Academic literature on the topic 'Art de performance – États-Unis – 20e siècle'

Nous avons interrogé dans cette recherche les liens politiques et esthétiques entre la performance artistique et les discours féministes à partir de l'analyse critique d'un collectif artistique et féministe nord-américain des années 70 et 80, le Feminist Art Program. Nous avons situé, dans un premier temps, cette recherche sur l'art et le féminisme dans un contexte épistémologique de diffusion de la théorie queer aux États-Unis puis en Europe, théorie qui a favorisé les rapprochements entre la performance et les questions d'identité de genre et de sexe. Nous avons considéré ensuite une autre lecture des performances féministes en les considérant comme des productions relevant de conventions, de contextes d'apparition et d'échanges configurant des alternatives pour un être-ensemble. L'expérience collective du Feminist Art Program est à ce titre un exemple singulier. Nous nous sommes enfin attachés à montrer que la pratique artistique et féministe n'est pas réservée aux seules problématiques de la femme et du genre, mais bien au contraire participent à une politique globale capable de questionner la société dans son ensemble
We questioned political and aesthetic links between artistic performance and feminist speeches from the critical analysis of a North American artistic and feminist collective of the seventies and the eighties, the Feminist Art Program. We located our research about art and feminism, at first, in the epistemologic context of the queer theory's spreading in North America then Europe, a theory who favoured rapprochement between performance and questions of gender identity. We considered then another reading of feminist performances by considering them to be productions being recovering from conventions, from contexts of appearance and from exchanges configurant of alternatives for a group-being. The collective experience of the Feminist Art Program is in this title a peculiar example. We finally set out to show that feminist and artistic practice is not reserved for the only problems of the woman and gender, but on the contrary participates in a global politic which question the society as a whole

"Thèse en cotutelle Doctorat interuniversitaire en histoire de l’art Université Laval Québec, Canada, Philosophiae doctor (Ph.D.) et Université Sorbonne Nouvelle Paris 3, Paris, France, Docteure"
Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2015-2016
Entre les décennies 1960 et 1980 émergent les courants de l’« art de la performance », du « happening », du « body art », de l’« art corporel » ou encore de l’« art de l’action », qui désignent les démarches des nombreux plasticiens qui font directement intervenir le corps, souvent leur propre corps, dans leurs travaux. À travers les productions des acteurs qui soutiennent ces courants le corps est fabriqué comme un sujet légitime d’attention et de valeur. La thèse décrit l’émergence de ces courants artistiques pendant la décennie 1970 en soutenant qu’ils peuvent et doivent être interrogés comme des phénomènes sociaux. En effet, jamais auparavant autant d’acteurs des mondes de l’art visuel n’avaient décidé simultanément de se tourner vers le corps lui-même, et de le mettre à l’œuvre, à l’ouvrage, à l’épreuve. Interroger leurs productions du point de vue du corps peut permettre de dérouler de comprendre en profondeur la présence incisive et percutante du phénomène. Ces courants viennent poser des questions cruciales à l’anatomie du travail créateur : rapports sociaux de sexe, interactions avec les spectateurs, engagements politiques, marchandisation. L’étude, sociohistorique, focalise autour de trois scènes (France, côtes est et ouest des États-Unis) à partir d’un corpus d’archives documentaires (entretiens, critiques, essais, manifestes, notations, photographies). La thèse comprend un volet d’enquête qui mesure la reconnaissance de ces pratiques, un second volet d’histoire institutionnelle et intellectuelle qui décrit les savoir-faire et les modalités d’énonciation liés aux actions et aux événements et enfin, une topographie qui résume les modèles du corps produits par les gestes les raisonnements des artistes et de leurs commentateurs. Mots-clés : Histoire des corps, art de la performance, critique d’art, féminismes, documentation, sociologie historique.
« Performance art », « body art » and « happenings » appeared on the art scene between the 1960s and the 1980s. The human body was at the heart of these artistic movements, to the extent that many artists embodied their own works. Within such creative processes and productions, the body undeniably became a legitimate subject of attention and value. This dissertation describes the initial stages of the art movements aforementioned, and argues that they must be analyzed as sociological phenomena. Never before had such a larger of artists within the same time period decided to focus on the entity of the body itself, to use and misuse it so intensely. Observing their approaches through the lens of the body allows us to voice critical questions about the anatomy of a creative work - gender relations, interactions with the viewers, political commitments, and marketing. This sociohistorical research studies three landmark art scenes of the time (France, the east coast, and the west coast of the USA), by delving into a documentary material of archives (interviews, reviews, essays, manifestos, notations and photographs). The thesis begins with a sociological inquiry which measures the visibility of these artistic movements; it is followed by a history of the institutional and critical apparatus which described the atistic skills and statements at work within body actions and happenings; lastly, the dissertation presents a topography of the workings of the body, drawn from the artists’ performances and theoretical stances, as well as art critics’ viewpoints and analyses. Key Words : body art, avant-gardes, history of the body, feminisms, documentation, historical sociology.

Pour la nouvelle génération d'artistes qu'on voit émerger au cours des années soixante, l'œuvre d'art doit par tous les moyens être restituée au monde de l'action et des relations, sans y perdre sa spécificité et sans jamais reconstituer les divisions qui en faisaient un objet isolé. Une attitude nouvelle se fait jour qui substitue à l'entreprise critique du modernisme une pragmatique complexe, indépendante vis-à-vis des distinctions spécifiques qui structurent le système des arts. Si les transformations qu'elle suscite dans le champ de l'art sont inédites, cette attitude apparut cependant familière aux yeux de plusieurs observateurs attentifs : c'est elle en effet qui faisait déjà la spécificité du pragmatisme au moment de son apparition dans le champ philosophique. Ne demandez pas ce que sont les idées, et tâchez d'observer plutôt ce qu'elles font, disaient les philosophes ; ne demandez pas ce qu'est une œuvre d'art, voyez plutôt ce qu'elle fait, réclament à leur tour les artistes. Une philosophie réputée étrangère par nature aux objets et aux activités artistiques fournit ainsi le modèle opérationnel d'un art qui prend d'un coup la forme d'une activité sauvagement spéculative, et s'empare des tâches qui incombaient jusqu'ici à la philosophie : inventer la cohérence du monde, énoncer l'identité entre la pensée et l'être, inventer de nouvelles manières d'avoir des idées, etc. Dans cette espèce de chassé-croisé, ce qui faisait le propre de la philosophie devient le propre de l'art ; inversement, au moment où l'art prend la forme d'une activité philosophique, la philosophie elle-même apparaît en retour comme activité de construction et méthode générale de création
For the new generation of artists who emerge during the Sixties, the work of art must by any means be returned to the world of action and relationships, without surrendering its specificity, and without recreating the divisions that made it into an isolated object. A new attitude arises, tending to replace the critical enterprise of modernism with a complex, pragmatical approach free from the media-based distinctions structuring the system of the arts. If the transformations this entails in the field of art are unprecedented, it nonetheless struck several keen observers as being familiar: this is precisely the attitude that defined pragmatism when it made its appearance in philosophy. Don't ask what an idea is, ask what it does, said the philosophers; don't ask what the work is, rather see what the work does, the artists now demand. A philosophy usually considered to be foreign to art objects and artistic activities becomes the operational mode! for an art that suddenly tums into a wildly speculative activity, and takes up the tasks that hitherto fell to philosophy: to come up with the world's mode of coherence, to state the identity between thought and being, to invent new ways of having ideas, etc. In this criss-crossing, what was proper to philosophy comes to define the features of art; conversely, while art becomes a philosophical activity, philosophy itself now appears as an activity of construction and general method of creation

Le contexte artistique californien de la fin des années 60 et du début des années 70 constitue un terrain favorable aux investigations d’une nouvelle génération d’artistes, même s’il ne bénéficie pas de réels soutiens logistiques marchands ou institutionnels. L’art conceptuel promu à la même époque par Seth Siegelaub à New York prépare une alternative à l’art minimal. Ce phénomène a déjà son équivalent en Europe. La dématérialisation de l’oeuvre d’art aura des conséquences décisives en Californie, où elle donnera naissance à un art conceptuel dénué de tout dogmatisme marqué par l’influence de fortes personnalités comme Edward Ruscha et John Baldessari. Des artistes originaires de la côté est comme Douglas Huebler, William Wegman, Robert Cumming, du Midwest comme Ruppersberg trouveront de l’autre côté des États-Unis des conditions de travail plus stimulantes. Des Européens comme Bas Jan Ader ou son complice Ger van Elk suivront le même chemin. Leurs oeuvres ne trouveront pas immédiatement sur place une grande visibilité. Mais après une éclipse d’une quinzaine d’années, voici qu’une nouvelle génération d’artistes européens (citons des artistes comme Claude Closky, en France, ou Jonathan Monk, en Angleterre) se penche sur ces grand frères et les place au premier rang de leurs références. À partir d’exemples sélectionnés d’artistes et d’un corpus de textes constitué depuis le début des années 90, que j’ai écrits pour différents catalogues d’expositions, revues, éditeurs, l’objet de cette thèse est de présenter ce dialogue entre les générations et de mettre en évidence certaines convergences malgré la dissemblance des contextes institutionnels et sociétaux
The art scene in California in the late 1960s and early 1970s established favourable terrain for the investigations of a new generation of artists, even if it did not enjoy any real logistical support, be it from the art trade or from institutions. The conceptual art promoted at the same time by Seth Siegelaub in New York prepared an alternative to Minimal art. This phenomenon already had its equivalent in Europe. The dematerialization of the work of art would have decisive consequences in California, where it gave rise to a Conceptual art stripped of any dogmatism and marked by the influence of powerful personalities like Ed Ruscha and John Baldessari. East coast artists such as Douglas Huebler, William Wegman, and Robert Cumming, plus Ruppersberg in the Midwest, would find more stimulating working conditions on the other side of the United States. Europeans like Bas Jan Ader and his colleague Ger van Elk would follow the same path. Their works would not find any immediate on-the-spot visibility, but after a gap of about fifteen years, a new generation of European artists (let us mention artists like Claude Closky, in France, and Jonathan Monk, in England) leaned on those older brothers and elevated them to the rank of primary references. Using selected examples of artists and a corpus of texts put together since the beginning of the 1990s, written for various exhibition catalogues, reviews and publishers, the aim of this thesis is to introduce this dialogue between generations and shed light on certain convergences despite the disparity of institutional and societal contexts

Dans les années dix-neuf-cent-soixante, un groupe d’artistes de Los Angeles entamèrent une démarche de réduction esthétique qui abouti à la création du Minimalisme de la Cote Ouest des États-Unis. L’utilisation de matériaux et procédés novateurs, souvent d’origine industrielle, a été un élément crucial de leur pratique artistique. Cette thèse de doctorat étudie les matériaux et procédés utilisés par quatre pionniers du Minimalisme de la Cote Ouest, Larry Bell, Robert Irwin, Craig Kauffman and John McCracken. On y montre combien les matériaux ont jour un rôle essentiel dans le développent de ces artistes notamment dans le passage de la peinture a la création d’objets hybrides peinture/sculpture. On y montre également que la relation de ces artistes avec l’aspect technique de leur travail n’était pas uniquement pragmatique mais avait au contraire un caractère intime et fondamental qui devrait être pris en compte pour la conservation de leurs œuvres
In the 1960s, a group of Los Angeles based artists embarked on a reductive process that led to the creation of a distinct aesthetic, often referred to as West Coast Minimalism. The use of innovative materials and processes, often borrowed from the industrial world has been a critical element of their artistic innovation. This doctoral thesis focuses on the use of materials and processes by four pioneers of West Coast Minimalism, Larry Bell, Robert Irwin, Craig Kauffman and John McCracken. The thesis contends that materials and processes played a crucial role in prompting these artists to transition from paintings to objects that were hybrid painting – sculpture, and in making their practice an avant-garde one. The thesis also demonstrates their intimate and first-hand involvement with their process and suggest that this should be taken into account when deciding how to approach the conservation of their work

Pour mieux cerner l'optique en laquelle la grande peinture américaine fut élaborée après la Seconde Guerre mondiale , cette étude élargit la focale par l'examen conjoint des œuvres de Barnett Newman et de Jackson Pollock. Sous des aspects contraires, les deux veulent en effet créer chez le spectateur un sens du lieu et lui rendre sensible la constitution de l'espace au lieu de lui en donner des représentations. Rouvrant le débat sur le modernisme entamé par Clément Greenberg, la thèse admet que cette peinture tient sa spécificité de ses réponses à la crise du tableau de chevalet diagnostiquée par le critique, et voit comme elle prend en compte la question de la place du spectateur étudiée par Michael Fried dans la continuité de celui-ci. Elle affirme cela dit la nécessité d'une approche philosophique de la construction picturale du lieu qui soulève des questions touchant à la spatialisation, au passage d'une forme « à priori » de la sensibilité à des formes sensibles, à la position puis à la réforme du sujet dans sa relation avec l'objet. La réflexion part ainsi du kantisme pour en dépasser les cadres stricts, naviguant entre l'idéalisme transcendantal et la phénoménologie. Elle croise les références à Fichte, Husserl et Lévinas avec celles de l'esthétique et de l'histoire de l'art, en prenant soin de les ancrer dans l'analyse d'oeuvres singulières. Elle espère ainsi mieux saisir la façon dont ces œuvres produisent du sens hors des voies de l'iconographie et déterminer les significations historiques qui s'y rattachent. Une définition plus large du modernisme est ici en jeu, ainsi qu'une conception de l'abstraction qui en affirme le socle anthropologique et la fonction cognitive.

Le travail s'attache à resituer historiquement et culturellement l'art dit minimal, à interroger ses postulats esthétiques et à discerner ses limites théoriques. Une première partie concerne son émergence sur la scène artistique américaine. Dans les années 50, quelques artistes post-expressionnistes ont déjà orienté la sculpture vers une rigueur géométrique et une simplification formelle autant que productive. Ainsi ont-ils ouvert la voie, conjointement à la peinture formaliste, à un art auto-analytique, préoccupé par la réduction de ses moyens d'expression. D'autre part, à l'orée des années soixante, nombre d'artistes, toutes pratiques confondues mettent en jeu des notions telles que la littéralité, la neutralité, la sérialité ou la participation du spectateur, afin de dégager la création de la subjectivité individuelle. Une deuxième partie vise à mieux circonscrire un style sculptural, typique de la première moitié des années 60, appelé ici le style minimaliste. Il s'agit alors de dresser une typologie regroupant les œuvres par affinités formelles et conceptuelles. Cette méthode vise à faire ressortir l'extrême diversité, voire l'hétérogénéité de ce style. Certains artistes l'ont traversé, d'autres l'ont adopté pour mieux le critiquer. À l'intérieur de ce vaste ensemble peu d'œuvres peuvent effectivement paraitre minimales. Mais ces "objets spécifiques" posent alors la question de l'art en dehors des limites catégoriques traditionnelles. La troisième partie est consacrée à la définition de la notion de minimalité et à l'examen de ses enjeux théoriques. L'art minimal apparait dès lors comme une manifestation concrète de problèmes esthétiques qui lui sont contemporains. En dernier lieu, il s'agit de problématiser la minimalité par rapport à son héritage européen moderne et à la culture spécifiquement américaine dont elle est aussi et surtout le reflet.

Entre le début des années 70 et la fin des années 80, New York va ainsi connaître une parenthèse enchantée (ou cauchemardesque) dans laquelle vont venir s'engouffrer les artistes attirés par les faibles loyers qu'une ville au bord du gouffre offre aux créateurs de tous horizons, et dont nous entendons ici la multiplicité des voix, dans lesquelles nous percevons la démesure d'une passion inconditionnelle. L'histoire et la géographie de New York nous amène donc à comprendre en quoi la même violence traverse aussi bien les compositions de Richard Hell, les peintures de Joe Coleman, les sculptures d'Alan Vega, les performances de Karen Finley, les concerts de G. G. Allin, les films de Nick Zedd et Richard Kern et les photographies de Lydia Lunch, en quoi les métamorphoses du corps sont au centre aussi bien de la musique flamboyante des New York Dolls que des monstrueuses poupées de Greer Lankton, des imprécations de Patti Smith que des installations de Kim Gordon, et en quoi une certaine forme d'ironie fut à la fin des années 70 une planche de salut face au chaos de la ville aussi bien pour les Ramones que pour George Condo, pour Arto Lindsay que pour les images du magazine Punk. .
Starting with the mid seventies, New York City is in ruin, facing bankruptcy, at the same time this situation allows many artists to move in the abandoned lofts and give birth to what we can describe as the downtown art scene : bringing together pop art and pop music, following in the footsteps of Andy Warhol and The Velvet Underground. Our aim is therefore to answer the following questions : to what extent can Lou Reed or Patti Smith's pictures be considered as part of a wider form of expression involving music, stage and poetry ; how does David Byrne transpose Art & Language into the music of his band Talking Heads, how does Arta Lindsay manage to continue the work of Fluxus, how does Joe Coleman or GG Allin give a new meaning to happenings, how can Kim Gordon invent a form of feminist expression by putting together video, painting and rock; how does the Cinema of Transgression devised by Nick Zedd and Richard Kern influence feminist artists as Karen Finley and Lydia Lunch ? In little more than a decade, the art world in New York therefore moved from rages to riches, from the CBGB and The Lower East Side to Wall Street, before moving nowadays to Brooklyn

Après que James Mc Neill Whistler a renouvelé le genre du paysage de clair de lune en peinture avec ses fameux Nocturnes, les milieux artistiques américains manifestent, au tournant du 20ème siècle, un profond engouement pour la nuit. Alors que les artistes du nocturne, et bon nombre de critiques et d'historiens de l'art à leur suite, s'attachent à distinguer leur art de son environnement matériel, ce travail consiste à replacer les nocturnes dans leur contexte historique, en considérant le rôle qu'ils prennent dans la culture visuelle de leur époque. Alors que le paysage nocturne américain se trouve radicalement altéré par le développement de l'éclairage électrique, le repli des artistes du nocturne vers des scènes de clair de lune rurales et désertes apparaît comme une réaction anti-moderne. Mais au-delà du contexte immédiat de l'électricité, la peinture de la nuit fonctionne comme un espace de représentation permettant de traiter indirectement des changements historiques qui affectent le pays. La première partie de cette étude considère les nocturnes comme une réponse aux transformations qui affectent l'ordre du visuel à la fin du 19ème et au début du 20ème siècles, de la redéfinition des limites entre visible et invisible à la croissance exponentielle du nombre des images, et propose de lire les nocturnes comme une forme d'anti-vision. Une seconde partie envisage la nuit dans ses valeurs métaphoriques, en particulier raciales, dans les discours qui font des Indiens d'Amérique un people voué à disparaitre dans la nuit ou qui promeuvent l'entreprise impérialiste comme une mission éclairée. La troisième et dernière partie de ce projet s'attache aux représentations de la nuit urbaine, montrant comment les artistes du nocturne négocient les reconfigurations des identités sociales par le biais d'une refonte du paysage pictural. Il s'agit ici de démontrer que les nocturnes constituent un art anti-moderne, au sens que Jackson Lears donne à ce terme : s'ils dénotent un certain rejet de la modernité, ils offrent aussi dans une certaine mesure une forme d'adaptation aux changements qu'ils tentent de maintenir à distance. En ce sens, les nocturnes forment un portrait négatif des Etats-Unis au tournant du siècle
While most of the literature about nocturnes has stressed their melancholy qualities, my project is to explain the attraction fin-de-siècle Americans felt for them by looking at their historical context, notably that of the development of electric lighting. Beyond the immediate context of electricity, however, I want to show that night acted as a powerful metaphor in the culture of the time. From the dark continent of imperialism to that of the unconscious, the metaphorical uses of night were pervasive. My dissertation relies on a wide range of examples of nocturne imagery, from popular visual culture to the fine arts, and explores the visual dimension of this metaphor. It examines how night served to address the threatening but also thrilling aspects of the new environment Americans were discovering at the turn of the 20th century