l'église pour les communautés religieuses, voire également pour celle des lai͏̈cs. La contextualisation directe et indirecte de l'image monumentale est l'une des clés essentielles à leur "lecture" : inscription dans le réseau d'images qui l'entoure, emplacement dans l'église et contexte entourant sa créationThe study of monumental hagiographic pictures shows that the use of these pictures in churches was a major concern in the Middle Ages. Indeed hagiographic pictures have different functions in holy buildings. Together with the devotion given to saints and the maintaining of their cults, hagiographic pictures also express a political, social and cultural belief in buildings belonging to religious orders. They turn the church into a place of asserion and cohérence. Once of the functions of these hagiographic pictures is to assert the mission and the rôle that religious communauties wish to play on the local level or on the Christendom level. They permit to define the identity and the specificity of the order within a composite regular world. Hagiographic pictures are also used to keep the liturgical memory in churches for religious communities, if not for laymen. Directly or indirectly putting monumental pictures in context in an essential key to " read " them : e. G. When it inscribes itself in the network of the pictures which surround it, where it stands in the church and the context of its creation
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Janssens, Arnout Albrecht. "La sculpture religieuse du XVIIe siècle dans les limites des départements actuels du Nord et du Pas-de-Calais." Thesis, Lille 3, 2014. http://www.theses.fr/2014LIL30001.
Full textAbstract:
L'hétérogénéité des tendances de la sculpture religieuse du XVIIe siècle dans le Nord-Pas-de-Calais reflète l'étendue et la diversité des régions qui le constituent. Ces départements sont un lieu de rencontre confrontant des oeuvres sculptées d'origine locale, régionale avec d'autres importées à partir d'autres centres des anciens Pays-Bas du Sud, de Paris ou de Picardie. La sculpture de qualité, liée au mobilier d'église, constitue l'essentiel de la production de cette époque et répondait aux orientations imposées par la réforme catholique. La révolution, les guerres ainsi que les changements de goût sont la cause principale de la perte d'une part considérable de ce patrimoine. Adam Lottman à Valenciennes, secondé par Jaspard Marsy à Cambrai s'imposent pour le Nord-Pas-de-Calais comme les meilleurs sculpteurs. Nous disposons d'éléments moins concrets sur d'autres sculpteurs, localement actifs, tels Antoine Liesse, Pierre Schleiff, Guillaume Tabaguet et Thomas Tieullier, pour ne citer que les plus importants. Au travers du siècle, la production régionale fut concurrencée par celle des sculpteurs anversois tels que Jean, Robert et André de Nole, Jacques Cocx ou Artus Quellin dit l'ancien et le jeune. Avec la conquête graduelle et définitive des régions, essentiellement par Louis XIV, s'installe une influence du classicisme français en sculpture, assuré en premier lieu par l'amiénois Nicolas Blasset. Ce n'est qu'à la fin du siècle qu'on retrouve des oeuvres d'autres Sculpteurs du Roi tels que François Girardon ou Jean Drouilly, au moment où les influences vont fusionner pour s'estomper au profit d'un style "français" porté par la puissance politique de la monarchie absolueHeterogeneity of the trends in religious sculpture of the XVIIth century in the Nord-Pas-de-Calaisreflects the extend and diversity of the regions of which these departments are made up. These departments are a meeting area where sculptural works of local and regional origin are facing comparison with imported sculptures from the Southern Low Countries, Paris or even Picardy. High quality sculptures, related to church furnishings, in keeping with the lines of conduct enforced by the Catholic Reform, make up the essential part of the production of that time. The French Revolution, wars and even changes in taste are the main causes of the loss of a considerable part of this cultural heritage. In the Nord-Pas-de-Calais, Adam Lottman at Valenciennes, assisted by Jaspard Marsy at Cambrai, are regarded as the best sculptors. Less concrete data are available on other artists such as Antoine Liesse, Pierre Schleiff, Guillaume Tabaguet and Thomas Tieullier, to mention only the most important ones. Throughout the century, the regional production was facing competition from Antwerp sculptors, such as Jan, Robert and André de Nole, Jacques Cocx or Artus Quellin the Older and the Younger. The gradual and final conquest of the regions, mainly by Louis XIV, established the influence of French classicism in sculpture, materialised primarily by Nicolas Blasset from Amiens. Not until the end of the century, at the time when influences start to merge and finally shrink into a "French" style, stimulated by the political power of the absolute monarchy, do we find worls of other "Royal Sculptors" (Sculpteurs du Roi) such as François Girardon and Jean Drouilly
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Liu, Chen-Chang. "Les répertoires d'ornement en France au début du XIXe siècle." Grenoble 2, 2009. http://www.theses.fr/2009GRE29030.
Full textAbstract:
Cette étude considère les recueils d’ornement réalisés en France au début du XIXe siècle. Les auteurs de ces ouvrages sont des architectes comme Jean – Nicolas – Louis Durand (1760-1834), Charles Percier (1764-1838), Pierre – François – Léonard Fontaine (1762-1853) et Charles – Pierre – Joseph Normand (1765-1840), ou des sculpteurs comme Pierre-Nicolas Beauvallet (1750-1810). Notre méthode s'écarte des travaux antérieurs en ceci que nous ne nous limitons pas seulement à l'architecture, mais nous abordons le domaine des arts décoratifs au début du XIXe siècle, le mobilier, le papier peint, les vases, etc. Nous nous proposons d'étudier les sources des artistes et les influences de leurs répertoires sur la création artistique de leur temps. Le cœur de notre travail consiste à présent à mesurer, d'une part, l'interprétation des sources donnée par les auteurs de ces recueils français du début du XIXe siècle et, d'autre part, à éclairer l'originalité éventuelle des artistes qui s'en sont inspirés. Cette vaste recherche porte non seulement sur les arts gréco-romains et gothiques, donc sur des styles purement occidentaux, mais aussi sur les arts égyptien et islamique, ainsi que sur l'art extrême-oriental, puisque, dans leurs répertoires, nos artistes avaient voulu présenter une vision mondiale de l’art. En analysant les motifs d’ornement et la composition des répertoires français du début du XIXe siècle, nous espérons pouvoir mieux saisir non seulement les enjeux esthétiques et culturels de la France du Premier Empire, mais aussi les changements sociaux et historiques de cette période si tourmentée et si complexe de l'histoire européenneThis research is focused on the French repertories of ornament published by the architects such as Jean-Nicolas-Louis Durand (1760-1834), Charles Percier (1764-1838), Pierre-François-Léonard Fontaine (1762-1853), Charles-Pierre-Joseph Normand (1765-1840) and the sculptor Pierre-Nicolas Beauvallet (1750-1810) in the beginning of the nineteenth century. A very important place is attached to the contemporary French decorative arts - the furniture, the wallpapers, the vases, etc. The study of the sources and the influences of these repertories on the artistic creation in the beginning of the nineteenth century are suggested. This vast research involves not only the Greco-Roman and the Gothic arts, which represent the purely western
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Haugommard, Stéphane. "L'Église et le monument religieux : le diocèse de Nantes pendant la période concordataire (1802-1905)." Phd thesis, Université Rennes 2, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00639504.
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Le Concordat, qui permet le retour à la paix civile et le rétablissement du culte, est accueilli avec soulagement dans un diocèse de Nantes durement éprouvé par la décennie révolutionnaire. Il instaure un régime neuf dans lequel la religion catholique, de même que les autres cultes reconnus, est protégée et financée par l'État mais également placée sous la surveillance du pouvoir civil. Les édifices et les objets religieux nationalisés en 1789 sont mis à la disposition du clergé et des fidèles mais demeurent des propriétés publiques. L'affectation exclusive à l'exercice du culte place néanmoins l'Église dans un rôle qui lui permet de faire prévaloir les besoins religieux sur le droit de propriété ou sur les considérations archéologiques qui apparaissent au cours du XIXe siècle. Le système concordataire crée les conditions d'une transformation spectaculaire des édifices religieux, agrandis, modifiés ou remplacés pour répondre aux besoins du culte, laissant peu de place à la conservation des monuments anciens et prenant dans le diocèse de Nantes le caractère d'unevéritable table rase. L'Église semble pourtant adhérer au mouvement général de reconnaissance des monuments religieux, apportant son concours aux politiques publiques et contribuant aux initiatives du milieu érudit. Cette participation reste cependant superficielle et révèle des motivations inconciliables avec les préoccupations archéologiques. L'engouement pour un passé monumental largement idéalisé provoque, au lieu de la conservation de ses vestiges matériels, la naissance d'une architecture et d'un art religieux nouveaux, inspirés des formes médiévales mais répondant aux besoins contemporains du culte et à des constructions symboliques propres à l'Église du XIXe siècle
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Lerner, Elodie. "François Gérard, peintre d'histoire." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040067.
Full textAbstract:
François Gérard (1770-1837) s'impose comme l'un des grands maîtres de la peinture d'histoire. Cet aspect de son talent, longtemps négligé, gagnerait à être mieux connu; les contemporains de l'artiste l'avaient bien compris: c'est ainsi le peintre d'histoire que des jeunes gens, alors inconnus du public, comme Ingres, Léopold Robert ou Delacroix, vinrent voir pour solliciter soutien et conseil s. C'est grâce à ses peintures d'histoire que Gérard obtient ses plus grands succès en France et bien au-delà des frontières. En son temps, ses oeuvres historiques ont placé Gérard au centre de l'intérêt lors de nombreux salons artistiques; plus d'un siècle et demi plus tard, elles forment le coeur de cette étudeFrançois Gérard (1770-1837) is one of the great masters of historical painting. This long-forgotten side of his talent deserves to be brough to a new light. His contemporaries were aware of it: it is because of his stature as an historical painter that young artists unknown at the time, such as Ingres, Léopold Robert and Delacroix, requested Gérard's advice and support. His historical paintings brought him his greatest successes, in France and well beyond; In his day, his historical works placed Gérard at the centre of public interest in numerous art Salons; more than one and a half century later, they form the core of his study