Dissertations / Theses: 'Art de performance – États-Unis – 20e siècle'

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Gourbe, Géraldine. "Prolégomènes à une réflexion sur l'être-ensemble : analyse critique de la performance nord-américaine des années 70-80." Paris 10, 2007. http://www.theses.fr/2007PA100089.

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Abstract:

Nous avons interrogé dans cette recherche les liens politiques et esthétiques entre la performance artistique et les discours féministes à partir de l'analyse critique d'un collectif artistique et féministe nord-américain des années 70 et 80, le Feminist Art Program. Nous avons situé, dans un premier temps, cette recherche sur l'art et le féminisme dans un contexte épistémologique de diffusion de la théorie queer aux États-Unis puis en Europe, théorie qui a favorisé les rapprochements entre la performance et les questions d'identité de genre et de sexe. Nous avons considéré ensuite une autre lecture des performances féministes en les considérant comme des productions relevant de conventions, de contextes d'apparition et d'échanges configurant des alternatives pour un être-ensemble. L'expérience collective du Feminist Art Program est à ce titre un exemple singulier. Nous nous sommes enfin attachés à montrer que la pratique artistique et féministe n'est pas réservée aux seules problématiques de la femme et du genre, mais bien au contraire participent à une politique globale capable de questionner la société dans son ensemble
We questioned political and aesthetic links between artistic performance and feminist speeches from the critical analysis of a North American artistic and feminist collective of the seventies and the eighties, the Feminist Art Program. We located our research about art and feminism, at first, in the epistemologic context of the queer theory's spreading in North America then Europe, a theory who favoured rapprochement between performance and questions of gender identity. We considered then another reading of feminist performances by considering them to be productions being recovering from conventions, from contexts of appearance and from exchanges configurant of alternatives for a group-being. The collective experience of the Feminist Art Program is in this title a peculiar example. We finally set out to show that feminist and artistic practice is not reserved for the only problems of the woman and gender, but on the contrary participates in a global politic which question the society as a whole

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Barbut, Clélia. "Corps à l'oeuvre, à l'ouvrage et à l'épreuve : sociohistorique des arts de la performance, années 1970." Doctoral thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/25980.

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Abstract:

"Thèse en cotutelle Doctorat interuniversitaire en histoire de l’art Université Laval Québec, Canada, Philosophiae doctor (Ph.D.) et Université Sorbonne Nouvelle Paris 3, Paris, France, Docteure"
Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2015-2016
Entre les décennies 1960 et 1980 émergent les courants de l’« art de la performance », du « happening », du « body art », de l’« art corporel » ou encore de l’« art de l’action », qui désignent les démarches des nombreux plasticiens qui font directement intervenir le corps, souvent leur propre corps, dans leurs travaux. À travers les productions des acteurs qui soutiennent ces courants le corps est fabriqué comme un sujet légitime d’attention et de valeur. La thèse décrit l’émergence de ces courants artistiques pendant la décennie 1970 en soutenant qu’ils peuvent et doivent être interrogés comme des phénomènes sociaux. En effet, jamais auparavant autant d’acteurs des mondes de l’art visuel n’avaient décidé simultanément de se tourner vers le corps lui-même, et de le mettre à l’œuvre, à l’ouvrage, à l’épreuve. Interroger leurs productions du point de vue du corps peut permettre de dérouler de comprendre en profondeur la présence incisive et percutante du phénomène. Ces courants viennent poser des questions cruciales à l’anatomie du travail créateur : rapports sociaux de sexe, interactions avec les spectateurs, engagements politiques, marchandisation. L’étude, sociohistorique, focalise autour de trois scènes (France, côtes est et ouest des États-Unis) à partir d’un corpus d’archives documentaires (entretiens, critiques, essais, manifestes, notations, photographies). La thèse comprend un volet d’enquête qui mesure la reconnaissance de ces pratiques, un second volet d’histoire institutionnelle et intellectuelle qui décrit les savoir-faire et les modalités d’énonciation liés aux actions et aux événements et enfin, une topographie qui résume les modèles du corps produits par les gestes les raisonnements des artistes et de leurs commentateurs. Mots-clés : Histoire des corps, art de la performance, critique d’art, féminismes, documentation, sociologie historique.
« Performance art », « body art » and « happenings » appeared on the art scene between the 1960s and the 1980s. The human body was at the heart of these artistic movements, to the extent that many artists embodied their own works. Within such creative processes and productions, the body undeniably became a legitimate subject of attention and value. This dissertation describes the initial stages of the art movements aforementioned, and argues that they must be analyzed as sociological phenomena. Never before had such a larger of artists within the same time period decided to focus on the entity of the body itself, to use and misuse it so intensely. Observing their approaches through the lens of the body allows us to voice critical questions about the anatomy of a creative work - gender relations, interactions with the viewers, political commitments, and marketing. This sociohistorical research studies three landmark art scenes of the time (France, the east coast, and the west coast of the USA), by delving into a documentary material of archives (interviews, reviews, essays, manifestos, notations and photographs). The thesis begins with a sociological inquiry which measures the visibility of these artistic movements; it is followed by a history of the institutional and critical apparatus which described the atistic skills and statements at work within body actions and happenings; lastly, the dissertation presents a topography of the workings of the body, drawn from the artists’ performances and theoretical stances, as well as art critics’ viewpoints and analyses. Key Words : body art, avant-gardes, history of the body, feminisms, documentation, historical sociology.

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Garrault, Antoine. "L'expérience comme art : résurgences du pragmatisme dans les arts aux Etats-Unis : 1965-1973." Thesis, Paris 1, 2020. http://www.theses.fr/2020PA01H005.

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Abstract:

Pour la nouvelle génération d'artistes qu'on voit émerger au cours des années soixante, l'œuvre d'art doit par tous les moyens être restituée au monde de l'action et des relations, sans y perdre sa spécificité et sans jamais reconstituer les divisions qui en faisaient un objet isolé. Une attitude nouvelle se fait jour qui substitue à l'entreprise critique du modernisme une pragmatique complexe, indépendante vis-à-vis des distinctions spécifiques qui structurent le système des arts. Si les transformations qu'elle suscite dans le champ de l'art sont inédites, cette attitude apparut cependant familière aux yeux de plusieurs observateurs attentifs : c'est elle en effet qui faisait déjà la spécificité du pragmatisme au moment de son apparition dans le champ philosophique. Ne demandez pas ce que sont les idées, et tâchez d'observer plutôt ce qu'elles font, disaient les philosophes ; ne demandez pas ce qu'est une œuvre d'art, voyez plutôt ce qu'elle fait, réclament à leur tour les artistes. Une philosophie réputée étrangère par nature aux objets et aux activités artistiques fournit ainsi le modèle opérationnel d'un art qui prend d'un coup la forme d'une activité sauvagement spéculative, et s'empare des tâches qui incombaient jusqu'ici à la philosophie : inventer la cohérence du monde, énoncer l'identité entre la pensée et l'être, inventer de nouvelles manières d'avoir des idées, etc. Dans cette espèce de chassé-croisé, ce qui faisait le propre de la philosophie devient le propre de l'art ; inversement, au moment où l'art prend la forme d'une activité philosophique, la philosophie elle-même apparaît en retour comme activité de construction et méthode générale de création
For the new generation of artists who emerge during the Sixties, the work of art must by any means be returned to the world of action and relationships, without surrendering its specificity, and without recreating the divisions that made it into an isolated object. A new attitude arises, tending to replace the critical enterprise of modernism with a complex, pragmatical approach free from the media-based distinctions structuring the system of the arts. If the transformations this entails in the field of art are unprecedented, it nonetheless struck several keen observers as being familiar: this is precisely the attitude that defined pragmatism when it made its appearance in philosophy. Don't ask what an idea is, ask what it does, said the philosophers; don't ask what the work is, rather see what the work does, the artists now demand. A philosophy usually considered to be foreign to art objects and artistic activities becomes the operational mode! for an art that suddenly tums into a wildly speculative activity, and takes up the tasks that hitherto fell to philosophy: to come up with the world's mode of coherence, to state the identity between thought and being, to invent new ways of having ideas, etc. In this criss-crossing, what was proper to philosophy comes to define the features of art; conversely, while art becomes a philosophical activity, philosophy itself now appears as an activity of construction and general method of creation

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Bonneville, François. "Art populaire-art moderne, une relation." Dijon, 1999. http://www.theses.fr/1999DIJOLA01.

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Paul, Frédéric. "Convergences aventureuses : l’écho des années soixante-dix californiennes sur l’art européen des années quatre-vingt-dix et autres essais sur l’art contemporain." Rennes 2, 2008. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00383238/fr/.

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Abstract:

Le contexte artistique californien de la fin des années 60 et du début des années 70 constitue un terrain favorable aux investigations d’une nouvelle génération d’artistes, même s’il ne bénéficie pas de réels soutiens logistiques marchands ou institutionnels. L’art conceptuel promu à la même époque par Seth Siegelaub à New York prépare une alternative à l’art minimal. Ce phénomène a déjà son équivalent en Europe. La dématérialisation de l’oeuvre d’art aura des conséquences décisives en Californie, où elle donnera naissance à un art conceptuel dénué de tout dogmatisme marqué par l’influence de fortes personnalités comme Edward Ruscha et John Baldessari. Des artistes originaires de la côté est comme Douglas Huebler, William Wegman, Robert Cumming, du Midwest comme Ruppersberg trouveront de l’autre côté des États-Unis des conditions de travail plus stimulantes. Des Européens comme Bas Jan Ader ou son complice Ger van Elk suivront le même chemin. Leurs oeuvres ne trouveront pas immédiatement sur place une grande visibilité. Mais après une éclipse d’une quinzaine d’années, voici qu’une nouvelle génération d’artistes européens (citons des artistes comme Claude Closky, en France, ou Jonathan Monk, en Angleterre) se penche sur ces grand frères et les place au premier rang de leurs références. À partir d’exemples sélectionnés d’artistes et d’un corpus de textes constitué depuis le début des années 90, que j’ai écrits pour différents catalogues d’expositions, revues, éditeurs, l’objet de cette thèse est de présenter ce dialogue entre les générations et de mettre en évidence certaines convergences malgré la dissemblance des contextes institutionnels et sociétaux
The art scene in California in the late 1960s and early 1970s established favourable terrain for the investigations of a new generation of artists, even if it did not enjoy any real logistical support, be it from the art trade or from institutions. The conceptual art promoted at the same time by Seth Siegelaub in New York prepared an alternative to Minimal art. This phenomenon already had its equivalent in Europe. The dematerialization of the work of art would have decisive consequences in California, where it gave rise to a Conceptual art stripped of any dogmatism and marked by the influence of powerful personalities like Ed Ruscha and John Baldessari. East coast artists such as Douglas Huebler, William Wegman, and Robert Cumming, plus Ruppersberg in the Midwest, would find more stimulating working conditions on the other side of the United States. Europeans like Bas Jan Ader and his colleague Ger van Elk would follow the same path. Their works would not find any immediate on-the-spot visibility, but after a gap of about fifteen years, a new generation of European artists (let us mention artists like Claude Closky, in France, and Jonathan Monk, in England) leaned on those older brothers and elevated them to the rank of primary references. Using selected examples of artists and a corpus of texts put together since the beginning of the 1990s, written for various exhibition catalogues, reviews and publishers, the aim of this thesis is to introduce this dialogue between generations and shed light on certain convergences despite the disparity of institutional and societal contexts

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Rivenc, Rachel. "Made in L. A. : the role of materials and processes in the birth of West Coast Minimalism : and implications for its conservation." Versailles-St Quentin en Yvelines, 2013. http://www.theses.fr/2013VERS040S.

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Abstract:

Dans les années dix-neuf-cent-soixante, un groupe d’artistes de Los Angeles entamèrent une démarche de réduction esthétique qui abouti à la création du Minimalisme de la Cote Ouest des États-Unis. L’utilisation de matériaux et procédés novateurs, souvent d’origine industrielle, a été un élément crucial de leur pratique artistique. Cette thèse de doctorat étudie les matériaux et procédés utilisés par quatre pionniers du Minimalisme de la Cote Ouest, Larry Bell, Robert Irwin, Craig Kauffman and John McCracken. On y montre combien les matériaux ont jour un rôle essentiel dans le développent de ces artistes notamment dans le passage de la peinture a la création d’objets hybrides peinture/sculpture. On y montre également que la relation de ces artistes avec l’aspect technique de leur travail n’était pas uniquement pragmatique mais avait au contraire un caractère intime et fondamental qui devrait être pris en compte pour la conservation de leurs œuvres
In the 1960s, a group of Los Angeles based artists embarked on a reductive process that led to the creation of a distinct aesthetic, often referred to as West Coast Minimalism. The use of innovative materials and processes, often borrowed from the industrial world has been a critical element of their artistic innovation. This doctoral thesis focuses on the use of materials and processes by four pioneers of West Coast Minimalism, Larry Bell, Robert Irwin, Craig Kauffman and John McCracken. The thesis contends that materials and processes played a crucial role in prompting these artists to transition from paintings to objects that were hybrid painting – sculpture, and in making their practice an avant-garde one. The thesis also demonstrates their intimate and first-hand involvement with their process and suggest that this should be taken into account when deciding how to approach the conservation of their work

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Crignon, Cyril. "Le "dripping" de Jackson Pollock et le "zip" de Barnett Newman : les deux pôles de construction du lieu dans la peinture "à l'américaine" : pour une approche philosophique de la question." Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010521.

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Abstract:

Pour mieux cerner l'optique en laquelle la grande peinture américaine fut élaborée après la Seconde Guerre mondiale , cette étude élargit la focale par l'examen conjoint des œuvres de Barnett Newman et de Jackson Pollock. Sous des aspects contraires, les deux veulent en effet créer chez le spectateur un sens du lieu et lui rendre sensible la constitution de l'espace au lieu de lui en donner des représentations. Rouvrant le débat sur le modernisme entamé par Clément Greenberg, la thèse admet que cette peinture tient sa spécificité de ses réponses à la crise du tableau de chevalet diagnostiquée par le critique, et voit comme elle prend en compte la question de la place du spectateur étudiée par Michael Fried dans la continuité de celui-ci. Elle affirme cela dit la nécessité d'une approche philosophique de la construction picturale du lieu qui soulève des questions touchant à la spatialisation, au passage d'une forme « à priori » de la sensibilité à des formes sensibles, à la position puis à la réforme du sujet dans sa relation avec l'objet. La réflexion part ainsi du kantisme pour en dépasser les cadres stricts, naviguant entre l'idéalisme transcendantal et la phénoménologie. Elle croise les références à Fichte, Husserl et Lévinas avec celles de l'esthétique et de l'histoire de l'art, en prenant soin de les ancrer dans l'analyse d'oeuvres singulières. Elle espère ainsi mieux saisir la façon dont ces œuvres produisent du sens hors des voies de l'iconographie et déterminer les significations historiques qui s'y rattachent. Une définition plus large du modernisme est ici en jeu, ainsi qu'une conception de l'abstraction qui en affirme le socle anthropologique et la fonction cognitive.

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Mavridorakis, Valérie. "Du minimalisme à l'art minimal : des limites de la sculpture à l'épreuve de l'"objet spécifique" dans l'art américain des années soixante." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010626.

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Abstract:

Le travail s'attache à resituer historiquement et culturellement l'art dit minimal, à interroger ses postulats esthétiques et à discerner ses limites théoriques. Une première partie concerne son émergence sur la scène artistique américaine. Dans les années 50, quelques artistes post-expressionnistes ont déjà orienté la sculpture vers une rigueur géométrique et une simplification formelle autant que productive. Ainsi ont-ils ouvert la voie, conjointement à la peinture formaliste, à un art auto-analytique, préoccupé par la réduction de ses moyens d'expression. D'autre part, à l'orée des années soixante, nombre d'artistes, toutes pratiques confondues mettent en jeu des notions telles que la littéralité, la neutralité, la sérialité ou la participation du spectateur, afin de dégager la création de la subjectivité individuelle. Une deuxième partie vise à mieux circonscrire un style sculptural, typique de la première moitié des années 60, appelé ici le style minimaliste. Il s'agit alors de dresser une typologie regroupant les œuvres par affinités formelles et conceptuelles. Cette méthode vise à faire ressortir l'extrême diversité, voire l'hétérogénéité de ce style. Certains artistes l'ont traversé, d'autres l'ont adopté pour mieux le critiquer. À l'intérieur de ce vaste ensemble peu d'œuvres peuvent effectivement paraitre minimales. Mais ces "objets spécifiques" posent alors la question de l'art en dehors des limites catégoriques traditionnelles. La troisième partie est consacrée à la définition de la notion de minimalité et à l'examen de ses enjeux théoriques. L'art minimal apparait dès lors comme une manifestation concrète de problèmes esthétiques qui lui sont contemporains. En dernier lieu, il s'agit de problématiser la minimalité par rapport à son héritage européen moderne et à la culture spécifiquement américaine dont elle est aussi et surtout le reflet.

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Wadlow, Justin S. "Sound + Vision : scène musicale et scène artistique à New York,1967-1984." Amiens, 2014. http://www.theses.fr/2014AMIE0010.

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Abstract:

Entre le début des années 70 et la fin des années 80, New York va ainsi connaître une parenthèse enchantée (ou cauchemardesque) dans laquelle vont venir s'engouffrer les artistes attirés par les faibles loyers qu'une ville au bord du gouffre offre aux créateurs de tous horizons, et dont nous entendons ici la multiplicité des voix, dans lesquelles nous percevons la démesure d'une passion inconditionnelle. L'histoire et la géographie de New York nous amène donc à comprendre en quoi la même violence traverse aussi bien les compositions de Richard Hell, les peintures de Joe Coleman, les sculptures d'Alan Vega, les performances de Karen Finley, les concerts de G. G. Allin, les films de Nick Zedd et Richard Kern et les photographies de Lydia Lunch, en quoi les métamorphoses du corps sont au centre aussi bien de la musique flamboyante des New York Dolls que des monstrueuses poupées de Greer Lankton, des imprécations de Patti Smith que des installations de Kim Gordon, et en quoi une certaine forme d'ironie fut à la fin des années 70 une planche de salut face au chaos de la ville aussi bien pour les Ramones que pour George Condo, pour Arto Lindsay que pour les images du magazine Punk. .
Starting with the mid seventies, New York City is in ruin, facing bankruptcy, at the same time this situation allows many artists to move in the abandoned lofts and give birth to what we can describe as the downtown art scene : bringing together pop art and pop music, following in the footsteps of Andy Warhol and The Velvet Underground. Our aim is therefore to answer the following questions : to what extent can Lou Reed or Patti Smith's pictures be considered as part of a wider form of expression involving music, stage and poetry ; how does David Byrne transpose Art & Language into the music of his band Talking Heads, how does Arta Lindsay manage to continue the work of Fluxus, how does Joe Coleman or GG Allin give a new meaning to happenings, how can Kim Gordon invent a form of feminist expression by putting together video, painting and rock; how does the Cinema of Transgression devised by Nick Zedd and Richard Kern influence feminist artists as Karen Finley and Lydia Lunch ? In little more than a decade, the art world in New York therefore moved from rages to riches, from the CBGB and The Lower East Side to Wall Street, before moving nowadays to Brooklyn

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Valance, Hélène. "Au filtre de la nuit : le nocturne dans l'art américain, 1890-1917." Paris 7, 2012. http://www.theses.fr/2012PA070069.

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Abstract:

Après que James Mc Neill Whistler a renouvelé le genre du paysage de clair de lune en peinture avec ses fameux Nocturnes, les milieux artistiques américains manifestent, au tournant du 20ème siècle, un profond engouement pour la nuit. Alors que les artistes du nocturne, et bon nombre de critiques et d'historiens de l'art à leur suite, s'attachent à distinguer leur art de son environnement matériel, ce travail consiste à replacer les nocturnes dans leur contexte historique, en considérant le rôle qu'ils prennent dans la culture visuelle de leur époque. Alors que le paysage nocturne américain se trouve radicalement altéré par le développement de l'éclairage électrique, le repli des artistes du nocturne vers des scènes de clair de lune rurales et désertes apparaît comme une réaction anti-moderne. Mais au-delà du contexte immédiat de l'électricité, la peinture de la nuit fonctionne comme un espace de représentation permettant de traiter indirectement des changements historiques qui affectent le pays. La première partie de cette étude considère les nocturnes comme une réponse aux transformations qui affectent l'ordre du visuel à la fin du 19ème et au début du 20ème siècles, de la redéfinition des limites entre visible et invisible à la croissance exponentielle du nombre des images, et propose de lire les nocturnes comme une forme d'anti-vision. Une seconde partie envisage la nuit dans ses valeurs métaphoriques, en particulier raciales, dans les discours qui font des Indiens d'Amérique un people voué à disparaitre dans la nuit ou qui promeuvent l'entreprise impérialiste comme une mission éclairée. La troisième et dernière partie de ce projet s'attache aux représentations de la nuit urbaine, montrant comment les artistes du nocturne négocient les reconfigurations des identités sociales par le biais d'une refonte du paysage pictural. Il s'agit ici de démontrer que les nocturnes constituent un art anti-moderne, au sens que Jackson Lears donne à ce terme : s'ils dénotent un certain rejet de la modernité, ils offrent aussi dans une certaine mesure une forme d'adaptation aux changements qu'ils tentent de maintenir à distance. En ce sens, les nocturnes forment un portrait négatif des Etats-Unis au tournant du siècle
While most of the literature about nocturnes has stressed their melancholy qualities, my project is to explain the attraction fin-de-siècle Americans felt for them by looking at their historical context, notably that of the development of electric lighting. Beyond the immediate context of electricity, however, I want to show that night acted as a powerful metaphor in the culture of the time. From the dark continent of imperialism to that of the unconscious, the metaphorical uses of night were pervasive. My dissertation relies on a wide range of examples of nocturne imagery, from popular visual culture to the fine arts, and explores the visual dimension of this metaphor. It examines how night served to address the threatening but also thrilling aspects of the new environment Americans were discovering at the turn of the 20th century

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Power, Susan. "Les expositions surréalistes en Amérique du Nord : terrain d'expérimentation, de réception et de diffusion (1940-1960)." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010606.

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Abstract:

Se concentrant sur les trois expositions internationales du surréalisme organisées sur le continent nord-américain entre 1940 et 1960, cette étude examine les points où ces manifestations se croisent avec les pratiques et les discours culturels locaux. Les questions identitaires, de la réception, de la traduction, et de la diffusion sont au cœur de cette analyse, qui explore comment les dimensions transculturelle et transnationale du mouvement surréaliste se négocie aux Amériques. Les différences géopolitiques, lourdes des propos nationalistes et impérialistes, nés du colonialisme et réactivés par les hostilités globales, se jouent également sur le terrain culturel. Les expositions internationales du surréalisme – Exposición Internacional del Surrealismo, First Papers of Surrealism and Surrealist Intrusion in the Enchanters' Domain – offrent ainsi une « zone de contacts », un espace mitoyen et un catalyseur de rencontres, de débats, de mutation et de dissémination. La réception initiale du surréalisme dans les années 1930 fournit l'arrière plan des expositions à Mexico et New York, en 1940 et 1942 respectivement. Ces événements amplifient les différences et les contradictions inhérentes à la transmission des idéaux du mouvement. Pendant les années 1940 et 1950, la promotion institutionnelle et commerciale s'accroît et se répand géographiquement vers la côte ouest, à Chicago et à Houston, un phénomène lié au déclin de l'intérêt pour le mouvement à New York. Eclipsé par l'expressionnisme abstrait américain dans l'après-guerre, le surréalisme revient néanmoins sur la scène new yorkaise au début des années 1960, ce qui témoigne de son dynamisme et de son influence.

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Fujie, Atsushi. "Le land art américain et les notions de pittoresque et de sublime." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010577.

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Abstract:

Nous montrons le parallélisme des concepts et des images entre le land art américain, mouvement de l'avant-garde artistique de la seconde moitié du XXe siècle, et les notions de pittoresque et de sublime, concepts polysémiques développés par la philosophie du XVIIIe siècle
We have shown the parallelism of the concepts and the images between american land art, the avant-garde movement of the XXth century, and the notions of the picturesque and the sublime, polysemiotical concepts of the XVIIIth century philosophy

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Donatien-Yssa, Patricia. ""Africobra" : esthétique et idéologie de l'expression plastique noire-américaine." Tours, 1995. http://www.theses.fr/1995TOUR2009.

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Abstract:

Africobra, esthétique et idéologie de l'expression plastique noire-américaine, retrace l'évolution de la peinture et de la sculpture dans la communauté noire des Etats-Unis de l'esclavage à 1960, en insistant tout particulièrement sur les changements esthétiques apparus durant la renaissance de Harlem et la période révolutionnaire des années 60 et 70. Ce travail explore l'esthétique et l'idéologie des arts plastiques afro-américains, essentiellement entre les années 60 et 80, plus précisément à travers l'étude de l'œuvre du groupe Africobra, groupe de dix plasticiens noirs très impliques dans le combat politique des décennies 60 et 70 et dans la recherche de nouveaux concepts esthétiques. Il s'intéresse principalement au problème de l'identité culturelle et du rapport qui existe entre le discours idéologique et le langage pictural, en montrant comment les membres du groupe Africobra, du fait de leurs convictions philosophiques et politiques, ont puisé dans les traditions afro-américaines et africaines pour créer un art ouvert sur la contemporanéité et reflétant leur souci esthétique
Africobra, aesthetics and ideology of afro-american visual arts relates the evolution of painting and sculpture in the black community of the united states from slavery to 1960. It particularly insists on the aesthetic changes that took place during the Harlem renaissance and the revolutionary period of the 60's and 70's. This work examines the aesthetics and the ideology of the afro-american visual arts, essentially between the 60's and the 80’s. More precisely through the study of the works of the Africobra group, a group of then black artists who were deeply involved in the political struggle of the 60's and 70's and in the search for new aesthetic concepts. It also takes an active interest in the problem of the cultural identity and in the relation that exists between the ideological discourse and the pictural language, showing how the members of Africobra urged by their philosophical and political convictions have drawn from the afro-american and african traditions to create an art opened on contemporaneousness and reflecting their aesthetic aspirations

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Fraixe, Catherine. "Art français ou art européen ? : l'histoire de l'art moderne en France : culture, politique et récits historiques, 1900-1960." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0115.

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Abstract:

Cette thèse analyse une série d'« histoires de l'art moderne» diffusées en France de 1900 à 1960 comme un « hypertexte» dont les mutations ne se comprennent qu'à la lumière des reconfigurations politiques d'une même question, à savoir la forme de la communauté qu'ils tentent de définir. Entre la nation et l'Europe, le peuple et les élites, les « ethnies» et les « races», ces « histoires» établissent jusqu'à la Seconde Guerre mondiale des liens complexes, et des distinctions tranchées. Le modèle organiciste testé par la III e République vers 1900 puis au Salon d'Automne structure durant trois décennies un récit qui, selon le cas, se réfère à la psychologie des peuples ou privilégie l'activité créatrice d’une élite, héritière, selon l'Action française, d'un Occident latin. Le modèle impérialiste de l'Europe française chère aux maurrassiens coexiste à la fin des années 1920 avec un récit mettant l'accent sur les caractéristiques « ethniques» de chaque « peuple européen ». Au début des années 1930; enfin, le mythe politique d'un Occident latin cède le pas à la vision biologique d'une Europe latine composée de groupes ethniques appartenant au même « type racial ». Une nouvelle « histoire de l'art» diffuse bientôt les mêmes mots d'ordre que les divers fascismes européens. L'« histoire de l'art moderne », centrée sur des avant-gardes internationales exprimant les valeurs du monde libre, que des groupes américains et européens tentèrent d'imposer au début des années 1950, ne pouvait dès lors qu'entrer en conflit avec les représentations de la nation mais aussi celles d'une Europe supranationale, ethno-raciale, qui avaient dominé l'entre-deux-guerres
This thesis studies a series of « histories of modern art », which circulated in France between 1900 and 1960, as a « hypertext» whose transformations can be understood as political reinterpretations of the same question, that is the form of the community they« describe ». Thus in the first half of the XX th Century, those narratives establish complex relations, and sharp distinctions, between «nation» and «Europe », «people» and «elites », «ethnic groups» and «races ». The organicist model the Third Republic favoured around 1900 and which triumphed al the Salon d'Automne would structure during three decades a narrative which referred either to the so-called psychology of the peoples or to the creative power of an elite, which according to the Action française, would save a Western Civilisation rooted in a Latin tradition. At the end of 1920s, the imperialist model of a « French Europe », dear to the maurrassians, coexisted with a narrative stressing the ethnic caracteristics of each « Europeân people ». Ln the early 30s, the political myth of a Latin Civilisation was at last dispeIIed in favour of the biological conception of a « Latin Europe » composed of ethnie groups belonging to the same « racial type ». A new « history of art» was designed to spread ideas similar to those of the diverse European fascisms. The «history of modern art », focused on international avant-gardes expressing the values of the « free world », that American and European groups tried to impose in the early 1950s, would then conflict not only with nationalist representations but also with the supranational, ethno-racial, « European » models of the interwar period

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Rannou, Agnès. "Edward Hopper et le réalisme américain." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082127.

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Abstract:

La thèse aborde la question du réalisme dans la peinture américaine et tout particulièrement dans celle d'Edward Hopper. Le réalisme américain apparaît comme une manifestation de tendances qui n'ont cessé de se frayer une voie à travers toute l'histoire de l'art américain. Ces tendances répondent à la nécessité d'aborder résolument, afin de tenter de la définir, la nature de l'environnement américain, tant intellectuel que purement matériel, mais aussi de se démarquer de l'Europe, pour mieux saisir la quintessence d'une sensibilité particulière. Les thèmes traités par l'art réaliste des Etats-Unis résultent autant de l'expérience quotidienne que de son ancrage dans un contexte culturel spécifiquement américain. Parmi les grands repères de la peinture réaliste américaine, Edward Hopper occupe une place privilégiée. En effet, cet artiste a dépeint l'Amérique avec une force et une acuité étonnantes, parvenant à faire émerger une image devenue presque mythique de son pays. Notre attention s'est portée sur la question suivante : généralement connu et cité comme l'un des plus grands peintres réalistes américains du XX ème siècle, voire le plus important, pouvons-nous toujours considérer Edward Hopper comme un peintre réaliste ? Evoluant dans un monde en perpétuel quête de l'image et du visuel, où les influences et les interactions sont nombreuses et diffuses, la thèse tente également de montrer et de comprendre pour quelles raisons les compositions d'Edward Hopper, dans lesquelles se révèle la traduction d'une " américanité ", aient pu influencer le travail de quelques artistes contemporains
This doctoral thesis deals with realism in American painting, most particularly in Edward Hopper's painting. American Realism may be seen as a series of trends that have been making their way through American art history. These trends answer be need to approach thouroughly the nature of both intellectual and purely material American environment, in an attempt to define it, and at the same time to stand apart from Europe so as to understand the essence of this its particular sensibility better. The themes treated by realist art in the United States find their source in everyday experience as much as in their being part of a specifically American cultural context. Edward Hopper stands at a privileged place among the most important step stones of American realist painting. He painted America with amazing strengh and precision, managing to give birth to an almost mythical image of his country. Attention was particularly paid to the following question : Edward Hopper is commonly known and spoken of as one of the most, if not the most, important American realist painters of the twentieth century, but is it still relevant today to think of him as a " realist " painter ? As Edward Hopper's work is part of a world in need of, and so continually seeking images and visual effects, a world following the rules of influences and interactions, this doctoral thesis also endeavours to show, and to understand the reasons why Edward Hopper's work, a work that translates into images the very notion of " American identity ", why his work was such an influence on that of some contemporary artists

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Guerrero, Victoria. "Roberto Matta Echaurren : sa période new-yorkaise, 1938-1948." Master's thesis, Université Laval, 1993. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33527.

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Abstract:

Par l'analyse des tableaux et de sa propre théorie de 1938 à 1948 nous proposons une nouvelle exégèse de l'oeuvre de Roberto Matta Echaurren. Cette période se déroule principalement à New York devenue la nouvelle capitale de l'art. Un contexte particulier d'inquietude par rapport au destin de l'humanité et à la fois d'une grande prospérité économique précisaient les bases de la grande période de l'École de NewYork. Les écrits des notables critiques d'art de l'époque et le passage brusque à une nouvelle iconographie, de la part de Matta, nous montrent deux manifestations opposées de l'art. D'une part, une esthétique d'autosatisfaction et de l'autre, l'art engagé.
Montréal Trigonix inc. 2018

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Cariou, Gwennaëlle. ""Say it Loud !" : la création d'un contexte culturel noir à travers la fondation des musées africains américains." Paris 7, 2014. http://www.theses.fr/2014PA070037.

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Abstract:

Cette thèse se propose d'examiner les enjeux de la création d'un contexte culture noir aux Etats-Unis par le prisme de musées africains-américains mis en place dans la seconde moitié du XXe siècle. Ces musées sont le fruit d'un long développement au sein de la communauté noire américaine depuis le XIXe siècle, dans un premier temps avec la mise en place d'une culture noire (sociétés historiques, art, collections) qui a permis dans un second temps la création d'expositions noires. Celles-ci ont vu le jour dans un paysage culturel dominant blanc, notamment à travers la mise en place d'expositions ségréguées au sein des expositions nationales et internationales aux Etats-Unis puis d'expositions indépendantes. Ces différentes expositions constituent l'assise des premiers musées noirs fondés dans différentes villes américaines à partir des années 1960. Le mouvement de création des musées africains-américains a continué tout au long de la seconde moitié du XXe siècle jusqu'à aujourd'hui avec le projet du National Museum of African American History and Culture dont l'ouverture est prévue en 2015. Les musées africains-américains présentent de manière positive l'expérience des Noirs Américains aux Etats-Unis et leur place dans l'histoire et la culture nord-américaine. Ils constituent souvent le seul espace dans lequel cette culture est présentée et abordent des thématiques (les sciences et les techniques, l'art, la religion, le travail) et des périodes historiques variées (le passage du milieu et l'esclavage, le mouvement des droits civiques)
This thesis is examining the issues of the creation of a black cultural context in the USA through African-American museums founded during the second half of the 20th century. Those museums are the result of a long process within the black American community since the 19th century, at first with the establishment of a black culture (historical societies, art collections) which allowed then the creation of black exhibitions. Those exhibitions came out in a white dominating cultural context, especially with the setting of segregated exhibitions during national and international exhibitions in the USA, then with independent exhibitions. Those different exhibitions are the base of the first black museums founded in different American cities from the 1960s. The movement of creation of African American museums went on throughout the 20th century until today with the project of the National Museum of African American History and Culture scheduled to open in 2015. African American museums are presenting in a positive way the experience of African-Americans in the USA and their place in American history and culture. They are in general the only space in which this culture is displayed and show varied themes (sciences and techniques, art, religion, work) and historical periods (the Middle Passage and slavery, the Civil Rights movement)

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Maho, Jonathan. "Regards sur l'oeuvre de Robert Mapplethorpe : réception au-delà des Culture Wars (1970-2010)." Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCC052.

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Abstract:

Notre étude a pour objet la réception de l'oeuvre de l'artiste américain Robert Mapplethorpe (1946-1989). Par l'examen des expositions et des publications, elle permet de retranscrire l'évolution du discours critique. Ce dernier est considéré pour ses lacunes dans le contexte polémique des Culture Wars — conflit latent marqué par des batailles idéologiques opposant conservateurs et libéraux aux États-Unis. Dans une première partie, nous proposons de dé-contextualiser la réception de l'oeuvre en montrant que la censure, souvent comprise comme une conséquence de la controverse à laquelle l'artiste est associé, doit être considérée comme étant au centre de ses préoccupations et ce, dès les années 1970. Nous montrons notamment que le contenu de ses travaux et de ses expositions a été soumis à de multiples contraintes pendant toute sa carrière. Nous offrons ensuite dans la partie suivante la possibilité d'étudier la part de l'oeuvre la moins connue afin de faire émerger des principes clefs, négligés dans les études portées par une approche formaliste. Après avoir critiqué cette approche conventionnelle (interprétée ici comme le coeur du problème dans la réception de l'oeuvre), nous proposons dans la troisième partie des arguments inédits permettant de mettre en valeur le contenu des travaux. Notre méthode pluridisciplinaire permet plus généralement de valoriser l'étude des archives personnelles de l'artiste, peu exploitées jusqu'ici
Our study takes as its object the reception of Robert Mapplethorpe's work. By examining exhibitions and publications, it retraces the evolution of the critical discourse. The latter is considered for its deficiencies with regards to the polemical context of the Culture Wars — a latent conflict characterized by a series of ideological, disputes between conservatives and liberals in the United States. In the first part, we work to decontextualize the reception of Mapplethorpe's work, showing that censorship, often seen as a consequence of the controversy with which the artist has been involved, must be understood, as of the 1970s, to have been a central theme of his work. We notably demonstrate that the content of his art and exhibitions has been shaped by multiple constraints during the entirety of his career. In the second part, we offer an opportunity to study the lesser-known of his works, revealing key principals that have been neglected in studies conducted with a formalist approach. After having criticized this conventional approach (understood here to be the main problem in the reception of his oeuvre), we propose, in a third part, novel arguments that make it possible to focus on the works' content. More generally, our transdisciplinary method makes it possible to value the artist's personal archives, which have been largely underexplored in existing research

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Debrabant, Camille. "La peinture à l'épreuve du postmodernisme : Etats-Unis - Europe, 1962-1989." Thesis, Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010649.

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Abstract:

En 1981, le sort de la peinture fait l'objet d'annonces les plus contradictoires de part et d'autre de l'Atlantique : un « nouvel esprit en peinture » est célébré au moment même où est promulgué l'acte de décès du medium. Emblème du modernisme greenbergien et repoussoir bourgeois mis à mal par les avant-gardes des années 1960 el 1970, la peinture est prise pour cible privilégiée des théoriciens du postmodernisme, qui réaniment le poncif de la rivalité avec la photographie. Une fois élucidés les enjeux marchands ou idéologiques associés à ces stratégies institutionnelles et théoriques. il s'agira de confronter le discours critique à l'analyse des procédures artistiques élaborées entre le début des années 1960 et la fin des années 1980. Loin d'exclure l'un ou l'autre medium, ces procédures travaillent à de continuelles reconfigurations de combinaisons entre la peinture et la photographie
In 1981, the fate of painting subject to the most contradictory declarations on both sides of the Atlantic : “A New Spirit in Painting” is celebrated as the medium 's death certificate is being promulgated Symbol of the greenbergian 's modernism and repoussoir bourgeois, damaged by the avant-garde from the Sixties and Seventies, painting is the target of choice for post-modernism theoreticians, who revive the cliché of rivalry with photography. Once clarified the economic or ideological stokes associated with institutional and theoretical strategies, it will be necessary to confront the critical discourse to the analysis of artistic procedures elaborated between the early Sixties and late Eighties. Far from excluding either of these two mediums, these procedures act towards continuous reconfigurations of combinations between painting and photography

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Aubart, François. "Pratiquer sans permis : La Pictures Generation et le contrôle des représentations (1977-1986)." Thesis, Paris 8, 2019. http://www.theses.fr/2019PA080052.

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Abstract:

Cette thèse étudie les rapports que les artistes de la Pictures Generation entretiennent avec le contrôle des représentations, et par les représentations. L’expression Pictures Generation désigne un groupe d’artistes américains, nés entre 1945 et 1955, qui à partir de la fin des années 1970 réalisent des œuvres en copiant ou en imitant des images du cinéma, de la publicité, d’émissions de télévision, de magazines et d’autres sources de la culture populaire diffusant des représentations idéalisées. Certains de ces artistes reproduisent des images préexistantes, et les font apparaître dans des contextes et sur des supports neufs. Le réglage des conditions de reproduction leur sert à modifier le matériau original. D’autres produisent des images, notamment photographiques ou filmiques. Les images reproduites ou élaborées par les artistes de la Pictures Generation résultent de mises en scène. Elles représentent des environnements et des situations idéalisées. Elles sont élaborées pour affecter leurs spectateurs, les impressionner ou convaincre. Contrôler la circulation et la production des images permet à ces artistes d’en amplifier l’influence et de rendre manifestes les normes sociales qu’elles véhiculent. Cela les conduit à intervenir dans des dispositifs de diffusion, à exercer des fonctions, à utiliser des techniques et des matériaux sans la légitimité requise pour ces activités. L’ambiguïté de leur pratique réside dans le fait que c’est en utilisant ces outils et ces représentations qu’ils en font la critique
This thesis studies the relations the Pictures Generation entertains with the control of, and by, representations. The term Pictures Generation refers to American artists born between 1945 and 1955, who, since the end of the 1970’s, made works reproducing or imitating images taken from movies, advertisements, television shows, magazines and other popular culture sources of idealized representations. Some of these artists reproduce pre-existing images in new contexts and on new supports. Setting the conditions of reproduction and circulation allows them to modify the original picture. Others create images, mostly photographic and cinematographic. The images the Pictures Generation artists reproduce or create are staged. They are set up to affect the spectators, to impress or convince them. Controlling the circulation and the production of images allows these artists to amplify the influence and the social norms conveyed by these representations. This drives them to take part in diffusion apparatus, to practice function, to use technics and materials without having the legitimacy required for such activities. The ambiguity of their practice lies in the fact that they use such tools and representations to criticize them

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Dryansky, Larisa. "Déplacements : les usages de la cartographie et de la photographie dans l'art américain des années 1960 et du début des années 1970 : les cas de Mel Bochner, Douglas Huebler, Dennis Oppenheim, Ed Ruscha et Robert Smithson." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010557.

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Abstract:

A travers les cas de cinq artistes (Mel Bochner, Douglas Huebler, Dennis Oppenheim, Ed Ruscha et Robert Smithson), il s'agit, dans cette étude, de rendre compte de la diversité et de la complexité des usages de la cartographie et de la photographie dans l'art américain des années 1960 et du début des années 1970, une période marquée par la remise en question de la définition formaliste de l’œuvre d'art. Loin de n'avoir, dans ce contexte, qu'une fonction documentaire - interprétation qui a prévalu jusqu'ici -, cartes et photographies, ainsi que nous le démontrons, jouent un rôle fondamental dans l' exploration de modalités différentes de la perception et la recherche de voies nouvelles pour l'art. Dans la première partie de la thèse, nous examinons comment le recours à la cartographie et au médium photographique s'articule à la problématique de la réintroduction de la temporalité dans les oeuvres d'art qui est au cœur de la crise du modèle moderniste. Dans un deuxième temps, nous traitons de la relation au paysage en montrant en quoi cartes et photographies participent d'une réflexion sur la redéfinition de l' abstraction en lien avec le réel. La troisième partie porte sur les façons dont les techniques et les représentations cartographiques et photographiques servent à interroger les conceptions habituelles de l'espace, et ce à un moment où l'art investit de nouveaux sites. Nous envisageons de la sorte tant les usages conceptuels que matériels de la cartographie et de la photographie.

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Encrevé, Lucile. "Brice Marden, opacité et transparence." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040159.

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Abstract:

L'œuvre de l'artiste abstrait américain Brice Marden, né en 1938, est constitué de deux parties distinctes en apparence: des peintures à panneaux monochromes et des tableaux parcourus de lignes, qu'annonçaient, plus tôt dans sa carrière, des œuvres sur papier. Il est en réalité très cohérent, soumis à l'opacité comme à la transparence. Si cette dernière est une tentation, l'opacité triomphe toujours. Deux gestes de l'artiste sont essentiels à cet égard: le recouvrement et l'effacement. Ses œuvres, dont les titres font référence au réel ou à l'histoire de l'art dans son ensemble mais dont les sujets sont d'abord la mort, la mélancolie, la mémoire et la présence, interrogent les possibilités de la peinture abstraite et affirment sa vitalité
The work of the American abstract artist Brice Marden, born in 1938, is made up of two parts outwardly distinct: paintings with monochromatic panels and pictures with a network of lines, which earlier works on paper announced. It is actually very coherent, subjected to opacity and to transparency alike. If the latter is a temptation, the opacity is always triumphant. Two actions of the artist are essential in connection with that: recovering and erasing. His works, whose titles refer to reality or to the whole art history but whose real subjects are death, melancholy, memory and presence, question the possibilities of abstract painting and declare its vitality

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Benayada, Kamila. "L'opposition entre modernisme et régionalisme dans la peinture américaine dans les années 1920 et 1930 : Thomas Hart Benton et Stuart Davis." Paris 7, 2005. http://www.theses.fr/2005PA070030.

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Abstract:

Cette étude (bourdieusienne) du champ artistique américain dans les années 1920 et 1930 analyse en particulier la polarisation du champ autour des positions régionaliste et moderniste, dont les principaux défenseurs furent le peintre régionaliste Thomas Benton et le moderniste Stuart Davis. Elle montre comment la réflexion sur la spécificité de la culture américaine au début du XXe siècle a été intégrée par les deux pôles. De cette contrainte d'une expression nationale, reprise par les projets artistiques du New Deal, découle une tension du champ artistique entre dépendance vis-à-vis du champ du pouvoir, et revendication d'autonomie. En s'opposant au nationalisme du régionalisme, le pôle moderniste permit une évolution du champ artistique vers une autonomie par rapport au champ du pouvoir. Cependant, le régionalisme apparaît comme une construction artificielle, notamment au regard de l'analyse de l'œuvre de Grant Wood, et le modernisme idéologique de Davis échappe à la perception apolitique de l'art moderne
This study of thé American field of art in thé 1920s and 1930s centres on thé polarisation of thé field between thé Regionalist and Modernist positions as embodied by Regionalist painter Thomas Hart Benton, and Modernist painter Stuart Davis. It uses sociological tools of analysis and is inspired by Pierre Bourdieu. Lt shows how thé stress on americanness typical of early 20th century American thought was integrated by both positions, as welle as thé New Deal art projects, and led to thé tension within thé field between dependence on thé field of power, and claim to autonomy. By opposing the nationalism of Regionalism, Modernism initiated an évolution of thé field toward autonomy from thé field of power. However, analyzing thé works of Grant Wood reveals Regionalism as a construct, and thé perception of Davis' Modernism as apolitical is challenged by thé ideological and Marxist aspect of his oeuvre

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Delot, Sébastien. "Les galeries d’art contemporain à New York, 1941‐1993 : topographie et marché de l’art." Rennes 2, 2011. http://www.theses.fr/2011REN20014.

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Abstract:

En 1941, l'avant-garde européenne en exil s'installe majoritairement à New York, exerçant une influence sur la scène artistique new-yorkaise. C’est précisément à cette époque que les futurs grands acteurs du marché de l’art entrent en scène. Au cours des années 1960, la galerie Castelli occupe une place centrale dans un marché en voie d’internationalisation de part la mise en œuvre d’un réseau d’alliances aux Etats-Unis et en Europe : mais pour pleinement comprendre l’influence de la galerie Castelli, il convient d’examiner les relations qu’elle entretient avec la galerie parisienne d’Ileana Sonnabend. A travers une correspondance abondante, régulière et surtout inédite, on pourra mieux percevoir, au fil des analyses, le rôle de premier plan qu’a joué la galerie Sonnabend dans la promotion des artistes américains en Europe au cours des années 1960. L’objectif de cette thèse est de proposer, à partir de quelques exemples emblématiques, une histoire des galeries d’art contemporain à New York en mesurant le rôle qu’elles ont pu avoir sur les grandes mutations topographiques, commerciales et esthétiques de 1941 à 1993
In 1941, the majority of the exiled European avant-garde settled in New York and influenced the New York art scene. During this very same period, the future heavyweights of the art market emerged. In the 1960s, the Castelli Gallery was a dominant force in the art market, which was becoming increasingly internationalized through a network of alliances in the US and Europe. But to fully understand the Castelli Gallery’s influence, an examination of its relations with the Ileana Sonnabend Gallery in Paris is necessary. By analyzing the extensive, regular, and - notably – unpublished correspondence between the two, a better understanding can be gained of the preeminent role played by the Sonnabend Gallery in promoting American artists in Europe in the 1960s. The aim of this thesis is to etablish a history of contemporary art galleries in New York by assessing the role they played in the major topographical, commercial, and esthetic shifts from 1941 to 1993

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Moiroux, Sophie. "L' Objet -Frontière. Art contemporain, conflits et jeux d'ontologies dans l'oeuvre de Jimmie Durham." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0156.

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Abstract:

Cette thèse étudie l’œuvre plastique de l’artiste contemporain d’origine cherokee Jimmie Durham, en la contemplant en suivant le regard, posé sur les artefacts, de l’art contemporain, occidental et celui que nous avons tenté de distinguer dans une tradition cherokee. Sont mis en évidence, en analysant les textes et déclarations de l’artiste et de nombreux critiques, ainsi qu’en étudiant les modalités pragmatiques impliquées par ces œuvres, des conflits d’appréhensions des objets, tant du point de vue des ontologies impliquées, notamment en considérant les transformations paradigmatiques, des objets en art et en « objets » rituels (soit de nouvelles ontologies dans des contexte spécifique à l’intérieur d’ontologies courantes), que des appréhensions des choses du monde (et des relations aux gens) dans ces divers cultures. Des conflits sont présents non seulement lorsque l’on considère la situation coloniale contemplée par l’artiste, mais apparaîssent aussi dans les compréhensions de ses œuvres. Les œuvres, réalisées spécifiquement pour leur public, témoignent de tels conflits tout en ayant une visée communicative : nous pouvons les voir comme des condensations efficaces
This thesis studies the artwork of the contemporary artist Jimmie Durham, of Cherokee origin, by looking at it following the view (on objects), of western contemporary art, and that which we tried to distinguish in Cherokee tradition. Through analyzing texts and statements by the artist and by numerous critics, as well as studying the pragmatic modalities implied by the works, some conflicts in apprehending objects are brought into light concerning the ontologies implied - especially while considering the paradigmatic transformations of objects in art and into ritual artefacts – as well as ways to engage the world (and relations to people) within these different cultures. Conflicts are present not only while considering the colonial situation perceived by the artist, but also in understanding of these artworks. The works, which are made specifically for their public, demonstrate such conflicts while aiming at communication: we can see them as efficient condensations

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Matar-Perret, Roula. "Substrats, alchimie et révélations : les propositions architecturales de Gordon Matta-Clark." Rennes 2, 2008. http://www.theses.fr/2008REN20026.

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Abstract:

Gordon Matta-Clark, figure importante de l’art américain des années soixante-dix, est surtout connu pour ses découpes architecturales spectaculaires. Mais il a également produit un corpus d’œuvres d’une grande diversité : des expérimentations alchimiques sur la matière, de nombreux dessins, des performances ou des visions construites photographiques. Ces travaux sont ici analysés pour mettre à jour leurs multiples références architecturales. Sous leurs formes variées, ils recèlent autant de propositions sur de nouvelles modalités spatiales qui resituent Gordon Matta-Clark dans son champ de formation initiale, l’architecture
Gordon Matta-Clark, an important figure of the American Art of the seventies, is mostly known for his spectacular building cuts. But he also produced a corpus of works, of great diversity : alchemical experimentations on matter, a profusion of drawings, performances or photographic constructed visions. These works are analysed in order to reveal all their architectural references. In their various forms lie hidden as much propositions on new spatial modalities that place Gordon Matta-Clark within his initial field of education, architecture

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Leger, Nina. "Systèmes d’incrédulité : la perspective dans les travaux de Mel Bochner et de Robert Smithson." Thesis, Paris 8, 2017. http://www.theses.fr/2017PA080056.

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Abstract:

Cette thèse s’origine dans un étonnement. Il s’agit de comprendre pourquoi, au milieu des années 1960, plusieurs artistes de la nouvelle avant-garde américaine s’emparent d’un objet que la modernité de l’art semblait avoir à jamais abandonné : la perspective linéaire. Pourquoi cette construction, intimement liée à l’héritage artistique de la Renaissance, cristallisa-t-elle les préoccupations d’artistes qui entendaient liquider cet héritage s’inscrire dans une histoire strictement américaine de l’art ? Comment put-elle se concilier avec l’élaboration d’un projet d’avant-garde ? Le but du travail est de passer du constat d’un paradoxe au diagnostic d’un symptôme. Pour cela, il convient de dépasser le sentiment d’un retour incongru et rétrograde du passé de l’art, pour considérer la manière dont la perspective est suscitée à nouveau par un champ contemporain qui la déplace en l’exploitant. Notre étude se concentre sur les cas de Robert Smithson (1938-1973) et de Mel Bochner (1940-), d’abord, parce que leurs usages de la perspective furent les plus concertés et les plus conséquents ; ensuite parce qu’ils occupent deux positions à la fois proches (liés d’amitié, ils réfléchirent et travaillèrent ensemble) et distinctes : là où Smithson, d’abord lié au mouvement minimal, s’orienta vers le Land Art, Bochner se rapprocha du courant conceptuel. Cette diversité de pratiques permet de saisir la manière dont la perspective résonne avec une pluralité de problématiques propres à la période. Trois axes principaux animent notre étude : éclairer ce qui, dans le contexte artistique contemporain, favorisa et accompagna le retour de la perspective ; préciser la spécificité des usages et des pensées de la perspective que développèrent Smithson et Bochner et la manière dont ceux-ci fut souvent la pierre de touche de leurs particularismes ; comprendre comment l’un et l’autre transformèrent l’objet qu’il convoquaient, et réinventèrent la perspective plutôt que de la réhabiliter
This dissertation is born out of astonishment. It aims at understanding how, in the middle of the 1960s, several artists of the American avant-garde seized an object that artistic modernity seemed to have discarded for good: linear perspective.Why did this device, so tightly linked to the legacy of Renaissance art, crystallize the interest of artists whose project was to put an end to this legacy and to write a strictly American history of art? How could it fit into an avant-garde agenda? This work aims at turning what seems to be a paradox into the understanding of a symptom. This means overriding the feeling of an incongruous and reactionary comeback and understanding how perspective is called forth by a specific context that recodes it and transforms it.To do so, we focus on the works of Robert Smithson (1938-1973) and Mel Bochner (b.1940). First of all, because they are the two artists, among the avant-garde, who most engaged with perspective. Secondly, because they were both close (as friends they thought and worked together) and apart in the artistic field: Smithson drifted from Minimalism to Land Art, while Bochner moved toward Conceptual Art. This diversity helps us observe how perspective reflects several questions at stake in the artistic landscape. Three main lines of questioning structure this dissertation: highlighting what features of the artistic context trigger this return of perspective; specifying how Bochner’s and Smithson’s use of and thinking about perspective differ from this general context and reflect their particular positions; and finally, showing how they both transformed the object they conveyed, reinventing perspective rather than simply recalling it, and eluding its usual definitions to produce new ones and reveal others

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Blanc, Emilie. "Art Power : tactiques artistiques et politiques de l’identité en Californie (1966-1990)." Thesis, Rennes 2, 2017. http://www.theses.fr/2017REN20040/document.

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Abstract:

En 1966, le Black Power Movement, qui influence de nombreux mouvements sociaux de libération, signale un changement de paradigme dans l’activisme aux États-Unis désigné par la terminologie de « politiques de l’identité ». Si, en affirmant la nécessité d’une analyse politique des discriminations, celles-ci en appellent à de profonds changements dans la société, elles imprègnent aussi les arts visuels et génèrent des mutations importantes quant à la définition de l’art et au rôle de l’artiste aux États-Unis. En s’emparant des politiques de l’identité, les artistes incorporent leurs engagements dans leurs pratiques, créent des formes d’expression originales et remettent en cause la validité du canon. Par une étude de cas sur la Californie entre 1966 et 1990, combinée à une approche chronologique et comparative, ce travail de recherche explore les rencontres entre les arts visuels et les politiques de l’identité, et plus largement la relation entre art et politique dans un contexte culturel moins exploré que la scène artistique de New York, afin d’analyser en quoi elles s’avèrent essentielles pour saisir les pratiques artistiques postérieures et les discours sur les identités. Cette thèse en histoire de l’art, pour laquelle les études culturelles et les théories féministes ont constitué des apports fondamentaux, propose ainsi d’établir des convergences artistiques autour de thématiques liées à des problématiques centrales des politiques de l’identité et, dans le même temps, à souligner de nouvelles approches dans le domaine de l’art, de la politique et de la théorie
In 1966, the Black Power Movement, which influenced numerous other social liberation movements, signaled a paradigm shift in American activism designated by the term “identity politics.” By affirming the necessity for a political analysis of discrimination, identity politics called for profound changes in society, which also influenced the visual arts, resulting in important changes regarding the definition of art and the role of the artist in American society. By drawing on this new politics of identity, these artists incorporated activism into practice, creating original forms of expression and challenging the validity of the canon. This research project explores the encounters between visual arts and identity politics, as well as the broader relationship between art and politics, through a chronological and comparative case study of California from 1966 to 1990—a cultural context much less studied than the New York scene—in order to determine its importance for later artistic practices and discourses on identity. This thesis in Art History, to which cultural studies and feminism have made fundamental contributions, therefore proposes to establish artistic convergences around themes linked to the central premises of identity politics while at the same time highlighting new approaches in the fields of art, politics and theory

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Balenieri, Camille. "L'art de résister : Chauncey Hare, photographe politique aux États-Unis, des années 1950 à nos jours." Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H031.

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Abstract:

Cette thèse est la première monographie dédiée à Chauncey Hare (né en 1934), figure à la fois reconnue et marginale de la photographie documentaire américaine contemporaine. Auteur d'un corpus où se mêlent l'héritage de la Farm Security Administration, l'influence de la contre-culture, le souci de l'art et la critique du capitalisme, Hare a traversé le monde de la photographie entre les années 1960 et 1980 et connu un succès inégal. Son livre Interior America, commencé en 1968 et paru en 1978, lui vaut la reconnaissance du monde de l'art et devient un jalon du genre documentaire. Mais la portée politique de ces photographies, mise en avant par un photographe activiste, complique notamment leur réception institutionnelle. Cette thèse est basée sur l'étude des archives de Chauncey Hare, déposée en 2000 à l'université de Berkeley, ainsi que sur de longs entretiens avec lui et d'autres acteurs culturels de la baie de San Francisco. Elle s'appuie sur une définition étendue de l'oeuvre de Chauncey Hare, à la fois visuelle, textuelle et existentielle, et l'ancre dans le contexte de la Californie contre-culturelle des années 1960-70 qui l'a vu naître. À la croisée de l'histoire de l'art et de l'histoire culturelle, elle vise à en donner une vision précise et approfondie, à la fois descriptive, comparative et critique, pour déconstruire le mythe qui s'est élaboré autour du photographe et réintégrer l'oeuvre à ses différents réseaux (institutionnels, intellectuels, humains). Les quatre parties de cette étude couvrent l'intégralité de la vie de Chauncey Hare à ce jour, de 1934 à 2019
This dissertation is the first monographic study of Chauncey Hare's work and career. Born in 1934 and based in San Francisco, he is a key figure of American documentary photography. Hare's work combines the heritage of the Farm Security Administration, the influence of counter-culture, a strong artistic impetus and anti-capitalist worldview. His photographic career spans two decades, from the mid-1960 to the mid-1980s, but his success in the art world was short-lived : he achieved recognition with his book Interior America published in 1978, which eventually became a landmark for social documentary photography, but his political stance and activism complicated the institutional reception of his work. This dissertation is based on the study of Chauncey Hare's archives, stored at the Bancroft library (University of California-Berkeley) since 2000, and on a series of interviews conducted with him and other cultural players of the Bay Area. It considers Chauncey Hare's oeuvre in itsbroadest dimension, including his visual work, his texts but also his very existence as form of praxis. This large and diverse body of work is anchored in the text of 1960-70s counter-cultural California in which it was born. Art history and cultural history come together in this dissertation, whose aims are to give a first,precise, descriptive and critical overview of this body of work to deconstruct the myth surrounding the artist and to reintegrate the work in its various networks (institutional, intellectual, social). This dissertation is divided to four chronological parts, which cover Chauncey Hare's entire lifespan to date (1934-2019)

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Leclercq, Christophe. "Experiments in Art and Technology : la question environnementale." Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010663.

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Abstract:

L'activité théorique et pratique d'Experiments in Art and Technology (E.A.T.) soulève un certain nombre de problèmes esthétiques, ceux posés par une organisation qui soutient la collaboration entre artistes et ingénieurs, à l'intérieur comme à l'extérieur du monde de l'art. Cette thèse interroge l'irruption, jugée symptomatique, de la question environnementale en art, et la mobilisation, par les principaux acteurs d'E.A.T., du concept équivoque d'environnement pour désigner non seulement ce qui nous entoure, mais aussi ce qui peut nous influencer. En confrontant les propos de John Cage, Robert Whitman et Robert Rauschenberg sur leur pratique à des œuvres de références attestant de l'imprégnation des technologies dans nos existences on identifie une approche environnementale qui participe d'une explicitation, par l'art, de l'environnement contemporain. Ces artistes s'efforcent en effet de mettre en évidence, par leur travail, les qualités esthétiques d'un environnement naturel et artificiel, à l'égard duquel on ne peut plus être indifférent. L'attention portée à la perception dans l'expérience de cet environnement, témoigne d'un intérêt commun pour une physique phénoménale qui, bien qu'en relation avec des préoccupations scientifiques, s'en démarque cependant. Il s'agit non seulement de transformer cet environnement diffus en un espace perçu, mais également d'interroger la place et le rôle de l'artiste dans la mise en forme de l'environnement humain. S'élabore ainsi avec E.A. T., une recherche-action centrée sur l'individu, et qui envisage la possibilité, non plus simplement de vivre dans, mais d'exister avec son environnement
The theoretical and practical activity of Experiments in Art and Technology (E.A. T.) raises a number of aesthetic problems - those posed by an organization whose aim was to facilitate and encourage collaboration between artists and engineers, both inside and outside the art world. This thesis investigates the eruption of environmental issues in art and the use made by E.A.T.'s main actors of the ambiguous concept of the environment, a concept which includes not only what surrounds us but also that which can have an influence on us. By juxtaposing and comparing what John Cage, Robert Rauschenberg and Robert Whitman had to say about their practice with key works on the infiltration of technology into our lives, we will identify an environmental approach that is part of an “explicitation” of the contemporary environment by and through art. These artists strive to highlight, through their work, the aesthetic qualities of a natural and artificial environment, the consequences of which cannot leave us untouched or indifferent. The focus on perception in the experience of this environment reflects a common interest in a 'phenomenal physics' which, even if related scientific concerns, also differs significantly from them. It is not only a question of the transformation of this pervasive environment into a perceived space but also a matter of investigating the place and role of the artist in the shaping of the human environment. Thus we see in E.A.T.'s program an activity a form of action-research focused on the individual, which envisages also the possibility not only of living in but of existing with one's environment

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Zrann, Fatma. "La problématique identitaire dans la photographie noire américaine : de l'identité comme revendication communautaire à l'identité comme principe d'autonomie esthétique." Paris 7, 2010. http://www.theses.fr/2010PA070112.

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Abstract:

Ce travail est une réflexion sur la problématique identitaire de la production photographique et plus généralement picturale d'artiste noirs. Il s'agit d'interroger les oeuvres de photographes noirs et leurs manières de représenter ou de masquer la réalité africaine américaine. Mon but était d'étudier l'identité noire au sens de l'identité africaine ou d'origine africaine telle que revendiquée par les Noirs Américains et son traitement par les artistes contemporains, en particulier dans les oeuvres de photographes noirs. C'est un questionnement sur l'histoire et le présent, basé sur des images d'archives, des tableaux des photographies et des témoignages divers et croisés partant de faits vécus, historiques ou imaginaires qui offrent une analyse profonde et objective des problématiques complexes liées à l'esclavage, aux discriminations, à l'existence d'une identité noire et à la représentativité des Noirs et des minorités aux États-Unis en général. C'est au final une étude culturelle sur la façon dont l'identité noire prend corps dans des oeuvres très différentes au sein desquelles le photographe met en jeu des motivations personnelles et des problématiques communes
This work is a reflection of the problem of identity in photographic and more generally pictorial production. It questions Black American photographers' works and the way they portray or mask the African American reality. My aim was to study the Black identity in the sense of the African identity or African origin asserted by Black Americans and the way contemporary artists deal with it, especially in the works of Black photographers. It looks at the past and present, using various and overlapping archived images, paintings, photographs and evidence, based on real, historical or imaginary events which give an in-depth, objective analysis of complex problems related to slavery, discrimination, the existence of a Black identity and the portrayal of African Americans and other minorities in the United States in general. In the end, it's a cultural study, which looks at how Black identity takes shape across very different works in which the photographer brings into play persona! motivations and common problems

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Spathoni, Anthi Danaï. "La question du paysage abstrait dans la peinture contemporaine : Cy Twombly et Gerhard Richter." Thesis, Rennes 2, 2018. http://www.theses.fr/2018REN20068.

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Abstract:

Si la peinture abstraite n’a pas bien sûr fait mourir la peinture figurative qui existe après elle, si elle n’a pas supprimé le paysage pictural, quel peut bien être le sens, la nature et la portée, au sein de la peinture contemporaine elle-même, du paysage abstrait ? Quelles en sont les conditions de possibilité ? A quelles conditions un paysage abstrait est-il possible, c’est à dire réalisable pour le peintre et pensable pour l’historien et le théoricien de l’art ? Telles sont les questions rectrices de cette thèse qui entend déployer et explorer le paradoxe d’un paysage séparé — ce qui est bien le sens strict d’abstrait — de l’exigence de représentation mimétique d’un espace naturel ou urbain extérieur « d’un lieu assez élevé, où tous les objets auparavant dispersés se rassemblent sous un seul coup d’oeil » selon l’expression de Fénelon. Ce déploiement et cette exploration s’effectue sur les deux exemples des oeuvres de Cy Twombly et Gerhard Richter interprétées comme deux modalités différentes d’une relève du paysage, dépassant et conservant à la fois ce dernier sur le mode de l’évocation : par un langage purement pictural, par le langage des titres et des mots dans la peinture pour Twombly, par la photographie et la photo-peinture pour Richter. A cet égard, Twombly et Richter tentent tous les deux de mettre en oeuvre aux deux sens duterme, une rupture et une continuité : entre la forme du genre paysage et l’expérience paysagère au sein de l’espace de la galerie d’exposition, entre la tradition du paysage occidental (Poussin, Turner, Friedrich) et la peinture des peintres américains contemporains (Pollock, Rothko et Rauschenberg), entre la peinture et les autres média ou les autres arts auxquels elle se confronte (la poésie pour Twombly, la photographie et la littérature pour Richter). La thèse est donc construite comme un ensemble de croisements qui rend possible le paysage abstrait renouvelant le genre du paysage, lelibérant de ses règles traditionnelles et, ainsi, l’ouvrant à des formes inédites et étonnantes
If abstraction did not kill landscape painting, how would the pictorial genre survive within the context of contemporary painting? What would be the meaning of the term abstract landscape? Under which circumstances and conditions would an abstract landscape be possible? This research tries to address these questions by investigating the paradox of a landscape which does not represent mimetically space seen from a higher point at a glance, as Fénelon would put it.The works of Cy Twombly and Gerhard Richter are used as means for this exploration since they present two different modalities of a landscape which overcomes and preserves itself at the same time. In this respect, both Twombly and Richter attempt to implement rupture and continuity: between landscape form and landscape experience within the gallery space, between western landscape tradition (Poussin, Turner, Friedrich) and contemporary American painting (Pollock,Rothko and Rauschenberg), between painting and other media or arts (poetry for Twombly, photography and literature for Richter). This way, this study is constructed by a set of contradictions which make abstract landscape possible. This abstract landscape renews landscape genre, frees it from its traditional rules and opens it to new and surprising forms

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Delacourt, Sandra. "L'artiste, l'universitaire et l'historien aux Etats-Unis (1938-1968) : l'exemple de Donald Judd." Thesis, Paris 1, 2016. http://www.theses.fr/2016PA01H004.

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Abstract:

Ce doctorat se penche sur les conditions d’émergence d’une figure de « l’artiste universitaire » aux États-Unis au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. Il s’intéresse au contexte intellectuel et politique qui a accompagné ce changement radical de paradigme dans l’enseignement artistique américain et tente d’en observer les répercussions sur les modalités d’écriture d’une histoire de l’art dont les instances productrices sont elles-mêmes considérablement renouvelées. Accordant une place importante aux réformes de l’enseignement supérieur, cette thèse souligne le rôle instrumental de cette nouvelle figure dans la requalification de la recherche universitaire entre les années 1930 et 1960. Toutefois, loin d’être la simple conséquence d’aspirations politiques, l’artiste universitaire s’incarne dans des parcours hétérogènes ne partageant pas nécessairement les mêmes pratiques ou les mêmes objectifs. De manière convenue ou plus inattendue, nombre d’artistes dont le nom a été associé aux universités ont participé à une refonte des modalités de production des savoirs. Pourtant la reconnaissance de ces contributions individuelles s’est avérée beaucoup plus problématique que la célébration générique d’un nouvel art américain porté par des artistes « éduqués ». Aussi, cette thèse s’attache-t-elle à observer ces questions sous un angle épistémologique et à mettre ce déficit paradoxal de crédit académique en regard de pratiques contemporaines de l’histoire et de l’histoire de l’art. Ce dernier aspect est plus spécifiquement étudié à travers le parcours de Donald Judd et sa volonté d’opposer à l’idéalisme philosophique européen une pratique « réaliste » de l’histoire de l’art
This doctoral thesis explores the conditions in which the figure of the ‘academic artist’ emerged in the USA following World War II. The intellectual and political climate for radical change in the American visual arts educational paradigm is evidenced as are its repercussions on the profound renewal of agencies involved in art history production. Importance is given to reform in higher education and the instrumental role the academic artist played in redefining academic research between the 1930s and the 1960s. Such figures were far from being merely aspirational in political terms as is apparent in their range of trajectories, their practices and goals which did not necessarily coincide. Many artists, whose names were associated with academia, contributed – some conventionally, others less predictably – to new ways of producing knowledge. Yet recognizing such individual contributions posed many more problems than the more generic celebration of the new American art personified by “educated” artists. My dissertation therefore views these issues from an epistemological standpoint, weighing what paradoxically was an academic deficit against contemporary practices in history and art history. The latter is examined through the specific case of Donald Judd and his determined stance against European philosophical idealism via the “realistic” practice of art history

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Burford, Jennifer. "Vers une radicalisation du mouvement et de la continuité : Robert Breer, peintre, sculpteur et cinéaste." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010599.

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Abstract:

Pour aborder la question du mouvement dans la peinture - problématiques différentes selon les périodes de l'histoire de l'art, les artistes se sont intéressés successivement à la camera oscura, à la photographie, puis au cinéma comme outils d'analyse de la composition, du cadrage, et des positions successives de sujets et d'objets en déplacement. L'intérêt des avant-gardes pour cette question et les implications des recherches plastiques qu'elles ont développées s'inscrivent dans la crise de la représentation qui a marqué une grande partie de l'histoire de l'art moderne et contemporain. Cette crise va souvent de pair, au regard de chaque pratique artistique, classique ou récente, avec la remise en question de ce qui servait de fondement à sa définition et des conventions artistiques en usage. Par exemple, Robert Breer, artiste américain contemporain, est souvent présenté comme un peintre venu au cinéma. Breer accorde, dès les années cinquante, une grande importance au feuilleteur ou folioscope, objet pré-cinéma qui matérialise le défilement. Cet objet structure des lors l'évolution de ses recherches où s'élabore une mise en œuvre du déplacement, dont la polysémie ouvre plusieurs champs d'exploration. Son parcours met en jeu trois pratiques - picturale, sculpturale, et filmique. Son œuvre se donne comme une œuvre polymorphe caractérisée par les échanges entre ces trois pratiques. Il transpose les principes explores dans l'une d'entre elles aux deux autres, processus qui entraine leur radicalisation. Son œuvre constitue un terrain privilégie pour observer comment se développe sa propre transgression des conventions par une remise en question, notamment dans ses films, des notions de mouvement et de continuité, remise en question qui a contribué à conférer sa spécificité au cinéma expérimental
To study movement in painting, various questions were raised during each art period. Artists have taken a great interest in the camera oscura as well as photography and cinematography as tools to analyze composition, framing and successive positions of subjects and objects. The interest of the avant-gardes for these questions, and the implications of research in plastic arts which followed, characterized the ongoing crisis of representation which marked a great part of the history of modern and contemporary art. This crisis often goes simultaneously along with experimenting the limits of definition and basics of each art practice, whether classical or recent. For example, Robert Breer, a contemporary American artist, is often presented as a painter who evolved towards film. As early as the fifties, he began to work with flip-books (or folioscopes), a pre-cinematographical object which allows observing the process of projection - image by image. This object structured the evolution of his research from which developed a form of displacement or shifting (in both the mechanical and psychoanalytical sense. This polysemy allowed several breakthroughs in artistic research. Breer explored three mediums - painting, sculpture and film, a polymorphous body of work where he transferred principles explored in one field to the two others. This unusual process reveals a "playful" attitude towards the limits of these mediums. In his film work, interlacing / interweaving editing techniques began to emerge. This type of montage transgressed conventional notions of movement and continuity in a radical manner and contributed to confer a specificity to experimental film

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M'Rabet, Moez. "Stanislavski dans le théâtre américain : réception, transmission et évolution d'une approche du jeu théâtral." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030035.

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Abstract:

Après la Russie, c’est sans doute aux États-Unis que l’influence de Stanislavski, « père » de l’art du jeu moderne, fut - et reste – prépondérante. Par son intensité, son ampleur, sa longévité, mais aussi par sa capacité à surmonter nombre d’obstacles (politiques, linguistiques, culturels), le rapport de Stanislavski au théâtre américain apparaît indéniablement comme un phénomène étonnant et fascinant. Rares furent, cependant, les études de cette influence tenant compte à la fois de l’héritage russe et de l’impact du Système sur le jeu de l’acteur américain, et s’inscrivant dans une perspective historique, esthétique, voire anthropologique. Cette recherche vise à définir les processus de réception, de transmission et les voies d’assimilation du Système aux États-Unis. Cette aventure a-t-elle amené une préservation et un enrichissement de cet héritage, ou, au contraire, l’a-t-elle marginalisé, déformé, voire trahi ? Il s’agit également de comprendre si cette transmission a servi le théâtre américain et lui a permis d’évoluer, ou l’a desservi, en provoquant une véritable crise esthétique et identitaire responsable de l’« éclatement » du milieu théâtral américain en différentes « confessions », prônant chacune une interprétation du Système, comme tendent à l’affirmer les travaux essentiellement nord-américains effectués, dans ce domaine, jusqu’à nos jours
Outside Russia, it goes without saying that Stanislavski's influence in the USA, the father of the art of modern acting, has been the most important of all. Because of its intensity, its impact, its longevity as well as its capacity for overcoming a large number of obstacles ( political, linguistic and cultural), Stanislavski ' relationship to the American theatre certainly appears as an astonishing and fascinating phenomenon. However, there have been few studies about this influence taking into consideration altogether the Russian heritage and the impact of the system on the American actor, in line with the historical, aesthetic and perhaps even the anthropological perspective. This research aims at defining the processes of reception, transmission and the means of assimilation of the system in the USA. Has this adventure brought about the preservation and enrichment of the Russian heritage or, has it, on the contrary, marginalized it, distorted it or, perhaps even betrayed it? We also need to understand whether this transmission has served the American theatre and has allowed it to evolve or has harmed it by causing a true aesthetic and identity crisis which has led to the breaking-up of the American theatrical milieu into a variety of denominations, each one advocating its own interpretation of the system as it appears in the latest works in the field most of which are essentially North-American

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Schütz, Marine. "Entre les lignes : dessin, illustration et pratiques graphiques dans le Pop art (1950-1975)." Thesis, Aix-Marseille, 2015. http://www.theses.fr/2015AIXM3104.

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Abstract:

Dès l’apparition du Pop art autour de 1962, l’iconographie de l’illustration et de la publicité indique l’émergence d’une véritable esthétique graphique. La rencontre du Pop art et du dessin se révèle particulièrement intéressante car suivre les productions réalisées dans cette discipline éminemment manuelle permet de réexaminer les différentes positions des artistes vis-à-vis de la culture de masse et d’aborder des questions tant matérielles qu’iconographiques. Partant du constat que les formations artistiques sont à l’origine du va-et-vient entre options manuelles et mécaniques dans l’économie du Pop art, le propos débute par l’examen des conditions d’émergence du dessin. L’examen des relations entre dessin et culture de masse ne saurait être complet sans évoquer la réponse d’artistes qui s’engagent dans la recherche d’un dialogue avec un public croissant (par des stratégies de classe, l’iconographie de logos de produits, la prise en compte des possibilités de l’estampe etc.). Non seulement l’œuvre naît du parcours de la main, mais le dessin pop dépasse le seul processus créateur pour exister dans un corpus d’œuvres autonomes, qui s’écarte de tout schéma finaliste. Cette présence souligne ce que peuvent avoir de critique l’image et l’action du corps. De même que Claes Oldenburg et David Hockney opposent une tension manuelle aux expressions mécanisées dans la société – et là réside le double sens de la notion d’engagement autant physique que politique dans le dessin pop –, le réinvestissement du corps sous la forme du portrait et du nu affirme sa solidarité avec les combats pour la libération sexuelle à l’aube des années soixante-dix
By 1962 with the beginning of Pop art, the iconography of illustration and advertising points the development of an art founded on graphics. Interestingly, the relations between Pop art and drawing allow to follow how the handmade practices reassess the artists’ positions towards mass culture and deal with material issues (such as manual involvement) and the meaning of iconography (counter-culture, return of the figure). Starting from the point that artistic pop economy of art owes its back and forth mouvement between manual and mechanical options to its protagonists’ artistic education, this dissertation opens with the study of drawing’s emergence in a pedagogical context. The study of the relations between drawing and mass culture wouldn’t be fully led without assessing the answer of the artists who involve in the claim for a bigger audience (with a class strategy, an iconography full of mass products and the possibilities of prints). Moreover, not only the graphic works stem from the hand, but pop drawing overwhelms the solely issue of creation processes to exist in an autonomous corpus of works, which doesn’t fall into the finalist schema. This presence points how critical may be the body, through drawing, as an image and as an action. Similary to Claes Oldenburg and David Hockney who oppose a manual tension to the social mechanized expressions – and there lay the double sense of the very notion of involvement which is to be understood in Pop art in the same time on a physical and a political level – the reinvolvement of the body by way of portrait or nude shows its solidarity with the fights in the wake of the sixties, fight for sexual liberation, or women rights

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Boulvain, Thibault. "L' art en sida : les représentations de la séropositivité et du sida dans l'art américain et européen, 1981-1997." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H040.

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Abstract:

Jusqu'en art, la crise du sida est un tournant majeur de l'histoire contemporaine. Cette étude couvre la période allant de ses origines à la révolution thérapeutique (trithérapies) de la fin des années 1990, et s'intéresse à son impact sur les artistes américains et européens et leurs œuvres. Ceux-ci, sur la question, ont trop rarement été regardés ensemble, et pourtant: de Cindy Sherman à Derek Jarman, de Niki de Saint Phalle à Jeff Kaons, de Gilbert & George à Jenny Holzer, de Michel Journiac à David Wojnarowicz, on repère le même saisissement dans les représentations, qui ne pouvaient alors plus être les mêmes, et pour cause. Y est en effet passé tout ce qui travaillait profondément les sociétés occidentales au temps de l'épidémie, et d'abord le pire d'elles-mêmes qui se défoulait dans un espace social considérablement abîmé par la crise épidémique. Les images s'en souviennent, comme des forces de résistance qui lui furent opposées, et de la volonté intraitable de n'y rien céder, de sortir par tous les moyens d'une situation bloquée. Structuré en quatre parties ("l''esprit de catastrophe" ; "Les corps de la maladie" ; "Violence exaspérée" ; "L'esprit de communauté"), qui correspondent chacune à une entrée dans l'époque et dans la crise du sida, à une hypothèse les concernant, L'art en sida ... envisage la possibilité d'écrire une histoire de la maladie à partir des très nombreuses représentations qui la firent autant qu'elles ont été provoquées par elle
The AIDS crisis was a major turning point of contemporary history. This work, which begins with the start of the epidemic and ends with the medicinal revolution that was triple therapy, at the end of the 1990's, focuses on the impact of AIDS on - and in the works - of American and European artists. These artists have rarely been considered together through the lens of the virus, and yet Cindy Sherman, Derek Jarman, Niki de Saint Phalle, Jeff Kaons, Gilbert & George, Jenny Holzer, Michel Journiac and David Wojnarowicz - they are ail seized by same need to represent this crisis, at a time when no representation could truly be unaffected. In these works of arts, the undercurrents of western societies - starting with the bleakest - could be made current. These images could act as a memorial, like an emblem of resistance to that which would oppose them, and as beacon of indomitable will to never give up, and to try and find a way out of a deadlock. Centred on four main parts (« The Spirit of Catastrophe» ; « Bodies of Sickness »; « Frustrated Violence » ; « Community Spirit »), which each correspond to a window into the aids crisis, four proposals are put forward in order to comprehend the artistic output of the period. Art in AIDS puts forward the possibility that the works produced at the time of the disease are as much an integral part of the history of the disease than they are a consequence of it

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Midal, Alexandra. "Design par accident : pour une nouvelle histoire du design." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010644.

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Abstract:

Les publications en 1936 de "Pioneers of Modern Movement" de Nikolaus Pevsner suivie par "La Mécanisation au pouvoir" de Siegfried Giedion en 1948 constituent les deux narrations originelles d'une histoire du design. Cependant, pas plus Pevsner que Giedion n'a voulu établir une quelconque histoire du design. Le premier développait une généalogie de l'architecture moderne tandis que le second concevait un panorama de l'invention et de l'ingéniosité anonyme. Ces deux récits en faveur de l'architecture et du mouvement moderne font office d'origine à une histoire du design encore peu établie, par conséquent, nous nous sommes interrogés sur l'impact de ces conceptions partisanes sur le design, et si de telles circonstances n'avaient pas donné naissance au design par accident. Cette thèse a consisté à interroger la permanence de concepts qui s'imposent depuis Pevsner et à l'opposé de son énoncé à retracer une généalogie alternative débutant avec les féministes abolitionnistes américaines, et entrelaçant constamment les « oublis» et « dénis» de l'histoire du design. Afin d'engager une nouvelle historiographie du design, nous nous sommes concentrés sur la rupture épistémologique marquée par l'opposition à la fin des années 1960 entre le Controdesign des architectes radicaux et l’Antidesign énoncé par [oe Colombo. Ce dernier a permis de repenser l'histoire du design dans une dimension autonome vis-à-vis de l'architecture, le dernier axe de cette thèse s'est engagé dans le réexamen de l'histoire du design depuis William Morris jusqu'aujourd'hui dans la seule perspective de la dynamique expansionniste qui caractérise la discipline du design.

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Journée, Aurélie. "Artistes femmes, queer et autochtones face à leur(s) image(s) : pour une histoire intersectionnelle et décoloniale des arts contemporains autochtones aux Etats-Unis et au Canada (1969-2019)." Thesis, Paris, EHESS, 2020. http://www.theses.fr/2020EHES0105.

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Abstract:

Fin des années 1960 aux Etats-Unis, les Indians of All Tribes impulsent un mouvement de contestations sociales qui a pour but la reconnaissance des droits inhérents aux peuples autochtones à la souveraineté et à l'auto-détermination. L'American Indian Movement et sa branche féminine Women of All Red Nations s'emparent de ces questions sociales, politiques et culturelles. Femmes et hommes entament de concert un processus d'émancipation dont l'accomplissement ne cesse d'être repoussé par les politiques assimilatrices successives du gouvernement états-unien. Au Canada aussi, des mobilisations collectives éclatent dans les années 1980 et 1990, et culminent avec les événements de Restigouche (1984) et la Crise d'Oka (1990). Ces évènements majeurs inspirent toute une jeune génération d'artistes autochtones et de femmes en particulier, formées notamment à l'Institute of American Indian Arts à Santa Fe (Nouveau-Mexique). De formations universitaires approfondies, elles développent des démarches artistiques transdisciplinaires à mi-chemin entre l'histoire de l'art et l'ethnographie. Elles mettent en évidence la porosité et la friabilité des frontières instaurées dans tous les secteurs par la société dominante contre les groupes considérés comme minoritaires. A cette fin, le photographique – par lequel nous désignons la pratique, la technique et l'image photographiques – devient un outil stratégique majeur de réappropriation et de réaffirmation de ce qu'elles sont et tendent à incarner. Ces artistes femmes interrogent grâce à ce médium les façons dont elles ont été représentées et se représentent elles-mêmes dans le cadre de démarches critiques des stéréotypes dont elles font l'objet depuis plusieurs siècles d'appropriation culturelle. Elles repensent par ce biais leurs identités, les rapports qu'elles entretiennent à leurs corps, à leurs sexualités et à leurs genres, à l'aune de leurs propres spiritualités. Grâce à leurs images artistiques et politiques, fruits de pratiques fondées sur une analogie entre la violation de leurs droits, l'exploitation de leurs terres et territoires, et les violences sexuelles dont elles font l'objet, elles continuent à prendre part aux mouvements de résistance actuels qui s'opposent aux projets extractivistes face auxquels elles s'affirment, une nouvelle fois, en première ligne. A partir d'un corpus iconographique de près de 400 œuvres réalisées entre 1969 et 2019, et d'entretiens individuels avec des artistes et des militantes femmes et queer autochtones des Etats-Unis et du Canada, cette thèse a pour objectif de montrer en quoi ces images – en particulier photographiques configurent des épistémologies nouvelles dans une perspective intersectionnelle, décoloniale et anticapitaliste, et s'inscrivent dans la continuité d'un processus de réaffirmation des droits inhérents des peuples autochtones, garantis par la Déclaration des Nations Unies sur les Droits des Peuples Autochtones (2007)
In the late 1960s, the Indians of All Tribes lead a movement of social protests to get their rights to sovereignty and self-determination recognized as peoples. The American Indian Movement take over these political, social, and cultural issues. Together, Indigenous women and men start a process of emancipation that has been blocked by assimilationist US governmental policies. In Canada, collective movements also rise in the 80s and 90s, with the highest points during the Restigouche events (1984) and the Oka Crisis (1990). These major events inspire a whole generation of young Indigenous artists and women in particular, who study mostly at the Institute of American Indian Arts of Santa Fe (New-Mexico). Thanks to their education, they develop transdisciplinary artistic practices between art and ethnography that highlight the porosity and the flakiness of the borders that have been created in all the sectors by the dominant society against groups regarded as minorities. To do so, the “photographique” – that designates the photographic practice, technics and image – become a strategic technical and technological tool of reappropriation and reaffirmation of their identities and representation. These women and queer artists question, thanks to this medium, the ways they have been presented and re-represent themselves in the context of critical practices of the stereotypes that they have been facing for several centuries of cultural appropriation. It enables them to rethink their identities, the relationships to their bodies, their sexualities and genders, in terms of paradigms specific to their own spiritualities. Through artistic and political images, based on an analogy made between the violation of their rights, the exploitation of their lands and territories, and the feminicides perpetuate, they continue to take part in actual resistance movements against extractivist projects where they are again at the frontline. Based upon an iconographic corpus made of almost 200 artworks, through the 70s till now, and individual interviews with women and queer artists and militants from the US and Canada, this dissertation aims to show how these images – photographic in particular – try to set up new epistemologies in an intersectional, decolonial and anticapitalist perspective, as part of a process of reaffirmation of the inherent rights of Indigenous peoples, guaranteed by the United Nations Declaration on the Rights of Indigenous Peoples (2007)

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Maillet, Thierry. "Histoire de la médiation entre textile et mode en France : des échantillonneurs aux bureaux de style (1825-1975)." Paris, EHESS, 2013. http://www.theses.fr/2013EHES0063.

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Abstract:

Le développement de plusieurs formes de médiation entre textile et mode sur un siècle et demi est une des sources méconnues du succès de la mode puis du prêt-à-porter en France. A compter de 1825 un dessinateur vosgien, Jean Claude, s'installe à Paris d'où il réalise des propositions de croquis pour le compte de ses clients de Sainte-Marie-aux-Mines. Il leur envoie aussi des échantillons des nouveautés qu'il identifie à Paris. En 1834 l'échantillonnage devient son activité. Installé dans le quartier du Sentier à Paris Jean Claude développe son activité vers les industriels, mais aussi à compter de 1855 les écoles (Roubaix) et les associations de dessinateurs (Mulhouse). Médaillé à l'Exposition Universelle de 1878 à Paris sa réussite ne laisse pas indifférente une concurrence qui s'étoffe : l'échantillonnage médiatise les nouveautés de la mode vis à vis des professionnels du textile et France et à l'étranger. A partir de 1920 la présence accrue des grands magasins new-yorkais à Paris fait émerger un nouveau métier: le stylisme. Des « bureaus of stylists » sont créés au sein des départements d'achats des grands magasins new-yorkais installés à Paris. C'est aussi le début d'une histoire de la mode en conversation entre Paris et New York. Après la Seconde Guerre mondiale l'influence américaine par le biais de la presse féminine et des missions de productivité facilite l'essor de stylistes femmes à Paris contemporain de la diffusion du prêt-à-porter. A la fin des années 1950 un premier bureau de style est créé et trois autres dans les années 1960. Les bureaux de style acquièrent une influence croissante confirmant ainsi le rôle de la médiation dans l'élaboration de la mode
The development of several forms of mediation between textile and fashion over a century and a haIf is a little-known sources of success of fashion and ready-to-wear in France. As of 1825 a designer from the Vosges mountains, Jean Claude, moved to Paris where he made sketches of proposals on behalf of its clients in Sainte-Marie-aux-Mines. He also sends samples of novelties that he identifies in Paris. In 1834 sampling becomes its activity. Established in the Sentier district in Paris, Jean Claude develops its activities toward industrials and from 1855 to schools (Roubaix) and associations of designers (Mulhouse). With a medal at the Exposition Universelle of 1878 in Paris Jean Claude's success bolsters new competition: sampling mediates the latest fashion trends towards professional textile in France and abroad. From 1920 the increased presence in Paris of buyers' offices for the department stores from New York drives the emergence of a new profession: the styling within the brand new 'bureaus of stylists ". It is also the beginning of a history in conversation between Paris and New York in the fashion world. After World War II American influence through women's magazines and productivity missions facilitates the development of women designers in Paris. In the late 1950s a first bureau of stylist is created and three others in the 1960s. Bureaus of stylist gain increasing influence thus confirming the role of mediation in the development of fashion

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Jenner, Deborah. "Le spirituel dans l'art de Georgia O'Keeffe." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040138.

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Abstract:

Cette thèse rassemble toutes les influences spirituelles à la base de la vision artistique d'O'Keeffe (1887-1986). Le premier volume expose les sources ésotériques de son œuvre. Les recueils de hai͏̈ku et The Livre du thé lui ouvrent la voie du Zen ; les poètes transcendantaux et la culture amérindienne, celle du monisme ; enfin, Le Secret de la fleur d'or, celle de l'alchimie. Elle trouve aussi du mysticisme dans la psychologie jungienne et dans la physique moderne. Le deuxième volume montre comment chaque élément plastique est lié au spirituel. Thought Forms de la théosophie fournit des descriptions précises d'une réalité supérieure projetée par l'esprit. Grâce à l'approche innovatrice d'Arthur Dow, basée sur l'esthétique Japonaise et la composition musicale, O'Keeffe traduit la nature en design abstrait. Son Notan et sa " vacuité " remplacent les lignes de contour et les ombres. Son style, à la fois abstrait et réaliste, fait de fleurs voluptueuses, des gratte-ciel illuminés et de canyons du Far West évoque des mirages dont les couleurs vibrantes deviennent le véritable sujet. En explorant la perception de la réalité, son art devient une pratique spirituelle. Le troisième volume présente les thèmes de ses toiles comme autant d'événements : fentes dans le néant, formations géologiques, croissance organique, construction urbaine et sensations corporelles. O'Keeffe se sert du pragmatisme et du positivisme comme moyen d'aborder l'abstrait et l'invisible Les natures mortes expriment les humeurs. Les " mindscapes " transforment les paysages. La synesthésie réexamine la perception. L'intuition évalue l'observation. L'alchimie rend interchangeables le minéral, le végétal et l'animal. La Nature se transforme en icône sacrée. Ses tableaux, maIgre leur modeste format, nous rendent conscients de la splendeur cosmique de la Création. La spiritualité de son art est jugée par son pouvoir d'éveiller le spectateur aux merveilles et de les guérir
Cette thèse rassemble toutes les influences spirituelles à la base de la vision artistique d'O'Keeffe (1887-1986). Le premier volume expose les sources ésotériques de son œuvre. Les recueils de hai͏̈ku et The Livre du thé lui ouvrent la voie du Zen ; les poètes transcendantaux et la culture amérindienne, celle du monisme ; enfin, Le Secret de la fleur d'or, celle de l'alchimie. Elle trouve aussi du mysticisme dans la psychologie jungienne et dans la physique moderne. Le deuxième volume montre comment chaque élément plastique est lié au spirituel. Thought Forms de la théosophie fournit des descriptions précises d'une réalité supérieure projetée par l'esprit. Grâce à l'approche innovatrice d'Arthur Dow, basée sur l'esthétique Japonaise et la composition musicale, O'Keeffe traduit la nature en design abstrait. Son Notan et sa " vacuité " remplacent les lignes de contour et les ombres. Son style, à la fois abstrait et réaliste, fait de fleurs voluptueuses, des gratte-ciel illuminés et de canyons du Far West évoque des mirages dont les couleurs vibrantes deviennent le véritable sujet. En explorant la perception de la réalité, son art devient une pratique spirituelle. Le troisième volume présente les thèmes de ses toiles comme autant d'événements : fentes dans le néant, formations géologiques, croissance organique, construction urbaine et sensations corporelles. O'Keeffe se sert du pragmatisme et du positivisme comme moyen d'aborder l'abstrait et l'invisible Les natures mortes expriment les humeurs. Les " mindscapes " transforment les paysages. La synesthésie réexamine la perception. L'intuition évalue l'observation. L'alchimie rend interchangeables le minéral, le végétal et l'animal. La Nature se transforme en icône sacrée. Ses tableaux, maIgre leur modeste format, nous rendent conscients de la splendeur cosmique de la Création. La spiritualité de son art est jugée par son pouvoir d'éveiller le spectateur aux merveilles et de les guérir

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Sung, Shin-Young. "Espace réel, espace virtuel, espace transcendantal dans l'art contemporain : le cas de Robert Irwin." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040051.

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Abstract:

La notion d’espace prend un sens très fort et comme actif dans le travail artistique de Robert Irwin. Celui-ci instaure un nouveau mode d’être pour l’espace par son installation dite « site-conditioned/determined » tout en la nouant pourtant avec celui du site préexistant, qu’il soit intérieur ou extérieur. Le statut ontologique de son installation est celui d’un « non-objet », d’une extrême simplicité de forme et d’un minimum de matérialité : une bande noire ou une surface de voile semi-transparent, à la fois objet montré et sujet montrant, mettent en jeu lumière et ombre, attirant notre attention non seulement sur lui mais tout autour, intégrant l’espace où il s’intègre. L’installation est mise en œuvre de son environnement architectural ou naturel. L’installation est ainsi installa(tten)tion, c’est-à-dire installation qui installe l’attention. Ce que procure l’artiste au spectateur par son installation est la sensation pure de l’apparaître dynamique et changeant de l’espace du monde réel. Sensible d’abord à la dimension réelle de l’espace physique, nous découvrons peu à peu sa dimension virtuelle, puis transcendantale, au fur et à mesure que ce processus de sensation pure déclenché par l’aspect inhabituel de cet espace pourtant réel se déploie. Grâce au toucher direct et vivant d’un sentir aiguisé, et visuel et kinesthésique, éveillé par l’installation de Robert Irwin, devient quasi palpable notre conscience d’exister. Elle résonne alors à la réalité directe et immédiate du monde mais aussi aux virtualités de son apparaître et à ce qui les rend possibles : sa forme en soi, révélée et actualisée comme la véritable nature de l’espace réel
The notion of space has a strong and active meaning in Robert Irwin’s art work. He establishes a new way of appearance of space through his so-called “Site-conditioned/determined” installation by uniting the installation with the space of the existing site, whether indoors or out. The ontological status of his installation is that of a “none-object”: extremely simple in form and with a minimum of materials. He uses a black tape or a surface of semitransparent scrim. These objects are both “object shown” and “subject showing”. They play with light and shadow, catching our attention not only on themselves but also on their surroundings, including the space into which they fit. So the art piece is not only the installation itself but its circumstance with its whole architectural or natural environment. So the installation is installa(tten)tion, that is to say an installation that installs attention. Through the installation, the artist provides for the viewer a chance to have a pure sensation of the dynamic and changing appearance of space in the real world. At first sensitive to the real dimension of physical space, we discover little by little its virtual and then transcendental dimensions, as this process of pure sensation unfolds, triggered by the unusual aspect of the real space caused by the installation. A direct and living contact through a sharpened feeling, both visual and kinesthetic, with the space, awakened by the installation of Robert Irwin, makes our awareness of existing almost palpable. This awareness of existing resonates with the direct and immediate reality of the world as well as potentialities of the world’s appearance and what makes these potentialities possible: form in itself, revealed and actualized as the true nature of real space

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Renard, Johanna. "Poétique et politique de l’ennui dans la danse et le cinéma d’Yvonne Rainer." Thesis, Rennes 2, 2016. http://www.theses.fr/2016REN20032/document.

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Abstract:

Danse, performance, cinéma, écrits théoriques et poétiques : dans la multiplicité de sa création artistique et intellectuelle, Yvonne Rainer s’impose comme une artiste cardinale dans l’histoire de l’art. Instigatrice du changement de paradigme postmoderne en danse, elle arrache le geste ordinaire à la vie quotidienne pour le placer au cœur de la création chorégraphique, en radicale juxtaposition avec des textes, des images et des objets. À partir des années 1970, elle émerge parmi les figures centrales du cinéma expérimental et indépendant en dialogue avec les théories et les luttes politiques féministes, queer et postcoloniales. Cette thèse explore la place de la subjectivité et de l’émotion dans la danse et le cinéma de Rainer. En effet celle-ci a impulsé un renouvellement radical du matériau affectif dans la pratique artistique en l’envisageant comme un fait, une réalité objective. Dans un contexte où l’ennui agit comme un style affectif dominant au sein de l’avant-garde artistique américaine après 1945, l’artiste propose une expérience matérielle sensible, générant une conscience décuplée du temps et plaçant son public dans cette disposition affective à la fois pesante, froide et ordinaire. Puis, en résonance avec le cinéma des femmes, elle investit l’ennui à la fois comme une dynamique de subjectivation et comme une stratégie de subversion. En naviguant entre les dimensions individuelles et collectives de l’émotion, la thèse explore les enjeux esthétiques, politiques et subjectifs de l’ennui dans l’œuvre de Rainer
The multiplicity of Yvonne Rainer’s art and intellectual works - in dance, performance, film, theoretic and poetic writings - makes her one of the essential artists in the history of art. As instigator of the post-modern paradigm shift in the dance scene, she pulled out movements from everyday life and put them at the core of her choreographic work, creating a radical juxtaposition to texts, pictures and objects. In the seventies, she became one of the main figures of experimental and independent cinema. Her polyphonic and reflexive cinematographic works entered in a dialogue with feminist, queer and postcolonial theories and struggles. The present thesis explores the notion of subjectivity and emotion in the film and dance of Rainer. Indeed, she has given the impulse for a radical renewal of the use of emotional material, which she considered as a given fact and an objective reality, in the artistic practice. In a context where boredom imposed itself as the dominant emotional style in the American artistic avant-garde after 1945, the artist offered a sensitive material experience. In particular, she created an acute conscience of time and put her audience in a specific emotional disposition, boredom, that can be described as tedious, cold and ordinary altogether. Then, in echo with women’s cinema, she explored boredom both as a process of subjectivation and as a strategy of subversion. Navigating between individual and collective dimensions, this research explores the aesthetic, political and personal stakes around the expression of boredom in Yvonne Rainer’s work

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Görgen, Carolin. "Out here it is different - The California Camera Club and community imagination through collective photographic practices : toward a critical historiography, 1890-1915." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCC010/document.

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Abstract:

Le California Camera Club, un collectif de photographes amateurs et professionnels actif à San Francisco notamment entre 1890 et 1915, est une organisation constamment marginalisée dans l’histoire de la photographie et de l’Ouest américain. En adoptant une double approche d’histoire culturelle et matérielle, cette thèse éclaire une gamme d’activités et de productions de ce club largement inconnu, qui ont contribué à forger l’identité d’une communauté éloignée de l’Ouest. Par son approche inclusive, réunissant plus de 400 membres en 1900, le club doit être considéré comme une organisation localement ancrée, qui se sert de la photographie pour produire un récit esthétiquement attirant et historiquement cohérent de la ville et de l’État. Malgré son chevauchement chronologique avec le pictorialisme et son ambition de faire reconnaître le médium parmi les beaux-arts, le corpus du club ne peut être inséré dans un canon d’histoire de l’art de la photographie. En se basant sur diverses stratégies de diffusion et d’exposition, les membres adoptent plutôt une approche collective qui transforme l’aspiration à la reconnaissance en un désir de légitimation régionale. À travers une analyse de pratiques photographiques, d’usages et d’itinéraires des objets, cette thèse retrace la construction d’une représentation idiosyncratique de la culture et de l’histoire californiennes par un club qui participe à la conquête d’une place légitime pour l’État sur la scène nationale. En mettant l’accent sur la dimension collective de la photographie, cette analyse montre comment sa pratique dans un territoire isolé mène à la construction imaginaire d’une communauté dotée d’une compréhension commune de ses valeurs esthétiques et de son histoire. L’enjeu de cette thèse est ainsi de réviser un schéma linéaire et étroit de l’histoire de la photographie en élargissant les perspectives géographiques, socioculturelles et archivistiques
The California Camera Club, a collective of amateur and professional photographers, most active in San Francisco between 1890 and 1915, represents a constantly marginalized organization in the history of photography and of the American West. By adopting a two-fold cultural-historical and material approach, this thesis sheds light on a largely unknown variety of Club activities and productions that served as meaningful elements to forge the identity of a remote Western community. Through its inclusive outlook, unifying more than 400 members in 1900, the Club must be considered a locally embedded organization that mobilized photography to produce an aesthetically pleasing and historically coherent narrative of the city and the state. Despite its chronological position in the period of Pictorialism and the striving for institutional recognition, the Club corpus cannot be inserted into an art-historical canon of photography. Rather, by drawing on diverse strategies of dissemination and exhibition, the members adopted a collective approach to the medium that turned the striving for institutional recognition into a desire for regional legitimation. Through an examination of photographic practices, uses, and object trajectories, this thesis traces the construction of an idiosyncratic representation of Californian culture and history by the Club, which actively assisted the state’s search for a legitimate national place. By focusing on the collective dimension of photography, the analysis demonstrates how the practice in an isolated territory led to the imagination of a community with shared aesthetic and historical understandings. The object of this thesis is to revise both linear and narrow tropes in the history of photography by broadening its geographic, sociocultural, archival perspectives

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Jacob, François. "La beat generation : à la croisée des chemins de l'art et de la littérature (1944-1975)." Thesis, Aix-Marseille 1, 2011. http://www.theses.fr/2011AIX10149.

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Abstract:

Cette étude explore les relations entre la "Beat Generation" et l'art. Elle se penche principalement sur les oeuvres plastiques de William S. Burroughs (1914-1997), Jack Kerouac (1922-1969) et Allen Ginsberg (1926-1997). La période choisie pour cette recherche débute en 1944 et se poursuit jusqu'en 1975, c'est-à-dire de la formation du groupe à la fin de l'idée de contre-culture. L'analyse ne se limite pas à la constatation d'un va-et-vient entre le mot et l'image, mais démontre que les écrivains de la "Beat Generation" sont en prise direct avec l'art de l'époque et vont explorer toutes les techniques plastiques pour exprimer en dehors de leur œuvre littéraire. En abordant l'aventure artistique, les trois "Beats" sont confrontés à la notion d'"ekphrasis": ils prolongent un long héritage à travers des disciplines artistiques différentes: la peinture, le croquis ou la technique du collage
This study exlpores the relationship between art and the "Beat Generation". It mainly focuses on the plastic works of William S. Burroughs (1914-1997), Jack Kerouac (1922-1969)and en Ginsberg (1926-1997). The field of research covers the period from 1944 to 1975, i.e. from the formation of the Group to the end of the idea of counterculture. The analysis does not limit itself to the description of the back and forth movements between literature and the arts. The "Beat Generation" writers were in fact directly connected to the art of their time and explored all kinds of plastic techniques to express themselves independently from their lierary works. In addressing the adventures of the artistic experience, the three "Beats" were confronted with the notion of "ekphrasis" and obviously prolonged an old legacy through different artistic disciplines like painting, drawing or collage

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Balso, André. "Robert RYAN ou la fureur souterraine : jeu d'acteur d'une "non-star" hollywoodienne." Thesis, Normandie, 2018. http://www.theses.fr/2018NORMC008/document.

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Abstract:

Robert Ryan (1909-1973) était de ces acteurs qui ne furent jamais starifiés. Pour autant, il ne resta pas non plus entièrement dans l’ombre de ses contemporains les plus reconnus. Rendu célèbre au cours de l’année 1947 par Crossfire (Feux croisés, Edward Dmytryk), il fut, depuis cette zone grise de la « non-starification », ce personnage de film noir à la fois névrosé et violent, tout aussi affirmatif que désorienté – mais pas uniquement. Aujourd’hui oublié comme la plupart des acteurs de cette catégorie, il apparut pourtant dans soixante-treize longs-métrages, parfois réalisés par des cinéastes de renoms tels que Jean Renoir, Nicholas Ray, Anthony Mann, Max Ophuls ou encore Fritz Lang, et sa carrière se prolongea au théâtre et à la télévision. En partant de quelques incarnations pour remonter vers ce qui faisait la singularité du jeu de Robert Ryan, puis en tentant d’inscrire l’acteur dans l’histoire esthétique du cinéma de son temps, le présent texte se penche sur l’un de ces Hollywood standby méconnus, qui firent pourtant office de matériaux essentiels aux films américains classiques
Robert Ryan (1909-1973) was one of those actors who never became a movie star. However, he was not completely in the shadow of his famous contemporaries. Celebrated for his part in Edward Dmytryk’s Crossfire (1947), he was this "non-star" actor playing neurotic, violent, affirmative and disorientated film noir characters, but he was not only that. If he has been forgotten today, like most actors of his kind, he nevertheless made seventy-three movies, sometimes directed by filmmakers such as Jean Renoir, Nicholas Ray, Anthony Mann, Max Ophuls or Fritz Lang, and he also had a career in theatre and television. Through the description of some of his roles, by analyzing the peculiarity of his acting style, and trying to place him within the aesthetic history of American cinema, the following text deals with one of those underrated "Hollywood standby", that were vital to the craft of American cinema

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Dissertations / Theses on the topic 'Art de performance – États-Unis – 20e siècle'

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