Dissertations / Theses: 'Art de la Renaissance – Thèmes, motifs'

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Badet, Muriel. "L'enlèvement : les mouvements du désir : ses représentations dans l'art occidental, de la Renaissance au XXe siècle." Paris, EHESS, 2002. http://www.theses.fr/2002EHES0075.

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Abstract:

L'analyse se fixe sur un vaste choix d'œuvres et de textes littéraires ; ils constituent le corpus de départ. Leur confrontation permet d'étudier les enjeux de la représentation de l'enlèvement. Sans objectif chronologique, mais orientant le choix sur les enlèvements amoureux, la première interrogation se porte sur l'étymologie du terme " enlèvement " et ses diverses acceptions – du rapt (proche du viol) au ravissement (voisin de l'extase mystique). Se dégage une série d'actions comme emporter, soulever, déplacer. Les bouleversements et les élans antinomiques du désir sont figurés par la dynamique de l'enlèvement. Lorsqu'il est passion, l'enlèvement propose des images de traques amoureuses, de fièvres bestiales ; lorsqu'il est stratégies, la représentation arrête le mouvement et se concentre sur la présence de complices ou sur des signes permettant de déceler le piège dans lequel va tomber la victime. Par ailleurs, il apparaît, avec les exemples d'hommes enlevés par des femmes, que le désir est subit plutôt que décidé. La position de domination s'inverse pour celle de dominée. L'enleveur ne semble pas avoir d'autre alternative que de s'emparer du corps convoité. De même, bien plus que la mobilité, l'immobilité devient l'indice de l'émotion. Cette essentielle combinaison de la volonté et de l'apathie touche l'enlevée lorsqu'elle choisit de se laisser enlever. L'inertie figure le consentement et va jusqu'à l'image du ravissement où le corps est terrassé, où l'âme se pâme et s'envole dans une expression d'infinie jouissance. Déplaçant l'analyse vers la pratique sociale, nous constatons que si les enlèvements sont réprimés, les représentations articulent malgré tout l'imaginaire et la symbolique érotique du thème aux lois des alliances matrimoniales, à des discours panégyriques ou hégémoniques
This study is based on a wide range of works and texts which provide the starting point. Their comparison allows to study the stakes of abduction representation. There is no chronological objective, but choosing the love abductions, the first question refers to the etymology of the term “abduction” and its various meanings, from rape to rapture. A whole series of actions follow such as to take away, to lift up, to move. The disruptions and contradictory impulses of desire are represented by the dynamic of abduction. When there is passion, the image used are those of amorous pursuit, brutal fevers; when it is strategic, the representation changes, and concentrates on the presence of accomplices or signs indicating the trap into which the victim will fall. The movement is stopped. In the examples of men abducted by women it would appear that desire is suffered rather than voluntary. The position of domination is reversed for the dominated. The only choice left to the abductor is to grabe the object of desire. At the same time, inertia rather than activity is the emotion's signal. The main combined of power and apathy affect the woman when she has decided to be abducted. The apathy represents and agreement and leads to the abduction, where the body is overwhelmed and where the soul swoons and flys away with a feeling of unlimited pleasure. Moving the study to the social experience, we notice that if abductions are punished, their representations mix the erotic symbol of the subject with the wedding rules, and with panegyric or hegemonic speeches

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Vuilleumier, Laurens Florence. "La raison des figures symboliques à la Renaissance et à l'âge classique : études sur les fondements philosophiques, théologiques et rhétoriques de l'image." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040216.

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Abstract:

Ambitionnant de mettre au jour les fondements philologiques, philosophiques, théologiques et rhétoriques de l'image au XVIIe siècle. L'auteur s'est efforcée d'écrire l'histoire, manquante à ce jour, de la réception des "symboles" de Pythagore depuis la traduction des vies des philosophes de Diogène Laërce par Ambrogio Traversari, analysant ainsi les contributions des générations successives d'humanistes (Alberti, Ficin, Politien, Pic, suivis par Nesi, Reuchlin et Steuco) qui en dégagent progressivement les multiples implications. L'époque suivante voit l'intégration, autour des "symboles" proprement dits, des autres formes symboliques, tant anciennes (proverbe, énigme, hiéroglyphe) que nouvelles (emblème). Erasme, GiraldI, Caussin, chacun à sa façon, travaillent à souligner l'unité du nouveau monde symbolique, mais nul plus que Claude Mignault, à travers l'histoire compliquée, étudiée ici pour la première fois, des accroissements successifs du Syntagma de Symbolis. Au seuil du XVIIe siècle l'influence de Pythagore, déjà rapproché de la tradition chrétienne et hébraïque, est largement relayée par celle de Denys l'aréopagite, inspirateur direct de la théologie symbolique et la théologie mystique de Maximilian van der Sandt. Un chapitre sur la signification liturgique du voile du temple couronnant cette troisième partie, restait à montrer comment les grandes rhétoriques de la deuxième moitié du siècle codifient le nouveau langage des images : Masen pour l'image visuelle et graphique, Tesauro pour la métaphore, âme du discours, et enfin Menestrier pour les décorations des fêtes et des cérémonies funèbres. L'ambition déclarée par ce dernier, d'écrire une "philosophie des formes symboliques", même si elle ne fut jamais réalisée
In order to point out the philological, philosophical, theological and rhetorical basis of XVIIth cent. Imagery, the author had first to write the still now missing history of the reception of Pythagoras' symbols from the beginning of the renaissance. Stressing the contribution of successive generations of humanists: Traversari, Alberti, Ficino, Poliziano, Pico, Nesi, Reuchlin, Steuco. . . The following period was marqued by the integration, around the symbola themselves, of other symbolic figures, as well ancient, such as the proverb, the enigma and the hieroglyphic, as modern, such as the emblem and the device. Erasmus, Giraldi and Caussin have thus contributed, each in his own way, to reinforce the unity of the new symbolic world. But nobody more than Claude Mignault, through the very intricate story of his Alciati's editions and evolution of his famous Syntagma de Symbolis. At the beginning of the XVIIth c. , the Pythagorean model is reinforced if not replaced by Dionysius areopagita, whose work inspires altogether the symbolic theology and the mystic theology of the Jesuit father Maximilian van der Sandt, whose pious approach legitimates a special chapter devoted to the uelum templi considered as the allegory of allegory, the last part of the book would show how the great rhetoricques of the second half of XVIIth century succeeded in analyzing and codifying the new language: Jacob Masen for the visual and graphic image, Emanuele Tesauro for the metaphora and Menestrier for the festive and funeral decorations of ephemeral baroque

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Gérard-Marchant, Laurence. "Couleurs, parures, costumes : reflets dans l'oeil du peintre, renaissance et résurgences, interrogations historiques et propositions plastiques personnelles." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010586.

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Abstract:

L'étude des lois somptuaires promulguées à plusieurs reprises à Florence au quattrocento, la lecture de l'œuvre de Sacchetti, ou celle déjà de Dante, montre comment le luxe textile, tout en contribuant très largement à l'essor économique de la cité, a pu être l'objet de méfiance et de condamnations. Toutefois, un examen attentif des textes théoriques de Durer ou de Léonard de Vinci prouve que l'étoffe restait un outil l'étude des lois somptuaires promulguées a plusieurs reprises à florence au quattrocento, la lecture de l'œuvre de Sacchetti, ou celle déjà de Dante, montrent comment le luxe textile, tout en contribuant très largement à l'essor économique de la cité, a pu être l'objet de méfiance et de condamnations. Toutefois, un examen attentif des textes théoriques de Durer ou de Léonard de Vinci prouve que l'étoffe restait un outil précieux pour penser la couleur, tout au long de la renaissance. Des Giotto, la représentation des étoffes se voit imposer des limites pour des raisons de cohérence figurative. Et c'est un véritable jeu de permutations et de changement d'échelle entre d'une part, des architectures et marbres polychromes, d'autre part des étoffes bariolées qui semble s'imposer a plusieurs générations de peintres dans l'héritage précieux pour penser la couleur, tout au long de la renaissance. Des Giotto, la représentation des étoffes se voit imposer des limites pour des raisons de cohérence figurative. Et c'est un véritable jeu de permutations et de changement d'échelle entre d'une part, des architectures et marbres polychromes, d'autre part des étoffes bariolées qui semble s'imposer a plusieurs générations de peintres dans l'héritage d’Alberti, lequel est sans doute sous-estime sur ce point. C'est au contraire l'affirmation non détournée du textile comme répertoire, paradigme, et support de l'organisation de la surface picturale, que l'auteur de cette thèse essaie de réintroduire dans son propre travail plastique et cela en analysant à la fois les procèdes limitant les effets perturbants des étoffes (tels que ceux décrits plus haut), et ceux d’Alberti, lequel est sans doute sous-estime sur ce point. C'est au contraire l'affirmation non détournée du textile comme répertoire, paradigme, et support de l'organisation de la surface picturale, que l'auteur de cette thèse essaie de réintroduire dans son propre travail plastique et cela en analysant à la fois les procédés limitant les effets perturbants des étoffes (tels que ceux décrits plus haut), et ceux qui les exaltent comme dans la peinture de la fin du trecento, ou encore chez Véronèse se, ou Pontormo. Parmi les courants actuels, c'est sans doute de la "trans-avanguardia" italienne que les productions artistiques de l'auteur, attentives aux signes et traditions du passe, se rapprocheraient le plus. Qui exaltent comme dans la peinture de la fin du trecento, ou encore chez Véronèse, ou Pontormo. Parmi les courants actuels, c'est sans doute de la "trans-avanguardia" italienne que les productions artistiques de l'auteur, attentives aux signes et traditions du passe, se rapprocheraient le plus.

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Madeline, Bertrand. "Les images vivantes à la Renaissance : légendes, discours et représentations." Thesis, Paris, EHESS, 2021. http://www.theses.fr/2021EHES0007.

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Abstract:

Que peuvent bien avoir en commun une dague milanaise, portant l’inscription latine DANIELO ME FECIT / IN CASTELO MEILANO 1475, et un Lièvre dessiné par Albrecht Dürer en 1502 ? Comment penser ensemble un automate, comme le moine-mécanique de la Smithsonian Institution de Washington, datant de 1560-1570 et attribué à Juanelo Turriano, et une tête mutilée d’une statue d’évêque sculptée par Albrecht de Nuremberg, entre 1510 et 1520, et provenant du charnier de Berne ? Qu’est-ce qui peut rassembler : la Complainte des pauvres idoles, illustrée par Erhard Schoen vers 1530, et l’Atlas inachevé de Michel-Ange, sculpté entre 1519 et 1536 ; une image infamante et une peinture de Titien ; le sfumato chez Léonard de Vinci et une planche anatomique de la Renaissance, dans laquelle un écorché animé dévoile lui-même les mystères de sa corporis fabrica ; un encomium emphatique du discours sur l’art qui exalte l’illusion de vie d’une peinture ou d’une sculpture, et un contrepoids votif de la fin du Moyen Âge ; la personnification doublée de prosopopée que constitue l’Éloge de la Folie d’Érasme et l’effigie funéraire en cire de François Ier que Jérôme Cardan qualifiait d’imago viva ?Tous ces objets matérialisent une présence et entretiennent un lien étroit avec la question, chère à la Renaissance, de l’image vivante. À la Renaissance, l’image vivante est un objet pluriel ; elle est un problème dont il faut saisir l’épaisseur anthropologique ; elle est enfin un objet théorique, c'est-à-dire une construction susceptible de créer, comme l’écrit Giovanni Careri, « une tension féconde entre la singularité d’un objet et la généralité d’une théorie »
What could a Milanese dagger bearing the Latin inscription DANIELO ME FECIT / IN CASTELO MEILANO 1475 and the Hare drawn by Albrecht Dürer in 1502 have in common? What brings together an automaton, such as the mechanical monk of the Smithsonian Institution in Washington, dated to 1560-1570 and attributed to Juanelo Turriano, and the mutilated head of a bishop’s statue sculpted by Albrecht of Nuremberg between 1510 and 1520 and discovered in a mass grave in Bern? What do the following objects share: the Complaint of the Poor Persecuted Idols, illustrated by Erhard Schoen around 1530, and the unfinished Michelangelo’s Atlas, sculpted between 1519 and 1536; a pittura infamante and a painting by Titian; Leonardo da Vinci’s sfumato and a Renaissance anatomical illustration in which an animated flayed body reveals the mysteries of its corporis fabrica; an emphatic encomium of art discourse that exalts the illusion of life in a painting or a sculpture, and a votive counterweight from the late Middle Ages; the personification and prosopopeia that are fundamental to Erasmus’s Praise of Folly and the wax funerary effigy of Francis I that Jerome Cardan described as an imago viva?All these objects materialize a presence and have a close link with the topos, dear to the Renaissance, of the living image. During the Renaissance, the living image was a multiple phenomenon, with an anthropological dimension that this dissertation seeks to elucidate. For art historians today, it is also a theoretical object, that is to say a construct that can activate, as Giovanni Careri wrote, « a fruitful tension between the singularity of an object and the generality of a theory »

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Bugini, Mariaelena. "Il significato della musica nell'opera intagliata ed intarsiata di fra' Giovanni da Verona." Tours, 2007. http://www.theses.fr/2007TOUR2008.

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Abstract:

La thèse comprend trois parties et un appendice. La première partie vise à dégager et à analyser les caractéristiques des instruments de musique et des partitions marquetés et sculptés par fra’ Giovanni da Verona, moine olivétain de Vérone, très doué pour le travail du bois, qui – entre la fin du XVe et le début du XVIe siècle – a été l’auteur des plus beaux choeurs monastiques de la péninsule italienne. La deuxième partie porte sur la lira da braccio du Kunsthistorisches Museum de Vienne signée par un certain “Joanes Andreas Veronensis” qu’en 1967 Emanuel Winternitz identifie avec le marqueteur olivétain Giovanni da Verona: il s’agit d’une erreur qui amène le chercheur d’aujourd’hui à s’interroger sur certains aspects négligés des rapports entre arts plastiques et musique à la Renaissance. La troisième partie est consacrée aux variations apportées par Vincenzo Dalle Vacche au style du maître fra’ Giovanni. L’appendice réunit textes et glossaires utiles aux trois parties de la thèse
The thesis is divided into three parts and one appendix. The first part is focussed on musical iconography in Giovanni da Verona’s inlays and carvings, masterpieces of the Renaissance monastic woodwork realised all over Italy between the XVth and the XVIth century. The second one analyses the apocryphal lira da braccio of the Vienna Kunsthistorisches Museum, wrongly assigned to fra’ Giovanni by Emanuel Winternitz in 1967. The third part illustrates the changements in style and meanings brought to the master’s art by his pupil fra’ Vincenzo Dalle Vacche. The appendix complete the work collecting texts and glossaries which can be useful to the comprehension of its three parts

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Franceschi-Zaharia, Catherine. "Du paysage et de ses quasivalents : le parti pris des mots." Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0095.

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Abstract:

Depuis la découverte de l'absence d'équivalent grec et latin de paysage, la question de l'invention du paysage reste ouverte. En suspendant toute définition et idée a priori du paysage, cette question est réexaminée à partir du mot et de ses équivalents en allemand, néerlandais, anglais et italien. La reconstitution de leur premiers temps et de l'établissement de leurs équivalences met en évidence une partition selon leur registre sémantique : une série « territoriale » et une série « image ». Cette partition ne relève pas de l'étymologie, mais de l'histoire de chacun des mots. Landschaft, landschap, paese appartiennent à la série « territoriale » ; paysage, paesaggio ainsi que les équivalents anglais paisage et landskip antérieurs à landscape appartiennent à la série « image ». Les équivalences ne peuvent qu'être partielles, ce qui conduit à préférer le terme quasivalence. Néanmoins, du milieu du XVe à la fin du XVIe siècle, un lieu commun du paysage et de ses quasivalents s'affirme : celui de l'image. C'est dans ce registre que les expressions « paysage occidental » ou « paysage européen » trouvent leur pertinence. Si Dante a donné à paese son assise et son orthographe, le rôle de la perspective en peinture est bien un préalable au glissement des mots du registre territorial vers celui de l'image. L'invention du paysage en dépend. Une dizaine d'occurrences antérieures à la première attestation connue jusque-là (1549) place vingt ans plus tôt le terminus ante quem de l'invention du paysage. Leur analyse précise le rôle du paysage dans l'image. L'ensemble du travail ouvre la question de la participation de cette invention à l'émergence du monde moderne occidental
Since the discovery of the lack of a Greek or Latin equivalent for paysage (landscape), its invention remains an open question. Leaving aside any definition and a priori about paysage, this question is re-examined starting from the term and its equivalents in German. Dutch, English, and Italian. The research of their first occurrences and the setting up of their equivalents reveals a typology based on semantic registry : a "territorial" and an "image" series. This typology is not based on etymology, but relates to the historical use of each term. Landschaft, landschap, paese belong to the "territorial" series, while paysage, paesaggio, as well as their English equivalents paisage and landskip which precede landscape belong to the "image" series. The equivalence can only be limited, which is why we prefer the term quasivalence. Nevertheless, from the mid-fifteenth century to the end of the sixteenth century, a common place for the paysage and its quasivalents emerges: the image. "Western landscape" or "European landscape" find their relevance in this vein. Whilst Dante gave to paese its meaning and spelling, the role of perspective in painting was a prerequisite for the shift of the terms from the territorial to the image domain. The invention of paysage depends on it. Prior the first accepted occurrence until now (1549), there are in fact a dozen other occurrences which bring forward by twenty years the terminus ante quern of the invention of paysage. The analysis of these occurrences clarifies the connexion between paysage and image. This work is raising the question of the part played by the invention of paysage in the emergence of the modern Western world

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Petrick, Vicki-Marie. "Le corps de Marie Madeleine dans la peinture italienne du XIIIe siècle à Titien." Paris, EHESS, 2012. http://www.theses.fr/2012EHES0087.

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Abstract:

Cette thèse se donne pour but de montrer la densité de significations qui informent les choix plastiques et iconographiques de la Madeleine du Palais Pitti de Titien, en l'examinant à la lumière des traditions visuelles de la Madeleine en Italie. Pour ce faire, la thèse remonte jusqu'aux codes visuels mis en place dès le XIIIe siècle. Cette étude fait apparaître les moyens par lesquels le corps de la femme peut être porteur de sens théologique, au delà du péché et de la tentation. Une première partie en établit les fondements. Un chapitre aborde l'anthropologie du corps chrétien ; un autre, la construction du personnage de Marie Madeleine et des thèmes qui lui sont associés ; un troisième étudie ses premières formulations plastiques dans le bassin méditerranéen. Une deuxième partie est consacrée aux cycles qui présentent sa Vita : le retable florentin de 1285, la chapelle de Madeleine dans la basilique d'Assise, et les chapelles de la Madeleine au Bargello et à Santa Croce à Florence. Ces chapitres font apparaître la dynamique par laquelle le spectateur se rapporte à sa figure comme un exemple de chair pécheresse convertie. Une dernière partie propose une analyse diachronique de longue durée, du XIVe au XVIe siècle, des principaux signes iconographiques qui la distingue : la couleur rouge, les cheveux, les larmes, le vase et le parfum, en accordant une attention particulière aux variations régionales, entre Toscane et Vénétie. Le chapitre final fait converger les résultats des chapitres précédents dans l'analyse de la Madeleine de Titien, qui apparaît comme un point d'aboutissement des recherches plastiques et conceptuelles menées depuis 1270
The goal of this thesis is to show the density of meanings that inform the plastic and iconographic choices made by Titian for his Pitti Magdalen, examining it in light of the visual traditions of the Magdalen in Italy. To do this, the dissertation goes back to the visual codes established in the 13th century. This study brings forward the means by wich women's bodies may be bearers of theological meaning, beyond that of sin and temptation. A first part establishes the foundations. One chapter approaches the anthropology of the Christian body, another the construction of the "character" of Mary Magdalen and themes associated with her, a third stuides these first plastic formulations in the mediterranean basin. A second part is consecrated to the cycles that present her Vita : the Florentine pala of 1285, the Assisi Magdalen chapel, and the Magdalen chapels of the Bargello and Santa Croce in Florence. The chapters bring forward the dynamic in wich the spectator relates to the figure as an example of sinful flesh converted. A last part proposes a diachronical analysis, on a large temporal scale, from the fourteenth to the sixteenth centuries the principal iconographical signs that distinguishe her : the color red, the hair, the tears, the vase and the perfume, all the while giving particular attention to the regional variations between Tuscany and the Veneto. The final chapter converges the results of the first chapters in the analysis of the Titian Magdalen who appears as an end point in the plastic and conceptual research conducted since 1270

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Halleux, Élisa de. "Les figures androgynes à la Renaissance : l'ambiguïté sexuelle dans l'art et la théorie artistique au XVIe siècle." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010663.

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Abstract:

Cette thèse a pour objet un phénomène artistique resté très largement inexploré à ce jour : la représentation de figures androgynes dans l'art de la Renaissance. Centrée sur l'art italien du Cinquecento, elle s'attache aussi à la production artistique pragoise, ainsi qu'à celle d'autres artistes nordiques et de l'école de Fontainebleau. On y voit en quoi l'homme féminin et la femme masculine sont deux incarnations, ou plutôt deux élaborations, d'une même idée : l'harmonie des contraires. Le concept clef de cette recherche est en effet celui de la concordia discors, principe fondamental s'il en est pour la pensée de l'époque. En enquêtant sur la genèse et la signification de l'androgynie, il s'agit d'engager une réflexion sur la spécificité des images. La première partie envisage des couples de figures androgynes à la lumière du motif philosophico-religieux de l'« androgynie originelle» et des conceptions néoplatoniciennes de l'amour. Elle est consacrée à des eprésentations mythologiques et à plusieurs figurations d'Adam et Ève. La seconde partie examine le fonctionnement plastique et symbolique de l'androgynie à travers des figures tant profanes que sacrées, en particulier : Cupidon, Hercule, le Christ, la Fortune. La troisième partie concerne les pratiques et les théories artistiques. Il s'agira de montrer comment l'androgynie résulte de pratiques d'imitation et de détournement des modèles antiques et contemporains; comment elle est une spécificité de l'art maniériste; et enfin comment se façonne à travers elle une certaine esthétique, qui connaît différentes déclinaisons, et est alors très présente - quoique de manière implicite - dans les traités artistiques.

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Nuyts-Giornal, Josée. "Le miroir de la folie : La gravure néerlandaise et le drame élisabéthain : circulation, échanges, interactions." Montpellier 3, 1998. http://www.theses.fr/1998MON30024.

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Abstract:

Etude de l'interface entre un support visuel, la gravure, et un support verbal, le texte dramatique, a une epoque (le xve siecle) et dans un contexte donne, celui des relations culturel1es, artistiques et commerciales entre 1'angleterre et les pays-bas. Elle comporte 1'analyse d'un corpus d'images gravees dont le denominateur commun est le theme du miroir de la folie humaine, theme majeur dans l'art septentrional sous influence des milieux humanistes. Le discours mora1inherent a ces images de l'exces et de la transgression montre d'une part un grand nombre de convergences avec les preoccupations du theatre seculier de l'epoque et, permet d'autre part d'entrevoir la possibilite d'une interaction entre certaines images populaires et le texte theatral. La thematique du miroir de la folie et les paralleles qu'elle permet d'etablir entre le domaine des lieux communs, des proverbes et des themes gravees fournissent le point d'ancrage avec le texte dramatique proprement dite. L'oeuvre shakespearienne s'avere etre le receptacle des differentes associations d'idees et de motifs egalement presents dans l'art graphique. L'analyse des correspondances entre le texte et l'image permet une interpretation des differentes utilisations des images morales par shakespeare et certains de ses contemporains
A study of the connections and the interdependence that existed between the verbal and visual means of communication in renaissance england in the light of the cultural, artistic and commercial exchange with the netherlands. It comprehends an analysis of a corpus of continental prints that can be linked to the iconographic tradition of the mirrors of human folly, reflecting the influence and concern of sixteenth-century humanist circles. The moral discourse inherent to these images of excess and transgression shows a significant number of similitudes with the preoccupations of secular theater of the time. Which suggests a possible interaction between popular graphic themes and the theatrical text. The mirror of folly as a thematic issue, and the comparisons it allows for with the popular field of common-places, proverbs, and visually illustrated themes, provides the link with the dramatic text proper. In many instances, playwrights and poets adopted thought schemes and motifs that are also to be found in the graphic arts. The elizabethan spectator possessed a visual vocabulary enabling him to recognize possible references made to pictorial types and conceits. A subsequent comparative study offers some insight in shakespeare's use of these moral images

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Aubel, Damien. "Autour des Cenci : approche structurale d'un épisode de la Renaissance italienne au dix-neuvième siècle." Amiens, 2006. http://www.theses.fr/2006AMIE0020.

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Bida, Habib. "La notion d'imitation de la nature dans l'art arabo-islamique." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010751.

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Abstract:

A partir de textes choisis dans le patrimoine culturel araboislamique, datant du 10e au 14e siecle ap jc, et de notions contenues dans les textes, nous avons essaye de decouvrir les fondements philosophiques et esthetiques de certains arts araboislamiques tels que la calligraphie, l'ornementation geometrique et l'art de la miniature. Apres des analyses textuelles operees autour des notions tels que art, perception, forme, matiere, ame, intellect, nature homme, homme parfait, dieu, nous avons decouvert que ces notions fonctionnent entre elles d'une maniere, nous amenant a considerer queles arts arabo-islamiques sont imitatifs de la nature, et que l'artiste arabo-musulman, dans sa demarche artistique, imite dieu a travers ses creations naturelles et ce pour s'affirmer en tant que son vicaire dans le monde d'ici-bas et symboliser sa quete et son desir de voyager vers lui a travers sa "divinite humaine".

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Mangattale-Cezette, Mitsué. "La représentation des passions dans le théâtre tragique de la Renaissance : Garnier, La Taille, Montchréstien." Toulouse 2, 2007. https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00272376.

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Abstract:

Chez Jean de La Taille, Robert Garnier et Antoine de Montchrestien, représentants du théâtre tragique de la Renaissance, les passions deviennent le moteur de l'action et déterminent la caractérisation des personnages. Le théâtre tragique de la Renaissance concilie le pathétique lié à la déploration à une dramaturgie des passions qui oriente les règles de déroulement de l'action. Les influences bibliques, historiques et sénéquienne définissent les conditions d'imitation, mais la poétique et la rhétorique des passions passent par une réinvention qui met en évidence les spécificités de la Renaissance. La perspective morale de la représentation des passions est envisagée par une étude du mécanisme pathétique/catharsis, le choix du personnage devenant aussi important que l'agencement de l'action. La catharsis dans les tragédies de la Renaissance découle d'un pathétique de l'enseignement, les passions édifient selon des perspectives morale et politique. La représentation des passions est orientée par une philosophie tragique des passions qui évolue vers une théologie chrétienne. Les tragédies de la faute humaine et du châtiment divin concilient ainsi les conceptions antique et chrétienne de la théologie des passions
In Jean de La Taille, Robert Garnier and Antoine de Montchrestien's tragedies, three Renaissance's French playwrights, passions become the mainspring of action and characterize roles in the play. Renaissance's tragic theater combines the pathos produced by deplorations and passions' dramatic construction which guides progressing action's rules. Influences coming from Bible, History and Seneca define imitation's conditions but passions' poetics and rhetoric lead imitation to reinvention underlining Renaissance's specificities. The moral point of view in passions' representation is studied through the pathos/catharsis mechanism, choosing a character becoming as important as action's structure. The process of catharsis in Renaissance's tragedies follows from a teaching pathos ; passions edify on moral and poolitic views. Passions' representation is directed by passions' tragic philosophy leading to a Christian theology. Tragedies representing human fault and God's punishment thus combine ancient and Christian conceptions about passions' theology

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Chiari-Lasserre, Sophie. "L'image du labyrinthe dans la culture et la littérature de la Renaissance anglaise : origines, diffusion, appropriations et interprétations." Montpellier 3, 2003. http://www.theses.fr/2003MON30086.

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Les seizième et dix-septième siècles anglais révélèrent une culture de l'oblique, en marge de l'Europe. Les Elisabéthains façonnèrent une esthétique labyrinthique, puisant dans le réservoir mythologique des Anciens à l'instar d'Ovide, et faisant fructifier leur héritage médiéval. Le motif du dédale, polymorphe, fut privilégié par les emblèmes, remodelé par les jardiniers, les poètes, les danseurs ou les dramaturges. La légende du " maze ", ou " labyrinth ", généra des mises en scène surprenantes, subversives, révélatrices de représentations mentales bien particulières. Se développa alors un dense réseau métaphorique, à partir d'un symbole ambigu : tantôt harmonieux et attractif, tantôt chaotique et répulsif. Les grands thèmes existentiels, relus de manière euphorique ou dysphorique, furent abordés grâce au labyrinthe: détours amoureux, filets rhétoriques, méandres religieux, impasses du pouvoir devinrent des sources d'inspiration renforçant la multiplicité des voies dramatiques
In the Elizabethan period, the image of the labyrinth was being re-appropriated in several ways, all based on an ideal first championed by Horace : discordia concors. Throughout Antiquity, the story related to Theseus and the Minotaur had been retold many times, by authors such as Pliny, Ovid, Plutarch, whose texts were to be digested by translators. Renaissance England could boast, too, of an impressive medieval heritage, which favoured the didactic transmission of the myth : the influence of clerical writings linked to the idea of the unicursal maze, one way leading to God, contributed to the popularization of the legend. Gradually, the symbol was secularized during the sixteenth century. Although mythic multicursal paths proliferated in gardens, representations, danse and poetry, they reached their climax on stage. As an obsessional motif, the labyrinth is a hermeneutic key revealing new interpretative tracks exploring a multisemic theatre, whose possibilities remain to be exploited

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Schweitzer, Zoé. "Une "héroïne excécrable aux yeux des spectateurs" : poétique de la violence : Médée de la Renaissance aux Lumières (Angleterre, France, Italie)." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040232.

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Abstract:

Le théâtre classique proscrit la mort sur scène. Cet interdit a été formulé par Horace dans l’Art poétique et justifié par l’infanticide de Médée : « Que Médée n’égorge pas ses enfants devant le public […]. Tout ce que vous me montrez de cette sorte ne m’inspire qu’incrédulité et révolte. » (v. 185 et v. 188). En raison de cette illustre référence, du XVIe au XVIIIe siècle, Médée devient un matériau privilégié pour réfléchir à la notion de vraisemblance et aux ressorts de l’efficacité de la représentation dramatique. Les adaptations scéniques de l’histoire de Médée posent la question des limites du représentable et des raisons pour lesquelles la violence en est contrôlée et réduite par les dramaturges afin de devenir tolérable. Paroxysmes de violence, les crimes de Médée invitent à des recherches dans des domaines spécifiques. Les mythographies, les ouvrages de médecine, les démonologies, les ouvrages sur le pouvoir et les femmes, tous domaines où Médée fait office de paradigme, ont donc été consultés afin d’éclairer les oeuvres. Rendre la violence vraisemblable ne signifie pas pour autant l’évacuer : elle est théâtralement efficace, comme en atteste la fortune de ce sujet. Aussi l’étude s’est-elle attachée à confronter le discours des théoriciens du théâtre aux oeuvres dramatiques elles-mêmes, pour comprendre quels risques et quels avantages cette violence présente pour le genre tragique. Les Médée constituent la limite du supportable sur la scène et dessinent les contours d’une histoire du crime sanglant au théâtre. Le scandale de Médée apparaît ainsi comme un objet d’une grande fécondité théorique et dramatique
Classical theatre did not permit death on stage. This ban had been laid down by Horace in his Ars poetica and justified by Medea’s infanticide: “Medea should not slaughter her children in the presence of the people […]. Whatever you show me like this, I detest and refuse to believe. ” Due to this illustrious reference, from the 16th to the 18th century, Medea became a choice example for reflections on verisimilitude and on the means of achieving dramatic effectiveness. Stage adaptations of the story of Medea raised the issues of the limits of what could be represented and the reasons why violence had to be controlled and limited by playwrights in order to become acceptable. While they stand for a climax of violence, Medea’s crimes also call for investigations in specific fields. Compendia of myths, medical treatises, books of demonology, theories on power and women: texts from all these fields of knowledge, in which Medea served as a paradigm, have been consulted to shed new light on the theatrical treatment of the subject. Making violence plausible does not imply eliminating it entirely; violence is effective dramatically, as the popularity of the subject-matter demonstrates. Therefore, this study focuses on confronting the theoretical discourse on theatre with the plays themselves, in order to understand better the advantages and risks for the tragic genre entailed by the representation of violence. These Medeas mark the limits of what is tolerable on stage and sketch out a history of the theatrical representation of bloody crimes. In this respect, the scandal represented by Medea appears as a particularly rich theoretical and dramatic object

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Ponnou, Marcelle. "Évolution de l'image de l'Inde dans la littérature géographique de l'Antiquité à la Renaissance." Paris 12, 1988. http://www.theses.fr/1988PA120057.

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Abstract:

Cette etude est une tentative d'analyse de l'evolution de l'image de l'inde en occident de l'antiquite a la renaissance. Les relations entre ces deux mondes deja existantes dans l'antiquite disparaissent presque totalement au moyen age pour reprendre grace aux grands voyages de la renaissance. De meme le savoir concernant l'inde s'estompe au moyen age et les voyageurs renaissants le reactualisent. Les recherches sont effectuees dans differents types de litteratures geographiques qui vont du recit de voyages a l'ouvrage de cosmographie et aux lettres des missionnaires
The relations existing between india and europe during the period of antiquity disappeared almost completly during the middle age and revived during the renaissance period, thanks to the travels. The travellers brought up the knowledge about india. Researches are made in different type of geographical literatures, which are : travellers' tales, cosmographic studies and the missionaries' letters

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Euzet, Claire. "Le musicalisme : une tendance de l'abstraction." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040135.

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Abstract:

La musicalisation de l'art est une idée qui s'impose au début du XXe siècle. Henry Valensi révèle pour la première fois au public "la loi des prédominances", le 3 novembre 1913, au cours d'une conférence intitulée "La couleur et les formes ou la musicalisation de tous les arts". D'autres peintres œuvrent selon des théories de correspondance entre les ondes sonores et les ondes lumineuses : "bleuisme" de Gustave Bourgogne, "rapports des sons et des couleurs" de Charles Blanc-Gatti, "émotivisme" de Vito Stracquadaini. Henry Valensi prend l'initiative de former, avec ces peintres, un groupe : "l'association des artistes musicalistes" (4 mars 1932). Cette association organise de nombreuses expositions, tant en France qu'à l'étranger. Au fil des années, de nombreuses peintres rejoignent le groupe. Les peintres musicalistes recherchent une méthode de composition apparentée à la composition musicale et aboutissent à une peinture abstraite autant que l'est la musique
The concept of musicalisation of art was introduced at the beginning of the XXth century. The 3rd November 1913, Henry Valensi revealed for the first time to the public, "La loi des prédominances", during a conference on "Colour and forms, or the musicalisation of all the arts". Other painters were working on theories of correspondence between sound and light waves: "bleuisme" by Gustave Bourgogne, "rapports des sons et des couleurs" by Charles Blanc-Gatti, "émotivisme" by Vito Stracquadaini. Henry Valensi eventually founded a group with these painters: "the circle of musicalist artists" (4th march 1932). This circle has organised numerous exhibitions in France as well as abroad and over the years, many painters have joined the group. Their aim has been a method inspired by musical composition resulting in a style as abstract as that in music

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Soulillou, Jacques. "La représentation du crime dans l'art aux 19ème et 20ème siècles." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010631.

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Abstract:

La reconnaissance d'une autonomie pénale de la création artistique au cours de la période moderne constitue l'énoncé central de cette thèse. Cette autonomie ne revêt cependant pas la forme d'un énoncé légal. La loi ne peut en effet, par principe, avaliser la prétention de l'art à vouloir échapper à son domaine de juridiction. La représentation du crime dans l'art et la littérature est posée en relation a ce chiasme : d'un cote l'art revendique et exerce de fait une autonomie pénale, de l'autre il voudrait voir cette différence avalisée endroit. C'est à l'intérieur d'une relation triangulaire entre l'art, le crime et la loi que la notion de représentation fait l'objet d'une réévaluation permanente. Au cours du 19eme siècle, l'émergence d'un ensemble de dispositions - élaboration de la juridiction moderne, formation de la notion d'avant-garde, consolidation de la fonction d'auteur - donnent à ces recherches leur profil théorique spécifique. Le plan veut refléter l'une des orientations théoriques principales mettant en exergue la valeur de fiction de la loi en ce sens que pour appréhender son objet elle doit préalablement le rabattre sur le fil d'une histoire.

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Salas, Irène. "À la frontière du corps : l’imaginaire de la peau à la Renaissance." Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0138.

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Abstract:

À la Renaissance, la peau – souvent oubliée dans les récentes études sur le corps – se prête à de nouvelles approches, suscite de nouvelles rêveries, contribue à de nouveaux savoirs. Notre propos est de montrer comment ce singulier organe peut devenir un objet théorique privilégié pour la pensée de l’époque, que structurent de grands couples conceptuels : surface/profondeur, intérieur/extérieur, être/paraître, visible/invisible, sensible/intelligible, corporel/spirituel. Dans cette enquête, qui ne néglige ni les enveloppes végétales et animales (pellicule, écorce, fourrure, cuir, coquille, carapace) ni les « secondes peaux » que peuvent être les tissus, les fards, les parures ou les armures, ont été pris pour guides non seulement des philosophes et des médecins, mais plus encore des écrivains et des peintres. Car si la peau semble disparaître sous le couteau des anatomistes, en revanche les arts de la plume, du pinceau et du burin ont su la mettre en pleine lumière : « épiphanie » dont témoignent aussi bien Montaigne, Ronsard ou Shakespeare que Léonard de Vinci, Michel-Ange ou Titien… Sans oublier les humanistes dont l’imagination a pu se nourrir d’histoires légendaires : comme celles des écorchés Marsyas et saint Barthélémy, ou celle d’Épiméthée qui interroge la nature de l’humain. Une attention particulière a été prêtée à la peau en tant que « support-surface » de l’écriture et de la peinture : car elle a offert aux écrivains et aux artistes l’occasion de réfléchir à leur propre pratique, à la corporéité de l’image et du langage, aux qualités plastiques de la représentation
During the Renaissance, the skin – which has often been overlooked in recent studies on the body – allowed new approaches, initiated new speculations and contributed to a new knowledge. Our purpose is to show how this singular organ became a privileged theoretical object in a time when thought was structured by conceptual couples such as surface and depth, interiority and exteriority, being and appearing, the visible and the invisible, the sensible and the intelligible, the corporeal and the spiritual. In this survey, which also takes into account vegetable and animal skins (membrane, bark, fur, leather, shell) and “second skins” such as clothing, make-up or armours, our guides were not only philosophers and physicians, but mostly writers and painters, who brought the skin into light while it seemed to disappear under the blades of anatomists. Its “epiphany” can be seen in Montaigne, Ronsard and Shakespeare, as well as in Leonardo da Vinci, Michelangelo or Titian. . . Not to mention those whose imagination was nourished by the legendary stories of the flaying of Marsyas and Saint Bartholomew – or by the myth of Epimetheus that questions the human nature. Particular attention was paid to the skin as “support-surface” of writing and painting, because it offered writers and artists the opportunity to reflect on their own practice, on the materiality of language and images, on visual and tactile qualities of representation

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Forero-Mendoza, Sabine. "Le temps des ruines : le goût des ruines et les formes de la conscience historique à la Renaissance." Paris, EHESS, 2000. http://www.theses.fr/2000EHESA002.

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Abstract:

Le gout des ruines n'a pas toujours existe en occident, et, lorsqu'il a existe, il a pris des formes tres diverses, ainsi que l'attestent de nombreux temoignages litteraires et artistiques. Il semble que les differentes transformations de l'interet pour les ruines peuvent etre interpretees comme l'expression de changements plus profonds des conceptions du temps et de l'histoire. Plus encore, le gout des ruines parait se manifester de maniere particulierement aigue a des epoques de mutation de la pensee historique. L'etude s'attache a l'examen de l'apparition et des premiers developpements du gout des ruines, du xiveme siecle a la fin du xvieme siecle, et vise a les mettre en relation avec l'emergence et la definition d'une nouvelle forme de conscience historique. A cette fin, il est fait appel a une pluralite de sources documentaires : representations picturales et graphiques, descriptions litteraires et archeologiques, textes philosophiques, litteraires et historiques. L'evolution du traitement poetique, philosophique et pictural du motif des ruines apparait comme un indice privilegie pour saisir le passage d'une approche theologique et allegorique de l'histoire a une conception seculiere, se conformant au modele biologique du cycle naturel du developpement et du declin. La recherche se situe a la croisee de l'histoire de l'art, de l'histoire de la litterature, de la philosophie de l'histoire et de l'esthetique.

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Passot-Mannooretonil, Agnès. "L'expression de la spiritualité catholique dans les oeuvres littéraires de langue française au début de la Renaissance." Lille 3, 2007. http://www.theses.fr/2007LIL30040.

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Abstract:

Note thèse anayse la littérature de spiritualité dans le cadre de la réforme catholique à l'aube de la Renaissance (fin XVe-première moitié du XVIe siècle). Un corpus considérable de textes géneralement méconnus, à la fois imprimés et manuscrits, anonymes ou signés des plus grands noms (Clément Marot, Jean Bouchet, Marguerite de Navarre, Charles Fontaine. . . ), illustrent alors surtout la volonté de rendre douce la pénitence, d'enrichir les expériences sensibles et d'approfondir la méditation chrétienne. Ils font appel à tous les genres, tous les styles et tous les registres : manuels de dévotion, longs poèmes litaniques, chansons, traités de théologie adaptés de façon vivante à la lecture des laïcs, moralités, formes dialoguées. Tous largement marqués par la tradition médiévale, conscients également des apports de l'humanisme, ils accompagnent l'effort pédagogique de l'Eglise vers les fidèles. Nous soulignons plusieurs caractéristiques de ce renouvellement spirituel et littéraire : les liaisons entre les cours et les couvents réformés, dont le prieuré fontevriste de la Madeleine d'Orléans est un modèle. Des confesseurs et théologiens comme François Le Roy, François Desmoulins, Guillaume Petit, dans l'entourage de Marguerite de Navarre elle-même, enfin des dames de haut rang ont tenu une place déterminante. On s'attache à quelques sujets significatifs de cette littérature de spiritualité, comme l'adoration de la Croix, le mystère de l'Incarnation ou le culte de Marie-Madeleine. Constituant une littérature à part entière, ces textes ont eu une influnce réelle sur toute la littérature de cette période. Ils permettent en effet la naissance d'une authentique poésie religieuse
Our thesis analyses devotional literature in the context of catholic reformation at the beginning of the Renaissance (end of the XVe-first half of the XVIe century). A large number of generally unknown texts, either printed or manuscripts, anonymous or due to famous poets (Clément Marot, Jean Bouchet, Marguerite de Navarre, Charles Fontaine. . . ), show the will to soften penitence, to enrich sensible experience and to deepen christian meditation. They use all literary forms, all the registers, devotional handbooks, long litanic poems, songs, theological treatise, feated to the laity, little dramas, dialogues. They are all fed with mediaeval tradition and open to humanism : they are an element of educational efforts of the Church towards believers. We underline several characteristics of that literary and spiritual renewal : links between courts and reformed covents, which the covent of the Madeleine d'Orléans (order of Fontevraut) is a model of. Confessors and theologians like François Le Roy, François Desmoulins, Guillaume Petit, in the circle of Marguerite de Navarre herself, finally noble ladies have held a momentous place. We study one prominent subjects in this devotional literature : adoration of the Cross, the mystery of the Incarnation, or the worship of Marie Madeleine. These texts have strongly influenced the literature of this period. Indeed, they let an authentic religious poetry appear

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Sansy, Danièle. "L'image du juif en France du nord et en Angleterre du XIIe au XVe siècle." Paris 10, 1994. http://www.theses.fr/1994PA100035.

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Abstract:

L'imaginaire du juif en France du nord et en Angleterre, aussi bien dans les textes que dans les représentations figurées, s'articule entre le douzième et le quinzième siècle autour de deux figures principales : le meurtrier du christ et l'infidèle. La responsabilité des juifs dans la crucifixion du christ est sans cesse réaffirmée, réactualisée dans les accusations de meurtre d'enfants chrétiens qui apparaissent en Angleterre et en France dans la seconde moitié du douzième siècle, puis, à partir du milieu du treizième siècle, dans des accusations de profanation d'hostie, en particulier lors du miracle des billettes de 1290. Au fur et à mesure que se développe la dévotion au christ souffrant, le juif est peint de plus en plus comme le bourreau du christ, prenant vie sur la scène des mystères de la passion de la fin du Moyen Age. En tant que non-chrétien, représentant de l'ancienne loi, le juif est conçu comme l'enfant de la synagogue, source permanente de blasphème au sein d'une société chrétienne. Il devient une figure emblématique de l'infidélité, de préférence au musulman, mais ne semble pas avoir été perçu comme un réel danger d'apostasie ou d'hérésie. Les associations entre le juif et le diable demeurent limitées, même si certains attributs iconographiques du juif puisent dans l'iconographie diabolique. L'étude des déformations physiques et des écarts vestimentaires (les signes distinctifs et les couvre-chefs) dans les représentations figurées confirme l'absence de portrait type du juif
The imaginary of the Jew in northern France and in England, as well in the texts as in the pictures, is represend from the twelfth to the fifteenth century by two main figures: the murderer of Christ and the infidel. The Jew’s guilt of Christ’s crucifixion is alleged and repeated in the allegations of christian children murders which occur in the second half of the twelfth century and in the charges of host desecration, particularly in the miracle of billettes in 1920. As the devotion to the suffering Christ is increasing, the Jew is described as Christ’s torturer, becoming a character of the passion plays in the end of the middle ages. As a non-christian, the Jew is considered as synagogue's child and as a permanent source of blasphemy within the Christian society. He becomes an emblematic figure of the infidelity, more than the Saracen, but he is not considered as a real danger of apostasy or heresy. Surprisingly, the associations between the Jew and the devil are very exceptional, even if some iconographic attributes of the Jew come from those of the devil. The study of the physical distortions, the clothing differences, the Jewish badge, and the headdress in the pictures confirms that there is not a typical representation of the Jew

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Guerber-Cahuzac, Chloé. "Le corps réinventé : sens et enjeux de la modélisation du corps humain par le cinéma." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030033.

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Abstract:

Soumis au récit, le corps au cinéma est souvent réduit à des actes, à des symboles lisibles. Pour réapparaître, il doit s'insurger contre les règles de la fiction et devenir " un corps contre ". Cette réinvention est conditionnée par la spécificité analogique du médium. Pour distinguer les particularités du corps filmé et les enjeux de sa modélisation, nous évoquons la chronophotographie, l'anthropologie visuelle, la sculpture, la peinture et la danse. Notre approche esthétique intègre ainsi des dimensions historique, culturelle, anthropologique et éthique. Puis, quatre cas précis illustrent la construction du corps contre la narration : le personnage keatonien ; le modèle hollywoodien façonné par la censure des années trente ; le motif du corps fragmenté dans le cinéma français des années soixante ; le corps épuisé chez John Cassavetes. Peu à peu, des croyances se dessinent rappelant que toute réinvention du corps relie univers singulier, imaginaire collectif et statut du médium
Subordinated to the narrative, the body in cinema is often reduced to actions, to legible symbols. To reappear as itself, it must revolt against the rules of fiction and become "an opposing body. " This reinvention is governed by the analogical specificity of the medium. To distinguish the particularities of the filmed body and of its modeling, we evoke time-lapse photography, visual anthropology, sculpture, painting, and dance. Our aesthetic approach thus integrates historical, cultural, anthropological, and ethical dimensions. Then, four specific cases illustrate the construction of the body against the narration : the Keatonian character ; the Hollywood model resulting from censorship in the 1930s ; the motif of the fragmented body in the French cinema of the 1960s ; the exhausted body filmed by John Cassavetes. Little by little, concepts emerge to remind us that all reinventions of the body bring together a singular universe, a collective imagination, and the status of the medium

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Tempestini, Isabelle. "De l'icône au portrait : le visage dans la peinture russe." Paris, INALCO, 2001. http://www.theses.fr/2001INAL0012.

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Abstract:

Le visage occupe une place privilégiée dans la peinture russe. Il marque l'art de l'icône tout comme celui du portrait. Son image, sous une forme idéalisée, est présente dans la peinture religieuse ancienne dont les traditions se perpétuent jusqu'à nos jours. La peinture profane apparaît en se détachant progressivement de l'art sacré. Elle est longtemps dominée par le portrait. La thèse est divisée en trois parties. Une analyse des premières effigies, nommées parsuny dès la fin du seizième siècle et au début du dix-septième siècle, montre les liens mutuels qu'elles entretiennent avec l'icône dans le contexte des ateliers du Palais aux Armures du Kremlin. Les princes et les tsars se font représenter les premiers, relayés ensuite par la noblesse. Cette dernière introduit les modes occidentales. On note cependant des résistances dans la peinture provinciale jusqu'au milieu du XIXe siècle. La seconde partie est consacrée à l'étude de l'influence de l'icône et de la parsuna sur le portrait provincial, dit aussi "de marchand". Marchands, paysans aisés ou Vieux-Croyants, pénétrés de culture religieuse, se montrent dans des poses hiératiques, où le visage, sans expression, émerge d'un costume aux couleurs tranchées. Ce type d'image est proche des oeuvres ultimes de Malévitch des années 1930, peintes au moment où les artistes de l'avant-garde redécouvrent leurs propres racines. Ainsi, la troisième partie asssocie les derniers portraits de l'artiste du XXe siècle à la culture religieuse et populaire russe, révélant une continuité dans l'art de ce pays
The face has a privilegied place in Russian painting. It defins the art of icons as well as portraits. Its image, in idealised form, is present in ancient religious painting whose ideas have been followed up to this day. Secular art emerges, progressively breaking away from sacred art, and is constantly dominated by the portrait. The thesis is divided into three parts. An analysis dedicated to early portraits known as parsuny, at the end of the sixteenth and begining of the seventeenth centuriees, shows the links which bind together these effigies with icons in the Kremlin's Armoury Palace. Princes and tsars are the first to get themselves represented, followed by the nobility, who introduced western styles. However, some resistance to these changes can be seen in provincial painting until the first half of the nineteenth century. The second part studies the influence of icon and parsuna on provincial portraiture also called "merchant portraiture". Merchants, rich farmers or Old Believers filled with religious piety commissionned representation of themselves in hieratic postures with expressionless faces emerging from their bright costumes. This type of picture is close to Malevich's ultimate pieces in the thirties, at the time when avant-garde artists went back to their roots. So the third part associates the artist's latest portraits with Russian religious and popular culture, revealing a continuity in Russian art

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Feuillet, Isabelle. "La danse du peintre : essai d'analyse d'une pratique picturale." Rennes 2, 1998. http://www.theses.fr/1998REN20032.

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Abstract:

Nous proposons une analyse comparative entre une forme de pratique picturale et la danse contemporaine. L'approche progressive pose en premier lieu la question du modèle et de l'altérité. Le modèle classique est analyse dans son rapport au peintre, ainsi que le modèle danseur. C'est la présence/absence du modèle danseur qui retient notre attention. L'essentiel de ce que le corps dansant véhicule : la tension, l'énergie, le dessin tentera d'en être le dépositaire jusqu'aux limites de la représentation. A l'oppose de l'image de l'homme de tête, de la mesure, nous tentons l'immersion dans la pratique d'un degré zéro de l'écriture. Le tableau devient plateau. Etre en scène puis 'ob-scene', c'est être immerge dans la peinture tout en s'en dégageant, c'est pour le danseur se sentir danser tout en éprouvant la sensation de se voir danser. Le corps paradigmatique ne tranche plus entre une partie noble et une partie inférieure, celle de l'instinct et du pulsionnel. Le 'corps-entre' trouve sa place entre fondation et ruine. Il s'agit pour le peintre de définir un point de stabilité, un centre qui est chez le danseur, à la fois un lieu de quiétude et de turbulence. L'espace pictural ramène aux dimensions d'une scène est un lieu de dépense, ou faire et défaire est la condition de l'instauration de la peinture. C'est l'arrachement au modèle en tant qu'objet de désir qui provoque l'irresponsabilité de l'acte et crée la véritable rencontre avec la danse
We propose a comparative analysis between a form of pictural practice and contemporary dance. The progressive approach sets in a first place, the problem of the model and otherness. The classical model is analysed in its relation to the painter along with the dancer model. It is the presence / absence of the model which draws our attention here. The drawing will endeavour to assimilate all the tension and energy a dancing body can convey, and so to the limits of representation

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Richard-Jamet, Céline Catherine Jeanne. "Les galeries de "femmes fortes" dans les arts en Europe au XVIe et au XVIIe siécles : une étude iconographique comparative." Bordeaux 3, 2003. http://www.theses.fr/2003BOR30061.

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Abstract:

Héritées du thème des Neuf Preuses, les séries de femmes fortes connaissent un essor important en Italie, puis en France, et se diffusent en Europe au XVIe et au XVIIe siècles. Ces séries ou galeries sont constituées d'héroi͏̈nes, incarnant des vertus précises, qui s'inspirent des qualités féminines, louées par Salomon, dans La femme de caractère, tirée de ses Proverbes. Ces cycles ne s'élaborent qu'après les séries d'hommes illustres, comme pendants, puis acquièrent une autonomie propre. Ils recouvrent diverses fonctions, selon les pays, les époques : en Italie, les premières séries ont une fonction mémoriale, commémorative, puis édifiante, par le biais des cassoni, qui éduquent la jeune épouse ; en France, elles permettent de légitimer l'accession au trône d'une régente et de conforter son pouvoir, procédé réutilisé par les cours hollandaise, florentine et viennoise. L'Espagne privilégie les femmes de la Bible et inonde ses églises de cycles sculptés ou peints sur miroir, destinés à édifier le fidèle ; les séries belges éduquent les moniales, les séries gravées hollandaises encensent la femme au foyer, alors que l'Angleterre semble se démarquer. Reines, femmes de la Bible et amazones apparaissent de manière récurrente dans les séries, au détriment des vestales, des saintes. On jette l'opprobre sur les héroi͏̈nes les plus irréprochables, on justifie les actes des plus barbares ; certaines ne sont pas exemptes d'un certain érotisme, d'une sensualité avérée, faussant ainsi l'image de l'héroi͏̈ne et déformant ses exploits
Originating from the Nine Worthies theme, from them they sometimes adopt the distribution, the Strong Women series blossom as early as the 15th century in Italy, then spread to France and the rest of Europe in 16th and 17th century. These series or galleries, constituted by heroines embodying precise virtues, are inspired by feminine qualities as praised by Salomon in "La femme de Caractère", extracted from his book "Proverbes". They are created only after the "hommes illustres" series, as counterparts, and later acquire their own autonomy. These cycles cover diverse functions depending on the country, the time period : in Italy, the first series serve the function of memory, they are commemorative, then they become edifying, through the cassoni who educate young wives ; in France, they allow to legitimate a regent accession to the throne and to support her power, process who was copied by the Dutch, the Florentine and Viennese court. Spain focuses on women from the Bible and fills its churches of cycles sculpted or painted on mirrors, destined to edifying the faithful ; the Belgium series educate the monks ; the Dutch engraved cycles praise women at home, whereas England seems to be apart. Queens, women from the Bible and amazons appear recurrently in series, to the detriment of vestals and saints. The most irreproachable heroines are disgracied, the most barbaric acts are justified

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Marc, Kristina. "La célébration dans le meuble français de la Renaissance : personnages en médaillons, écus et trophées d'armes." Tours, 2007. http://www.theses.fr/2007TOUR2037.

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Abstract:

Cette étude a pour but d'analyser un ensemble d'ornements sculptés sur les meubles français de la Renaissance. Ils ont pour point commun de symboliser la notion de célébration. Cette symbolique, bien que s'inscrivant dans les préoccupations de son temps, peut être nuancée selon le contexte dans laquelle on la retrouve : selon la personne à qui elle s'adresse et la manière dont elle a été mise en scène. La célébration peut prendre une forme personnelle, familiale ou politique. De plus, l'impact de ces motifs varie selon leur emplacement et leurs dimensions. En cela, le meuble peut être considéré comme un support digne d'intérêt
This study ains to analyse a set of carved ornaments in French Renaissance furniture. Their common point is to symbolise the concept of celebration. Though this symbolism is keeping in with the concerns of this time, it can reveal like and shade according to the context in wich is to be found : depending on the person to whom it is addressed and how is has been staged. The celebration may take a personal, family or political figure. Furthmore, the impact of these patterns vary with their location and size. In this regard furniture can be seen as a medium worthy of serious consideration

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Humbert, Jean-Marcel. "L'égyptomanie : sources, thèmes et symboles : étude de la réutilisation des thèmes décoratifs empruntés à l'Egypte ancienne dans l'art occidental du XVIe siècle à nos jours." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040295.

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Abstract:

Le catalogue illustré constituant la première partie de cette thèse a été réalisé à partir d'une base de données créée spécialement. Il contient plusieurs milliers de références intégrées à 1370 notices; celles-ci sont classées selon les principaux thèmes de l'histoire de l'art, eux-mêmes regroupés à l'intérieur de six périodes chronologiques. Cet échantillonnage représentatif a permis d'étudier les sources et les composantes de l'égyptomanie selon les époques et les pays, les thèmes égyptiens les plus souvent employés et leur degré d'adaptation, et la part de symbole contenue dans les différents types de créations. L'égyptomanie a pour sources des documents archéologiques, des relations de voyage, des évènements "médiatisés" et de précédentes réalisations égyptisantes; mais l'évolution de la fidélité des interprétations ne suit pas forcement l'amélioration de la connaissance de l'Egypte ancienne. L'étude chronologique met en lumière plusieurs évolutions : au début distraction d'esthète, l'égyptomanie ira se démocratisant; elle profite à partir du XIXe siècle des progrès de l'archéologie; elle trouve continuellement de nouveaux modes d'expression (cinéma, bande dessinée, publicité) et élargit ainsi régulièrement son audience. L'étude thématique des objets et réalisations accueillant l'égyptomanie montre sa faculté d'adaptation et l'influence en retour des styles propres aux époques concernées. Un répertoire des thèmes décoratifs empruntés à l'Egypte ancienne précise ceux qui sont le plus souvent employés. L'objet égyptisant véhicule des symboles issus à la fois de l'Egypte ancienne et de la période de sa création; jouant de nombreux concepts (rêve, peur, rire), l'égyptomanie garde comme l'Egypte un impact fort sur le public. L'égyptomanie est plus qu'une des composantes de l'exotisme et de l'anticomanie; elle constitue un courant à part, aujourd'hui plus vivant et fascinant que jamais
The catalogue of this thesis has been taken from a data base specially created. Its 1370 notices give thousands of references; the notices are classified according to themes in the course of six chronological periods. Thanks to these selected objects, it has been possible to study the sources and the constituent parts of the Egyptian revival according to periods and countries, to index the Egyptian themes more often used, to measure their degree of adaptation, and to identify the symbols contained in the different creations. The sources of egyptomania are taken from archeological items, travel accounts, exceptional events and former egyptianizing creations; but the evolution of the fidelity of the interpretations doesn’t follow necessarily the increasing of the knowledge of ancient Egypt. The chronological study points out several evolutions: egyptomania, created at the beginning for esthetes’' pleasure, soon becomes democratized; the archeological discovering and publications give new possibilities to it; it can use many new means of expression (movies, cartoons, comic-strips and adverting) and thus increased its audience. The thematic study of the egyptianizing objects and creations shows how easily egyptomania adapts itself and mixes with the style of the period. A repertory of the themes taken from ancient Egypt shows which ones are used most. Egyptianizing items carry lots of symbols from ancient Egypt and from the time of their making; using numerous concepts (dream, fear, laugh), egyptomania, as well as Egypt, has a strong impact on people. The Egyptian revival is more than part of exotism and anticomania; it is an independent current more alive and fascinating to-day than ever

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Meyer-Roux, Karen. "L'iconographie de sainte Anne en Italie du centre et du nord aux XIVe et XVe siècles." Paris, EHESS, 1999. http://www.theses.fr/1999EHES0031.

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Abstract:

Cette these de doctorat porte sur l'iconographie de sainte anne, mere de la vierge marie, en italie du centre et du nord aux xive et xve siecles, un theme qui n'avait pas fait l'objet d'une etude d'ensemble jusqu'a present. L'epoque consideree correspond au moment ou la sainte acquiert l'audience la plus large dans la peninsule. Le memoire est compose de deux volumes. L'un, sous forme de catalogue raisonne, presente un inventaire aussi complet que possible des peintures murales et sur panneau ou figure sainte anne. Ce catalogue recense les representations de la sainte dans les cycles narratifs et les images de devotion en toscane, en ombrie, en venetie et en lombardie principalement. Le second volume offre une reflexion sur l'iconographie de sainte anne selon une perspective historique ; le cadre theologique de la devotion a sainte anne ainsi que les implications sociales et spirituelles des images y sont explores. Les representations de la sainte apportent un temoignage sur plusieurs aspects du dogme marial, en particulier celui qui concerne les modalites de la conception de la vierge. L'iconographie de sainte anne revele egalement les tatonnements et reflexions de la societe chretienne sur la famille et le couple.

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Aubert, Alain. "Propositions pour une "scenaristique" : "l'intrigue scenarique"." Paris 3, 1996. http://www.theses.fr/1997PA030023.

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Abstract:

Dans la scenarisation de film, se trouve "l'intrigue scenarique". Pour l'etudier, on situe la scenarisation dans l'ensemble du cinema. Celui-ci se divise en dix sous-territoires determinant le scenario. Ceci constituera l'environnement exterieur general de l'intrigue. On subdivise ensuite la scenarisation elle-meme en huit polarites. Outre sources et enquete, on peut distinguer : idee, problematique, scheme, personnage, intrigue, spatialisation, temporalisation, dialogue ceci constituera l'environnement interne specifique de l'intrigue. On abordera alors valablement l'analyse de "l'intrigue scenarique". Elle est d'abord faite d'une matiere du contenu que l'on peut voir comme constituee de bassins semantiques (de la "loi" au "destin"). Ensuite, elle semble se conformer a une meme forme de l'expression ou schema ternaire existentiel oblige (situation-action-situation). Puis elle se manifeste grace a sa propre matiere de l'expression, non pas d'emblee des personnages, mais quatre axes d'interactions, socio-economiques, structurales, dramaturgiques, socio-psychiques. Enfin elle se soumet a certains modes de la forme de l'expression, (logique, vraisemblable, dramatisation, satirisation, ou leur refus). En liant l'ensemble au decoupage et a la double-lecture du script, on entrevoit alors les premiers fondements d'une "scenaristique"
The "scenaric plot" can be found in film scenarisation. In order to study it, we will situate scenarisation in cinema as a whole. Cinema is divided into ten sub-territories that determine the scenario. This will constitute the general environment of the plot. We can then subdivide scenarisation in eight polarities. Besides sources and investigation, we can distinguish : idea, problematic, scheme, character, plot, spatial organisation, timing and dialogue. This will constitute the specific internal environment of the plot. We will then validly deal with the analysis of the "scenaric plot". In the first place, it is made of matter of "contents", which can be seen as composed of "semantic basins" (from "law" to "destiny"). Secondly, it seems to conform to a same form of expression, or obliged ternary existential scheme (situation-action-situation). Then it comes out, thanks to its own matter of expression, not the characters, but four axis of interactions: socio-economical, strutural, dramaturgical, and socio-psychic. At last, it complies with certain modes of the form of expression (logic, credibility: dramatization, "satirisation"). We then can foresee a "scenaristic"

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Magne, Elisabeth. "Les cuisines de la création : approche anthropologique et esthétique de l'alimentaire dans l'art." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030072.

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Abstract:

De l'antiquite l'histoire de la nature morte commente comme un exploit l'anecdote des raisins peints par zeuxis, raisins si vraisemblables que les oiseaux, abuses, vinrent les picorer. Pour pieger le regard, l'artiste a toujours use de la nourriture comme d'un appat supreme sollicitant ainsi le regard, la main et tous les sens gourmands. Une connivence implicite et jamais dementie s'est peu a peu tissee entre maitres de l'illusion et provisions de table. Natures mortes, cuisines et repas ont alimente les images de l'histoire de l'art. Mais l'origine domestique du theme, ses liens trop charnels avec le corps, avec la digestion, avec la matiere ont entache ses representations ; tenue en pietre estime et donc quelque peu servile, la "peinture du culinaire" a subi silencieusement les assauts des interrogations plastiques. Car c'est dans ce declassement meme, dans cette jachere apparemment vierge de tout grand dessein, qu'ont semble germer de nouveaux modes d'emergence de l'image. Peinture de bouches a rassasier, de ventres a satisfaire, de digestions a venir ; peinture travaillee par le caractere a la fois fecond et ephemere de la nourriture ; peinture de la vie et de la mort toute proche, du plaisir et de l'excrement ; le theme a contamine ceux qui s'y sont adonnes, installant son propre proces au coeur d'une pratique picturale. Et l'on decouvrira, dans cette liberte octroyee aux sans grades, les outils d'un remaniement profond des positions esthetiques
From antiquity on, the history of still life has ranked very high the anecdote of the grapes painted by zeuxis which were so true to life that some birds, thinking they were real, pecked at them. To capture the eye, painters have always used food as bait, which as the utmost balt, appeals to the eye, the hand and all of the greedy senses. An implicit and never failing complicity has been progressively woven between the masters of illusion and provisions. Still lives, cooking and meals have nourished the images of art history. However, the domestic origin of the theme and its coverly carnal links with the body, digestion and with all that is material, have spoilt its representation. Culinary paintings, therefore, held in lowly estime, slavishly went through all sorts of art experiments. It is in this very downgrade into the wasteland, apparently devoid of any ambitions, that new picturial modes have seemed to germinate. Paintings of mouths eager to eat, of bellies avid for food, of digestions to come ; paintings shaped by the very fertile and transient nature of food. The theme of life and of near death, of pleasure and of excrement has contamined those who have indulged in it, setting up its own process at the very heart of a style of painting. In this freedom granted to the low ranked, the tools for a profound reshuffling of aesthetic landmarks will be discovered

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Forbrig, Karsten. "« Il y a derechef : encore une fois : seulement le théâtre » : recycling et covering dans l'oeuvre théâtrale de Werner Schwab." Nantes, 2013. http://www.theses.fr/2013NANT3033.

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Abstract:

« Excédent de poids, insignifiant : amorphe », « extermination de peuple ou mon foie n'a pas de sens », « Pornogeographie » ou « La Ravissante Ronde d'après La Ronde du ravissant Monsieur Arthur Schnitzler »- les titres de ses textes de théâtre annoncent bien la couleur. L'image du provocateur cynique, que Werner Schwab s'est fabriqué, a largement contribuée à son succès théâtral pendant les années 1990. L'auteur autrichien est parvenu à réaliser ce qu'il a appelé son « idée perverse du sauvetage de théâtre » grâce à la réutilisation des objets trouvés autant dans la presse quotidienne que dans al « déchetterie merveilleuse » du théâtre existant. A travers un processus de travail basé sur le recycling et le covering de ces matériaux, Schwab a construit sa propre langue hétérogène qui lui sert de défibrillateur pour « la chose la moins drôle qui existe ». A travers cette monographie, nous proposerons une perspective sur les textes de Werner Schwab qui se concentre sur son entreprise de « sauvetage du théâtre », c'est-à-dire le recycling et covering des éléments de théâtre et le discours métathéâtral qui en découle. Nous montrerons comment cette stratégie de recyclage vise à créer ce qu'on pourrait appeler une théâtralité de la subversion qui réanime l'objet de sa critique.

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Gazave, Raphaëlle Maylis. "De Donatello à Jean Goujon : réceptions et enjeux nationaux de la sculpture de la Renaissance au XIXe siècle." Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100008.

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Abstract:

Cette thèse examine la réception de la sculpture de la Renaissance dans l’Europe du XIXe siècle, afin de déterminer quels enjeux sous-tendent sa fortune critique et artistique. L'histoire de la sculpture française du XIXe siècle est ainsi étudiée en regard de l’historiographie européenne de la statuaire Renaissance depuis 1805, date de la redécouverte du manuscrit original de la Vita de Cellini, jusqu’à l’exposition publique, en 1889, du Monument aux Bourgeois de Calais d’Auguste Rodin. L’intérêt pour la sculpture de la Renaissance s’éveille dans une Europe scindée entre permanence du modèle classique et affirmation du romantisme. La statuaire de la Renaissance est perçue comme le reflet d’un Age d’or que l’on voudrait revivre. En peinture comme en sculpture, la création artistique se fait le miroir de cette construction du mythe de la Renaissance. Michel-Ange devient une figure exemplaire de l’art; Jean Goujon est son contre-modèle français (I). Dans la seconde moitié du siècle, cet engouement européen pour la statuaire Renaissance est régit par des questions nationales. La sculpture des XVe et XVIe siècles est au centre d’un transfert culturel entre l’Italie et l’Allemagne. Vouées au culte de l’art gothique, la France et l’Angleterre montrent des réticences à célébrer la Renaissance italienne. Parallèlement, le développement de l’historicisme néo-renaissant dans la statuaire française aboutit d’une part au néo-style de Paul Dubois, d’autre part au renouvellement formel de Rodin (II)
This thesis examines the perception of Renaissance sculpture in nineteenth-century Europe, in order to determine which stakes underlie its critical and artistic fortune. History of nineteenth-century French sculpture is studied in comparaison to European historiography of Renaissance statuary from 1805, date of the rediscovery of Cellini’s Vita original manuscript, to 1889, date of the first public exhibition of the Monument aux Bourgeois de Calais by Auguste Rodin. The interest for Renaissance sculpture picks up when Europe becomes divided between permanence of the classical model and the appearance of Romanticism. Renaissance sculpture is seen as a Golden Age. In painting as in sculpture, artistic creation reflects the birth of the myth of the Renaissance. Michelangelo becomes an exemplary figure of Art; Jean Goujon is his French counter-mode| (I). In the second half of the century, national stakes govern this European passion for the Renaissance statuary. The sculpture of the XVth and XVth centuries become the object of a cultural transfer between Italy and Germany. Dedicated to the worship of Gothic art, France and England, on their part, hesitate to celebrate Italian Renaissance. In particular, the development of Renaissance historicism in the French statuary leads on one hand to Paul Dubois’neostyle, and on the other to Rodin’s artistic renewal (II)

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Latella, Cecilia. "« Giovane donna in Mezzo 'l campo apparse ». Figure Di Donne guerriere nella tradizione letteraria occidentale." Thesis, Tours, 2009. http://www.theses.fr/2009TOUR2003/document.

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Abstract:

Les femmes guerrières, de Camille à Bradamante, de Marphise à Clorinde, représentent des personnages fixes de l’épique, des poèmes et des romans chevaleresques. Présentes dès l’époque classique, elles re-émergent dans l’épopée française du XII siècle pour s’intégrer ensuite définitivement aux poèmes italiens du XV siècle. Elles vont connaître leur apogée grâce aux grands poèmes chevaleresques de la Renaissance. Les imitations et les réécritures de ces poèmes diffusent le personnage des femmes guerrières dans l’Europe entière. Le champ géographique et historique de notre thèse, après un premier chapitre introductif consacré à l’épopée classique, est constitué par des textes italiens, français, anglais et espagnols qui datent du Moyen Age au début du XVIIe siècle. Nous étudiont les étapes les plus remarquables de cette filiation littéraire intertextuelle ainsi que le sens changeant des guerrières dans le système des rapports de pouvoir entre personnages masculins et féminins
From Camilla to Bradamante, from Marfisa to Clorinda, women warriors are fixed characters in epic, chivalric poems and romances. Described from ancient times, they re-emerge in French epic of XII cent. before being integrated by XV cent. Italian poems, where they will know the height of their glory during the Renaissance. Imitations and rewritings of those poems are responsible for the great European diffusion of characters of woman warrior. After an introductory chapter about classical epic, the historical and geographical area of my thesis concentrate on Italian, French, English and Spanish texts dating from Middle Ages to early XVII cent. My research study the notable stages of this intertextual literary filiation and the changing significance of women warriors in the system of power between male and female characters
Da Camilla a Bradamante, da Marfisa a Clorinda, le donne guerriere costituiscono dei personaggi fissi dell’epica, dei poemi e dei romanzi cavallereschi. Presenti dall’età classica, esse riemergono nell’epica francese del XII secolo per poi inserirsi definitivamente nella poesia italiana del Quattrocento, conoscendo infine il loro apogeo nei grandi poemi cavallereschi del Rinascimento. Le imitazioni e le riscritture di tali poemi diffondono questi personaggi in tutta Europa. Dopo un primo capitolo dedicato all’epica classica, lo spazio storico-geografico della nostra tesi è formato da testi italiani, francesi, spagnoli e inglesi che vanno dal Medioevo agli inizi del Seicento. Il nostro studio analizza le fasi fondamentali di tale filiazione letteraria intertestuale e il cambiamento del significato delle guerriere nel sistema di rapporti di potere tra personaggi maschili e femminili

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Geonget, Stéphan. "La Notion de perplexité à la Renaissance." Tours, 2002. http://www.theses.fr/2002TOUR2021.

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Abstract:

Le Tiers Livre que Rabelais publie en 1546 est sans doute le premier livre qui met au coeur de son écriture et de sa pensée la notion de "perplexité". Une question cocasse ("serai-je cocu ?") fournit la matière de la première réelle mise en scène littéraire de la notion. Elle recueille les fruits d'un double héritage savant, juridique et théologique. Pour les juristes, le terme de "perplexitas" désigne la situation particulièrement délicate où deux lois s'opposent l'une à l'autre, sans espoir de conciliation[. . . ]. Pour les théologiens, le terme désigne prioritairement le conflit de la loi de l'Eglise et de la loi de la conscience. A priori impensable dans un monde où Dieu dit la même chose à son Eglise et à la conscience de chacun, la situation ne survient que par la faute du fidéle [. . . ]Ce double éclairage permet d'envisager le parcours de Panurge d'une manière nouvelle. De la perplexité initiale du héros à sa résolution -problématique- dans le Cinquième Livre se dessine l'esquisse de ce qui pourrait être un cheminement "thélémique". L'aventure de Panurge devient la métaphore de cet autre chemin explicité par différents textes contemporains qui méne de la perplexité à la Jérusalem céleste, autre abbaye de Thélème.

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Oh, Jin-Kyeong. "La répétition d'images et d'objets du dadaïsme au pop art (des années dix aux années soixante)." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010597.

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Abstract:

La répétition d'images et d'objets est un phénomène remarquable qui apparait avec constance dans l'art depuis le début du XXème siècle. Nous pouvons définir trois grandes catégories d'œuvres dans lesquelles la répétition d'images et d'objets prend une fonction bien précise. Il y a en premier lieu la signification iconographique de la répétition due à l'intégration des techniques de reproduction liées à la société industrielle ; en second lieu, l'aspect formel de la répétition d'images ou d'objets figuratifs et concrets dont l'effet va vers l'abstraction ; et enfin l'effet psychologique produit par la répétition : un sentiment d'étrangeté, d'angoisse et d'obsession provoque par les artistes qui simulent volontairement l'état irrationnel. La répétition la plus stéréotypée et dépersonnalisée sert paradoxalement aux artistes modernes a varier les styles et à rechercher leur propre langage artistique; malgré la répétition, tant qu'il y aura l'esprit d'innovation et la volonté de faire des recherches, des expérimentations esthétiques et plastiques, les œuvres d'art auront toujours une valeur originale et unique
The repetition of images and of objects is a remarkable and constant phenomenon in the modern ar. We can define three categories of works of art in which the repeated images and objects appear. First, the iconographical significance of the repetition due to the techniques of reproduction connected with the modern industrial society ; second, the formal abstract effect of the repeated figurative images or objects ; third, psychological effect of the repetition : feelings of strangeness, anguihs and obsession. In modern art, the artists use the monotonous repetition to search for their own artistic language and to prodduce, paradoxically, a variation of style. Even though it is a matter of the stereotyped and depersonalized repetition, as long as there is a will of artists to pursue the aesthetic and plastic investigations and experimentations, the works of art will always have the value of originality and of uniqueness

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Ansen, Selen. "Aux confins du corps : le monstrueux : (esthétique du corps et de l'informe dans le 7e Art." Strasbourg 2, 2001. http://www.theses.fr/2001STR20058.

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Abstract:

La présente thèse propose une réflexion sur la représentation de la monstruosité au cinéma en questionnant le rôle potentiel que revêt la monstruosité dans l'émergence de la corporéité. Considérant l'expression de la monstruosité, elle se propose de la prendre en compte à travers l'étude de deux figures principales du monstre- le monstre naturel et le monstre moral- et de leur mise en scène dans un corpus d'oeuvres constitué par les films : "Freaks" de Tod Browning, "Elephant Man" de David Lynch, "Dead Ringers" de David Cronenberg, "Les yeux sans visage" de Georges Franju et "M" de Fritz Lang. Si le cinéma rend l'homme visible, l'appréhende et le réinvente en le figurant, il révèle non seulement l'humain mais l'inhumain. La présence des monstres au cinéma témoigne de cette intérêt à l'égard de l'inhumain tout en introduisant la représentation de corps ainsi que d'êtres qui bouleversent les normes et les canons édictés. . .

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Bouyacoub, Asma. "L'enfant, originel et original, chez Violette Leduc et Marie NDiaye." Thesis, Toulouse 2, 2019. http://www.theses.fr/2019TOU20112.

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Abstract:

Cette étude aborde plusieurs thèmes inhérents à l’enfance telle qu’elle est perçue par Violette Leduc et Marie NDiaye qui, en dépit de leurs différences, notamment leur place dans le paysage littéraire, se rejoignent dans leurs visions du monde enfantin, ce qui nous a permis de relever nombre de leurs convergences. En effet, dans leurs œuvres, les liens familiaux sont marqués par l’omniprésence ou l’absence des parents, par la prédominance de l’apparence et de l’argent au sein même de la famille, d’où l’inscription sociale de cette dernière et, partant, la détermination de l’enfant par la société. Le domaine familial ainsi s’élargissant, cela nous mène à l’interversion des rôles d’ascendants et de descendants. Dans ce monde changeant de la famille, l’enfant perd parfois son identité et ses repères. Toutefois, à travers tous ces aspects, nous constatons que, malgré les tentatives, soit des géniteurs autoritaires soit de la société réglementée, de restreindre la liberté et le champ de l’enfance, celle-ci est en continuel renouvellement. Cette perpétuelle renaissance est celle de l’enfant, qui s’exprime sous maintes manifestations, mais également celle de son univers peuplé de créatures animés ou non animées. Multiple, l’enfance est ainsi à l’image de son écriture, nos deux auteures, dans leur processus scriptural, choisissant le camp de l’enfance pour la défendre, et pour écrire (de manière romancée ou fidèle) la leur, originelle et originale
This study addresses several themes relating to childhood, as viewed by Violette Leduc and Marie NDiaye. There are many similarities in how these two authors perceive childhood, even though their positions in the literary landscape are quite different. In both of their works, a child's parents are either completely absent or else ever-present, and family relationships are influenced by objects of value to society such as money and appearance. This naturally leads us to consider the relationship between children and society, and how each one views the other. As social values impinge on the family, familial roles become reversed and children lose both their identity and their bearings. Nevertheless, despite attempts by parents and society to impose rules on children that restrict their freedom, we argue that childhood is constantly in a state of renewal. This manifests itself in many different ways, including the varied creatures and objects which fill a child's environment. Childhood, and its depiction within literature, is both rich and complex. As the authors write in defence of childhood, they alternate between fiction and autobiography. In doing so, they provide a perspective on childhood which is at the same time original and which takes its origins in their own respective childhoods

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Foucher, Stéphanie Gabrielle Dominique. "Le décor sculpté cistercien d'inspiration végétale dans l'Ouest de la France : XII-XIVe siècles." Poitiers, 2003. http://www.theses.fr/2003POIT5018.

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Abstract:

Le répertoire sculpté des abbayes cisterciennes médiévales est très souvent perçu comme présentant une certaine unité, généralement simplement définie par des motifs sobres exclusivement d'inspiration végétale. Un inventaire complet des supports cisterciens au sein d'une zone correspondant au grand ouest de la France a permis de mener une analyse approfondie du corpus sculpté cistercien d'inspiration végétale romane ou gothique. En analysant indépendamment les supports, les motifs, les compositions ou les rapprochements avec des répertoires non cisterciens locaux, il a été possible de discerner différentes caractéristiques contribuant à définir précisément le décor sculpté cistercien médiéval d'inspiration végétale
The inventory of sculptures from medieval cistercian abbeys is very often perceived as offering a unity typically defined by simple motifs exclusively based on vegetal representation. A complete inventory of cistercian supports inside a zone corresponding to greater Western France has allowed to conduct a detaile analysis of the sculptures cistercian corpus of vegetal inspiration of the roman or gothisc area. An independant analysis of the supports, motifs, compositions and comparisons with local non cistercian repertories has made it possible to identify the characte stics wich have contributed to define with precision the medieval sculptured cistercian decor of vegetal inspiration

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Victoria, Thierry. "Les lectures de l'"Apocalypse" dans la littérature française de la Renaissance." Amiens, 2004. http://www.theses.fr/2004AMIE0008.

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Peri, Francesco. "Art des nerfs, nerfs d’artiste. Modernité et maladies nerveuses dans la littérature française et allemande, 1865-1914." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA025.

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Abstract:

Sur la base d’un examen combiné d’ouvrages médicaux, scientifiques, littéraires et critiques, ce travail développe une généalogie transnationale de la notion de Nervenkunst (« art des nerfs »). À partir d’une reconstitution des origines françaises des discours sédimentés dans cette catégorie (ainsi que de leurs sources prérévolutionnaires et antiques), on démontre que l’idée d’un lien génétique entre l’écriture et le système nerveux, dont on a fait jusqu’ici une particularité de la littérature autrichienne des années 1890, peut-être une préfiguration de la psychanalyse, constitue, en réalité, l’aboutissement d’un système d’échanges et de transformations échelonnés sur plusieurs siècles, et dont les trajectoires convergent à l’époque du naturalisme. La première partie est consacrée à l’invention des « nerfs modernes », soit à une histoire culturelle des imaginaires du système nerveux avant et après 1789. La deuxième partie décrit la formation d’une idée de l’écrivain des nerfs à l’époque du Second Empire et de la Troisième République naissante (à partir notamment de l’œuvre des frères Goncourt). La troisième partie s’interroge sur la germanisation de ces contenus : comment tout cela est passé dans les pays de langue allemande entre 1870 et 1890, à un moment où les rapports avec la France étaient problématiques ? La réponse passe par un système de transferts et de regards croisés qui implique l’Autriche et la Scandinavie
Based on a cross-examination of medical, scientific, literary, and critical materials, this work attempts a transnational genealogy of the concept of Nervenkunst (“art of the nerves”). Through a historical reconstruction of the French origins of the discourses that coalesce in that category (and a survey of their prerevolutionary and ancient sources), our research proves that a genetic connection between the writer’s craft and the nervous system is neither a peculiarity of Austrian literature in the 1890s nor a premonition of psychoanalysis, but the product of a system of exchanges and transformations that span several centuries, to converge in the years of early Naturalism. The first part chronicles the invention of “modern nerves”; in other words, it offers a cultural history of the neurological imagination before and after 1789. The second part describes the genesis of an idea of the nervous author during the Second Empire and the early Third Republic (focusing on the work of the Goncourt brothers and their entourage). The third part deals with the germanization of these originally French contents: how did these notions take root in the German-speaking world at a time (1870-1890) when Berlin’s relations with Paris were problematic at best? The answer lies in a system of cultural mediations and mutual perceptions that involves, among other things, Austria and Scandinavia

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Michel, Jean-Yves. "La mort en face : confrontations avec le crâne dans cinq tragédies anglaises de la renaissance tardive : "La Tragédie de l'athée", "La Tragédie du vengeur", "Hamlet", "La Duchesse d'Amalfi" et "Le Roi Lear"." Nancy 2, 2002. http://docnum.univ-lorraine.fr/public/NANCY2/doc130/2002NAN21018_1.pdf.

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Abstract:

Entre 1600 et 1620, le genre tragique élisabéthain a souvent recours à un emblème de memento mori :la confrontation de l'homme avec le visage de la mort. Cet emblème appartient à l'horizon culturel de l'époque : on le retrouve dans l'iconographie élisabéthaine et dans diverses pratiques culturelles de ce temps. Mais il se rapporte également à un registre archétypique. Le mot " skull ", dans les textes dramatiques, tout comme le crâne dans les mises en scène, sont à la fois des signes scéniques de memento mori et des éléments sémiotiques instables. En amplifiant la dimension affective du spectacle, ces signes indiquent l'existence d'une mort ensauvagée, rebelle à tout encadrement allégorique. Cette dualité défait ironiquement l'image conventionnelle de l'homme face au visage de la mort. Cette sémiosis ambivalente est étudiée dans cinq tragédies : La Tragédie de l'athée, La Tragédie du vengeur, Hamlet, La duchesse d'Amalfi et Le Roi Lear
Between 1600 and 1620, Elizabethan and Jabobean tragedy often focuses on a macabre stereotype - characters are shown staring at the face of Death. This stereotype is largely borrowed from the cultural setting of Shakespeare's day, which was dominated by the visual display of death, as defined in the memento mori conventions. Both the text and the staging of the tragedies of that age are concerned with staring at the Face of Death. The word " skull " and the stage property that corresponds to it cannot merely be considered as emblems of mortality, because they are both linked with the achetypes of Death. Indeed, these macabre signs regularly emphasize the spontaneous response to the staging of violence and death, so much so that they tend to unveil a death that refuses to be controlled by any emblematic setting or allegorical strategy. This ambivalent theatrical semiosis is studied in five tragedies : The Atheist's Tragedy, The Revenger's Tragedy, Hamlet, The Duchess of Malfi and King Lear

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Bataille, Sylvaine. ""Wealthy stones enchac't" : références odyséennes dans le théâtre de la Renaissance anglaise et réinvention humaniste d'Homère." Montpellier 3, 2008. http://www.theses.fr/2008MON30074.

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Abstract:

Cette étude concerne les références odysséennes dans le théâtre anglais de 1558 à 1642, c’est-à-dire les occurrences de noms propres originaires de l’Odyssée, en relation avec le contexte culturel de la période et la réinvention humaniste d’Homère. Deux régimes de relation au poème homérique caractérisent l’Angleterre de la Renaissance. L’un se fonde sur la tentative d’un retour direct à l’œuvre tandis que l’autre repose sur un usage conventionnel des personnages. Je retrace les efforts entrepris pour ressusciter l’œuvre d’Homère, en montrant comment l’appréciation humaniste rompt avec les jugements négatifs de la tradition médiévale. Par sa traduction, Chapman, renouant avec l’idéal pétrarquien, introduit Homère comme l’auteur d’une œuvre personnelle et singulière. Une telle relation est pourtant loin d’être partagée par les dramaturges, y compris par Chapman dans ses propres pièces. L’étude comparée des références odysséennes dans un large corpus dramatique révèle au contraire un rapport distendu avec l’Odyssée, fortement influencé par les normes langagières et les valeurs culturelles héritées de l’humanisme pédagogique. Dès lors l’utilisation ostentatoire et ornementale de références odysséennes renvoie davantage au « trésor antique » qu’à une œuvre particulière dotée d’une trame narrative et d’une diégèse clairement identifiées et perçues. Cette base culturelle offre aux dramaturges un cadre à partir duquel, chacun à leur manière, ils peuvent exprimer leur créativité. L’originalité de Shakespeare s’impose alors comme un trait marquant : loin de rester enfermé dans des lieux communs, son usage des figures odysséennes déclenche l’expression d’une poésie personnelle
This study is about the use of proper names originating from the Odyssey, or Odyssean references, by English playwrights between 1558 and 1642, in a cultural context where Homer was being reinvented by the humanists. Two modes of relating to Homer’s poem characterize Renaissance England: one is founded on an attempt to return directly to the text while the other is based on a conventional utilization of the characters. I first retrace the efforts made by certain scholars to “revive” Homer and I show how the humanist appreciation breaks with the depreciatory judgements in the medieval tradition. As a translator Chapman took up the Petrarchan ideal and introduced Homer as the author of a personal and singular work. However such a relationship to Homer was far from being shared by the playwrights, including Chapman in his work as a dramatist. The comparative study of Odyssean references in a wide theatrical corpus reveals that the connection with the Odyssey is loose and greatly influenced by language norms and cultural values inherited from pedagogical humanism. It follows that the ostentatious and ornamental use of Odyssean proper names refers more to the “classical treasure-trove” than to a particular work with clearly identified and perceived narrative and diegesis. This cultural basis provides playwrights with a frame from which they can give vent to their creativity, each in their own way. Shakespeare’s originality stands out as a remarkable feature: far from staying inside commonplaces, his use of Odyssean figures sparks the expression of personal poetry

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Rabier, Delphine. "La pensée dévotionnelle et mystique dans la peinture des anciens Pays-Bas : XVè siècle - première moitié du XVIè siècle." Thesis, Tours, 2015. http://www.theses.fr/2015TOUR2018.

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Abstract:

Cette étude se propose de dégager les liens étroits qui unissent la production picturale des anciens Pays-Bas des XVe et XVIe siècles avec la mystique de Ruysbroeck l’Admirable et la pensée de la Dévotion moderne (devotio moderna). À partir d’un corpus comprenant des oeuvres de Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Hans Memling, Hugo van der Goes, le Maître à la vue de Sainte-Gudule, le Maître de 1499, le Maître d’Alkmaar, Jérôme Bosch ou encore Gérard David et Jan Mostaert, l’analyse fait apparaître que peinture et écrits se répondent et se subliment mutuellement. Dans une première partie, nous observerons la façon dont les peintres ont décliné la progression dynamique des différentes visions (active, intérieure et contemplative) et traité le phénomène de désimagination. Puis, dans un deuxième temps, notre étude mettra en lumière que l’image soutient grâce à différents procédés (mnémotechnique, participatif, etc.) les pratiques spirituelles et méditatives des fidèles. Enfin dans la dernière phase de notre analyse, nous nous intéresserons aux mises en images d’une idée clé définie par Ruysbroeck l’Admirable, et adaptée par les auteurs de la Dévotion moderne : dat ghemeine leven (la vie commune)
This study intends to investigate and clarify the links between the Early Netherlandish pictorial tradition (15th and 16th centuries) and mystical literature as exemplified by Ruysbroeck the Admirable and the authors associated with the Modern Devotion (devotio moderna). Focusing on a corpus of works by Jan van Eyck, Rogier van der Weyden, Petrus Christus, Hans Memling, Hugo van der Goes, the Master of the View of St Gudule, the Master of 1499, the Master of Alkmaar, Hieronymus Bosch, Gerard David and Jan Mostaert, this analysis brings to light that painting and writing enrich each other’s meaning. In the first part, we shall observe the ways in which the painters captured the dynamic progression of the various types of vision (active, internal and contemplative) as well as the ways in which they addressed the phenomenon of disimagination. The second part of this study will highlight the fact that the image supports the spiritual and meditative practices of the faithful through various processes and techniques (mnemonic, participative etc.). The third part of the analysis will focus on the visual treatment of a key idea defined by Ruysbroeck the Admirable, and adapted by the authors of the Modern Devotion: dat ghemeine leven (the common life)

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Vert, Xavier. "Le portrait-charge : image infamante, caricature et contre-figure en Italie, de la Renaissance à l'Age baroque." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0101.

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Abstract:

Le portrait-charge se définit au croisement des disciplines historique, anthropologique et philosophique à partir de l'hypothèse d'un dépassement d'une histoire de la caricature dans une anthropologie de la charge. Cela suppose d'une part de réinterroger la caricature à partir des opérations auxquelles elle soumet l'effigie en mobilisant notamment une conception pragmatique de l'instance du spectateur. D'autre part de redéployer la notion de charge en s'interrogeant sur ce qu'il peut en être de son statut et de ses mises en œuvres aussi bien que des types de rapports qu'elle entretient avec les pratiques sociales, les croyances, le droit et la théologie. Cette recherche pose pour cadre général l'étude du portrait afflictif de la Renaissance jusqu'au seuil de l'époque baroque. Il s'agit dès lors de penser la charge des images dans la perspective d'une figurabilité de l'outrage et des pratiques infamantes. Il s'agit ensuite d'évaluer au sein d'un usage agressif de l'image un élément d'ambiguïté et de dérision. Le phénomène de la dérision est en effet l'un des plus complexes qui soient, si l'on veut bien ne pas couper ses manifestations individuelles et sociales de son implication théologique. Y rattacher la caricature ne signifie pas simplement voir en elle le contre-pied d'un idéal esthétique et héroïque mais aussi et surtout l'une des formes majeures de l'inversion comique
The portrait-charge defines itself at the crossroads of historical, anthropological and philosophical disciplines, on the hypothesis of going beyond caricature history into an anthropology of charge. On the one hand, this implies re-examining caricature on the basis of the operations to which it submits the effigy in mobilizing a pragmatic conception of the instance of the viewer. On the other hand, this implies reconceiving the notion of charge, by questionning its status and implementation as well as its various relationships with social practices, beliefs, law, and theology. The general framework of this thesis is the study of the afflictive portrait from the Renaissance up to the threshold of the baroque period. It is, therefore, necessary to consider the charge of images in the perspective of a figurability of outragous and infamous practices. The next step is to assess an element of ambiguity and derision within an aggressive use of the image. The phenomenon of derision is indeed one of the most complex, if one does not strip its individual and social manifestations of its theological implication. Linking caricature to this phenomenon does not simply mean to see in it the opposite of an aesthetic and heroic ideal, but also and above aIl, one of the major forms of comic inversion

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Schaub, Nicolas. "L'Armée d'Afrique et la représentation de l'Algérie sous la Monarchie de juillet." Strasbourg, 2010. http://www.theses.fr/2010STRA1021.

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Abstract:

Quel corpus d’images ont constitué les artistes qui ont accompagné l’armée d’Afrique après la conquête d’Alger en 1830 et comment l’ont-ils réalisé ? Quelle a été la circulation de ces images ? Dans quelle mesure ont-elles joué un rôle majeur dans la constitution de l’orientalisme européen au XIXe siècle ? Telles sont les questions auxquelles nous avons voulu répondre dans cette thèse. Entre 1830 et 1850 la conquête militaire et politique de l’espace algérien s’accompagne de la diffusion de créations textuelles et visuelles (estampes, dessins, peintures, photographies et sculptures) qui modèlent ce territoire. En quelques décennies, un déploiement de représentations et de formes contradictoires, relativement autonomes, atteint le public européen. La circulation de ces motifs orientalistes profite de l’expansion des procédés industriels dans le domaine des productions visuelles. Ces images sont chargées d’affects qui investissent jusqu’ à aujourd’hui nos différents regards. Comprendre la genèse de ces images suppose d’interroger les rapports complexes entre producteurs de formes artistiques et autorités militaires et politiques qui imposent le nouveau cadre colonial en Algérie. La plupart des artistes à qui l’on doit les images les plus fortes dans la culture visuelle du XIXe siècle se sont en effet enrôlés aux côtés des militaires. Il a fallu retracer le parcours des créateurs qui ont rapporté d’Algérie leurs expériences les plus proches du terrain, élaborant des représentations qui appartiennent certes aux fantasmes « orientalistes », mais reposent aussi sur des perceptions de la réalité
Many artists followed the Army of Africa after the conquest of Algiers in 1830. What corpus of pictures did these artists constitute and how did they achieve it? How did these pictures get around? To what extent did they play a role in the formation of the European orientalism during the XIXe century? These are the questions we wanted to answer in this thesis. Between 1830 and 1850 the military and political conquest of the Algerian space comes with the diffusion of textual and visual creations (engravings, drawings, paintings, photographs and sculptures) that shaped the algerian territory. In a few decades, a spreading of contradictory and relatively autonomous representations reached the European public. The circulation of these orientalist features took advantage of the expansion of the industrial processes in the domain of image-making. The affects carried by these pictures influenced our gaze durably, and are still active today. Any understanding of the genesis of these pictures implies a review of the complex relationships between image-makers, and military or political authorities that imposed the new colonial setting in Algeria. Most artists to whom one owes the strongest pictures of the XIXe century visual culture were themselves enlisted among the soldiers. This work argues that it has become a necessity to trace back the path of these artists and image-makers that returned from Algeria with their experiences of the land, elaborating representations that belong without any doubt to the ‘orientalists’ fantasies, but also rest upon a particular perception of reality

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Lagou, Ioanna. "L'iconographie de l'enfance dans l'aire byzantine à l'époque des Paléologues." Paris, EPHE, 2009. http://www.theses.fr/2009EPHE5026.

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Abstract:

Cette thèse traite l’iconographie de l’enfance à travers l’image de trois types d’enfants : l’enfant impérial, l’enfant noble et l’enfant anonyme. Les deux premiers apparaissent souvent dans des portraits familiaux ; l’image de l’enfant anonyme est étudiée dans certaines scènes christologiques, dans la représentation des enfants auprès de saints personnages ou encore dans des scènes inspirées par la liturgie. Le statut de l’enfance est brièvement étudié dans le premier chapitre, tandis que les deux chapitres suivants analysent la présence des enfants dans l’imagerie, tous supports confondus, à l’aide de divers exemples, et le cas échéant, à l’aide des témoignages textuels de l’époque. Certains exemples ont plus longuement retenu l’attention : ceux pour lesquels est proposée une nouvelle interprétation, tel le portrait de la « despotissa » d’Arta Théodora accompagnée d’un petit prince, ou ceux dont la richesse iconographique est remarquable, comme la scène de l’Entrée à Jérusalem. Ce travail n’est pas exhaustif, mais essaie de montrer, à partir de l’étude de l’iconographie enfantine, quels étaient la place et le rôle des enfants dans la société byzantine à l’époque paléologue. Leur image est en effet le reflet d’une période en plein bouleversement politique et social, pendant laquelle l’individu trouve de nouvelles voies d’émancipation et qui laisse plus de place à l’initiative des donateurs et des artistes. La production artistique propose de nouvelles formules ou revisite celles déjà établies dans le répertoire iconographique. Dans ce cadre, la présence de l’enfance est constante et porte des messages qui lui sont propres
Subject of the present study, concerned with the iconography of childhood, is the illustration of three types of children: the imperial, the noble and the common. The first two types are often traced in family portraits; the common child icon is mainly studied in Christological scenes, in scenes with saints and in scenes portraying certain liturgical activities. In the first chapter the status of children within society is briefly addressed, while in chapters two and three using a variety of works of art as example, supported also, when that possible, by textual evidence of the period that produced them, a more thorough analysis of the presence of children in the iconography is attempted. Some of these are analysed in more detail as arguments establishing a new interpretation of scenes arise, as is the case of the portrait of “Despotissa” of Arta Theodora who is depicted with a little prince or others because of their remarkable iconographical theme, such as the composition of the Entry into Jerusalem. This study is not exhaustive, but it is an effort to understand, through the iconography of childhood, which was the place and role of children in the byzantine society of Paleologan times. The icon of children is the product of a period of constant changes in both the political and social field where the individual finds new means of emancipation, and donors, as well as artists, have more often the opportunity to take initiatives. The artistic production proposes new iconographic formulas or revisits the old ones. In this context, the presence of children is constant and manifests its own value

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Bégasse, Hubert. "L'esthétique de la simultanéité dans la peinture de Robert Delaunay." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010689.

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Chen, Shu-Hwa. "Les Bohémiens dans l'art français au XVIIème siècle." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010627.

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Abstract:

Cette thèse propose une étude historique et iconographique du bohémien en Europe et plus particulièrement dans la société française du XVIIème siècle. Nous avons divisé notre travail en deux parties bien distinctes, à savoir une partie historique et sociologique, et une autre partie strictement iconographique. Dans une première partie, nous avons proposé d'étudier l'histoire et les spécificités de ce peuple mythique à travers les témoignages historiques et littéraires. Cette étude typologique des bohémiens dans l'ancienne France nous aide à comprendre les sources d'inspiration dont disposent les artistes. En groupes ou individualisés, que ce soit comme personnage principale ou simplement comme personnage secondaire intégré dans la composition, les bohémiens marquent plus que jamais de leur empreinte les arts plastiques que nous avons étudiés dans un second temps. Nous avons distingué deux grands types d'œuvres : œuvres profanes et œuvres religieuses. Dans l'un et l'autre cas, l'artiste utilise la plupart du temps la figure du bohémien à des fins moralisantes. La remarquable présence du bohémien dans l'iconographie reflète en effet l'imaginaire et la spiritualité des sociétés occidentales au XVIIème siècle
This thesis is proposing un historic and iconographical study about bohemian in Europe and most particularly in the french society during the seventeenth century. We have divided our work into two distincthy parties, i. E. One side historic and sociological and the other side structhy iconographical. On the first side, we have proposed to study the history and the specificities about those mythical people through the historical and the literary statements. This typological study about bohemians in the ancient france helped us to understand the sources inspirations whose artists disposed. If they form groups or if they developped a personality of one's own, even as a leading or as a secondary person intergrated in the plastic arts which we have study in the second part. We have distinguished two big kind of works : profane works and religions. In one case or in another, the artist is using the most of times the bohemian figure with a moralizing objective. The remarkable presence of the bohemian in the iconography is mirrored the imaginaires and the spirituality of the occidenta societies at the seventeenth century

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Decanis, Gilles. "Dédoublements et redoublements photographiques." Aix-Marseille 1, 2005. http://www.theses.fr/2005AIX10046.

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Abstract:

L'étude de la figure du double au sein des photographies artistiques met en lumière la véritable nature du média argentique. Multipliée, l'image apparaît comme un motif reproduit, plat et, malgré son apparente crédibilité, dépossédé de son autorité. Plus elle décrit précisément l'irréel et moins la précision qui est la sienne demeure un gage de réalisme,. Ainsi, le double utilisé comme sujet et assumé comme illusion invalide l'illusion du double et de la photographie comme double du réel. Les trucages de certaines images nous font par ailleurs toucher du doigt la différence entre l'impression de réel caractérisant la photographie et l'adéquation au visible que suppose le réalisme. En comparant la photographie et la figure du double, on voit qu'elles sont inassimilables. Cependant, l'image peut aussi être prise comme un double parce qu'elle devient un substitut, une représentation qui bénéficie d'une apparence objective pour se donner pour le reflet du réel, alors qu'elle le reconstitue.

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Dumas, Robert. "Traité de l'arbre." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010651.

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Abstract:

Ce traité de l'arbre rend compte de la pregnance de l'arbre dans la culture occidentale, de sa présence permanente même si c'est sous des formes differentes. Materiellement d'abord les hommes ne se sont civilisés que par la multiplicité des rapports qu'ils ont entretenus avec les arbres, conditions de leur chauffage, de leur habitation et de leur navigation. Sans doute faut-il comprendre l'insistance du symbole de l'arbre dans les religions comme une reconnaissaance de dettes sinon comme l'intuition d'un savoir à venir, dont les métaphores litteraires ou les analogies philosophiques donnèrent les premieres traductions non sacrées. La tardive naissance d'une science des arbres éclairé comment l'état en France a gouverné les arbres: une perspective cavalière de l'histoire des rapports entre les arbres et l'état manifeste bien les préoccupations, les savoirs et les stratégies qui permettent de confirmer l'histoire des types d'etats proposes par des historiens de la puissance publique. Enfin toutes ces analyses suscitent un étonnement puisque ce n'est qu'au XIXe siècle que l'arbre triomphe dans l'espace représentatif des tableaux tout en contribuant à la ruine du système pictural qui le fête enfin, et qu'il finit par livrer les secrets chimiques qui conditionnent sa vie. La rationalité tard venue justifie la célébration de l'arbre, qui quitte son rôle de support ou de motif pour devenir un monde plastique se suffisant à lui-même.

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Dissertations / Theses on the topic 'Art de la Renaissance – Thèmes, motifs'

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