Academic literature on the topic 'Art déco – France'

Despite the lively scholarly debate on the place of The Sleeping Beauty (1890) in the political and cultural history of the Franco-Russian alliance in the 1890s, the representation of international relations in the first production of The Nutcracker (1892) has so far received little attention. This representation includes the well-known series of character dances in the second act of the ballet, but also the use of French fashion from the revolutionary era to costume the party guests, the mechanical dolls, the toy soldiers, and even Prince Nutcracker. The fairy-tale world offered a frame that not only promoted the absolutist aspirations of Alexander III's regime, but also solved the symbolic challenge of a problematic alliance between republican France and tsarist Russia. The same visual repertoire informed diplomatic life: four years after The Nutcracker, in 1896, the décor for the state visit of Nicholas II and Alexandra Feodorovna in France duplicated that of the fairy-tale world on stage.

The historical attire of women from the Lithuania Minor (Klaipėda Region) has a characteristic practical detail: a textile pocket tied at the waist, which functionally corresponds to the modern handbag or pocket. Such textile pockets are called delmonai (pl.) and are usually decorated with colorful ornaments. The purpose of this article is introducing the prototypes of the ornamental motifs in terms of intercultural comparison, employing the visual materials collected by the author and historically formed intercultural contacts. While introducing her hypothesis of possible long-term influences, the author presents décor samples from identical or related textile pockets (from the 17th century until the middle of the 20th century), discussing the possibilities of their finding way to the Lithuania Minor. Researching the change occurring in the décor motifs, the author employs comparative analysis of the traditional (from the beginning of the 19th century until 1930s) and modern (from the beginning of the 21st century) textile pockets, still used as part of the national costume of the Lithuania Minor. The origins of several decorative motifs, e.g. the wreath, the crowned musical instrument, and the flower bouquet, are analyzed in more detail. The vegetal ornaments predominate in the décor of the textile pockets from the Lithuania Minor, including blossoms, branches, bouquets, leafs, wreaths and stylized trees. Certain modes of representation have been appropriated by the folk art from professional art or textiles. The most important centers of high fashion emerging in France, Italy, and Germany, exercised certain impact on tendencies occurring in the folk handicraft. Examples of textile pockets worn by the nobility were widely promoted by the periodicals. The surviving samples of embroidery patterns indicate one of the possible sources for the textile pockets’ décor in the Lithuania Minor: namely, the printed sheets with ornamental patterns, used by the nobility and lower social classes alike. Another likely source would be functionally similar needlework by women from the neighboring countries, since textile pockets make part of the national costume there as well. Sea trade created favorable conditions for commercial and cultural interchange between neighbors. The motif of wreath, rather frequently used in the Lithuania Minor, and the occasional motif of the flower bouquet also occur on textile pockets from Pomerania (the border region between Poland and Germany). Ornamentation of the pockets from Bavaria (in Germany) is also rather close in character to the décor of the Lithuania Minor. Such congruities may be determined by several reasons. Firstly, the producers of these textile works could have had interconnections (after the onslaught of devastating plague in Europe, numerous people from Salzburg moved to the fertile but rather wasted out territories of the Lithuania Minor). Secondly, the producers could have used the same original pattern, e.g. the printed sheet. However, although the mutual influence in the needlework décor of the neighboring countries determined by their economic and cultural connections is obvious, the décor of the textile pockets from the Lithuania Minor stands out in terms of its peculiar features (particular colors, modes of décor, etc.).In terms of spreading the regional ethnic culture, the problem of preserving the regional character of the folk art acquires special significance. Although separate parts of the national costumes inevitably change as result of the technical innovations increasingly applied to their production, these costumes should still remain recognizable as a continuation of the folk attire characteristic to the particular region. The patterns of décor used while making the textile pockets nowadays follow to some extent the traditional motifs of floral compositions. Although individual authors tend to create their original compositions, the majority of the textile pockets produced as part of the national costume of the Lithuania Minor still are easily recognizable as belonging to this particular region. The ornamental motifs are not especially distanced from the original ones as well, with embroidered flower bouquets and wreaths still making the majority. However, the motifs of the bouquet placed in a bag and the crowned musical instrument have lost their popularity. Rather than just making part of the national costume of the Lithuania Minor, the textile pockets increasingly appear as part of the modern clothing characterizing its regional peculiarity.

La France fourmille d’exemples emblématiques de patrimoine en béton Art déco. Si les plus emblématiques sont sans doute le théâtre des Champs-Élysées, le palais de Chaillot ou le palais d’Iéna à Paris, ce patrimoine se décline à travers une grande richesse de types constructifs, d’usages et de décors. Ces édifices en béton armé construits dans les premières décennies du xxe siècle subissent les assauts du temps, de la pollution et parfois d’environnements agressifs. Ils souffrent aussi parfois des audaces techniques de l’époque avec l’usage expérimental de techniques ou de matériaux (enduits lithogènes, par exemple). Il en résulte que nombre d’entre eux présentent aujourd’hui des altérations nécessitant une attention particulière pour préserver leur authenticité. Dès le début des années 1990, le ministère de la Culture, par l’intermédiaire du Laboratoire de recherche des monuments historiques (LRMH), a entrepris des recherches systématiques permettant un inventaire dédié du patrimoine en béton ainsi que des études approfondies de ses pathologies et des potentiels moyens de le restaurer. Si certaines solutions ont été identifiées et mises en œuvre sur le patrimoine Art déco (nettoyage au palais de Chaillot, protection cathodique à l’hôtel de ville du Touquet par exemple), d’autres restent à développer, en particulier pour les voûtes associant verre et béton ou certains décors complexes tels que les sculptures monumentales en béton de Carlo Sarrabezolles à Villemomble.

L’influence occidentale en Asie a suscité l’édification de nombreux édifices Art déco, notamment en Chine sous la République (1912-1949). Ces édifices élégants, qui émaillent les métropoles urbaines, sont bien étudiés pour ce qui est de Shanghai. Beaucoup moins connus en revanche sont ceux de Tianjin, port de Pékin où furent signés en 1858 les traités inégaux et où l’occupation étrangère s’est incarnée dans neuf concessions, dont celle établie par la France en 1861. L’article se concentre sur deux bâtiments construits sous le contrôle de la municipalité : l’hôtel municipal (1931) et le Cercle français (1932). Tous deux ont joué le rôle de vitrine de la France dans cette ville cosmopolite. Si l’extérieur de l’hôtel municipal cherche à imposer l’image d’un certain classicisme français, ses intérieurs, bien plus modernes, adoptent des lignes et un mobilier Art déco dont une grande partie est encore conservée aujourd’hui. Cette tendance est radicalisée dans le siège du Cercle français, bâtiment qui accueille des activités sportives et sociales. Les plans des deux édifices sont fournis par Léo Mendelssohn (1894-1985), ancien élève de l’École des beaux-arts de Paris, envoyé en Chine par le Crédit foncier d’Extrême-Orient. À travers l’étude de ces bâtiments, l’article aborde la question de la diffusion de l’Art déco en Chine et sa réception ambiguë, entre impérialisme et modernité cosmopolite, dans un contexte marqué par le colonialisme.

Bien qu’encore parfois menacé, le patrimoine Art déco a été l’objet depuis plusieurs décennies d’une attention particulière, dont témoignent certains chantiers emblématiques comme la restauration de la villa Cavrois de Robert Mallet-Stevens à Croix ou la reconversion en musée de la piscine de Roubaix (Hauts-de-France). Pierre-Antoine Gatier, architecte en chef et inspecteur général des monuments historiques, a également contribué de façon significative à de nombreux travaux visant la protection de ce patrimoine. Engagé avec conviction dans la restauration du patrimoine du xxe siècle, et particulièrement reconnaissant du rôle joué en la matière par André Malraux, André Chastel et Bruno Foucart, il revient dans cet entretien sur sa pratique au regard des spécificités techniques des constructions de cette époque, et de sa propre perception du mouvement, qu’il considère comme relevant d’abord d’une temporalité. Il aborde en outre la variété des cas de figure qui se présentent à lui, en fonction des lieux investis, bien caractéristiques de la diversité des programmes architecturaux et décoratifs de la période : la reconversion de l’hôtel particulier du décorateur Paul Follot à Paris, la restauration en cours du palais Saint-Vaast d’Arras, le patrimoine religieux (églises Saint-Louis de Vincennes, Saint-Louis de Villemomble et du Saint-Esprit à Paris) et le patrimoine de l’eau (bains pompéiens de Deauville, piscines Saint-Georges à Rennes et Canclaux à Saint-Maixent).

Ville front placée quatre ans durant sous les bombardements, à la fin de la guerre, Reims est ravagée et détruite. La reconstruction s'effectue dans un contexte de gestion individuelle des indemnités sans que l'état ou les collectivités locales n'intervienne dans les choix des habitants. C'est ainsi que l'Art déco (à la fois un style et le reflet d’une époque) a trouvé sa place dans la ville, d'une façon naturelle. Reims renaît de ses cendres et atteint, le premier rang pour le nombre de permis de construire déposés en France, mêlant à une trame urbaine remodelée (par un plan de restructuration) sa nouvelle apparence inspirée par l'Art déco. Ce style a permis de répondre aux besoins des habitants meurtris par la Guerre, par la conjugaison judicieuse de l'art et de l'industrie. L'architecture qui résulte de cette reconstruction valut à la ville la dénomination de «capitale de /'Art déco ». Les rémois ont pu s'approprier ce style à travers une expression plus personnelle : l'originalité de l'architecture Art déco réside dans le fait que l'ornement se revêt de signification, non seulement il souligne la structure et fait corps avec l'édifice, mais selon les figures choisies et même la variété des plantes, il se révèle porteur d'émotion et pourvu de profondes significations. A titre d'exemple, la pomme de pin, symbole d'éternité se voit sur plusieurs des façades de la période de la reconstruction à Reims. Bien que les ravages aient largement démontré l'inverse, faire sculpter un tel symbole, c'était indéniablement nier le message des destructions. Ainsi, ce patrimoine doté d'un symbolisme unique et émouvant, est devenu aujourd'hui un élément de l'identité rémoise
On the front lines for four years under bombardments, at the end of the war, Reims is ravaged and destroyed. The reconstruction is made in a context of individual management of the allowances without the state or the local authorities intervenes in the choices of the inhabitants. This is the way the Art deco (at the same time a style and the reflection dune period) found its place in the city, in a natural way. Reims is reborn of its ashes and achieves, the first rank for the number of building permits requested in France, involving with a remodeled urban network (by a restructuring plan) its new appearance inspired by the Art deco. This style allowed to meet the needs of inhabitants bruised by the War, by the sensible conjugation of the art and of the industry. The architecture which results from this reconstruction was worth in the city the nickname of " capital of the Art deco ". The inhabitants of Reims were able to appropriate this style through a more persona! expression: the originality of the architecture Art deco lies in the fact that the ornament puts on meaning, not only he underlines the structure and is at one with the building, but according to the chosen figures and even the variety of plants, he shows himself carrier of emotion and provided with profound meanings. As an example, the pine cane, the symbol of eternity is on several of the facades of the period of the reconstruction in Reims. Although the devastation widely demonstrated the opposite, make sculpture such a symbol, it was unmistakably to deny the message of the destructions. So, these holdings endowed with a only and moving symbolism, became today an element of the Reims identity

La thèse a pour objet d'étudier les immeubles d'habitation parisiens construits entre 1919 et 1939. Il s'agit, pour cette période sacrifiée par l'historiographie contemporaine, de mettre en évidence une "strate architecturale originale de l'habitat", terme qui illustre l'ensemble des caractéristiques des édifices : situation dans la parcelle, plan des étages, toiture, système constructif, décoration externe, équipement des appartements. La diversité de cette strate s'exprime grâce à des catégories spécifiques, sans référence aux termes de Modernité, Modernisme et Modernisation, déjà préemptés par les historiens de l'architecture, en préférant ceux d'Art déco (affirmé ou dépouillé), Innovation (affirmée ou tempérée), Éclectisme post-haussmannien, permettant de prendre en compte l'ensemble du corpus, immeubles de rapport ou logements sociaux. La méthode utilisée, à la fois quantitative et qualitative, consiste à travailler sur un corpus quasiment exhaustif de deux mille quatre cent-trente opérations immobilières correspondant à 6000 immeubles, garantissant ainsi la pertinence des résultats obtenus quant aux caractéristiques externes de la strate et à étudier en détail un sous-ensemble du corpus, tirant parti des éléments contenus dans les archives, les revues et les ouvrages de la période, et permettant d'obtenir des données sur les architectes, les commanditaires et les immeubles et des analyses plus complètes sur l'habitat. Cette thèse constitue une source qui devrait aider les chercheurs à explorer en détail les œuvres d'architectes méconnus, les matériaux utilisés et les liens entre architectes et commanditaires, ou entre architectes et entreprises de construction
The subject matter of this thesis is to study the Parisian buildings, built between 1919 and 1939. In this period, played down by the contemporary histography, this work aims to highlight an "original architectural layer of housing", a phrase which illustrates the feature sets of buildings : location in the plot (alignment or open courtyard), floor plans (traditional or duplex), roof (attic or terrace), building system, outer decoration, modern conveniences. The diversity of this layer is expressed by specific categories which are not labelled modernity, modernism and modernization, as historians are used to doing, but Art deco (full or partial), Innovation (full or moderate), Post-haussmannian eclecticism, so as to consider the whole corpus, residential rental accommodation or social housing. The approach used, both quantitative and qualitative, consists, on the one hand, in working on an almost exhaustive corpus of two thousand four hundred real estate transactions corresponding to six thousand buildings, thereby ensuring the relevance of the results obtained from the "visible" characteristics of the layer and, on the other hand, in closely studying a subset of the corpus in order to use the information found in the archives, in the Architecture reviews and in the works published in that period so as to obtain data about architects, clients, buildings and deeper analyses on housing.This thesis establishes a resource that could help future researchers to explore the works by underestimated architects, building materials and links between architects and clients or between architects and construction firms

La thèse a pour objet d'étudier les immeubles d'habitation parisiens construits entre 1919 et 1939. Il s'agit, pour cette période sacrifiée par l'historiographie contemporaine, de mettre en évidence une "strate architecturale originale de l'habitat", terme qui illustre l'ensemble des caractéristiques des édifices : situation dans la parcelle, plan des étages, toiture, système constructif, décoration externe, équipement des appartements. La diversité de cette strate s'exprime grâce à des catégories spécifiques, sans référence aux termes de Modernité, Modernisme et Modernisation, déjà préemptés par les historiens de l'architecture, en préférant ceux d'Art déco (affirmé ou dépouillé), Innovation (affirmée ou tempérée), Éclectisme post-haussmannien, permettant de prendre en compte l'ensemble du corpus, immeubles de rapport ou logements sociaux. La méthode utilisée, à la fois quantitative et qualitative, consiste à travailler sur un corpus quasiment exhaustif de deux mille quatre cent-trente opérations immobilières correspondant à 6000 immeubles, garantissant ainsi la pertinence des résultats obtenus quant aux caractéristiques externes de la strate et à étudier en détail un sous-ensemble du corpus, tirant parti des éléments contenus dans les archives, les revues et les ouvrages de la période, et permettant d'obtenir des données sur les architectes, les commanditaires et les immeubles et des analyses plus complètes sur l'habitat. Cette thèse constitue une source qui devrait aider les chercheurs à explorer en détail les œuvres d'architectes méconnus, les matériaux utilisés et les liens entre architectes et commanditaires, ou entre architectes et entreprises de construction
The subject matter of this thesis is to study the Parisian buildings, built between 1919 and 1939. In this period, played down by the contemporary histography, this work aims to highlight an "original architectural layer of housing", a phrase which illustrates the feature sets of buildings : location in the plot (alignment or open courtyard), floor plans (traditional or duplex), roof (attic or terrace), building system, outer decoration, modern conveniences. The diversity of this layer is expressed by specific categories which are not labelled modernity, modernism and modernization, as historians are used to doing, but Art deco (full or partial), Innovation (full or moderate), Post-haussmannian eclecticism, so as to consider the whole corpus, residential rental accommodation or social housing. The approach used, both quantitative and qualitative, consists, on the one hand, in working on an almost exhaustive corpus of two thousand four hundred real estate transactions corresponding to six thousand buildings, thereby ensuring the relevance of the results obtained from the "visible" characteristics of the layer and, on the other hand, in closely studying a subset of the corpus in order to use the information found in the archives, in the Architecture reviews and in the works published in that period so as to obtain data about architects, clients, buildings and deeper analyses on housing.This thesis establishes a resource that could help future researchers to explore the works by underestimated architects, building materials and links between architects and clients or between architects and construction firms

En 1897, paraît la première revue parisienne consacrée à la critique des arts décoratifs contemporains : Art et Décoration, publiée par la Librairie centrale des beaux-arts. Jusqu’en 1914,elle reste fidèle aux engagements énoncés par son programme : être l’auxiliaire du développement d’un art décoratif français moderne, au sens large, en suivant étroitement l’actualité artistique et en prenant part aux débats critiques, esthétiques, théoriques et idéologiques qui sous-tendent cette actualité. Cette recherche a pour but de décrypter l’action critique et théorique d’Art et Décoration en tant qu’auxiliaire de l’évolution des faits artistiques, selon trois niveaux de lecture : la place d’Art et Décoration et de ses principaux acteurs au sein du champ éditorial des revues d’art, la vocation militante de son discours critique, et, enfin, son élaboration d’une esthétique décorative extensive.Tout en suivant ce triple niveau de lecture, cette étude adopte un parcours en quatre temps,correspondant à quatre périodes, définies par la superposition de l’histoire interne d’Art et Décoration, de l’évolution des faits artistiques et du positionnement critique et théorique de la revue vis-à-vis de ces derniers
In 1897, the Librairie centrale des beaux-arts published the first Parisian review devoted to contemporary decorative arts criticism : Art et Décoration. Until 1914, the review adhered to its original mission of chronicling the development of modern, French decorative art by reporting artistic events, and taking an active role in the critical, aesthetical, theoretical and ideological debates of the period. This research intends to understand the critical and theoretical actions of Art et Décoration through three different perspectives: the role of Art et Décoration and its main contributors in the field of art review publishing; the militant language of its critical discourse ; and, its construction of an extensive decorative aesthetic. In addition to these three viewpoints, this study is further divided into four chronological periods based upon the internal dynamics of Art et Décoration, artistic developments of the era, and the progression of the review’s critical and theoretical positions

Créateur insatiable à la personnalité complexe, il n’est pas aisé de fixer la physionomie artistique de Paul Iribe. Tour à tour, caricaturiste, journaliste, décorateur, créateur de bijoux, scénographe, styliste, photographe, éditeur, scénariste, metteur en scène, costumier… Iribe, à l’image de Cocteau, avec lequel il partage les premières années de sa vie de créateur, touche à tout avec une facilité et un talent peu communs, défiant ainsi tous ceux qui seraient tenter de l’enfermer dans un domaine artistique. Un constat s’impose. Si Iribe, en ce début des années 1910, est omniprésent dans tous les champs des arts décoratifs, ses créations mobilières semblent peu susciter l’attention de la presse spécialisée française. Ce manque d’intérêt des périodiques français s’explique, en outre, par le choix du jeune créateur de se tenir en dehors de tous circuits commerciaux. Tout en étant très sollicité par une clientèle cossue et « très imité » par ses confrères, Iribe reste en retrait des manifestations officielles. Snobisme à la des Esseintes ou juge-t-il la démarche peu fructueuse en termes de visibilité et donc de rentabilité ? Il y a un certain paradoxe à considérer qu’Iribe fait « tout » pour sortir de l’anonymat et devenir une figure artistique importante de ces années 1910, mais ne fait rien pour soigner sa popularité. Les quelques articles qui lui rendent hommage témoignent de cette effervescence créatrice qui procède à la fois du prodige et de l’art de la dispersion. Pour certains, Iribe est le précurseur de l’Art décoratif moderne, celui « qui montra la voix », pour d’autres, il est davantage l’homme des révolutions avortées, n’exploitant jamais jusqu’au bout ses intuitions géniales. Suivre l’itinéraire artistique de Paul Iribe, c’est à la fois suivre la voie d’un artiste original, farouchement attaché à sa liberté, mais aussi les problématiques esthétiques auxquelles se confrontent les artistes décorateurs modernes en ces années d’avant-guerre où la « querelle du cosmopolitisme » bat son plein. Suivre le parcours de Paul Iribe, c’est appréhender la complexité de cette période charnière, passage d’un style à un autre, de l’Art nouveau à l’Art déco. Ce « nouveau style », qui s’élabore dans les années 1910 doit, en effet, au moins autant à Paul Iribe qu’à des figures aujourd’hui emblématiques de cette transition, tel André Groult. La rose et le galuchat, si caractéristiques de cette période doivent à Iribe ; pour la première son statut iconique, pour le second, sa remise au goût du jour - jusqu’à devenir le symbole de l’Art déco. Exilé aux États-Unis, où il met son talent au service du producteur metteur en scène Cecil DeMille, il passe à côté de l’effervescence des années 1920 et disparait totalement de l’actualité parisienne. Mais, plus pénible encore est l’indifférence dans laquelle les organisateurs de l’Exposition internationale des Arts décoratifs de 1925, le tiennent. Aucun rappel n’est fait de ce style « à la rose ». C’est un oublié. En s’exilant Iribe s’est mis à l’index de toutes les tendances nouvelles - dont il fut l’un des précurseurs - et dont la guerre a accouché. L’aigreur pointe. Le décorateur audacieux des années d’avant-guerre laisse place à un virulent pamphlétaire. Il se lance dans une cabale contre l’art de son temps, et met toute sa fougue au service de la défense des industries du luxe et de l’artisanat. Mais, sont-ce là vraiment ses convictions ? Sa conquête de Gabrielle Chanel et ses talents de publiciste laissent toutefois présager de nouvelles perspectives pour son œuvre. Leur complicité affective, mais aussi artistique, lui est profitable. Auprès de cette dernière compagne, son talent, intact, s’exprime à nouveau sans retenue
An insatiable creator with a complex personality, it is not easy to define the artistic physiognomy of Paul Iribe. In turn, caricaturist, journalist, decorator, jewellery designer, scenographer, stylist, photographer, publisher, screenwriter, director, costume designer, ... Iribe, like Cocteau, with whom he shares the first years of his creative life, touches everything with an uncommon ease and talent, thus defying all those who would be tempted to confine him to an artistic domain. One observation is clear. If Iribe, in the early 1910s, is omnipresent in all fields of the decorative arts, his furniture creations seem to attract little attention from the specialized French press. This lack of interest from French periodicals is explained, among other things, by the young creator's choice to stay outside of all commercial circuits. While being highly sought after by a wealthy clientele and "very imitated" by his colleagues, Iribe remains aloof from official events. Snobbery in the style of des Esseintes, or does he judge the approach to be unproductive in terms of visibility and therefore profitability? There is a certain paradox in considering that Iribe does "everything" to emerge from anonymity and become an important artistic figure of these 10 years but does nothing to cultivate his popularity. The few articles that pay tribute to him testify to this creative effervescence that proceeds both from prodigy and the art of dispersion. For some, Iribe is the precursor of modern Decorative Art, the one "who showed the way", for others, he is more the man of aborted revolutions, never fully exploiting his brilliant intuitions. Also, to follow the artistic itinerary of Paul Iribe is to follow the path of an original artist, fiercely attached to his freedom, but also to follow the aesthetic problems that confront modern decorator artists in these pre-war years when the "cosmopolitanism quarrel" is in full swing. To follow the journey of Paul Iribe is to understand the complexity of this pivotal period, the passage from one style to another, from Art Nouveau to Art Deco. This "new style", which is being developed in the 1910s, owes at least as much to Paul Iribe as to figures now emblematic of this transition, such as André Groult. The rose and the shagreen, so characteristic of this period, owe to Iribe; for the first its iconic status, for the second, its revival, until it becomes the symbol of Art Deco. Exiled to the United States, where he puts his talent at the service of producer-director Cecil DeMille, he misses the effervescence of the 20s and disappears completely from the Parisian scene. But even more painful is the indifference in which the organizers of the 1925 International Exhibition of Decorative Arts hold him. No reminder is made of this "rose" style. He is forgotten. By exiling himself, Iribe has put himself on the index of all the new trends, of which he was one of the precursors, and which the war has given birth to. Bitterness is emerging. The daring decorator of the pre-war years gives way to a virulent pamphleteer. He launches a campaign against the art of his time and puts all his energy into defending the luxury industries and craftsmanship. But are these really his convictions? His conquest of Gabrielle Chanel and his talents as a publicist, however, suggest new perspectives for his work. Their emotional but also artistic complicity is profitable for him. With this last companion, his talent, intact, is expressed again without restraint

Premier grand prix de sculpture en 1919, le parisien Raymond Delamarre se positionne dans le nouvel ordre plastique néo-classique du groupe des prix de Rome des années 20 (peintres Dupas, Roganeau, Billotey, Pougheon et Despujols, sculpteurs Foucault, Janniot, Martial et Vézien, graveur Decaris, architectes Carlu, Roux-Spitz et Azéma). Porté par nature au colossal, il se libère de l'académisme de l'école des Beaux-Arts et concilie sa spécificité de médailleur et d'artiste-décorateur avec celle de la monumentalité. Recevant ses commandes d'architectes souvent prix de Rome, il est avant tout un sculpteur élégant aimant les allégories. Ses œuvres complexes se situent entre tradition décorative, hyperréalisme et modernité classicisante. Il puise sa plasticité volumétrique et ses simplifications aux sources de l'art grec archaïque et ses modèles techniques et stylistiques à la toreutique romaine. Sensible aux maniéristes italiens, il se réfère aussi à l'art français sous toutes ses formes. Il emprunte leurs sinuosités à Ingres, Burne-Jones et l'Art nouveau, au synthétisme de Bourdelle et au style Art déco. La théorie des profils de Rodin lui apprend sa gymnastique de la vue. Janniot lui inspire les étagements des figures dans ses reliefs monumentaux. Sa recherche de références fiables donne une valeur historiciste, didactique et symbolique à ses œuvres qui, après guerre, deviennent parfois trop systématiques. Il excelle dans l'expression de formes lisibles, aux lignes poétiques originales, qui doivent aux audaces des cubistes. Il affirme la continuité d'une identité nationale de l'art et montre qu'elle peut donner naissance à des créations puissantes, rythmées et inventives.italiens, il se réfère aussi à l'art français sous toutes ses formes. Il emprunte leurs sinuosités à Ingres, Burne-Jones et l'Art nouveau, au synthétisme de Bourdelle et au style Art déco. La théorie des profils de Rodin lui apprend sa gymnastique de la vue. Janniot lui inspire les étagements des figures dans ses reliefs monumentaux. Sa recherche de références fiables donne une valeur historiciste, didactique et symbolique à ses œuvres qui, après guerre, deviennent parfois trop systématiques. Il excelle dans l'expression de formes lisibles, aux lignes poétiques originales, qui doivent aux audaces des cubistes. Il affirme la continuité d'une identité nationale de l'art et montre qu'elle peut donner naissance à des créations puissantes, rythmées et inventives.

Cette étude porte sur l’architecture domestique à Nancy et dans les 19 communes de son agglomération de 1919 à 1939. L’ampleur du corpus (6 600 édifices) et du territoire étudiés permet de mettre en exergue les processus urbains et architecturaux qui concourent à la production de la ville. Les relations entre les municipalités, les lotisseurs, les organismes de logement social et les sociétés savantes sont scrutées pour retracer le chemin qui mène du projet à la réalité urbaine. La Reconstruction, les lois encadrant l’urbanisme ou les habitations à bon marché (loi Loucheur) et l’effet de la crise des années 1930 sur la promotion foncière et immobilière sont réinterrogés en profitant des outils techniques (SIG) et théoriques actuels. Les confrontations avec les modèles nationaux (voire internationaux) inscrivent l’étude dans une perspective plus large où l’agglomération nancéienne devient un support de réflexion sur ce moment de l’histoire des villes françaises. Par ailleurs, le recensement exhaustif permet de s’intéresser à l’ensemble de la production bâtie, sans hiérarchie. Cette étude du grand nombre, mêlant banal et exceptionnel, met en exergue les permanences et hybridations. L’héritage éclectique et Art nouveau côtoie la diffusion des nouveaux courants que sont le Mouvement moderne et l’Art déco. L’examen du cas nancéien contribue à la redéfinition de ce dernier style et à une meilleure connaissance de son évolution après 1930. Enfin, cette étude est l’occasion de montrer que l’architecture domestique s’apparente à une transcription matérielle de l’ordre social, qui transparaît dans la qualité des espaces intérieurs et des façades comme support de représentation
This study concerns the domestic architecture in Nancy and the 19 towns of its suburbs from 1919 to 1939. The important size of the corpus (6600 buildings) and of the area studied highlights the urban and architectural processes that contribute to the creation of the city. The relationships between the city council, developers, social housing organizations and intellectual societies are analyzed to trace the path that leads from the plan to the urban reality. The post-war reconstruction project, the law controlling urbanism or social housing (Loucheur Act) and the effects of the 1930’s crisis on the land and housing development are looked back on using modern technical (GIS) and conceptual tools. The comparisons with national (even international) models place the study in a broader perspective where Nancy and its suburbs become a medium for reflection on this moment in the history of French cities. In addition, the exhaustive inventory allows looking at all the building production without hierarchy. This study, combining the mundane and the outstanding, highlights permanencies and hybridisations. The legacy of Eclecticism and Art Nouveau coexists with the diffusion of new trends such as the Modern movement and Art Deco. The examination of Nancy’s case contributes to the new definition of the latter style and of a better understanding of its evolution during the 1930’s. Finally, this study is the opportunity to show that domestic architecture is a physical transcription of a social order, which is reflected in the quality of interior design and building facades as medium of representation

La période de l’entre-deux-guerres en France correspond à une phase de renaissance pour l’Art sacré. Après la loi de Séparation de 1905, l’Église dut se réorganiser, renouveler son message spirituel et inscrire concrètement son action au sein d’une société en mutation. La création d’ateliers d’art sacré et le lancement des Chantiers parisiens du cardinal Verdier, soutenus par plusieurs publications comme la revue de L’Art Sacré, insufflèrent une impulsion nouvelle à la production religieuse. Le diocèse de Bayonne participa pleinement à cet essor. Souscrivant, d’une manière originale et dynamique, à cette nouvelle configuration, il tenta d’y inclure les particularismes régionaux en faisant notamment apparaître les spécificités identitaires basque et béarnaise. L’action conjointe des évêques et des curés bâtisseurs, des architectes, des maîtres verriers et mosaïstes, des peintres, des sculpteurs ou même des orfèvres, témoigne de la réécriture de schémas anciens, voire conventionnels, au profit d’un art hésitant entre audaces et compromis. C’est en effet sous les bannières de la tradition et du renouveau, du régionalisme et de la modernité que se situe l’art sacré dans le diocèse de Bayonne
The interwar years in France witnessed a revival of sacred Art. After the 1905 law on the separation of Church and State, the Church had to reorganize and renew its spiritual message and reposition its action in the context of a changing society. The creation of religious art workshops as well as the launching of the Parisian “Chantiers du Cardinal”, initiated by cardinal Verdier, supported by a number of reviews such as L’Art Sacré, gave a new impulse to the production of religious art. The diocese of Bayonne took a full part in this initiative. It was keen to contribute in original and dynamic ways to this new direction and tried to include regional elements and in particular features reflecting Basque and Bearnais identities. The joint work done by bishops and priests involved in building churches, architects, glassmakers and mosaic artists, painters, sculptors and even goldsmiths, shows how well-established and even conventional designs were revisited to produce an art which hesitated between daring innovation and compromise. Indeed, the sacred art of the diocese of Bayonne was marked by a mixture of tradition and renewal, regionalism and modernity

Charles Masson (1894-1971) est un des principaux architectes de l’entre-deux-guerres à Nancy. Cette période de l’histoire de l’architecture à Nancy et en Lorraine est encore en cours d’étude. Adoptant la forme classique d’une monographie d’architecte, cette thèse y apporte sa contribution mais en tentant d’élargir l’étude par la connaissance des commanditaires. Elle s’attache d’abord à établir la biographie de cet architecte né en Moselle annexée et dont la formation en Allemagne lui donne un profil singulier. Le corpus des édifices bâtis par Masson au nombre de 57 a été défini, étudié et réuni dans un catalogue qui constitue le troisième volume de la thèse. Géographiquement, ils se trouvent principalement à Nancy et, pour presque la moitié d’entre eux, dans le fameux Parc de Saurupt, haut lieu de l’architecture Art nouveau et où Masson s’est fortement investi, mais du point de vue de leur statut, ils ne comptent que des villas ou des maisons et des immeubles, mais aucun bâtiment public. Masson présente la particularité rare de n’avoir travaillé à Nancy que pour l’architecture domestique. Les 41 commanditaires identifiés sont donc tous des particuliers, à l’origine et au profil social variés, appartenant généralement à la bourgeoisie fortunée. La synthèse se penche non seulement sur la vie et les constructions de Masson, mais tente aussi de saisir les relations entre l’architecte et ses clients, question qui jusqu’ici, pour ce qui concerne l’architecture de l’entre-deux-guerres, n’a pas été traitée sérieusement ni systématiquement. C’est un des intérêts de cette thèse de tenter d’aborder de front la question de la clientèle de l’architecte Masson. Pour cela, l’apport des archives s’avère essentiel mais, si la très grande majorité des plans dressés par Masson a été conservée, aucune correspondance n’a été retrouvée. On y a suppléé en étudiant finement le profil social de chaque commanditaire et en examinant les plans et l’architecture de chaque édifice pour en identifier les partis pris et deviner les souhaits des clients : leur rêve de villa ou leur désir de profiter des bonnes affaires dans l’immobilier. Cette étude révèle donc un architecte nancéien méconnu malgré l’importance de son œuvre et se veut une contribution à la connaissance de l’architecture domestique et de la clientèle des architectes de l’entre-deux-guerres
Charles Masson (1894-1971) was one of the leading architects of the interwar period in Nancy. People are still studying the effects of this historical and architectural period in Nancy and Lorraine. Adopting the classic form of an architectural monograph, this thesis both contributes to these studies and tries to broaden the study by mentioning the patrons. First of all, it focuses on the life of this architect, born in Moselle when Moselle was a part of Germany and whose German upbringing gives his work a unique character. Masson's oeuvre consists of 57 buildings, which have all been defined, studied, and collected together in a catalog, which constitutes the third volume of this thesis. Geographically, they are primarily located in Nancy and almost half of them are located in the famous Parc de Saurupt, the Mecca of Art Nouveau architecture and where Masson invested a lot of his time and effort, but when it comes to the types of buildings, he only designed villas, houses, and apartments. There are no public buildings in his work. Masson is unique in having only worked on residential architecture in Nancy. The 41 identified patrons are therefore all individuals, who all come from a variety of backgrounds and social classes, generally belonging to the wealthy bourgeoisie. This thesis not only looks at the life and work of Masson, but also attempts to understand the relationship between the architect and his clients, an issue which up to now, as far as the architecture of the interwar period is concerned, has not been treated seriously or systematically. It is one of the primary goals of this thesis to try to address the nature of Masson's clientele head-on. For this, the archives have proven essential, but no correspondence has yet been found despite the vast majority of the plans drawn up by Masson having been preserved. We supplemented this by carefully studying the social profile of each patron and by examining the plans and architecture of each building. We were able to identify their biases and estimate the client’s wishes, whether they dreamed of owning a luxury villa or were looking for a bargain property. This study has revealed an unknown architect from Nancy, who despite the importance of his work, has helped contribute to the knowledge of the domestic architecture and the clientele of the architects of the interwar period

À partir du fonds inédit du musée des Arts décoratifs de Paris consacré à Jean Luce (1895-1964), cette thèse éclaire l’histoire du service de table français entre 1910 et 1960. Bien que rarement considéré par les historiens de l’art, cet objet du quotidien reflète pourtant remarquablement les évolutions des arts visuels de ce demi-siècle. La création de Luce témoigne ainsi de toute la diversité du style Art déco puis de l’avènement du design dans l’immédiat après-guerre. Par ailleurs, il a réinventé le métier de créateur-éditeur de services de table, en dessinant des formes et des motifs aussi bien pour la céramique que pour la verrerie, en les faisant fabriquer par une chaîne industrielle et en les diffusant lui-même dans son magasin parisien de la rue La Boétie. Si son travail constitue notre point de départ, nous avons également considéré le rôle des dessinateurs industriels, des manufacturiers de porcelaine, de faïence et de verre ainsi que des commerçants car tous ces acteurs participent aux choix esthétiques effectués dans le cadre d’une production de masse. Il s’agit donc d’interroger les mécanismes à l’œuvre dans le développement et la propagation d’un style lors de la création, de la production et de la diffusion des services de table. Plus largement, l’évolution formelle de ce bien de consommation destiné à l’usage courant est aussi influencée par les mutations de la vie quotidienne et de la sociabilité. Par conséquent, notre enquête sur le service de table mobilise, en plus des outils de l’histoire de l’art, ceux de l’histoire socio-culturelle
This thesis sheds light on the history of the French tableware between 1910 and 1960 by examining the unexplored collection devoted to Jean Luce (1895-1964) at the Musée des Arts Décoratifs of Paris. These everyday objects are rarely studied by art historians, even though they remarkably capture the evolution of visual arts over that half-century. Luce’s creations exemplify the diversity of the Art Deco style in the inter-war period and the advent of design in the immediate post-war period. Furthermore, Luce reinvented the figure of the creator-editor specialized in this field by designing forms and motifs for both crockery and glassware, having them produced by an industrial chain and distributing them personally in his Parisian store on rue La Boétie. His work is our starting point, but we are also interested in the work of industrial designers, manufacturers of porcelain, earthenware and glass as well as tableware retailers, all of whom, in a mass production context, influenced aesthetic choices. From this, we look at how a style develops and spreads as we study the stages of creation, production and distribution of the tableware. More broadly, the evolution of these consumer goods was shaped by new manners of socializing and other changes in daily life. Consequently, our survey uses, in addition to the tools of art history, those of socio-cultural history

Chapter 4 examines department store retail in the second half of the nineteenth century to understand how the interior decorating schemes proposed on paper by the various professions discussed above could materialize in the homes of middle-class consumers. In doing so, the chapter argues that department stores were eager to align themselves with the thriving market in artistic interior decoration designs, contributing to the further popularization of this new art form. Through their full-scale model rooms inside the store as much as through their widely distributed and highly illustrated furniture catalogs, the Grands Magasins du Louvre, Au Bon Marché, Le Printemps, Au Petit St.-Thomas, and the Grands Magasins Dufayel brought the image of the most modern furniture and matching interiors to life, right in front of customers’ eyes. By selling the same furniture combinations and decorative schemes in a variety of materials, these stores catered to several social groups at once. Further, by offering personalized interior decorating services to those customers who wished to obtain an exclusive décor, French department stores in the second half of the nineteenth century became themselves early forerunners of the twentieth-century profession of interior designer.