Dissertations / Theses: 'Art Critique d'art'

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Daran, Valérie de. "La critique d'art à Vienne." Paris 12, 1994. http://www.theses.fr/1994PA120055.

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Lazarus, Anny. "La critique d'art contemporaine chinoise : Modèles théoriques et visions de l'Histoire : les outils conceptuels des critiques d'art chinois." Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3014/document.

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Abstract:

Depuis 1979, les critiques d'art en Chine ont accompagné le développement de l’art contemporain, participant à la renaissance de la vie intellectuelle durement éprouvée sous le règne de Mao. Les revues d'art reflètent l’évolution de leur réflexion. Dans ma thèse je présente d’une part ce paysage intellectuel dans lequel s’est construite la critique d’art chinoise, et d’autre part, après avoir analysé comment certains concepts passent d’une langue à l’autre, j’aborde les textes théoriques et leur réception dans le milieu académique. Attirés au départ par la pensée occidentale, un champ référentiel qui s’étend de Platon à Danto, les critiques chinois se sont tournés ensuite vers le corpus classique, voire le Livre des mutations, pour forger des outils “propres à la Chine” afin de ré-écrire une histoire de l’art contemporain chinois délivrée du carcan post-colonial, mais au risque de se prendre au piège d’un nationalisme insidieux encouragé par le Parti. Les larges extraits que je propose traitent de la méta-critique, du sort et de l’essor de la modernité et du postmodernisme, de l’art abstrait émanant des gestes et des outils de la calligraphie... Récusant les concepts occidentaux jugés inaptes pour interpréter l’art chinois, recourant aux concepts classiques pour fonder l’École du yi, Gao Minglu propose une théorie critique qu’il tente d’appliquer aux œuvres contemporaines. À l’inverse Wang Nanming défend une démarche qui se veut universelle et dénonce les artistes et les critiques qui brandissent leur identité chinoise... Ainsi les démarches étudiées sont variées et parfois antagonistes, mais attestent de la vitalité de la critique d’art contemporaine chinoise Since 1979, China Art critics have accompanied the development of contemporary art, participating in the revival of intellectual life which have been hit hard during the reign of Mao. The journals in art reflect changes in their thinking. In my thesis I will present both the intellectual scene in which is constructed criticism of Chinese art, and secondly, after analyzing how concepts move from one language to another, I approach theoretical texts and their reception in academic. Attracted initially by Western thought, a reference field that extends from Plato to Danto, Chinese critics then turned to the classical corpus, or the Book of Changes, to forge tools specific "to China" to rewrite history of Chinese contemporary art delivered from the post-colonial yoke, but at the risk of getting trapped in an insidious nationalism encouraged by the Party. The extensive excerpts I propose deal with the meta-criticism, and the fate of the rise of modernity and postmodernism, abstract art from gestures and tools of calligraphy. Rejecting Western concepts which are unfit to interpret Chinese art, according to the traditional concepts to establish the School of yi, Gao Minglu offers a critical theory he tries to apply to contemporary works. Conversely Wang Nanming defends an approach to be universal and denounces the artists and critics who brandich their Chinese identity ... So the approaches discussed are varied and sometimes conflicting, but attest to the vitality of contemporary Chinese art criticism. Art critics propose theoretical models that are more interpretive tools of interpretation than appreciation

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Plaud-Dilhuit, Patricia. "Gustave Geffroy, critique d'art." Rennes 2, 1987. http://www.theses.fr/1987REN20025.

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Abstract:

Dans l'histoire de la critique d'art du 19e, l'oeuvre de Geffroy, inscrite dans la période 1880-1900, apporte un riche témoignage sur vie artistique de l'époque. Marqué par le socialisme, le scientisme, et les expressions romantiques et réalistes, introduit dans les milieux littéraires naturalistes, il commmence en 1880 une carrière de journaliste dominée par la critique d'art. Après une étude biographique, sont présentées dans une perspective historique, la nature, les constantes et les évolutions de ses choix esthétiques. Condamnant l'art académique et le naturalisme officiel, ce salonnier défend les artistes indépendants et surtout les imprésionnistes, son ami Monet notamment. Sévère pour le néo-impressionnisme, il s'oppose au symbolisme, mais apprécie les Nabis. Après 1900, il s'éloigne de la scène de l'art contemporain. L'analyse de son discours met en évidence ses mobiles et argumentations. Pendant les années 90, il adopte une démarche philosophique, aminée par un idéal panthéiste, aux dépens de tout discours théorique. Par sa sensibilité aux problèmes fondamentaux de la création, par ses recherches intellectuelles et stylistiques, son oeuvre apparaît, au delà du seul témoignage, personnelle et vivante

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Langbour, Nadège. "Diderot écrivain critique d'art." Rouen, 2007. http://www.theses.fr/2007ROUEL577.

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Abstract:

La thèse intitulée « Diderot écrivain critique d'art » met en évidence les interactions entre les écrits sur l'art de Diderot et ses œuvres littéraires. Présentant dans un premier temps la formation artistique de Diderot, elle répertorie les lectures effectuées par le salonnier et souligne l'importance de l'Encyclopédie dans la constitution de ses réflexions artistiques. Sont ensuite étudiés les neuf Salons de Diderot et ses deux « essais sur la peinture ». Montrant tout d'abord comment Diderot se positionne par rapport au discours artistique de son temps, cette thèse met ensuite l'accent sur l'originalité des Salons, tant sur les plans thématique et théorique que sur le plan formel. Enfin est analysée l'influence des réflexions picturales de Diderot sur ses œuvres romanesques et dramatiques This thesis entitled, « Diderot seen as an art critic », highlights the interactions of Diderot's writings on art and his literary works. Firstly, Diderot's artistic formation is presented, with an exhaustive repertoire of readings made by this noted « Salon » art critic and emphasizes the major role of the Encyclopaedia in the shaping of his artistic opinions and judgments. The following sequence examines in depth Diderot's nine « Salons » as well as his two « essays on painting ». At the outset, Diderot's status (position) is perceived in relationship with the artistic way of thinking (reasoning) of his time. The thesis then emphasizes the originality of the Salons, both on a thematic and theoretical level as well as on the formal level. The last section is an analysis of the influence of Diderot's pictorial judgements on his novels and plays (Romanesque and dramatic works)

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Guichard, Charlotte. "Les amateurs d'art à Paris au XVIIIe siècle /." Seyssel : Champ Vallon, 2008. http://bvbr.bib-bvb.de:8991/F?func=service&doc_library=BVB01&doc_number=016969021&line_number=0002&func_code=DB_RECORDS&service_type=MEDIA.

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Miehé, Christian. "Michel Butor et la critique d'art." Montpellier 3, 2009. http://www.biu-montpellier.fr/florabium/jsp/nnt.jsp?nnt=2009MON30065.

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Abstract:

Cette thèse analyse les relations entre les écrits de Michel Butor et les arts plastiques. Si l’auteur est connu pour sa participation au Nouveau Roman, son apport très personnel à la critique d’art et la spécificité de son approche poétique par rapport à la création artistique ont été longtemps négligés. Une approche tripartite structure cette recherche. Une première partie traite des « Sources d’influence », allant des années de jeunesse aux liens avec l’œuvre critique de Diderot, Baudelaire, Claudel, Breton et Sartre. Elle cerne la notion de critique d’art et analyse des exemples pris dans divers textes de Butor. La seconde partie, nommée « Un glissement critique » analyse les textes de critique d’art ou d’histoire de l’art se rapportant à des artistes connus : classiques, modernes et contemporains. Elle montre l’importance de la démarche butorienne dans ce registre et ouvre sur la notion d’entretien au sens large. La troisième, dénommée « L’après critique ou la transposition » interroge le phénomène de cette transposition poétique qui prend le relais de la critique d’art. Des textes écrits une première fois se trouvent réagencés dans des ensembles plus vastes et composent une nouvelle approche de l’œuvre d’art. Cette analyse montre donc l’évolution de l’attitude de Michel Butor par rapport aux artistes et à leurs œuvres ainsi que le glissement de son écriture qui va d’une critique d’art pure à une transposition d’ordre poétique This thesis explores the relationship between Michel Butor's writing and the visual arts. Butor is well known for his role in the "Nouveau roman", but his very personal contribution to art criticism together with his poetic approach to artistic creation have received scant attention. The structure of this thesis is tripartite. The first deals with "sources of influence". It analyses Butor's biography, pinning down the notion of art critic and examining his links with the writings on art of Diderot, Baudelaire, Claudel, Breton and Sartre. The second part, entitled "A critical shift", analyses texts of criticism or art history dealing with well-known artists, be they classical, modern or contemporary. It reveals the importance of Butor's approach in this domain and opens out into the notion of dialogue in the broad sense of the term. The third part, entitled "After criticism or transposition" examines the poetic transposition which takes over from art criticism. Texts undergo a rearrangement of their original writing to become encompassed in larger entities, ushering in a new approach to art criticism. This study thereby traces a development in Michel Butor's attitude to artists and their work, mirrored by a shift in his own writing moving from pure art criticism to a poetic transposition

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Volvey, Anne. "Art et spatialités d'après l'oeuvre d'art "in situ outdoors" de Christo et Jeanne-Claude : object textile, objet d'art et oeuvre d'art dans l'action artistique et l'expérience esthétique." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010665.

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Abstract:

Cette thèse interdisciplinaire traite de l'oeuvre artistique de Christo et Jeanne-Claude. Elle investit la dimension spatiale de la production artistique et la dimension spatiale de la réception esthétique d'un objet d'art textile in situ outdoors. Elle met en oeuvre pour ce faire des références aux théories de l'action et une approche phénoménologique. En travaillant les articulations entre objet textile, objet d'art et oeuvre d'art, elle montre que la dimension spatiale de l'objet d'art, celle qui est donnée à l'expérience, n'est pas pensable indépendamment de la dimension spatiale de l'oeuvre d'art, celle qui est construite dans l'action artistique. Elle montre, par ailleurs, que l'objet textile est utilisé par le spectateur, dans le cadre de l'objet-lieu d'art, pour une expérience esthétique qui n'est pas seulement visuelle mais tactile. Cette utilisation d'objet explique le recours à la psychanalyse transitionnelle pour qualifier la dimension spatiale de l'expérience esthétique.

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Hellwig, Karin. "Die spanische Kunstliteratur im 17. Jahrhundert /." Frankfurt am Main : Vervuert, 1996. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37525919q.

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Penet, Lyne. "Théophile Silvestre (1823-1876) : critique d' art." Thesis, Paris 1, 2016. http://www.theses.fr/2016PA01H028.

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Abstract:

Depuis les années 1980, la critique d’art du XIXe siècle a bénéficié d’un regain d’intérêt dans l’historiographie contemporaine. Malgré cela, la période du Second Empire reste encore mal connue. Notre thèse est consacrée à l’un des critiques d’art de cette période : Théophile Silvestre (1823-1876). Après une approche biographique de son parcours, notre travail montre comment, dans son grand œuvre critique intitulé Histoire des artistes vivants, Silvestre choisit d’étudier les peintres et sculpteurs les plus célèbres de son temps pour examiner la validité de leur notoriété. Confronté à ce qui lui apparaît comme un monde malade, en perte d’idéal, Silvestre est à la recherche des artistes qui sauront régénérer l’art et la vie. Ainsi Delacroix, dont l’imagination puissante transfigure le réel, est-il consacré comme « le plus grand artiste du XIXe siècle ». Après la mort de Delacroix, Silvestre dirige ses préférences vers les peintres de l’école de Barbizon qui, comme lui, tournent le dos au monde nouveau qui s’élabore selon les directives du progrès et de l’industrie, et dont la peinture semble un remède possible aux maux de la société moderne. Chargé à la fin de sa vie de rédiger le catalogue de la collection d’Alfred Bruyas, Silvestre s’attachera à faire entrer le romantisme dans l’histoire, employant le musée comme un rempart à la décadence de l’art moderne. De l’Histoire des artistes vivants au catalogue de la Galerie Bruyas, notre thèse montre quels vestiges de son temps Silvestre a voulu laisser aux historiens futurs et comment il s’est fait le gardien moral de l’histoire de l’art en donnant à son siècle la forme d’une pièce de musée, déjà classée et déjà jugée Since the 1980s, there has been a renewed interest in contemporary historiography for the art criticism of the nineteenth-century. The Second Empire era remains nevertheless little-known. Our thesis is devoted to an art critic of that particular time : Théophile Silvestre (1823-1876). After a biographical approach of his career, our research will focus on his criticism masterpiece, Histoire des artistes vivants. We will attempt to show that, when Silvestre chooses to study the most famous painters and sculptors of his time, it is in order to investigate the legitimacy of their popularity. Confronted to a world he deems sick and deprived of faith, Silvestre is looking for artists that will revive art and life. He thus considers Delacroix, whose powerful imagination transcends reality, as "the greatest artist of the 19th century". After the painter's death, Silvestre focuses his interest on the painters of the Barbizon school who, just like him, disapprove of the emerging new world based on the principles of progress and industry, and whose painting appears as a potential cure against modern society. Being towards the end of his life assigned the writing of the Alfred Bruyas' collection's catalog, Silvestre endeavours to give romanticism a rightful place in history, using museums as a frontline against the decay of modern art. From Histoire des artistes vivants to the Galerie Bruyas' catalog, our thesis shows which memories of his time Silvestre decided to pass on to future generations of historians, and how, by shaping his century like a museum item, already classified and already judged, he made himself the moral guardian of history of art

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Moulinat, Francis. "Théophile Gautier, critique d'art, dans les années 1830." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1994PA040243.

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Abstract:

La critique d'art de Théophile Gautier a suivi la même évolution que sa pensée littéraire. Elle est passée du romantisme à une mise à distance de celui-ci. Entre 1836 et 1838, Gautier reporta, sur la critique d'art, le sacerdoce que l'écrivain était censé exercer sur la société. En se faisant le champion de la souveraineté de l'artiste, en acclimatant au journalisme le romantisme, en pratiquant la critique des beautés qui est une adhésion entière à l'œuvre, au travers de sa description, il inventa la critique artiste. Gautier a vue en Paris et Munich les deux ateliers où s'inventait le futur. Mais, c'est à Paris qu’Ingres, par le dessin, Delacroix, par la couleur, avaient rénové la peinture et formé ceux qui formuleraient la synthèse de leur art. Gautier a aussi noté, à partir de 1837, le recul du romantisme pictural et l'influence grandissante du dessin et du style. Ce modèle binaire, fut reporte sur le paysage, mais non sur la sculpture, art essentiellement antique, ne devant montrer que la beauté. Dans l'esthétique de Gautier, contrairement au naturiste qui copiait la nature, l’artiste supérieur abritait en lui un microcosme et un idéal. Exprimer sa vision de la beauté était sa mission; Gautier l'étendit à la vie entière. L'artiste, en concevant des objets, reconquerrait son sacerdoce perdu, éduquerait la société et susciterait une nouvelle renaissance. En développant une telle utopie et en divinisant l'art, devenue valeur suprême et refuge où oublier le réel, Gautier formula une esthétique, romantique par la place conférée à l'artiste, éclectique, car elle acceptait la couleur et le dessin, novatrice, car elle préfigurait nombre de courants de la seconde moitié du siècle Gautier's art criticism followed the same evolution as his literary thinking. It praised romanticism before standing aloof from it. But, between 1836 and 1838, he transferred to art criticism the priesthood every writer is supposed to fulfill within society. He defended the artist's sovereignty; he introduced romanticism in journalism, and the practiced the criticism of beauties through descriptions: in fact, he had invented the artist criticism. Gautier considered that Paris and Munich were the two studios where the future was taking shape, that is was however in Paris that Ingres, through drawing, and Delacroix, through colors, had reformed painting and trained those who would later make up the synthesis of their art. Gautier also noticed, from 1837 on, the decline of the pictorial romanticism and the growing influence of drawing and style. This binary system was applied in landscape, but not in sculpture which is a principally antique art, meant to show only beauty. In Gautier’s aesthetics, the superior artist would shelter both a microcosm and an ideal, contrary to the naturist who copies nature. His mission was to express his own vision of the beauty, and Gautier widespread this mission to the whole life. By designing objects, the artist would regain his lost priesthood, educate society and lead to a new renaissance. By developing such an utopy, by divinizing art which had become the supreme value and a refuge to forget reality, Gautier expressed an aesthetics which was at the same time romantic, as it awarded a major position to the artist, eclectic, since it accepted color and drawing, and innovative, for it would foreshadow many trends of the second half of the century

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Zielinsky, Mônica. "La critique d'art contemporaine au Brésil : parcours, enjeux et perspectives." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010672.

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Abstract:

Cette recherche analyse la logique des conduites adoptées par quelques critiques d'art au Brésil telles qu'elles se reflètent dans les écrits des années 80 dans les régions de Rio de Janeiro et de Sao Paulo. À partir du constat de l'homogénéisation de la culture, de l'effacement de l'identité et de la liberté individuelles, cette étude met en examen le manque de fondements, permettant de justifier et de mettre en question dans l'espace public les avis qui sont émis sur l'art par les critiques, ainsi que leur approche de l'objet de leur discours, l'expérience qui est faite des œuvres étant vue ici comme la source principale d'identification de leurs valeurs. La nature de ces discours en ce qui concerne les aspects de la communication est l'un des éléments centraux de ces analyses. Du point de vue méthodologique quelques cas particuliers sont examinés pour illustrer les divers modes d'expression et d'insertion de la critique d'art dans le champ culturel brésilien. Ils correspondent chacun a un lieu spécifique de divulgation des discours relatifs à l'art et jouent un rôle essentiel dans établissement d'une géographie du champ de la critique. L'examen des questions de la recherche passe par l'analyse de contenu, d'une part, de documents collectes au fil d'une extensive recherche de terrain menée au Brésil et, d'autre part, d'entretiens accordés par quinze professionnels brésiliens en 1997. À partir des données examinées, sont esquissées quelques-unes des perspectives qui s'offrent à la critique d'art contemporaine à travers une proposition fondée sur les résultats des analyses précédentes. Ce travail s'achève par une estimation de la possible mise en pratique des idées exposées This research examines the logic underpinning the attitudes of some art critics in Brazil, as reflected in their writing in the 1980s in the rio de janeiro and sao paulo areas. Based on the observation that culture has tended to become homogenised, and individual identity and freedom blurred, this study looks at the absence of any foundation or justification for the opinions on art given by critics and the failure to question those opinions in the public domain, as well as critics' approach to their subject: the experience of works of art is seen here as the main source of assessing their value. The nature of their comments concerning aspects of communication is one of the central factors in this study. From a methodological viewpoint, some specific cases are examined to illustrate the various ways in which art criticism is expressed and forms part of Brazilian culture. Each occupies a specific place in revealing opinions on art and plays an essential role in establishing a geography of the field of criticism. The examination of these issues also calls for both an examination of the contents of documents collected during extensive research in the field in Brazil, and interviews granted by 15 Brazilian art professionals in 1997. On the basis of the data examined, some of the viewpoints offered to contemporary art criticism are sketched out, using a proposal based on the results of previous research. This paper ends with an evaluation of the possible practical applications of the research

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Le, Gouriérec Frédéric. ""Art contemporain", le cas chinois : le jugement d'art au XXe siècle." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040255.

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Abstract:

Cette thèse a pour but de dégager les principes critiques mis en œuvre par le jugement d'art chinois tout au long du XXe siècle. La première partie s'attache à dégager les enjeux des ruptures attestées par l'histoire dans le passage de l'art lettre ancien à l'art moderne, puis à l'imagerie maoïste et enfin à l'art contemporain, et aboutit à une remise en cause de la pertinence de ces catégories dans le cas chinois. Il est établi que l'art lettré se définit uniquement comme un exercice de jugement. L'art moderne ne s'explique pas par l'opposition historique simpliste et fausse de la tradition chinoise et de la modernité occidentale. L'introduction de la peinture à l'huile dans l'art, bien après son entrée dans la vie quotidienne des chinois, permet de dissocier la technique du jugement porte sur elle. L'organisation sociale de l'art moderne s'avère ne correspondre en rien aux divergences critiques déterminantes. L'émergence de l'art moderne ne s'explique que par la crise morale propre à l'art et celle plus générale de la société. L'étude de l'imagerie maoïste permet de distinguer trois formes de jugement porte sur l'image. Celle-ci peut n'obéir qu'à un principe d'efficacité et de plaisir lié à l'accomplissement de sa fonction et à la dispense de l'effort : c'est le goût général des paysans. Elle peut être l'objet d'une règlementation morale rigoureuse : c'est le dogme réaliste socialiste, dont l'art soviétique n'est qu'une forme historique au même titre que l'art maoïste, sans en être le modèle. Elle peut n'être que le prétexte d'un jugement libre se prenant lui-même pour fin : c'est le cas de l'art qui s'est maintenu sous le régime communiste. L'art contemporain, qui s'inscrit dans une tripartition identique du jugement, n'est en rien distinct de ses prédécesseurs, malgré la plus grande diversité de ses formes. Dans la deuxième partie, elles sont analysées en fonction des critères de jugement réels attestés par l'étude historique et systématisés, selon qu'ils touchent à la technique, à la pensée, à l'histoire ou au jugement lui-même. Cette méthode fondée sur la confrontation rigoureuse du raisonnement aux faits permet de définir des catégories dont la validité pour l'étude de l'art en général est prouvée et non seulement entérinée par l'usage faute de mieux.

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Tzima, Sofia. "ZYGOS : une revue d'art en Grèce (1955-1966)." Thesis, Strasbourg, 2018. http://www.theses.fr/2018STRAG030.

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Abstract:

Cette thèse se propose d’étudier le discours de la revue grecque d’art Zygos (« Balance ») et son rôle dans la réception et la promotion de mouvements artistiques et dans la diffusion de courants idéologiques en Grèce. L’étude des textes de Zygos révèle l’opposition « grécité – modernisme » comme thème central du discours de la revue. Notre conclusion principale est que Zygos a manifesté un engagement mesuré dans la modernité, en réconciliant le modernisme avec le désir de particularité grecque. Nous constatons la présence d’un discours sur l’art moderne conçu comme une évolution de Cézanne à l’art abstrait, à travers le cubisme. Cependant, cette revue est aussi le lieu d’un discours dont les points saillants sont la mesure, l’humanisme et les affinités entre l’« esprit français » et l’« esprit grec ». Plusieurs auteurs de Zygos défendent la nécessité d’un chemin intermédiaire pour l’art entre imitation fidèle et rupture complète avec la nature The object of this thesis is to study the discourse of the Greek art journal Zygos (“Balance”) and its role in the reception and promotion of art mouvements and ideological currents in Greece. The study of Zygos texts reveals the opposition “greekness – modernism” as the main theme of this journal’s discourse. Our main conclusion is that Zygos showed a moderate promotion of modernity, reconciliating modernism with a desire of a Greek particularity. We note the presence of a discourse on modern art conceived as an evolution from Cézanne to abstract art, through cubism. However, this review also expresses a discourse whose main points are measure, humanism and the affinities between the “French spirit” and the “Greek spirit”. Several authors of Zygos defend the necessity of an intermediate way for art between faithful imitation of nature and complete rupture with it

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Pajot, Carole. "Jean Lorrain et l'œuvre d'art." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040102.

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Abstract:

Jean Lorrain est un écrivain de la fin du dix-neuvième siècle. Chroniqueur dans de nombreux journaux, il fréquente de très près les milieux et personnalités culturels de cette fin-de-siècle; il est de ce fait, en contact avec la production artistique de son temps, fréquentant les salons, les lieux d'exposition et les artistes eux-mêmes. Il a une approche bien particulière de l'œuvre d'art, livrant à ses lecteurs une image quelque peu gauchie de celle-ci. Une appréhension d'esthète raffiné, sensible à l'originalité d'un faire ou à la rareté d'un objet se mélange chez lui à la recherche de caractères suggestifs, propres à le faire rêver. L'œuvre doit servir de tremplin à ses rêves, qu'il pourra ensuite développer dans ses écrits fictionnels par l'intermédiaire d'un héros. Le roman développe ce que contient en germe la chronique et toujours l'identité de l'œuvre comme les règles classiques d'écriture disparaissent au profit du déroulement ininterrompu de la conscience du narrateur. La chronique devient une rêverie sur l'œuvre et le roman l'introspection d'un héros à la recherche de lui-même. Ce héros est à l'image de Jean Lorrain, perdu entre ses contradictions de chroniqueur mordant et d'homme trop sensible. Cherchant l'amour dans les bouges et la beauté dans la souffrance, l'écrivain livre une œuvre originale et excessive, dans laquelle l'œuvre d'art sert d'échappatoire à un monde jugé insatisfaisant et de miroir par la conscience des suggestions qu'elle peut provoquer chez lui. L'étude de son appréhension par Lorrain permet de mieux cerner son univers obsessionnel interne et de mieux comprendre les tenants d'une écriture à la rhétorique et aux thèmes déconcertants Jean Lorrain is a writer working at the end of the nineteenth century. As a regular contributor to a number of newspapers he moves in the cultural circles of this "fin-de-siècle" era. Thus he is in contact with the artistic production of his time, frequenting salons, exhibitions and the artists themselves. He has a very distinctive approach to the work of art, giving his readers a somewhat distorted image of it. He combines the apprehension of a refined aesthete, sensitive to originality and rarity, with the search for appropriate characters to make him dream. A work of art must serve as a launching pad for his dreams which he can develop in his fictional writing, with a hero as intermediary. His novels develop the seeds contained in his articles. The identity of the work and the classical rules of literature always disappear to be replaced by the continuous unfolding of the narrator's consciousness. The article is thus a musing on the work of art and the novel the introspection of a hero in search of himself. This hero represents Jean Lorrain, lost between his contradictory roles as a scathing critic and an over sensitive man. Looking for love in down and out places and for beauty in suffering, the writer produces an original and extreme work, in which the work of art serves as an escape route from an unsatisfying world and as a mirror for the narrator's consciousness. The study of his apprehension allows us to define more clearly the obsessional world of the writer and to understand better the various aspects of writing with such disconcerting rhetoric and themes

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Liucci-Goutnikov, Nicolas. "Les voies de la singularité : pour une généalogie des oeuvres d'art." Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3081.

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Abstract:

S’il n’existe pas d’« objet esthétique », comme l’ont soutenu Genette et Schaeffer, mais simplement des « relations esthétiques », comment définir ce que sont ou ce que font les œuvres d’art ? Un concept élémentaire, présent de façon diffuse dans de nombreux écrits sur l’art, se révèle opératoire : le concept de singularité. La singularité peut expliquer nombre des qualités attribuées aux œuvres d’art, notamment leur capacité maintes fois relevée à arrêter l’attention. Comme l’ont souligné de nombreux penseurs, de Kant à Goodman, l’œuvre d’art tient l’esprit en éveil : dans la relation aux œuvres d’art, écrit ce dernier, « le moteur est la curiosité et le but est d’obtenir des lumières » [Nelson Goodman, Langages de l’art (1968), trad. J. Morizot]. Exigeant que l’attention se porte sur l’objet en tant qu’individu, la singularité met à mal les généralités formulées sur les œuvres d’art, tout en inscrivant chacune d’entre elles dans l’histoire. Pour percevoir et comprendre une singularité, il est nécessaire de connaître le « monde de l’art » contre lequel elle s’affirme : l’établissement d’une généalogie se révèle indispensable. Renversant la logique de l’origine, l’identification de la parenté immédiate d’une œuvre d’art permet de saisir des relations d’identité entrelacées, croisées, mais aussi et surtout ces différences déterminantes grâce auxquelles l’œuvre peut affirmer sa propre singularité… et peut-être de susciter à son tour une descendance. Plusieurs études de cas s’attachent à le montrer - textes sur l’art de Greenberg, Rosenberg ou Judd, et œuvres d’art de Warhol, Levine ou Sehgal –, cherchant à tracer ainsi, de façon généalogique, les voies de la singularité If there is no such object as an “aesthetic object”, as Genette and Schaeffer have argued, but only “aesthetic relations”, how to define what an artwork is or does? An elementary concept, present in a pervasive manner in many writings about art, appears to be operative: the concept of singularity. Singularity can explain a lot of the qualities, which are usually assigned to artworks, in particular their ability to draw attention on them. As many authors have emphasized, from Kant to Goodman, an artwork keeps the mind active: in our relation to artworks, writes the latter, “the drive is curiosity and the aim enlightenment”.Given that this sort of attention requires to focus on the object as an individual, singularity jeopardizes the generalities, which are usually stated about artworks, though inscribing each of them in history. In order to perceive and to understand a singularity, it is necessary to know against which “artworld” this singularity asserts itself: an indispensable step seems the establishment of a genealogy. Through reversing the logic of origin, the identification of the immediate relationship of an artwork allows to embrace intertwined identity links, but also, and above all, these decisive differences, which allow the artwork to assert its singularity… and maybe to arouse some descendants. Different case studies make every effort to show it – texts about art written by Greenberg, Rosenberg or Judd, artworks from Warhol, Levine or Sehgal –, trying to trace, along a genealogical path, the roots of singularity

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Jonker, Maria Anna. "Diderot's shade : the discussion on "ut pictura poesis" and expression in art criticism 1819-1840 /." Amsterdam : M. Jonker, 1993. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb356982086.

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Abstract:

Proefschrift--Faculteit der Letteren--Universiteit van Amsterdam, 1994. Mention parallèle de titre ou de responsabilité : De @schim van Diderot : de discussie over "ut pictura poesis" en expressie in de Franse kunstkritiek 1819-1840 / door Maria Anna Jonker. Résumé en néerlandais. Notes bibliogr. Index.

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Fournier, Catherine. "Marius-Ary Leblond, écrivains et critiques d'art." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040118.

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Levanto, Yrjänä. "Kirjoitetut kuvat : Ludvig Wennervirran taidekäsitys /." Helsinki : Taideollinen korkeakoulu, 1991. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb414247040.

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Jeannerod, Aude. "La critique d'art de Joris-Karl Huysmans. Esthétique, poétique, idéologie." Thesis, Lyon 3, 2013. http://www.theses.fr/2013LYO30064.

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Abstract:

Étudier la critique d’art de Joris-Karl Huysmans soulève des enjeux esthétiques, poétiques et idéologiques. Si elle constitue un genre à part entière, que l’auteur a pratiqué en tant que tel, la critique d’art entretient des relations de complémentarité et d’interférence avec le reste de l’œuvre. S’y élabore en effet une esthétique, qui à son tour définit une poétique : parce que le critique est également écrivain, la réflexion qu’il mène au sujet des arts plastiques – peinture, sculpture, architecture – se développe parallèlement à sa pratique d’écriture. Ses options critiques reposent sur une analogie entre les arts, s’inscrivant en cela dans une longue tradition, qui va de l’ut pictura poesis horatien aux correspondances baudelairiennes, en passant par le paragone de la Renaissance. Aussi regarde-t-il l’art en tant qu’écrivain, y cherchant tantôt la confirmation de ses idées sur la littérature, tantôt un modèle d’écriture. Mais parce que la critique engage des valeurs et des convictions, elle se fait aussi la chambre d’écho des options idéologiques de son auteur, aux plans socio-économique, politique et épistémique. Huysmans regarde l’art à travers une idéologie qui se décline en un certain nombre de valeurs et de contre-valeurs : héritier d’un siècle de romantisme, il entretient un rapport douloureux avec son temps, en délicatesse avec la pensée de son époque. Cette idéologie – à la fois anticapitaliste, antibourgeoise et antimoderne – filtre donc le regard qu’il pose sur l’art : elle détermine en partie ses jugements esthétiques, elle les oriente de façon diverse et souvent contradictoire In Joris-Karl Huysmans’s art criticism, aesthetics, poetics and ideology are at stake. Though art criticism is a genre in its own right, which the author used as such, it maintains close relations with his other works: they complete one each other as well as they interfere together. In his art criticism, Huysmans develops aesthetics, which define in its turn poetics: because the critic is also a writer, his thinking about visual arts – painting, sculpture, architecture – runs parallel with his writing process/practice. His critical assessments rest upon a comparison between the arts and therefore form part of a tradition which roots in Horace’s maxim ut pictura poesis, crosses the Renaissance period with the paragone and leads to Baudelaire’s correspondances. When watching a painting, Huysmans remains a writer: he’s looking for a confirmation of his ideas about literature or a model for his writing. But because art criticism puts values and beliefs at stake, it echoes the ideological choices of its author, on socio-economic, political and epistemic levels. Huysmans sees the arts through an ideology which comes in various values (et contre-valeurs): heir of a century deeply marked by romanticism, he maintains painful relationships with his time, in trouble with modern ideas. His ideology – against capitalism, bourgeoisie and modernity – filters the way he considers the arts; it partly determines and influences, in various but often opposing ways, his aesthetic judgement

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Shih, Chiu-Yen. "Le modèle esthétique dans la critique d'art de Zola. Essai de sémiotique syncrétique." Paris 8, 2011. http://www.theses.fr/2011PA083313.

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Abstract:

Des arts différents peuvent nous émouvoir avec une intensité semblable, comme le font la critique d’art de Zola et la peinture impressionniste. D’où vient la force des arts ? Elle est dans notre corps. Car les arts multiples suscitent un mouvement moléculaire dans le corps. Ce mouvement est, selon Hippolyte Taine la cause de toute émotion, de tout sentiment. La perception des arts, comme celle du monde, résulte de ces motions intimes, qui produisent la sensation. Celle-ci est, selon Zola, l’origine du sentiment et de la pensée. De là émerge la dimension universelle de l’esthétique zolienne fondée sur le travail sensible. Car le monde existe par les cinq sens intégrés dans la sensori-motricité. Par l’approche sémiotique, cette recherche, à travers l’analyse des images mentales tirées de la critique d’art de Zola, a pour objectif de construire un modèle esthétique, qui fera ressortir l’origine de la force de son écriture critique fondée sur le monde visible et exprimée en termes figuratifs. Cela nous conduira à dégager plus largement l’origine de la force de la correspondance des langages divers, et ainsi le syncrétisme de la sémiotique du langage littéraire et du langage pictural The different arts can move us with a similar intensity as art criticism of Zola and Impressionist painting do. Whence is the power of the arts? It is in our body. And this, because the arts generate a molecular motion in the body. This motion is the cause of every emotion, every feeling, according to Hippolyte Taine. The perception of the arts, of the world, results from this intimate motion, which produces the sensation. This is, according to Zola, the origin of feeling and thought. From there emerges the universal dimension of Zola esthethics, based on sensitive work. And this, because the world exists through the five senses which integrate sensori-motricity. By a semiotic approach, this research, through the analysis of mental images drawn from art criticism of Zola, aims to construct an esthetic model, which will highlight the origin of his critical writing strength based on the visible world and expressed through figurative termes. This will lead us to identify more widely the origin of the strength of the correspondence of various languages, and thus the syncretism of the semiotics of literary language and the semiotics of visual language

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Grasman, Edward. "In de schaduw van Vasari : vijf opstellen over kunstgeschiedschrijving in 18de-eeuws Italië /." [S.l. : s.n], 1992. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35680925k.

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Pinchon, Pierre. "Jean Dolent et son oeuvre (1835-1909) : écrivain, critique d'art et collectionneur." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010717.

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Abstract:

Actif entre la première exposition impressionniste et la publication du Manifeste futuriste, Jean Dolent (1835-1909) est d'après la notice que lui a consacré J. -P. Bouillon dans La Promenade du critique influent; "le principal méconnu de la période". Écrivain, critique d'art, collectionneur et ami des plus grands artistes (Carrière, Gauguin, Rodin, Bracquemond. . . ), cet homme affable - décrit par Camille Mauclair comme le « Mallarmé de Belleville» - a exercé une influence discrète mais efficace sur le monde artistique au temps du symbolisme. Refusant le titre de critique professionnel, Dolent a produit une critique très appréciée des artistes indépendants tant pour la subtilité et le laconisme de sa prose que pour ses prises de position en faveur de la défense de la modernité. Il est aussi le fondateur en 1874 des « Dîners des Têtes de bois », club qu'il présida de 1884 à 1896. Sa demeure, la villa Ottoz, était vers 1890 un des plus importants salons symbolistes

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Krebs, Sophie. "L'Ecole de Paris, une invention de la critique d'art des années vingt." Paris, Institut d'études politiques, 2009. http://www.theses.fr/2009IEPP0045.

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Abstract:

L’Ecole de Paris est née en 1923 au cours d’une querelle dite « des étrangers » ou des « Indépendants » au moment de l’organisation des salons de 1923 et 1924. La critique d’art, celle favorable aux étrangers, a inventé cette notion pour séparer les étrangers installés depuis longtemps en France des vrais étrangers, en s’appuyant sur le constat d’une immigration forte notamment à Montparnasse. Grâce à sa position dominante dans la presse et l’édition, elle a révélé les réseaux d’artistes qui unissent Français et étrangers, écrivains et artistes fondés sur une entraide mutuelle. Ces réseaux traversent ceux d’un anarchisme diffus mais bien présent. Cette même critique a fabriqué mythes et légendes individuelles ou collectives d’un Paris accueillant et prompte à faire éclore tous les talents venus du monde entier. Pourtant, derrière cet universalisme revendiqué, la critique au cours de ces années 20 révèle des positions de plus en plus divergentes, passant d’un cosmopolitisme généreux à un nationalisme frileux, pouvant même amener à une xénophobie plus marquée au nom de la défense de l’art français. La question de l’antisémitisme accompagne le débat sur les étrangers, posant parallèlement la question d’une école juive (de Paris) ou d’un art juif. Enfin, au début des années 30 qui marque la fin de l’Ecole de Paris, les institutions muséales séparées en deux, le Jeu de Paume réservé aux étrangers et le Luxembourg aux seuls français, s’emparent de la notion d’Ecole de Paris pour introduire la modernité sur les cimaises. La naissance du musée national d’art moderne qui réunit les deux collections ne résout pas le problème qui établissait une distinction « ethnique » et non artistique « L’Ecole de Paris », was launched in 1923, in the course of a quarrel said « Quarrel of the Independants », during the organization period of the 1923 and 1924 « Salon ». The art critics, who were in favor of the foreigners, invented this notion to distinguish the foreigners installed in France for a long time, from the true foreigners. They were relying on the fact that a strong immigration movement could be observed in Montparnasse. Thanks to its dominating position in the Press and in the publishing business, this movement revealed artistic networks, which were associating French and foreigner writers and artists, and which were grounded on mutual aid. These networks were crossed with diffuse but very present anarchistic networks. The same art critics fabricated individual or collective myths and of a welcoming city of Paris, which would be eager to let blow all talents from the entire world. Yet, behind this claimed universalism, artcriticism revealed divergent positions along the 1920s, from generous cosmopolitism, to overcautious nationalism, even to a more affirmed xenophobia in the name of the defense of French art. The question of anti-Semitism goes along with the debate on foreigners, and at the same time raises the question of a Jewish School of Paris and Jewish art. At last, in the beginning of the 1930s, a time which marked the end of the “Ecole de Paris”, the museums then grabbed the notion of “Ecole de Paris” in order to introduce modernity. The new “Musée national d’art moderne”, which bound the two collections, does not solve the question which established an “ethnic” distinction, and not an artistic one

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Papandreopoulou, Aikaterini. "Camille Mauclair (1872-1945), critique et histoirien de l'art : "une leçon de nationalisme pictural"." Thesis, Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010664.

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Abstract:

Camille Mauclair (1872-1945) est l'un des auteurs qui comptent non seulement parmi les plus prolifiques mais aussi parmi les plus lus de son temps. S'il a su puiser dans toutes les occasions offertes par la Troisième République, investissant sa curiosité des débuts dans différents genres (roman, poésie, essai et critique), c'est toutefois en tant que critique d'art qu'il s'affirme professionnellement. Ce travail de recherche retrace le parcours professionnel et intellectuel de Mauclair, des années modernistes du symbolisme aux années de l'entre-deux-guerres et de l'Occupation, et explique à travers l'histoire des idées comment un auteur internationaliste a placé la question nationale au cœur de son débat et est progressivement devenu un pôle de conservatisme et de réaction. Sa perception d'un art national basé sur le XVIIIe siècle inaugure une histoire de l'art vulgarisatrice et nationaliste. La notion de crise devient pour lui une clé pour la compréhension du système de l'art qui l'entoure. La radicalisation de ses thèses l'amènera à une collaboration déterminante avec l'homme influent de l'extrême-droite François Coty et cette collaboration fera de Mauclair un pamphlétaire de l'art. Au début de la Deuxième Guerre mondiale, le critique adhère à la presse collaborationniste et ses choix réactionnaires et antisémites lui coûteront la postérité Camille Mauclair (1872-1945) was one of the most prolific and most read authors of his times. He used every opportunity offered to him by the Third Republic and he engaged his talents to many literary genres: fiction, poetry, essays, and critiques. However, he only established himself professionally as an art critic. This thesis traces the professional and intellectual itinerary of Camille Mauclair from his early preoccupation with the modernism of symbolism to his later reactionary period and seeks to explain how an initially internationalist author placed the national idea at the heart of his debate. His perception of national art as starting from the l8th century launches a popularizing and nationalist art history. He furthermore develops the notion of crisis in ail levels and he turns it into a key to the understanding of the system of modern art. The radicalization of his opinions leads to his collaboration with the powerful figure of extreme-right François Coty which will make him a profession al lampoonist. During the Second World War, Mauclair joins the collaborationist press and his reactionary and anti-Semitic opinions will ruin his posthumous fate

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Padovani, Simona. "« Un sentiment inconnu » : L'art italien dans l'Arrière-pays et dans les écrits d'art d'Yves Bonnefoy." Caen, 2014. http://www.theses.fr/2014CAEN1030.

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Abstract:

Dans ses Entretiens sur la poésie, Yves Bonnefoy parle de l'Italie comme du lieu où réside « l’arrière-pays » et où son démon de la création se réveille. L’objet de mon étude est de mettre au jour l’espace qui se dessine à partir de l’art italien dans les écrits critiques et fictionnels du poète. À cette fin nous avons adopté une méthode inspirée de la critique phénoménologique et de la sémiotique de l’art. Tout le système de figuration des arts plastiques est soumis, dans l’écriture critique d’Yves Bonnefoy, à un acte second, à une mise en perspective poétique, par un mouvement de réflexion médiateur. Dans une visée ontologique, pour éclairer la création artistique, Yves Bonnefoy travaille sur le questionnement de l’être et le désir d’être. Notre projet s’attache à un paradigme cognitif que le poète appelle « le rêve du désir d’être », le « désir ontologique de sens » qui serait incontestablement le signe métaphysique du grand art italien In his Dialogues on Poetry, Yves Bonnefoy refers to Italy as the country where the mirage of the « arrière-pays » (« the back country ») takes place and his aesthetic haunting is elicited. This study aims to elucidate the relevance of Italian art in the poet’s critical and fictional writings. Dealing with the topic, we chose a theoretical and phenomenological approach and focused our research on the semiotics of art. Yves Bonnefoy’s critical and poetical writings engage visual semiotics in the fine arts through a complex relationship: a dialectic second act in the thought process. Yves Bonnefoy provides a background for looking at art criticism by questioning the ontological distinction between being and desire theories. Our research project investigates a cognitive paradigm inasmuch as, in the poet’s terms, « the dream of the desire for being », « the ontological desire for meaning » is unquestionably assumed to be the metaphysical concern of great Italian art

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Gacongne-Leroux, Claire. "La réponse de la critique à l'art technologique : archéologie d'un discours." Paris 1, 2007. http://www.theses.fr/2007PA010524.

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Abstract:

L'étude du discours critique français sur l'art technologique depuis 1963 éclaire tant sur les pratiques artistiques, l'esthétique et les comportements culturels que sur la pratique critique elle-même: Défiée dans ses bases par des productions sans précédent ni référent et utilisant une technologie sans cesse novatrice, la critique réussit à réinventer un regard et un langage spécifiques, qui puise dans ses racines autant que dans son nouvel environnement. En 40 ans, les productions artistiques technologiques ont atteint une maturité et interrogent quatre esthétiques (virtualiste, de la relation à soi, de la relation à l'extérieur et activiste) dont les critiques rendent compte selon une typologie à six entrées: critique d'idées, poétique, raisonnée, promotionnelle, journalistique et Nouvelle Critique. Autour du pôle de la modernité gravitent deux univers: machiniste et humaniste. Une troisième approche critique, hybride, s'avère spécifique à l'art technologique.

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Caillet, Aline. "La critique artiste à l'âge contemporain : formes, modalités et pertinence d'une critique sociale et politique dans les pratiques d'art d'intervention des années 1990-2000." Paris 10, 2005. http://accesdistant.bu.univ-paris8.fr:2048/login?url=https://www.dawsonera.com/abstract/9782296198524.

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Abstract:

La modernité artistique, au travers de ses avant-gardes, s'est caractérisée par une volonté constante de faire de l'art un espace critique, vecteur d'émancipation, susceptible de constituer une alternative au désenchantement induit par le développement du capitalisme et le triomphe de sa rationalité économique. Face au rétrécissement des possibilités critiques et à la récupération incessante de l'activité artistique, une telle critique artiste peut-elle encore, à l'âge contemporain, avoir un sens et une efficience ? Ce présent travail se propose de montrer que ces difficultés, loin d'invalider la possibilité d'un projet critique d'essence moderne, le contraignent à l'inverse à repenser ses formes et ses modalités, éclairant ainsi et dépassant les écueils et les échecs portés par les avant-gardes du siècle dernier. Contraint à faire preuve de stratégies et de tactiques à même de déjouer les procédures de contrôle, cette nouvelle critique artiste, qui tente d'échapper à l'intégration institutionnelle et s'ouvre sur le réel et l'Autre, renégocie le rapport de l'art au monde et au spectateur Artistic modernity, through its avant-gardes, was characterized by a constant will to make art a critical space, vector of emancipation, likely to constitute an alternative to the disenchantment induced by the development of capitalism and the triumph of its economic rationality. Facing the contracting of the critical possibilities and the ceaseless recovery of the artistic activity, can such an artist criticism still, at the contemporary age, have direction and efficiency? his present work proposes to show that these difficulties, far from invalidating the possibility of a modern critical project force it, in contrary, to reconsider its forms and modalities, enlightening the reasons of the historic avant-gardes' failure in the last century. Forced to be ingenious and crafty liable to avoid control's systems, this new artist criticism, who tries to escape from institutional integration and opens on reality and the Other, renegotiate the relation of art to the world and to the spectator

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Simandlovà, Klára. "L'art tchèque 1957-1970 : positions théoriques et critiques." Paris 10, 2003. http://www.theses.fr/2003PA100184.

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Abstract:

A la sortie de l'époque stalinienne (1956), la culture tchèque se trouve en début d'une période d'ouverture qui aboutira aux événements des années 1968. La théorie et la critique de l'art entre 1957-1970 cherchent des nouvelles positions pour interpréter le passé de la culture tchèque, le présent de l'art mondial ainsi que la problématique de l'art contemporain en général, les mécanismes de son évolution, ses limites et sa place dans la société. L'analyse des idées phares de la théorie et la critique tchèque s'appuie sur les écrits publiés en contact avec les courants artistiques les plus marquants de cette époque : le modernisme des années cinquante, l'informel entre 1960-1965, l'art de l'objet et les nouvelles figurations à partir de 1965, le néo-constructivisme et ses. Issues entre 1964-1970. Elle tente de démontrer que ses écrits ne se limitent pas à l'interprétation d'un problème mais forment une trame qui définira la pensée sur l'art dans les années à venir et qui exerce son influence jusque présent Following the end of the Stalinist era in 1956, a gradual process of liberalization begins in Czech culture, the height of which is reached during the events surrounding 1968. Creative theory and criticism search for a new position between 1957 and 1970, a position from which it would to be possible not only to interpret' Czech culture's part and contemporary world art, but also the general problems of modem art, the mechanisms of its development, its limits, and its place in society. This paper contains an analysis of the key opinions of Czech theory and criticism, which emanate from texts commenting on and justifying the most distinctive trends of period graphic art: the modernism of the Fifties, the informal art of the period 1960-1965, the object art and the new figuration from 1965 onwards, and the neo-constructivism of the period 1964-t970. The paper shall attempt to demonstrate that the texts analysed do not limit themselves only to an interpretation of problems in isolation, but collectively create a specific, theoretical sketch that defines the critical opinions of the subsequent period and whose influence is evident to this day

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Besson, Christian. "Au gai savoir de la critique : histoire de l'art contemporain et sémiotique appliquée (essais monographiques." Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20053.

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Abstract:

Le corps de cette thèse est constitué de 23 études monographiques sur l'œuvre d'artistes contemporains pour la plupart. Ayant déjà donné lieu à des prépublications, elles ont toutes été revues, corrigées, augmentées ou précisées et sont rassemblées par ordre chronologique. Chacune porte sur un problème sémiotique particulier: R. Long (dispositif sémiotique et poétique), J. Gerz (critique de la représentation et Dichtung), M. Merz (chiffre de la création), A. Et P. Poirier (Ars Memorandz), M. Verjux (dispositif, allégorie), D. Vermeiren (champ et véhicule), N. Toroni (énoncé et supplément), S. Taeuber (grille), C. Bart (index indéfini), H. Duprat (curiosité), P. Cazal (autoportrait), J. Mogarra (banalité, mysticisme), J. Armleder (désœuvrement), R. Fauguet (chronotope et dialogisme), G. Honegger (création, salvation), G. Umberg (topologie du spectateur), Y. Oppenheim (narratologie picturale), D. Schlier (dessous de la peinture), É. Bossut (substance du signifiant), L. Pariente (neutre), B. Venet (transparence/ opacité), Yan Pei-Ming (nom propre, traduction), D. Buren (nom propre, neutre). Le choix des artistes a été effectué en vue de constituer un panorama sémiotique diversifié. L'analyse des sources discursives (textes et déclarations de l'artiste) est une constante méthodologique. L'" excès critique" (Barthes) est revendiqué. La focalisation délibérée et l'énoncé explicite des interprétants répondent au requisit de falsifiabilité. Une longue introduction fait la synthèse des outils utilisés et développés. Les références principales vont à Ch. S. Peirce et Umberto Eco. L'abandon du critère esthétique par les néo-avant-gardes a conduit à l'adoption d'un point de vue textuel. Les acquis sémantiques, poétiques (questions génériques) et pragmatiques (pr. Intégrée) sont successivement examinés. Leur intrication est pointée. Ainsi conçue, selon une approche monographique et sémiotique, l'histoire de l'art restitue à son objet son " estrangement ", et se range dans le camp de la micro-histoire (Ginsburg). Elle dégage des traits morphologiques qui, mis en perspective (modernité, tradition occidentale, etc. ), laissent apercevoir une historicité non uniforme. Elle débouche sur une archéologie de l'art qui porterait sur la modalité du Croire, plutôt que sur celle du Pouvoir This dissertation is essentially made up of 23 monographic essays on the work of - mostly contemporary - artists. Previously published in preliminary version, these essays, now collected in chronological order, have all been revised, corrected, amplified or clarified. Each focuses on a specific semiotic problem : R. Long (semiotic and poetic device), J. Gerz (criticism of representation and Dichtung), M. Merz (cypher of creation), A. & P. Poirier (Ars Memorandi), M. Verjux (device, allegory), D. Vermeiren (field and vehicle), N. Toroni (utterance and supplement), S. Taeuber (grid), C. Bart (indefinite index), H. Duprat (curiosity), P. Cazal (self-portrait), J. Mogarra (triteness, mysticism), J. Armleder (un-working), R. Fauguet (chronotope, dialogism), G. Honegger (creation, salvation), G. Umberg, (topology of the beholder), Y. Oppenheim (painting and narratology), D. Schlier (below the painting), É. Bossut (the substance of signifier), L. Pariente (neutral), B. Venet (transparency / opacity), Yan Pei-Ming (proper noun, translation), D. Buren (proper noun, neutral). The choice of these artists was aimed at presenting a diversified semiotic panorama. The analysis of discursive source-material, i. E. Texts and statements by the artist, has been integrated in a constant methodology. "Critical excess is claimed (Barthes). The stated focalisation and the explicit determination of the "interpretant" meet the requisit of falsifying (Popper). Ln a long introduction, synthesis is offered of the instruments which have been applied and further developed. The major references are to Ch. S. Peirce and Umberto Eco. The challenge presented by the neo-avant-garde - viz. Forsaking the aesthetic criterion - open the way to assuming a textual ventage-point. The semantic, poetic (generic questions) and pragmatic (integrated pragmatic) achievements are successively examined. The examination provides a fingerpost to their entanglement. History of art thug considered in a monographic and semiotic approach takes sides with micro-history. It makes it possible to draw out morphologic features which, put in perspective (modernity, Western tradition, etc. ), bring to light a non-uniform history. It leads up an archaeology of art whose matter is the modality of Belief, rather than of Power

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Fabelova, Karolina. "Les relations artistiques entre Prague et Paris 1889-1910 : la critique d'art et la recherche de la modernité." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010557.

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Abstract:

Dans la période de 1889 jusqu'à 1910, quatre générations d'artistes tchèques menèrent une recherche sur la modernité (de l'académisme au cubisme) en essayant d'établir une tradition artistique et en même temps de mettre l'art tchèque en contact direct avec l'art européen, surtout français. L'art tchèque fut présenté au cours des expositions universelles de Paris en 1889 et 1900. De l'autre côté l'association Manes organisa des expositions de l'art français à Prague (Auguste Rodin 1902, L'art moderne français 1902 (par Gabriel Mourey), Les impressionnistes 1907 (par Camille Mauclair), Emile Bernard 1909, Antoine Bourdelle 1909, Les Indépendants 1910) et publia la revue Volné smery (Les tendances libres) qui devint l'organe principal des relations franco-tchèques. Ses éminents critiques d'art Milos Jirilnek et F. X. Salda se lièrent avec les critiques d'art étrangers -le Suisse William Rit ter qui écrivit à propos des artistes tchèques dans les revues françaises, l'Allemand Julius Meier-Graefe qui fut le seul critique d'art étranger propagant ouvertement l'art moderne, surtout l'oeuvre de Cézanne, en Bohème. Des Français ce fut Gabriel Mourey qui amena les exemples de la peinture impressionniste à Prague, Charles Morice introduisit l'oeuvre de Paul Gauguin sur la scène tchèque et Camille Mauclair devint le collaborateur de Voh,é sme,y le plus fidèle en écrivant sur l'art français. A partir de 1910, l'avant-garde tchèque du groupe Osma résolut les mêmes problèmes artistiques que leurs collègues français.

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Lachenal-Taballet, Lucie. "Beaux-arts et critique dans la presse parisienne sous la Restauration (1814-1830)." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H046.

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Abstract:

La Restauration est une période charnière pour la critique d'art en France. La législation de la presse se libéralise et le nombre de périodiques augmente considérablement. La création artistique elle-même connaît des transformations importantes : la remise en question de la hiérarchie des genres, le questionnement de l'imitation, l'affirmation de la sensibilité romantique, l'évolution du statut de l'artiste, etc. Ce travail propose une étude des critiques, de leurs pratiques d'écriture ainsi que des grands débats esthétiques du moment. Il repose sur un corpus renouvelé d'articles publiés sur les beaux-arts dans la presse parisienne de l'époque, englobant les comptes rendus des Salons mais également toutes les autres actualités artistiques (concours académiques, inaugurations de monuments, articles généraux sur les arts, etc.). La réflexion qui s'articule en trois temps a pour but de mettre en relief les principaux enjeux de la critique de cette période. L'étude de l'intertextualité des critiques mais aussi celle des débats du moment (les sujets et les sources d'inspiration à privilégier, le romantisme, la tension entre talent individuel et école française) permettent de tracer les différentes conceptions artistiques des critiques qui coexistent. Les débats politiques intenses de cette période ne sont pas sans effet sur les textes critiques, qui possèdent parfois une forte résonance idéologique. Enfin, le critique s'affirme comme une voix nécessaire et comme un régulateur du monde artistique, exigeant un droit de regard sur la politique artistique et plus largement sur toutes les initiatives visant à promouvoir les arts et les artistes The Restoration is a pivotal period for art criticism in France. Press Jaws are loosened and the number of periodicals raises significantly. The artistic practice itself faces profound changes: the progressive questioning of the hierarchy of pictorial genres and of imitation theory, the assertion of a romantic sensitivity and the evolution of the status of artists in society, etc. This thesis proposes a study of the critics, theirs writing practices and the most important artistic and aesthetic debates of the time. It draws upon a renewed corpus of articles on the fine arts published in the Parisian press of this period, taking into account not only Salons reviews but also other artistic events such as academic competitions, inaugurations of monuments, general articles on fine arts, etc. Following a tripartite structure, this study aims to put into perspective the major concerns of the criticism of the Restoration period. The study of the intertextuality of the critical texts as well as the main debates (prevalent subjects and sources of inspiration, romanticism, the tension between individual talent and French school) allows us to map the critics' various coexisting artistic concepts. The intense political debates of the time also have an impact on art criticism, and at times ideological motivations resonate strongly in the articles. Finally, the critics assert themselves as a necessary voice and as a regulator of the art world, claiming the right to judge not only the government's artistic policy but more generally ail the initiatives intended to promote arts and artists

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Raymond, François. "Valeurs de l'objet d'art : variations et usages potentiels." Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26107.

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Abstract:

Le mémoire qui suit accompagne l’exposition Paysages Financiers, présentée à la galerie Art Mûr de Montréal, du 17 janvier au 28 février 2015. Dans cette exposition, j’aborde les thèmes de la sacralisation de l’objet d’art, de son potentiel de profanation ainsi que la notion de valeur des œuvres. J’y présente un corpus d’œuvres constitué de : « Chemin de fer de fortune, Espaces publicitaires, Monuments, Bongzaïs, Paysages financiers, Venise 2015, Guichets manuels ainsi que Joseph le mendiant ». Issu d’une réflexion sur l’utilisation d’objets usuels possédant une valeur marchande précise dans la sphère des arts, mon corpus de maitrise questionne la possibilité d’usage de l’objet d’art et les tensions qui en découlent. En utilisant différents objets, images, symboles et codes de notre société que je détourne, je crée des œuvres picturales et sculpturales dont la notion symbolique, la notion de valeur et d’échange se métamorphosent. Je pose ainsi un regard sur les objets qui nous entourent ainsi que sur notre approche face au système de l’art. Je m’intéresse aux relations de sens (parfois disjonctifs) entre ces codes, mais surtout sur la relation entre le spectateur et l’objet d’art. Mots clefs : objet d’art - jeu (ludique) – sacralisation/profanation – détournement – marché de l’art

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Auzac, de Lamartinie Véronique d'. "Universalité et esthétique : le problème du logos comme métalangage de l'art." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010605.

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Abstract:

Ce travail est une réflexion sur la possibilité de dire l'art de façon rationnelle et critique sans poser le concept (l'universalité du logos) avant les oeuvres. Pour ce faire, il s'est élaboré à partir d'un échantillon de 40 créations des années 90. Les thèses proposées confirment la possibilité d'un discours critique qui se fonde selon Je mode ontologique des oeuvres (le lien qu'elles instaurent entre l'homme et le monde). A ce jour, l'art se distingue par une variété de l'étant: le plasticiel, l'idéel, l'existential et l'imaginai (poétique, ambivalent, psychologique, incohérent). L'existential et l'imaginaire se sont révélés être de l'étant, tandis que le plasticiel relève de l'apparition, de la présence, et l'idéel relève du logos. Un renversement épistémologique a été constaté. Ce sont les créations elles-mêmes qui définissent le domaine rationnel auquel les discours critiques doivent se soumettre. Le passage de l'étant des oeuvres aux langages des oeuvres a été effectué. Nous avons ainsi identifié la prose du plasticiel comme silence sémantique, les thèses de l'idéel, le récit de l'existential et la poésie de l'imaginai, pour aboutir à ce constat: le discours critique doit être un métalangage de l'imaginai comme traduction, un métalangage de l'existential comme commentaire, la prose du plasticiel, et le métadiscours de l'idéel. L'art multiple interdit un concept unique. Le discours, s'il veut être rationnel et dépasser son rôle actuel de travail consensuel doit s'adapter aux modes d'être et aux modes de signifier des créations contemporaines. L'art contemporain montre une richesse créative véritablement unique car il déploie une nouvelle variété dans la liaison qu'il opère entre " ce que nous sommes " et " ce qui est devant nous ". Ce sont justement ces variations que la réflexion esthétique doit prendre en compte. C'est ce qui a été tenté par ces thèses en évitant de poser l'hégémonie d'un concept unique et homogène avant les oeuvres.

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Gloor, Lukas. "Von Böcklin zu Cézanne : die Rezeption des französischen Impressionismus in der deutschen Schweiz /." Frankfurt am Main : L. Lang, 1986. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb36953896k.

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Park, Ki-Hyun. "La pensée de la couleur : esthétique et poétique chez Baudelaire." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA081308.

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Abstract:

La these consiste a suivre la pensee esthetique et poetique de baudelaire sur la couleur a travers ses critiques d'art, ses traductions de poe et de de quincey, et ses poemes en vers et en prose, les fleurs du mal et le spleen de paris. La conscience de la distance entre le voir et le dire prend une place importante dans la poesie francaise depuis l'epoque romantique jusqu'a la poesie moderne. La pensee baudelairienne de la couleur s'exprime d'abord a travers sa fascination pour la peinture et a travers ses ecrits sur la peinture, c'est-a-dire les salons. La critique d'art baudelairienne participe a la fois de la poesie et de la critique sans se reduire a aucune d'elles. Chez baudelaire, l'ecriture en quete de perfection et d'intensite se sent a l'etroit dans l'espace litteraire. Se mesurer aux arts plastiques est pour lui l'epreuve supreme des limites et des ressources nouvelles du langage. Cette intensite et cette energie s'expriment souvent par les images colorees. Si l'on peut dire que chez les poetes romantiques, et post-romantiques, un des elements primordiaux du poeme est l'image, et que le role fondamental du poete est de creer, en organisant ses images, une structure essentiellement suggestive, baudelaire cherche a organiser les images poetiques selon des criteres esthetiques semblables a ceux qui reglent la composition du tableau. Il semble meme possible de dire que la +pensee; de baudelaire, mais aussi sa poetique sont sous-tendues d'un modele pictural implicite. Dans ce sens, baudelaire ouvre l'horizon de la modernite a des poetes comme mallarme, rimbaud, verlaine, hofmannsthal, rilke, et george qui suivent le meme chemin dans la meme direction This thesis aimes at studying baudelaire's aesthetics and poetics of color by following his thought revealed in his art critique, his translation of poe's and de quincey's texts, and his verses and proses, les fleurs du mal et le spleen de paris. Since the romantic period, conscience about the gap between seeing and telling has taken an important place in the french poetry. Baudelaire's thought about color is exposed first by his fascination at paintings and his writing on paintings, that is, the salons. Baudelaire's art critique is a poetic prose as well as a critical text, without missing one of these aspects. Recognizing himself in comparison with the plastic arts is, for him, a sublime challange against the limits of language, and thus it may become a new source of language. This intensive power of language is often exposed with colored images. Whereas the primordial idea on the poetry of the poets of romantic and post-romantic period was, by organizing images, to create some suggestive structures, baudelaire organized poetic images by means of some criteria similar to those of paiting compositions. Thus, it seems that baudelaire's thought as well as his poetics are governed by a painting model. In this sense, baudelaire has opened the horizon of modernity to the poets such as mallarme, rimbaud, verlaine, hofmannsthal, rilke, et george

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Chevrefils, Desbiolles Yves. "Les revues d'art de l'entre-deux-guerres à Paris." Paris 1, 1992. http://www.theses.fr/1992PA010534.

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Abstract:

À partir de la lecture des textes fondateurs (éditoriaux, manifestes, déclaration de principes) de plus de 70 revues d'art publiées à Paris durant l'entre-deux-guerres (revues dadaïstes et surréalistes ; revues se réclamant d'un "esprit nouveau", vouées à la défense de l'abstraction ou de l'art sacré ; revues ou bulletins appartenant à une galerie d'art ; revues savantes ou consacrées à l'art académique ; magazines d'art. . . ), cette thèse construit un récit historique retraçant les évolutions de cette forme spécifique d'activité éditoriale By taking into account the leading papers published by more than 70 parisian art magazines between 1919 and 1939 (dadaist, surrealist and "esprit nouveau" magazines ; magazines devoted to abstract or sacral art ; magazines or bulletins published by art galleries ; scholarly magazines ; magazines on conventional art ; popular art magazines. . . ), the thesis relates the history and developments of this kind of publishing

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Ferreira, José. "Mobilis in immobili : la perception du mouvant dans l'oeuvre d'art inanimée." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010512.

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Abstract:

Notions-clés: émerveiller, donner la primauté à l'observateur, étendre la perception, mener le travail plastique comme un projet de design, décloisonner art & science. Comparaison entre le rapport de l’oeuvre d’art à son observateur & celui de l’objet utilitaire à son utilisateur. Réflexions sur la générosité de l’art. L’Homme qui marche de Rodin : oeuvre emblématique de l’ensemble de ma recherche. Éclairages philosophique, physico-mathématique & neurophysiologique des notions de mouvement & de mouvant. Le « mythe de l’instantanéité », un paradigme à bout de souffle des théories du mouvement & de sa représentation artistique. Les techniques de représentation du mouvement dans l’image fixe. Les illusions visuelles de mouvement & leurs mécanismes biologiques & phénoménaux sous-jacents. Élaboration d’artéfacts « kinogéniques » sur base de ces illusions, dans une prolongation figurative de l’art cinétique, au sein d’une fiction narrative menant à une exposition collective d’artistes hétéronymes.

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Mundviller, Mathieu. "Nanodramas : Identity Pills : l'identité et la consommation lue à travers l'oeuvre d'art Web." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/28219/28219.pdf.

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Abstract:

Ce mémoire est le résultat d’une recherche multidisciplinaire suivant les voies de la philosophie, de la sociologie et des études médiatiques afin de saisir le discours et les particularités uniques de l’œuvre d’art Web Nanodramas : Identity Pills de l’artiste d’origine brésilienne Rodrigo de Toledo. Dans l’optique de bien analyser le discours thématique de l’artiste, présentant l’identité comme un produit de consommation accessible par le biais d’un site de vente pastiche, il fut nécessaire de plonger dans l’analyse du média même, afin d’y puiser des ressources et des modalités uniques permettant de parfaire la réflexion sur l’œuvre. C’est ainsi que l’analyse juxtapose, en une seule enquête, une réflexion thématique à caractère sociologique à un examen philosophique et formel du Web, afin de dépeindre un portrait complet de l’œuvre et des attributs médiatiques singuliers employé par l’artiste. This thesis follows a multidisciplinary approach using the branches of philosophy, sociology and media studies, with the intention of comprehending the singular aspects of the Web artwork Nanodramas : Identity Pills by the Brazilian artist Rodrigo de Toledo. In order to understand correctly the message transmitted by the artist, the presentation of identity as a consumable product accessible via a fake commercial website, it was necessary to delve into the analysis of the media itself, and draw upon its unique resources to improve the reflection of the work. Following this line of though, the analysis is able to combine, in a single investigation, a sociological reflection of the artwork to a philosophical and formal examination of the Web, so that it was possible to depict a complete picture of Nanodramas and the unique media attributes used by the artist.

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Biass-Fabiani, Sophie. "Ecrire l'histoire de l'art de la marge." Thesis, Avignon, 2016. http://www.theses.fr/2016AVIG1161/document.

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Abstract:

Cette thèse sur travaux vise à reconstituer la cohérence d’une trajectoire de recherche caractérisée simultanément par : 1) le souci d’inclure l’histoire de l’art dans un cadre interdisciplinaire qui fait une place de choix à la dimension sociale et communicationnelle des formes sans toutefois l’y réduire ; 2) le projet d’interroger à nouveaux frais les rapports entre centre et périphérie artistiques à travers les textes les plus significatifs d’une carrière attachée à la conservation et la monstration. C’est la raison pour laquelle le mémoire s’ouvre sur une réévaluation de la portée heuristique des notions de centre et de périphérie. L’article fondateur d’Enrico Castelnuovo et Carlo Ginzburg est l’objet d’une relecture informée par la logique de recherche que les divers travaux révèlent. Dans un deuxième temps la grille analytique ainsi renouvelée est appliquée à un objet, la Provence. Cette région est à la fois un objet esthétique et un lieu de production. Son paradoxe est d’être un lieu de haute valeur symbolique en même temps qu’une périphérie, quelquefois même stigmatisée. Le troisième chapitre s’appuie sur une comparaison des artistes qui ont accompagné le parcours du conservateur. A cette occasion, les notions d’art, d’institution et de marché sont réinterrogées en accordant une importance particulière aux fonctions de l’exposition et de la critique d’art dans le processus de reconnaissance d’un artiste. Enfin, l’importance relative de la photographie et de l’art vidéo dans le travail de conservateur conduit à mettre à l’épreuve la notion d’« art moyen » développée par Pierre Bourdieu. On peut repérer les dynamiques propres à ces domaines qui visent à les faire sortir de la situation de relégation relative où ils se trouvent This dissertation based on works aims to reconstruct the cohesiveness of a research trajectory both characterized by: 1) the attempt to include art history in an interdisciplinary frame that gives a significant weight to its social and communicative dimension without being reductionist; 2) the will to question afresh the relationships between center and artistic periphery through published texts during a career devoted to curating and exhibiting. This is why the original text starts with a reassessment of Enrico Castelnuovo and Carlo Ginzburg famous article based on the research logic that different published texts reveal. Then the renovated analytical grid is applied to an object, Provence. This region is both an aesthetical object and a site of production. Its paradox leads it to be a place of high symbolic value as well as a periphery, sometimes stigmatized. The third chapter is based on a comparison between the artists that have been exhibited during the curator’s trajectory. By doing that, the notions of art, institution and market are revisited with a special attention given to the functions of exhibition and art critique in the process of artistic recognition. Last the relative importance of photo and video art in the curator’s trajectory leads to reassess the notion of middle-brow art (art moyen) developed by Pierre Bourdieu. One can thus identify the dynamics specific to those domains that aims to end the situation of relegation that has for long trapped them

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Weirich, Armelle. "Berta Zuckerkandl (1864 -1945) salonnière, journaliste et critique d'art, entre Vienne et Paris (1871-1918)." Thesis, Dijon, 2014. http://www.theses.fr/2014DIJOL037.

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Abstract:

A la charnière des XIXe et XXe siècles, Berta Zuckerkandl (1864-1945), salonnière et journaliste autrichienne, participa activement à établir des échanges artistiques, culturels et politiques entre la France et l'Empire austro-hongrois. Alors que ses liens familiaux avec Georges Clemenceau lui permirent d'entrer en contact avec les artistes et intellectuels parisiens qu'il fréquentait - Rodin, Carrière, Raffelli, Geffroy..., son salon rassemblait à Vienne quelques-uns des acteurs emblématiques de la Wiener Moderne - Bahr, Klimt, Wagner, Mahler...-, formant le noyau d'un vaste réseau social européen. Porte-parole de la Sécession viennoise, Zuckerkandl s'imposa également comme l'une des critiques d'art les plus productives de son temps, guidant les artistes et initiant le public à l'art moderne, en s'appuyant sur les initiatives françaises pour orienter le développement de l'art. Cette étude vise ainsi à mettre en lumière son rôle dans la dynamique des échanges artistiques entre Vienne et Paris. Elle apporte d'abord des éléments biographiques éclairant la place privilégiée de Zuckerkandl à la rencontre des cultures française et autrichienne. Elle montre ensuite son implication au sein des cercles artistiques autrichiens et offre une analyse détaillée d'un corpus d'écrits sur l'art moderne. Elle expose enfin les résultats de ses interventions en faveur de la promotion des artistes français et de la réception de leurs oeuvres en Autriche, mettant en lumière les objectifs artistiques, culturels et politiques poursuivis par Zuckerkandl, décidé à préserver la culture autrichienne à l'épreuve de la guerre et de la chute de l'Empire austro-hongrois At the end of the 19th and beginning of the 20th century, Berta Zuckerkandl (1864-1945), Austrian salonnière and journalist, engaged actively in artistic, cultural and political exchanges between France and the Austro-Hungarian Empire. Being on familiar terms with Georges Clemenceau gave her the opportunity to exchange ideas with artists and intellectuals in Paris, including Rodin, Carriere, Raffaelli, and Geffroy. Her salon in Vienna gathered some of the most pioneering personalities of the Wiener Moderne...- Bahr, Klimt, Wagner, Mahler...- and thus formed the centre of a vast social network within Europe. Being a spokeswoman of the Vienna Secession, Zuckerkandl established herself as one of the most active contemporary art critics. She guided artists and introduced the public into modern art by drawing on French initiatives to influence the art's development. The present study thus aims at highlighting her role in the dynamic artistic exchange between Vienna and Paris. It will first present Zuckerkandl's biography in order to draw attention to her privileged position in the exchange of the French and Austrian cultures. Secondly, it will show her impact on artistic Austrian groups and provide a detailed analysis of a corpus of selected documents dealing with modern art. It will finally discuss her interventions in favour of French artists and the reception of their works in Austria by highlighting the artistic, cultural and political aims pursued by Zuckerkandl, who was determined to preserve the Austrian culture despite the war and the collapse of the Austro-Hungarian Empire

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Gautier, Marie. "Les mots de la photographie : enquête sur la construction des discours théoriques et critiques en France 1945-1989." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010666.

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Abstract:

En France, à partir des années 1970, la photographie apparaît de manière discrète mais déterminante dans la critique d'art contemporain en raison de sa présence croissante dans les processus de création. Sur quels discours se fondent les critiques pour parler de photographie ? Quelles sont les références récurrentes de ces discours théoriques et critiques? C'est ce que cette thèse propose d'analyser à travers l'étude des revues d'art contemporain et notamment : Opus International, Art Press et Les Chroniques de l'art vivant. La diversité des disciplines convoquées pour l'élaboration des discours en photographie nous mène ainsi vers de nombreuses disciplines: Philosophie, esthétique, linguistique, sémiologie, psychanalyse, littérature et sociologie. La photographie est un catalyseur de modernité. A la fin des années 1970, et durant les années 1980, des revues consacrées spécifiquement à la photographie voient le jour et bénéficient des discours développés par la critique d’art

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Gauthier, Marc. "Les Salons parisiens au Canada : l'Exposition d'art français de Montréal en 1909." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/28634/28634_1.pdf.

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Guichard, Charlotte. "Les amateurs d'art à Paris dans la seconde moitié du XVIIIe siècle." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010617.

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Abstract:

Cette thèse étudie l'émergence de la figure de l'amateur, qui s'impose dans la seconde moitié du XVIIIe siècle comme un maillon essentiel dans le passage du système monarchique des arts au marché de l'art du XIXe siècle. L'amateur n'est pas seulement un collectionneur, c'est une figure plurielle, constituée par un faisceau de pratiques et de représentations. Constituée dans un jeu entre le statut académique d'amateur honoraire, la circulation des œuvres, la diffusion de la commande privée et les pratiques mondaines de l'image, l'amateur devient une figure-clé de l'espace artistique parisien. Promue par le mouvement de réforme académique des années 1740, qui dispense un modèle régulateur du public, la figure de l'amateur cristallise les polémiques sur les fondements du jugement de goût et sur la définition des pratiques patriotiques dans le domaine artistique, qui accompagnent la naissance de l'espace public de l'art à Paris. Parallèlement, le développement des collections est au cœur de la figure de l'amateur: les collections servent de support à des pratiques d'expertise, de sociabilité et de publication du nom. Ces réputations individuelles naissent dans des cercles restreints et locaux, et dans l'espace du marché de l'art. Au siècle des Lumières, les amateurs incarnent alors la mise en ordre, artistique ou savante, du monde des objets tandis que l'esthétique de la collection témoigne des appropriations privées des œuvres. Enfin, la diffusion des arts au sein des élites sociales et l'apparition de sociabilités artistiques et mondaines favorisent l'essor des pratiques artistiques non professionnelles. L'amateur est aussi un artiste amateur.

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Evezard, Juliette. "« Un art autre » : le rêve de Michel Tapié de Céleyran, il profeta de l’art informel (1937-1987) : une nouvelle forme du système marchand - critique." Thesis, Paris 10, 2015. http://www.theses.fr/2015PA100010.

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Abstract:

L’objectif de cette Thèse est de collecter, d’analyser et de faire connaître le contenu des archives internationales et familiales inédites, rendant compte, par leur diversité, des activités protéiformes de Michel Tapié de Céleyran (1909-1987). Inventant sa profession d’entrepreneur d’art en conciliant plusieurs activités : critique d’art, éditeur, conseiller artistique, courtier et collectionneur, il a mis en relation des galeries internationales en organisant, à travers le monde des expositions de ses artistes. Il a contribué aux destinées internationales de plus de cent-quatre-vingt artistes dont certains noms brillent, dans la constellation Tapié, plus que d’autres : Dubuffet,Mathieu, Pollock, Riopelle, Sam Francis, Tapiès, Saura, Fontana, De Kooning.Soucieux de se créer une position pour l’actualité et pour l’histoire, il inventa « Un Art Autre », un véritable système théorique et marchand s’appuyant sur des méthodes de communication qu’il sut créer avec l’aide de ses amis artistes de combat : l’édition au service de son autopromotion, la fabrication de l’événement à partir des expositions itinérantes relayées par la presse, en France, en Espagne, aux États- Unis, en Italie, au Japon et en Iran.« Il Profeta » est le surnom que lui attribuent les artistes italiens, séduits par la personnalité de Michel Tapié qui est venu en Italie apporter la parole de l’art Informel dont il inventa l’appellation The aim of this PhD thesis is to collect, analyse and promote the content ofunpublished international and family archives, highlighting the diversity of MichelTapié de Céleyran (1909-1987)’s activities. Tapié invented his own trade as an artentrepreneur, mixing several occupations: art critic, publisher, art councillor, trader and collector. He also connected together international galleries, organising exhibitions of his own artists, worldwide. He took part in the international fate of more than 180 artists, forming Tapié’s constellation, in which some names still shine more that others, such as Dubuffet, Mathieu, Pollock, Riopelle, Sam Francis, Tapiès, Saura, Fontana, De Kooning.Paying close attention to his own status in the current events and in history, Tapié invented « An Art of an Other Kind », which is a true theoretical and tradingsystem. Thus, he relied on communication methods that he created with the help ofhis battle friends: publishing for self promotion, creating a buzz based on travelling exhibitions, with media coverage in France, Spain, United States, Italy, Japan and Iran.« Il Profeta » was the nickname attributed to him by Italian artists, seduced by Michel Tapié’s personality, who came to Italy and brought in the Informal art’s word, which he invented the designation

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Perret, Irène. "La critique d’art sous le consulat et le Ier Empire (1799-1815)." Paris 4, 2007. http://www.theses.fr/2007PA040224.

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Abstract:

Cette étude a pour but d’analyser et de définir ce qu’est la critique d’art sous le Consulat et le Premier Empire durant les quinze premières années du dix-neuvième siècle, depuis le Coup d’Etat du 18 Brumaire an VIII jusqu’à la chute de Napoléon 1er et de l’Empire et le retour des Bourbons au pouvoir. S’appuyant sur les articles de journaux, les brochures satiriques et les ouvrages sur l’art, parus durant cette période, cette étude traite de l’ensemble des expositions parisiennes qui ont eu un impact sur le public et la critique, qu’il s’agisse d’expositions particulières, des Salons, des concours artistiques organisés par les gouvernements en place, entre 1800 et 1815. La personnalité de Napoléon Bonaparte, sa politique artistique marquée par la propagande, les conséquences de la censure exercée par les régimes sur la presse et les événements historiques successifs se révèlent à travers la critique d’art qui semble ainsi refléter la société consulaire et impériale, aspect essentiel pris en compte dans cette recherche. Une analyse est faite également des critiques d’art eux-mêmes, auteurs de ces écrits, qu’ils soient anonymes ou emblématiques de l’époque comme par exemple Jean-Baptiste Boutard, Pierre Jean-Baptiste Chaussard, Victorin Fabre, Charles-Paul Landon, François-Guillaume Ducray-Duminil ou encore Fabien Pillet. Cette étude s’intéresse aux idées et aux combats esthétiques, à l’évolution de l’art ainsi qu’au travail d’écriture des critiques, utilisée comme un instrument littéraire This study aims at analysing and defining art criticism under The Consulate and The First Empire, during the first fifteen years of the 19th Century, from the 18 Brumaire an VIII to the fall of Napoleon’s Empire and the Bourbons return. Based on newspaper articles, satirical pamphlets and art books published during that period, this analyse deals with all the Paris exhibitions between 1800 and 1815 wich had some impact on the public and critics -private exhibitions, Salons or artistic competitions organized by the Government. Napoleon’s personality, his artistic policy, maked by propaganda, the consequences of the censorship on the press and various historical events are revealed through art criticism wich is thus a reflection of that era and a major theme in this research. Besides, art critics are analysed, wether anonymous or emblematic ones, such as Jean-Baptiste Boutard, Pierre Jean-Baptiste Chaussard, Victorin Fabre, Charles-Paul Landon, François-Guillaume Ducray- Duminil and Fabien Pillet. This study is interessed in ideas and artistic contests, art evolution, as well as critics’ work used as a literary instrument

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Roux, Claude. "Arts plastiques et enseignement : la question des contenus : pour une didactique des arts plastiques en tant que discipline d'enseignement général dans le secondaire." Paris 8, 1997. http://www.theses.fr/1997PA083633.

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Abstract:

Comment définir les contenus d'un enseignement des arts plastiques alors que la notion même d'art est indéfinissable ? Comment les aborder, alors qu'ils sont conditionnés par de multiples facteurs : esthétiques et didactiques, mais aussi institutionnels, structurels, économique, humains, matériels, etc. Compte tenu de cette complexité, la réflexion se développe en quatre temps. Qu'est-ce que les arts plastiques ? Cette première partie étudie la nature des contenus induits par ce nouvel intitulé de la discipline (qui s'est substitué à celui de « dessin » durant les années 1970). Elle remonte aux origines de l'expression « arts plastiques » et en retrace l'évolution avant de s'interroger sur le sens qu'elle prend aujourd'hui dans l'enseignement. D'où vient l'enseignement des arts plastiques ? Cette deuxième partie tente, à travers l'histoire des relations entre l'art et l'institution scolaire, de faire apparaître la généalogie des orientations actuelles des arts plastiques. Comment construire des savoirs enseignables relevant du champ artistique ? Cette troisième partie avance que cette construction (plutôt que transposition) présuppose le choix d'une posture critique à tous les niveaux de la « chaîne didactique ». Elle analyse notamment les processus critiques qui interviennent dans les passages entre le voir, le faire et le savoir. Conditions, limites et ouvertures possibles d'une didactique des arts plastiques ? Cette quatrième partie examine la pertinence d'une didactique des arts plastiques, eu égard à la complexité du champ abordé (œuvres et démarches artistiques), des exigeances fixées par l'école, des demandes des élèves, etc. Elle avance que ces contradictions constituent la dynamique même où se définissent les contenus et où se construisent les savoirs en arts plastiques. La conclusion relie la question des contenus à celle des méthodes. Elle défend l'idée d'une pédagogie fondée sur le contrat, incitant les élèves à vivre toutes les dimensions de la démarche de création (du projet à sa réalisation et à sa présentation), leur permettant de faire émerger et de travailler les questions liées au champ artistique : techniques, notionnelles, critiques, méthodologiques. . . Et surtout comportementales NB: English best translation for "arts plastiques" is "visual arts", but the meanings are different : the "arts plastiques" are not ALL the visual arts, and some of them are not visual arts. Also the expression "arts plastiques" will be used. How can we define the contents of a teaching of the "arts plastiques" when the very notion of art itself is not definable? How can we take up those contents, when they are conditioned by multiple factors: aesthetic and didactic, but also institutional, structural, economic, human, material, etc. What are the "arts plastiques"? This first part goes into the nature of the contents generated by this new title for the discipline (which has replaced "drawing" during the 70's). It goes back to the origins of the expression "arts plastiques" and relates its evolution before asking what its meaning could be in the educational system. Where does the teaching of the "arts plastiques" come from? This second part tries to bring to the fore the genealogy of the [current] orientations of this teaching by studying the history of the relations between art and the school institution. How shall we build teachable knowledge that comes within the province of the artistic field? This third part advances that this construction (rather than transposition) presupposes the choice of a critical position at every level of the "didactic chain". It analyses the critical process that comes in the transition between the seeing, the making and the knowledge. Conditions, limits, and possible openings of a didactic of the "arts plastiques"? This fourth part examines the pertinence of a didactic of the "arts plastiques", regarding the complexity of the tackled field (pieces and artistic processes), the demands of the school, and the needs of the sudents. It advances that those contradictions are the very dynamic process where the contents are defined and the knowledge in "arts plastiques" is built. The conclusion links the question of the contents to the question of the methods. It defends the idea of a pedagogy based on the contract, urging the students to live all the dimensions of the creation process (from the project to its realisation and its presentation), letting them bring to the fore and work the questions related to the artistic field:technical, notional, critical, methodological. . . And over all behavioural

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Moirenc, Élodie. "La notion de "théâtralité" à travers l'art d'aujourd'hui : étude de la métaphore théâtrale dans la sculpture et l'installation." Paris 8, 2000. http://www.theses.fr/2000PA081680.

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La these a pour noyau thematique la fascination exercee par le modele theatral dans le discours critique d'une oeuvre d'art. Les realisations plastiques mettent en correspondance ce qui est donne a voir, ce qui est percu et les objectifs initiaux. Au sens critique, s'ajoutent l'aspect referentiel, les appuis divers l'emploi d'une reference au theatre dans les ecrits sur l'art contemporain (1980-1990) nous conduit a une notion recurrente : la theatralite. Que signifie precisement une oeuvre -theatrale" ou la "theatralite" d'une installation ? la notion de "theatralite" constitue un filet semantique qui rassemble diverses significations, valeurs et representations dans la culture francaise et la societe contemporaine. La complexite de ce concept polyforme et polysemique fait apparaitre un terme ambigu, employe d'une facon abusive, voire hasardeuse le corpus de la "theatralite" est constitue par les revues d'art, les catalogues ou les ouvrages d'histoire de l'art. Une cinquantaine d'exemples d'oeuvres essentiellement de l'ordre de la sculpture, de l'installation mettent en evidence l'emploi infonde de la metaphore theatrale. Celle-ci se rapporte a des significations et des contextes divers classees selon les intitules "theatralite" et occidentalite, "theatralite" et artificialite. Confrontes principalement a un monde mediatique, virtuel et "malade" les arts du spectacle vivant et les arts plastiques s'orientent vers une problematique du vivant. La notion de "theatralite", liee a une rupture entre l'art et la vie apparait alors de moins en moins pertinente. Il conviendrait de reserver ce terme - si besoin est - au spectacle vivant, a la condition d'en marquer les limites et d'en preciser les contours. Aujourd'hui, les etudes theatrales ouvrent de nouvelles perspectives dont les usagers de la "theatralite" pourraient beneficier

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Adjedj, Marie. "Déhiérarchiser l'art : usages et fonctions du document au tournant des années 1970." Thesis, Aix-Marseille, 2019. http://www.theses.fr/2019AIXM0039.

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À la fin des années 1960, dans un contexte de crise de légitimité des institutions, de nombreux artistes s’opposent au contrôle du système marchand-critique et muséal. Certains marchands, critiques et commissaires d’exposition s’associent à cette parole, et tâchent de déhiérarchiser le monde de l’art. Parmi eux : Germano Celant, Lucy Lippard, Carla Lonzi et Seth Siegelaub, ainsi que Kynaston McShine et Harald Szeemann. Les enjeux de leurs démarches ne se situent ni dans la négation des appareils de l’art, ni dans la redéfinition de leurs fonctions, mais dans la construction d’une position de sujet non surplombante. Pour ce faire, ils investissent le document au titre de ses économies qui relèvent du marché de l’art, de l’édition, de méthodes, toutes corrélées, dans le contexte de l’art conceptuel et post-minimal, à des œuvres et écrits d’artistes. Chacun des acteurs étudiés déploie sa pratique à l’aune d’un régime de l’information, qui suppose une collaboration étroite avec les artistes afin de leur restituer le contrôle sur la circulation de leurs œuvres et les discours qui sont produits à leurs sujets. Toutefois, dans son occurrence critique, le régime de l’information ne suppose aucunement le silence des critiques d’art. Dans les démarches de Germano Celant et Lucy Lippard, les discours critiques sont préservés, mais selon des modalités qui entendent déléguer au public l’une de ses opérations, qui est l’interprétation. Conjointement, le régime de l’information est confronté à la difficile conciliation entre la défense d’une autoréférentialité de l’art et des ambitions politiques élargies à la société. Cette situation donne lieu à des devenirs variables des démarches At the end of the 1960’s, in a context of serious crisis of institutional legitimacy, number of artists defy the power and control of art market, criticism and museum. Some dealers, critics and curators join in and intend to de-hierarchize the art world. Among them : Germano Celant, Lucy Lippard, Carla Lonzi and Seth Siegelaub, along with Kynaston McShine and Harald Szeemann. What is at stake in their practices does not have to do with denying the art system, neither defining new functions for the middle-men, but is about occupying a position which would no longer be authoritarian. To do so, they relate their research to the document, considered as an operating mode involving trading, editing and methods. This operating mode is interrelated to art works and artists’ texts in a context of conceptual and post-minimal art. The ones who are part of this study develop their practices as an informational system, which suppose a close cooperation with the artists in order to restore their control on the circulation of their own works, along with their authority on the discourses about them. Nevertheless, the art criticism declination of this informational system does not suppose the absence of discourses from the art critics. In the cases of Germano Celant and Lucy Lippard, criticism is stable, even though they intend to delegate interpretation to the audience. Concomitantly, the informational system has to face the difficulty of articulating the defense of a self-referential art with political ambitions enlarged to society. This difficulty is solved by various ways, between drop out and strengthened practices of document

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Yang, Yin-Hsuan. "Les salons caricaturaux au XIXe siècle : des origines à l'apogée." Thesis, Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100004.

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Le Salon caricatural est le compte rendu comique composé de charges d’œuvres d’art exposées au Salon. Les premiers Salons caricaturaux apparaissent au début des années 1840, et c’est sous le Second Empire que ce genre de revue parodique atteint son apogée, obtenant un succès dans la presse satirique illustrée. Sous prétexte de faire rire, cette critique en images met en œuvre un moyen efficace de juger l’art, qui fonctionne en contrepoint de la critique d’art écrite. Les enjeux critiques que propose cette imagerie comique s’inscrivent en fait comme découlant des discussions sur les rapports entre l’image et le texte, ainsi que le révèlent les trois modèles de 1846. Sensibles à l’actualité artistique, les dessinateurs du Salon caricatural jouent souvent un rôle multiple, tantôt celui du railleur inoffensif, tantôt celui du critique sérieux, tantôt encore celui de l’artiste exposant. Dans les revues parodiques se reflètent non seulement la réaction caractéristique du public bourgeois, mais parfois aussi le goût personnel et les jugements esthétiques des dessinateurs eux-mêmes vis-à-vis des œuvres d’art contemporaines. Face à un art en pleine transition durant le Second Empire, le Salon caricatural prend part d’une manière active à la réception de l’art par une formule sarcastique qui traduit à la fois le dégoût pour l’école classique en voie de déclin et le rejet des formes novatrices, notamment Courbet et son réalisme. Cette version drolatique et insolite de l’histoire de l’art fournit aussi une nouvelle perspective à l’histoire de la critique d’art The Salon caricatural was a comic review consisting of caricatures of art works exposed at the Salon. The first Salons caricaturaux appeared in the early 1840s, and it was under the Second Empire that this type of parodic review reached its height, obtaining success in the illustrated satirical press. Under the pretext of humor, this critique in images provided an efficient method of judging art, working in counterpoint to written art criticism. The critical issues proposed by this comical imagery were in fact the products of debates on the relationship between image and text, as the three 1846 models reveal. Conscious of contemporary artistic currents in art, Salon caricatural cartoonists often played multiple roles; at times inoffensive mocker, at times serious critic, and at times exposing artist. These parodic reviews reflected not only the characteristic reaction of the bourgeois public, but also on occasion the personal tastes and aesthetic judgments of the cartoonists themselves with respect to contemporary works of art. With art in a major period of transition during the Second Empire, the Salon caricatural actively participated in the reception of art through a sarcastic format that translated both the distaste for the declining classical school and the rejection of innovative forms, notably those of Courbet and his realism. This humorous and peculiar version of art history also provides a new perspective to the history of art criticism

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Boutet, Danielle. "PAYSAGES DE L'HOLOCÈNE. Une expérience de connaissance par la création d'art." Thesis, Université Laval, 2009. http://www.theses.ulaval.ca/2009/26378/26378.pdf.

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Abstract:

Paysages de l’holocène est une recherche création sur la forme de pensée et de connaissance liées à la pratique artistique. Cette thèse situe l’art dans l’ensemble de la connaissance transdisciplinaire en l’associant avec les modes de type gnostiques, tels le sacré, l’alchimie et l’hermétisme. Elle s’appuie sur la création de cinq œuvres (36 paysages de l’holocène, Labyrinthe, la Courbure, Pierres gravées et Quatuors de l’holocène) traversées par une conscience historique et géologique et imbues d’une émotion cosmique et existentielle. Ces œuvres évoquent la présence humaine sur la Terre et tout particulièrement le regard — à la fois contemplatif et créateur — que l’esprit pose sur le monde. La thèse, sous-titrée Une expérience de connaissance par la création d’art, examine les processus de réflexion opérant dans la poïétique de ces œuvres, et fait l’hypothèse que la création d’art est un mode « inséparablement opératif et méditatif » (F. Bonardel) s’apparentant à une gnose, vécue comme un sentiment de signifiance, comme une expérience de l’être ; c’est-à-dire une connaissance participative où l’objet de l’œuvre, le sujet qui connaît (l’artiste) et le mode de connaissance lui-même (l’art) se révèlent en même temps. À travers le récit détaillé du processus de création, on en vient à voir que la création est informée par une « cosmologie d’atelier », propre à l’œuvre, singulière et non dualiste, structurant les opérations et la pensée de l’artiste. À partir de textes sur la recherche création, l’esthétique, l’histoire des religions, la pensée systémique, la transdisciplinarité, et s’appuyant sur de nombreux écrits d’artistes, l’essai décrit l’art comme un mode de conscience et d’être, qu’il compare au « sacré » tel que décrit par M. Eliade et G. Bateson. Il le situe ensuite dans la transdisciplinarité, en l’établissant comme un paradigme des « facultés créatrices » (W. Heisenberg) opérant dans la « zone de non-résistance » décrite par B. Nicolescu. Mais loin de se présenter comme une théorie générale de la connaissance artistique, l’essai finit par revenir sur lui-même et s’explique comme une aventure de création de théorie : un processus créateur à part entière lui aussi, une « méta œuvre » plastique et scripturale, vivant dans une dimension imaginaire de la connaissance. Paysages de l’holocène (Landscapes of the Holocene) is an art-based research project exploring the thought process and form of knowledge related to artistic practice. Artistic practice is located within transdisciplinary inquiry as a way of knowing associated to Gnostic epistemologies such as the sacred, alchemy and hermeticism. The research is based on the creation of five works (36 paysages de l’holocène, Labyrinthe, la Courbure, Pierres gravées et Quatuors de l’holocène), each infused with an awareness of history and geology, and soaked in cosmic and existential emotionality. These works evoke our human presence on earth, particularly our human gaze — at once contemplative and constructive — upon the world. Subtitled Une expérience de connaissance par la création d’art (an experience of knowing through the creation of art), the dissertation examines the reflection processes taking place in the making (the poïetics) of the five works. It hypothesizes that art creation is a non objective form of knowledge, a feeling of signification, an experience of Being: i.e. a participative epistemology in which the subject of the work, the knower (the artist) and the mode of inquiry itself (art) are revealed at once, in the same process. Through a detailed narrative of the creative process, we come to see that creation is in/formed by a “studio cosmology” specific to the work, singular and non dualistic, defining the operations and the thinking of the artist. The essay draws from several artists’ writings, and texts on art-based research, aesthetics, history of religions, systems thought, and transdisciplinarity, to comparatively describe art in relation to the Sacred as defined by M. Eliade and G. Bateson : as a mode of consciousness and a mode of Being. It proceeds to locate art in a transdisciplinary context, establishing it as a paradigm of the “creative faculties” (W. Heisenberg) operating in the “zone of non resistance” described by B. Nicolescu. Yet, far from claiming to be a general theory of artistic knowledge, the essay returns upon itself and appears as an adventure in theory creation: a creative process in its own right, a “meta-work” of both aesthetic and written nature, living in an imaginary dimension of knowledge. Inscrite au Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures

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Dissertations / Theses on the topic 'Art Critique d'art'

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