Dissertations / Theses: 'Art de la Renaissance – Italie (nord)'

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Agarini, Catherine. "Autour de l'image du docte en Italie du Nord pendant la Renaissance : études iconologiques." Aix-Marseille 1, 1997. http://www.theses.fr/1997AIX10078.

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Abstract:

Le terme "docte" recouvre une classe d'hommes qui utilisent,entre le xive et le xvie siecle, leur savoir a des fins economiques : le maitre d'ecole, l'universitaire, le secretaire, le poete, l'historiographe, le chancelier et le precepteur. Dans la premiere partie, une large place est faite a l'enseignement elementaire a partir du decor des manuscrits puis des livres imprimes. Vers le milieu du quattrocento. L'image du maitre d'ecole se fixe : il apparait ferule en main, entoure d'enfants parfois distingues en bons et mauvais ecoliers. A un moment charniere de l'histoire universitaire, le xiiie siecle, correspondent les premieres representations enluminees de la lecon academique. Ce type iconographique s'epanouit en italie du nord. Notamment avec les tombeaux des professeurs de bologne, illustrant les liens entre les communes ou les seigneuries et le monde enseignant, soulignant le mouvement d'aristocratisation de la profession et les modes de transmission du savoir avec l'aide de la gestuelle. La deuxieme partie s'interesse a l'exaitation patriotique des "trois couronnes",petrarque, dante et boccace, a florence. Un culte figuratif important se developpe des la fin du xive siecle dans des cycles d'hommes illustres associant l'image des poetes a celle de chanceliers comme coluccio salutati. La scene de dedicace appartient a l'arsenal des instruments de propagande celebrant les actions de mecenat des princes. Le precepteur, s'incarnant idealement dans les figures de guarino de verone et de vittorino da feltre, est pare du prestige que lui conferent de nouveaux programmes eductifs. Son role se codifie sur les medailles vers le milieu du xve siecle. La troisieme partie analyse le portrait du savant dans son "studiolo",une formule perfectionnee par les maitres flamands, et constate qu'il se propose comme le miroir d'orientations culturelles et religieuses. Le "saint augustin" de sandro botticelli (c. 1480) sert ainsi a faire un expose philosophique en relation avec le neo-platonisme tandis que vittore carpaccio laisse sur le meme theme, a venise au debut du cinquecento, le premier portrait de collectionneur d'art humaniste.

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Lacouture, Fabien. "Représenter l'enfant en Italie du Nord et Italie centrale : XIVe - XVIe siècles." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H020.

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Abstract:

Bien que l'enfance soit «une donnée anthropologique universelle» (E. Deschavanne, P.H. Tavoillot, Philosophie des âges de la vie), l'historien français Philippe Ariès, dans L'Enfant et la vie familiale sous l'ancien Régime (1960), affirmait l'absence de sentiment de l'enfance au Moyen Âge et au début des Temps Modernes et l'invention de l'enfance à partir des XVI°, mais surtout XVIl0 et XVIll0 siècles. Invalidée par les historiens mais encore reprise aujourd'hui par certains historiens d'art, cette thèse était essentiellement fondée sur une étude des représentations picturales. Les images d'enfants abondent dans la peinture italienne de la Renaissance du XIV au XVIe siècles en Italie du Nord et Italie centrale. Mais elles méritaient une approche neuve, venant apporter un nouvel éclairage non seulement sur les enfants de la Renaissance, mais sur les manières selon lesquelles ils étaient perçus et représentés. Était alors nécessaire une analyse précise des représentations visuelles, des conditions de leur genèse, ainsi que de leur destination. Une telle étude trouva naturellement sa structure dans la division des âges de la vie en vigueur à la Renaissance : l’infanzia (naissance - sept ans), la puerizia (sept - quatorze ans) et l’adolescenza (à partir de quatorze ans) étaient les périodes de l'enfance, au sein desquelles se mouvait un être en constante évolution. Dépassant le postulat de l'enfant comme simple objet pictural décoratif, une telle recherche permet de comprendre les rôles des représentations d'enfants, selon le genre de l'œuvre, son histoire, mais également selon l'âge, le sexe ou le statut de l'enfant représenté
Although childhood is "a universal anthropological conception" (E. Deschavanne, P.H. Tavoillot, Philosophie des âges de la vie), the French historian Philippe Ariès, in Centuries of Childhood: A Social History of Family Life (1962), proposed that the recognition of childhood as a distinct stage of life, what he calls the "sentiment de l'enfance," did not exist during the Middle Ages and early modern period, but was rather the invention of the 16th- and especially the 17th and 18th centuries. Disproved by historians, but still considered valid by some art historians, this theory is founded upon a study of pictorial representations of children. Images of children are numerous in Northern- and Central Italian Renaissance painting, but they require a new approach on how children were perceived and pictured. A precise analysis of these visual representations, of their genesis, condition, and their destination(s) is necessary. Such a study naturally finds its structure in the traditional "stages of life" and "periods of childhood" in use during the Renaissance. These categories are: infanzia (from birth to seven years old), puerizia (from seven to approximately twelve to fourteen years) and adolescenza (from twelve to fourteen), during all of which the child was in constant evolution. Beyond simply seeing children as decorative pictorial motifs, by exploring the genre of the work studied, its backstory, and also the age, the gender, or the social status of the child pictured, this tack (approach?) enables us to better understand the purposes of children's pictorial representation

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Molinié, Anne-Sophie. "Les images de la résurrection des corps en Italie centrale, en Italie du nord et dans l'arc alpin (1440-1610)." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010523.

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Abstract:

Peintes ou gravées, les images italiennes de la résurrection des morts de la in du Moyen âge et du début de l'époque moderne mêlent attente de la rédemption et mise en scène de la rétribution, peur de la damnation éternelle et espérance du pardon. Le corpus rassemblé questionne la place du corporel dans l'approche de la mort et dans l'économie du salut. Dans l'imaginaire du jour dernier, le corps mort, glorieux ou damné, est central. Retracer l'histoire du thème à travers textes et images, puis aborder les aspects techniques de la représentation éclaire les infléchissements qui affectent la connaissance de 1 'homme et l'appréhension de son identité. Ces images montrent le passage de la mort à la vie, répètent la déchéance physique inévitable mais aussi l'importance de la part chamelle de l'homme dans l'accès au salut ou à la damnation. La représentation du corps renvoie à une pensée de l'Incarnation et participe à l'évolution des sensibilités face aux notions de vie et de mort.

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Ciaravino, Ioselita. "Un art paradoxal : la notion de disegno en Italie (XVe-XVIe siècles)." Paris, EHESS, 2000. http://www.theses.fr/2000EHES0081.

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Myara, Kelif Élinor. "L'imaginaire de l'Âge d'Or à la Renaissance : étude comparative : Italie, France, Europe du Nord." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010543.

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Abstract:

Cette thèse vise à étudier la place et les modalités de l'iconographie de l'un des mythes les plus instrumentalisés à la Renaissance, le mythe de l'âge d'or. L'organisation de ce travail privilégie les grandestraditions d'interprétation du mythe, la première d'entre elles étant la version ovidienne que l'on retrouve principalement dans les éditions des Métamorphoses. Puis vient, dans le cadre de l'instrumentalisation politique, la version virgilienne. Dans chacun des contextes étudiés (la France, l'Italie, les anciens Pays-Bas, la cour de Prague) il est possible de constater un moment particulier où la manifestation du thème rejoint des paramètres conjoncturels précis. Ainsi, les systèmes politiques que sont les cours princières italiennes, la monarchie française, l'empire germanique et le marché 'ouvert' des Provinces Unies se singularisent par des usages très spécifiques du mythe, soulignant ainsi son adaptabilité, sa récupération, son acculturation. L'ensemble des instrumentalisations et des occurrences littéraires du mythe contribuent à son enrichissement perpétuel du point de vue symbolique. Cependant, le mythe peut aussi se réduire à un ensemble abstrait de valeurs positives qui définissent systématiquement le temps idéal de l'âge d'or: justice, paix, abondance, amour, harmonie. Ces qualités, faisant de ce temps un acmé dans l'histoire de l'humanité ne font plus de l'âge d'or qu'un concept et ses topoi deviennent des lieux communs partagés par d'autres mythes. Ainsi, des thèmes mythologiques comme celui des Noces de Pelée et Thétis ou encore certains lieux propices à cette contamination comme les jardins, deviennent l'objet de 'variations' ou d'extensions du mythe.

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Alazard, Florence. "Art vocal, art de gouverner : la musique, le prince et la cité en Italie du Nord, 1560-1610." Tours, 2000. http://www.theses.fr/2000TOUR2005.

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Abstract:

Traitant de quatre cours italiennes à la fin du XVIe siècle (Florence, Ferrare, Mantoue et Venise), cette thèse montre que la musique - à la fois sa pratique et les discours qui sont tenus sur elle - n'est pas seulement utilisée par les princes comme un instrument politique dont l'efficacité est mesurable, mais est aussi comprise par les contemporains comme un langage nécessaire pour décrire et expliquer le fonctionnement politique des états. S’appuyant sur les nombreuses études que les musicologues ont conduites sur le mécénat, cette thèse n'envisage pourtant pas de reconsidérer cette question. La première partie témoigne de l'omniprésence de la musique en analysant trois objets. La musique organise l'espace urbain ; la partition musicale permet au prince de s'approprier l'œuvre ; les descriptions imprimées des intermèdes manifestent à la fois la volonté du prince d'imposer une seule interprétation du spectacle et son souci d'en multiplier les effets - à l'attention des cours étrangères, par exemple. La deuxième partie montre que l'art vocal peut être conçu comme une forme du discours politique : par exemple, les musiciens, même lorsqu'ils ne semblent s'intéresser qu'a des problèmes strictement musicaux, se préoccupent en fait de questions politiques. De même, la métaphore musicale apparait comme nécessaire pour décrire et comprendre la vie des hommes en société. La troisième partie envisage l'art vocal comme un moyen d'agir en politique. La question des effets de la musique passionne tous les humanistes pour qui la musique, puisqu'elle est supposée agir sur les hommes, doit les changer et les rendre capables de vivre en société. Il est alors possible de dessiner une esthétique politique de la musique : le dernier chapitre envisage les modalités esthétiques par lesquelles les musiciens traduisent l'inscription de l'art vocal dans le domaine politique.

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Ciaravino, Joselita. "Un art paradoxal : la notion de disegno en Italie (XVème-XVIème siècles) /." Paris ; Budapest ; Torino : l'Harmattan, 2004. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39273886w.

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Fessaguet, Isabelle. "Les Métamorphoses d'Orphée : le mythe d'Orphée dans les arts en Italie de 1470 à 1607." Paris, EHESS, 1987. http://www.theses.fr/1987EHES0077.

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Abstract:

De ses premieres representations dans les arts en italie au xve siecle jusqu'a la " creation " de l'opera a florence et a l'orfeo de monteverdi au debut du xviie siecle, la figure d'orphee se presente sous diverses formes : troubadour, " poeta theologus ", jeune heros grec, berger melancolique, amant incosolable, fils d'apol-lon, poete. . . Mais le mythe d'orphee, bien qu'occupant une place importante dans les arts plasti-ques de 1480 a 1520 ( cassoni, peinture, nielles, gravures, bronzes, majoliques ), periode qui correspond a l'apparition et a la mise en place de l'imprimerie et qui lui assura par consequent une divulgation aupres d'un public de plus en plus lar-ge, ne semble atteindre une complexite d'approches et de significations qu'a tra-vers des cadres intellectuels humanistes precis. L'academie careggi, fondee en 1462 par marsile ficin sous le patronage de cosme et de laurent de medicis, jouera ce role. Un siecle plus tard, la camerata bardi, reunissant des humanistes et des musiciens toujours a florence, grace a sa reflexion sur les rapports du mot et du son et sur leurs pouvoirs respectifs, developpera l'expression meme du mythe d'or-phee, a savoir le pouvoir de la musique. Mais ce sont monteverdi et son librettiste striggio qui, a mantoue, en 1607, vont exprimer le plus largement les possibilites de la legende et du personnage, et leurs differents niveaux de lecture. Avec eux, le mythe d'orphee trouve son veritable epanouissement, grace a la multiplicite des lan-gages, en meme temps qu'il permet la creation d'un genre : l'opera
From its first representations in the italian arts from the 15th century to the creation of the opera in florence ( around the end of the 16th century) and to the orfeo of monteverdi at the beginning of the 17th century, the figure of orpheus appears under various aspects : troubadour, " poeta theologus ", young greek hero, melancolic shepherd, sorrowful lover, son of apollo, poet. . . Between 1480 and 1520, the myth of orpheus takes up a crucial position in the visual arts. But it reaches a complex and sophisticated signification through humanist institutions as the accademia careggi founded in 1462, or, one century later, as the camerata bardi, gathering musicians and philosophers in florence. But orpheus'myth will achieve its full expression with monteverdi and his libret-tist striggio. Together, they give birth to a new musical form : the opera

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Boubli, Lizzie. "Ostinato rigore - destinato rigore, variante et variation dans le dessin italien : modes et pratiques au XVIe siècle." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010501.

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Abstract:

Étudiées dans le domaine musical, littéraire ou esthétique, les formes de la variante et de la variation sont appliquées ici à une discipline très différente, plus concrète, le dessin italien de la renaissance. Ce travail présente à la fois la genèse et les formes diverses prises par la variante dessinée à partir de la seconde moitié du XVe siècle pour en comprendre les développements et le plein épanouissement au XVe siècle. Les variantes jouent un rôle de premier plan dans la constitution de répertoires de formes réutilisées par l'atelier ou par ses propres membres, et dans la diffusion des modèles employés par un atelier à diverses fins utilitaires. La typologie des variantes est fondée sur une définition stable où la variante se rapporte à une forme de référence ou invariant dont chaque alternative peut engendrer des développements autonomes, concrétisés ou non par la suite. La variation dans le dessin est ici définie comme une suite de dessins qui modifient les formes ou les contenus thématiques, mais tous développés selon un même principe initial : cette expression de la variation est particulièrement évidente dans les changements iconographiques ou les mutations du thème peuvent en transférer le sens et se déployer au moyen de variantes pour former ensemble une variation. Selon le contexte, les variantes peuvent édifier ou modifier la disposition d'une figure, d'un groupe, structurer la composition générale, contribuer a créer l'illusion du mouvement et des effets rythmiques inhérents à la mimesis, ou enfin être un moyen efficace, par un effet répété mais toujours varié, de traduire la varieta dans laquelle se condensent plusieurs éléments propres a la variante comme à la variation.

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Meyer-Roux, Karen. "L'iconographie de sainte Anne en Italie du centre et du nord aux XIVe et XVe siècles." Paris, EHESS, 1999. http://www.theses.fr/1999EHES0031.

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Abstract:

Cette these de doctorat porte sur l'iconographie de sainte anne, mere de la vierge marie, en italie du centre et du nord aux xive et xve siecles, un theme qui n'avait pas fait l'objet d'une etude d'ensemble jusqu'a present. L'epoque consideree correspond au moment ou la sainte acquiert l'audience la plus large dans la peninsule. Le memoire est compose de deux volumes. L'un, sous forme de catalogue raisonne, presente un inventaire aussi complet que possible des peintures murales et sur panneau ou figure sainte anne. Ce catalogue recense les representations de la sainte dans les cycles narratifs et les images de devotion en toscane, en ombrie, en venetie et en lombardie principalement. Le second volume offre une reflexion sur l'iconographie de sainte anne selon une perspective historique ; le cadre theologique de la devotion a sainte anne ainsi que les implications sociales et spirituelles des images y sont explores. Les representations de la sainte apportent un temoignage sur plusieurs aspects du dogme marial, en particulier celui qui concerne les modalites de la conception de la vierge. L'iconographie de sainte anne revele egalement les tatonnements et reflexions de la societe chretienne sur la famille et le couple.

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Brunon, Hervé. "Pratolino : arts des jardins et imaginaire de la nature dans l'Italie de la seconde moitié du XVIe siècle." Paris 1, 2001. https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00349346.

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Abstract:

L'étude aborde l'art des jardins dans l'Italie de la seconde moitié du XVIe siècle comme expression des rapports entre homme et nature en recourant à la notion d'imaginaire ; elle est centrée sur Pratolino, la villa du grand-duc François 1er de Médicis aménagée au nord de Florence, de 1568 à 1586, sous la direction de Bernardo Buontalenti. Cet exemple, analysé en détail, est replacé dans un contexte à différentes échelles: le règne de son commanditaire (1574-1587) ; les réalisations importantes en Toscane et dans le reste de l'Italie; enfin la place du jardin dans la société et la culture de la période, et donc les domaines multiples auquel il se rattache. Différents problèmes sont successivement examinés. La fonction sociale du jardin est interrogée au travers de l'idéologie et des pratiques de la villégiature. La perception corporelle de l'espace et le rapport émotionnel au paysage, analysés à partir des témoignages contemporains, impliquent que le jardin, dans le cadre des préoccupations médicales et des modèles poétiques de l' époque, soit vécu et conçu comme médiation avec la. Nature. Les composantes matérielles, le tracé et l'iconographie construisent une représentation de la nature sur plusieurs plans: résumé de sa variété, le jardin détourne les enjeux du collectionnisme encyclopédique; mise en scène de ses phénomènes, pour lesquels l'épistémologie des " météores " doit être prise en compte, il opère une réduction symbolique du territoire; imitation de ses processus, il appartient à une esthétique où l'art vise à s'inscrire de manière immanente dans l' oeuvre et qu'éclaire la fortune de l'aristotélisme au XVIe siècle. L'imaginaire de la nature qui sous-tend le jardin n'est pas univoque: il s'y joue à la fois un désir de projection, un fantasme d'analogie et un rêve de re-création. Pratolino ~ montre que l'une des clefs de cet art tient dans l'exploitation politique des représentations culturelles de la nature.

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Cardinali, Philippe. "Esthétique(s) de l'image et de la ville dans l'Italie de la pré-Renaissance et de la Renaissance : 1297-1580." Paris 8, 2008. http://www.theses.fr/2008PA082951.

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Abstract:

Ce travail porte sur les deux révolutions, l'une iconico-iconologique, l'autre architecturalo-urbanistique, accomplies dans une Italie de la pré-Renaissance et de la Renaissance où le sensible, jusque-là tenu à la suite de saint Paul pour un vaste cryptogramme, se trouve investi d'une nouvelle dignité. La première voit l'image-signe céder la place à l'image-représentation, avec l'invention par Brunelleschi de la perspective géométrique. La seconde voit la Ville Herméneutique du Moyen Âge, labyrinthe sémiotique enchâssé dans un monde non moins énigmatique qu'elle, céder la place à la Ville Optique, qui déploie son intelligibilité sensible sous les yeux d'un homme devenu "operatore e speculatore delle cose", suivant la formule d'Alberti, premier théoricien de la perspective. Notre hypothèse est que ces deux révolutions ne constituent que les deux phases dialectiquement liées d'un unique processus, où un rôle central est joué par la perspective, qu'à l'instar de Panofsky et d'Argan, nous nous refusons à tenir pour un simple code figuratif. Prenant pour fil conducteur les images de la chose urbaine, la première partie de ce travail traite du passage de l'image-signe à l'image-représentation. L'exemple siennois permet de montrer que la géométrisation de l'espace physique opérée par la perspective géométrique s'inscrit dans la continuité d'une gestion républicaine des territoires urbains. La seconde partie étudie le passage de la Ville Herméneutique à la Ville Optique, celle-ci envisagée à travers les principales réalisations urbanistiques des Quattro et Cinquecento. Un épilogue envisage les prolongements les plus significatifs de cette double révolution jusqu'à nos jours
This work focuses on two revolutions, one iconic, the other architectural and urban, which took place in Italy during the Pre-Renaissance and Renaissance periods. After Saint-Paul, sensitivity was considered as a complex cryptogram. These two revolutions gave it a new dignity. In the first revolution, the image of sign gives way to the image of representation, with the invention of geometric perspective by Brunelleschi. The second one sees the Middle-Age Hermeneutic City (a semiotic labyrinth in a world as enigmatic as the city) give way to the Optic City. The latter is characterized by its sensitive intelligence of which the inhabitants, who have become "operatore e speculatore delle cose" (the expression of the first perspective theorist Alberti), are witnesses. Our hypothesis is that these two revolutions are simply two dialectically connected phases of a single process, in which perspective plays a central role. We refuse to consider perspective as a simple figurative code, as illustrated in Panofsky and Argan's theories. In the first part of this thesis, I deal with the transition from image of sign to image of representation, using the images of the urban representation. In the art of Sienna, we understand how the geometrisation of the physical space through geometric perspective is the continuation of a republican management of urban terrritories. The second part focuses on the passage from the Hermeneutic City to the Optic City, viewed in the main urban creations from the Quattro and Cinquecento eras. The most significant repercussions of this double revolution up to the present time, will be discussed in the epilogue

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Gállego, Cuesta Susana. "L’informe à la Renaissance : poétiques non-aristotéliciennes dans l’art et la littérature (Italie, France, Espagne)." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040039.

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Abstract:

Tel qu’il a été formulé par Georges Bataille dans Documents, dans les premières décennies du XXe siècle, l’informe s’est avéré être un puissant moteur de réflexion. Il a fait naître des œuvres qui disent s’en inspirer, et motivé un âpre débat théorique sur le véritable sens à lui donner. Qu’est-ce que l’informe, en effet ? Cette catégorie complexe et paradoxale s’avère très fructueuse dans l’analyse des œuvres théoriques, plastiques et littéraires de la Renaissance qui s’intéressent à la naissance des formes. L’utilisation d’une notion anachronique permet de réunir dans un même ensemble les préoccupations concernant les origines de l’œuvre d’art, celles sur la bonne composition, ainsi que celles concernant la Matière et l’Être. Ce travail dégage ainsi ce qui serait une poétique de la forme en devenir, poétique se réclamant de la philosophie néo-aristotélicienne de l’époque mais opérant un élargissement d’horizons et une refonte conceptuelle très éloignés de la pensée antique
From the early XXth century the Formless, as defined by Georges Bataille in Documents, has revealed itself to be a powerful tool for reflection. It has inspired art works and triggered an ongoing debate about its true meaning, for what is the formless exactly? In search for its essence, this category has proven to be of great value when analyzing theoretical, artistic and literary Renaissance works dealing with the birth of form. The anachronic notion of Formless permits an intertwining of questions regarding the origins of the piece of art, good composition, matter and being. Through this essay we will discuss the poetics of art in the making, so-called (neo)Aristotelian in the XVIth century – poetics in a constant and fluid definition of the Aristotelian meaning enlarged by non-Aristotelian concepts, and categories distant to those attributed to it in classical times

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Hendler, Joseph. "Le paragone, sa pratique, son déclin : la comparaison compétitive peinture-sculpture en Italie de la fin du XVe siècle au début du XVIIe siècle." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010555.

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Abstract:

La comparaison compétitive entre peinture et sculpture, définie aujourd'hui comme Ie Paragone, est un topos bien connu de la théorie de I'art de la Renaissance. Plusieurs figures-cle du Quattrocento et du Cinquecento ont cherche à répondre à la question: lequel de ces deux arts est Ie plus noble et imite mieux la nature. La présente thèse est destinée à explorer une autre face de ce débat, son aspect visuel. Le but est d'identifier, d'organiser et d'analyser les peintures et les sculptures produites en Italie des la fin du xve siècle et tout au long du XVIe siècle qui abordent clairement des problèmes lies au débat paragonien. Rassemblées pour la première fois ici dans un corpus paragonicum ces oeuvres démontrent I'impact de la dispute sur les arts comme sur les artistes eux-mêmes. La deuxième phase de la recherche s'efforce de déchiffrer pourquoi Ie Paragone visuel semble moins apparent dans l'art du XVIIe siècle. La comparaison compétitive se transforme en une comparaison constructive entre les arts jadis rivaux. L'accent se de place de I'importance de l'objet à celle de I'effet sur Ie spectateur. En conséquence les capacités mimétiques de chaque art par rapport à la nature, autrefois au cœur du débat paragonien, paraissent

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Gerbron, Cyril. "Liturgie et mémoire dans l'oeuvre de Fra Angelico." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010698.

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Abstract:

Ce travail porte sur neuf retables et l'armadio degli argenti de Fra Angelico. La démarche adoptée, de caractère anthropologique, vise à mieux comprendre les fonctions et les usages des images au sein des communautés monastiques et pour les fidèles, à tenter de saisir comment elles façonnent les imaginaires, prescrivent des comportements, participent à renforcer des croyances et à créer la présence du surnaturel. On s'interroge d'abord sur la fonction des objets-retables au sein de l'espace ecclésial et sur les rapports qu'ils entretiennent avec l'autel et le tabernacle auxquels ils sont organiquement liés. Mais aussi avec les différents signes et objets présents sur ou autour de l'autel (paroles de la messe et de l'office. Livres, espèces eucharistiques, reliques, croix. . . ). Les retables sont définis comme des œuvres « intégrées» et chargées d'un « temps plein », combinant le passé de l'Incarnation et de la légende hagiographique, le présent de la commémoration liturgique et le futur du paradis céleste. Sont ensuite analysées les images narratives des prédelles. Elles racontent une histoire qui combine également le passé et le présent, car elles fonctionnent comme des miroirs moraux. Le regardeur doit les faire siennes dans un sens fort, assimiler leur contenu spirituel pour pratiquer les vertus à l'image des saints et du Christ. Elles sont donc conçues pour être facilement rnémorisables, et, dans l'armadio degli argenti. Leur invention recourt directement aux procédés des arts de la mémoire. Toutes les œuvres étudiées sont des machines pour la mémorisation, la méditation et l'invention d'autres images, directement insérées dans une quête spirituelle.

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Buttay, Florence. "Fortuna : Usages politiques d'une allégorie morale (Italie et France, v.1460-70 - v.1600)." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040026.

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Abstract:

Pourquoi de si nombreux souverains, mais aussi tant de capitaines et d'hommes d'Etat ont choisi la fortune pour emblème à la Renaissance ? Ce travail analyse comment une allégorie forgée pour l'édification des fidèles devient un élément du vocabulaire politique. La " renaissance " de l'Antiquité se révèle davantage adaptation de la culture médiévale à de nouveaux besoins, en particulier au développement des formes de communication politique. En dépit des tentatives de censure dont elle est davantage l'objet à partir de 1530, l'allégorie de la fortune continue sa carrière et trouve place dans les discours et les images de combat que multiplient catholiques et protestants
Why have so many sovereigns, just as so numerous captains and statesmen chosen it as their emblem at this period? This work analyses how an allegory, created for the edification of the faithful, becomes part of the political vocabulary. The “Renaissance of Antiquity” appears to be more the recovery and the adaptation of medieval culture to new needs, in particular to the development of political communication forms. Its expressions differ according to the types of documents considered. A pluridisciplinary approach of much varied sources anables us to bring out the specificity of each one of its uses. Censorship increases from 1530 onwards, Catholics and Protestants still use the allegory of Fortune in their rhetorical fighting through words and images

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Tournieroux, Anne. "Les bibliothèques privées en France et en Italie à la fin du Moyen Âge (1400-1520)." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H103.

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Abstract:

Cette thèse a pour objet l’étude comparative des bibliothèques de laïcs et de clercs du nord de la France et de l’Italie septentrionale entre 1400 et 1520. Les rapports entre les territoires français et italien ne sont plus à démontrer, marqués pour le début de notre période par la résolution progressive du Grand Schisme et, pour la fin, par les guerres d’Italie menées entre 1494 et 1516. Au cours du quinzième siècle et jusqu’au début du seizième siècle, des phénomènes culturels de premier ordre tel que la diffusion de l’humanisme et, sur le plan matériel, l’invention de l’imprimerie se diffusent dans l’Europe entière. Nous avons choisi de nous intéresser à des catégories «traditionnelles» de possesseurs comme les membres du clergé séculier, mais aussi à de nouvelles catégories émergentes de possesseurs, notamment la bourgeoisie
This thesis aims at the comparative study of libraries of laity and clerics in the north of France and northern Italy between 1400 and 1520. The relations between the French and Italian territories are no longer to be demonstrated, marked for the beginning of our period by the progressive resolution of the Great Schism and, for the end, by the Italian wars between 1494 and 1516. In the fifteenth century and up to the beginning of the sixteenth century, cultural phenomena of the first order such as dissemination of humanism and, on the material level, the invention of printing spread throughout Europe. We have chosen to focus on "traditional" categories of possessors such as the secular clergy, but also to emerging categories of possessors, including the bourgeoisie

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Gianeselli, Matteo. "Dans le sillage de Domenico Ghirlandaio (1449-1494) : peintres et commanditaires à Florence." Amiens, 2012. http://www.theses.fr/2012AMIE0005.

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Abstract:

Au début de la "Vie" qu'il consacre à Domenico Ghirlandaio, Vasari définit le peintre comme "l'un des plus grands et des plus illustres maîtres de son époque". Domenico appuyait sa production sur une hiérarchie rigoureuse, tout en cherchant à se spécialiser et diversifier son offre. L'étude du cadre socio-économique dans lequel s'insèrent ses commanditaires permet en outre de tracer les contours d'un "milieu ghirlandaiesque" particulièrement dynamique (I). Suite à la mort prématurée de son frère, c'est Davide qui reprit les rênes de l'atelier familial. Cette période de flottement n'empêcha pas toutefois de nombreux artistes - élèves et suiveurs - d'initier un dialogue avec l'art de Domenico (II). Ce n'est qu'au début du XVIe siècle, avec Ridolfo, que l'atelier renoua avec le succès. Le fils de Domenico satisfit fièrement ses ambitions socio-professionnelles nourries par son père. Comme ce dernier, il s'affirma comme un maître recherché et évailla une vive émulation auprès de ses contemporains (III)
At the beginning of the "Life" he devotes to Domenico Ghirlandaio, Vasari describes the painter as "one of the most important and most excellent masters of his age". Domenico organized his production according to a rigorous hierarchy and endeavoured to specialize and diversify his offer at the same time. Moreover, the study of the socio-economic context to which his patrons belonged allows us to delineate the outlines of a particularity dynamic "ghirlandaiesque milieu" (I). After the premature death of his brother, Davide took up the family workshop. However, this period of wavering did not prevent numerous artists - pupils and followers - from initiating a dialogue with the art of Domenico (II). Only in the early 16th century, with Ridolfo, did the workshop enjoyed renewed success. Domenico's son proudly fulfilled the socio-professional ambitions nurtured by this father. Just like the latter, he established himself as a master in demand and aroused a true craze among his contemporaries (III)

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Stauss, Dimitri. "Vers une compréhension des origines de Caravage : l'influence vénitienne par rapport à l'influence lombarde à travers le contexte historique, social et religieux du XVIe siècle." Montpellier 3, 2009. http://www.biu-montpellier.fr/florabium/jsp/nnt.jsp?nnt=2009MON30087.

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Abstract:

Cette thèse s'intéresse aux problèmes de l'influence vénitienne dans la peinture de Caravage. Pour cela, les différentes caractéristiques de l'art de Michel-Ange Merisi seront confrontées point par point , aux références vénitiennes, mais aussi lombardes, florentines et romaines. Dans ce travail ce sont également les contextes sociaux, religieux et culturels qui seront présentés, cela dans le but d'aborder la part importante des apports comme la littérature, la philosophie, la théologie, mais aussi les fréquentations directes du peintre, des apports qui ne soient pas purement picturaux. Nous traiterons dans un premier temps de la situation artistique, politique et religieuse dans laquelle le peintre va se former à Milan, le problème de l'hypothétique voyage à Venise sera également traité ici. Par la suite, nous présenterons les questions relatives au clair-obscur, à la couleur, au dessin, aux paysages, aux figures et à leur rendu naturel mais aussi à leur éventuelle source vénitienne. Dans un premier temps, nous nous appuierons sur des exemples précis et des comparaisons avec les principaux peintres de la Sérénissime comme Giorgione, Titien ou Tintoret, de manière à définir concrètement si on peut établir un quelconque lien entre eux et Caravage. Nous ne manquerons pas d'accorder une part conséquente à la peinture lombarde et aux artistes de la région de Milan dont l'influence première a été primordiale. Notre recherche a pour but d'établir un état des avancées réalisées sur le peintre, mais aussi de proposer des relations et des interprétations visant à faire progresser l'étude concernant ce dernier
This thesis deals with the problems of the Venetian influence in the paintings of Caravaggio. The different features of the art of Michelangelo Merisi are analysed and systematically compared to the Venetian's references, but also Lombards, Florentines and Romans. The social, religious and cultural contexts are also presented, as to highlight the major influence of literature, philosophy, theology, along with painter's acquaintances, influences wich are not merely pictorials. Firstly we paid particular attention to the artistic, political and religious in which the painter was immersed in Milano. The problem of the hypothetical journey in Venice is also treated. Then, we study the relative questions with regards to the chiaroscuro, to colour, to the drawings, to the landscapes, to the faces and to their natural effects shapes but also to their possible Venetian source. Lastly we use examples and comparisons with the main painters of the Serenissima such as Giorgione, Titian or Tintoret, in order to concretely define if one can establish any link between them and Caravaggio. It is essential to study the Lombard painting and the artists of the region of Milano whose influence was upmost primordial. Our study aims to establish the progress of research on the painter, but also to the offer links and interpretations so as the study progress

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Morel, Philippe. "Les décors médicéens à la fin de la Renaissance." Paris, EHESS, 1993. http://www.theses.fr/1993EHES0304.

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Abstract:

Ce travail propose une serie d'analyses de diverses formes de realisations artistiques decoratives, fixes ou ephemeres, concues a rome et a florence pour francois 1er et ferdinand 1er de medicis, essentiellement entre 1575 et 1590. Les modalites du decor sont a la fois materielles et thematiques. Materielles avec des voutes peintes a fresque, des plafonds a caissons ornes de tableaux, des grottes couvertes de substances minerales diversement modelees ou agencees, des structures ephemeres peintes ou sculptees, des decors et costumes de theatre, des allegories vivantes, des automates , etc. Thematiques puisque la these est divisee en quatre sections consacrees au rapport du decor (1) au politique a travers les ideologies territoriales et dynastiques, (2) a la cosmologie (elements, planetes), (3-4) aux sciences de la nature (ornithologie, botanique, mineralogie, teratologie), au collectionnisme eclectique et a la poesie burlesque. Le premier point traite des entrees princieres a florence et a pise, et de leur rapport aux decors fixes. La seconde partie est dediee aux programmes cosmologiques, astrologiques et magiques du palazzo firenze, de la villa medicis (rome) et des intermedes florentins de 1589. Dans la troisieme, il est surtout question de decors lies aux jardins : le stanzino degli uccelli a rome, les grottes de boboli et de pratolino ainsi que leurs automates. C'est aux grotesques qu'est consacree la quatrieme section, a partir du vaste ensemble de la galerie des offices, examine dans sa relation aux kunst-und-wunderkammern, a l'hybride et au monstrueux et au genre litteraire burlesque
This work presents a series of studies of different forms of artistic decorations, permanent or ephemeral, conceived in rome and in florence for francesco i and ferdinando i de' medici, mainly between 1575 and 1590. The modalities of the decorations are both material and thematic. Material with frescoes, easel or wood-paintings in ceilings, grottoes covere d by mineral substances variably mould or designed, ephemeral structures, settings and costumes, automatons, etc. Thematic since this thesis is divided into four sections dedicated to the relationships of the decoration with (1) the political sphere as seen through territorial and dynastic ideologies, (2) to cosmology (elements, planets), (3-4) to the natural sciences (ornithology, botany, mineralogy, teratology), as well as to eclectical collectionism. The first point deals with princely entries in florence and pisa, and with their relationships to permanent decorations. The seco nd part is dedicated to the cosmological, astrological and magical programs at villa medici and palazzo firenze in rome, and in the florentine intermezzi of 1589. The third section is mainly about gardens : the "stanzino degli uccelli" in ro me and the grottoes of boboli and pratolino with their automatons. The fourth part treats of grotesques, from the large decoration of the uffizi gallery studied in its structural links with the kunst-and-wunderkammern, the hybrid and the monstruous, and the burlesque poetry

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Perina, Hugo. "L’orgue italien de la Renaissance (1400-1550). Commandes artistiques, savoirs pratiques et usages liturgiques." Thesis, Paris Sciences et Lettres (ComUE), 2018. http://www.theses.fr/2018PSLEH054.

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Abstract:

Cette thèse propose une approche de l’orgue italien de la Renaissance qui croise les aspects sociaux, techniques et culturels de l’orgue afin de déterminer les spécificités des pratiques liées à l’orgue, des années 1430 jusqu’à la moitié du XVIe siècle. L’aménagement de deux tribunes d’orgues par Brunelleschi dans la cathédrale de Florence dans les années 1430 renouvelle radicalement la façon de concevoir la place de l’orgue au sens le plus concret (dans l’espace liturgique), mais aussi dans le champ symbolique. Ce changement de position demande aux facteurs d’adapter leurs techniques. Ces innovations sont autant de critères constitutifs de l’orgue dit a la moderna. Il est possible de suivre la diffusion des nouveaux canons esthétiques en Italie grâce aux déplacements des individus liés à l’orgue (artisans et commanditaires), à partir de trois centres principaux : la Toscane, la Vénétie et la Lombardie. La compilation de contrats de commande ou d’embauche prend la forme d’une base de données d’environ six cent cinquante entrées. En plus de fournir des informations techniques, ce corpus documentaire permet d’étudier le processus de professionnalisation des organistes et des facteurs, en rapport constant avec leurs employeurs et mécènes. L’aspect communautaire qui ressort des commandes est resitué dans le contexte plus large des relations économiques et diplomatiques entre les différents États italiens. La figure du commanditaire apparaît alors comme centrale dans la diffusion de l’orgue a la moderna et des pratiques professionnelles qui l’accompagnent
This thesis offers a social, technical and cultural study of the Renaissance Italian organ. It aims to determine the specificities of practices related to the organ from the 1430s to the mid XVIth century. Brunelleschi’s building of two organ galleries in the cathedral of Florence marks a profound shift in the conception of the organ’s place—a shift that is both spatial (it affects the space of the liturgy) and symbolic. Such a displacement made it necessary for organ builders to adapt their craft. Those innovations are essential characteristics of the organ a la moderna. The diffusion of new aesthetic criteria by craftsmen and their employers can be traced back to three main regions: Tuscany, Veneto and Lombardy. A compilation of buying and hiring agreements is structured as a database of around six hundred and fifty entries. In addition to providing technical data, this corpus makes it possible to study the progressive professionalization of organists and organ builders, in relation to their employers and patrons. The community involved in the process of building the organs is also put back in the broader context of the economic and diplomatic relations between Italian states. The employer therefore becomes a key figure in the diffusion of the organ a la moderna and the professional skills and habits that it involves

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Métral, Florian. "Les figures de la genèse : représenter la création du monde dans l'art italien de la Renaissance." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H037.

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Abstract:

L’émergence de la Renaissance en Italie s’est accompagnée d’un intérêt renouvelé pour la problématique des origines et, plus spécifiquement, de la création du monde. Les figures de la genèse qui imprègnent le discours humaniste, aux XVe et XVIe siècles, n’ont cessé d’exalter la fonction matricielle du mythe cosmogonique pour penser le rapport au temps présent. Les images – en particulier les œuvres d’art – constituent les traces visibles de ces spéculations qui touchent autant les conceptions religieuses et philosophiques relatives au commencement que les moyens visuels, mis en œuvre par les artistes, pour figurer le mystère de la première naissance. La première partie de ce travail consiste en une étude de l’imaginaire de la création du monde aux XVe et XVIe siècles à travers la mise en évidence de son rôle fondamental dans la pratique de l’histoire, la structuration des savoirs sur la nature et l’exercice du pouvoir. Une série d’étude de cas de grands décors peints – de la voûte de la chapelle Sixtine, complétée en 1512, à la sala della Creazione du palazzo Besta, achevée à la fin du Cinquecento – compose la deuxième partie et la troisième partie de cette thèse. À partir de la mise en évidence d’un ensemble de textes et d’images, la quatrième partie de ce travail explore les ressorts poétiques et figuratifs de l’analogie entre la création du monde et le faire artistique. L’investissement théorique de l’iconographie de la création du monde à la Renaissance a été au fondement de la définition de la notion de « création artistique » et de l’œuvre comme monde agencé par l’artiste qui marque la conception moderne de l’art
The emergence of Renaissance in Italy was associated with a renewed interest in the questioning of origins and, more specifically, in the creation of the world. The humanist discourse in the fifteenth and sixteenth centuries was permeated by figures of the genesis that ceaselessly glorified the matrix functionality of the cosmogonic myth to conceive the relationship to the present time. Images, and more specifically works of art, constitute the visible remnants of these contemplations, affecting the religious and philosophical representation of the beginning, as well as the visual means used by the artists to portray the mystery of the first birth. The first part of this study analyses the idea of the creation of the world, during the fifteenth and sixteenth centuries, through the portrayal of its fundamental role in the practice of history; the construction of knowledge about nature; and the exercise of power. The second and third part of this thesis take the form of case studies focusing on mural paintings - the vault of the Sistine Chapel, completed in 1512, to the Sala della Creazione of Palazzo Besta, completed at the end of the Cinquecento. Finally, the fourth part of this study will explore the poetic and figurative drive emerging from the analogy between the creation of the world and the artistic practice, illustrated via an evocative ensemble of texts and images. During the Renaissance, the theorized iconography of the world’s creation yielded the concept of “artistic creation” and of the work of art as a universe modeled by the artist, thus introducing the modern notion of art

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Cordon, Nicolas. "Aux frontières du décor : le stuc dans l'art romain de la Renaissance. Marginalité, simulacres, transgressions." Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H050.

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Abstract:

Technique décorative antique plébiscitée par l’art romain, le stuc connaît une véritable renaissance à Rome durant le XVIe siècle. À partir d’un intérêt pour une esthétique antiquisante, les artistes modernes ont intégré le stuc à des problématiques plus précises concernant le dialogue entre les arts et l’exploration des frontières implicites et explicites délimitant l’art et son espace de réception. Le stuc est en effet employé à la Renaissance aussi bien en architecture (pour les moulures et ornements, pour recouvrir la brique et donner une allure « marmoréenne » aux édifices), en peinture (pour servir de support à la fresque et y intégrer le relief) et en sculpture (pour l’exécution de reliefs figuratifs et de figures allant jusqu’à la ronde-bosse, intégrées le plus souvent à un décor peint). Loin d’opposer ces disciplines, le stuc les relie en s’emparant de leurs modes d’expression pour les faire cohabiter au sein du décor et, ce faisant, permet aux artistes d’adopter un point de vue réflexif quant à leur pratique, orienté vers l’investigation des moyens et natures de la représentation. Cette introspection se double, comme un corollaire, d’une investigation des effets de l’art et de sa capacité à convoquer le spectateur, à l’impliquer et l’intégrer au sein de la représentation afin de rendre plus mouvantes et fluctuantes les limites du décor. À partir d’une position « ornementale », voire « marginale », nombre de figures de stuc exécutées à Rome dès avant l’âge Baroque semblent vouloir offrir à la notion de frontière une application très originale, où les questions du simulacre et de la transgression se trouvent subtilement investies et convoquées
As an ancient decorative technique favoured by Roman art, stucco is given a genuine renaissance in Sixteenth century Rome. Modem artists’ general interest in Antiquity includes more precise considerations regarding the possible functions of stucco in the dialogue between the arts, and explorations of the frontiers separating art from its beholder. Indeed, stucco is being used during the Renaissance in architecture (for the moulding and ornaments, to coat brick walls and give it a "marmoreal" appearance), in painting (as an intonaco for fresco) and in sculpture (to make figurative reliefs and free standing figures, generally combined with mural paintings). Far from opposing the arts, stucco connects them by taking possession of their modes of expression to make them work together inside the decorative systems and, doing so, gives the artists the opportunity to adopt a reflexive point of view regarding their practice, looking toward the investigation of the nature and means of representation. This particular introspection is also a research on the effects of art and its ability to convoke the beholder, to make him part of the representation and make more ambivalent the boundaries of decoration. From an "ornamental", even "marginal" position, numerous stucco figures executed in Rome before the Baroque age give the concept of aesthetic frontier an original instance, where simulacra and transgression are ingeniously summoned

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Deriu, Elisabetta. "Le cheval et la cour : pratiques équestres et milieux curiaux, Italie et France, (milieu du XVe-milieu du XVIIe siècle)." Thesis, Paris Est, 2008. http://www.theses.fr/2008PEST0072.

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Abstract:

Notre travail aborde les milieux de cour italiens et français au travers des savoirs et des pratiques équestres répandus depuis le milieu du XVe au milieu du XVIIe siècle. A cette époque, le cheval est à la fois un élément essentiel de l'économie curiale, un véhicule du prestige princier, et un moyen d'affirmation sociale. La première partie de la thèse ("L'invention des sources") invite à découvrir les sources relatives à l'organisation des institutions équestres pour gentilshommes. Les informations concernant les spécialistes du cheval et les équidés qu'abrite la cour sont abondantes, ainsi que le montre la deuxième partie ("Les cavaliers et leurs chevaux dans les cours de la Renaissance"). La troisième partie traite de "L'économie équestre en milieu curial", ou des stratégies et des moyens mis en place par la cour pour se pourvoir en équidés que ce soit en matière de défense, loisirs ou tâches quotidiennes. La dernière partie intitulée "Mobilité et transferts" porte sur la circulation des modèles, des compétences des pratiques équestres en milieu curial. On tend à situer le début du développement de l'art équestre curial en Italie à la Renaissance, vers la fin du XVe siècle, quand les Français l'auraient "découvert" et "importé" au-delà des Alpes. Or, le modèle équestre se développant à la Renaissance, loin d'être le fruit de l'importation d'un ensemble de pratiques et de valeurs immuables, s'étoffe en circulant au gré des échanges, lors des déplacements des spécialistes du cheval, des aspirants écuyers et des membres des maisons princières
Our thesis approaches the history of Italian and French princely courts through a survey of horsemen's theories and practices from the second half of the XVth century to the 1650s. At that time, horses are an essential element of curial economy, a medium of princely prestige and a mean of social advancement. The first part -"The invention of sources"- invites to discover the sources relating to the equestrian curial institutions (Stables and Studs), to the exchanges between princely households, or to the way equestrian academies for the nobility are run. These sources provide quite a lot of data concerning horse specialists, as we explain in the second part entitled "Horsemen and their Horses in Renaissance Princely Courts". The third part, concerning "Curial economy", examines how a princely household provide itself with the horses it needs for its defence, its leisure activities or its daily routine. The last part -"Mobility and Transfers"- analyzes not only horsemen's mobility and how their know-how spreads, but also the diffusion of cultural models, and of fashionable items of equipment for horses and riders, from court to court, countrywide or abroad. Usually, the development of the equestrian art is considered as a product of the end of the XVth century, when it would have been "discovered" and "imported" from Italy by the French. Nevertheless, Renaissance equestrian models are far from being a fruit of a massive importation of theories, practices and immutable values. They take shape thanks to the exchanges, and to the mobility of horse specialists, young horsemen-to-be travelling to complete their equestrian education, and members of the princely courts

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Pellé, Anne-Sophie. "Aemulatio Italorum, la réception des estampes de Mantegna par Dürer et ses contemporains germaniques : la gravure comme agent d'émulation culturelle à la Renaissance." Thesis, Tours, 2016. http://www.theses.fr/2016TOUR2006.

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Abstract:

Au début du XVIè siècle, le territoire germanique apparaît comme le foyer de réception non seulement le plus important mais aussi le plus fécond des estampes du peintre italien Andrea Mantegna (1431-1506). De Dürer à Peter Vischer à Nuremberg, de l’atelier d’Ulrich Apt à celui de Jörg Breu l’Ancien à Augsbourg, d’Hans Baldung Grien à Matthias Grünewald dans les régions rhénanes, d’Urs Graf à Jörg Schweiger en Suisse, de l’atelier d’Altdorfer implanté à Ratisbonne à celui de Wolf Huber situé à Passau : tous les centres artistiques et humanistes du monde germanophone sont concernés. Inscrite dans la problématique des transferts culturels, cette thèse vise à montrer, par une approche résolument pluridisciplinaire, que la réception des modèles gravés italiens en Allemagne ne se borne pas aux emprunts formels et stylistiques, mais s’intègre dans une réflexion sur l’émulation, qui tient compte des spécificités à la fois historiques et culturelles du Saint Empire Romain germanique
During the early 16th century the German territory was not only the most important but also the most fruitful center for the circulation of Italian painter Andrea Mantegna's (1431 - 1506) prints. From Dürer to Peter Vischer in Nuremberg, from Ulrich Apt's workshop to Jörg Breu the Elder in Augsbourg, from Hans Baldung Grien to Matthias Grünewald in Alsace, from Urs Graf to Jörg Schweiger in Switzerland, Altdorfer's workshop, located in Regensburg to Wolf Huber's in Passau. Basically all artistic and humanist centers in the German-speaking world were concerned. This thesis takes as its primary object the problematic of cultural transfers and aims at showing, through a multidisciplinary approach, that the German reception of Italian engravings is not only limited to formal and stylistics aspects but it is integrated in a reflection regarding the emulation, which will take into account both historical and cultural particularities of the German Sacred Roman Empire

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Lemos, Maya Suemi. "Du discours moral au discours musical : le thème de la vanité dans la musique italienne post-tridentine." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040103.

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Abstract:

Le thème de la vanité est sous-jacent à toute l’épistémè des XVIe et XVIIe siècles : véritable discours sur la fugacité de la vie, sur le caractère éphémère et vain de toute chose terrestre, il affecte alors tous les domaines représentatifs – les arts plastiques, la littérature, mais aussi la musique. En effet, les représentations musicales du thème de la vanité foisonnent dans l’Italie post-tridentine, où elles nous apparaissent comme une catégorie à part entière à l’intérieur de l’ensemble de la musique dévotionnelle. S’appropriant à peu près tous les genres musicaux en usage – des genres sacrés aux genres profanes, des genres sérieux et savants aux formes légères –, elles se déclinent en des modalités discursives et opératoires diverses. Cette variété témoigne de la nécessité d’étendre le discours moral qu’elles portent à tous les secteurs sociaux : les Vanités, fussent-elles picturales, littéraires ou musicales, semblent matérialiser, dans leur condensé de significations, le code moral de l’époque. Donnant forme à celui-là elles l’affirment et le diffusent, sans doute, ne contribuant pas moins, pourtant, à l’abolir
The theme of vanity underlies the entire episteme of the sixteenth and seventeenth centuries: veritable discourse on the transience of life, on the ephemeral and vain character of all earthly things, it affects all the domains of artistic expression - literature, the visual arts, but also music. The musical representations on the theme of vanity abound in Post-Tridentine Italy, where they constitute an autonomous category within the ensemble of devotional music. Through the appropriation of almost every musical genre of the time - the sacred and the secular, the serious and learned but also the lighter forms - they take various discursive and operational paths. This variety testifies of the necessity to extend the moral discourse to all parts of society: the Vanities - be they pictorial, literal or musical - seem to materialize, in their condensation of meaning, the moral code of the time. Giving form to it, they affirm it and spread it, but can't, nevertheless, avoid to exhaust it

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Petiot, Damien. ""Templum [...] maximum et primarium est urbis ornamentum". Architecture et cadre urbain des églises dans les traités, les villes neuves et les aménagements urbains de l'Italie de la Renaissance (1450-1615)." Thesis, Tours, 2018. http://www.theses.fr/2018TOUR2028.

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Abstract:

Édifice emblématique de la Renaissance, l’église fut au coeur des réflexions théoriques des architectes italiens. Leur pensée, émanant directement du De architectura de Vitruve et de ses nombreuses éditions renaissantes, accorde également à la ville un rôle majeur dans l’élaboration d’une communauté humaine idéale. Il n’est donc guère étonnant que les deux thèmes, architecture religieuse et art urbain, se rencontrent dans la théorie comme dans la pratique pour magnifier la demeure divine. Toutefois, loin d’être mis à l’écart, le lieu de culte s’insère au sein d’un réseau viaire dense et complexe qu’il faut analyser soigneusement pour juger au mieux de la place accordée à ce type de monuments. Située à proximité d’autres symboles du pouvoir, tels que les palais seigneuriaux et communaux, l’église instaure un dialogue ambivalent avec ces derniers. De même, la place et/ou l’avenue qui la précèdent peuvent aussi bien contribuer à son isolement qu’à son intégration urbaine. Au fil des lectures, les concepts même d’architecture religieuse et de cadre urbain apparaissent donc polysémiques. Et l’analyse des constructions de la Renaissance ne clarifie en rien la situation. S’appuyant sur des sources variées (traités d’architecture, ouvrages d’humaniste, dessins, plans, etc.) le présent travail tend à interroger les valeurs multiples des lieux de culte de la Renaissance. Leur cadre urbain contribue-t-il nécessairement, comme l’affirme Alberti, à en faire les principaux embellissements de la cité ?
Symbolic edifice of the Renaissance, the church was fundamental in Italian architects’ theoretical reflexions. Their thought, based on Vitruvius’ De architectura and its numerous Renaissance editions, attributes also a great importance to the town in the development of an ideal human community. There’s nothing surprising about that both topics, religious architecture and town planning, meet each other in the theory as in the pratice to glorify the God’s house. However, not at all isolated, the place of worship is inserted in a concentrated urban network. Located close to other symbols of power, like seigneurial castle and local council, the church establishes an ambivalent dialogue with them. Similarly, the town square and the avenue can contribute to its isolated location or its urban integration. Therefore, the notions of religious architecture and town planning appear polysemous. Relying on varied sources (treatises, humanists’ writings, drawings, plans, etc.) the present thesis strives to examine the numerous values of Renaissance’s churches. Does their urban setting participate to make the church the city’s greatest and noblest ornament, as claimed by Alberti ?

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Delzant, Jean-Baptiste. "Magnificus dominus. Pouvoir, art et culture dans les seigneuries d’Italie centrale à la fin du Moyen Âge." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040178.

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Abstract:

Aux XIVe et XVe siècles, la plupart des villes d’Italie centrale expérimente des gouvernements seigneuriaux. Camerino passe sous la domination des da Varano, Fabriano des Chiavelli et Foligno des Trinci. Ces familles obtiennent de la commune la reconnaissance de leur pouvoir et du pape d’importantes délégations d’autorité. À côté de ces piliers de leur légitimité, elles en construisent un troisième ne dépendant que d’elles-mêmes. Le pouvoir devient dynastique, il repose sur des qualités individuelles et familiales. Les seigneuries développent une véritable politique de communication. L’urbanisme, l’architecture, la peinture mais aussi la littérature sont les médias principaux qu’elles utilisent pour élaborer l’image de bons dirigeants. Cette dernière est d’abord étudiée, ici, à partir des peintures murales des résidences familiales. De telles réalisations ne sont pas le reflet déformé d’une domination, elles sont des actes de gouvernement qui contribuent au bien commun et à l’honneur de la ville. Elles sont encore un instrument de renommée et l’expression de vertus singulières, telle la magnificence, qui justifient le pouvoir personnel. La commande artistique place la famille dominante au cœur de l’histoire de la ville. Elle la situe dans la continuité des institutions communales dont elle reste dépendante. En ville et dans le contado, les images présentent également une hégémonie de plus en plus enracinée dans la succession dynastique et appuyée par une cour restreinte. Elles parviennent ainsi à faire cohabiter les légitimations contradictoires d’un pouvoir patrimonialisé mais présenté comme conforme aux traditions et aux intérêts de la communauté
In the 14th and 15th centuries, most cities in Central Italy fell under the rule of powerful families. Camerino saw the rise of the Varanos, Fabriano of the Chiavellis, and Foligno of the Trincis. As communal authorities ended up acknowledging their power, the Popes also agreed to handing out to them significant delegations of their authority. While the two most important foundational aspects of their legitimacy laid there, these families were able to build on a third one that depended on themselves and on themselves alone. Their power became dynastic.Urban lords developed genuine communication policies. Town planning, architecture, commission of paintings as well as of literary works where the most useful tools in the building up of their image as good leaders. This study first explores this achievement by examining wall-paintings in family residences. Such works should be regarded as acts of government perceived as contributions to honor of the city. As instruments of fame, they also manifested singular virtues and thus justified the exercise of a personal power.Artistic commissions situated leading families at the heart of their city’s history. They created a sense of continuity with the urban authorities upon which the new rulers still depended. Images were meant to display an hegemony that came to be more and more deeply grounded in dynastic succession and that was supported by the gathering of a select court. While the different sources of legitimacy of such patrimonialised power may have been contradictory, images managed to accommodate these contradictions. They made new styles of ruling suitable to the claims of customs and to the communities’ self-interests

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Pretalli, Michel. "Les dialogues militaires des ingénieurs italiens du XVIème siècle : transmision des savoirs et aspirations littéraires." Thesis, Besançon, 2011. http://www.theses.fr/2011BESA1040/document.

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Abstract:

La thèse comprend trois parties dont la première vise à définir le contexte historique et culturel dans lequel se développa la production littéraire prise en considération. Nous y décrivons la position d'infériorité relative qui était, depuis l'Antiquité, celle des praticiens (mechanici) par rapports aux lettrés et, plus généralement, aux représentants des arts libéraux. Nous décrivons ensuite le milieu dans lequel évoluèrent les auteurs des dialogues étudiés, c'est-à-dire la cour, centre névralgique et décisionnel de la société à cette époque et qui, passage obligé de l'ascension sociale, était aussi un milieu hostile et très fortement concurrentiel. Le prince occupait le sommet de sa hiérarchie et se situait au cœur des dynamiques internes qui l'animaient. Les techniciens tels que certains des auteurs des ouvrages étudiés devaient se confronter à ce milieu s'ils espéraient faire carrière. Les possibilités d'évolution professionnelle et sociale qui s'ouvraient à eux étaient réelles : les États italiens montrèrent en effet au XVIème siècle un intérêt certain pour les disciplines techniques et proto-scientifiques. Dans ce contexte, la production textuelle représentait un moyen d'action de première importance. Le livre pouvait en effet être conçu comme une monnaie d'échange dans les relations courtisanes, mais aussi comme un succédané à l'action militaire ou comme un moyen efficace pour la promotion des compétences de l'auteur.La deuxième partie de la thèse nous rapproche des textes qui forment le corpus de recherche. Le fait que ces ouvrages traitaient d'affaires militaires représentait un atout dans les cours de la péninsule au XVIème siècle et pouvait leur assurer une réception favorable tout en ouvrant des perspectives de carrière à leurs auteurs. Le premier chapitre de cette partie vise donc à montrer comment était perçue l'utilité de l'art militaire à cette époque. Si la rhétorique faisait de son exaltation un véritable lieu commun, la réalité historique conduisait à un constat unanime : celui de la nécessité urgente pour les États de la Péninsule, qui subirent des échecs cuisants dans la première partie du siècle notamment, d'améliorer l'efficacité de leurs armées. La production d'ouvrages militaires aux finalités didactiques s'encadre, en partie tout du moins, dans ce contexte et répond à la volonté de proposer une instruction militaire plus avancée. La manière dont les auteurs des dialogues étudiés cherchèrent à répondre à ce besoin vital dépendait substantiellement de leur conception de l'art militaire. On en distingue trois principales à cette époque mais toutes préconisent, dans des proportions et selon des modalités différentes, l'union des connaissances théoriques et pratiques. Les hommes de métiers – des membres de l'aristocratie ayant souvent reçu une certaine formation culturelle – revendiquaient la supériorité des savoirs pratiques et critiquaient ceux que l'on appellera les théoriciens purs. Dans leurs ouvrages, ils arrivaient parfois à remettre en cause la pertinence d'une transmission des savoirs militaires par l'écrit. Le paradoxe n'est cependant qu'apparent : la notion clé de l'experimentum – qui peut s'accommoder du support écrit – permet de le résoudre. L'approche de type humaniste, de son côté, relève d'une perspective générale et aristocratique de l'art. Le recours aux auctoritates antiques y est fréquent et les vertus classiques occupent une place de premier ordre. Enfin, les techniciens de la guerre faisaient des mathématiques le fondement essentiel de leur conception de l'art militaire moderne
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Le, Foll Joséphine. "La "Bethsabée au bain" de Véronèse : tableau de mariage, allégorie morale, procés en justice ? : l'iconographie à l'épreuve de la peinture vénitienne." Paris, EHESS, 2009. http://www.theses.fr/2009EHES0022.

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Abstract:

Centrée sur un tableau de Paolo Véronèse (1528-1588) -la Bethsabée conservée au musée des Beaux-Arts de Lyon-, la thèse a pour ambition de mettre en pratique une histoire de l'art qui envisage l'œuvre à travers ses multiples enjeux. D'un point de vue méthodologique, l'identification de son sujet complexe qui condense deux thèmes (Bethsabée au bain et Suzanne et les vieillards), n'est possible qu'au prix d'une réélaboration des outils traditionnels, telle que l'a entreprise Daniel Arasse avec l' "iconographie analytique". L'exégèse biblique, les traditions iconographiques, les spécificités de la peinture vénitienne, les pratiques sociales révèlent un ensemble de points communs à ces deux thèmes qui permettent d'expliciter leur rapprochement au sein d'une même image. Des recherches aux Archives de Venise ont permis d'éclairer les circonstances historiques de la commande, grâce à l'identification des deux blasons représentés dans le tableau
Focused on one painting by Paolo Veronese (1528-1588), the Bathsheba bathing (Lyon, musée des Beaux Arts), this thesis' ambition is to question a pillar of art history whose stakes are multiple. Whereas the methodological angle envisions the complex topic of the painting as a condensation (i. E Bathsheba bathing and Susanna and the Eiders), this scope is only acceptable while elaborating the reconstruction of traditional analysis once quoted by Daniel Arasse in his "analytical iconography". The addition of biblical commentary, iconography and in depth study of venetian painting, as well as social practice make these two themes converge and the thesis validates their "fusion" into the same image. A local study of the archives of the state of Venice has been undertaken and the result throws light on the origin of the commission through clearing the identity of the commissioners thanks to their blazon, a stamp which is the sign of the alliance of two families Badoer and Soranzo

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Petrick, Vicki-Marie. "Le corps de Marie Madeleine dans la peinture italienne du XIIIe siècle à Titien." Paris, EHESS, 2012. http://www.theses.fr/2012EHES0087.

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Abstract:

Cette thèse se donne pour but de montrer la densité de significations qui informent les choix plastiques et iconographiques de la Madeleine du Palais Pitti de Titien, en l'examinant à la lumière des traditions visuelles de la Madeleine en Italie. Pour ce faire, la thèse remonte jusqu'aux codes visuels mis en place dès le XIIIe siècle. Cette étude fait apparaître les moyens par lesquels le corps de la femme peut être porteur de sens théologique, au delà du péché et de la tentation. Une première partie en établit les fondements. Un chapitre aborde l'anthropologie du corps chrétien ; un autre, la construction du personnage de Marie Madeleine et des thèmes qui lui sont associés ; un troisième étudie ses premières formulations plastiques dans le bassin méditerranéen. Une deuxième partie est consacrée aux cycles qui présentent sa Vita : le retable florentin de 1285, la chapelle de Madeleine dans la basilique d'Assise, et les chapelles de la Madeleine au Bargello et à Santa Croce à Florence. Ces chapitres font apparaître la dynamique par laquelle le spectateur se rapporte à sa figure comme un exemple de chair pécheresse convertie. Une dernière partie propose une analyse diachronique de longue durée, du XIVe au XVIe siècle, des principaux signes iconographiques qui la distingue : la couleur rouge, les cheveux, les larmes, le vase et le parfum, en accordant une attention particulière aux variations régionales, entre Toscane et Vénétie. Le chapitre final fait converger les résultats des chapitres précédents dans l'analyse de la Madeleine de Titien, qui apparaît comme un point d'aboutissement des recherches plastiques et conceptuelles menées depuis 1270
The goal of this thesis is to show the density of meanings that inform the plastic and iconographic choices made by Titian for his Pitti Magdalen, examining it in light of the visual traditions of the Magdalen in Italy. To do this, the dissertation goes back to the visual codes established in the 13th century. This study brings forward the means by wich women's bodies may be bearers of theological meaning, beyond that of sin and temptation. A first part establishes the foundations. One chapter approaches the anthropology of the Christian body, another the construction of the "character" of Mary Magdalen and themes associated with her, a third stuides these first plastic formulations in the mediterranean basin. A second part is consecrated to the cycles that present her Vita : the Florentine pala of 1285, the Assisi Magdalen chapel, and the Magdalen chapels of the Bargello and Santa Croce in Florence. The chapters bring forward the dynamic in wich the spectator relates to the figure as an example of sinful flesh converted. A last part proposes a diachronical analysis, on a large temporal scale, from the fourteenth to the sixteenth centuries the principal iconographical signs that distinguishe her : the color red, the hair, the tears, the vase and the perfume, all the while giving particular attention to the regional variations between Tuscany and the Veneto. The final chapter converges the results of the first chapters in the analysis of the Titian Magdalen who appears as an end point in the plastic and conceptual research conducted since 1270

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Collin, Florence. "Le parallélisme de la musique et des arts plastiques dans les écrits de Francis Poulenc : une approche originale de la conception et de la perception musicale." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040141.

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Abstract:

En tant que compositeur, interprète, critique musical et auditeur, Francis Poulenc (1899-1963) a produit un corpus important d'écrits, d'entretiens et d'émissions radiophoniques, dans lesquels il a évoqué de nombreux parallèles entre la musique et les arts plastiques. La première partie de cette thèse propose une étude des correspondances entre les œuvres des compositeurs cités par Poulenc et les réalisations plastiques qu'il met en abyme. Ce même travail, concernant ses propres compositions, constitue la deuxième partie. Enfin, la troisième partie aborde les œuvres picturales de créateurs inspirés par Poulenc. Après l'étude des différents niveaux de convergence entre les œuvres citées, nous avons tenté de déterminer en quoi les parallèles évoqués par le compositeur permettent de mieux expliciter ses préoccupations esthétiques liées à la conception et à la perception des œuvres musicales
As composer, interpreter, musical critic and listener, Francis Poulenc (1899-1963) produced lots of writings, interviews and broadcastings, in which he evoqued many parallels between music and fine arts. The first part of this work studies connects between composers' works and fine arts works Poulenc has mentionned. The same study, with his own compositions, constitutes the second part. In the third part, we study pictural works from artists inspired by the composer. After these connects, we tempted to find why the parallels evoqued by Poulenc allow to show his esthetics cares about conception and perception of musical works

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Humbert, Jean-Marcel. "L'égyptomanie : sources, thèmes et symboles : étude de la réutilisation des thèmes décoratifs empruntés à l'Egypte ancienne dans l'art occidental du XVIe siècle à nos jours." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040295.

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Abstract:

Le catalogue illustré constituant la première partie de cette thèse a été réalisé à partir d'une base de données créée spécialement. Il contient plusieurs milliers de références intégrées à 1370 notices; celles-ci sont classées selon les principaux thèmes de l'histoire de l'art, eux-mêmes regroupés à l'intérieur de six périodes chronologiques. Cet échantillonnage représentatif a permis d'étudier les sources et les composantes de l'égyptomanie selon les époques et les pays, les thèmes égyptiens les plus souvent employés et leur degré d'adaptation, et la part de symbole contenue dans les différents types de créations. L'égyptomanie a pour sources des documents archéologiques, des relations de voyage, des évènements "médiatisés" et de précédentes réalisations égyptisantes; mais l'évolution de la fidélité des interprétations ne suit pas forcement l'amélioration de la connaissance de l'Egypte ancienne. L'étude chronologique met en lumière plusieurs évolutions : au début distraction d'esthète, l'égyptomanie ira se démocratisant; elle profite à partir du XIXe siècle des progrès de l'archéologie; elle trouve continuellement de nouveaux modes d'expression (cinéma, bande dessinée, publicité) et élargit ainsi régulièrement son audience. L'étude thématique des objets et réalisations accueillant l'égyptomanie montre sa faculté d'adaptation et l'influence en retour des styles propres aux époques concernées. Un répertoire des thèmes décoratifs empruntés à l'Egypte ancienne précise ceux qui sont le plus souvent employés. L'objet égyptisant véhicule des symboles issus à la fois de l'Egypte ancienne et de la période de sa création; jouant de nombreux concepts (rêve, peur, rire), l'égyptomanie garde comme l'Egypte un impact fort sur le public. L'égyptomanie est plus qu'une des composantes de l'exotisme et de l'anticomanie; elle constitue un courant à part, aujourd'hui plus vivant et fascinant que jamais
The catalogue of this thesis has been taken from a data base specially created. Its 1370 notices give thousands of references; the notices are classified according to themes in the course of six chronological periods. Thanks to these selected objects, it has been possible to study the sources and the constituent parts of the Egyptian revival according to periods and countries, to index the Egyptian themes more often used, to measure their degree of adaptation, and to identify the symbols contained in the different creations. The sources of egyptomania are taken from archeological items, travel accounts, exceptional events and former egyptianizing creations; but the evolution of the fidelity of the interpretations doesn’t follow necessarily the increasing of the knowledge of ancient Egypt. The chronological study points out several evolutions: egyptomania, created at the beginning for esthetes’' pleasure, soon becomes democratized; the archeological discovering and publications give new possibilities to it; it can use many new means of expression (movies, cartoons, comic-strips and adverting) and thus increased its audience. The thematic study of the egyptianizing objects and creations shows how easily egyptomania adapts itself and mixes with the style of the period. A repertory of the themes taken from ancient Egypt shows which ones are used most. Egyptianizing items carry lots of symbols from ancient Egypt and from the time of their making; using numerous concepts (dream, fear, laugh), egyptomania, as well as Egypt, has a strong impact on people. The Egyptian revival is more than part of exotism and anticomania; it is an independent current more alive and fascinating to-day than ever

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Brouhot, Gaylord. "Le portrait du costume : une esthétique du pouvoir médicéen (1537-1609)." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H027.

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Abstract:

L'invention de l'imagerie médicéenne a accompagné la campagne politique initiée par Cosimo I, investi duc de Florence en 1537, puis duc de Sienne en 1559, et grand-duc de Toscane en 1570, pour établir une autorité dynastique à la tête d'un principat créé en 1530 par Charles Quint et enraciner un pouvoir autocratique pour ses héritiers. Les arts du textile, de l'ornement et de la joaillerie sont aux fondements de cette image du pouvoir médicéen. Dans un contexte économique et culturel où Florence était considérée, sur la scène internationale, comme un des principaux foyers de l'artisanat du luxe et de la création artistique, les Medici utilisèrent cette renommée à leur avantage. Ils se firent représenter en ambassadeurs de la culture florentine pour faire reconnaître leur identité et promouvoir leur légitimité auprès de la société de cour européenne. Simultanément, ils prirent des mesures financières et législatives en faveur de la modernisation industrielle de leur État, du déploiement européen du marché textile régional et de la fondation d'un centre international de l'artisanat d'exception. Le portrait du costume définit la représentation d'une esthétique originale, en lien avec ce contexte singulier, qui fut instrumentalisée pour afficher une image à la hauteur de telles ambitions. Grâce à cette vitrine du luxe florentin, traduite avec une plasticité minutieuse et une authenticité sidérante, les portraits témoignent d'une stratégie des apparences orchestrée pour répondre à un double objectif : ériger Florence en joyau de l'art de la Renaissance et exalter le prestige royal conquis par les grands-ducs de Toscane
The creation of the Medicean portraiture has supported the political campaign started by Cosimo I, invested duke of Florence in 1537, then duke of Siena in 1559, and Grand Duke of Tuscany in 1570, to establish a dynastic authority on a princely state created by Charles V and to ensure the continued existence of an autocracy for his heirs. The arts of textile, ornament and jewellery are the pillars of this image of power. In an economic and cultural context where Florence was regarded as one of the major centers of luxury and artistic creation, the Medici used this world-renowned culture to their advantage. They became its ambassadors in order to have their identity recognized and to promote their legitimacy in the eyes of the European courtly society. At the same lime, they took financial and legislative measures to help the industrial modernization of their State, the European expansion of the Tuscan textile market and the foundation of an international and unparalleled center of the arts and crafts. The portrait du costume defines the representation of an original aesthetics, in connection with this singular context, which was mounted to realize such ambitions. With the exhibition of Florentine luxury, depicted with meticulous materiality and stunning authenticity, the portraits bear witness to a strategy of appearances staged to fulfill a double objective: enhance Florence as a jewel of Renaissance art and exalt the royal prestige conquered by the Grand Dukes of Tuscany

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Lafille, Pauline. "« Composizioni delle guerre e battaglie » : enquête sur la scène de bataille dans la peinture italienne du XVIe siècle." Thesis, Paris Sciences et Lettres (ComUE), 2017. http://www.theses.fr/2017PSLEP058.

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Abstract:

La thèse étudie les enjeux politiques et artistiques de la scène de bataille dans la peinture monumentale au XVIe siècle en Italie, avant que la représentation de la guerre ne présente une distinction entre peinture d’histoire pour les faits anciens et peinture historique pour les faits contemporains, selon les catégories artistiques qui s’affirment au cours du XVIIe siècle. C’est pourquoi notre étude ne propose pas une histoire de la scène de bataille mais une enquête au sujet de compositions singulières, sur les problématiques politiques, idéologiques, esthétiques et culturelles qui les traversent. Si l’hétérogénéité artistique du corpus et la fragmentation politique de la péninsule ont favorisé des approches monographiques, l’apparition de contextes historiques et thématiques, où les scènes de bataille s’inscrivent dans des ambitions analogues a conduit à adopter une perspective comparée, où les œuvres sont considérées en dialogue – deux à deux, par cycle ou par typologie – autour d’enjeux politiques et formels communs. Après 1500, plusieurs commandes majeures passées par les principales puissances italiennes donnent une monumentalité nouvelle à la bataille dans l’iconographie politique. Dans le contexte d’urgence des guerres d’Italie, la peinture de l’histoire des faits passés est investie de l’espoir d’une efficace politique, à laquelle l’évolution mimétique et expressive dans laquelle est engagée la peinture italienne peut répondre. Les batailles inachevées de Léonard et Michel-Ange adoptent un traitement rhétorique de l’histoire, qui engage le spectateur dans une narration qui se déploie autour des émotions des personnages en action. Par le traitement des figures et l’intelligence de la composition d’ensemble, les batailles de Léonard de Vinci, Michel-Ange puis celles de Raphaël et Titien deviennent des exemples paradigmatiques, qui marquent les prémices de la scène de bataille comme forme politico-artistique, mettant la noblesse et l’ambition de l’art de peindre au service de l’expression du pouvoir. Les compositions ponctuelles du début du XVIe siècle laissent place dans la seconde moitié du siècle à une extension du thème militaire dans les décors palatiaux. L’orientation du programme iconographique détermine alors les problématiques politiques et iconographiques des peintures. Dans les cycles dynastiques, la corrélation entre la généalogie et l’histoire conduit à associer étroitement le récit de l’événement à l’action du personnage ; les dispositifs d’héroïsation individuelle coexistent alors avec les procédés d’historicisation de l’épisode. Dans les décors d’État, la multiplication des scènes de bataille affiche la puissance militaire comme fondement de la souveraineté de l’État moderne. À Florence et à Venise, la représentation de la guerre prend un caractère encyclopédique, venu de l’humanisme militaire, qui témoigne de la centralité de la maîtrise de ces savoirs pour le gouvernement de l’État. Un dernier temps, consacré aux représentations monumentales de la bataille de Lépante, à Venise et à Rome, envisage l’émergence de problématiques spécifiques à la représentation de la bataille contemporaine. L’actualité de l’événement impose une exigence de documentation poussée dans la représentation historique de son déroulement. Les peintres proposent alors des expérimentations dans le langage artistique employé pour figurer la bataille et introduisent parfois un dialogue avec les formes descriptives ou schématiques de représentation de la guerre, pour répondre à cette ambition documentaire. Les scènes de batailles du XVIe siècle italien s’inscrivent ainsi au croisement de l’évolution de la culture de la guerre de la Renaissance, marquée par le début de la « Révolution militaire », et de celle de la théorie artistique, où apparaît progressivement une rationalisation de la manière de raconter l’histoire
This thesis focuses on the political and artistic dimensions of battle scenes in 16th-century Italian monumental painting, at a time when the depiction of war had yet to develop a distinction between two forms of the depiction of history, history painting treating past events and historical painting focused on contemporary events, according to artistic categories established during the 17th century. Thus this work does not offer a history of the battle scene itself, but an enquiry on specific compositions, trying to ascertain the political, ideological, aesthetic and cultural issues that inform them. Although the artistic heterogeneity of the corpus and the political fragmentation of the Italian peninsula have encouraged previous studies to follow a monographical approach, the apparition of historically and thematically similar contexts in which various battle scenes answer analogous ambitions has led us to adopt a comparative methodology, which attempts to develop a dialogue between pairs, series or types of works, linked by common political and formal objectives. Starting from 1500, a series of major orders placed by the main political powers in Italy embued battle scenes with a new monumental dimension within political iconography. In the urgency of the context of the Italian Wars, the depiction of past historical events was invested with the hope of real political efficacy, to which the mimetic and expressive evolution of Italian painting was now able to respond. The battle scenes left unfinished by Leonardo and Michelangelo adopted a rhetorical treatment of history which involved the viewer into a narrative centred around the emotions of the characters during the action. By virtue of their treatment of figures and their complex narrative articulation, Leonardo’s and Michelangelo’s battle scenes, and later Raphaël’s and Titian’s, acquired paradigmatic status, and paved the way for the establishment of the battle scene as a political-aesthetical form, making the nobility and ambition of artistic endeavour subservient to the expression of power. Sporadic compositions of the beginning of the 16th century were followed, during the second half of that century, by an extension of military themes in palace decoration. The political and iconographic objectives of paintings was therefore determined by the orientation of the iconographic programme of the whole room. In dynastic painting cycles, the correlation between genealogy and history led the artist to closely associate the depiction of the event to the actions of the character, so that devices of individual glorification coexisted with devices historicizing the episode. In state ornamentation, the multiplication of battle scenes showcased military might as the basis for the sovereignty of the modern State. In Florence and Venice, the depiction of war received from military humanism an encyclopaedic dimension which illustrated the central role played by the mastery of these forms of knowledge in the administration of the State. The last part of this study, which focuses on the monumental representations of the Battle of Lepanto in Venice and Rome, describes the emergence of problems that are specific to the depiction of contemporary battles. The immediacy of the event demanded from the historical depiction of the unfolding of the event an advanced documentary quality. The artists had to develop new experiments in the aesthetic idiom used to represent the battle, sometimes in dialogue with more descriptive or schematic depictions of warfare. 16th-century Italian battle scenes thus find themselves at a crossroad between the evolution of warfare during the Renaissance, characterised by the beginnings of the « Military Revolution », and the evolution of aesthetic theory, defined by an increasing rationalisation in the way history is depicted

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Halleux, Élisa de. "Les figures androgynes à la Renaissance : l'ambiguïté sexuelle dans l'art et la théorie artistique au XVIe siècle." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010663.

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Abstract:

Cette thèse a pour objet un phénomène artistique resté très largement inexploré à ce jour : la représentation de figures androgynes dans l'art de la Renaissance. Centrée sur l'art italien du Cinquecento, elle s'attache aussi à la production artistique pragoise, ainsi qu'à celle d'autres artistes nordiques et de l'école de Fontainebleau. On y voit en quoi l'homme féminin et la femme masculine sont deux incarnations, ou plutôt deux élaborations, d'une même idée : l'harmonie des contraires. Le concept clef de cette recherche est en effet celui de la concordia discors, principe fondamental s'il en est pour la pensée de l'époque. En enquêtant sur la genèse et la signification de l'androgynie, il s'agit d'engager une réflexion sur la spécificité des images. La première partie envisage des couples de figures androgynes à la lumière du motif philosophico-religieux de l'« androgynie originelle» et des conceptions néoplatoniciennes de l'amour. Elle est consacrée à des eprésentations mythologiques et à plusieurs figurations d'Adam et Ève. La seconde partie examine le fonctionnement plastique et symbolique de l'androgynie à travers des figures tant profanes que sacrées, en particulier : Cupidon, Hercule, le Christ, la Fortune. La troisième partie concerne les pratiques et les théories artistiques. Il s'agira de montrer comment l'androgynie résulte de pratiques d'imitation et de détournement des modèles antiques et contemporains; comment elle est une spécificité de l'art maniériste; et enfin comment se façonne à travers elle une certaine esthétique, qui connaît différentes déclinaisons, et est alors très présente - quoique de manière implicite - dans les traités artistiques.

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Little, Anna. "Du lieu à l'espace : transformations de l'environnement pictural en Italie centrale (XIIIe - XVe s.)." Thesis, Tours, 2010. http://www.theses.fr/2010TOUR2022/document.

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Abstract:

Cette étude expose le rôle clé que joue la notion de « lieu » dans le développement de l' « espace pictural moderne ». Dans un premier temps, nous établissons que le lieu et le « non-lieu »constituent les deux composants fondamentaux de l'environnement pictural au XIII" siècle et que ces deux composants sont étroitement corrélés aux notions de lieu et de « non-lieu» que véhiculent à l'époque la théologie, la philosophie naturelle, l'art de la mémoire et l'organisation politico-territoriale. Ensuite, nous étudions les causes et les processus qui, au cours des XIV' et XV siècles, conduisent à l'évolution du lieu pictural duecentesque et à l'émergence d'une nouvelle conception de l'image. Cette conception se fonde sur deux niveaux : "un composé de corps matériels; "autre consistant en une structure immatérielle, rectiligne et régulière - structure qui, tout en dérivant directement du lieu pictural, constitue un modèle spéculatif de l'espace réel
This study exposes the key role played by the notion of "place" in the development of "modern pictorial space". We first establish that place and "anti-place" represent the two fundamental components of the thirteenth century pictorial environment and that these components are closely correlated to the notions of place and "anti-place" as they appear in contemporary theology, natural philosophy, mnemonic practices and politico-territorial organisation. We then study the causes and processes which lead the thirteenth century pictorial place to evolve and a new conception of the image to emerge. This new conception is characterised by two levels: onecomposed of material bodies, the other taking the form of an immaterial, rectilinear and regularstructure - structure which, while being identifiable as a direct derivative of pictorial place, isequally identifiable as a speculative model of real space

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Misery, Nicolas. "Art, culture et société à Parme pendant la première moitié du Cinquecento : les portraits d'homme de Parmigianino (1503 -1540)." Thesis, Lyon 2, 2015. http://www.theses.fr/2015LYO20104.

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Abstract:

La thèse est consacrée à l’œuvre de portraitiste de Parmigianino au cours des deux périodes parmesanes de sa carrière, depuis sa naissance en 1503 jusqu’à son départ pour Rome en 1524, puis de 1531 à 1540, date de son décès. L’objet de la recherche est d’élucider les significations propres à chacune des effigies du corpus et d’analyser les processus plastiques et sémantiques par lesquels le peintre a élaboré les discours figuratifs que constituent ses portraits, dans le contexte de leur commande, production et réception. A cette fin, on a opté pour une approche pluridisciplinaire. La thèse débute par une étude de l’histoire artistique de Parme de 1500 à 1540 et une analyse des pratiques du portrait dans cette ville, au regard de ses nombreuses relations avec d’autres centres culturels et artistiques (Milan, Venise, Bologne, Florence et Rome). L’histoire sociale et politique de Parme pendant la première moitié du Cinquecento est un autre sujet de la recherche. Son objet est l’articulation des transformations institutionnelles au sein de la comune, les conquêtes par plusieurs pouvoirs étrangers entre 1499 et 1520 jusqu’à la création du duché de Parme et Piacenza par Paul III en 1545 avec le marché et les pratiques du portrait. Après cette étude du contexte, chacun des portraits de Parmigianino est examiné de façon approfondie, à travers une approche trans-disciplinaire qui associe histoire de l’art, histoire culturelle (littérature, du livre et de l’édition, emblématique, traditions de la rhétorique, débats linguistiques), histoire sociale et politique
The dissertation deals with Parmigianino’s activity as a portraitist during the two periods of time he spent in his native Parma, between 1503 and 1524 and then between 1531 and 1540. Its aim is to analyze the painter’s male portraits in particular, that is to to clarify their specific significances and, at the same time, to elucidate the visual and semantic processes through which Parmigianino elaborated the figurative discourses that his portraits convey, in the artistic, cultural, social and political context of their creation. To reach this goal, several methodological approaches are used. The disseration begins with a close study of the artistic history of Parma between 1500 and 1540 and an analysis of the traditions related to portraiture in the city, with regard to its many cultural and political relations to other regions and states (Milan, Venice, Bologna, Florence and Rome). The political history of Parma during the first half of the Cinquencento is an other field of research. Its purpose is to articulate the many institutionnal transformations of the comune, the conquest of Parma by several foreign powers between 1499 and 1520, until the creation of the Duchy of Parma and Piacenza by Pope Paul III, with the market and practices of portraiture. After this close examination of the context, Parmigianino’s portraits are analyzed through a trans-disciplinary approach that deals with art history, cultural history (literature, history of the book, emblems, traditions of rethoric, linguistic debates), social and political history)

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Mihail, Benoît. "Le "Néo-Flamand" en France: un passé régional retrouvé et réinventé sous la Troisième République." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2002. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/211363.

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Bert, Mathilde. "Lectures, réécritures et peintures à partir de Pline l'Ancien : la réception de l'"Histoire naturelle" en Italie, de Pétrarque à Vasari." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010624.

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Abstract:

L'étude examine la façon dont les informations que Pline l'Ancien livre sur la peinture antique dans son Histoire naturelle ont été perçues et exploitées dans l'Italie de la Renaissance, depuis Pétrarque (v. 1350) jusqu'à la seconde édition des "Vies" de Vasari (1568). Elle montre que les échos de Pline observables dans les textes et les œuvres constituent des clés pour comprendre les enjeux artistiques, théoriques et sociaux inhérents aux pratiques picturales de l'époque. Pour mener à bien cette enquête, plusieurs types de sources et d'éclairages ont été mis à contribution. Sont d'abord examinées les données propres à la transmission éditoriale de "l'Histoire naturelle". Le recours à Pline est ensuite abordé dans la littérature artistique et dans la pratique picturale. Enfin, l'émulation d'Apelle est considérée dans la pratique artistique à travers l'étude de la signature formulée à l'imparfait. Il s'agit en effet d'une façon de signer que Pline attribue au peintre grec et que les artistes de la Renaissance vont adopter à partir de la fin du XVe siècle. Outre de larges développements consacrés à Pétrarque, Alberti, Ghiberti, Castiglione, Pino, Dolce et Vasari, l'étude aborde également les échos pliniens présents chez de nombreux artistes et humanistes. Ainsi, l'enquête souligne la diversification des formes et des fonctions de l'emprunt à Pline, tout comme ses principaux accents, à savoir la valorisation culturelle et sociale de la peinture et la réflexion sur les genres et les styles picturaux (portrait, paysage, nu féminin, querelle du "disegno" et du "colorito" , "paragone" des arts).

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Platevoet, Marion. "Médée en échos dans les arts : La réception d’une figure antique, entre tragique et merveilleux, en France et en Italie (1430-1715)." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040166.

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Abstract:

Le mythe de Médée, reçu par la première modernité comme un paradigme complet depuis la Conquête de la Toison d’or jusqu’à son retour sur le trône de Colchide, compose un prisme à multiples facettes : « Médée-tueenfant » (La Péruse), le personnage légué par la tragédie attique et devenu archétype d’une violence contrenature, y croise Médée magicienne, qui bouleverse le lignage et la ligne du temps, mais aussi la princesse orientale éprise d’un héros civilisateur. Pétrie par la culture chrétienne et admise au répertoire des arts officiels, cette figure ambivalente se rend perméable aux recherches esthétiques et aux débats éthiques des Temps modernes, en vue de l’expression de l’horreur, de l’allégorisation de la gloire, comme dans la représentation des passions.Or, la fondation de l’Ordre de chevalerie de la Toison d’or au duché de Bourgogne, en 1430, jusqu’à la fin de la Guerre de succession d’Espagne où se redessine la carte des puissances européennes, fait de la fable un miroir fictionnel privilégié des jeux de pouvoir entre les grandes dynasties européennes, en tant qu’instrument du discours programmatique du Prince. Dans le paysage culturel d’influences communes que forment les Cités-États de l’Italie et le royaume de France, cette étude montre, par la réunion de l’iconographie de Médée, l’analyse de saprésence dans les imprimés et de ses réécritures à la scène d’après l’antique, comment les échanges entre les arts visuels et les arts du texte oeuvrent à l’établissement d’un motif héroïque paradoxal. Ou comment Médée « devient Médée », renouvelant le serment que lui avait fait jurer Sénèque : « Fiam »
The exceptional scope provided by the myth of Medea, which spans from the Conquest of the Golden Fleece to her return to the throne of Colchis, was received in its entirety by the Early Modern Arts and offers a multi-faced prism : Medea “tue-enfant” (La Péruse), the character left by the Ancient ancient Greek tragedy that became an archetypal figure of monstrous violence, crosses the path of the oriental lover of a civilizing hero, and also the enchantress who scatters lineages and timelines. Sculpted by the Christian culture and allowed into the official artistic repertory, this ambivalent figure absorbs the aesthetics and ethical debates of modernity. Indeed, Her Medea’s myth can be used for the expression of horror, allegories of glory, as well as expression of the passions.In addition, from the establishment of the Order of the Golden Fleece, by the Duke of Burgundy in 1430, to the end of the War of the Spanish Succession (which redefined the entire map of major European powers), Medea’s myth becomes one of the most efficient fictional mirrors of the political disputes between the most influential families of Europe, as an instrument of the publication of the Prince programme. Into the landscape of the cultural influences shared by the States of Early Italy and the French Kingdom, this study intends to show, by analysingthe spread of iconography of Medea, her presence in printed material and her classical performance reception and rewriting, how the exchanges between visual and literary productions work towards the definition of a paradoxical heroic standard. Where Medea “becomes Medea” and renews the oath that Seneca made her take: “Fiam”

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Doulkaridou-Ramantani, Elli. "La Renaissance enluminée de Rome : systèmes décoratifs dans les manuscrits du XVIe siècle." Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H051.

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Abstract:

Les manuscrits réalisés à Rome dans la première moitié du XVIème siècle, souvent méconnus et réduits à une étude stylistique, entretiennent des rapports complexes avec le contexte artistique de la période. Sous la forme de livre d’heures, de missel ou d’antiphonaire, le manuscrit enluminé du XVIème siècle fait partie de la stratégie du commanditaire. Rome réunit un nombre d’artistes dont l’origine et la formation imprègnent l’idiome local, conduisant ainsi à des créations exceptionnelles. Giulio Clovio, Vincent Raymond, Jacopo del Giallo et Apollonio di Bronfratelli insèrent dans leurs miniatures non seulement les motifs des décors monumentaux mais adaptent aussi les principes de l’ornement au champ de la miniature. Le manuscrit enluminé se transforme en un champ d’expérimentation où l’ornement incarne des problématiques artistiques diverses. Agent inattendu dans l’acte de la lecture, l’ornement participe en outre à l’actualisation de la lecture dévotionnelle proposant une nouvelle conceptualisation de la ruminatio médiévale. Le scriptorium de la chapelle Sixtine produit des manuscrits officiels dont le style suit le changement des pontificats et pose des questions concernant l’insertion des manuscrits dans l’ensemble du patronage de chaque commanditaire. Relevant aussi bien des commandes privées qu’officielles, l’étude de ces enluminures donnera lieu à des observations concernant la fonction de l’ornement selon le contexte et le type d’usage. Par une approche sémiologique et une étude systématique de la production de la période, cette recherche se propose d’intégrer pleinement le livre enluminé dans l’univers artistique du XVIème siècle italien
The manuscripts made in Rome during the sixteenth century, often unknown and reduced to a stylistic study, have a complex relationship with the artistic context of the period. Rome brings together a number of artists whose origins and training permeate the local idiom, leading to exceptional creations. Giulio Clovio, Vincent Raymond, Jacopo del Giallo and Apollonio di Bronfratelli insert in their miniatures not only the motifs of the monumental decorations. They also adapt the principles of the ornament to the fields of the manuscript decoration. The illuminated manuscript is transformed into a field of experimentation where the ornament embodies various artistic problems. Unexpected agents during the act of reading, the decorative figures also participate in the actualization of meditative reading, thus proposing a new conceptualization of medieval ruminatio. Reporting on both private and official commissions, the study of these illuminations will give rise to observations concerning the function of ornamentation according to the context and the type of use. Through a semiological approach and a systematic study of the production of the period, this research proposes to fully integrate the illuminated book into the artistic universe of the Italian sixteenth century

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Brunon, Hervé. "Pratolino : art des jardins et imaginaire de la nature dans l'Italie de la seconde moitié du XVIe siècle." Phd thesis, Université Panthéon-Sorbonne - Paris I, 2001. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00349346.

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Abstract:

L'étude aborde l'art des jardins dans l'Italie de la seconde moitié du XVIe siècle comme expression des rapports entre homme et nature en recourant à la notion d'imaginaire ; elle est centrée sur Pratolino, la villa du grand-duc François Ier de Médicis aménagée au nord de Florence, de 1568 à 1586, sous la direction de Bernardo Buontalenti. Cet exemple, analysé en détail, est replacé dans un contexte à différentes échelles : le règne de son commanditaire (1574-1587) ; les réalisations importantes en Toscane et dans le reste de l'Italie ; enfin la place du jardin dans la société et la culture de la période, et donc les domaines multiples auquel il se rattache. Différents problèmes sont successivement examinés. La fonction sociale du jardin est interrogée au travers de l'idéologie et des pratiques de la villégiature. La perception corporelle de l'espace et le rapport émotionnel au paysage, analysés à partir des témoignages contemporains, impliquent que le jardin, dans le cadre des préoccupations médicales et des modèles poétiques de l'époque, soit vécu et conçu comme médiation avec la nature. Les composantes matérielles, le tracé et l'iconographie construisent une représentation de la nature sur plusieurs plans : résumé de sa variété, le jardin détourne les enjeux du collectionnisme encyclopédique ; mise en scène de ses phénomènes, pour lesquels l'épistémologie des « météores » doit être prise en compte, il opère une réduction symbolique du territoire ; imitation de ses processus, il appartient à une esthétique où l'art vise à s'inscrire de manière immanente dans l'œuvre et qu'éclaire la fortune de l'aristotélisme au XVIe siècle. L'imaginaire de la nature qui sous-tend le jardin n'est pas univoque : il s'y joue à la fois un désir de projection, un fantasme d'analogie et un rêve de re-création. Pratolino montre que l'une des clefs de cet art tient dans l'exploitation politique des représentations culturelles de la nature.

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Rebichon, Noelle-Christine. "Les hommes illustres dans les peintures murales des trecento et quattrocento en italie : creation et adaptation d'une iconographie inspiree de sources litteraires du moyen age francais." Thesis, Lyon 2, 2011. http://www.theses.fr/2011LYO20138.

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Abstract:

Le groupe chevaleresque des Neuf Preux, apparu dans le roman des Vœux du Paon de Jacques de Longuyon vers 1312, est rapidement mis en images à travers de nombreuses techniques artistiques, et connaît un succès grandissant au cours des XIVe et XVe siècles, dans le Saint Empire romain germanique, le royaume de France, atteignant également la Catalogne et l'Italie. Simultanément, cette dernière redécouvre son glorieux passé grâce au genre biographique des Vies repris et renouvelé par Pétrarque ; la Rome antique se révèle pourvoyeuse de valeurs morales et politiques, et davantage encore d'exempla, Hommes illustres ou Uomini famosi, qui deviennent très tôt le sujet de galeries peintes sur les murs des palais publics et privés. Quatre commanditaires, en Tyrol, Piémont et Ombrie, appartenant de jure ou de facto à la noblesse, choisissent pourtant les neuf héros transalpins pour décorer différents espaces de leur demeure. Les deux traditions, prônant chacune ses modèles, cohabitent donc dans la péninsule pendant quelques décennies. La thèse a pour objectif d’analyser la fortune et l’adaptation de la série héroïque des Preux dans ces programmes picturaux, à la période charnière entre le gothique tardif et la Première Renaissance. En s'attachant aux supports littéraires et iconographiques, nous analysons les modalités qui caractérisent la diffusion et le traitement du groupe canonique des Neuf Preux, alors que la tradition classique, propre à l'Italie et à une première forme de patriotisme naissant, domine. Le topos des Preux, expression de la résistance de la culture chevaleresque présente en Italie jusqu'à la fin du XVe siècle, se révèle un thème flexible qui peut être adapté au premier humanisme. Assistons-nous alors, à travers l'interprétation du panthéon transalpin, à la création d'une nouvelle iconographie ? L'étude conduit à apporter des réponses et à proposer des lectures spécifiques aux quatre lieux d'accueil étudiés
The chivalrous group The Nine Worthies, which appears in the novel Vœux du Paon written by Jacques de Longuyon circa 1312, was quickly transposed into pictorial form by means of many artistic techniques and became a popular theme throughout the 14th and 15th centuries in the Holy Empire, the French kingdom, and reaching even Catalonia and Italy. At the same time, Italy was rediscovering its own glorious past by way of the biographical literary genre Lives, which Petrarch had appropriated and modernized; therein moral and political values were drawn from the history of Ancient Rome and exempla of Uomini famosi, i.e. Famous Men, the latter becoming the subject of murals painted on the walls of private and public residences. However four patrons, in Tyrol, Piedmont and Umbria, belonging de jure or de facto to the nobility, chose the nine transalpine heroes to decorate different spaces in their homes. Both traditions –the chivalrous and the classic, each one praising its respective models– co-existed in Italy for some decades. This thesis analyzes the fortune and the adaptation of the Worthies' heroic series as depicted in wall paintings dating from a pivotal period of transition between the Late Gothic and the Early Renaissance. Utilizing both literary and iconographic evidence we analyze the details that characterize the diffusion and treatment of the canonical group of the Nine Worthies in Italy, where the classical tradition dominated and was employed to embody the first form of patriotism that was taking shape there. The Worthies' topos, an expression of the resistance of the chivalrous culture which was present in Italy until the end of the 15th century, was a flexible theme that could be adapted to early humanism. The pertinent question becomes, are we observing, through the transalpine pantheon, the creation of a new iconography? This study provides answers while proposing specific readings of the four host places examined and interpreting these monumental cycles

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Loyer, Nathalie. "René Piot, une vision de l'art décoratif, 1866-1934." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010561.

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Abstract:

René Piot, né en 1866 et mort en 1934, est un artiste partagé entre tradition et modernité qui sombra totalement dans l'oubli après sa mort. Il était fasciné par Delacroix et fréquenta l'atelier de Gustave Moreau. Il fut l'ami de Maurice Denis, de Georges Rouault, de Paul Dukas ou de Jacques Doucet, fréquentant les milieux d'avant-garde et tentant en même temps de renouer avec le passé par son primitivisme, suivant ainsi les enseignements de Gauguin. Il voyagea en Italie, en Espagne et en Afrique du Nord, attiré par l'orientalisme. René Piot se consacra essentiellement à la fresque, redécouvrant cette technique à travers les artistes de la Renaissance italienne. Ses fresques les plus importantes sont La Chambre Funéraire, conservée au Musée de Saint-Germain-en-Laye, Le Parfum des Nymphes, commandée par André Gide pour décorer sa villa d'Auteuil et Les Travaux de la Terre, fresque peinte pour le critique Bernard Berenson aux environs de Florence. Cependant, de nombreux échecs, projets inachevés, vont marquer sa carrière de fresquiste. Il se consacra également à la décoration théâtrale, réalisant décors, costumes et mises en scène pour Jacques Rouché, d'abord au Théâtre des Arts puis à l'Opéra de Paris. Il s'inspira. Pour son esthétique novatrice des travaux de grands metteurs en scène comme Gordon Craig ou Max Reinhardt et tenta de rivaliser avec les Ballets Russes de Serge Diaghilev. Son travail de décorateur fut unanimement reconnu par ses contemporains, artistes et critiques. Ses deux passions furent en premier lieu la fresque: " Mon art est le mur! ", puis le théâtre: " Le théâtre est mon vice. " Son art ambigu est scindé entre son amour pour le passé, copie des maîtres anciens et fascination pour leurs techniques et son désir de modernité, implication dans les débats d'avant-garde. Tombé dans l'oubli après sa mort, en 1934, cet artiste mérite d'être redécouvert, car son talent essentiellement décoratif et sa personnalité ardente et sincère permettent d'éclairer son époque.

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Charbonnier, Sarah. "Rhétorique et poétique chez les peintres et les poètes dans la Rome de Léon X." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040190.

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Abstract:

Dans ce travail de doctorat, je m’interroge sur l’élaboration de véritables poétiques communes aux poètes et aux artistes dans la Rome de Léon X. La recherche que je mène n’a pas pour but de repérer des programmes iconographiques : il s’agit d’identifier des recherches formelles et des conceptions esthétiques partagées, ce que j’essaierai de faire en procédant à l’inventaire des topiques, en décrivant plus largement l’insertion de ces œuvres dans la culture de l’époque et en analysant les effets concrets, dans les deux domaines, de ces choix esthétiques généraux. Je commencerai, dans un premier chapitre, par donner un très bref aperçu historique de la Rome de Léon X et des cercles de sociabilité humanistes et artistiques. Dans un second temps, j’étudierai plus précisément le discours des humanistes sur les œuvres d’art à cette époque. J’essaierai de dégager à partir de ces textes des problématiques communes qu’artistes et humanistes pouvaient rencontrer dans leur pratique comme celle de l’imitation. J’examinerai ensuite la question de l’épopée en poésie et dans les arts plastiques. J’essaierai de montrer que l’Incendie du Borgo de Raphaël, traditionnellement interprété comme une tragédie en peinture doit se lire davantage comme une peinture épique. Le dernier chapitre sera consacré à une étude de la poésie latine de Pietro Bembo, Baldassare Castiglione et Andrea Navagero, les trois poètes qui semblent avoir été les plus proches de Raphaël. J’essaierai de montrer en quoi la poésie et la peinture ont pu se rapprocher en comparant la poésie d’inspiration bucolique et pastorale ces auteurs aux cycles décoratifs réalisés par Raphaël d’abord à la villa Farnésine d’Agostino Chigi, puis au Vatican dans les appartements du cardinal Bibbiena et dans les Loges. Selon moi ces décors doivent se lire comme des lieux de mémoire de cette poésie néo-latine
This PhD thesis aims at examining the development of genuine poetics common to artists and painters in the Rome of Leo X. The purpose of this work is not to detect iconographic programs: it aims at identifying formal researches and shared aesthetics, which I will try to achieve by performing an inventory of topics, by describing the broader role of these pieces in the culture of their time and by analysing the practical consequences, in both fields, of these general aesthetic choices. I will begin by providing a brief overview of the Rome of Leo X and its humanistic and artistic sociability circles in chapter 1. In a second chapter, I will more precisely study the humanists’ discourse on the works of art at that time. In these texts, I will try to highlight common issues that artists and humanists could encounter in their practice such as imitation. I will then consider the question of the epic in poetry and the visual arts in chapter 3. I will try to show that Raphael’s Fire in the Borgo, traditionally interpreted as a tragedy in painting, should rather be understood as an epic painting. The final chapter will involve a study of the latin poetry of Pietro Bembo, Baldassare Castiglione and Andrea Navagero, the three poets who seem to have been closest to Raphael. I will try to show the convergence between poetry and painting by comparing these authors’ poetry of bucolic and pastoral inspiration with the decorative cycles carried out by Raphael, first at the Villa Farnesina of Agostino Chigi, and later at the Vatican in the apartments of cardinal Bibbiena and in the Loggie. I suggest that these decors should be read as places of memory of this neo-latin poetry

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Pernac, Natacha. "Luca Signorelli (vers 1445-1523) en son temps, " ingegno e spirito pelegrino“, la peinture de chevalet." Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040244.

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Abstract:

Répondant au caractère « pelegrino » attribué à Luca Signorelli par son contemporain Giovanni Santi, notreréflexion s’articule autour de la triple itinérance du peintre cortonais. La première, fondée sur une géographieartistique, met en jeu commanditaires et collaborateurs entre centres et périphéries et réévalue son imaged’artiste provincial. Il s’agit consécutivement d’établir l’incidence des dévotions locales sur le langage picturalsignorellien, notamment par le biais de la sacra rappresentazione (I). La seconde itinérance, de typeinterdisciplinaire, s’attache à son traitement de la figure humaine et du nu. L’élaboration de sa vision du corpsest confrontée à l’essor contemporain d’une anatomie scientifique et d’une approche expérimentale ou théorique,ainsi qu’à la question des convenances. La sensibilité tactile particulière de Signorelli, sa position dans le débatnaissant du Paragone et les modalités des transferts entre peinture et sculpture sont examinées, tout commel’éventualité d’un passage à l’acte sculptural (II). L’esprit vagabond de Luca, qui s’affirme enfin par uneitinérance temporelle, oscille entre intérêt pour le passé, goût archaïsant et aspiration au renouveau. Sont ainsiétudiés son rapport à l’art antique et sa place entre « seconda e terza età », en spécifiant ses liens avec l’ars novaet les ferments inédits semés. Au-delà des étiquettes de retardataire local ou de précurseur écrasé par un Michel-Ange, cette étude vise à restituer la curiosité, la sociabilité et les échanges d’un artiste de transition (III)
Giovanni Santi has depicted his contemporary Luca Signorelli as a « pelegrino » painter. From this startingpoint, our study deals with the cortonese master’s triple itinerary. The first one, relative to artistic geography,concerns patrons and collaborators between centers and peripheries and we intend to reappreciate his image of aprovincial artist. We investigate consequently the impact of local devotions and sacra rappresentazione on hispictorial language (I). The second itinerary, a interdisciplinary one, focuses on the treatment of the human figureand on the nude. His vision of the body is compared with the contemporary development of a scientific anatomyand with practical and theoretical approaches. Indeed it raises the question of the proprieties. The tactile qualitiesof signorellian art, his position in the emerging Paragone debate and the modalities of his volumetric translationare also studied ; we consider the possibility of a sculptural activity (II). Finally, Luca’s roaming imaginationarises from a temporal oscillation between interest for the past, archaic taste and an aspiration for renewal. Wethus examine his relationship with antique art and his position between « seconda e terza età », analyzing hisconnections with ars nova and the original seeds he sow. Beyond the reputation of a local latecomer or of aforerunner in the shade of Michelangelo, we aim to emphasize this way the curiosity, the sociability and theexchanges of a transitionary artist (III)

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Gress, Thibaut. "Le sens du sensible. Essai de théorisation d’une philosophie de l’art à partir de la peinture renaissante." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040240.

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Abstract:

Il s’agit dans cette thèse de penser les conditions de possibilité d’une philosophie de l’art à partir d’un examen précis et rigoureux de la production artistique picturale de la Renaissance italienne. Cherchant d’abord à définir une méthode, nous étudions en détail les présupposés de l’iconologie afin d’établir ce qui nous en semble être les limites. Puis, forts de cette analyse, nous en déduisons la nécessité d’une philosophie de l’art qui, loin de se contenter d’une analyse érudite de l’icône, cherche à extraire la signification de l’œuvre à partir de sa forme sensible. Si les pensées de Platon, Hume et Kant nous semblent échouer à proposer pareille démarche, les leçons de Hegel consacrées à l’Esthétique nous offrent un schéma analytique opérant, grâce auquel l’espace, le dessin et le coloris fournissent le lieu même à partir duquel peut surgir le sens. C’est ainsi que les œuvres de Fra Angelico, Botticelli, Léonard de Vinci et Michel-Ange constituent le matériau artistique grâce auquel nous mettons à l’épreuve la pertinence du triptyque espace-dessin-coloris, tel qu’il fut élaboré par Hegel. En outre, ce sont les pensées philosophiques consacrées au lieu, à la lumière ou encore à la couleur que nous convoquons – tant chez Thomas d’Aquin que chez Marsile Ficin, chez Albert le Grand que chez Plotin, chez Aristote que chez Nicolas de Cues – afin de proposer un sens philosophique des œuvres picturales, que ne nous semblent paradoxalement pas pouvoir délivrer les théories de l’art que proposent ces derniers. Chercher le sens philosophique des œuvres à même leur sensibilité et non dans une théorie de l’image, tel est donc le projet essentiel de cette thèse
This thesis discusses the conditions of possibility for a philosophy of art based on a precise and rigorous analysis of the pictorial artistic production of the Italian Renaissance. After attempting at defining a method, the presuppositions of iconology are studied in detail with a view to establishing what appear to be their limits. On the basis of this analysis, the author deduces the need for a philosophy of art which, rather than just carrying out an erudite analysis of the icon, endeavours to extract the meaning of a work of art on the basis of its sensitive shape. While Plato, Hume and Kant’s thoughts seem to fail in proposing such an approach, Hegel’s teachings dedicated to aesthetics offer an operational analytical framework, thanks to which space, drawing and colour provide the very place out of which sense can come into being.Hence the works of Fra Angelico, Botticelli, Leonardo da Vinci and Michelangelo constitute the artistic material out of which the relevance of the space-drawing-colour triptych, as developed by Hegel, is put to the test. Furthermore, reference is made to the philosophical thoughts on space, light and colour – as expressed by authors like Thomas Aquinas, Marsilio Ficino, Albert the Great, Plotinus, Aristotle and Nicholas of Kues – with a view to proposing a philosophical sense of pictorial works of art, which paradoxically the theories of art provided by these authors do not seem able to deliver. It is the fundamental aim of this thesis to look for the philosophical sense of works of art through their own sensitiveness and not through a theory of the image

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Jolivet, Anna. "Représentations de l'école vénitienne en France au XIXe siècle : une écriture de l'histoire de l'art entre enjeux artistiques, scientifiques et idéologiques." Phd thesis, Université Michel de Montaigne - Bordeaux III, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00779462.

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Abstract:

Cette thèse est un travail historiographique qui découle d'une étude des textes consacrés à la peinture vénitienne, publiés en français entre 1800 et 1914. Tout en considérant ces documents dans leur diversité (ouvrages savants ou de vulgarisation, récits de voyages), il s'agit de les replacer dans un contexte de formation de l'histoire de l'art comme champ autonome de connaissances. Car du fait de son statut encore incertain au XIXe siècle, la discipline se nourrit d'une littérature variée, et jette dans le même temps les fondements d'un savoir institutionnalisé. La notion d'école de peinture apparaît comme une catégorie de ce savoir et permet de concevoir la peinture vénitienne comme un phénomène singulier et cohérent. Envisagée pour son coloris, cette école est perçue comme le lieu d'une sensualité qui nie les exigences d'une doctrine héritée du classicisme. Les historiens de l'art du XIXe siècle mettent en place un appareil argumentatif et rhétorique visant à donner à leur discours une légitimité scientifique. Dès la moitié du siècle, l'usage d'une méthode scientiste permet d'expliquer la peinture vénitienne par des justifications sociales, climatiques ou raciales. Au sein du raisonnement qui démontre la nature anticlassique de l'école vénitienne, il convient aussi de considérer les arguments fournis par l'Orientalisme et par l'histoire de l'art flamand et hollandais, qui par un rapprochement avec Venise, éloignent encore sa peinture du modèle classique. Mais il importe par ailleurs de relever les ouvertures du discours qui infléchissent cette pensée dominante. La confrontation de la peinture vénitienne avec les nouvelles formes d'art contemporain - Romantisme, Impressionnisme, Symbolisme - permet d'en faire un lieu d'identification pour la modernité picturale. Enfin, les revendications identitaires qui parcourent une Italie en quête d'indépendance et une France hostile à la Prusse après la guerre de 1870, participent autour de 1900 à caractériser l'école vénitienne comme un lieu d'ancrage d'une identité classique, latine et/ou chrétienne résistant à la menace germanique.

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Le, touze Anna. "Francisci Robortelli Vtinensis paraphrasis in libellum Horatii qui vulgo de arte poetica inscribitur : introduction, édition, traduction annotée." Thesis, Rennes 2, 2021. https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-03248316.

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Abstract:

Ce travail présente une édition et une traduction annotée de la paraphrase à l’Art poétique d’Horace de Francesco Robortello, philologue de la Renaissance célèbre pour son commentaire à la Poétique d’Aristote. La paraphrase paraît en 1548 à Florence, au sein du volume qui contient le commentaire à Aristote. Elle est rééditée à Bâle en 1555 avec le commentaire à la Poétique. Cette paraphrase prend place au sein de la nébuleuse des commentaires à l’Art poétique d’Horace qui se multiplient à la Renaissance. Cette étude montre que la paraphrase de Robortello s’inscrit dans une tradition du commentaire qui remonte à l’Antiquité et qu’elle se distingue des autres commentaires humanistes par sa forme et par l’intégration de nombreuses références à la Poétique d’Aristote
This work consists of an edition and a translation with commentary of the paraphrase to Horace's Art of Poetry by Francesco Robortello, a Renaissance philologist famous for his commentary on Aristotle's Poetics. The paraphrase was published in 1548, in Florence, and belongs to a volume that contains the commentary on Aristotle. It was published again in Basel in 1555 with the commentary on Aristotle's Poetics. This paraphrase is part of the myriad of commentaries on Horace's Art of Poetry that proliferated during the Renaissance. This study shows that Robortello’s paraphrase is part of a tradition of commentary that goes back to Antiquity and that it differs from other humanistic commentaries by its form and by its many references to Aristotle’s Poetics

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Dissertations / Theses on the topic 'Art de la Renaissance – Italie (nord)'

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