Dissertations / Theses: 'Art chrétien – Thèmes, motifs'

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Vieillefon, Laurence. "La figure d'Orphée dans l'antiquité tardive : les mutations d'un mythe : du héros païen au chantre chrétien." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040248.

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Abstract:

Cette recherche est consacrée au héros mythologique Orphée durant l'antiquité tardive (IIIe-VIIe siècle ap. J. C. ). Elle s'appuie d'abord sur les images du musicien apparues dans l'empire romain mais aussi sur les textes antiques le mentionnant. Ces deux types de témoignages ont été regroupés en deux catalogues (volume II et annexe 2). La réflexion proposée dans la synthèse (volume I) utilise également l'histoire des mentalités et des religions, de même que les différents aspects d'Orphée depuis ses origines archaïques. Le but est de comprendre la grande popularité du héros à l’époque tardive, de retrouver les rôles qu'il y tenait et surtout de retracer comment une figure du paganisme gréco-romain a pu trouver place dans l'iconographie des premiers chrétiens. La première partie est centrée sur les images, païennes et chrétiennes, (mosaïques, reliefs, céramiques, arts précieux) qui dévoilent une scène uniformisée montrant Orphée parmi les animaux ; dans la deuxième partie, les textes (des mythographes, des poètes, des philosophes, des pères de l'église) révèlent une figure plus diversifiée de théologien, de purificateur, de magicien. . . Dans la troisième partie, nous voyons que ce personnage, à la fois hors du monde et nécessaire au monde, se rapproche du type du theios aner et prend alors une dimension plus universelle. C'est ce qui lui permet d'être assimile par la nouvelle religion chrétienne comme figure inspirée, porteuse de paix, synonyme du lien entre le divin et l'humain.

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Durozoy, Anne-Sophie. "Le petit prophète Jonas au Moyen Âge : étude iconographique." Paris, EPHE, 2011. http://www.theses.fr/2011EPHE4016.

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Abstract:

Jonas est fréquemment représenté du XIIe au XVe siècle en France, dans les pays germaniques et en Angleterre. Il l’est moins en Espagne ou en Italie, ainsi que dans les pays scandinaves. La présente étude analyse textes et images pour évaluer la place du petit prophète au Moyen Âge, tant dans la pastorale, l’exégèse et les sommes théologiques que dans l’imaginaire. Jonas est un thème très important dans l’art paléochrétien. Les régions et les époques marquées par l’Antiquité ont accordé une place particulière à ce petit prophète, tout en modifiant le sens et l’iconographie des représentations. La baleine remplace la plante comme attribut principal. Les préoccupations quant au Salut de l’homme s’effacent derrière l’importance accordée à la Résurrection. Jonas est en effet une préfigure du Christ à double titre : avalé par la baleine, il annonce sa mort ; en sortant, il anticipe sa Résurrection. Il est également l’un des douze petits prophètes et est à ce titre régulièrement représenté, en général sans attribut, au milieu d’autres prophètes, pour insister sur la continuité du projet divin. Envoyé malgré lui à Ninive qui se repent de ses erreurs de manière spectaculaire, il devient paradoxalement une figure de la conversion, très appropriée quand, à la suite de Latran IV, la pastorale met l’accent sur la nécessité du sacrement de la pénitence. Jonas est le plus souvent accompagné du monstre marin, qui devient peu à peu baleine : la présence du petit prophète dans la gueule de l’animal permet de l’identifier. La fascination pour le merveilleux et l’espérance en la Résurrection de la Chair expliquent probablement l’importance accordée à l’épisode de la baleine
Jonah was often represented from the 12th to the 15th century in France, in the German countries as well as in England. He was less so in Spain, Italy, or in the Scandinavian countries. This study sets out to analyse texts and images so as to assess the part played by this character in pastoral, exegesis, theological compendiums, as well as in the the imaginary world. Jonah is a prominent figure in paleo-christian art. This little prophet was given a very unique treatment in the regions and periods that were influenced by Antiquity. Yet, they also reworked the meaning and the iconography of Jonah’s representations. The plant gave way to the whale as his main attribute. The emphasis before on the issue of Man’s Salvation shifted towards Resurrection. Indeed, Jonah prefigures the Christ in a double way. Being swallowed and cast out of the whale, he announces both Christ’s death and Christ’s resurrection. He is also one of the twelve minor prophets and in this respect he appears quite often - not always with an attribute - among other prophets, to show the continuity in God’s plan. He is ordered by God against his will to the city of Nineveh, which repents of his sins in a powerful way. Thus he appears quite paradoxically as a figure of repentance and that was used for pastoral purposes when the necessity of the sacrament of repentance arose after the Fourth Council of the Lateran. Jonah is often seen with a sea creature that would then be depicted in the form of a whale: his being in the belly of a great fish allows to identify him. The fascination for the marvellous as well as the hope of the Resurrection of the Flesh may account for the prominence of the whale episode

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Vaandrager, Meta. "Tabernacle, Temple et Jérusalem céleste : premier, deuxième et troisième temple ? : étude d'iconographie biblique de la peinture du IXe au XIIe siècle." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040271.

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Abstract:

Au moyen de plusieurs mots (tabernacle, temple et Jérusalem céleste), tels qu'ils apparaissent dans l'histoire sainte de la bible, des conceptions différentes d'une demeure de dieu, d'un centre de culte sont recherchées à travers des images et des textes du moyen âge, (neuvième au douzième siècle). L'étude porte sur le rôle que joue cette iconographie par rapport aux textes bibliques
Research has been carried out into various concepts of three different words, tabernacle, temple and celestial Jerusalem, such as they appear in the holy history of the bible. They represent all three various concepts of the dwelling of god and the place of cult. Our research concerns the images (iconography) and their texts of the middle ages (ninth to twelfth century)

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Meiffret, Laurence. "Les cycles de la vie de Saint Antoine ermite dans l'iconographie française et italienne du XIVème au XVIème siècle : intervention des légendes et influence culturelle dans la constitution de l'image d'un Saint." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010561.

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Abstract:

Au milieu du XIVème siecle apparaissent les premiers cycles iconographiques de la vie de Saint Antoine ermite, le père Égyptien des moines. Ce phénomène, qui correspond à l'apogée du culte du Saint en occident grâce notamment au prosélytisme des chanoines de l'ordre de Saint Antoine, connait un développement important jusqu'au XVIème siècle, particulièrement dans le sud-est de la France et dans l'Italie septentrionale et centrale. En témoigne un corpus d'une quarantaine de cycles d'origines variées : manuscrits destinés à l'élite religieuse, retables de patriciens ou de riches confréries, fresques de chapelles rurales ou de communautés réformées. Les raisons de cette émergence et de ce déclin, aussi impromptus l'une que l'autre, révèlent la coïncidence de l'intérêt populaire pour un Saint thaumaturge et justicier et de celui des ordres, essentiellements des mendiants, pour ce modèle de sainteté érémitique des débuts du christianisme. L'occidentalisation progressive de l'ermite passe ainsi par deux procédés presque antagonistes : d'une part la substitution a son austerité d'ascète solitaire d'un paternalisme bienveillant quoi qu'intransigeant, d'autre part l'accentuation de son identité de précurseur ayant ouvert la voie du désert. Pour ce faire, l'iconographie, étayée par l'invention de légendaires apocryphes, propose un vecteur de diffusion privilégié à l'attention des commanditaires. Outre les antonins, qui développent de tels programmes iconographiques surtout dans le premier quart du XVème siècle, les augustins et les franciscains reformes vont se faire les principaux initiateurs du phenomene, trouvant avec la personnalite d'Antoine, dans leur quête d'un exemple antérieur à leurs fondateurs eux-mêmes, une caution pour justifier l'orientation de leurs choix spirituels et de leurs modes de vie. En ce sens, le redécouverte du Saint servit plus de support a une reforme interne des courants ascétiques de la fin du Moyen-Age qu'au renouveau même de leurs doctrines. C'est aussi en quoi ce phénomène iconographique particulier semble emblématique d'un processus d'appropriation plus général, conduisant à faire des Saints les plus éloignés dans le temps et l'espace, des figures initiatiques et exemplaires, rajeunies par une relecture totale de leur existence.

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Giraudet, Marie-Jo. "L'hospitalité d'Abraham : exégèse et iconographie, des débuts du christianisme au XIVe siècle en occident." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1997PA040085.

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Abstract:

L'iconographie de l'hospitalité d’Abraham (gen. 18) est intimement liée à l'exégèse. Dès l'aube du christianisme cet épisode, comme toute la Bible, est commenté. Tout y est figuré de la vie du Christ. Cette démarche allégorique est, en partie, liée à la culture hellénistique des pères; elle sera suivie par le moyen âge, respect des anciens plus qu'incapacité d'une réflexion personnelle. Le XIIIe siècle se libèrera de l'héritage patristique tout en reconnaissant ce qu'il lui doit ; à la fin du XIIe siècle une nouvelle lecture s'impose, littérale. Le symbolisme trinitaire de gen. 18 est retenu par les pères mais la vraie vision de la trinité est perçue par Ambroise. Allégorie, symbole sont des termes confondus au moyen âge. En dehors de toute connotation trinitaire il y est ressenti une figure de l'annonciation, de l'incarnation, de l'eucharistie, de la résurrection. Les valeurs morales d’Abraham sont aussi magnifiées : accueil, foi - il ne doute pas qu'un fils lui sera donné - confiance en Dieu qui le fait intercéder pour Sodome. L'iconographie s'empare de toutes ces significations et de l'historicité du thème ; des bibles, livres liturgiques, la psychomachie de prudence, la cité de Dieu de saint Augustin sont un reflet du récit, de son symbolisme, des vertus d’Abraham dont la vie s'inscrit dans l'histoire du salut aux murs d'églises paléochrétiennes et romanes. La fidélité au texte est étudiée à travers les envoyés - semblables ou non - la présence de Sara, son attitude, la tente d’Abraham évoquée souvent par une architecture
Iconography of Abraham’s hospitality (gen. 18) is deeply connected to exegesis. As early as the beginning of Christianity, this episode, as all the bible, is annotated everything is about Christ’s life. This allegorical way of thinking is, in part, connected to the fathers' Hellenistic culture. It has been identical during the middle age, by respect of the traditions more than by impossibility of personal reflexion. XIIIth century will free him of this fathers' heritage but in recognizing what he owned to him. At the end of XIIth century, a new literal reading seems indispensable. The Trinitarian symbolism of gen. 18 , is kept by father, but the real vision of trinity is dicemed by Ambroise. Allegory and symbolism are confounded words during middle ages. Beside all Trinitarian connotations, we can feel a figure of annunciation, of incarnation, of the Eucharist, of the resurrection. Abraham's moral values are also glorified: hospitality, faith - he never doubts that he will have a son - trust in god who aiks into interfere for Sodom. Iconography takes possession of all these significations and of the historical part of the subject : bible, liturgical books, the psychomachie de prudence, the city of God from saint Augustin are reflects of the story, of his symbolism, of Abraham’s valor’s whose life is in engrave in the story of the salvation in the walls of paleo Christian and roman's churches. Fidelity to the text is learnt thought the messengers - alike or not - Sara’s presence, her attitude, Abraham’s tent very often evoqued by an architecture

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Dauphin-Meunier, Romain. "Joseph Aubert (1849-1924) : la vie et l'oeuvre d'un peintre chrétien." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2004PA040136.

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Abstract:

Joseph Aubert fut un des peintres religieux majeurs de la période 1880-1920. Tombé aujourd'hui dans l'oubli, il nous est apparu nécessaire de l'en sortir par une analyse générale de sa vie et de son œuvre. Né à Nantes en 1849, Aubert se sentit très tôt une vocation de peintre religieux. Élève d'Yvon puis de Cabanel, n'ayant pu concourir pour le Prix de Rome en raison de son mariage, il se spécialisa dans la peinture religieuse, et plus particulièrement dans les décors d'églises. Désirant renouveler les thèmes bibliques, il fit trois périples au Proche-Orient entre 1892 et 1900. Les décors de Notre-Dame-des-Champs à Paris et de Notre-Dame de Besançon sont considérés comme des œuvres ayant marqué la peinture religieuse de ces années. Aubert avait acquis en 1898 le domaine de l'Ermitage dans le Doubs où il venait se reposer chaque été. Il y tenait également un atelier. Il mourut en 1924 au couvent des Fontenelles, ne laissant pas de descendance directe. Peintre discret mais réputé auprès du Clergé de son époque, chrétien pratiquant, dessinateur talentueux, bon portraitiste, Aubert fut sans doute le chaînon manquant reliant le classicisme archaïsant d'Hippolyte Flandrin au renouvellement formel de Maurice Denis. D'où la nécessité d'un catalogue raisonné qui puisse rendre compte de l'ampleur d'un travail plus éclectique qu'il n'y paraît et rendre ainsi sa place à un artiste qui avait fait de la religion sa principale confidente et muse
Joseph Aubert was one of the greater religious painters at the turn of the 19th century. Although he's completely forgotten nowadays, it seemed necessary for us to rehabilitate him with a general analysis of his life and work. Born in Nantes in 1849 Aubert felt an early vocation for religious painting. He studied at Yvon's studio, then at Cabanel's. He wasn't allowed to compete for the Rome Grand Prix cause of his recent marriage. He specialized in religious painting and especially in decoration of churches. As he desired to renew biblical topics, he made three trips to Palestine between 1892 and 1900. The pannels of Notre-Dame-des-Champs in Paris and Notre-Dame in Besançon are considered as masterpieces of religious painting at that time. Aubert bought the Ermitage castle in Franche-Comté in 1898. He got used to come there every summer for resting and he also had a studio. He died in 1924 at the Fontenelles monastery without having any children. Aubert was a discreet but renowned artist by the Clergy. Fervent Christian, talentuous drawer, good portraitist, Aubert maybe was the missing link between Hippolyte Flandrin's archaic classicism and Maurice Denis' formal renewal. So it was necessary to make a Catalogue Raisonné that gives his place back to an artist who had made religion her main confidant and Muse

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Mastoraki, Dimitra. "L' iconographie de Judas l'Iscariote dans l'art byzantin et post-byzantin : rapprochements et différences avec ses représentations en Occident et dans l'Orient chrétien." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010635.

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Abstract:

La présente étude essaie d'analyser les représentations de Judas dans le monde byzantin et post-byzantin, en s'attachant particulièrement à l'étude de son apparence et de ses attributs, dans le contexte particulier de chaque image, et ce par rapport aux sources chrétiennes dont nous disposons. Une telle étude serait incomplète sans un aperçu global de l'iconographie du traître, qui révélera que la fréquence de l'apparition de son image et l'importance accordée à celle-ci ne reste pas invariable dans le temps et dans les différentes régions géographiques. Une étude comparative avec les représentations du traître dans l'art de l'Orient chrétien et dans le monde occidental de la même période, permet de repérer les points communs, ainsi que les différences. L'intérêt de cette recherche repose surtout sur la volonté de comprendre comment le pouvoir religieux intègre dans son répertoire iconographique l'archétype de la trahison, comme celle-ci a été perpétrée par Judas, de façon qu'il finisse paradoxalement par participer à l'oeuvre moralisatrice de celui-ci.

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Verleysen, Catherine. "Maurice Denis (1870-1943) et la lutte pour un renouveau de l'art religieux en Belgique : 1890-1930." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040172.

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Abstract:

Ce travail étudie la réception du peintre Maurice Denis (1870-1943) en Belgique et plus particulièrement au sein du milieu catholique. A l'origine, c'est en tant que Nabi que Denis expose à Bruxelles et à Anvers ; même si elle préfigure à l'émergence de l'Art Nouveau, l'œuvre de Denis y est souvent mésestimée. Parallèlement, Denis s'approche aux cercles catholiques, et, jusqu'aux années 1920, il collaborera avec des intellectuels belges impliqués dans le renouveau de l'art religieux. Par la double identité de son art, à la fois catholique et moderne, Maurice Denis jouera un rôle important aux yeux des cercles catholiques qui voyaient dans sa peinture la concrétisation d'un idéal esthétique religieux adapté aux exigences de la modernité. Essentielle à la compréhension de son œuvre, et plus particulièrement de sa peinture religieuse, ce travail offre aussi l'opportunité d'étudier le renouveau de l'art religieux, pan méconnu de l'histoire de l'art belge des 19ème et 20ème siècles
The thesis-topic is the study of Maurice Denis' reception (1870-1943) in Belgium, particularly within the catholic circles. Denis first exhibited his works as a Nabi, in Brussels and in Antwerp. Even though it's a foreshadowing of the Modern Style's rise, Denis' work was often underestimated. But at the same time, Denis came closer to the catholic circles, and until the Twenties, he collaborated with Belgian intellectuals involved in the renewal of religious art. Thanks to the duality of his painting, catholic and modern as well, Denis played the major part in these circles which perceived in his art the embodiment of a religious aesthetic ideal in a modern context. Essential to the understanding of his work, and especially his religious painting, this study also gives the opportunity to investigate the renewal of the religious art, an unknown part of the Belgian art during the late 19th and the 20th centuries

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Lafran, Anne. "Entre ciel et terre : exègèse, symbolique et représentations de la pendaison de Judas Iscariote au Moyen-Age (XIIe-XIVe siècles)." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040228.

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Abstract:

Épisode anecdotique du Nouveau Testament, la pendaison de Judas s’est imposée dans la tradition patristique comme un thème récurent. Au Moyen Âge, le suicide est condamné comme péché par l’Église et comme crime par les pouvoirs civils ; il est un tabou, qui n’a pas encore de nom. Le suicide de Judas, au contraire, parce qu’il est symbolique et exemplaire, est commenté, interprété et représenté. Il témoigne de l’hostilité généralisée des mentalités médiévales face à la mort volontaire, la « male mort », mais aussi de la stigmatisation de ceux qui se sont désolidarisés du corps social et des valeurs chrétiennes et qui sont voués à la même mort que Judas, perçue non plus comme suicide mais comme châtiment. Cette étude se propose d’explorer les représentations, les interprétations du suicide de Judas et leur déclinaison et de montrer comment ce thème sert, au-delà de la condamnation du suicide, l’effort de normalisation de la société, la construction des pouvoirs civils, la montée de l’antisémitisme, tout en témoignant aussi d’une meilleure connaissance de l’intériorité, caractéristique de l’Humanisme médiéval
Judas’ hanging, anecdotal episode from the New Testament, asserted itself as a recurrent topic in patristic tradition. During the Middle Age, suicide is reproved as a sin by the Church and as a crime by civil authorities ; it is a yet nameless taboo. On the contrary, Judas’ suicide, because it is symbolic and exemplary, is annotated, interpreted and pictured. It shows general hostility from medieval mentalities towards self-willed death, the “male mort”, as well as stigmatization of those who have dissociated from social entity and Christian moral values and who are doomed to the same death as Judas, not anymore considered a suicide but a punishment. The present study has in view to explore Judas’ suicide pictures, interpretations and their declensions and to point out how this topic serves, beyond suicide’s condemnation, the society normalisation effort, the civil authorities’ construction, the anti-Semitism rising, while showing a better knowledge of interiority, characteristic of medieval Humanism

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Viet-Martin, Marie. "Une approche chrétienne du coffret d'Auzon." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040021.

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Abstract:

Le Coffret d'Auzon, en ivoire de baleine est gravé de runes, de scènes païennes et d'une Epiphanie. Les méthodes missionnaires du Libellus Responsionum et l'archéologie expliquent-elles cet apparent blasphème ? Objet païen ? Le panneau de droite, scène de funérailles, est un thrène à un héros, inconnu de la littérature viel-anglaise. Sur la panneau frontal, le cruel Weland est, pour moi, la transposition d'une figure évangélique. Le forgeron, chez les Anglo-saxons, est vu comme un elfe, hypostase, pour moi, de l'Ange du Sépulcre. L'iconographie de la Visite des Saintes Femmes au Tombeau le confirmerait. Objet chrétien ? Les mages infirmeraient une fonction liturgique et catéchétique du coffret : les mages archétypes de rois païens appelés à la Grâce. L'insolite Vierge est inspirée de Byzance, affirmation de Marie Theotokos. L'archéologie apporte des preuves de structures païennes réemployées par les missionnaires de Grégoire le Grand. Les runes. Le texte frontal se dispose comme une énigme. Hronaes ban, infère des implications bibliques d'où je tire mon interprétation des gravures pai͏̈ennes, des textes runiques , et de la nature même du coffret
The sheets of whale bone covering the Franks Casket, are carved with runes, pagan scenes, and the Magi, I think that such a mingling was not sacrilegious, but volontary, and a outcome of the Libellus Responsionum methods. Critics recognize in the right-hand panel a Lament on a dead hero. In the Weland scene, I see the Forger as the Prince of Elves, nearly an angel : an hypothesis of an evengelical figure. The catechistical purposes of the Casket is asserted by the Wise Men, paragons of converts to Anglo-Saxon kings. The offers are fraught with symbols, refuting heresiarchs' assertions. The Virgin, abiding by the Syrian formula, asserts Mary Theotokos. The material itself that the item is made from, hronaes ban, meets my personal vision the Casket. My overall interpretation : a hero's funeral, an elf-angel welcoming two female visitors : all items conjure up a pendant to the Magi scene : the Sepulchre, and the Epiphany. Archaeology has brought forth unquestionable evidence in Nothumberland, not of a simple re-use of a pagan worship-place, but of its adaptation to the new religion. The runic frontal text presents a riddle. The apparently purposeless hronaes ban, leads me to a new interpretation of the carvings, of the runi epigraphs, and about the very nature of the Casket

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Giguère, Vincent. "LA CHAPELLE NOTRE-DAME-DE-LOURDES DE MONTRÉAL Histoire, composition et fonction du décor intérieur." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/28038/28038.pdf.

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Rouchon-Mouilleron, Véronique. ""Rota in medio rotae" : les peintures murales du baptistère de Parme : essai d'iconographie monumentale." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1997PA040310.

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Abstract:

Les peintures murales du baptistère de Parme se développent sur les 515 m2 de la coupole, en quatre registres consacrés à Abraham et à Jean-Baptiste et présentant le christ et la vierge, les prophètes et les apôtres ; elles recouvrent 220 m2 dans les zones inférieures du monument avec des personnages varies : les évangélistes et les docteurs de l'Eglise, des ermites, des anges et des monstres, un saint François devant un séraphin et un tétramorphe. L'examen des sources narratives (chroniques et statuts), l'interprétation des étapes du processus de construction de la coupole, et les caractères spécifiques de l'iconographie de saint François aboutissent à proposer une datation avancée des peintures entre les années 1245 et 1250. L'analyse iconographique des images, groupées autour de quatre-vingts scènes (imagines des prophètes et des apôtres, cycles du baptiste et d’Abraham, portraits, allégories. . . ), fait ressortir la conformité globale des thèmes parmesans à un corpus byzantin déjà incorporé dans l'art de la péninsule italienne, et qui autorise certaines combinaisons formelles avec des choix représentatifs résolument occidentaux. La définition du programme s'appuie sur les commentaires exégétiques de la vision d'Ezéchiel du « char de Yahvé »> à partir des homélies de Grégoire le grand. A l'organisation circulaire et alternée des registres de la coupole s'applique à la lettre la formule « rota in medio rotae », illustration concrète du rapport typologique entre ancien et nouveau testament. Cette lecture de la tradition est reliée aux indices multiples de la présence d'un milieu franciscain et à la figure clé de François, assimilé par sa vision du tétramorphe à un nouvel Ezéchiel
The XIIIth century's wall-paintings of the baptistery of Parma comprise 515 sqm. On the cupola, depicted on four registers (dedicated to Abraham, John the Baptist, Christ and the virgin among prophets and apostles), and 220 sqm. In the lower area of the building, decorated with various figures : evangelists, doctors of the church, hermits, angels, monsters and st Francis in front of both a seraph and a tetramorph. The reexamination of the narrative sources (chronicles and statutes), as well as the interpretation of the constructive stages of the cupola, and the analysis of the particular iconographical features of s. Francis suggest an early dating for the wall-paintings, around the years 1245-1250. Through the iconographical analysis of all the decoration gathering circa eighty scenes (galleries of prophets and apostles, stories of Abraham and the Baptist, portraits and various allegories), it is made clear that the parmigian themes are part of an Italian corpus connected with the byzantine features and both depend on representative options which are firmly occidental. The iconographical program rests on the exegetical comments on Ezekiel’s vision of Yahweh’s charriot, based on pope Gregory the great's homilies. The circular and alternated organization of the four registers on the cupola embodies the “ rota in medio rotae” formula, explained as a concrete image of typological links between old and new testament. This interpretation based on tradition is linked with numerous signs of a Franciscan environment and with the key figure of Francis, who in Parma, through his vision of the tetramorph, appears like a new Ezekiel

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Petrick, Vicki-Marie. "Le corps de Marie Madeleine dans la peinture italienne du XIIIe siècle à Titien." Paris, EHESS, 2012. http://www.theses.fr/2012EHES0087.

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Abstract:

Cette thèse se donne pour but de montrer la densité de significations qui informent les choix plastiques et iconographiques de la Madeleine du Palais Pitti de Titien, en l'examinant à la lumière des traditions visuelles de la Madeleine en Italie. Pour ce faire, la thèse remonte jusqu'aux codes visuels mis en place dès le XIIIe siècle. Cette étude fait apparaître les moyens par lesquels le corps de la femme peut être porteur de sens théologique, au delà du péché et de la tentation. Une première partie en établit les fondements. Un chapitre aborde l'anthropologie du corps chrétien ; un autre, la construction du personnage de Marie Madeleine et des thèmes qui lui sont associés ; un troisième étudie ses premières formulations plastiques dans le bassin méditerranéen. Une deuxième partie est consacrée aux cycles qui présentent sa Vita : le retable florentin de 1285, la chapelle de Madeleine dans la basilique d'Assise, et les chapelles de la Madeleine au Bargello et à Santa Croce à Florence. Ces chapitres font apparaître la dynamique par laquelle le spectateur se rapporte à sa figure comme un exemple de chair pécheresse convertie. Une dernière partie propose une analyse diachronique de longue durée, du XIVe au XVIe siècle, des principaux signes iconographiques qui la distingue : la couleur rouge, les cheveux, les larmes, le vase et le parfum, en accordant une attention particulière aux variations régionales, entre Toscane et Vénétie. Le chapitre final fait converger les résultats des chapitres précédents dans l'analyse de la Madeleine de Titien, qui apparaît comme un point d'aboutissement des recherches plastiques et conceptuelles menées depuis 1270
The goal of this thesis is to show the density of meanings that inform the plastic and iconographic choices made by Titian for his Pitti Magdalen, examining it in light of the visual traditions of the Magdalen in Italy. To do this, the dissertation goes back to the visual codes established in the 13th century. This study brings forward the means by wich women's bodies may be bearers of theological meaning, beyond that of sin and temptation. A first part establishes the foundations. One chapter approaches the anthropology of the Christian body, another the construction of the "character" of Mary Magdalen and themes associated with her, a third stuides these first plastic formulations in the mediterranean basin. A second part is consecrated to the cycles that present her Vita : the Florentine pala of 1285, the Assisi Magdalen chapel, and the Magdalen chapels of the Bargello and Santa Croce in Florence. The chapters bring forward the dynamic in wich the spectator relates to the figure as an example of sinful flesh converted. A last part proposes a diachronical analysis, on a large temporal scale, from the fourteenth to the sixteenth centuries the principal iconographical signs that distinguishe her : the color red, the hair, the tears, the vase and the perfume, all the while giving particular attention to the regional variations between Tuscany and the Veneto. The final chapter converges the results of the first chapters in the analysis of the Titian Magdalen who appears as an end point in the plastic and conceptual research conducted since 1270

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Larrivée, Dany. "DEO OMNIPOTENTI: Le cycle original des «Illustrations of the Bible» et la représentation du pouvoir divin d'après John Martin (1789-1854)." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/28457/28457.pdf.

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Klinka, Emmanuelle. "Analyse sémiotique des miniatures des codex du "Commentaire à l'Apocalypse" du Beatus de Liébana." Aix-Marseille 1, 1994. http://www.theses.fr/1995AIX10005.

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Abstract:

Je me suis proposé d’étudier des miniatures crées entre le 8e et le 12e siècles. Elles appartiennent aux différents codex des « Commentaires à l’Apocalyspe, dits Beatus. J’ai retenu 15 des 22 codex enluminés qui ont été conservés jusqu’à nos jours, sur la base d’un corpus de 17 thèmes illustratifs. Pour ce faire, je me suis fondée sur l’étude sémiotique que j’ai adaptée à l’iconographie. J’ai analysé chaque signe et sa situation spatiale dans l’image. Les principaux axes de la recherche sont : la présentation de mon corpus, de son auteur, et du contexte historique. Le travail d’analyse dévoile d’abord les règles de la disposition formelle au Moyen âge. J’ai enchaîné sur le problème de l’intériorité et de l’extériorité présenté par certaines figures. Je les ai appelées « figures-contenants », en m’aidant des charpentes du dessin ainsi que de la symbolique du signe. De là, j’ai étudié leur sens en fonction de la présence des différents composants, c’est-à-dire qui, mises en situation dans l’image, je les ai abordées en tant qu’éléments constitutifs d’un tout. J’ai relié mes conclusions à l’interprétation que propose Beatus de l’Apocalyspe. Finalement, je suis revenue sur le rôle des fonds rayés et de la couleur dont j’ai tenté d’expliquer les fonctions. J’ai terminé par l’actualisation historico-culturelle des codex. L’analyse des signes et des structures permet d’appréhender et de décoder le message politico-religieux que le peintre a consciemment exprimé. Elle révèle aussi la dimension socio-culturelle dans laquelle se trouvait l’imagier
I intended to study miniatures created from the eight to the twelvth century. They belong to the various codices of the comment of the apocalypse, known as beatus. I selected fifteen out of the twenty two embellished codices wich keep well-preserved nowadays, on the basis of a corpus of seventeen illustrative themes. For that purpose, i founded my study on a semiotic point of vue which i adapted to iconography. I therefore analysed every sign and its spatial situation withinb the drawing. The main parts of my study are : a presentation of my corpus, of its author and of the historical context. An analytic part of the work which at first shows the rules of the work which at first shows the rules of the formal display arrangements in the middle-ages. I then tackled the problem of the interiority and exteriority shown by some drawing - which i called "containing-drawings" - using for that the framework of the drawing as well as a sign-symbology. Given that, i was able to study their meaning defending on the presence of the various constituents, i. E. Put back in their pictorial context, i considered them as elements of the whole drawing. I compared my conclusions with the interpretation offered by beatus of the apocalypse. As a conclusion, i came back to the role played by striped backgrounds and by colour, of which i tried to explain the functions. I ended by a historico-cultural actualization of the codices. The analysis of the signs and structures allows us to tackle and decode the politico-religious message conciously expressed by the painter. It also discloses the socio-cultural dimension in which lived the artist

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Doustaly, Anne. "L'esprit de la chair : images de la sainteté féminine entre Rhône et Alpes au XVe siècle." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0109.

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Abstract:

Après avoir répertorié les figures de la sainteté féminine employées dans les peintures publiques provençales et alpines du XVe siècle, l'étude constate un sanctoral visuel limité (Marie-Madeleine, vierges martyres), l'absence des saintes locales, et explore les modalités de ces choix (polysémie de la sainteté, agencements visuels). Retables, peintures murales et exempla forment le corpus principal, complété par l 'hagiographie, les calendriers et les prix-faits. L'usage des saintes se révèle limité dans certains media (peinture, exempla), en décalage à la fois avec la popularité des pèlerinages et la féminisation de la spiritualité contemporaine. L'étude recherche les usages communs de la sainteté féminine et les conventions visuelles attachées à la figure centrale de Marie-Madeleine et au groupe homogène des vierges martyres qui fonctionne en série. La fonction visuelle de l'attribut, les formes de l'identité, les classifications sont analysées. La figure de sainte Lucie, les mécanismes particuliers de l'attribut-organe et les variations visuelles sur le genre des saintes, témoignent de l'inventivité suggestive des images, et conduisent à préciser la notion polysémique de sainteté
After listing the examples of female saints used in the Proven cal and Alpine public paintings in the XVth century, this study notes limited sanctoral representations (Mary Magdalen, martyr virgins), the absence oflocal saints, and explores the consequences of these choices (polysemy of saintliness, visuallayout). The main corpus, made up of retables, mural paintings and exempla, is completed by hagiography, calendars and the commission contracts (prix-faits). There is a discrepancy between the fact that the figure of the female saint turns out to be limited in some media (painting, exempla), and with both the popularity of pilgrimages and the feminization of contemporary spirituality. This study looks into the common use of female saintliness and the visual conventions related to the central figure of Mary Magdalene and to the homogeneous group of martyr virgins that works out as a series. The visual function of the attribute, the fonns of identity, and the classifications are analysed. The figure of Saint Lucy, the specific mechanisms of the organ-attribute and the visual variations on the gender of the female saints bear witness to the suggestive inventivity of images, and lead to a redefinition of the polysemic notion of saintliness

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Voyer, Cécile. "L'image hagiographique dans l'Église : étude sur les fonctions des images monumentales des saints (XI-XIIe siècles en France)." Poitiers, 2003. http://www.theses.fr/2003POIT5008.

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Abstract:

Les études des images hagiographiques monumentales montre qu'une réflexion intense a été menée au Moyen-Âge sur l'utilisation de ces images dans l'église. Les images hagiographiques ont, en effet, différentes fonctions dans l'édifice sacré. Outre la dévotion rendue à un saint et l'entretien de son culte, les images hagiographiques sont l'expression d'une pensée politique, sociale et cultuelle dans les édifices appartenant aux ordres religieux. Elles font de l'église un lieu d'affirmation et de cohérence. Une des fonctions des images hagiographiques est d'affirmer la mission et le rôle que les collectivités religieuses entendent mener à l'échelle locale ou à l'échelle de la chrétienté. Elles permettent de définir l'identité et la spécificité de l'ordre au sein d'un monde régulier composité. Les images hagiographiques sont également utilisées pour l'élaboration d'une mémoire liturgique dans l'église pour les communautés religieuses, voire également pour celle des lai͏̈cs. La contextualisation directe et indirecte de l'image monumentale est l'une des clés essentielles à leur "lecture" : inscription dans le réseau d'images qui l'entoure, emplacement dans l'église et contexte entourant sa création
The study of monumental hagiographic pictures shows that the use of these pictures in churches was a major concern in the Middle Ages. Indeed hagiographic pictures have different functions in holy buildings. Together with the devotion given to saints and the maintaining of their cults, hagiographic pictures also express a political, social and cultural belief in buildings belonging to religious orders. They turn the church into a place of asserion and cohérence. Once of the functions of these hagiographic pictures is to assert the mission and the rôle that religious communauties wish to play on the local level or on the Christendom level. They permit to define the identity and the specificity of the order within a composite regular world. Hagiographic pictures are also used to keep the liturgical memory in churches for religious communities, if not for laymen. Directly or indirectly putting monumental pictures in context in an essential key to " read " them : e. G. When it inscribes itself in the network of the pictures which surround it, where it stands in the church and the context of its creation

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Stufferin, Christine. "Le nom, une clé de lecture : (dans la littérature en vers et en prose de Chrétien de Troyes au Perlesvaus)." Rennes 2, 2000. http://www.theses.fr/2000REN20063.

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Abstract:

Le nom propre est, ainsi que son emploi, révélateur à bien des égards. L'étude se propose de dégager l'importance et surtout la signification du nom propre dans quelques oeuvres en vers et en prose de la littérature narrative française en langue d'oi͏̈l au XIIe et au XIIIe siècle, plus précisément de la matière de Bretagne. Les romans de Chrétien de Troyes (Erec et Enide, Cligès, Yvain ou le Chevalier au Lion, Le Chevalier de la Charrette et Le Conte du Graal (Perceval)), les Lais de Marie de France, les Folies Tristan de Berne et d'Oxford, Le Bel Inconnu de Renaut de Beaujeu, l'Atre périlleux, les Continuations du Conte du Graal, Le Roman de l' Estoire dou Graal de Robert de Boron et sa" mise en prose, les trois volets principaux du cycle du Lancelot-Graal et le Perlesvaus ont fait l'objet de cette analyse concernant l'emploi du nom et de ses différents aspects comme l'anonymat, le changement du nom, la renommée, la perte du nom, la révélation tardive du nom ou sa découverte, son absence et la quête (et parfois la conquête) du nom. Le nom qui est strictement lié à la conscience de l'identité est un excellent instrument de connaissance. Il renferme et en même temps explicite de nombreuses informations que cette étude entend présenter. Les trois noms "Biel Fils", Bel Innconnu et Guinglain, par exemple, ne sont pas dûs au hasard, mais ils marquent les étapes de l'évolution d'un personnage
A name is, just like its use, revelatory in all respects. This study proposes to highlight the importance and especially the significance of Dames in some Old French verse and prose romances in langue d'oi͏̈l from the 12th and 13th centuries and particularly in this case from the Arthurian literature. Chrétien's poems (Erec et Enide, Cligès, Yvain ou le Chevalier au Lion, Le Chevalier de la Charrette and Le Conte du Graal (Perceval)), the Lais by Marie de France, the Folies Tristan of Berne and of Oxford, the Bel Inconnu by Renaut de Beaujeu, the Atre périlleux, the Continuations of Le Conte du Graal, Le Roman de l'Estoire dou Graal by Robert de Boron and his prose version, the three principal parts of the Lancelot-Grail cycle and the Perlesvaus are the subject of this analysis concerning the use of a name and its different aspects such as anonymity, name changing, renaming, the loss of a name, the late revelation of a name or his discovery, the absence of a name and the quest for a name (and sometimes even his conquest). A name, which is irrevocably linked to identity, is an excellent tool of knowledge. It holds and at the same time explains a lot of information and this is what is being presented in this study. The three names "Biel Fils", Bel Innconnu and Guinglain for example are not in fact owing to fate but they mark the evolutionary stages of a character

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Bida, Habib. "La notion d'imitation de la nature dans l'art arabo-islamique." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010751.

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Abstract:

A partir de textes choisis dans le patrimoine culturel araboislamique, datant du 10e au 14e siecle ap jc, et de notions contenues dans les textes, nous avons essaye de decouvrir les fondements philosophiques et esthetiques de certains arts araboislamiques tels que la calligraphie, l'ornementation geometrique et l'art de la miniature. Apres des analyses textuelles operees autour des notions tels que art, perception, forme, matiere, ame, intellect, nature homme, homme parfait, dieu, nous avons decouvert que ces notions fonctionnent entre elles d'une maniere, nous amenant a considerer queles arts arabo-islamiques sont imitatifs de la nature, et que l'artiste arabo-musulman, dans sa demarche artistique, imite dieu a travers ses creations naturelles et ce pour s'affirmer en tant que son vicaire dans le monde d'ici-bas et symboliser sa quete et son desir de voyager vers lui a travers sa "divinite humaine".

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Ferraro, Séverine. "Les images de la vie terrestre de la Vierge dans l'art mural (peintures et mosaïques) en France et en Italie : des origines de l’iconographie chrétienne jusqu’au Concile de Trente." Thesis, Dijon, 2012. http://www.theses.fr/2012DIJOL033/document.

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Abstract:

Ce travail de thèse est consacré aux images murales de la vie terrestre de la Vierge, une séquence iconographique composée de l’histoire de la jeunesse de Marie et des épisodes de la vie du Christ auxquels la Vierge est associée, jusqu’à la Pentecôte. La recherche s’inscrit dans un cadre chronologique étendu, depuis le premier art chrétien jusqu’au concile de Trente. Elle repose sur une abondante documentation iconographique qui comporte plus de 2300 images, peintures et mosaïques murales, conservées en France et en Italie. La première partie du mémoire est consacrée à l’analyse quantitative de la documentation iconographique, selon un triple point de vue. Une analyse thématique permet de déterminer trois séquences chronologiques dans le déroulement de la vie terrestre de la Vierge, tout en précisant l’importance quantitative de chacun des thèmes iconographiques étudiés. Une analyse de la répartition géographique des différents sites de conservation répertoriés révèle des caractéristiques spatiales propres à chacun des territoires étudiés, en lien avec l’histoire locale. Enfin, une analyse chronologique permet d’intégrer les images murales recensées aux grandes phases de l’histoire de l’art, tout en mettant en lumière les décors les plus emblématiques. La seconde partie du mémoire est dédiée à l’enquête iconographique à proprement parler. En forme de préambule, les différentes sources textuelles utilisées dans le cadre de cette recherche sont présentées. Elles ont été regroupées en trois catégories : les sources canoniques, les évangiles apocryphes et les textes médiévaux. L’analyse iconographique des différents thèmes qui composent la vie terrestre de la Vierge s’organise autour des trois séquences qui ont été déterminées : les épisodes qui précèdent la naissance du Christ (jeunesse de Marie et Incarnation), ceux de l’Enfance de Jésus (de la Nativité à Jésus parmi les Docteurs) et ceux de l’âge adulte du Christ dans lesquels Marie joue un rôle (des Noces de Cana à la Pentecôte). Cette analyse a pour objectif de déterminer les éléments constitutifs des différents thèmes iconographiques étudiés, de mettre en place une typologie propre à chacun, en soulignant les constantes et les points de rupture. La mise en exergue des liens qui existent entre les images et les sources textuelles constitue également un enjeu prioritaire de cette recherche. Des questions transversales, relatives au développement d’une iconographie proprement mariale, aux processus de diffusion des images, à la perception de la figure mariale comme un modèle édifiant et à l’étude du rapport entre les images et les textes ou leur emplacement dans l’espace ecclésial sont présentées sous la forme de réflexions conclusives. En parallèle, une sélection d’images murales de la vie terrestre de la Vierge, choisies pour leur exemplarité par rapport à l’argumentation de l’analyse, est présentée sous la forme de trois catalogues correspondant aux séquences narratives déjà évoquées. Ils s’accompagnent d’une bibliographie sélective concernant les différents sites de conservation présentés dans chacun des catalogues. D’autres outils bibliographiques sont mis à disposition dans un volume d’annexes. Un répertoire thématique, récapitulant toutes les images murales qui appartiennent à la documentation iconographique de l’étude, est également fournit en annexe
This thesis is devoted to wall images of the Virgin’s earthly life, an iconographic sequence composed of the young Mary’s history and episodes from Christ’s life which are related to the Virgin, until Pentecost. This research comes within the extended framework from the early Christian art to the Council of Trent. It is based on an abundant iconographic documentation which includes more than 2300 pictures, wall paintings and mosaics, preserved in France and Italy. The first part of the thesis is dedicated to the quantitative analysis of the iconographic documentation, according to a triple point of view. A thematic analysis identifies three phases in the chronological sequence of the Virgin’s earthly life, while specifying the quantitative importance of each of the studied iconographic themes. An analysis of the geographical distribution of different listed conservation sites reveals spatial characteristics which are specific to each territory studied, in connection with local history. Finally, a chronological analysis allows to integrate wall images from great phases of the art history, as well as to highlight the most emblematic decorations. The second part of the thesis is devoted to the iconographic investigation itself. As preamble, the various textual sources used in this research are presented. They are grouped into three categories : canonical sources, apocryphal gospels and medieval texts. The iconographic analysis of different themes about the Virgin’s earthly life are organized around three sequences : episodes preceding Christ’s birth (youth of Mary and Incarnation), those of Jesus’ Childhood (from the Nativity to Jesus among the Doctors) and those of adult Christ in which Mary plays a role (from Wedding at Cana to Pentecost). This analysis’ objective is to determine the different components of studied iconographic themes and to establish their specific typology, while stressing constants and breakpoints. The highlighting of the links between images and textual sources is also a priority of this research. Cross-cutting issues related to the development of Marian iconography itself, the process of images diffusion, the perception of the Marian figure as an edifying model and the study of the link between images and texts or their location in the ecclesial space are presented in the form of concluding reflections. In parallel, a selection of wall images of the Virgin’s earthly life, chosen according to the analysis arguments for their exemplary nature, is represented as three catalogues matching narrative sequences mentioned above. The selective bibliography on the various conservation sites is presented in each catalogue. Other bibliographic tools are provided in appendices volume. A thematic directory, listing all the wall images that belong to the iconographic documentation of the study, is also provided in appendix

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Côté, Mélanie. "La légende de Théophile dans l’occident médiéval (IXe-XVIe siècle) : analyse textuelle et iconographique." Master's thesis, Université Laval, 2014. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25592.

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Abstract:

La légende de Théophile est complexe et elle occupe une place privilégiée dans l’Occident médiéval. Elle est représentée dans plusieurs manuscrits et sur de nombreux vitraux. Elle est également sculptée sur les parois de quelques églises et elle bénéficie très tôt d’une vaste tradition textuelle. L’objectif de cette étude est d’analyser ce thème en l’articulant à la réalité historique, aux comportements humains, mais aussi en effectuant de continuels allers et retours entre les images, les textes et leur environnement. Ainsi, l’étude sérielle et relationnelle de cinquante images provenant de supports variés (manuscrits, vitraux, images sculptées), combinée à l’analyse de plusieurs textes, révèle la dynamique et l’inventivité des représentations de cette légende particulièrement entre le IXe et le XVIe siècle.

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Euzet, Claire. "Le musicalisme : une tendance de l'abstraction." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040135.

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Abstract:

La musicalisation de l'art est une idée qui s'impose au début du XXe siècle. Henry Valensi révèle pour la première fois au public "la loi des prédominances", le 3 novembre 1913, au cours d'une conférence intitulée "La couleur et les formes ou la musicalisation de tous les arts". D'autres peintres œuvrent selon des théories de correspondance entre les ondes sonores et les ondes lumineuses : "bleuisme" de Gustave Bourgogne, "rapports des sons et des couleurs" de Charles Blanc-Gatti, "émotivisme" de Vito Stracquadaini. Henry Valensi prend l'initiative de former, avec ces peintres, un groupe : "l'association des artistes musicalistes" (4 mars 1932). Cette association organise de nombreuses expositions, tant en France qu'à l'étranger. Au fil des années, de nombreuses peintres rejoignent le groupe. Les peintres musicalistes recherchent une méthode de composition apparentée à la composition musicale et aboutissent à une peinture abstraite autant que l'est la musique
The concept of musicalisation of art was introduced at the beginning of the XXth century. The 3rd November 1913, Henry Valensi revealed for the first time to the public, "La loi des prédominances", during a conference on "Colour and forms, or the musicalisation of all the arts". Other painters were working on theories of correspondence between sound and light waves: "bleuisme" by Gustave Bourgogne, "rapports des sons et des couleurs" by Charles Blanc-Gatti, "émotivisme" by Vito Stracquadaini. Henry Valensi eventually founded a group with these painters: "the circle of musicalist artists" (4th march 1932). This circle has organised numerous exhibitions in France as well as abroad and over the years, many painters have joined the group. Their aim has been a method inspired by musical composition resulting in a style as abstract as that in music

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Soulillou, Jacques. "La représentation du crime dans l'art aux 19ème et 20ème siècles." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010631.

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Abstract:

La reconnaissance d'une autonomie pénale de la création artistique au cours de la période moderne constitue l'énoncé central de cette thèse. Cette autonomie ne revêt cependant pas la forme d'un énoncé légal. La loi ne peut en effet, par principe, avaliser la prétention de l'art à vouloir échapper à son domaine de juridiction. La représentation du crime dans l'art et la littérature est posée en relation a ce chiasme : d'un cote l'art revendique et exerce de fait une autonomie pénale, de l'autre il voudrait voir cette différence avalisée endroit. C'est à l'intérieur d'une relation triangulaire entre l'art, le crime et la loi que la notion de représentation fait l'objet d'une réévaluation permanente. Au cours du 19eme siècle, l'émergence d'un ensemble de dispositions - élaboration de la juridiction moderne, formation de la notion d'avant-garde, consolidation de la fonction d'auteur - donnent à ces recherches leur profil théorique spécifique. Le plan veut refléter l'une des orientations théoriques principales mettant en exergue la valeur de fiction de la loi en ce sens que pour appréhender son objet elle doit préalablement le rabattre sur le fil d'une histoire.

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Badet, Muriel. "L'enlèvement : les mouvements du désir : ses représentations dans l'art occidental, de la Renaissance au XXe siècle." Paris, EHESS, 2002. http://www.theses.fr/2002EHES0075.

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Abstract:

L'analyse se fixe sur un vaste choix d'œuvres et de textes littéraires ; ils constituent le corpus de départ. Leur confrontation permet d'étudier les enjeux de la représentation de l'enlèvement. Sans objectif chronologique, mais orientant le choix sur les enlèvements amoureux, la première interrogation se porte sur l'étymologie du terme " enlèvement " et ses diverses acceptions – du rapt (proche du viol) au ravissement (voisin de l'extase mystique). Se dégage une série d'actions comme emporter, soulever, déplacer. Les bouleversements et les élans antinomiques du désir sont figurés par la dynamique de l'enlèvement. Lorsqu'il est passion, l'enlèvement propose des images de traques amoureuses, de fièvres bestiales ; lorsqu'il est stratégies, la représentation arrête le mouvement et se concentre sur la présence de complices ou sur des signes permettant de déceler le piège dans lequel va tomber la victime. Par ailleurs, il apparaît, avec les exemples d'hommes enlevés par des femmes, que le désir est subit plutôt que décidé. La position de domination s'inverse pour celle de dominée. L'enleveur ne semble pas avoir d'autre alternative que de s'emparer du corps convoité. De même, bien plus que la mobilité, l'immobilité devient l'indice de l'émotion. Cette essentielle combinaison de la volonté et de l'apathie touche l'enlevée lorsqu'elle choisit de se laisser enlever. L'inertie figure le consentement et va jusqu'à l'image du ravissement où le corps est terrassé, où l'âme se pâme et s'envole dans une expression d'infinie jouissance. Déplaçant l'analyse vers la pratique sociale, nous constatons que si les enlèvements sont réprimés, les représentations articulent malgré tout l'imaginaire et la symbolique érotique du thème aux lois des alliances matrimoniales, à des discours panégyriques ou hégémoniques
This study is based on a wide range of works and texts which provide the starting point. Their comparison allows to study the stakes of abduction representation. There is no chronological objective, but choosing the love abductions, the first question refers to the etymology of the term “abduction” and its various meanings, from rape to rapture. A whole series of actions follow such as to take away, to lift up, to move. The disruptions and contradictory impulses of desire are represented by the dynamic of abduction. When there is passion, the image used are those of amorous pursuit, brutal fevers; when it is strategic, the representation changes, and concentrates on the presence of accomplices or signs indicating the trap into which the victim will fall. The movement is stopped. In the examples of men abducted by women it would appear that desire is suffered rather than voluntary. The position of domination is reversed for the dominated. The only choice left to the abductor is to grabe the object of desire. At the same time, inertia rather than activity is the emotion's signal. The main combined of power and apathy affect the woman when she has decided to be abducted. The apathy represents and agreement and leads to the abduction, where the body is overwhelmed and where the soul swoons and flys away with a feeling of unlimited pleasure. Moving the study to the social experience, we notice that if abductions are punished, their representations mix the erotic symbol of the subject with the wedding rules, and with panegyric or hegemonic speeches

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Dewaël, Stéphanie. "Splendeur, décadence et rémission : la représentation du Fils Prodigue dans la peinture et les arts graphiques à Anvers (1520-1650)." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040109.

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Abstract:

Alors que la parabole du Fils Prodigue fut un support aux vives controverses religieuses du XVIe siècle qui touchèrent Anvers, les productions artistiques (peintures, gravures, dessins) restituèrent une image plus consensuelle de cette histoire. Au lieu de matérialiser les nombreuses exégèses théologiques (contradictoires) sur le message du Christ, les artistes préférèrent puiser dans la culture profane (comme les pièces de théâtre) et mettre l’accent sur la scène de la dissipation avec les courtisanes ou insister sur des détails triviaux.Cette thèse étudie les nombreuses raisons qui les ont conduits à de tels choix (poids de la censure, recherche d’une vaste clientèle, flatterie du spectateur…) et analyse les choix de mise en scène, épisode par épisode. Elle démontre comment les ateliers d’artistes ont reproduit des formules répétitives ; comment les choix iconographiques favorisèrent tour à tour la méditation spirituelle, la délectation visuelle ou les pensées condescendantes envers autrui
While the parable of the Prodigal Son was a support in the deep religious controversies which affected Antwerp during the 16th century, the artistic productions (paintings, prints and drawings) gave back a more consensual image of this history. Instead of representing the numerous contradictory theological exegeses about the message of Christ, the artists preferred to drawn their inspiration from profane culture (as plays) and to emphasize the scene of the waste with the courtesans or to insist on everyday and coarse details.This thesis studies the numerous reasons which led them to such choices (weight of censorship, search for a vast clientele, flattery of the spectator…) and analyses the choices of setting, episode by episode. It demonstrates how artist studios reproduced repetitive formulae and how the iconographic choices facilitated alternately the spiritual meditation, the visual enjoyment or the condescending thoughts to others

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Sansy, Danièle. "L'image du juif en France du nord et en Angleterre du XIIe au XVe siècle." Paris 10, 1994. http://www.theses.fr/1994PA100035.

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Abstract:

L'imaginaire du juif en France du nord et en Angleterre, aussi bien dans les textes que dans les représentations figurées, s'articule entre le douzième et le quinzième siècle autour de deux figures principales : le meurtrier du christ et l'infidèle. La responsabilité des juifs dans la crucifixion du christ est sans cesse réaffirmée, réactualisée dans les accusations de meurtre d'enfants chrétiens qui apparaissent en Angleterre et en France dans la seconde moitié du douzième siècle, puis, à partir du milieu du treizième siècle, dans des accusations de profanation d'hostie, en particulier lors du miracle des billettes de 1290. Au fur et à mesure que se développe la dévotion au christ souffrant, le juif est peint de plus en plus comme le bourreau du christ, prenant vie sur la scène des mystères de la passion de la fin du Moyen Age. En tant que non-chrétien, représentant de l'ancienne loi, le juif est conçu comme l'enfant de la synagogue, source permanente de blasphème au sein d'une société chrétienne. Il devient une figure emblématique de l'infidélité, de préférence au musulman, mais ne semble pas avoir été perçu comme un réel danger d'apostasie ou d'hérésie. Les associations entre le juif et le diable demeurent limitées, même si certains attributs iconographiques du juif puisent dans l'iconographie diabolique. L'étude des déformations physiques et des écarts vestimentaires (les signes distinctifs et les couvre-chefs) dans les représentations figurées confirme l'absence de portrait type du juif
The imaginary of the Jew in northern France and in England, as well in the texts as in the pictures, is represend from the twelfth to the fifteenth century by two main figures: the murderer of Christ and the infidel. The Jew’s guilt of Christ’s crucifixion is alleged and repeated in the allegations of christian children murders which occur in the second half of the twelfth century and in the charges of host desecration, particularly in the miracle of billettes in 1920. As the devotion to the suffering Christ is increasing, the Jew is described as Christ’s torturer, becoming a character of the passion plays in the end of the middle ages. As a non-christian, the Jew is considered as synagogue's child and as a permanent source of blasphemy within the Christian society. He becomes an emblematic figure of the infidelity, more than the Saracen, but he is not considered as a real danger of apostasy or heresy. Surprisingly, the associations between the Jew and the devil are very exceptional, even if some iconographic attributes of the Jew come from those of the devil. The study of the physical distortions, the clothing differences, the Jewish badge, and the headdress in the pictures confirms that there is not a typical representation of the Jew

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Guerber-Cahuzac, Chloé. "Le corps réinventé : sens et enjeux de la modélisation du corps humain par le cinéma." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030033.

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Abstract:

Soumis au récit, le corps au cinéma est souvent réduit à des actes, à des symboles lisibles. Pour réapparaître, il doit s'insurger contre les règles de la fiction et devenir " un corps contre ". Cette réinvention est conditionnée par la spécificité analogique du médium. Pour distinguer les particularités du corps filmé et les enjeux de sa modélisation, nous évoquons la chronophotographie, l'anthropologie visuelle, la sculpture, la peinture et la danse. Notre approche esthétique intègre ainsi des dimensions historique, culturelle, anthropologique et éthique. Puis, quatre cas précis illustrent la construction du corps contre la narration : le personnage keatonien ; le modèle hollywoodien façonné par la censure des années trente ; le motif du corps fragmenté dans le cinéma français des années soixante ; le corps épuisé chez John Cassavetes. Peu à peu, des croyances se dessinent rappelant que toute réinvention du corps relie univers singulier, imaginaire collectif et statut du médium
Subordinated to the narrative, the body in cinema is often reduced to actions, to legible symbols. To reappear as itself, it must revolt against the rules of fiction and become "an opposing body. " This reinvention is governed by the analogical specificity of the medium. To distinguish the particularities of the filmed body and of its modeling, we evoke time-lapse photography, visual anthropology, sculpture, painting, and dance. Our aesthetic approach thus integrates historical, cultural, anthropological, and ethical dimensions. Then, four specific cases illustrate the construction of the body against the narration : the Keatonian character ; the Hollywood model resulting from censorship in the 1930s ; the motif of the fragmented body in the French cinema of the 1960s ; the exhausted body filmed by John Cassavetes. Little by little, concepts emerge to remind us that all reinventions of the body bring together a singular universe, a collective imagination, and the status of the medium

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Tempestini, Isabelle. "De l'icône au portrait : le visage dans la peinture russe." Paris, INALCO, 2001. http://www.theses.fr/2001INAL0012.

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Abstract:

Le visage occupe une place privilégiée dans la peinture russe. Il marque l'art de l'icône tout comme celui du portrait. Son image, sous une forme idéalisée, est présente dans la peinture religieuse ancienne dont les traditions se perpétuent jusqu'à nos jours. La peinture profane apparaît en se détachant progressivement de l'art sacré. Elle est longtemps dominée par le portrait. La thèse est divisée en trois parties. Une analyse des premières effigies, nommées parsuny dès la fin du seizième siècle et au début du dix-septième siècle, montre les liens mutuels qu'elles entretiennent avec l'icône dans le contexte des ateliers du Palais aux Armures du Kremlin. Les princes et les tsars se font représenter les premiers, relayés ensuite par la noblesse. Cette dernière introduit les modes occidentales. On note cependant des résistances dans la peinture provinciale jusqu'au milieu du XIXe siècle. La seconde partie est consacrée à l'étude de l'influence de l'icône et de la parsuna sur le portrait provincial, dit aussi "de marchand". Marchands, paysans aisés ou Vieux-Croyants, pénétrés de culture religieuse, se montrent dans des poses hiératiques, où le visage, sans expression, émerge d'un costume aux couleurs tranchées. Ce type d'image est proche des oeuvres ultimes de Malévitch des années 1930, peintes au moment où les artistes de l'avant-garde redécouvrent leurs propres racines. Ainsi, la troisième partie asssocie les derniers portraits de l'artiste du XXe siècle à la culture religieuse et populaire russe, révélant une continuité dans l'art de ce pays
The face has a privilegied place in Russian painting. It defins the art of icons as well as portraits. Its image, in idealised form, is present in ancient religious painting whose ideas have been followed up to this day. Secular art emerges, progressively breaking away from sacred art, and is constantly dominated by the portrait. The thesis is divided into three parts. An analysis dedicated to early portraits known as parsuny, at the end of the sixteenth and begining of the seventeenth centuriees, shows the links which bind together these effigies with icons in the Kremlin's Armoury Palace. Princes and tsars are the first to get themselves represented, followed by the nobility, who introduced western styles. However, some resistance to these changes can be seen in provincial painting until the first half of the nineteenth century. The second part studies the influence of icon and parsuna on provincial portraiture also called "merchant portraiture". Merchants, rich farmers or Old Believers filled with religious piety commissionned representation of themselves in hieratic postures with expressionless faces emerging from their bright costumes. This type of picture is close to Malevich's ultimate pieces in the thirties, at the time when avant-garde artists went back to their roots. So the third part associates the artist's latest portraits with Russian religious and popular culture, revealing a continuity in Russian art

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Feuillet, Isabelle. "La danse du peintre : essai d'analyse d'une pratique picturale." Rennes 2, 1998. http://www.theses.fr/1998REN20032.

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Abstract:

Nous proposons une analyse comparative entre une forme de pratique picturale et la danse contemporaine. L'approche progressive pose en premier lieu la question du modèle et de l'altérité. Le modèle classique est analyse dans son rapport au peintre, ainsi que le modèle danseur. C'est la présence/absence du modèle danseur qui retient notre attention. L'essentiel de ce que le corps dansant véhicule : la tension, l'énergie, le dessin tentera d'en être le dépositaire jusqu'aux limites de la représentation. A l'oppose de l'image de l'homme de tête, de la mesure, nous tentons l'immersion dans la pratique d'un degré zéro de l'écriture. Le tableau devient plateau. Etre en scène puis 'ob-scene', c'est être immerge dans la peinture tout en s'en dégageant, c'est pour le danseur se sentir danser tout en éprouvant la sensation de se voir danser. Le corps paradigmatique ne tranche plus entre une partie noble et une partie inférieure, celle de l'instinct et du pulsionnel. Le 'corps-entre' trouve sa place entre fondation et ruine. Il s'agit pour le peintre de définir un point de stabilité, un centre qui est chez le danseur, à la fois un lieu de quiétude et de turbulence. L'espace pictural ramène aux dimensions d'une scène est un lieu de dépense, ou faire et défaire est la condition de l'instauration de la peinture. C'est l'arrachement au modèle en tant qu'objet de désir qui provoque l'irresponsabilité de l'acte et crée la véritable rencontre avec la danse
We propose a comparative analysis between a form of pictural practice and contemporary dance. The progressive approach sets in a first place, the problem of the model and otherness. The classical model is analysed in its relation to the painter along with the dancer model. It is the presence / absence of the model which draws our attention here. The drawing will endeavour to assimilate all the tension and energy a dancing body can convey, and so to the limits of representation

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Richard-Jamet, Céline Catherine Jeanne. "Les galeries de "femmes fortes" dans les arts en Europe au XVIe et au XVIIe siécles : une étude iconographique comparative." Bordeaux 3, 2003. http://www.theses.fr/2003BOR30061.

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Abstract:

Héritées du thème des Neuf Preuses, les séries de femmes fortes connaissent un essor important en Italie, puis en France, et se diffusent en Europe au XVIe et au XVIIe siècles. Ces séries ou galeries sont constituées d'héroi͏̈nes, incarnant des vertus précises, qui s'inspirent des qualités féminines, louées par Salomon, dans La femme de caractère, tirée de ses Proverbes. Ces cycles ne s'élaborent qu'après les séries d'hommes illustres, comme pendants, puis acquièrent une autonomie propre. Ils recouvrent diverses fonctions, selon les pays, les époques : en Italie, les premières séries ont une fonction mémoriale, commémorative, puis édifiante, par le biais des cassoni, qui éduquent la jeune épouse ; en France, elles permettent de légitimer l'accession au trône d'une régente et de conforter son pouvoir, procédé réutilisé par les cours hollandaise, florentine et viennoise. L'Espagne privilégie les femmes de la Bible et inonde ses églises de cycles sculptés ou peints sur miroir, destinés à édifier le fidèle ; les séries belges éduquent les moniales, les séries gravées hollandaises encensent la femme au foyer, alors que l'Angleterre semble se démarquer. Reines, femmes de la Bible et amazones apparaissent de manière récurrente dans les séries, au détriment des vestales, des saintes. On jette l'opprobre sur les héroi͏̈nes les plus irréprochables, on justifie les actes des plus barbares ; certaines ne sont pas exemptes d'un certain érotisme, d'une sensualité avérée, faussant ainsi l'image de l'héroi͏̈ne et déformant ses exploits
Originating from the Nine Worthies theme, from them they sometimes adopt the distribution, the Strong Women series blossom as early as the 15th century in Italy, then spread to France and the rest of Europe in 16th and 17th century. These series or galleries, constituted by heroines embodying precise virtues, are inspired by feminine qualities as praised by Salomon in "La femme de Caractère", extracted from his book "Proverbes". They are created only after the "hommes illustres" series, as counterparts, and later acquire their own autonomy. These cycles cover diverse functions depending on the country, the time period : in Italy, the first series serve the function of memory, they are commemorative, then they become edifying, through the cassoni who educate young wives ; in France, they allow to legitimate a regent accession to the throne and to support her power, process who was copied by the Dutch, the Florentine and Viennese court. Spain focuses on women from the Bible and fills its churches of cycles sculpted or painted on mirrors, destined to edifying the faithful ; the Belgium series educate the monks ; the Dutch engraved cycles praise women at home, whereas England seems to be apart. Queens, women from the Bible and amazons appear recurrently in series, to the detriment of vestals and saints. The most irreproachable heroines are disgracied, the most barbaric acts are justified

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Nzondo, Léonard. "La poétique romanesque de Michel Rio : essai sur l'oeuvre romanesque de Michel Rio." Clermont-Ferrand 2, 2003. http://www.theses.fr/2003CLF20014.

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Abstract:

Distante des modes et des courants majoritaires, l'oeuvre romanesque de Michel Rio se situe entre la littérature et la philosophie, l'art et la science. Cette thèse donne les moyens de pratiquer une lecture ouverte de cette oeuvre, ouverte à ses enjeux théoriques et aux thèmes (art, érotisme, dandysme, mélancolie, mort) qui la structurent. En débordant le champ littéraire spécifique, en opérant des rapprochements interdisciplinaires, l'oeuvre de Michel Rio revisite un rêve fondateur de la littérature, celui de l'unité du savoir. Cette oeuvre déploie un vaste et complexe système de personnages récurrents et fait de la description une composante textuelle essentielle. L'oeuvre de Michel Rio revisite également la légende arthurienne à travers la réécriture du mythe de Merlin, Morgane et Arthur. Cette réappropriation de la légende arthurienne opère un décalage historique ; elle transplante la légende dans la Bretagne du IVe et Ve siècle et non pas au XIIe siècle comme le veut la tradition littéraire. Cette libre réécriture confère à la légende une dimension poétique nouvelle
Far to the fashions and the main trends, the Michel Rio's romanesque work takes place among literature and philosophy, art and science. This doctoral thesis gives the means to achieve an open reading of this work, careful to its theorical stokes and its topics (art, eroticism, dandysm, melancholy, death). Overstepping the field of literature, working about interdisciplinary approaches, Michel Rio's romance rexamine a founding dream of literature. Michel Rio's work also reconsider the arthurian legend through the rewriting of Merlin, Morgan and Arthur's Myth. This appropriation bring forward Arthur's legend in the history. It transposes the legend in the Brittany of the IVth and the Vth century and not the XII one, as usual in literary tradition. This free analysis givens an new poetic dimension to the legend

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Limardo, Elisabetta. "Esther : motifs iconographiques chrétiens et juifs XVIe-XVIIe siècles." Paris, EPHE, 2002. http://www.theses.fr/2002EPHE5009.

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Abstract:

La thèse se compose de trois parties. La première contient un état de la question critique des recherches, juives et chrétiennes, sur Esther. La deuxième partie comprend l'analyse des sources bibliques - Bible dite des Septante, Vulgate, Targumim - des sources post-bibliques - Flavius Josèphe, Midrashim et Josippon - et un approfondissement sur le livre d'Esther dans l'exégèse chrétienne et hébrai͏̈que. La troisième partie développe les thèmes historique et iconographique. La problématique historique est axée sur le marranisme, phénomène qui peut être envisagé à la fois comme la cause et l'effet des entrelacs culturels juifs et chrétiens dans l'iconographie. L'étude iconographique rapproche un certain nombre de cycles, affronte les problèmes d'interprétation de l'histoire et en analyse les valeurs symboliques. Elle se complète par une analyse spécifique d'un cycle français, dessiné par Antoine Caron et gravé par Denis de Mathonière (1572-1582). Une ample bibliographie, les planches des images, deux annexes composées d'une table comparative des cycles choisis et d'une série de tables iconographiques complètent l'ouvrage
The thesis is composed by three parts. The first contains a state of the art of the Jewish and Christians researches about Esther. The second part consist of the analysis of the biblical sources - Bible of the LXX, Vulgate, Targumim -, of the post-biblical sources - Flavius Josephus, Midrashim and Josippon -, and a chapter about the book of Esther in the Christian and Jewish exegesis. The third part develops the historical and iconographical themes. The historical background is focused on the phenomenon of the Marranos, that may be considered as the cause and the effect of the presence of Jewish and Christian elements in the same image. The iconographical study is focused on a certain number of cycles ; it faces the problems of interpretation of the story of Esther and analyses its symbolical values. It is completed by a specific analysis of a French cycle, drawn by Antoine Caron and engraved by Denis de Mathonière (1572-1582). The work is completed by an ample bibliography, a series of representative images and two annexes containing a comparative file of the chosen cycles and a series of iconographical datas

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Aubert, Alain. "Propositions pour une "scenaristique" : "l'intrigue scenarique"." Paris 3, 1996. http://www.theses.fr/1997PA030023.

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Abstract:

Dans la scenarisation de film, se trouve "l'intrigue scenarique". Pour l'etudier, on situe la scenarisation dans l'ensemble du cinema. Celui-ci se divise en dix sous-territoires determinant le scenario. Ceci constituera l'environnement exterieur general de l'intrigue. On subdivise ensuite la scenarisation elle-meme en huit polarites. Outre sources et enquete, on peut distinguer : idee, problematique, scheme, personnage, intrigue, spatialisation, temporalisation, dialogue ceci constituera l'environnement interne specifique de l'intrigue. On abordera alors valablement l'analyse de "l'intrigue scenarique". Elle est d'abord faite d'une matiere du contenu que l'on peut voir comme constituee de bassins semantiques (de la "loi" au "destin"). Ensuite, elle semble se conformer a une meme forme de l'expression ou schema ternaire existentiel oblige (situation-action-situation). Puis elle se manifeste grace a sa propre matiere de l'expression, non pas d'emblee des personnages, mais quatre axes d'interactions, socio-economiques, structurales, dramaturgiques, socio-psychiques. Enfin elle se soumet a certains modes de la forme de l'expression, (logique, vraisemblable, dramatisation, satirisation, ou leur refus). En liant l'ensemble au decoupage et a la double-lecture du script, on entrevoit alors les premiers fondements d'une "scenaristique"
The "scenaric plot" can be found in film scenarisation. In order to study it, we will situate scenarisation in cinema as a whole. Cinema is divided into ten sub-territories that determine the scenario. This will constitute the general environment of the plot. We can then subdivide scenarisation in eight polarities. Besides sources and investigation, we can distinguish : idea, problematic, scheme, character, plot, spatial organisation, timing and dialogue. This will constitute the specific internal environment of the plot. We will then validly deal with the analysis of the "scenaric plot". In the first place, it is made of matter of "contents", which can be seen as composed of "semantic basins" (from "law" to "destiny"). Secondly, it seems to conform to a same form of expression, or obliged ternary existential scheme (situation-action-situation). Then it comes out, thanks to its own matter of expression, not the characters, but four axis of interactions: socio-economical, strutural, dramaturgical, and socio-psychic. At last, it complies with certain modes of the form of expression (logic, credibility: dramatization, "satirisation"). We then can foresee a "scenaristic"

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Magne, Elisabeth. "Les cuisines de la création : approche anthropologique et esthétique de l'alimentaire dans l'art." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030072.

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Abstract:

De l'antiquite l'histoire de la nature morte commente comme un exploit l'anecdote des raisins peints par zeuxis, raisins si vraisemblables que les oiseaux, abuses, vinrent les picorer. Pour pieger le regard, l'artiste a toujours use de la nourriture comme d'un appat supreme sollicitant ainsi le regard, la main et tous les sens gourmands. Une connivence implicite et jamais dementie s'est peu a peu tissee entre maitres de l'illusion et provisions de table. Natures mortes, cuisines et repas ont alimente les images de l'histoire de l'art. Mais l'origine domestique du theme, ses liens trop charnels avec le corps, avec la digestion, avec la matiere ont entache ses representations ; tenue en pietre estime et donc quelque peu servile, la "peinture du culinaire" a subi silencieusement les assauts des interrogations plastiques. Car c'est dans ce declassement meme, dans cette jachere apparemment vierge de tout grand dessein, qu'ont semble germer de nouveaux modes d'emergence de l'image. Peinture de bouches a rassasier, de ventres a satisfaire, de digestions a venir ; peinture travaillee par le caractere a la fois fecond et ephemere de la nourriture ; peinture de la vie et de la mort toute proche, du plaisir et de l'excrement ; le theme a contamine ceux qui s'y sont adonnes, installant son propre proces au coeur d'une pratique picturale. Et l'on decouvrira, dans cette liberte octroyee aux sans grades, les outils d'un remaniement profond des positions esthetiques
From antiquity on, the history of still life has ranked very high the anecdote of the grapes painted by zeuxis which were so true to life that some birds, thinking they were real, pecked at them. To capture the eye, painters have always used food as bait, which as the utmost balt, appeals to the eye, the hand and all of the greedy senses. An implicit and never failing complicity has been progressively woven between the masters of illusion and provisions. Still lives, cooking and meals have nourished the images of art history. However, the domestic origin of the theme and its coverly carnal links with the body, digestion and with all that is material, have spoilt its representation. Culinary paintings, therefore, held in lowly estime, slavishly went through all sorts of art experiments. It is in this very downgrade into the wasteland, apparently devoid of any ambitions, that new picturial modes have seemed to germinate. Paintings of mouths eager to eat, of bellies avid for food, of digestions to come ; paintings shaped by the very fertile and transient nature of food. The theme of life and of near death, of pleasure and of excrement has contamined those who have indulged in it, setting up its own process at the very heart of a style of painting. In this freedom granted to the low ranked, the tools for a profound reshuffling of aesthetic landmarks will be discovered

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Forbrig, Karsten. "« Il y a derechef : encore une fois : seulement le théâtre » : recycling et covering dans l'oeuvre théâtrale de Werner Schwab." Nantes, 2013. http://www.theses.fr/2013NANT3033.

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Abstract:

« Excédent de poids, insignifiant : amorphe », « extermination de peuple ou mon foie n'a pas de sens », « Pornogeographie » ou « La Ravissante Ronde d'après La Ronde du ravissant Monsieur Arthur Schnitzler »- les titres de ses textes de théâtre annoncent bien la couleur. L'image du provocateur cynique, que Werner Schwab s'est fabriqué, a largement contribuée à son succès théâtral pendant les années 1990. L'auteur autrichien est parvenu à réaliser ce qu'il a appelé son « idée perverse du sauvetage de théâtre » grâce à la réutilisation des objets trouvés autant dans la presse quotidienne que dans al « déchetterie merveilleuse » du théâtre existant. A travers un processus de travail basé sur le recycling et le covering de ces matériaux, Schwab a construit sa propre langue hétérogène qui lui sert de défibrillateur pour « la chose la moins drôle qui existe ». A travers cette monographie, nous proposerons une perspective sur les textes de Werner Schwab qui se concentre sur son entreprise de « sauvetage du théâtre », c'est-à-dire le recycling et covering des éléments de théâtre et le discours métathéâtral qui en découle. Nous montrerons comment cette stratégie de recyclage vise à créer ce qu'on pourrait appeler une théâtralité de la subversion qui réanime l'objet de sa critique.

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Oh, Jin-Kyeong. "La répétition d'images et d'objets du dadaïsme au pop art (des années dix aux années soixante)." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010597.

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Abstract:

La répétition d'images et d'objets est un phénomène remarquable qui apparait avec constance dans l'art depuis le début du XXème siècle. Nous pouvons définir trois grandes catégories d'œuvres dans lesquelles la répétition d'images et d'objets prend une fonction bien précise. Il y a en premier lieu la signification iconographique de la répétition due à l'intégration des techniques de reproduction liées à la société industrielle ; en second lieu, l'aspect formel de la répétition d'images ou d'objets figuratifs et concrets dont l'effet va vers l'abstraction ; et enfin l'effet psychologique produit par la répétition : un sentiment d'étrangeté, d'angoisse et d'obsession provoque par les artistes qui simulent volontairement l'état irrationnel. La répétition la plus stéréotypée et dépersonnalisée sert paradoxalement aux artistes modernes a varier les styles et à rechercher leur propre langage artistique; malgré la répétition, tant qu'il y aura l'esprit d'innovation et la volonté de faire des recherches, des expérimentations esthétiques et plastiques, les œuvres d'art auront toujours une valeur originale et unique
The repetition of images and of objects is a remarkable and constant phenomenon in the modern ar. We can define three categories of works of art in which the repeated images and objects appear. First, the iconographical significance of the repetition due to the techniques of reproduction connected with the modern industrial society ; second, the formal abstract effect of the repeated figurative images or objects ; third, psychological effect of the repetition : feelings of strangeness, anguihs and obsession. In modern art, the artists use the monotonous repetition to search for their own artistic language and to prodduce, paradoxically, a variation of style. Even though it is a matter of the stereotyped and depersonalized repetition, as long as there is a will of artists to pursue the aesthetic and plastic investigations and experimentations, the works of art will always have the value of originality and of uniqueness

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Ansen, Selen. "Aux confins du corps : le monstrueux : (esthétique du corps et de l'informe dans le 7e Art." Strasbourg 2, 2001. http://www.theses.fr/2001STR20058.

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Abstract:

La présente thèse propose une réflexion sur la représentation de la monstruosité au cinéma en questionnant le rôle potentiel que revêt la monstruosité dans l'émergence de la corporéité. Considérant l'expression de la monstruosité, elle se propose de la prendre en compte à travers l'étude de deux figures principales du monstre- le monstre naturel et le monstre moral- et de leur mise en scène dans un corpus d'oeuvres constitué par les films : "Freaks" de Tod Browning, "Elephant Man" de David Lynch, "Dead Ringers" de David Cronenberg, "Les yeux sans visage" de Georges Franju et "M" de Fritz Lang. Si le cinéma rend l'homme visible, l'appréhende et le réinvente en le figurant, il révèle non seulement l'humain mais l'inhumain. La présence des monstres au cinéma témoigne de cette intérêt à l'égard de l'inhumain tout en introduisant la représentation de corps ainsi que d'êtres qui bouleversent les normes et les canons édictés. . .

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Foucher, Stéphanie Gabrielle Dominique. "Le décor sculpté cistercien d'inspiration végétale dans l'Ouest de la France : XII-XIVe siècles." Poitiers, 2003. http://www.theses.fr/2003POIT5018.

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Abstract:

Le répertoire sculpté des abbayes cisterciennes médiévales est très souvent perçu comme présentant une certaine unité, généralement simplement définie par des motifs sobres exclusivement d'inspiration végétale. Un inventaire complet des supports cisterciens au sein d'une zone correspondant au grand ouest de la France a permis de mener une analyse approfondie du corpus sculpté cistercien d'inspiration végétale romane ou gothique. En analysant indépendamment les supports, les motifs, les compositions ou les rapprochements avec des répertoires non cisterciens locaux, il a été possible de discerner différentes caractéristiques contribuant à définir précisément le décor sculpté cistercien médiéval d'inspiration végétale
The inventory of sculptures from medieval cistercian abbeys is very often perceived as offering a unity typically defined by simple motifs exclusively based on vegetal representation. A complete inventory of cistercian supports inside a zone corresponding to greater Western France has allowed to conduct a detaile analysis of the sculptures cistercian corpus of vegetal inspiration of the roman or gothisc area. An independant analysis of the supports, motifs, compositions and comparisons with local non cistercian repertories has made it possible to identify the characte stics wich have contributed to define with precision the medieval sculptured cistercian decor of vegetal inspiration

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Peri, Francesco. "Art des nerfs, nerfs d’artiste. Modernité et maladies nerveuses dans la littérature française et allemande, 1865-1914." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA025.

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Abstract:

Sur la base d’un examen combiné d’ouvrages médicaux, scientifiques, littéraires et critiques, ce travail développe une généalogie transnationale de la notion de Nervenkunst (« art des nerfs »). À partir d’une reconstitution des origines françaises des discours sédimentés dans cette catégorie (ainsi que de leurs sources prérévolutionnaires et antiques), on démontre que l’idée d’un lien génétique entre l’écriture et le système nerveux, dont on a fait jusqu’ici une particularité de la littérature autrichienne des années 1890, peut-être une préfiguration de la psychanalyse, constitue, en réalité, l’aboutissement d’un système d’échanges et de transformations échelonnés sur plusieurs siècles, et dont les trajectoires convergent à l’époque du naturalisme. La première partie est consacrée à l’invention des « nerfs modernes », soit à une histoire culturelle des imaginaires du système nerveux avant et après 1789. La deuxième partie décrit la formation d’une idée de l’écrivain des nerfs à l’époque du Second Empire et de la Troisième République naissante (à partir notamment de l’œuvre des frères Goncourt). La troisième partie s’interroge sur la germanisation de ces contenus : comment tout cela est passé dans les pays de langue allemande entre 1870 et 1890, à un moment où les rapports avec la France étaient problématiques ? La réponse passe par un système de transferts et de regards croisés qui implique l’Autriche et la Scandinavie
Based on a cross-examination of medical, scientific, literary, and critical materials, this work attempts a transnational genealogy of the concept of Nervenkunst (“art of the nerves”). Through a historical reconstruction of the French origins of the discourses that coalesce in that category (and a survey of their prerevolutionary and ancient sources), our research proves that a genetic connection between the writer’s craft and the nervous system is neither a peculiarity of Austrian literature in the 1890s nor a premonition of psychoanalysis, but the product of a system of exchanges and transformations that span several centuries, to converge in the years of early Naturalism. The first part chronicles the invention of “modern nerves”; in other words, it offers a cultural history of the neurological imagination before and after 1789. The second part describes the genesis of an idea of the nervous author during the Second Empire and the early Third Republic (focusing on the work of the Goncourt brothers and their entourage). The third part deals with the germanization of these originally French contents: how did these notions take root in the German-speaking world at a time (1870-1890) when Berlin’s relations with Paris were problematic at best? The answer lies in a system of cultural mediations and mutual perceptions that involves, among other things, Austria and Scandinavia

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Schaub, Nicolas. "L'Armée d'Afrique et la représentation de l'Algérie sous la Monarchie de juillet." Strasbourg, 2010. http://www.theses.fr/2010STRA1021.

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Abstract:

Quel corpus d’images ont constitué les artistes qui ont accompagné l’armée d’Afrique après la conquête d’Alger en 1830 et comment l’ont-ils réalisé ? Quelle a été la circulation de ces images ? Dans quelle mesure ont-elles joué un rôle majeur dans la constitution de l’orientalisme européen au XIXe siècle ? Telles sont les questions auxquelles nous avons voulu répondre dans cette thèse. Entre 1830 et 1850 la conquête militaire et politique de l’espace algérien s’accompagne de la diffusion de créations textuelles et visuelles (estampes, dessins, peintures, photographies et sculptures) qui modèlent ce territoire. En quelques décennies, un déploiement de représentations et de formes contradictoires, relativement autonomes, atteint le public européen. La circulation de ces motifs orientalistes profite de l’expansion des procédés industriels dans le domaine des productions visuelles. Ces images sont chargées d’affects qui investissent jusqu’ à aujourd’hui nos différents regards. Comprendre la genèse de ces images suppose d’interroger les rapports complexes entre producteurs de formes artistiques et autorités militaires et politiques qui imposent le nouveau cadre colonial en Algérie. La plupart des artistes à qui l’on doit les images les plus fortes dans la culture visuelle du XIXe siècle se sont en effet enrôlés aux côtés des militaires. Il a fallu retracer le parcours des créateurs qui ont rapporté d’Algérie leurs expériences les plus proches du terrain, élaborant des représentations qui appartiennent certes aux fantasmes « orientalistes », mais reposent aussi sur des perceptions de la réalité
Many artists followed the Army of Africa after the conquest of Algiers in 1830. What corpus of pictures did these artists constitute and how did they achieve it? How did these pictures get around? To what extent did they play a role in the formation of the European orientalism during the XIXe century? These are the questions we wanted to answer in this thesis. Between 1830 and 1850 the military and political conquest of the Algerian space comes with the diffusion of textual and visual creations (engravings, drawings, paintings, photographs and sculptures) that shaped the algerian territory. In a few decades, a spreading of contradictory and relatively autonomous representations reached the European public. The circulation of these orientalist features took advantage of the expansion of the industrial processes in the domain of image-making. The affects carried by these pictures influenced our gaze durably, and are still active today. Any understanding of the genesis of these pictures implies a review of the complex relationships between image-makers, and military or political authorities that imposed the new colonial setting in Algeria. Most artists to whom one owes the strongest pictures of the XIXe century visual culture were themselves enlisted among the soldiers. This work argues that it has become a necessity to trace back the path of these artists and image-makers that returned from Algeria with their experiences of the land, elaborating representations that belong without any doubt to the ‘orientalists’ fantasies, but also rest upon a particular perception of reality

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Lagou, Ioanna. "L'iconographie de l'enfance dans l'aire byzantine à l'époque des Paléologues." Paris, EPHE, 2009. http://www.theses.fr/2009EPHE5026.

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Abstract:

Cette thèse traite l’iconographie de l’enfance à travers l’image de trois types d’enfants : l’enfant impérial, l’enfant noble et l’enfant anonyme. Les deux premiers apparaissent souvent dans des portraits familiaux ; l’image de l’enfant anonyme est étudiée dans certaines scènes christologiques, dans la représentation des enfants auprès de saints personnages ou encore dans des scènes inspirées par la liturgie. Le statut de l’enfance est brièvement étudié dans le premier chapitre, tandis que les deux chapitres suivants analysent la présence des enfants dans l’imagerie, tous supports confondus, à l’aide de divers exemples, et le cas échéant, à l’aide des témoignages textuels de l’époque. Certains exemples ont plus longuement retenu l’attention : ceux pour lesquels est proposée une nouvelle interprétation, tel le portrait de la « despotissa » d’Arta Théodora accompagnée d’un petit prince, ou ceux dont la richesse iconographique est remarquable, comme la scène de l’Entrée à Jérusalem. Ce travail n’est pas exhaustif, mais essaie de montrer, à partir de l’étude de l’iconographie enfantine, quels étaient la place et le rôle des enfants dans la société byzantine à l’époque paléologue. Leur image est en effet le reflet d’une période en plein bouleversement politique et social, pendant laquelle l’individu trouve de nouvelles voies d’émancipation et qui laisse plus de place à l’initiative des donateurs et des artistes. La production artistique propose de nouvelles formules ou revisite celles déjà établies dans le répertoire iconographique. Dans ce cadre, la présence de l’enfance est constante et porte des messages qui lui sont propres
Subject of the present study, concerned with the iconography of childhood, is the illustration of three types of children: the imperial, the noble and the common. The first two types are often traced in family portraits; the common child icon is mainly studied in Christological scenes, in scenes with saints and in scenes portraying certain liturgical activities. In the first chapter the status of children within society is briefly addressed, while in chapters two and three using a variety of works of art as example, supported also, when that possible, by textual evidence of the period that produced them, a more thorough analysis of the presence of children in the iconography is attempted. Some of these are analysed in more detail as arguments establishing a new interpretation of scenes arise, as is the case of the portrait of “Despotissa” of Arta Theodora who is depicted with a little prince or others because of their remarkable iconographical theme, such as the composition of the Entry into Jerusalem. This study is not exhaustive, but it is an effort to understand, through the iconography of childhood, which was the place and role of children in the byzantine society of Paleologan times. The icon of children is the product of a period of constant changes in both the political and social field where the individual finds new means of emancipation, and donors, as well as artists, have more often the opportunity to take initiatives. The artistic production proposes new iconographic formulas or revisits the old ones. In this context, the presence of children is constant and manifests its own value

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Bégasse, Hubert. "L'esthétique de la simultanéité dans la peinture de Robert Delaunay." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010689.

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Chen, Shu-Hwa. "Les Bohémiens dans l'art français au XVIIème siècle." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010627.

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Abstract:

Cette thèse propose une étude historique et iconographique du bohémien en Europe et plus particulièrement dans la société française du XVIIème siècle. Nous avons divisé notre travail en deux parties bien distinctes, à savoir une partie historique et sociologique, et une autre partie strictement iconographique. Dans une première partie, nous avons proposé d'étudier l'histoire et les spécificités de ce peuple mythique à travers les témoignages historiques et littéraires. Cette étude typologique des bohémiens dans l'ancienne France nous aide à comprendre les sources d'inspiration dont disposent les artistes. En groupes ou individualisés, que ce soit comme personnage principale ou simplement comme personnage secondaire intégré dans la composition, les bohémiens marquent plus que jamais de leur empreinte les arts plastiques que nous avons étudiés dans un second temps. Nous avons distingué deux grands types d'œuvres : œuvres profanes et œuvres religieuses. Dans l'un et l'autre cas, l'artiste utilise la plupart du temps la figure du bohémien à des fins moralisantes. La remarquable présence du bohémien dans l'iconographie reflète en effet l'imaginaire et la spiritualité des sociétés occidentales au XVIIème siècle
This thesis is proposing un historic and iconographical study about bohemian in Europe and most particularly in the french society during the seventeenth century. We have divided our work into two distincthy parties, i. E. One side historic and sociological and the other side structhy iconographical. On the first side, we have proposed to study the history and the specificities about those mythical people through the historical and the literary statements. This typological study about bohemians in the ancient france helped us to understand the sources inspirations whose artists disposed. If they form groups or if they developped a personality of one's own, even as a leading or as a secondary person intergrated in the plastic arts which we have study in the second part. We have distinguished two big kind of works : profane works and religions. In one case or in another, the artist is using the most of times the bohemian figure with a moralizing objective. The remarkable presence of the bohemian in the iconography is mirrored the imaginaires and the spirituality of the occidenta societies at the seventeenth century

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Decanis, Gilles. "Dédoublements et redoublements photographiques." Aix-Marseille 1, 2005. http://www.theses.fr/2005AIX10046.

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Abstract:

L'étude de la figure du double au sein des photographies artistiques met en lumière la véritable nature du média argentique. Multipliée, l'image apparaît comme un motif reproduit, plat et, malgré son apparente crédibilité, dépossédé de son autorité. Plus elle décrit précisément l'irréel et moins la précision qui est la sienne demeure un gage de réalisme,. Ainsi, le double utilisé comme sujet et assumé comme illusion invalide l'illusion du double et de la photographie comme double du réel. Les trucages de certaines images nous font par ailleurs toucher du doigt la différence entre l'impression de réel caractérisant la photographie et l'adéquation au visible que suppose le réalisme. En comparant la photographie et la figure du double, on voit qu'elles sont inassimilables. Cependant, l'image peut aussi être prise comme un double parce qu'elle devient un substitut, une représentation qui bénéficie d'une apparence objective pour se donner pour le reflet du réel, alors qu'elle le reconstitue.

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Dumas, Robert. "Traité de l'arbre." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010651.

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Abstract:

Ce traité de l'arbre rend compte de la pregnance de l'arbre dans la culture occidentale, de sa présence permanente même si c'est sous des formes differentes. Materiellement d'abord les hommes ne se sont civilisés que par la multiplicité des rapports qu'ils ont entretenus avec les arbres, conditions de leur chauffage, de leur habitation et de leur navigation. Sans doute faut-il comprendre l'insistance du symbole de l'arbre dans les religions comme une reconnaissaance de dettes sinon comme l'intuition d'un savoir à venir, dont les métaphores litteraires ou les analogies philosophiques donnèrent les premieres traductions non sacrées. La tardive naissance d'une science des arbres éclairé comment l'état en France a gouverné les arbres: une perspective cavalière de l'histoire des rapports entre les arbres et l'état manifeste bien les préoccupations, les savoirs et les stratégies qui permettent de confirmer l'histoire des types d'etats proposes par des historiens de la puissance publique. Enfin toutes ces analyses suscitent un étonnement puisque ce n'est qu'au XIXe siècle que l'arbre triomphe dans l'espace représentatif des tableaux tout en contribuant à la ruine du système pictural qui le fête enfin, et qu'il finit par livrer les secrets chimiques qui conditionnent sa vie. La rationalité tard venue justifie la célébration de l'arbre, qui quitte son rôle de support ou de motif pour devenir un monde plastique se suffisant à lui-même.

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Mostowski, Alexia. "L' écriture du silence : une esthétique de la blancheur dans la poésie française contemporaine : (Eugène Guillevic, Jacques Dupin, Lorand Gaspar, Claude Esteban)." Montpellier 3, 2009. http://www.theses.fr/2009MON30004.

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Abstract:

Cette thèse se propose de mettre en lumière ce qui constitue l'une des tentations majeures de la poésie moderne et contemporaine. Héritière douloureuse de Mallarmé, cette dernière est plus que jamais consciente de la vacuité des mots et de l'impossible langage. Toute certitude de nomination et de possession du monde étant désormais exclues, il faut à la parole poétique traverser l'épreuve de l'anéantissement pour conquérir un nouvel horizon. Cette esthétique du dénuement verbal qu'elle semble aujourd'hui proclamer, pousse à son acmé le paradoxe de son entreprise. L'art du « logos » n'a plus cette convoitise ardente de la parole ; l'objet du désir est maintenant dans le silence, dans les blancs typographiques. Les poèmes minimalistes d'Eugène Guillevic, Lorand Gaspar, Jacques Dupin et Claude Esteban semblent se disloquer sous nos yeux, harcelés et tentés sans cesse par l'évidement, par l'aphasie. La présence au monde du poème contemporain passe ainsi par cette expérience des confins, par cette absence de mots comme si le chant primitif cherchait à travers le silence convoité à retrouver un nouveau souffle
The aim of this thesis is to highlight what constitutes one of the major temptations of modern and contemporary poetry. Heiress of Mallarmé era, poetry is more than ever aware of the vacuity of words and of the inexpressible. All certainty regarding the qualifying and ownership of the world being excluded, poetry has to go throught the ordeal of annihilation to conquer a new horizon. This aesthetics of verbal privation which it seems to claim today, drives to its climax the paradox of its own existence. The art of « logos » doesn't hold this passionate covetousness of the verba ; the object of desire now stands in the silence and the typographic whites. Eugène Guillevic's, Lorand Gaspar's, Jacques Dupin's ans Claude Esteban's minimalist poems seem to dismantle before our eyes, always harrassed and tempted by the hollowing-out, by the aphasia. The contemporary poem's presence in the world, thus, comes trought this experience of furthermost bounds, this ineffable absence of the world, as if the original chant was trying to find again a new breath through the coveted silence

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Gillet, Fanny. "Saisie/dessaisissement : enjeux de l'unité texte/image chez Keats, Tennyson, Rossetti et dans l'art préraphaélite." Toulouse 2, 2008. http://www.theses.fr/2008TOU20101.

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Abstract:

Cette thèse explore les relations qu'ont pu entretenir l'art poétique de Keats, Tennyson et Rossetti avec l'œuvre visuelle du mouvement préraphaélite. La rencontre entre le texte et l'image est particulièrement fructueuse – poèmes mis en tableaux, ekphrasis poétiques, volume illustré issu de la collaboration des artistes, double pratique artistique chez Rossetti. Cette relation forte s'appuie sur une tradition encore très vivace au dix-neuvième siècle anglais, celle de l'ut pictura poesis. Cette comparaison d'Horace invite à placer peinture et poésie en miroir, chaque œuvre se construisant à l'image de l'autre. Or pour le regard qui doit désormais se confronter à deux formes hétéroclites, dotées de leurs propres codes et modalités d'appréhension, le texte/image peut impliquer une certaine gêne. En cela, devenir lecteur/spectateur, déjà, semble l'expérience d'un dessaisissement. Tenter de maintenir l'unicité et l'unité de chaque œuvre, comme garanties de l'originalité artistique, ne se fait de plus qu'au prix de dédoublements et de miroitements qui interdisent la stabilité de l'interprétation. Si l'on accepte ce dessaisissement, l'élan réciproque du poème au tableau paraît parfois tendre vers, voir se suturer en un espace unique, qui permettrait dès lors une saisie globale, un tissage des formes, une façon de penser les deux moitiés comme indissociables l'une de l'autre. La suturation, brèche et potentielle blessure, doit alors s'envisager comme une entité texte/image dynamique, qui renonce à la fixité par l'ébauche, l'inachèvement, pour nous entraîner vers un espace/temps plus complexe, celui du parcours labyrinthique où le texte/image se fait quête
This dissertation on word and image focuses on the relationship connecting Keats, Tennyson, Rossetti's poetry and Pre-Raphaelite art, be it through visual representations of poems, ekphrastic works, illustrated books, or Rossetti's “double works” of art linking poem and painting. This strong link partly results from the persistence in nineteenth-century England of the powerful tradition of ut pictura poesis, a comparison by Horace which has been used to blend poetry and painting, as if they were mirror images of each other. However, since they remain heterogeneous forms of art, each with its own codes and modes of apprehension, we can wonder whether simultaneous perception may entail no uneasiness. Indeed, being a reader/viewer implies, from the very start, abandoning some habits of perception. Even as we try to maintain the uniqueness of each work of art, doublings, mirroring effects debunk stable interpretation. If we admit this form of amazement implied by word and image, there might be a way of considering them as a whole, each aspiring to find completeness by including the other: only then may they become inseparable “halves”. There still exists a potentially painful interstice between the two that the art of inachievement, through sketches or suspension, sublimates, creating a more complex unity, a dynamic process aiming to grasp both poetry and painting, in which the reader/viewer enters the path of labyrinthine a(maze)ment

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Baracca, Pierre. "La matérialité, une emblématique artistique : un mouvement long de Giotto aux installations, sociologie de l'art." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030129.

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Abstract:

Cette recherche sociologique examine la signification sociale de l'irruption massive des objets dans l'art contemporain occidental vers 1960 qui achève un mouvement long allant de l'introduction des objets dans les images religieuses (Giotto) à leur représentation picturale (Natures mortes), puis à leur présentation concrète (ready-mades, Accumulations, installations). La notion d'emblématique artistique de la matérialité permet d'intégrer ces pratiques artistiques aux stratégies sociales d'appropriation positive de la vie terrestre et de désenchantement du monde (cf. M. Weber). La notion d'emblématique artistique propose, via la résilience, de faire de l'artiste un sujet actif de la production et de la réception de l'art en l'articulant aux groupes sociaux, aux institutions et à la socialisation. Cette notion rediscute les rapports de l'art à l'idéologie, l'emploi des métaphores économiques (marché, concurrence, bien) dans le champ artistique, la réception en cercles concentriques
This sociological research deals with the social meaning of the sudden flow of objects into contemporary Western art that occurred about 1960, at the tail-end of a long-lasting process in the course of which objects were first introduced into religious imagery (Giotto), then became the subject of pictures (Still Lifes), finally to be presented in concrete form (as ready-mades, accumulations, installations). Introducing the notion of ‘artistic emblematics' as applied to materiality, will enable us to assimilate these artistic practices to social strategies for the positive appropriation of earthly life and for disenchanting the world (cf. M. Weber). This notion of ‘artistic emblematics' points, via that of resilience, to a vision of the artist as an active subject of the production and reception of art, by showing how she operates within social groups, institutions and socialization. This notion reopens the debate on the relationship of art with ideology, the use of economic metaphors (market, competition, goods) in the artistic field, and reception in concentric circles

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Bellehigue, Myriam. "Elizabeth Bishop : un art de l'exil." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030114.

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Abstract:

Cette thèse analyse les oeuvres poétiques en prose, mais aussi la correspondance, les manuscrits inédits, les traductions et les tableaux d'elizabeth Bishop. L'exil est le fil directeur dans l'exploration des différentes "épreuves de l'étranger" auxquelles le sujet poétique est confronté dans sa relation au monde, à lui-même et au langage. L'introspection, la stase et la discordance sont parmi les attitudes mélancoliques qui marquent le refus de la perte, première étape de ce parcours d'exilé. Puis, le déracinement et le dessaisissement sont acceptés : par le mouvement et l'acquisition d'un regard neuf et nai͏̈f, le sujet s'ouvre à l'inconnu et à la surprise. Il dresse alors une cartographie poétique "proliférique" : l'expression désigne une écriture à la fois prolifique et périphérique qui permet de décrire une réalité métamorphique et secrète ; elle permet aussi de faire du poème un espace de désirs qui s'offre et se dérobe au lecteur dans le même temps. .
This thesis analyses the poetical and prose works of Elizabeth Bishop alongside her letters, unpublished manuscripts, translations and paintings. The thematics of "exile" enable us to study the various forms of foreignness which the poetic subject has to face in her relation to the world, to herself and to language. Introspection, stasis and discordance help define the melancholy stance that the exiled "I" manifests initially in her refusal of loss. Once uprootedness and dispossession are accepted, the subject, practising movement and acquiring a nai͏̈ve vision, opens up to the unknown and to surprise. She is therefore led to elaborate a "proliferal" (both prolific and peripheral) poetic cartography in order to describe a reality marked by metamorphism and secrety. Moreover, this new style turns the poem into a locus of desire, simultaneously revealing and hiding things to and from its reader. .

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Lionnet, Marie. "Les peintures murales en Hongrie à la fin du Moyen âge (v. 1300-v. 1475) : la transmission des traditions iconographiques et les formes originales de leur appropriation locale sur les deux thèmes majeurs : la Mère de Dieu et le Jugement dernier." Paris 10, 2004. http://www.theses.fr/2004PA100171.

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Abstract:

L'étude porte sur deux thèmes majeurs de l'iconographie chrétienne, la Mère de Dieu et le Jugement dernier, dans les peintures murales du royaume de Hongrie à la fin du Moyen Age. L'analyse iconographique permet d'identifier la circulation des courants artistiques suggérant, le cas échéant, les voies de transmission possibles. Outre la reprise des motifs répandus dans la Chrétienté latine, ces analyses révèlent des formes d'adaptation et d'appropriation des thèmes : le succès de la Vierge de miséricorde et son association avec le Jugement dernier. Elles s'expliquent par les foyers de population saxonne et les zones de peuplement sicule dans le sud-est du royaume. Dans ce deuxième lieu, ces re-créations iconographiques s'expliquent par les contacts avec des communautés de rite grec et l'activité des Franciscains. De ce fait, l'influence de la spiritualité franciscaine en Transylvanie fait l'objet d'une analyse particulière
The study is about two major themes of Christian iconography : the Mother of God and the Last Judgement observed on mural paintings in the kingdom of Hungary at the end of the Middle Age. The iconographic analysis gives the possibility to identify the circulation of artistic currents allowing to understand eventual paths of transmission. Amidst the themes common throughout Latin Christianity, these analysis show new forms of adaptation and appropriation of these themes as seen with the success of the Virgin of Forgiveness and her association with the Last Judgement. They can be explained by Saxon settlements and the Sicules population in the south-eastern part of the kingdom. In this particular region, these iconographic re-creations can be explained through contacts with the communities of Greek observance and by the activity of Franciscan missionaries. Consequently, the influence of Franciscan spirituality in Transylvania is the object of a more detailed analysis

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Dissertations / Theses on the topic 'Art chrétien – Thèmes, motifs'

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