Dissertations / Theses: 'Art et littérature – 1900-1945'

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Sirejols-Hamon, Marie-Christine. "Le constructivisme dans le theatre sovietique des annees vingt et ses prolongements en europe." Paris 3, 1987. http://www.theses.fr/1987PA030193.

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Abstract:

Le constructivisme dans le theatre sovietique des annees vingt et ses prolongements en europe le constructivisme apparait en russie au lendemain de la grande guerre comme le lieu de rencontre des idees fonctionnalistes europeennes (l'an cien mouvement des arts and crafts en angleterre, les deutsche werkbunde en allemagne) et des reflexions de certains theoriciens marxistes sur la culture proletarienne. Durant les annees 1920-1921, des artistes venus du cubisme et du suprematisme explorent l'idee nouvelle de la construction comme centre de l'oeuvre d'art, puis, sous l'influence de la nouvelle ideologie sovietique, evoluent progressivement vers la production de masse. En creant du mobilier, des vetements, des affiches, des artistes comme vesnine, popova, rodtchenko souhaitent transformer la nouvelle vie collective. Le theatre est pour eux un champ d'experience, le lieu ou ils desirent montrer les modeles de la nouvelle vie socialiste (de nouvelles formes plastiques et des gestes constructifs issus de la biomecanique). Entre 1922 et 1924, popova et stepanova travaillent avec meyerhold pour le cocu magnifique, la mort de tarelkine, la terre cabree ; vesnine et les freres stenberg avec tairov pour un nomme jeudi et l'orage. Cependant, depourvu de dramaturgie originale, devenu de moins en moins credible comme utopie politique, le constructivisme devient peu a peu une simple source de solutions scenographiques nouvelles. Dans ces machines de scene d'avant-garde, le dispositif de jeu se compose desormais de plates-formes, d'echaffaudages, d'echel les et meme d'ascenseurs. Un grand nombre de decorateurs de theatre explorent ces formes nouvelles: iakoulov, exter, chestakov sont parmi les plus celebres. Apres quelques annees de succes, le constructivisme devient un nouveau style decoratif. D'un autre cote, le mouvement est de plus en plus considere des la fin des annees vingt comme une forme d'art anti-realiste, formaliste et cosmopolite. Apres quelque significatifs (la punaise; les bains, le projet de lissitsky pour je veux un enfant en 1927-1930, le constructivisme est condamne par le realisme socialiste et disparait de la scene russe des le
Constructivism appeared in russia after the first world war at the junction of european functionalist movements (suche as arts and crafts in england, deutsche werkbunde in germany) and of the reflexion led by russian marxist theoreticians about proletarian culture. In the years 1920-1921, artists coming from cubism and suprematism explored the new idea of construction as the centre of art work, then, influenced by the new soviet ideology, progressively moved toward mass production. Creating furniture, clothes, posters, artists like vesnin, popova, rodtchenko wished to transform the new collective life. Theatre was for them a field of experimentation, the place where they intended to show models of new socialist life (new plastic forms and constructive gestures produced by biomechanics). Between 1922 and 1924, popova and stepanova worked with meyerhold for the magnanimous cuckold, the death of tarelkin, earth in turmoil; vesnin and the stenberg brothers with tairov for the man who was thursday and the storm. However, deprived of original dramaturgy, getting less and less credible as a political utopia, constructivism became a mere source of scenographic solutions. In these new avant-garde stage-machines, the acting apparatus was now number of stage decorators explored these new forms: iakoulov, a. Exter, chestakov, meller were among the most famous. After a few years of success constructivism became a new decorative style. On the other hand, the movement was at the end of the twenties, more and more considered as a form of antirealistic, formalist and cosmopolitan art. After a last few representative plays: the bedbug, the baths in meyerhold's theater, the project of lissitsky for i want a child, in the years 1927-1930, constructivism was condemned by the new socialist realism and disappeared from the russian stage in the early thirties

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Morando, Camille. "Peinture, dessin, sculpture et littérature : autour du Collège de Sociologie pendant l'entre-deux-guerres." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040144.

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Abstract:

La créativité artistique pendant l'entre-deux-guerres, particulièrement riche et diversifiée, est souvent associée à des mouvements poétiques, philosophiques ou politiques. Le collège de sociologie est un des derniers de ces groupes, crée en 1937 à Paris par Georges Bataille, Michel Leiris et Roger Caillois. Ses origines, sa création et son existence côtoient une période de vaste bouleversement des idées politiques et des concepts esthétiques et moraux dont témoignent la peinture, la sculpture, le dessin et la gravure. Le Collège de sociologie est né des réflexions de la revue Acéphale créée en juin 1936 par Georges Bataille et Pierre Klossowski et illustrée par André Masson. Cette revue choisit de réhabiliter Nietzsche pour contrer le fascisme, et développe les enjeux de la violence et de la guerre, du mythe et du sacrifice pour définir une société sans dieu ou le mythe rend libre chaque individu. Le Collège de sociologie accompagne ces interrogations et se donne pour objectif d'étudier la sociologie du sacré dans les communautés secrètes et dans la recherche de l'individualisme, au sein des rites et du langage. L'ambiguïté du sacre tributaire du pouvoir et de la tragédie, de l'ordre et de la politique, se manifeste dans l'histoire mythologique, philosophique, esthétique et personnelle trois artistes suivent les conférences du Collège de sociologie, aux côtés d'un auditoire enthousiaste et contradictoire. Ce sont Taro Okamoto, Isabelle Waldberg et Jean-Michel Atlan. André Masson, moins assidu, établit dans son œuvre un lien entre les interrogations collégiales et les recherches esthétiques picturales, menées individuellement également par Pablo Picasso. L'étude du Collège de sociologie, accompagnée de celle de la revue Acéphale permettent d'observer les œuvres de ces artistes pendant l'entre-deux-guerres qui interrogent le mythe, comme celui de Dionysos et du Minotaure, son actualisation et sa violence décrite par le sacrifice et l'érotisme.

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Werth, Eva. ""L'illumination mutuelle" : des rapports entre littérature et peinture chez Egon Schiele (1890-1918)." Paris, EPHE, 2006. http://www.theses.fr/2006EPHE4114.

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Abstract:

Eclaircir le phénomène de la double appartenance d'Egon Schiele en partant sur les traces de l'artiste au travers de l'intermédialité, tel est l'enjeu du présent travail qui souhaite ainsi ouvrir une nouvelle voie dans les recherches schieléennes. En se situant à cheval entre la littérature et la peinture, cette étude comparatiste comporte quatre grandes étapes. Premièrement, la justification du corpus et des réflexions méthodologiques concernant la relation littérature-peinture liée au phénomène du double don, ainsi que l'élaboration des outils d'analyse. Deuxièmement, le contexte en proposant une synopsis historique divisée en trois parties: la personne de Schiele, sa conception artistique et son temps, à savoir l'histoire contemporaine de la Vienne début de siècle. Troisièmement, l'application de la partie théorique par une analyse typologique qui comporte - par le biais des outils d'analyse - la mise en interaction systématique de l'écriture avec la peinture. Or, elle se divise en deux parties distinctes: l'analyse des thèmes et des motifs est suivi de l'analyse des aspects stylistiques. La synthèse à ce stade du projet est approfondie d'une manière herméneutique, en prenant en considération les questions idéologiques et génériques. Quatrièmement, la question de la structure profonde partagée et la valeur de la notion d'un artiste à double appartenance par rapport à Egon Schiele. Une fois synthétisés, la question de savoir ce qui se passe "derrière la peau", à savoir "derrière l'encre" est abordée
To clear up the phenomenon of Egon Schiele's "double giftedness" by following the intermedial paths of the artist; such is the undertaking of this work, thus hoping to construct a new approach to Schielien research. Straddling literature and painting, this comparative study comprises four large stages. Firstly, the justification of the corpus and the methodological reflexions concerning the literature-painting relation associated with the phenomenon of the double gift, as well as the development of tools for analysis. Secondly, the context, by proposing a historical synopsis divided into three parts: Schiele himself, his artistic design and his time, namely the contemporary history of Vienna at the turn of the century. Thirdly, the application of the theoretical element trough a typological analysis which comprises - by means of analysis tools - the systematic interaction between writing and painting. However, this is divided into two distinct parts: the analysis of the topics and the motifs is followed by an analysis of the stylistic aspects. At this stage, the synthesis of the project is detailed in a hermeneutical manner, by taking into account ideological and generic questions. Fourthly, the Egon Schiele are broached. Once synthesized, the question of knowing what occurs "behind the skin", namely "behind the ink" is addressed

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Valle, Arbex Márcia María. "De l'image de la lettre à la poésie peinte : étude sur la fonction de l'écriture dans les arts visuels (1910-1930)." Paris 3, 1992. http://www.theses.fr/1992PA030137.

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Buffet, Laurent. "Les pratiques intinérantes dans la littérature et l'art contemporains." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010597.

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Abstract:

Nous désignons par «pratiques itinérantes» des activités artistiques intégrant ou consistant en une occupation cinétique de I'espace, ces dernières pouvant faire I'objet de représentations littéraires ou plastiques, mais de manière dérivée. Si la marche en représente la forme I'a plus courante, cette notion intègre aussi les voyages en train, en voiture et par tout autre moyen de transport. Les deux premières parties de ce travail ont ainsi pour objet de répertorier, de classer et d'interpréter les formes les plus significatives de pratiques itinérantes apparues dans le champ de I'art depuis le début des années 1950 et jusqu'a la fin des années 1970. La première partie est consacrée a la dérive situationniste et aux vagabondages de la Beat Génération. La deuxième partie traite plus directement de démarches artistiques appartenant a la Catégorie traditionnelle dite des « beaux-arts ». Les troisième et quatrième parties de ce travail font retour sur certains des mouvements ou démarches artistiques évoques précédemment, pour en interroger plus spécifiquement les dimensions sociale et politique·. La troisième partie" développe une analyse de la relation que les pratiques itinérantes de l'lnternationale situationniste, de Fluxus et de la Beat Génération entretiennent avec ces territoires Autres que sont I'utopie, I'heterotopie et la dystopie. La dernière partie, intitulée « Politiques de la mobilité », aborde, toujours a travers les exemples des acteurs de I'Internationale situationniste et des écrivains de la Beat Génération, les pratiques itinérantes comme une forme révolutionnaire de vie, puis leur récupération idéologique a partir du tournant des années 1980. La question se pose des lors de savoir si ces dernières ont encore aujourd'hui la capacité de jouer un rôle critique au sein du champ de I'art et du monde dans lequel nous vivons. Ainsi, nous passons pour finir en revue quelques exemples significatifs de démarches artistiques apparues depuis les années 1980 dans lesquelles le déplacement représente un élément essentiel.

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Leu, Philipp. "Les revues littéraires et artistiques (1880-1900). Questions de patrimonialisation et de numérisation." Thesis, Université Paris-Saclay (ComUE), 2016. http://www.theses.fr/2016SACLV109.

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Abstract:

Travailler aujourd’hui sur un fonds numérique de revues c’est être confronté à des artefacts. Numérisées en noir et blanc, débarrassées de leurs couvertures, des pages vierges, des encarts, des publicités, des bulletins et hors-texte divers, les revues numérisées offrent souvent une physionomie très différente des documents originaux, surtout quand les fichiers numériques ont été produits à partir de reproductions antérieures (réimpressions ou microformes). Le présent travail tourne autour d’une question de méthode : quels sont les principes à retenir pour la numérisation des revues littéraires et artistiques de la fin du xixe siècle afin que l’accord subtil entre forme et contenu ne soit pas rompu lorsque les supports sont dématérialisés ?La revue littéraire et artistique s’inscrit dans la communication littéraire au croisement de traditions éditoriales hybrides. Sa matrice oscille entre le journal, le livre, l’album d’art et la revue, mobilisant et exploitant les caractéristiques de ces quatre référents. Ces référents sont ici représentés à travers un corpus de quatre périodiques : les revues françaises La Plume (1889–1914) et L’Épreuve (1894–1895), le trimestriel britannique The Yellow Book (1894–1897), et le périodique berlinois Pan (1895–1900). Ces publications déclinent l’objet revue dans trois aires culturelles, et permettent d’en explorer les spécificités ainsi que les enjeux économiques liés à son essor au sein des sociabilités littéraires et artistiques et au contact des doctrines esthétiques. Cette étude de cas débouche sur une analyse de la matérialité, de l’économie et des pratiques revuistes dans la période fin-de-siècle qui amène à s’interroger sur les implications culturelles, historiques et sociologiques de ces objets.Fragilisée par l’usage fréquent, la revue, lieu d’innovations graphiques et textuelles, est confrontée à la nécessité de la dématérialisation pour rester accessible à la recherche. L’examen de six bibliothèques numériques (Gallica, la Bibliothèque numérique de l’Université de Heidelberg, Internet Archive, The Yellow Nineties Online, le Blue Mountain Project et Jugend Wochenschrift) souligne que le numérique n’est en aucune manière une opération neutre et doit être constamment accompagné d’une approche scientifique de l’objet ouvrant à des recommandations et à de « bonnes pratiques ».Outre la question technique, toujours capitale, l’accent est mis dans cette thèse sur les procédures de numérisation en vue à la fois d’une restitution optimale de l’original et de la possibilité de disposer d’interfaces et de fonctionnalités dotant le chercheur de nouvelles approches heuristiques, permises par les nouvelles technologies, au service du patrimoine
To work on digitized reviews today means essentially to be confronted with artefacts. Digitized in black and white, stripped of their covers, of blank pages, of inserts, advertisements, bulletins and other supplements, digital reproductions of reviews often differ greatly from the originals, especially when the electronic files have been based on previous reproductions (microforms or reprints). Our work evolves around a question of method: what principles should be followed in digitizing literature and art reviews from the end of the 19th century, in order to preserve the subtle harmony between form and content when the medium is no longer hard copy?Literature and art reviews participate in literary communication at the intersection of hybrid editorial traditions. Their matrix oscillates between newspapers, books, art albums and reviews, utilising the characteristics of these four media. We have chosen four periodicals to represent them: the French reviews La Plume (1889–1914) and L’Épreuve (1894–1895), the British quarterly The Yellow Book (1894–1897), and the Berlin periodical Pan (1895–1900). These publications articulate the different characteristics of reviews in three cultural contexts, allowing us to explore their specificities as well as the financial aspects linked to their development, in close interaction with literary and artistic social life and aesthetic doctrines. As case studies, these bear on an analysis of the materiality, of the financial and editorial practices of late 19th century reviews while questioning the historical, cultural and sociological implications of these objects.Degraded and fragile through years of use, these reviews, catalysts of textual and graphic innovation, are in urgent need of dematerialisation so as to remain accessible for future research. Close examination of six digital libraries (Gallica, the digital library of Heidelberg University, Internet Archive, The Yellow Nineties Online, the Blue Mountain Project, and Jugend Wochenschrift) underlines that digitization is in no way a neutral operation and must constantly be accompanied by scientific validation with a view to developing recommendations and "good practices".Besides technical questions of primary importance, this thesis’ focus is on digitization procedures, aiming at both optimal restitution of the originals and functional interfaces that provide the researcher with new heuristic tools, through innovative technologies, in the service of our cultural heritage

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Desveaux, Delphine. "Mariano Fortuny, monographie critique et postérité littéraire." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040013.

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Abstract:

Mariano Fortuny y Madrazo (Grenade 1871-Venise 1949) fut un artiste comme on les aimait pendant la Renaissance, peintre, graveur, sculpteur, architecte, éclairagiste, photographe et couturier, à la fois prolixe et surdoué. Après avoir assisté en 1893 à Bayreuth, à une représentation qu'il jugea manquée, l'envie lui vint de reformer la mise en scène et il se consacra pendant quelques années à l'électricité et inventa une coupole mobile et pliante qu'il breveta dans la majorité des pays européens. Du théâtre il passa à la mode avec son épouse Henriette, domaine encore novateur à cette époque où ils excellèrent en créant des robes et des costumes de théâtre inspirés du passé, leurs inspirations les portant autant vers la Renaissance que vers l'antiquité ou l'exotisme. Ayant reçu une formation artistique classique à l'école des Beaux-arts de Paris et à l'Accademia de Venise, Fortuny appliqua au domaine des teintures textiles l'expérience qu'il avait acquise au contact des maitres anciens et remit à l'honneur la délicatesse et l'extrême diversité des coloris vénitiens. Peintre avant toute chose comme il aimait à le dire, Fortuny livra de nombreuses toiles, photographies et dessins; il s'inspira de l'œuvre de son père, Mariano Fortuny y Marsal avec lequel il est trop souvent confondu, peignit des nus académiques, des caprices à la manière du XVIIIe siècle, des natures mortes, l'Orient, Venise évidemment, l'inspiration wagnérienne ne le quitta jamais et il sculpta quelques pièces, rares certes, mais d'une belle expressivité. Ce fut sa diversité et sa prolixité qui firent de Fortuny cette figure tant appréciée des écrivains, de Proust à Pere Gimferrer en passant par d'Annunzio, l'un de ses amis, Henri de Régnier, Paul Morand, Mary Mc Carthy et Leslie Poles Hartley, tous ont chanté ses louanges et transforme l'homme en une silhouette mythique et légendaire, en faisant de Fortuny la figure emblématique de la Venise du début du XXe siècle
Mariano Fortuny was an artist in the renaissance way, a painter, an engraver, a sculptor, an architect, a photographer and a fashion designer; highly productive and extremely talented. After attending a show in Bayreuth in 1893, which he judged to be unsuccessful, he was seized by the desire to transform the scenery; he devoted himself to electricity for several years and invented a mobile and folding cupola which was patented in most European countries. From the theater he moved on to fashion with his French wife Henriette, in that days, fashion was still a rare specialty and their clothes inspired from Italian and French Renaissance, by antiquity and by numerous exoticisms were very successful. With his classic education in the beaux-arts in Paris and the Accademia of Venice, Fortuny applied to the colouring of the textiles, knowledge he had gained through contact with the old masters; he reinvented the delicacy and fabulous diversity of Venetian colors. Above all a painter as he liked to see himself, Fortuny made many canevases, photographs and drawings, some inspired by the work of his father Mariano Fortuny y Marsal whose he is often confused with, he painted academic nudes, still life, caprici in the way of the XVIIIth century, oriental subjects and of course, Venice. His Wagnerian inspiration remained with him forever and he made some rare but very expressive sculptures. His diversity and abundance made Fortuny the figure so appreciated by writers from Proust to Gimferrerr, along with d'Annunzio, one of Fortuny's friend, Régnier, Morand, Mc Carthy and Hartley, who contributed to turning Fortuny into the mythical and legendary figure he became

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Pigeat, Aurélien. "L' art comme référence dans l'oeuvre de Nathalie Sarraute." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030132.

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Abstract:

Matière omniprésente chez Nathalie Sarraute, la référence à l’art propose un biais pour interroger la poétique et l’esthétique de l’écrivain en marge des jalons que l’auteur a ménagé à la critique pour aborder son oeuvre. La mise en tension du motif de l’art avec le processus de référence permet d’interroger la dynamique qui fonde le geste de création de Nathalie Sarraute. La référence à l’art pose un paradoxe : elle offre un matériau abondant et divers mais d’apparence anodin dont la grande hétérogénéité confère à chaque art, et à chaque ensemble artistique, des valeurs et fonctions propres. Les fictions sarrautiennes mettent en scène une société de l’art au sein de laquelle l’expression des jugements esthétiques offre un cadre privilégié aux conflits et à l’irruption des tropismes, et où se joue la scission entre manifestation d’un sentiment personnel et adhésion au modèle collectif. La référence à l’art se renverse alors en art de la référence : liens établis avec le champ de la littérature à travers des oeuvres suscitant le rejet ou nourrissant la filiation d’une part, et reprises internes à travers les jeux d’écho et le travail sur les répétitions et variations d’autre part, la référence devient geste de déplacement dont les modalités forgent les différents espaces où circule le tropisme. La référence construit l’art de Nathalie Sarraute comme un art du mouvement, en dialogue direct avec les plusieurs courants plastiques et philosophiques contemporains de l’écriture –abstraction et phénoménologie entre autre – qui révèlent le statut d’esthésie de l’esthétique de Nathalie Sarraute : le tropisme a trouvé dans les méandres de la référence à l’art un espace et un temps où se mouvoir
Omnipresent issue in Nathalie Sarraute, the reference to art proposes an angle for exploring the writers's poetics and aesthetics along the bench-marks which the author has laid for criticism to approach her work. Connecting the theme of art with the process of reference makes it possible to explore the dynamics which originates Nathalie Sarraute's creation gesture. The reference to art poses a paradox : it offers an abundant and various, but insignificant in appearance, material, whose great heterogeneity confers to each art, and each artistic unit, individual values and functions. "Sarrautian" fictions display a society of art within which the expression of aesthetic judgements offers a privileged setting for conflicts and for the irruption of tropisms, and where the scission between demonstration of a personal feeling and adhesion to the collective model will operate. The reference to art then reverses into art of the reference: links established with the field of literature through works arousing rejection or nourishing filiation on one hand, and internal resonances through the echo effects and the action on repetitions and variations on the other hand, the reference becomes a gesture of displacement whose modalities are forging the various spaces where the tropism will circulate. The reference constructs Nathalie Sarraute's art as an art of movement, in direct dialogue with the many plastic and philosophical currents contemporary of the writing - abstraction and phenomenology amongst others - which reveal the status of esthesy of Nathalie Sarraute's aesthetics : the tropism has found in the meanders of the reference to art both a space and times where to be driven

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Brogniez, Laurence. "Préraphaélisme et symbolisme: discours critique et création littéraire en France et en Belgique (1880-1900)." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 1998. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/211998.

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Niogret, Philippe. "Débats idéologiques et esthétique romanesque en France pendant l'entre-deux guerres (1919-1939) dans les périodiques L'Art Libre, Europe, et Vendredi." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2001PA040132.

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Abstract:

Cette thèse étudie l'évolution des idées et des moeurs en France pendant l'entre-deux-guerres (1919-1939) et leur l'influence sur l'évolution de la forme romanesque, à travers trois périodiques : L'Art Libre, Europe, et Vendredi. Les thèmes suivants sont abordés : la guerre et ses conséquences ; l'inquiétude de la génération d'après-guerre et l'attrait de l'Orient ; l'évolution des moeurs et des rapports entre hommes et femmes ; le renouveau catholique ; l'engagement social et politique des écrivains. Ces évolutions se reflètent dans les romans de l'époque et ont entraîné une crise du roman, parce que l'on n'imaginait pas qu'il puisse s'écarter du modèle ancien, qui n'était plus adapté à l'instabilité de l'époque. Nous distinguons, chez les romanciers de cette période, confrontés à ce dilemme, deux tendances : l'une veut que le roman s'adapte à son époque, l'autre rêve d'un roman dégagé des influences de l'époque pour atteindre l'essence de l'être
This thesis explores the evolution of ideas and morals in France during the period between the First and Second World Wars (1919-1939) and their influence on the evolution of the novel, through analysis of three periodicals : L'Art Libre, Europe, and Vendredi. The following themes are addressed: the war and its consequences; the anxiety of the post-war generation and the attraction of the East; the evolution of morals and relations between men and women; the Catholic revival; the social and political involvement of writers. These changes are reflected in the novels of this period and they brought about a crisis concerning the novel because of the unanticipated departure from its traditionnal model, that model no longer being appropriate to the instability of the period. One distinguishes two trends among novelists of this period faced to this dilemma : one is to adapt the novel to its era, the other to envision a novel detached from its time in order to attain the essence of the human condition

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Coste, Martine Agathe. "La folie sur la scène parisienne : regard sur un répertoire français et européen : 1900-1968." Paris 3, 1997. http://www.theses.fr/1998PA030051.

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Abstract:

Si la folie, au sens le plus large, nous parait incontestablement gagner a etre saisie comme un phenomene relationnel, on ne s'etonnera pas de la voir inscrite dans le domaine du theatre, lui-meme definissable comme un phenomene relationnel a plusieurs titres. Ou situer, en effet, une "essence" du theatre, sinon dans la capacite de cet art a tisser, plus que tout autre, instantanement - et meme toujours dans l'urgence, s'il veut survivre - des liens ? mais folie et theatre, tous deux phenomenes relationnels, peuvent alors paraitre antithetiques, la premiere signifiant l'alteration du lien, le deuxieme ayant pour necessite vitale de le nouer. . . La folie poussee jusqu'au bout n'est elle pas desagregation? le theatre, communion ? or ce paradoxe, loin d'avoir eloigne la folie de la scene, nous semble au contraire associer ce "theme" aux plus intimes exigences du fonctionnement theatral : notre intuition est que la folie ne rencontre pas le theatre, comme d'autres "themes", a titre anecdotique, mais que la folie ne peut manquer de rencontrer le theatre car elle lui lance un defi qui le touche au coeur de ce qu'il est. . . Et cela, avec d'autant plus d'insistance que le theatre est dans une epoque de doute sur son identite, sa fonction, son devenir. La scene parisienne du debut du xxeme siecle a la crise de 1968 offrait pour approfondir l'etude de la solidarite entre folie et theatre, un bon terrain d'observation et un fertile terreau d'experiences diverses, paris demeurant durant toute cette periode, la capitale des arts du spectacle, et pour cette raison, beneficiant de l'apport du meilleur repertoire europeen
If madness, in its widest sense, is indisputably better understood when it is considered as a relational phenomenon, we should not be surprised by its frequent manifestation in the theater, itself definable as a relational phenomenon in several respects. Where, in effets, can one find the theater's "essence" if not in its capacity, greater than of any other art form, to weave relationships instantaneously or with the greatest urgency when its survival is at stake ? however, madness and theater, both being relational phenomena, can then apppear to be antithetical if the former means alteration of the relationship whereas the latter's very existence depends on the relationship's cohesion. Is madness pushed to the limit not a kind of disintegration ? is the theater not, on the other hand, a communion of sorts ? this paradox, then, instead of removing madness from the stage, seems to link the theme of madness most intimately with the theater, our intuitive deduction being that madness and he theater do not come together on an anecdotal level, as do other themes and the theater, but that madness and the theater cannot avoid converging since the challenge that madness poses for the theater strikes it at its very heart, especially now, at the end of the twentieth century, when th theater's identity, function, and future have never seemed more uncertain. The parisian stage from the beginning of the twentieth century to the crisis of 1968, viewed in retrospect, is now seen as fertile ground for experimentation that only further strengthened the relationship between madness and he theater. During this whole period of time, paris remained the capital of performing arts, thus benefiting from the best of european theatrical repertories

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Ambroselli, Maximilien. "George Desvallières, Georges Rouault, Léon Bloy : vers un art "néo-chrétien" ? (1901-1914)." Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H027.

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Abstract:

Fruits d’une observation directe de la vie nocturne, les nouvelles peintures que George Desvallières et Georges Rouault exposent au Salon d’automne à partir de 1903 s’imprègnent peu à peu d’un christianisme implicite, en traduisant un profond sentiment de pitié ressenti à l’égard des prostituées et des forains. L’émergence de ce nouveau type de production, à laquelle se trouve rapidement associée la figure du Christ souffrant, semble encouragée par la forte personnalité de l’écrivain Léon Bloy, rencontré par les deux peintres en avril 1904. En privilégiant l’impact émotionnel, Desvallières et Rouault mettent en place une nouvelle iconographie à la plastique singulière et résolument expressive qui parait s’inscrire dans une démarche sociale de dénonciation des monstruosités masquées du monde, et qui participe en ce début de siècle à la remise en cause de l’art « sulpicien ». Le terme de « néo-chrétiens » est employé par Desvallières pour qualifier l’ensemble « des intellectuels, des poètes, des savants et des artistes » qui portent en eux le désir d’un renouvellement de l’art religieux. Depuis l’échec qu’a connu en 1901 la tentative de Joris-Karl Huysmans à Ligugé, à laquelle s’est joint Rouault, il semble que Desvallières soit devenu le principal acteur de ce renouvellement, tant par sa peinture que dans ses écrits. Outre un nouvel art chrétien plus moderne et édificateur, il milite pour la constitution d’une nouvelle école d’art religieux placée sous la protection de Notre-Dame de Paris. Si ce projet n’aboutit pas dans l’immédiat, il suscite l’intérêt de Maurice Denis et est sans conteste à l’origine de la création des Ateliers d’art sacré en 1919
Arising as direct fruits of keen nightlife observation, the new paintings George Desvallières and Georges Rouault exhibit at the Salon d'Automne from 1903 are gradually pervaded by an implicit Christianity, translating a deep sense of pity felt on prostitutes and showmen. The emergence of this new type of production, which is quickly associated with the figure of suffering Christ, seems to be encouraged by the strong personality of the writer Léon Bloy, met by the two painters in April 1904. By privileging the emotional impact, Desvallières and Rouault set up a new iconography with singular and resolutely expressive plastic that seems to be part of a social approach to denounce the masked monstrosities of the world, and which participates in the questioning of the Sulpician art at the beginning of the century. The term "neo-Christian" is used by Desvallières to describe all "intellectuals, poets, scholar and artists" longing for a renewal of religious art. Since the failure of Joris-Karl Huysmans' attempt at Ligugé in 1901, to which Rouault has joined, it seems that Desvallières has become the main actor of this renewal, both in his painting and writings. In addition to a renewed Christian art, more modern and constructive, he is advocating for the creation of a new school of religious art placed under the protection of Notre-Dame de Paris. Despite the fact this project would not succeed right away, it arouses the interest of Maurice Denis and is undoubtedly at the origin of the creation of Workshops of Sacred Art in 1919

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Fessier, Guy. "Julien Green, le romancier confronté à la peinture et à la sculpture." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040142.

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Abstract:

Julien Green aime à la fois la peinture, la sculpture. Il s'en inspire pour dessiner certains de ses personnages et même pour inventer la totalité de certains de ses livres. Il accorde de l'importance aux illustrations qui ornent ses textes ou leurs couvertures. Et il compare mentalement l'univers à un livre-artistique et divin. Conformément à cette logique esthétique, l'écrivain utilise un vocabulaire sculptural et des métaphores matérielles afin de décrire le corps humain (et désirable). Et il se sert d'un lexique chromatique et pictural et de l'opposition primordiale du noir et du blanc pour faire des portraits et pour restituer la beauté (spirituelle) des visages. Il invente finalement un modèle, au sens platonique du terme et il pense une peinture plastique qui donne la merveilleuse illusion du relief. On constate également que Julien Green cite les œuvres d'art de manière originale, mais parfois répétitive, ce qui lui permet de structurer certains de ses récits et d'inventer certains de ses personnages. En somme, il se fie à ses convictions esthétiques pour imaginer une topographie originale et pour nous décrire les maisons ou les musées où déambulent souvent ses personnages. On a même l'impression qu'il définit les individus qu'il imagine en fonction de leurs convictions artistiques, en fonction de la manière dont ils s'approprient où dont ils inventent l'œuvre d'art. Il se comporte finalement en héritier de Baudelaire. Il trouve des correspondances entre les arts et entre les genres littéraires. Et, comme Marcel Proust, il se montre capable de concevoir la beauté matérielle, platonicienne et abstraite des œuvres d'art. Il définit à sa manière la splendeur des signes artistiques, amoureux et religieux.

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Thoizet, Évelyne. "La poétique du mouvement dans les récits de Nathalie Sarraute." Paris 10, 1995. http://www.theses.fr/1995PA100132.

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Abstract:

Cette étude de "la poétique des mouvements dans les récits de Nathalie Sarraute" de tropismes a tu ne t'aimes pas se propose de montrer comment la romancière, dans une des œuvres les plus importantes du siècle, s'efforce de révéler les mouvements imperceptibles et préverbaux qui constituent la vie psychique, sans pour autant les figer dans une forme toute faite. Pour répondre à cette problématique centrale de la forme et du mouvement, il convient d'abord de remonter aux sources philosophiques de la quête sarrautienne du mouvement, c'est-à-dire a Bergson, à la phénoménologie et dans une moindre mesure à la théorie de la forme. La seconde partie de la thèse analyse la décomposition du moi qui résulte du grouillement des forces contraires en deca de la conscience tandis que la troisième partie inscrit ces mouvements dans la perspective cosmique du flux et du reflux qui leur donne leur sens véritable. L'œuvre sarrautienne est ainsi reliée aux recherches artistiques contemporaines qui, comme elle, prolongent le geste créateur dans la vibration du lecteur ou du spectateur
This is a study of one of the most influential contemporary work, that of Sarraute's narratives, from tropisms to "tu ne t'aime pas". It aims at showing how the novelist endeavors to set forth the imperceptible and pre-verbal movements which constitute psychic life. Sarraute takes great care not to destroy these movements by the use of a ready-made literary form. The understanding of this major theme in Sarraute’s quest for form and movement requires an appreciation of its philosophical sources, namely Bergson, phenomenology and, to a lesser extent, the theory of form. The second part of the thesis analyses the decomposition of the ego that arises from the conflict of swarming opposite forces in the subconscious. Finally, the third part ascribes the meaning of these movements to a wider cosmic perspective of ebb and flow. In this way, the whole work of Sarraute is linked to contemporary artistic research which attunes the creative act with the reader or the spectator's own vibration

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Le, Corsu Soraya. "La puissance poétique et plastique de l'image surréaliste dans l'oeuvre de Jean Cocteau." Caen, 2002. http://www.theses.fr/2002CAEN1354.

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Abstract:

Jean Cocteau a illuminé le XXe siècle de son imagination créatrice. Son oeuvre accorde une place considérable à l'expression de l'image et à sa puissance émotive. L'objet de cette thèse est de démontrer que ses activités poétiques et artistiques ont marqué le siècle d'un esprit novateur et de procédés qui se rapprochent étroitement de ceux des Surréalistes : comme eux, il s'est interrogé sur le fonctionnement et l'automatisme de la pensée à travers le mécanisme du rêve. Sa poésie aspire de même à une redéfinition du monde par l'exploitation de l'imagination, de l'irrationnel. Cocteau est un visuel : son écriture intègre un foisonnement d'images surréalistes que prolongent son cinéma, son dessin et sa peinture. Ainsi l'artiste unit la poésie aux arts plastiques, dans un univers surréel : l'essentiel est d'émouvoir, mais aussi de déconcerter, de surprendre par le caractère insolite de l'image. Enfin, le Surréalisme de Cocteau se reconnaît encore dans sa définition de la poésie, " mettre de la nuit en lumière ", c'est-à-dire manifester par les actes poétiques le fond inconnu de l'être humain. C'est exactement la théorie de Breton qui s'appuie sur la science de Freud. Aussi l'étude de l'image conduit-elle à son interprétation psychanalytique.

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Lauterwein, Andréa. ""Les deux mondes" Paul Celan et Anselm Kiefer." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2002PA030130.

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Abstract:

Recherche interdisciplinaire sur la crise de la représentation et la circulation des images mémorielles de la Shoah en RFA, ce travail s'organise autour du phénomène de transmission transgénérationnel entre Paul Celan et le peintre Anselm Kiefer. L'analyse critique de la mémoire orale, écrite et imagée, en RFA entre 1945 et 1990 questionne la complexité du silence. L'interprétation des articulations entre la poésie de Celan et l'image non verbale (surréalisme, abstraction, gravure, histoire de l'art) accorde une importance particulière à la résonance phénoménologique entre l'image et le texte. C'est dans la conscience d'une compréhension à distance que la peinture de Kiefer adopte la vision géologique de Celan pour commémorer les victimes de la Shoah. La transformation n'est ni iconique ni littérale. Le peintre interprète et opère une nouvelle condensation du paysage idéographique transmis par le texte de référence : l'idiolecte celanien devient idéogramme kieferien. La poétique de Celan lui fournit le modèle d'un deuil éthique, où les fantasmes durables liés au nazisme sont déconstruits par la connaissance critique de leur construction culturelle. Ceci conduit au contrôle et à la réfection en profondeur de l'héritage culturel allemand en fonction de la Shoah et à l'inscription de la mémoire juive dans l'iconographie mémorielle allemande. La perception même du retrait du sens conduit Celan comme Kiefer à ré-auratiser l'art
This interdisciplinary research on the crisis of representations and the memory images of the Holocaust in Germany is organised around the transgenerational transmission between Paul Celan and Anselm Kiefer. The critical analysis of oral, written and imaged memory in Germany from 1945 to 1990 questions the complexity of silence. The interpretation of the relation between Celan's poetry and the non verbal image (surrealism, abstraction, history of art) focuses on the phenomenological resonance between the image and the text. Kiefer's painting adapts Celan's geological vision to commemorate the victims of the Holocaust, but this transformative adoption is neither iconic nor literal. The painter interprets and operates a new condensation of the ideographic landscape transmitted by the textual reference : the celanien ideolect becomes a kieferian ideogram. Celan's poetics provides him the model of an ethical mourning that permits to deconstruct the perduring phantasmas related to national-socialism by the way of a critique of their cultural construction. The aim of this operation is to control and to renovate the german cultural heritage, according to the Holocaust, and to inscribe the jewish memory into the german iconographic memory. The knowledge of the withdrawal of sense conducts Celan as well as Kiefer to a re-auratisation of art

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Camenen, Gersende. "Écrire au temps de l'image : les enjeux du visuel chez Roberto Arlt." Paris 8, 2009. http://octaviana.fr/document/152360425#?c=0&m=0&s=0&cv=0.

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Abstract:

L'œuvre de Roberto Arlt (1900-1942) est contemporaine de l'affirmation de nouveaux médias (photographie et cinéma) dans le champ culturel argentin. L'objectif de cette thèse est d'évaluer l'influence de l'image sur l'écriture arltienne. À travers ses notes sur le cinéma, ses réflexions et sa pratique de la photographie, on découvrira ainsi le discours que l'écrivain tient sur la transformation des dispositifs de représentation et du statut de l'écriture qu'entraînent les nouveaux médias. Cette mutation culturelle suscite en outre des réponses poétiques diverses dans les romans, les pièces de théâtre et les écrits de voyage arltiens. Au miroir de l'image, ce sont trois périodes qui se dégagent dans l'œuvre arltienne. Arlt entre en littérature en élaborant dans son premier roman une puissante figure d'auteur à partir du rôle donné à l'image dans la formation de la subjectivité et l'apprentissage de l'écriture. Cette construction conditionne sa relation avec la tradition et l'avant-garde, définissant sa place dans le champ littéraire d'une façon tout à fait subversive. Puis l'époque des grands romans et des "Eaux-fortes portègnes" révèle l'impact décisif du cinéma sur l'art narratif arltien, imposant une nouvelle lecture du sujet, du rythme narratif et finalement des pouvoirs de la littérature, concurrencée par ce nouvel art du récit qu'est le cinéma. Enfin, une dernière étape s'ouvre avec le théâtre et l'expérience du voyage. Une origine visuelle et une forme de confrontation à l'autre semblent réunir ces pratiques d'écriture très différentes. La scène, art visuel et autre du texte puis l'autre culturel, appréhendé à travers un réseaux d'images à la fois anciennes et nouvelles, à mi-chemin entre le réel et l'imaginaire bouleversent le rapport de l'écriture à l’image
Roberto Arlt's work (1900-1942) is contemporaneous with the increasing importance of new media (photography and cinema) in the Argentinian cultural field. The aim of this dissertation is to assess the influence of image on Arlt's writing. By examining his notes on cinema, his reflections on and pratice of photography, I analyse Arlt's views on the transformation of modes of representation and of the status of writing entailed by the new media. This cultural change also provokes different poetic responses in Arlt's novels, plays and travel writings. The relation to images in Arlt's work goes through three different periods. Arlt makes his literary "début" by elaborating in his first novel a powerful author-figure and giving a major role to images in the formation of subjectivity and the apprenticeship of writing. This construction conditions his relation to tradition and "avant-garde", defining his place in the literary field in a particularly subversive way. Then the period of the great novels and of "Aguasfuertes porteñas" reveals the decisive impact of cinema on Arlt's narrative art, imposing a new lecture of the subject, the narrative rhythm and finally of the powers of literature, challenged by the new narrative art that is cinema. Finally, a last stage opens with the theatre and the experience of travelling. A visual origin and a form of confrontation to the other seem to link together these very different writing pratices. The theatre, visual art and textual other, then the cultural other perceived through a web of both old and new images, half-way between reality and imagination dramatically change the relation of writing to image

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Chèvre, Mathilde. "Renaissance enfantine : La création arabe en littérature pour la jeunesse depuis 1967, reflet et projet des sociétés (Égypte, Liban, Syrie)." Thesis, Aix-Marseille, 2013. http://www.theses.fr/2013AIXM3091.

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Abstract:

Au lendemain de la défaite de 1967 appelée la naksa, une génération d’intellectuels syriens, égyptiens et libanais s’engagent dans l’écriture et l’illustration pour les enfants. Ce faisant ils se racontent et dessinent leur avenir idéalisé. La création arabe en littérature pour la jeunesse qui se développe dans les années 1970 est profondément animée par le souffle idéologique de son temps. Elle pose les jalons structurels, thématiques et graphiques qui inspirent la production contemporaine. Les auteurs, illustrateurs et éditeurs entendent parler à l’enfant arabe du monde dans lequel il grandit. Ils mènent une réflexion sur les thématiques, sur les niveaux de langue arabe, sur l’image figurative, ses héritages, sa structure et ses codes. Leur quête est littéraire, artistique et identitaire : ils sont les initiateurs d’une renaissance, une nahda pour les enfants. Ces questionnements sont les pierres d’angle de notre recherche. Celle-ci se concentre sur le mouvement avant-gardiste de création arabe en littérature pour la jeunesse des années 1970 à nos jours, elle ambitionne d’en étudier les rouages et les ouvrages, d’observer l’articulation entre l’œuvre, son intention, son mode de production et son message. Il s’agit d’une part d’archiver les mémoires et les histoires collectives et individuelles, d’élucider les héritages et les filiations de ces créateurs, de suivre l’évolution de leurs motivations idéologiques, artistiques, économiques. Il s’agit d’autre part de faire une lecture au plus prés de notre corpus, une étude de l’évolution des thématiques au fil du temps mais aussi une analyse des albums eux-mêmes, dans leur structure linguistique et graphique
After the defeat of 1967, known as the naksa, a generation of Syrian, Egyptian and Lebanese intellectuals began writing and illustrating children's books. In doing so they gave form to an idealized future. Children's literature that developed in the Arab world during the 1970s was greatly influenced by the ideological climate of the time. It laid the structural, thematic and graphical foundations on which today's work is based. The goal of authors, illustrators and publishers was to produce works for Arab children which described the world in which they were growing up. Their work was centered on themes, on the different levels of Arabic, on the figurative image, its heritage, its structure and its codes and conventions. Their objective was literary, artistic, and a quest for cultural identity. They were the vanguard of a renaissance, a nahda for children.These questions form the basis of this research. It concentrates on the avant-guard movement in children's literature from the 1970s to the present day. It attempts to study the way it worked and what was published, to observe the connections between the work itself, its aims, the way it was produced and its message. The research involves, on the one hand, documenting recollections and stories, both collective and individual, tracing the heritage and interconnections among of those involved, to follow the development of their ideological, artistic and economic motivation. It will also involve a detailed study of illustrated books for children, an examination of the thematic evolution over time, as well as a semiological reading of the books themselves, with reference to their linguistic and graphic structure

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Benadrz-Cantarel, Marta. "La volonté et l'acte d'écriture dans les œuvres de Cyprian Norwid et Paul Valéry." Toulouse 2, 2009. http://www.theses.fr/2009TOU20039.

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Abstract:

Les œuvres de Norwid et de Valéry reposent sur un mode de production spécifique indissociable d’un important travail intellectuel qui déplace le postulat de l'inspiration du poète ou de l'écrivain vers le lecteur, tout en actualisant harmonieusement les héritages du classicisme et du romantisme. C'est précisément l'analyse de la démarche intellectuelle de ces deux poètes, penseurs, artistes et philosophes, tous deux inclassables et souvent paradoxaux, qui fait l'objet de cette étude qui a pour visée de montrer leur étonnante similitude, au-delà de leurs différences, dont la plus évidente est leur décalage temporel : Norwid appartient au XIXème siècle, tandis que Valéry s'inscrit essentiellement dans le XXème siècle. On reconnaît en eux deux bâtisseurs qui dans leur « acte d'écrire » ne cessent d'établir un parallèle entre le travail du poète et celui du musicien, de l'architecte et du peintre. S'appuyant sur la correspondance des arts ils construisent chacun une œuvre ouverte, fondée sur un volontarisme actif et sont des artisans pour qui l'exécution de l'œuvre littéraire est plus importante que l'œuvre elle-même. Ils se sont construits eux-mêmes dans un espace-temps qui leur est propre et montrent que l'exercice littéraire qui les reflète ne relève pas vraiment de la facilité. L'objet de cette thèse est de mieux faire connaître l'œuvre de Norwid en France en la confrontant à celle de Valéry, dont les Cahiers constituent la source explicite de sa création poétique et leurs œuvres initient une relation écrivain-œuvre-lecteur particulièrement moderne. Cette thèse permet aussi de vérifier que Norwid et Valéry continuent à inspirer la littérature et les arts du XXIème siècle non seulement parce que leur pensée s'inscrit dans un cadre européen, mais aussi parce que leur lucidité et leur modernité font d'eux des artistes complets, universels et humanistes
The works of NORWID and VALERY are based on a specific method of literary output inseparable from an important brain work which moves the postulate of the poet or the writer's inspiration towards the reader while updating harmoniously the inheritances of the classicism and the romanticism. It's precisely the analysis of the thought process of these two poets, thinkers, artists and philosophers both unclassifiable and often paradoxical that is the object of this study which has for aim to show their surprising resemblance beyond their differences, the most obvious one being their temporal time lag: NORWID belongs to the nineteenth century while VALERY is essentially in keeping with the twentieth century. We recognize in them two builders who in their "act to write" are constantly establishing a parallel between the work of the poet and that of the musician, the architect and the artist painter. By making use of the correlation of arts, each of them builds an open work, based on an active voluntarism and they are craftsmen for whom the execution of the literary work is more important than the work itself. They built themselves in a space-time which is appropriate to them, and show that the literary exercise which reflects them does not really come under easiness. The aim of this thesis is to have the work of Norwid better known in France by comparing it to Valéry's one, whose “Cahiers” constitute the explicit source of his poetic creation, and their works introduce a particularly modern relation between the writer, the work and the reader. This thesis also allows to check that Norwid and Valéry are always inspiring the literature and the arts of the XXIth century not only because their thought is in keeping with a European space but also because their consciousness and their modernity make them complete, universal and humanistic artists

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Nzondo, Léonard. "La poétique romanesque de Michel Rio : essai sur l'oeuvre romanesque de Michel Rio." Clermont-Ferrand 2, 2003. http://www.theses.fr/2003CLF20014.

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Abstract:

Distante des modes et des courants majoritaires, l'oeuvre romanesque de Michel Rio se situe entre la littérature et la philosophie, l'art et la science. Cette thèse donne les moyens de pratiquer une lecture ouverte de cette oeuvre, ouverte à ses enjeux théoriques et aux thèmes (art, érotisme, dandysme, mélancolie, mort) qui la structurent. En débordant le champ littéraire spécifique, en opérant des rapprochements interdisciplinaires, l'oeuvre de Michel Rio revisite un rêve fondateur de la littérature, celui de l'unité du savoir. Cette oeuvre déploie un vaste et complexe système de personnages récurrents et fait de la description une composante textuelle essentielle. L'oeuvre de Michel Rio revisite également la légende arthurienne à travers la réécriture du mythe de Merlin, Morgane et Arthur. Cette réappropriation de la légende arthurienne opère un décalage historique ; elle transplante la légende dans la Bretagne du IVe et Ve siècle et non pas au XIIe siècle comme le veut la tradition littéraire. Cette libre réécriture confère à la légende une dimension poétique nouvelle
Far to the fashions and the main trends, the Michel Rio's romanesque work takes place among literature and philosophy, art and science. This doctoral thesis gives the means to achieve an open reading of this work, careful to its theorical stokes and its topics (art, eroticism, dandysm, melancholy, death). Overstepping the field of literature, working about interdisciplinary approaches, Michel Rio's romance rexamine a founding dream of literature. Michel Rio's work also reconsider the arthurian legend through the rewriting of Merlin, Morgan and Arthur's Myth. This appropriation bring forward Arthur's legend in the history. It transposes the legend in the Brittany of the IVth and the Vth century and not the XII one, as usual in literary tradition. This free analysis givens an new poetic dimension to the legend

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Lapeyre, Marie-Laurence. "La représentation romanesque de la peinture hollandaise du siècle d' or dans les romans français et anglophones depuis Marcel Proust." Paris 7, 2007. http://www.theses.fr/2007PA070022.

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Abstract:

Littérature et peinture n'ont cessé, à travers l'histoire de l'esthétique occidentale, d'entretenir un dialogue certes souvent teinté de polémique, mais incontestablement fécond. Au cœur de cet échange, dans le domaine du roman contemporain, la représentation de la peinture hollandaise du Siècle d'or ressort avec un relief particulier. Parmi les raisons de la prédilection des romanciers pour cette école picturale, se distinguent : son aspect puissamment novateur, l'extraordinaire richesse de sa production, les affinités électives qu'elle possède avec la sphère du roman ; mais aussi, parmi la cohorte des petits maîtres talentueux, le patronage de quelques figures légendaires, aujourd'hui regardées comme des « phares » de l'univers artistique : Rembrandt, Vermeer et Hals. Entrée en force dans le roman avec l'œuvre de Balzac, convoquée ensuite chez des auteurs tels que Gautier ou les Concourt, la peinture hollandaise occupe une place de choix dans la Recherche du temps perdu : la qualité indiscutable de génie y est accordée à Rembrandt, et Proust a grandement contribué à la reconnaissance de l'excellence de Vermeer. Ponctuellement, nous retrouvons la présence des peintres hollandais chez des auteurs « reconnus »; c'est toutefois dans l'édition « grand public » récente qu'ils sont le plus souvent représentés. L'étude porte sur le statut que les romans français et anglophones, depuis Marcel Proust, accordent au descriptif, sur les modalités de l'implication de l'objet-tableau dans la dynamique narrative, sur la manière dont la figure légendaire des peintres se voit reconduite ou infléchie, et enfin sur ce qu'il est advenu aujourd'hui du roman d'artiste
All through the history of Western art, literature and painting have had polemical but constructive relationships. In the thick of this exchange, the representation of the Dutch painting of the Golden age is brought out in strong relief in contemporary novels. Among the reasons for the particular interest of the novelists in this school of painting, can be found : its innovating strength, its profuse production, its closeness with the world of the novel ; and also, among he crowd of talented little masters, the patronage of some legendary figures now seen as the beacons of the artistic universe : Rembrandt, Vermeer and Hals. Having forced its way into the novel with Balzac, Dutch painting is then seen in Gautier's and the Goncourts'work, and holds a high rank in Remembrance of Things Past : Rembrandt is indisputably recognized as a genius, and Proust bas highly contributed to the recognition of Vermeer's excellence. Dutch painters may sometimes be met in the work of some acknowledged authors, but are mostly represented in the recent popular editions. This study deals with the status bestowed on to the description by French and English novels since Proust, with the means used to involve the painting - as an object - in the narrative dynamic, with the way the legendary figure of the painters is perpetuated or bent, and in the end, with what's become today of the artist's novel

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Janulardo, Ettore. "L'image de la ville dans l'architecture, la peinture et la narration italiennes de l'entre-deux-guerres." Nice, 2002. http://www.theses.fr/2002NICE2018.

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Abstract:

Naissance et mort du mythe urbain du progrès : de l'utopie futuriste à la ville fasciste et à sa chute. Le fascisme se sert de plusieurs "images" urbaines pour se vouer à des actions différentes : la création de petites villes nouvelles et les démolitions dans les centres majeurs. Milan est le haut lieu de l'art futuriste et des "tableaux de la banlieue" de Sironi. Mais la dissolution de la représentation urbaine usuelle touche également la province italienne, dans l'art métaphysique. La ville de la littérature est d'abord traditionnelle : les années Vingt soulignent l'aspect coutumier de province italienne. Dans les années Trente, le roman fait de la grande ville le lieu de l'indifférence. Et prend forme le désir d'un ailleurs, plus urbain - comme en Amérique - ou moins urbain, opposé aux architectures privilégiées par le régime, comme chez Vittorini. La vision urbaine fasciste et autarcique,avec son mythe de Rome, se fait enfin submerger par le conflit mondial et par d'autres mythes.

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Créac'h, Martine. "La peinture de Poussin en partage : Claude Simon, René Char, André du Bouchet, Yves Bonnefoy et Philippe Jaccottet." Paris 8, 2001. http://www.theses.fr/2001PA082021.

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Abstract:

A l'origine de cette recherche, il y eut l'étonnement de découvrir chez plusieurs écrivains contemporains, quatre poètes et un romancier, une référence insistante à un peintre que la tradition présente comme un modèle classique. D'un côté, un art érigé en norme, de l'autre, des formes inventives, celle du "nouveau roman", celles de la prose poétique, du vers libre ou de la note. Sur quel terrain commun pouvait s'installer cet étrange et rare "voisinage" ? L'étude découvre une réception nouvelle de la peinture de Poussin dans la littérature d'après 1945. Elle s'écarte à la fois de la tradition classique et de celle du début du siècle qui donnait ce peintre de la ligne en modèle d'un nécessaire "retour à l'ordre". Dans le miroir de la peinture de Poussin, d'une biographie légendaire, ce travail repère quelques traits caractéristiques de cette génération littéraire qui se démarque de l'héritage surréaliste. Parce que la question de l'écriture était centrale, il fallait étudier successivement l'approche de chaque auteur et rendre sensible ainsi le jeu, chaque fois singulier, entre peinture et écriture. . .

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Vallespir, Mathilde. "L'exorcisme produit par des oeuvres poétiques et musicales de la guerre et du direct après-guerre : 1939-1945." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040211.

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Abstract:

L'objet de la thèse est de circonscrire un agencement d'art particulier : l'exorcisme produit sur un récepteur actuel par des œuvres musicales et poétiques de la guerre et du direct après-guerre de R. Char, H. Michaux, O. Messiaen et A. Jolivet. En consommant ces œuvres, le récepteur exorcise la violence propre à la guerre en opposant à la négation de l'autre propre à Auschwitz, lequel emblématise la guerre, l'avènement d'une entité autre surgissant de la perception conditionnée par ces œuvres. Une telle " altérisation " perceptive repose sur un fonctionnement contradictoire de la perception, qui s'effectue tout en s'auto-déconstruisant, et qui brouille la réception. Après avoir en une première partie posé les fondements théoriques de l'approche, et cerné la spécificité de la musique et du langage en s'appuyant sur une critique des rapprochements effectués entre eux, on analyse l'agencement d'exorcisme à proprement parler, en décrivant, en une deuxième partie, sa manifestation fondamentale, le brouillage. On détermine les sources sémiotiques spécifiquement langagières et musicales de ce brouillage, et on montre son pouvoir de déstructuration de la perception et de désimplication sur le récepteur. Le brouillage est ainsi défini comme agencement monstrueux. La dernière partie réinsère cet agencement local dans l'agencement général d'exorcisme. Ce brouillage peut en effet se muer en altérisation, la lecture de la métaphore se transformant en création d' hétéro-univers de croyance, le paradoxe en hétéro-doxe, quand l'écoute s'opère selon des repères marginaux par rapport aux attentes. S'ensuit enfin une modélisation générale de l'agencement d'exorcisme comme mécanisme de substitution de l'autre à soi, comme contre-violence à l'Histoire
The objective of this work is to circumscribe an "agencement" (arrangement) of specific art: the exorcism produced on a receiver by musical or poetical works from the Second World War and the immediate after-war period by R. Char, H. Michaux, O. Messiaen et A. Jolivet. When encountering these works, the receiver exorcises the war-related violence by confronting the negation of the other characterising Auschwitz with the advent of another entity rising from the perception conditioned by these works. Such a perceptive "alterisation" rests on a contradictory functioning of perception, which de-constructs itself whilst happening, and which blurs perception. In a first part, we set the theoretical basis for our approach, by encircling the specificity of music and language based on a criticism of association usually made between both of them. We then analyse the mere "agencement" of exorcism by describing its fundamental manifestation - the process of "brouillage" (confusion) - in a second part. We define the semiotic sources for this process which are specific to language and music, as well as its manifestation more distinctively perceptive in both systems, through its power of de-construction and des-involvement. That way, we manage to define the "brouillage" as a monstrous "agencement". The last part of this work is dedicated to the reinsertion of this "agencement" into the more general "agencement" of exorcism. We show how the "brouillage" can change to "alterisation", with the reading of metaphor itself changing into the creation of a hetero-universe of belief, and the paradox into "hetero-dox", when listening operates along benchmarks which are marginal compared to expectations. To conclude, we propose a general modelling of the "agencement" of exorcism as a way of substituting to the other, as a challenge to the violence of History

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Cavalié, Elsa. "Réécrire l’Angleterre (1900-1945) dans la littérature britannique contemporaine." Toulouse 2, 2009. http://www.theses.fr/2009TOU20113.

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Abstract:

Cette thèse explore les réécritures de l'Angleterre de la première moitié du 20ème siècle dans la fiction contemporaine, en particulier dans A Month in the Country de J. L. Carr, Atonement de Ian McEwan, Arthur and George de Julian Barnes et la trilogie de Barker consacrée à la Grande Guerre (Regeneration, The Eye in the Door et The Ghost Road). En choisissant de réinvestir les lieux familiers de l'anglicité édouardienne, comme le paysage anglais archétypal, les romans « rétro-édouardiens/georgiens » remettent en cause leur statut en tant que source de l'identité anglaise. De même, les « country houses » se révèlent parfois des labyrinthes de l'intime, se dérobant au regard de narrateurs tentant de réécrire un passé coupable en regardant une dernière fois à travers leurs portes et leurs fenêtres. La notion de communauté, à travers la dichotomie étranger familier et l'émergence des marges est ensuite remise en question. De plus, la notion de gentleman, la définition et l'éthos de cette figure masculine archétypale sont déstabilisés. La répression de l'émotion est ainsi analysée, avant d'envisager la possibilité d'une régénération de l'identité empruntant les voies de la psychanalyse ou de l'expression artistique. Ainsi, on trouve dans la littérature « rétro-édouardienne/georgienne » une réflexion métafictionnelle sur le processus d'écriture de l'Histoire où faits historiques et fiction se mêlent, afin de dialoguer avec la tradition littéraire du pays. La dimension éthique du retour vers le passé est ainsi invoquée, de même que la possibilité de faire coexister les concepts apparemment antithétiques que sont le postmodernisme et l'humanisme
This dissertation deals with the rewritings of Edwardian & Georgian England in contemporary fiction, with a specific focus on J. L. Carr's A Month in the Country, Ian McEwan's Atonement, Julian Barnes's Arthur and George and Pat Barker's Regeneration Trilogy (Regeneration, The Eye in the Door and The Ghost Road). When choosing to go back to England's archetypal places, such as the English pastoral landscape and the “South Country”, “retro-Edwardian” novels question these territories' legitimacy and the ‘origin' of Englishness. Similarly, the English country houses are sometimes perceived as mazes in which their inhabitants get lost when trying to have one last look through their windows. Moreover, the concept of “community” is questioned, through its relationship to the Strange/Familiar dichotomy, in novels that are sometimes written “from the margins”. Gentlemanliness, its definition and ethos are then destabilized and the repression of feelings evoked. Still, regeneration is always deemed possible, whether it be thanks to the “talking cure” or artistic development. Furthermore, novels revisiting Georgian and Edwardian England are strongly metafictional, reflecting on the writing of History where fact and fiction are intermingled in order to create a dialogic relationship with the English literary tradition. Then “rewriting the past” is considered as an ethical enterprise where literature may reconcile such apparently contrasted concepts as postmodernism and humanism

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Huchet, Stéphane. "La configuration du monde esthetique autour des annees 1920 : phenomenologie, critique et antinomies de l'universel et de l'originaire." Paris, EHESS, 1990. http://www.theses.fr/1990EHES0309.

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Abstract:

Premiere partie : "l'oeuvre et le sceau du monde". Soutenir l'analyse de la pensee de l'art dans les annees 20 par les philosophemes qu'elle appelle, dans sa diversite phenomenologiques, hegeliens, metaphysiques, pour cerner tous les aspects des determinations universalisantes du concept d'art; determinations toutes prises dans le schema de la reduction transcendantale de toute forme a son essence vitale; dans les constructivismes, le bauhaus, le neo-plasticisme, le purisme. . . Par de lentes avancees analytiques, nous voyons la pensee de la forme structurante culminer dans la technique absolutisee (nazisme), dont le caractere de mythe fabrique et falsificateur de l'autonomie esthetique nous enjoint d'interroger globalement la liaison esthetique a l'ethique dans le travail historique du concept totalisant de l'art. (kant et l'arche-poiesis) deuxieme partie: "l'oeuvre du descellement": suit une critique de ces pretentions utopiques (faux-semblant) qui permet de donner voix a ce que le concept et sa ratio dominante tendaient a refouler d'originaire et d'antinomique dans l'effectuation formelle de l'absolu. On traite ainsi de fin de la metaphysique dans la question de la verite de l'oeuvre on parcourt les figures dialectiques du dechirement existentiel (ecole de francfort bloch; lord chandos, h. Broch, lukacs) de finitude et d'ironie (dada, duchamp, l'image du collage,) d'implication plus violente et radicale dans la matiere, (artaud et malevitch: une poetique de l'epuration des mots et des objets qui en finit avec la volonte d'effectuation totale d'une absolu fonctionnel et structurateur dans l'histoire.

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Dauphin, Sandrine. "Art et totalitarisme : l'esthétique comme instrument de propagande." Paris 2, 1997. http://www.theses.fr/1997PA020070.

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Abstract:

Durant la premiere moitie du xxe siecle, l'affrontement entre les regimes communistes et fascistes ne se limita pas aux plans ideologiques et militaires mais concerna aussi le milieu culturel. En effet l'urss de staline, l'allemagne d'hitler et l'italie de mussolini ont cree une esthetique commune malgre leur opposition politique. Ces etats totalitaires ont ainsi mis les arts au service de leur propagande. Si l'art est un agent actif de communication entre les hommes, c'est parce qu'il est egalement un moyen d'expression de l'ideologie. Des lors, de quelle maniere l'art participa-t-il a l'embrigadement des individus ? l'architecture offrait l'apparat et le luxe ; son gigantisme exprimait l'autorite suscitant a la fois crainte et admiration. Quant aux arts plastiques, ils deifierent le chef supreme et annoncerent la venue de l'homme nouveau. Les arts donnaient donc forme a l'utopie totalitaire qui avait pour finalite de changer la nature meme de l'homme : annihiler toute forme d'individualisme, imaginer l'homme comme le simple rouage d'une immense machine, celle de l'etat tout puissant. Au bout du compte il s'agissait de persuader le peuple de sa superiorite pour l'amener a accepter tous les sacrifices dans une union spirituelle avec l'etat et son chef. L'art n'etait non pas le reflet de la societe mais le reflet de l'idee que se faisait le pouvoir de son peuple
In the first part of the twentieth century, the antagonism between communism and facism was not limited only to ideological and military levels but was also present at cultural levels. Indeed mussolini's italy, hitler's germany and staline's ussr created a common aesthetic in spite of political opposition. Thus, these totalitarian states exploited art for the purpose of propaganda. If art is an active agent of communication between men, then art can also be the manner for ideological expression. How then did art change, orientate and modify an individual's perception of the world in general? architecture reflected pomp and luxury while its large scale works expressed authority crousing fear and admiration at the same time. As for support of the "plastic arts", they allowed, deification of the supreme chief and permitted the announcement of the new man. Art was giving rise form to the totalitarian utopia which existed to transform human nature. Art was not simply the society's reflection but the reflection of the idea the power made of its people. Its allowed the people to believe in spiritual union with the state and its chief

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Wilfert-Portal, Blaise. "Paris, la France et le reste. . . : importations littéraires et nationalisme culturel en France, 1885-1930." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010596.

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Abstract:

A partir d'une étude bibliométrique des traductions, d'une biographie collective des traducteurs et commentateurs des littératures étrangères, et d'un corpus de préfaces, d'articles et de synthèses portant sur les littératures étrangères, cette thèse établit que le champ intellectuel français des années 1880-1935 connut, du fait de l'importation littéraire, une transformation en profondeur, dont le surgissement dans l'espace public des écrivains nationalistes fut un signe frappant. Suscitant des réactions violentes et accélérant la crise du modernisme, l'importation s'institutionnalisa comme un système de production de la différence, qui contribua à la nationalisation du débat intellectuel et à la consécration de la figure de 1 'homme de lettres spécialiste de l'esprit des peuples, ce qui contribua décisivement à la puissance d'attraction de Paris comme capitale culturelle, non pas de la littérature autonome, mais comme modèle de la littérature nationale, susceptible d'attirer. Ceux des écrivains qui souhaitaient nationaliser leur littérature.

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Bray, Suzanne. "Ecrivains et apologistes en Grande-Bretagne, 1900-1963 : GKChesterton, Dorothy L. Sayers, TS Eliot et C.S. Lewis." Lille 3, 1999. http://www.theses.fr/1999LIL30006.

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Abstract:

A une époque où le christianisme sociologique est en train de perdre son influence sur la population britannique, les églises anglaises entre 1930 et 1963 connaissent un genre de renouveau inspiré par des écrivains lai͏̈ques mais engagés dans une démarche apologétique. Dans le but d'analyses ce renouveau, cette thèse s'organise en deux grandes parties. La première examine l'accueil quantitatif et qualitatif donné aux oeuvres des quatre auteurs chrétiens cités. Elle confirme la position de G. K. Chesterton en tant que précurseur du mouvement et celle de Sayers, Eliot et Lewis comme ses protagonistes principaux. La seconde partie s'efforce d'établir les principaux facteurs de leur réussite : la volonté de sortir d'une culture d'élite repliée sur elle-même, le constat de nombreux points communs entre les quatre auteurs, l'importance accordée à une doctrine argumentée et intellectuellement cohérente, la capacité à se trouver, ou même élaborer, une tradition littéraire européenne et chrétienne faisant lien avec le public, et le choix d'une écriture limpide. La conclusion souligne l'importance du contexte culturel de ces auteurs qui écrivent pendant un demi-siècle marqué par deux guerres mondiales. Elle relève également la rupture intervenue depuis cette période et constate la moindre pertinence de leur approche pour les britanniques d'aujourd'hui

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Hervé-Montel, Caroline. "Les premiers romans en français au Liban et en Egypte (1908-1933) : renaissance littéraire et conscience nationale." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030092.

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Abstract:

Sous l’impulsion de la Nahda et de l’expansion scolaire du français, une littérature romanesque francophone apparaît au début du XXe siècle au Liban et en Égypte lorsque s’affirment les consciences nationales : les identités collectives prennent forme dans des récits qui construisent les imaginaires nationaux en fixant de grands mythes et en débattant des valeurs sociales nouvelles. Quant à l’intertextualité, ces premiers romans procèdent d’une part de la littérature arabe classique constituée en patrimoine culturel national, d’autre part de la littérature française qui fournit de grands modèles esthétiques – roman historique, réaliste et naturaliste – mais aussi des représentations du pays – littérature de voyage, littérature coloniale – que les romans réinvestissent. Au « Levant », le français est une alterlangue – autre langue possible -, mais les romans sont plus marqués par le contact des langues et des cultures en Égypte, par les normes du français scolaire au Liban. Éditées à Paris, les œuvres sont engagées dans des circuits de reconnaissance différents : les romanciers du Liban sont accueillis par les cercles nationalistes barrésiens, les romanciers d’Égypte par les internationalistes pacifistes et la revue Europe. Sur le plan local, la littérature francophone est intégrée à la téléologie nationale libanaise, car le bilinguisme est impliqué par la vocation de carrefour imaginée pour le Liban par ses premières élites nationales. En revanche, l’espace littéraire égyptien, malgré une dynamique bilingue remarquable dans l’entre-deux-guerres, se fracture au milieu des années 1930 lorsque les écrivains francophones s’affranchissent des thèmes purement nationaux
Under the impetus of the Nahda and French scholarly expansion, novelistic French literature appeared at the beginning of the 20th century in Lebanon and Egypt with the assertions of national consciousness: collective identities took shape in narratives which built up national imagination by setting down important myths and debating social values. In terms of inter-textual relationships, these first novels originated partly from Arab classical literature, which constituted national cultural heritage, and partly from French literature which provided major aesthetic models – the historical, realist and naturalist novels – but also from local travel and colonialist literature which were reinvested in the novels. In the Levant, French is an alter langue – alternative language -, but in Egypt novels are more influenced by the contact of languages and cultures, and in Lebanon by norms of scholarly French. Edited in Paris, the works are engaged in different channels of recognition: the novelists of Lebanon are received by nationalist followers of Maurice Barrès and the novelists of Egypt by the international pacifists and Europe magazine. In Lebanon, literature in the French language is integrated into national teleology, because the role devised for Lebanon by its first national elite as a cultural crossroads implicates bilingualism. On the contrary, the Egyptian literary arena, despite a remarkably dynamic bilingualism in the interwar years, fractured in the mid 1930’s when writers in the French language freed themselves from purely nationalist themes

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Shindô, Hisano. "Les écrits sur l’art d’André Breton : 1920-1944." Thesis, Lyon 2, 2013. http://www.theses.fr/2013LYO20060.

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Abstract:

La présente étude a pour objet d’examiner les écrits d’André Breton sur l’art et d’éclairer l’importance des recherches opérées sur l’image dans les principales questions abordées par l’écrivain entre les premières années de sa carrière et la fin de la seconde guerre mondiale. Si le surréalisme a commencé comme un mouvement littéraire, il va de soi que les arts plastiques n’ont pas tardé à y occuper une place essentielle. De toute évidence, les succès du surréalisme en matière d’art plastique sont encouragés par la passion vive et constante de Breton lui-même en ce domaine. Les œuvres d’art ont souvent été pour Breton autant d’occasions d’écriture. Une part de ces textes est généralement considérée comme relevant de la critique d’art. Cependant les réflexions de l’écrivain sur l’art ne se limitent pas au genre critique. Certains essais et les récits autobiographiques rendent compte d’événements étonnants suscités par les œuvres d’art. La question artistique peut en outre prendre la place principale dans les textes argumentatifs et théoriques.Les écrits de Breton peuvent être situés dans la grande filiation de la modernité poétique, de Baudelaire à des contemporains comme Jacques Dupin ou Bernard Noël. Ces textes mettent en jeu le rapprochement et la concurrence entre poésie et peinture. Le propos de l’écrivain ne vise pourtant pas à accorder la supériorité à l’expression verbale plutôt qu’à la représentation visuelle ou vice-versa, mais à faire remarquer l’entrelacement du langage et de l’image. Breton s’efforce en outre de mettre à profit l’entrecroisement hiérographique de l’écriture et de l’image. Loin de chercher à dégager une conception cohérente de l’écrivain concernant les arts plastiques, notre analyse s’efforce de montrer comment les images visuelles ont au contraire pour objet de déstabiliser l’écriture de Breton et de la remettre en cause. Dans la première partie, nous nous pencherons sur les réflexions de Breton sur l’art au cours des années 1920, dont le développement traverse les frontières génériques des textes. Dans la partie suivante, nous constaterons qu’une place plus importante est accordée dans les années 1930 aux recherches sur les représentations visuelles, qui concernent alors directement les préoccupations principales de l’écrivain : le problème porte sur le désir inconscient, sa révélation et sa réalisation. Tandis que les tableaux sont susceptibles de mettre en place un nœud entre réalité et rêverie, l’ « objet surréaliste » consiste à déplacer sans cesse la frontière de ceux-ci. La dernière partie sera consacrée à l’apport des représentations visuelles dans la conception du « mythe surréaliste », qui occupe la place principale dans les préoccupations du groupe aux cours des années 1940. Le recours aux produits de l’imaginaire collectif n’empêche pas de profiter du caractère polyphonique des images pour en révéler le caractère mystificateur. En suivant ainsi l’évolution des recherches de Breton sur l’art plastique dans l’ordre chronologique, nos analyses voudront montrer que l’activité de Breton autour de l’art visuel entretenaient un rapport étroit avec l’écriture. L’intérêt conjoint pour les arts plastiques et pour la poésie n’aboutit pas à proclamer la suprématie de l’une sur les autres, encore moins à prétendre à la fusion des deux domaines. Inséparable de l’écriture, mais toujours en dehors ou plutôt en marge de celle-ci, les représentations visuelles ont pour effet de remettre les écrits en question en perturbant la lecture. Or, un tel décalage suppose incontestablement la participation du lecteur-spectateur qui, dans son embarras devant cette double incohérence, est convié à se mêler au jeu des textes et des images. L’écrivain s’efforce ainsi d’inviter le lecteur-spectateur à l’intérieur des champs surréalistes, en lui proposant de vivre la même expérience que lui
The purpose of this study is to examine the writings of Andre Breton on the arts between the first years of his career and the end of The Second World War. If Surrealism began as a movement of literature, it goes without saying that arts have occupied an essential place in this group. Obviously, the success of the surrealism in the field of art is encouraged by the passion of Breton in this area. The art works inspired Breton to write many texts. A part of these texts is generally regarded as “art critic”. However the reflections of the writer on the art is not confined to this genre. Some essays and autobiographical stories tell episodes created by the art works. In addition, the artistic question may take the main place in the argumentative and theoretical texts.The writings of Breton may be located in the filiation of the modern poetry, from Baudelaire to contemporary poets as Jacques Dupin or Bernard Noël. These texts discuss the competitive relation between poetry and painting. The texts of Breton don’t try to give the superiority to the verbal expression rather than to the visual representation or vice versa, but to point out the interlacing of language and image. Far from seeking to find a coherent concept of the writer concerning the field of art, our analysis tries to show how the visual images have influence on the writing of Breton. In the first part, we will focus on the reflections of Breton on the art in the 1920s, the development of which crossed the borders of genres of texts. In the next part, we will find that a more important place is given in the 1930s to research on the visual representations, which then relate directly the main concerns of the writer : unconscious desire, its revelation and realization. The last part will be devoted to the contribution of visual representations in the “myth of Surrealism”, which occupied the important place in the concerns of the group during the 1940s. Following the evolution of Breton’s reflections on the plastic art in chronological order, our analysis will show that the activity of Breton around the visual art had a close relationship with his writing. The interest both for the plastic arts and for the poetry does not lead to proclaim the supremacy of one over the other, still less to pretend to the fusion of the two areas. Inseparable from the writing, but always outside or rather at the margin of the wrigting, the visual representations have the effect of putting the writings in question. However, such a discrepancy between texts and images implies the participation of the reader-spectator who, is invited to magnetic field of the Surrealism

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Bertrand-Dorléac, Laurence. "Art, culture et société : l'exemple des arts plastiques à Paris entre 1940 et 1944." Paris, Institut d'études politiques, 1990. http://www.theses.fr/1990IEPP0015.

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Abstract:

L'occupation allemande et le régime de Vichy font culminer en France la crise des valeurs humanistes. En art, la situation doit beaucoup à l'héritage de l'avant-guerre, mais des ruptures d'intensité et de nature modifient la scène artistique. L'art, objet d'orgueil patriotique, est accusé de refléter et d'alimenter la décadence moderne : l'absence d'idéal, l'individualisme et la démocratie. Sous la révolution nationale, il devient un instrument privilégié de redressement et de rénovation, après un retour à l'ordre et à la tradition. Le Secrétariat général des beaux-arts envisage une politique largement consensuelle en faveur de la tradition , du beau métier, de l'art monumental et des thèmes édifiants. Mais le milieu artistique, par nature hostile au dirigisme d'Etat, résiste aux positions officielles en matière de corporatisme et d'exclusion. En outre, très peu d'artistes acceptent de servir le service artistique du Maréchal attaché à sa personne. Si peu d'artistes entrent dans la résistance, certains créent des oeuvres subversives, tandis que la majorité est attentiste et nourrit de sa production les imaginaires d'un public exceptionnellement nombreux à fréquenter les lieux d'art. Le régime nazi, quant à lui, procède à ses propres démonstrations artistiques, encourage par les ultracistes francais comme Rebatet, et conforte par le voyage en Allemagne d'artistes reconnus : vlaminck, Derain, Despiau, etc. Mais les autorités nazies se consacrent essentiellement à l'exclusion des artistes juifs et francs-maçons, tandis qu'elles tolèrent l'exposition d'oeuvres "dégénérées". Enjeu pour des pouvoirs autoritaires visant au contrôle de la société, et exutoire pour une population dans l'attente d'un retour "à la normale", l'art et ses modalités d'existence servent à leur manière à éclairer l'histoire de cette époque
In France, the humanistic values crisis culminated during the German occupation and the Vichy regime. During this period , art inherited much of the pre-war situation. But disruptions, both in intensity and nature modified the artistical scene. Art, as an expression of patriotic pride was is considered as a reflection of modern decadence : the lack of ideal, individualism, and democracy. Under the "national revolution" art became an instrument of development and revival after a return to order and tradition. In many respects, the "Secretariat general des beaux-arts" thought of a widely approved art policy magnifying the tradition, the fine craft, the monumentalism and the edifying subjects. The artistic world, by nature reluctant to state dirigism, resisted against the governmental positions concerning corporatism and exclusion policy. Besides, few artists accepted to serve the "service artistique du Marechal" which was attached to his person. If some artists entered the French resistance movement, some created subversive works while the majority of them staid aside and bred on its production the fancy of the many people visiting various art places. The German regime, on its side, proceeded with its own exhibitions, being encouraged by French ultras as Rebatet, and being comforted by the German journey of some famous artists : Vlaminck, Derain, Despiau, etc. Meanwhile the nazi authorities spent most of their time on their exclusion policy towards jewish and mason artists. Censorship was discontinued against the exhibition of works considered as "degenerated". Art was a stake for an authoritarian power aiming at controlling society, and an outlet for a population looking forward to returning back to normality

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Conésa, Jean-Claude. "Les relations entre art et design, de 1907 à 1930, dans les avant-gardes : le Werkbund allemand, le Bauhaus de Weimar et le constructivisme russe." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010521.

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Abstract:

Les relations entre art et design sont affectées par un certain nombre de données socio-économiques et industrielles objectives et répertoriables ainsi que par des modalités esthetiques importantes. Analysé sous sa forme induite et non pas autonome, le design est considéré comme un véritable levier méthodologique qui permet de comprendre le rôle de délégation sociale qu'il fut appelé à jouer vis-à-vis de l'art lorsque celui-ci perdit une part de sa réference au réel. Parallèlement à l'analyse historique des trois mouvements étudiés dans notre corpus (le Werkbund allemand jusqu'en 1914, le Bauhaus de Weimar et le constructivisme russe jusqu'en 1930), nous avons tenté de déceler les grands moments théoriques qui les accompagnent : la place de l'éducation artistique dans le dispositif d'action du Werkbund allemand, la relation entre art et artisanat au Bauhaus, la constante organiciste dans l'esprit de la fin du XIXeme siècle jusqu'aux années vingt, les modalités de la philosophie utopiste et les fantasmes communautaires du premier Bauhaus de Weimar. Le constructivisme russe, quant à lui, ajusta une esthétique de l'intervention sur le réel social et politique à une révolution de l'acte artistique, au risque parfois de rompre la cohérence dialectique de couples tels que : forme et fonction, individu et société, expérience de laboratoire et mise à l'épreuve du réel. La capacité de résistance de l'art à toutes les compromissions socio-économiques renvoie surtout à l'efficacité des potentialités critiques de celui-ci à l'égard de la réalité. La condition et la nature de cette intervention sur le réel seront marquées essentiellement par la création d'une discipline qui "socialise" l'acte de création. : le design. Désormais, la nature du rapport entre art et société s'établit sur des instances intermédiaires, des médiations entre artiste et société. La nouvelle relation qui va naitre instituera la présence d'un relais (le design) qui aura pour tâche de consolider la liaison entre le créateur et le monde qu'il est censé transformer, sans faire de cette transformation la condition nécessaire de son existence. Dans ce contexte, la participation de l'artiste à cette nouvelle mission semble être déterminée par le degré "d'utilité" de l'art et sa capacité a être moins contemplé qu'utilisé ou instrumentalisé
This relationships between art and design are affected by a lot of economic, social and industrial variations also important than esthetics modalities. Analysed under its induced configuration rather than autonomous, then design is considered like a real methodological way to understand the leading role it played towards art when the latter lost its mimetic part. In the same way, we analyse the three historical movements in our corpus (German Werkbund till 1914, the Bauhaus of Weimar and Russian constructivism till 1930), we have tried to indicate the most important theoretical structures that characterize these movements : place of artistic training in the plan of action of the Deutscher Werkbund ; relationships between art and craft industry ; the organicist permanent feature in the end of the nineteenth century spirit up to the twenties of the twentieth century ; the modalities of utopian philosophy and the community wishes of the first bauhaus. Russian constructivism for itself fitted an aesthetics of the intervention on the social and politic real to a revolution of artistic action. Constructivist artists were conscious of the distorsion of their pratics when they had to resolve the necessity to joint form and function, individuality and society, laboratory experiment and to stand the test of reality. The ability of art resistance to all socioeconomic shady deal implies above all efficiency of critical power of art to reality. It would be necessary to understand relationships between art and design in building mediations. The new borning link will be the design. If will permit to authentify the sense of the relation between artist and the world which he is censed to improve, without doing of this improvement the sense of the necessity of art. The condition and the nature of the artistic intervention on the reality will be signified essentially by the emergence of a disciplin "socialising" the act of creation. In this context, the artist's involvement to this new task seems be determinated by the "usefulness' degree of art and its capacity to he less contempluted than used

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Mimanda, Jean-Hilaire. "La vision de l'Afrique noire dans la littérature coloniale et romanesque (1900-1950)." Montpellier 3, 1986. http://www.theses.fr/1986MON30025.

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Abstract:

Deux visions distinctes de 1900 a 1945. Vision du voyageur et du conquerant riche de stereotypes : la nature sauvage, l'homme sauvage (noir, sous-developpe, possedant une autre ame, superstitieuse, illogique. . . ). Vision du colonisateur qui veut mettre en valeur : utilisation de l'homme de couleur comme "bete de somme" (travail force) malgre ses incapacites (maladies, faiblesse, paresse) et mise en valeur du sol malgre les handicaps. Ainsi l'afrique noire francaise, pays de tous les dangers pour les voyageurs, devient un eldorado pour les administrateurs amoureux de statistiques. A partir de 1945, s'opere une decolonisation des mythes. Oeuvre des noirs (senghor), des intellectuels (presence africaine et marcel griaule) et d'une certaine facon de la classe politique (conference de brazaville) (creation de l'union francaise). Mais les stereotypes ont la vie dure et les mythes continuent a persister malgre cet eveil de la conscience noire et cette evolution de la vision metropolitaine
Two various visions from 1900 to 1945. Vision of the traveller and the conqueror. - abounds in stereotypes : wild nature, savage man (black, under-developed) - having another soul, superstitions, illogical. . . - vision of the colonizer willing to valorize : the use of the colour man "bete de somme" (hard work) despite their inabilities (ills, weakness, laziness) and the valorization of the ground despite its handicaps. Thus the black french africa a country of all dangers for the travellers, becomes an eldorado for the administrators fond of statistics. - since 1945, a decolonization of mythe has been put in practice. Works of blacks (senghor), of intellectuals (african presence and marcel criaule) and in a way of the political class (the meeting of brazzaville) (creation of the french union). Yet, the strereotypes lead a hard life, and the mythes go on existing despite this wake up of the black consciousness and this evolution of the metropolitan vision

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Amidon, Catherine S. "La politique artistique française des années trente : étude des expositions en France et à l'étranger." Paris 1, 1992. http://www.theses.fr/1992PA010663.

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Abstract:

"La politique artistique française des années trente : étude des expositions en France et à l'étranger" est une analyse de la peinture dans le contexte de l'exposition, les commentaires critiques et les idéologies politiques de ceux qui ont planifie des manifestations culturelles entre-les-deux-guerres. La création d'un système en France et la diffusion des valeurs qu'il embrassait développe en même temps que certains analogues à l'étranger. Les systèmes nationaux - dirigés par des fonctionnaires - alimentent le système international. En France, les œuvres et les expositions sont employées comme des outils à faire face à la crise l'image de stabilité artistique contraste à l'agitation sociale des manifestations dans les rues den 1934 et à la prise des chantiers de l'exposition universelle en 1937. La France, l’Italie, et l’Allemagne sont les pays principaux de cette étude, bien que les États-Unis et l’Angleterre soient essentiels pour considérer les problèmes spécifiques aux expositions internationales espérant avoir une influence mondiale et dirigiste sur la politique internationale. Remettant en question les choix, cette étude des expositions aux années trente permet de comprendre des aspects de la France d'entre-les-deux-guerres qui sont autrement insaisissables
"French art and politics in the thirties : a study of french and foreign exhibitions" is an analysis of : paintings in the context of exhibitions, the political ideologies of those who planned these cultural events, and the commentaries of them by critics the wars. The evolution of a system of exhibitions in France, and the diffusion of the values it embraced, developed at the same time as analogous institutions in other countries. The national systems controled in France by non-elected civil servants - provided politically charged input into the international system. In France the works and the exhibitions were used as tools to deal with the social crisis and depression. The image of artistic stability constrasts with the social agitation of protests in the streets in 1934 and the take-overs at the building site of the exposition universelle in Paris in 1937. France, Italy and Germany are the principal countries in this study, although the United States and England are also essential to the understanding of the problems specific to international exhibitions with a directive influence on world politics. This study of exhibitions in the thirties permits the consideration of different and otherwise undefinable aspects of french culture between the wars essential to understanding its' art and politics

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Varcin, Élise. "Mussolini et la littérature, du socialisme au fascisme." Thesis, Lyon, 2019. http://www.theses.fr/2019LYSEN057.

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Abstract:

Cette thèse porte sur le rapport de Benito Mussolini (1883-1945) à la littérature depuis ses années de formation jusqu’à la fin de sa carrière politique.À partir d’un riche corpus de textes sélectionnés au sein de l’Opera omnia di Benito Mussolini en 44 volumes, elle contextualise et examine, d’une part, les réflexions sur la littérature que Mussolini mène dans des écrits de nature variée (essais critiques, comptes rendus d’ouvrages, discours aux intellectuels, articles de politique culturelle) et, d’autre part, les textes dans lesquels il s’essaie lui-même à la littérature (poèmes, nouvelles, romans, pièces de théâtre).La première partie de cette thèse propose à la fois une reconstruction du parcours intellectuel et politique de Mussolini jusqu’à son arrivée au pouvoir en 1922 – en portant une attention particulière à sa formation culturelle et littéraire – et une étude de la place qu’il accorde à la littérature et à la culture pendant le régime fasciste. Dans la seconde partie, l’analyse littéraire et stylistique des textes « littéraires » de Mussolini, mise en lien avec ses principales conceptions de la littérature et du rôle de l’écrivain qui ressortent des réflexions théoriques conduites tout au long de sa carrière politique, permet de mieux comprendre la fonction qu’il attribue à la littérature dans son projet totalitaire de création d’une nouvelle civilisation fasciste
This thesis explores the relationship of Benito Mussolini (1883-1945) with literature from his youth to the end of his political career.Based on a large corpus of documents selected from the 44-volume “Opera omnia di Benito Mussolini”, this work analyzes and contextualizes, on the one hand, the reflections on literature which Mussolini develops in writings of various nature (short essays, reviews, speeches addressed to intellectuals, newspaper articles outlining his cultural politics) and, on the other, his own attempts at literary writing (which include poems, short stories, novels and theatre pieces).The purpose of the first part of the thesis is at once to reconstruct Benito Mussolini’s intellectual and political career until he rose to power in 1922 - drawing special attention to his cultural and literary education – and to study the place which he assigns to literature and to culture during the fascist regime.The second part combines the literary and stylistic analysis of Mussolini’s “literary” texts with his fundamental conceptions of literature and of the social role of the writer which can be drawn from his reflections throughout his political career to offer a better understanding of the function which he attributes to literature within his totalitarian project of a new fascist civilization
Questa tesi verte sul rapporto di Benito Mussolini (1883-1945) con la letteratura, dai suoi anni di formazione fino alla fine della sua carriera politica.A partire da un vasto corpus di testi selezionati tra i 44 volumi dell’Opera omnia di Benito Mussolini, essa contestualizza e analizza, da una parte, le riflessioni sulla letteratura che Mussolini sviluppa in scritti di varia natura (saggi critici, recensioni, discorsi agli intellettuali, articoli di politica culturale) e, dall’altra, i testi nei quali si cimenta in prima persona nella scrittura letteraria (poesie, novelle, romanzi, opere teatrali).La prima parte di questo lavoro propone al contempo una ricostruzione del percorso intellettuale e politico di Mussolini fino all’ascesa al potere del 1922 – rivolgendo un’attenzione particolare alla sua formazione culturale e letteraria – e uno studio dello spazio che accorda alla letteratura e alla cultura durante il regime fascista. Nella seconda parte, l’analisi letteraria e stilistica dei testi “letterari” di Mussolini, considerata alla luce delle principali concezioni della letteratura e del ruolo dello scrittore che emergono dalle riflessioni teoriche che sviluppò lungo la sua carriera politica, consente di comprendere meglio la funzione che attribuisce alla letteratura nel suo progetto totalitario di creazione di una nuova civiltà fascista

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Laplénie, Jean-François. ""Puissances voisines" : études pour une histoire structurelle de la réception de la psychanalyse dans les milieux littéraires de langue allemande (1900-1930)." Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030093.

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Abstract:

La constitution du mouvement psychanalytique autour de Sigmund Freud dans la décennie 1900-1910 correspond à une stratégie de diffusion de la psychanalyse freudienne en direction du champ littéraire qui instaure une situation de concurrence entre les deux domaines. Les écrivains réagissent à cette attaque contre leur territoire propre en insistant sur la différence fondamentale entre leur pratique artistique et la psychanalyse : ils le font par une réflexion sur le savoir de l’écrivain, opposé à celui du scientifique ; par une réinterprétation et une traduction des concepts freudiens selon les codes propres au champ littéraire, notamment ceux du romantisme ; par une stratégie de polémique publique, dans la presse ou dans leurs œuvres. Cette contre-attaque aboutit à désamorcer le danger en intégrant la psychanalyse dans le dispositif littéraire. Ce travail analyse ces mécanismes à l’aide de la théorie des champs (P. Bourdieu) et de celle des transferts culturels (M. Espagne, M. Werner)
The constitution of the psychoanalytical movement around Sigmund Freud in the decade 1900-1910 corresponds to a strategy aiming to diffuse Freudian psychoanalysis into the literary field, which initiates a situation of concurrency between the two domains. The writers react to this attack against their own territory by insisting on the fundamental difference between their artistic practice and psychoanalysis : through a reflection on the knowledge of the writer, as opposed to that of the scientist ; through a reinterpretation and a translation of Freudian concepts according to the codes of the literary field, notably those of Romanticism ; through a strategy of public controversy, in the press or in their own works. This counter-attack ends in a defusing of the danger by way of integrating psychoanalysis inside the literary device. The present study analyses those mechanisms using P. Bourdieu’s theory of fields and M. Espagne and M. Werner’s theory of cultural transfers

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Decu, Adriana. "Le symbolisme mineur à la fin du XIXe siècle et au début du XXème siècle." Strasbourg, 2011. http://www.theses.fr/2011STRA1020.

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Abstract:

La période qu’on se propose d’analyser, 1880-1916 (c’est-à-dire l’époque marquée par l’apparition du Literatorul et par l’entrée de la Roumanie dans la Première Guerre Mondiale) est souvent ignorée, surtout les symbolistes « au fil de l’herbe », « la masse de symbolistes », qui n’accéderont jamais aux cimes de la vraie poésie symboliste, en gardant plutôt la manière d’Eminescu; eux, ils s’obstinent à utiliser en premier lieu les thèmes symbolistes: l’univers floral, le satanisme, l’automne, les instruments musicaux. Nous proposons ici une analyse du début du phénomène symboliste, suivie par un essai où on tâche de rendre l’atmosphère symboliste, en faisant la reconstitution du «climat poétique» autour du Literatorul, ce qui nous oblige à passer en revue l’acception générale de ce courant dans les journaux de l’époque, à l’étude de ses sources d’inspiration, du contexte programmatique du cénacle, et, pour en finir, comme «point fort» de cette recherche, à quelques études de cas des poètes mineurs, qui n’ont fait jusqu’ici l’objet d’une recherche détaillée. Sans essayer d'être une étude de référence dans notre poésie moderne, notre approche est plutôt un dossier, négligé trop long temps par la justice littéraire, en attendant sa décision judiciaire: le dossier des «mineurs», que maintenant, juste en présentant tous les aspects de leur création, peut être «un plaidoyer» pour un nouvel examen
The analyzed period, 1880- 1916 (the interval between the year of the first issue of Literatorul and the year when Romania entered World War I) is often ignored, at least when it comes to minor symbolists who, even if they will not succeed to elevate to the standards of symbolist poetry, creating more like Eminescu, nevertheless they will keep with strictness the specific symbolist themes: the floral universe, the Satanism, the autumn, the musical instruments. My attempt is to analyze the beginnings of Romanian symbolism, to reconstruct the poetic outset surrounding Literatorul , including not only the general opinion about this literary current but also the sources of inspiration, the critics’ opinion, the programmatic context of the literary circle, and finally, as a novelty my thesis brings, some studies about minor symbolists who were never the object of a detailed analyze. Without trying to be a direction study our thesis is rather a dossier unexamined for a long time by the literary justice and now by presenting each aspect of their creation may represent a “pleading for reconsideration”

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Gispert, Marie. ""L'Allemagne n'a pas de peintres" : diffusion et réception de l'art allemand moderne en France durant l'Entre-deux-guerres, 1918-1939." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010666.

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Abstract:

Les relations artistiques franco-allemandes entre 1918 et 1939 sont grevées par un antagonisme politique mais aussi par une «psychologie des races» qui cherche à opposer mentalités latine et germanique. Les Français estiment que les Allemands ne sont pas peintres et lisent tous les mouvements artistiques allemands en fonction de caractéristiques ethniques. Les Allemands eux-mêmes ont du mal à se départir d'un certain sentiment d'infériorité. Dès lors, les réseaux de diffusion de l'art allemand en France, qu'ils reposent sur des artistes, des politiques, des marchands ou des critiques d'art, obtiennent certes quelques résultats mais apparaissent trop peu impliqués, trop partiaux ou trop peu écoutés pour être véritablement efficaces. Les expositions dans les galeries et salons et les acquisitions des musées sont donc peu nombreuses et la germanité reste un critère déterminant même si quelques artistes comme Grosz, Kokoschka, Klee ou Ernst connaissent un certain succès en France.

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Olivieri, Jean-Daniel. "Il Baretti (1924-1928) : situations et thématiques : études croisées." Nice, 2009. http://www.theses.fr/2009NICE2012.

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Abstract:

Cette étude est consacrée à la dernière revue de Piero Gobetti, Il Baretti, publiée de 1924 à 1928. Initialement conçue comme un supplément littéraire à Rivoluzione Liberale (1922-1925) plus engagée politiquement, cette publication est devenue totalement autonome, et a pu survivre à la suppression de Rivoluzione Liberale et à la mort de Gobetti en exil. Cette revue tente de défendre et d’illustrer une conception de la fonction et de la dignité de l’intellectuel, et affirme la nécessité de lutter contre le provincialisme et le nationalisme culturel. L’étude entend combiner l’analyse historique et littéraire, dans le but de faire ressortir la signification d’ensemble et l’importance historique de cette parution. Les deux premières parties de l’analyse se concentrent sur le contexte et son importance pour la compréhension des intentions de la revue. La troisième partie vise à donner une interprétation du discours du Baretti, en mettant en évidence les thèmes principaux que sont la tradition littéraire, la perception esthétique et la démarche critique. La quatrième partie ouvre la synthèse sur la question d’une conscience européenne, et sur la conception de la culture et du devoir de l’intellectuel. L’étude de la revue impose de faire se croiser différentes approches, afin de révéler l’implicite des énoncés, les valeurs qu’ils véhiculent et la polémique qu’ils mènent, dans la perspective d’une histoire culturelle
This study is dedicated to the last review of Piero Gobetti, Il Baretti, which was published from 1924 till 1928. Initially conceived as a literary supplement to Rivoluzione Liberale (1922-1925) more politically committed, this publication became completely autonomous, and could survive the abolition of Rivoluzione Liberale and the death of Gobetti in banishment. This magazine tries to defend and to illustrate a conception of function and of dignity of the intellectual, and asserts the need to struggle against provincialism and cultural nationalism. The study intends to combine the historical and literary analysis, with an aim of emphasizing the overall significance and the historical importance of this publication. The first two parts of the analysis concentrate on the context and its importance for the understanding of the intentions of the review. The third part aims at giving an interpretation of the speech of Il Baretti, by highlighting the main topics which are literary tradition, aesthetic perception and critical approach. The fourth part opens the synthesis on the question of a European conscience, and on the conception of culture and of duty of the intellectual. The study of the review forces to make cross various approaches, in order to reveal implicit statements and to update of it the values and the polemical load, from the point of view of a cultural history. The study of the review forces to make cross various approaches, in order to reveal implicit statements, the values they convey and the controversy they lead, from the point of view of a cultural history

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Godé, Maurice. "Les théories utopiques dans les revues expressionnistes allemandes : "der Sturm", "die Aktion", "die Weiben Blätter" : théories et réalisations." Aix-Marseille 1, 1986. http://www.theses.fr/1986AIX10051.

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Abstract:

Le concept d'utopie utilise dans cette étude se distingue du sens consacre par l'"insula utopia" et a fortiori de l'acception de "chimère" que lui a donnée le positivisme. Il renvoie a la distinction faite par Gustav Landauer entre la "topie" comme état statique de la société, et l'utopie comme phase vitale la remettant en cause - ainsi qu'a l'esprit de l'utopie (1918) de Ernst Bloch. Ces penseurs proches de l'expressionnisme fournissent un instrument adapte a l'analyse de ce mouvement artistique, et particulièrement de l'un de ses aspects originaux et encore mal connus: ses revues. Der sturm (1910-1932), auquel est consacrée la première partie, fait de l'art le seul vestige de transcendance dans une société corrompue par l'argent. La réception du futurisme et du cubisme de 1912 a 1914 consacre la rupture d'avec l’esthétique dominante de l'imitation de la nature. Avec la "wortkunst", l'utopie d'un art autonome (qui subsiste jusqu’à l’adhésion de Herwarth Walden au communisme en 1919) est étendue a la langue privée de sa fonction dénotative pour devenir le code ésotérique d'une communauté d’initiés. C'est la même défiance a l’égard de la "topie" wilhelminienne qui s'observe dans la revue de Franz Pfemfert die aktion (1911-1932) analysée dans la seconde partie. Avec l'utopie de l’indifférenciation (qui inspire également le combat contre le chauvinisme), les auteurs dessinent l'image d'un homme qui recouvre sa liberté en se dépouillant de son être social. La troisième partie traite de la revue die weiben blatter (1911-1920) dirigée successive- ment par Franz Blei et Rene Schickele. La sont esquisses, a l'issue d'une réflexion sur la guerre, les principes d'une organisation sociale d’où la violence serait exclue. Les utopies de la communauté (inspirée notamment de Ferdinand Tonnies), de la jeunesse et de la catholicité ont en commun de chercher hors de la société établie les ferments de son renouveau. La confrontation des revues durant leur période proprement expressionniste (1910-1920) révèle au-delà de leurs différences une indéniable convergence, notamment - n'en déplaise a Georg lukacs! - dans leur opposition a l’idéologie dominante. Il s'agit pour leurs auteurs et leurs chefs de file de re-constituer une totalité perdue, de trouver un mode d'existence réconciliant la raison et la sensibilité et de restituer a l'homme sa qualité métaphysique de sujet

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Hermetet, Anne-Rachel. "La littérature française contemporaine dans les revues italiennes : étude de réception (1919-1943)." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1995PA040249.

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Abstract:

A partir d'une vaste étude de réception de la littérature française en Italie dans l'entre-deux-guerres dans les revues littéraires (près de 2500 articles dépouillés), l'auteur établit l'ampleur, la qualité et les conditions de celle-ci. En s'appuyant en particulier sur les concepts de génération et de champ littéraire, elle s'attache à montrer les conditions sociales aux sources de la réception d'une littérature étrangère dans le contexte particulier d'un régime politique en voie de totalitarisation. De plus l'auteur articule cet aspect aux mécanismes propres à l'élaboration d'un discours critique spécifique à l'analyse des littératures étrangères
From a huge reception study of French literature in Italy during the inter war period in literary periodical (some 2500 articles), the author establishes its scope, quality, and conditions. Using the concepts of generation and 'literary field', she intends to show the very social conditions which make the reception of a foreign literature, in the context of an ever totalitatizing political regime. Moreover, she articulates this aspect with the mechanisms proper to the coining of the specific critical discourse applied to the analysis of foreign literature

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Derbez, Laëtitia. "Étude comparative entre les œuvres vocales de Luigi Nono des années 1960 et les musiques anciennes." Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0131.

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Abstract:

Dans l'établissement de nouvelles bases d'écriture, d'une nouvelle culture, certains compositeurs, loin de rejeter leur passé veulent au contraire s'en inspirer. Mais cette référence au passé se fait par l’intermédiaire d'origines lointaines, remontant aux musiques anciennes. Luigi Nono, qui fait partie de ce nombre réduit, expose cette idée : s'inspirer du passé, agir dans son présent pour avoir le meilleur des futurs possibles. Il est alors primordial pour lui de s’inscrire dans une filiation historique et de constituer un pas supplémentaire dans l’évolution de l'histoire de la musique. Dans sa conférence « Texte-Musique-Chant » donnée à Darmstadt en 1960, il met en lien certaines de ses œuvres avec les musiques du passé, et notamment le Moyen Âge et la Renaissance. Suivant ce parallèle induit par le compositeur, ces présents travaux montrent la véracité de cette reprise des Anciens (et non une reprise fictive) en mettant en relation cinq œuvres vocales de Luigi Nono entre 1955 et 1960 (Il canto sospeso, La terra e la compagna, Cori di Didone, Sarà dolce tacere et « Ha Venido » Canciones para Silvia) et les musiques anciennes au travers de trois procédés de composition : la pluritextualité, la syllabisation et la spatialisation, procédés extraits de la conférence et des écrits du compositeur. Après avoir défini ces techniques d'écriture chez Luigi Nono, ces présents travaux établissent une comparaison avec les traces et annotations qu'il laisse dans ses partitions de musiques anciennes et nous éclairent sur sa reprise des Anciens
In establishing new basis of writing, a new culture, some composers, far from rejecting their past, want to use it. But this reference to the past is done through far-reaching origins, taking back to early music. Luigi Nono, one of these few, present this idea: to take inspiration from the past, act in the present for the best possible future. It is then crucial for him to set himself in a historic filiation and to institute an additional step in the evolution of the history of music. In his lecture “Text-Music-Singing” given in Darmstadt in 1960, he links some of his works with early music, especially of Middle Ages and Renaissance. Following this parallel inducted by the composer, present work shows the truth about this inspiration of the Ancients (and not a fictive inspiration) by linking five vocal works of Luigi Nono from 1955 to 1960 (Il canto sospeso, La terra e la compagna, Cori di Didone, Sarà dolce tacere and « Ha Venido » Canciones para Silvia) and early music through three processes of composition: pluritextuality, syllabisation and spatialisation, processes taken from the lecture and the writings of the composer. Once these techniques are defined in Luigi Nono’s works, present work will compare traces and notes he wrote in his early music scores and enlighten us on his inspiration of the Ancients

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Manguito, Armanda. "Images de femmes dans la littérature portugaise des années 20 et 30." Bordeaux 3, 2001. https://extranet.u-bordeaux-montaigne.fr/memoires/diffusion.php?nnt=2001BOR30058.

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Jannière, Hélène. "Représenter et diffuser l'architecture moderne : les revues françaises et italiennes, 1923-1939." Paris, EHESS, 1999. http://www.theses.fr/1999EHES0075.

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Abstract:

La these analyse les politiques editoriales de l'architecture vivante (creee en 1923), de cahiers d'art (1926) et de l'architecture d'aujourd'hui (1930), et de domus et la casa bella (1928), de leur fondation a la veille de la seconde guerre mondiale. Ces revues constituent-elles, comme l'annoncent leurs programmes, des supports privilegies de l'architecture <> ou <> ? apparues dans une conjoncture de normalisation de l'architecture radicale europeenne, elles presentent une double caracteristique. Elles contribuent a construire une representation de l'architecture <> et participent a sa diffusion. Mais, a la difference des revues des avantgardes architecturales, elles traduisent l'affaiblissement des valeurs initiales de cette architecture. La premiere partie de la these precise le profil de ces revues, considerees comme un ensemble plus que dans leurs histoires singulieres, et les met en perspective avec un corpus plus vaste de publications. S'interrogeant sur l'identite des periodiques crees entre 1923 et 1930, elle estime comment a la fois ils temoignent et sont, en retour, le produit d'un changement de configuration des scenes architecturales europeennesdans la seconde moitie des annees vingt, et des nouvelles hypotheses qui fondent les discours sur l'architecture. S'appuyant sur l'analyse des politiques editoriales, la seconde partie s'interroge sur les representations de l'architecture contemporaine livrees par ces revues. Elle evalue leur <> critique a l'egard de l'architecture nouvelle. L'etude des relations entre scene nationale et scene internationale au sein de chaque periodique analyse leurs definitions de l'architecture <>. Elle examine enfin dans quelle mesure leur discours critique est faconne par leur <>, ou par une configuration particuliere du champ de la publication architecturale, et conclut sur une relative carence notionnelle de la critique architecturale des annees vingt et trente.

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Karavia, Panagiota. "Le dialogue dans le récit de témoignage de la première guerre mondiale." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030005.

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Abstract:

Situé aux confins du factuel et du fictionnel, le récit testimonial de la Première Guerre mondiale nous offre un florilège de l'expérience guerrière dans une série d'épisodes liés généralement de manière relâchée. Le dialogue, véritable foyer d'effervescence communicative et idéologique, compense pour le lecteur l'absence de structure téléologique du récit. Doté de sa propre dynamique, il met en valeur la fluctuation interactive des combattants et favorise la naissance et le maintien de plusieurs "histoires conversationnelles" entre eux. À travers des exemples puisés dans les témoignages de Barbusse, de Dorgelès, de Genevoix et de Myrivilis, nous démontons et nous remontons le mécanisme que les combattants emploient pour reconstituer leur pénible apprentissage dans les tranchées et sur le front. Inspirée par des travaux récents sur le récit conversationnel, la mémoire collective et le pacte testimonial, nous analysons leurs contestations et leurs revendications tout comme leurs réflexions sur leur difficulté à communiquer leur expérience pour finir par démontrer comment le dialogue parvient à élucider l'écriture testimoniale et ses impasses
Situated on the borders dividing the factual from the fictional, testimonial narratives of the First World War offer us a wide collection of wartime experiences presented in a series of loosely related episodes. The dialogue, which functions as a veritable focus of communicative and ideological effervescence in these testimonies, allows the reader to compensate for the absence of a true teleological structure of the narrative. Gifted with an internal dynamic force, it serves to enhance the fluctuating interaction of the combatants and encourages the birth and the maintenance of several "conversational narratives" between them. Based on different examples taken from the testimony of Barbusse, Dorgelès, Genevoix and Myrivilis, we examine the mechanism used by the combatants in order to reproduce their painful apprenticeship of the trenches and the battlefront. Inspired by recent studies on the conversational narrative, the collective memory and the testimonial pact, we analyse their protests and their demands as well as their reflections about their difficulty in communicating their experience. We finish by demonstrating how dialogue elucidates testimonial writing and its impasses

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Cabrol, Isabelle. "La poésie surréaliste espagnole à la croisée des avant-gardes esthétiques et des avant-gardes politiques." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030136.

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Abstract:

Ce travail porte sur la poésie surréaliste espagnole, entre 1929 et 1934, dans les rapports qu'elle entretient avec les avant-gardes esthétiques et les avant-gardes politiques. Les poètes concernés sont Rafael Alberti, Emilio Prados, José María Hinojosa, Luis Cernuda, Federico García Lorca, Manuel Altolaguirre, Xavier Abril, Pablo Neruda. Il s'agit de montrer que le surréalisme espagnol, au tournant des années 20 et 30, est redevable des "ismes" du premier tiers du XXème siècle, et qu'il joue un rôle moteur dans le processus de politisation de la poésie espagnole. Dans un premier temps, l'étude est centrée sur les enjeux idéologiques de l'avant-garde poétique, entre 1909 et 1929 : dans ces " antécédents ", sont analysées les figures majeures de l'avant-garde européenne, du futurisme russe et italien au surréalisme, en passant par l'Esprit Nouveau, le dadai͏̈sme, l'ultrai͏̈sme, le créationnisme et le " groupe " de la Residencia de Estudiantes de Madrid. Dans un deuxième temps, on tente de voir quels sont les choix de l'avant-garde espagnole, au tournant des deux décennies, à partir de trois documents : deux enquêtes de La Gaceta Literaria et l'Anthologie de la poésie espagnole de Gerardo Diego. Enfin, le travail s'attache à faire la lumière sur la dimension collective et programmatique, subversive et révolutionnaire du surréalisme, à travers le cas du " groupe Litoral " de Málaga
This work endeavors to establish and identify the relationships of Spanish surrealist poetry with both the esthetic and the political avant-gardes, between 1929 and 1934. The study specifically focuses on the work of poets such as Rafael Alberti, Emilio Prados, José María Hinojosa, Luis Cernuda, Federico García Lorca, Manuel Altolaguirre, Xavier Abril, and Pablo Neruda. It aims at demonstrating how deeply the various 'isms' of the early 20th century have influenced Spanish surrealism well into the late 1920s, a process which in turn made it possible for the driving force of surrealism to help radicalize Spanish poetry during the 1930s. By first offering a detailed analysis of all the major European avant-garde movements - from Russian and Italian futurism to dadaism, ultraism and Esprit Nouveau along with an overview of their respective leaders' most influential work - including the famous "Residencia de Estudiantes group", the first part of the study focuses on the ideological stakes that come to light between 1909 and 1929. It then proceeds to detail the Spanish avant-garde's choices at the turn of the 1920s; this part is based on a thorough analysis of two surveys carried out by La Gaceta Literaria, and G. Diego's Anthology of Spanish poetry. Finally, through the example of the Malaga 'Litoral group', the work seeks to establish the fully-fledged collective and programmatic character of a subversive and revolution-oriented Spanish surrealism

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Fahd, Marie. "La modernité de l'origine : acentralité et cubisme narratif dans The Recognitions de William Gaddis." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCC137.

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Abstract:

Cette thèse porte sur William Gaddis (1922-1998), écrivain majeur de la littérature américaine, traditionnellement associé à la mouvance postmoderne, et sur son premier roman The Recognitions (1955). Ce travail s’inscrit dans une perspective interdisciplinaire, il est à la croisée des champs d’étude entre la littérature, la peinture, la philosophie et l’histoire des religions. L’enjeu principal consiste à montrer que le William Gaddis de 1955 est un écrivain moderne – c’est-à-dire ni moderniste ni postmoderniste – car son premier roman l’est. La réflexion de Gaddis sur l’absence de centre, liée à la perte d’une origine stable, témoigne de sa modernité. Son ironie à l’égard du passé et sa distance critique à l’encontre de la religion et de l’esthétique souligne sa modernité. Son approche nouvelle de l’origine en art la met en évidence. De même, son étude sur le faux et l’authenticité, sur l’art et l’origine indique sa modernité. L’interaction qui se joue entre peinture et écriture dans The Recognitions contribue également à la révéler. L’acentralité, le cubisme narratif et la modernité de l’origine sont les trois concepts critiques proposés qui permettent d’analyser la modernité à l’œuvre dans The Recognitions. Ils envisagent trois variations de la modernité dans le roman qui mènent à une réflexion sur la création
This doctoral dissertation focuses on The Recognitions (1955), which was the first novel by the major American writer, William Gaddis (1922-1998), who is generally classified as a postmodernist. By addressing this work through an interdisciplinary lens, I have chosen to place it at a crossroads between literature, painting, philosophy and the history of religions. The aim is to show that especially in Gaddis’s initial literary effort, the author can be seen as an exponent of a kind of modernity—which is not entirely modernist or postmodernist as traditionally defined--notably in his exploration of centerlessness, as articulated in the loss of a stable origin. In the same modern vein is the author’s ironic attitude toward the past and his maintaining of a certain critical distance from religion and aesthetics. His inventive approach to the theme of origins in art as well as his treatment of fakeness, forgery and authenticity highlight his modernity. In addition, his modern approach in The Recognitions will be shown to be revealed in the interplay between painterly and literary techniques and concerns. Centerlessness and cubism in the novel’s narrative techniques and the notion of origin in art are three critical concepts. They allow us to envision three variant threads of Gaddis’s modernity, opening up a profound meditation on artistic and literary creation

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Dethurens, Pascal. "De l'Europe en littérature : création littéraire et culture européenne au temps de la crise de l'esprit (1918-1939)." Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030163.

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Abstract:

Cette these de doctorat nouveau regime en litterature comparee est une etude de l'idee de l'europe chez les ecrivains de l'entre-deux-guerres. Comment, de 1918 a 1939, s'est forme, d'abord de facon sporadique, puis de maniere de plus en plus organisee et systematique, un nouveau point de ralliement pour les romanciers, les poetes et les dramaturges les plus divers et parfois meme les plus etrangers les uns aux autres ; comment aussi, au cours de la meme double decennie, l'idee de l'europe a peu a peu envahi un territoire entier de la production litteraire au point d'apparaitre, du souci passager a la recherche approfondie selon les cas, comme un pole supreme et jusqu'alors inconnu de l'oeuvre ; comment enfin, a partir du point-repere que valery a appele l'acte de fondation de la "crise de l'esprit", et pendant toute la duree des annees vingt et trente, un sentiment dont la litterature n'avait jamais soupconne le surgissement a etreint toute une generation, avec une anxiete peucommune, devant ce qu'elle a cru etre l'extinction imminente ou deja accomplie de la culture europeenne : tels sont les principaux faits, generalement oublies, que ce travail voudrait exposer pour tenter de comprendre ce qui, a l'aube de la modernite, a reussi a mobiliser autant d'ecrivains, d'artistes et de philosophes, sans qu'aucun n'y ait ete subordonne ou n'y ait fait acte d'allegeance, autour d'une meme interrogation
This new system doctoral thesis in comparative literature is a study of the european idea among the interwar years' writers. How, from 1918 to 1939, has been constituted, first in a sporadic way, then in a more and more organized and systematical manner, a new meeting point, for the most varied novelists, poets and dramatists, were some of them even the most unfamiliar to the others ; how, too, during the same double decade, the european idea gradually invaded a whole territory of theliterary production, and in such a way that it seamed, from the ephemeral concern to the detailed research according to the situations, a supreme and before unknown pole of the works ; how, at last, from the point of reference that valery called the foundation act of the "spirit crisis", and during the twenties and the thirties, suddenly appeared a feeling, never suspected before in literature, that clutched a whole generation with a rare anxiety in front of what has been thought as the imminent extinction or as the death of the european culture : such are the main facts, generally forgotten, that this work would like to set out in order to understand what managed, at the dawn of modernity, to rally so many writers, artists and philosophers, without the subordination nor the allegiance of none of them, around the same questioning

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Costadura, Edoardo. "Le partage classique : le débat sur le classicisme dans les échanges littéraires entre la France et l'Italie pendant l'entre-deux-guerres." Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA080957.

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Abstract:

L'hypothese de travail a ete la suivante : les phenomenes de reception de la production litteraire de part et d'autre des alpes enbtre 1919 et 1939 ont largement ete determines par ce que l'on pourrait appler - en employant une formule proposee lar luciano canfora - les ideologies du classicisme. Or il ne s'agissait pas eulement de verifier le bien fonde de cette hypothese. Il a fallu egalement analyser, d'une part, le rapport que chacune des deux litteratures a instaure au cours des annees vingt et trente avec les valeurs du classique et de la tradition, et, d'autre part, les modes de reception de l'autre" litterature en tant qu'effets de ce rapport. Cela nous a amene a reconstruire, en italie, un veritable discours sur la litterature francaise, alors qu'en france la reception de la litterature italienne est souvent l'echo des debats en cours en italie, plutot que le fait d'une reflexion articulee. Pour terminer, nous avons essaye de mettre ces analyses a l'epreuve des textes : non pas des textes "premiers", mais de ces textes "seconds" (ou la lecture devient acte, et ou se cristallisent les mecanismes de la reception) que sont les traductions
My working hypothesis was the following : reception of literary works on either side of the alps between 1919 and 1939 was largely determined by what could be called - to quote luciano canfors - ideologies of classicism. The purpose of this study is not simply to verify the validity of this hypothesis, - but to analyze, on the one hand, the relationship that each of these two national literatures established during the 1920's and 1930's with the valuers of classicism and tradition, and on the other hand, the ways in which the "other" literaturs was received as a consequence of this relationship. This involves reconstructing a veritable discourse on french literature in italy, wheres in france reception of italian literature often echoed the debates taking place in italy instead of being the result of carefully articulated reflection. Finally, this study attempts to test these analyses in the light of a number of texts : not "primary" texts, but translations, that is "secondary" texts in which reading becomes an act, and reception mechanisms are crystallized

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Dissertations / Theses on the topic 'Art et littérature – 1900-1945'

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