Dissertations / Theses on the topic 'Art et morale – 19e siècle'

Le propre de la modernité est d'inclure la critique dans ses fondements et de permettre les questionnements autant que le développement des savoirs. La modernité est donc indissociable du mouvement et du changement. Elle implique de nouvelles relations sociales, politiques et culturelles entre le singulier et le collectif, le particulier et l'universel, une complexité dont la littérature du XIXe siècle a su témoigner. Il est néanmoins remarquable que la notion de simplicité soit au centre des préoccupations d'auteurs fondateurs de la modernité littéraire et artistique. Dans les œuvres de Flaubert qui portent sur la modernité, dans les écrits sur l'art de Baudelaire et dans certaines vues urbaines et architecturales, tant littéraires que picturales, dont la série de La Cathédrale de Rouen de Monet, les formes de la simplicité et les notions afférentes permettent de mettre en évidence les formes du changement, afin de composer une esthétique de la modernité fondée sur la nuance plutôt que sur la binarité ou le dogmatisme. Si la simplicité désigne l'indécomposable, la nuance se caractérise en effet par des différences de degrés quasiment indiscernables. L'art de la nuance qui procède d'une réévaluation moderne de la simplicité fait tenir ensemble la défense du beau, la singularité de l'œuvre d'art, l'attention portée au réel, aux savoirs et aux nouvelles temporalités, afin d'éloigner l'esthétisation, c'est-à-dire une conception du beau qui lisse les traits de la modernité. La nuance témoigne ainsi d'une relation inédite entre le visuel et le verbal, le texte et l'image, qui permet de mettre au jour les nouages entre poétique, esthétique et politique au coeur de la modernité
The peculiarity of modernity is to integrate criticism in its foundations and to allow questions as well as knowledge development. Therefore, modernity cannot be dissociated from movement and change. Thus, it implies a new kind of social, political and cultural relationship beween the singular and the collective, the particular and the universal, a complexity which XlXth literature managed to testify. However, it is noteworhy that the notion of simplicity is at the centre of the preoccupations of founder authors of artistic and literary modernity. In Flaubert's works dealing with modernity, Baudelaire's written works on arts and in urban views, either literary, pictorial or architectural ones, for instance Monet's series of The Rouen Cathedral, the simplicity forms and meanings which are associated to them make it possible to put the forms of change in a conspicuous position in order to make up an aesthetics of modernity based on shade instead of on binarism or dogmatism. If simplicity refers to what cannot be broken down, the main features of shade are, indeed, grade differences which can hardly be detected. The art of shade which originates in a modern revaluation of simplicity holds together the defence of the beautiful, the singularity of the work of art, the attention to reality, knowledge and new temporalities in order to thwart aesthetization, in other words a conception of the beautiful that covers the features of modernity. Thus, shade shows a new relationship between the visual and the verbal, the text and the image, which brings up to date the knotting between poetics, aesthetics and politics at the heart of modernity

Les sur-déterminations éthiques et esthétiques d’Oscar Wilde qui masquaient l’invisible de son œuvre et de son être, nous ont contraints à nous installer dans le visible de sa photographie pour descendre peu à peu dans les cercles voilés de ses décisions provocatrices. Ces décisions vont se positionner en premier lieu dans un pressenti : les enjeux philosophiques, esthétiques et politiques structurés dans tous ses écrits, annoncent une détermination aux accents libertaires et tragiques. Porté par une mélancolie lancinante, Wilde va tisser une œuvre que la Philosophie doit désormais aborder, non seulement pour la qualité de ses suggestions esthétiques, mais tout autant pour avoir, à lui seul, dit et fait ce que tout être peut désormais imaginer et réaliser : la transformation de soi par soi à force de provocations abouties. Quand l’être-même se bouscule pour interroger la violence d’un système social dans toutes les contradictions et les limites de ses instances, quand il s’y livre corps et âme jusqu’à ce que sa mort porte son sens de la beauté, de l’exigence d’être-au monde individuel et altruiste dans le même mouvement, alors il fallait dérouler le fil d’Ariane. Celui qui nous amènera à révéler le tragédien Wilde, le libre-penseur qui a intuitionné son devenir, c’est-à-dire qui a souterrainement posé les conditions de sa vie d’artiste, de ses exigences esthétiques pour les vivre en adéquation totale avec ses théories et son imaginaire prodigieux. Il était tragédien, il est mort tragiquement, mais c’était son projet. Oscar Wilde est né une seconde fois le 30 novembre 1900, en saluant Nietzsche au passage
The ethical and aesthetic overdeterminations about Oscar Wilde, that blocked off the invisible of his work and being, compelled us to settle in the visible of his photograph in order to move gradually down the veiled circles of his troublemaking decisions. These decisions first take position in a feeling: the philosophical, esthetical and political propositions at stake in all his writings announce a determination of the will with libertarian and tragical mood. Led by a haunting melancholy, Wilde weaves a work that philosophy has yet to tackle, not only because of the quality of his esthetical suggestions, but also because he, by himself, said and made what every being may yet imagine and realize: the selftransformation of the self by the means of accomplished provocations. When the very being turns himself upside down in order to question the violence of a social system in all the contradictions and boundaries of the same system, when he abandons himself to it until his death wears his meaning of beauty, so then had we to unwind the Ariane's thread. The thread that brings us to reveal Wilde the tragedian, the freethinker who intuitioned his becoming, i. E. Who laid underground the conditions of his life as an artist and his esthetical demands in order to live them appropriately to his theories and extraordinary imagination. He who was a tragedian died tragically, but he did it on purpose. Oscar Wilde was born again on November the 30th 1900, waving to Nietzsche by the way

Que devient le conte au moment où les Lumières sont absorbées par la Révolution ? Quels sont les thèmes abordés par ce genre dit mineur, alors que s'impose l'histoire et que sont contestés les cadres de vie traditionnels ? Dans cette tourmente, loin de disparaître, le conte survit et il est, à la fin du XVIIIe siècle, un genre toujours vivace et protéiforme : en vers ou en prose, d'inspirations diverses, empruntant à l'Orient merveilleux comme à la morale la plus convenue, les contes, dans une sorte de métamorphose interne, s'imprègnent des préoccupations morales du moment
How is tale getting on when the Enlightenment is absorbed by the French Revolution? Which topics are used by this minor genre as it is called, whereas history asserts itself and the traditional environment is contested? In this storm, far from disappearing, tale survives and at the end of this century, is still, a long-lived and protean genre : in verse or in prose, with various inspirations like the marvellous East or the most conventional moral, tales are impregnated with the moral concerns of the moment, in a kind of internal metamorphosis

L'étude porte sur deux oeuvres capitales de Nicolas Poussin (l'autoportrait et les bergers d'arcadie), et sur les projets du Bernin pour le Louvre de Louis XIV en 1665, oeuvres et faits dont le sens et la portée historique sont restitués. La première partie fonde les méthodes d'investigation dans l'esthétique, entendue comme travail hermeneutique particulier. Le constant souci éthique de la pensée de l'art est dégagé qui peut être saisi comme le horizon du sens donné à l'art dans un contexte historique, et qui permet d'approfondir la compréhension des oeuvres et des processus creatifs. Les oeuvres de Poussin sont interprétées en accord avec l'analyse de l'idée de l'art du peintre, Nicolas Poussin, idée morale conciliant le don individuel et le travail méthodique et rationnel de la représentation. La troisième partie rouvre le dossier des plans du Bernin pour le Louvre rejetés au profit de l'actuelle colonnade. La base des investigations est constituée par l'édition critique du journal de Chantelou à laquelle est joint un nombre important de documents d'archives ( en annexe). L'interprétation concentre les aspects multiples de l'affaire Bernin sur le divorce entre le génie artistique et le decorum princier. À travers l'échec de l'artiste, l'idée d'une autonomie morale de l'art s'est trouvée singulièrement affirmée
The study concerns essentially two paintings of n. Poussin (the self-portrait and the arcadian shepherds), and the architectural projects of Bernini for the louvre in the reign of louis XIV (1665), a new approach restoring the sense and the historical importance of this works. The first part of the study intends to found the methods of its enquiries on the aesthetics, philosophical discipline which is supposed to be preceeding in this case as a particular hermeneutics. Constant ethical solicitudes for the thought concerning art are elucitated, solicitudes which are recognised in the study as horizons of sens attributed to art in particular historical contexts and which allow to go further in the comprehension of the works of art as well as of processes of creation. The paintings of poussin are thus interpreted according to the painter's conception of art, a moral conception which reconciles his personal, individual talent, and his rational work on the pictorial representation. The third part of the study deals with bernini's plans for the louvre, plans finally rejected and replaced by the present colonnade. The enquiry is based upon a new (critical) edition of chantelou's diary, and upon an important number of archive documents (edited in annex). The interpretation of facts and projects is focused on the esential gulf introduced between the genius of the artist and the decorum of the prince

Notre thèse comporte quatre partie qui correspondent aux diverses catégories de l'histoire intellectuelle telle que définit par R. Darnton. Dans la première partie, nous esquissons l'"aire" de la morale telle que nous la percevons dans les œuvres, opinions, polémiques des philosophes et des moralistes. Nous démontrons comment une morale chrétienne, fondée sur la révélation, se substitue peu à peu une morale naturelle, les deux étant d'ailleurs en relation de dépendance et d'emprunts réciproques. La seconde partie consiste à analyser l'idée de morale dans l'opinion des révolutionnaires. Les mêmes thèmes seront repris et étudiés dans le contexte propre à la révolution, pour en saisir l'évolution et les interrelations qu'ils supposent. Nous démontrons que, de la morale naturelle à la morale républicaine, ce qui change n'est pas la définition de l'idée mais ses modalités de diffusion et d'application. Dans la troisième partie, nous abordons la question de la diffusion de la morale dans la société française par le biais des diverses institutions créées par les révolutionnaires, alors que la quatrième partie analyse les processus d'appropriation et de réception du discours par les classes populaires
Our thesis consists of four sections that correspond to the different categories of intellectual history as defined by r. Darnton. In the first section, we outlined the "field" of ethics as we perceive it through the works, opinions, polemics of philosophers an moralists. We show how the christian ethic based on the revelation is gradually eroded by the idea of natural ethics, the two being mutually and reciprocally dependend. The second section analyses the ethical idea according to the opinions of the revolutionaries. The same themes are taken up again and studied in the context of the revolution in order to fully grasp the evolution and the interrelations that they imply. We demonstrate that from natural ethics to republican ethics, it is not the definition of the ethical idea that changes but rather its modalities of distribution and application. In the third section, we deal with the question of the distribution of the ethical idea in the french society through the various institutions created by the revolutionaries, while the fourth section analyses the processes of appropriation and reception of the message by the popular classes

Le thème de la vanité est sous-jacent à toute l’épistémè des XVIe et XVIIe siècles : véritable discours sur la fugacité de la vie, sur le caractère éphémère et vain de toute chose terrestre, il affecte alors tous les domaines représentatifs – les arts plastiques, la littérature, mais aussi la musique. En effet, les représentations musicales du thème de la vanité foisonnent dans l’Italie post-tridentine, où elles nous apparaissent comme une catégorie à part entière à l’intérieur de l’ensemble de la musique dévotionnelle. S’appropriant à peu près tous les genres musicaux en usage – des genres sacrés aux genres profanes, des genres sérieux et savants aux formes légères –, elles se déclinent en des modalités discursives et opératoires diverses. Cette variété témoigne de la nécessité d’étendre le discours moral qu’elles portent à tous les secteurs sociaux : les Vanités, fussent-elles picturales, littéraires ou musicales, semblent matérialiser, dans leur condensé de significations, le code moral de l’époque. Donnant forme à celui-là elles l’affirment et le diffusent, sans doute, ne contribuant pas moins, pourtant, à l’abolir
The theme of vanity underlies the entire episteme of the sixteenth and seventeenth centuries: veritable discourse on the transience of life, on the ephemeral and vain character of all earthly things, it affects all the domains of artistic expression - literature, the visual arts, but also music. The musical representations on the theme of vanity abound in Post-Tridentine Italy, where they constitute an autonomous category within the ensemble of devotional music. Through the appropriation of almost every musical genre of the time - the sacred and the secular, the serious and learned but also the lighter forms - they take various discursive and operational paths. This variety testifies of the necessity to extend the moral discourse to all parts of society: the Vanities - be they pictorial, literal or musical - seem to materialize, in their condensation of meaning, the moral code of the time. Giving form to it, they affirm it and spread it, but can't, nevertheless, avoid to exhaust it

Pourquoi de si nombreux souverains, mais aussi tant de capitaines et d'hommes d'Etat ont choisi la fortune pour emblème à la Renaissance ? Ce travail analyse comment une allégorie forgée pour l'édification des fidèles devient un élément du vocabulaire politique. La " renaissance " de l'Antiquité se révèle davantage adaptation de la culture médiévale à de nouveaux besoins, en particulier au développement des formes de communication politique. En dépit des tentatives de censure dont elle est davantage l'objet à partir de 1530, l'allégorie de la fortune continue sa carrière et trouve place dans les discours et les images de combat que multiplient catholiques et protestants
Why have so many sovereigns, just as so numerous captains and statesmen chosen it as their emblem at this period? This work analyses how an allegory, created for the edification of the faithful, becomes part of the political vocabulary. The “Renaissance of Antiquity” appears to be more the recovery and the adaptation of medieval culture to new needs, in particular to the development of political communication forms. Its expressions differ according to the types of documents considered. A pluridisciplinary approach of much varied sources anables us to bring out the specificity of each one of its uses. Censorship increases from 1530 onwards, Catholics and Protestants still use the allegory of Fortune in their rhetorical fighting through words and images

L’imagerie morale connaît un essor considérable dans la péninsule italienne entre 1315 et 1415. Les ordres mendiants, notamment les franciscains, les dominicains et les augustins, sont les principaux promoteurs du renouveau de ce thème. Intégralement tournés vers l’étude et la propagation de la morale, ces trois ordres entrent en concurrence les uns avec les autres sur la question des vertus. Chez les laïcs, les villes mettent en œuvre une imagerie cohérente dressant le portrait de communes vertueuses destinée à légitimer les gouvernements et à dénoncer les régimes tyranniques. À partir d’un corpus iconographique riche (plus de 700 images), l’étude des vertus et des vices se propose de dégager la fonction et la signification des personnifications dans l’art italien à la veille de l’époque moderne. L’analyse des images met à jour les notions qui travaillent les figurations des vertus : les procédés artistiques consistant à figurer des valeurs morales ; la dimension édifiante et mnémonique des personnifications ; les échos et les écarts entre les personnifications et les exemplifications ; le phénomène de vulgarisation de la morale par l’image
The moral imagery knows an exceptional development in the Italian Peninsula between 1315 and 1415. The mendicant orders, in particular the Franciscans, the Dominicans and the Augustinians, are the main instigators of the revival of this theme. Completely turned towards the study and the propagation of morality, these three orders are in competition on the matter of virtues. Among the laymen, cities initiate a coherent imagery drawing the portrait of virtuous communes intended to legitimate the governments and to denounciate the tyrannical systems. From a large iconographic corpus (more than 700 pictures), the study of virtues and vices intends to find the function and the meaning of personifications in the Italian art on the eve of Modern history. The analysis of pictures brings to light the notions that underlie the representation of virtues: the artistic processes consisting in representing moral values; the edifying and mnemonic dimension of personifications; the echos and gaps between personifications and exemplifications; the popularization phenomenon of ethics by the picture

En déplaçant les problématiques traditionnelles - celles des analyses strictement nationales - cette thèse propose d'explorer, à l'aide d'une perspective comparative, l'importance donnée au critère moral par la critique, française et anglaise, lors de sa réception de la peinture victorienne. Le corpus de ce travail s'appuie sur l'étude successive des œuvres anglaises présentées tant aux expositions universelles parisiennes (1855, 1867, 1878 et 1889) qu'à la Royal Academy et des commentaires critiques publiés dans la presse spécialisée ou non. Cette démarche révèle la dynamique des échanges interculturels entre les deux pays autour de la question morale et met en évidence l'existence d'une réception nationaliste de l'art par la critique. Dès lors, le jugement porté sur une œuvre par un critique dépend de sa culture, de son goût, mais aussi plus largement du contexte social et des principes propres à sa société. À ce titre, le climat de compétition entre la France et l'Angleterre se retrouve dans les articles et ouvrages publiés de chaque coté de la Manche. De puissants débats critiques mettent en lumière les processus d'appropriation et de rejet participant à la définition des deux cultures artistiques. Ils réunissent art et morale en interrogeant l'existence d'un « grand genre » victorien, l'exposition comme un espace permettant à la critique de circonscrire un art national et de se définir elle-même, ainsi que l'influence moraliste de John Ruskin (1819-1901) sur la société et son art. L'hétérogénéité de la profession de critique d'art associée à la plasticité du mot « morale » permet donc à ce travail de proposer une définition de la peinture victorienne et de ses acteurs
By shifting the traditional issues - those of strictly national analyses - this thesis proposes to explore, using a comparative perspective, the importance given to the moral criterion by critics, French and English, when receiving Victorian painting. The corpus of this work is based on the successive study of English paintings presented at the “Expositions universelles” in Paris (1855, 1867, 1878 and 1889) as well as at the Royal Academy, and of the critical comments published in the press specialized or not. This approach reveals the dynamics of intercultural exchanges between the two countries around the moral issue and highlights the existence of a nationalist reception of art by critics. Consequently, a critic's judgment of a painting depends on their culture, their taste, but also more broadly on the social context and the principles specific to their society. As such, the competitive climate between France and England is reflected in the articles and books published on both sides of the English Channel. Powerful critical debates highlight the processes of appropriation and rejection that contribute to the definition of the two artistic cultures in relation to each other. They bring art and morality together by questioning the existence of a Victorian “grand genre”, the exhibition as a place for critics to circumscribe a national art and define themselves, as well as John Ruskin's (1819-1901) moralist influence on society and the art it produces. The heterogeneity of the art criticism profession associated with the plasticity of the word “moral” therefore allows this work to propose a definition of Victorian painting and its actors

Les sciences morales et politiques (philosophie, morale, histoire, économie, droit) reçoivent en France un statut officiel lors de la création de l'institut national par la convention. La deuxième classe de cet institut doit porter dans ces domaines les méthodes qui ont permis le progrès des sciences physiques et naturelles, et créer une véritable science de la société. Ce projet avorte par la réorganisation institutionnelle de 1803, est repris sous la monarchie de juillet par les libéraux au pouvoir. L'étude de l'a. S. M. P. Est à la fois celle de l'institution, de ses membres, de ses pratiques, et l'histoire de cette science sociale officielle qui se construit a l'intérieur d'un projet politique et scientifique dont la révolution de 1848 marque les limites
Moral and political sciences receive an official position in France with the creation of the national institute, under convention. The second class must transport in their field the methods of the physical sciences, their progress, and create an original science of society. The project, first interrupted in 1803 by the reorganisation of the institute, finds a second start with the liberals of 1830, under Guizot's ministry of education. The study of the academy of moral and political sciences examines the institution itself, its members, its ways; it is also the story of the french social science, within the political ans scientific project of the generation, until 1848

François de La Noue (1531-1591), gentilhomme français et protestant, compose, alors qu'il est incarcéré, les Discours politiques et militaires, publiés en 1587 : nous en proposons ici une édition commentée, précédée d'une introduction. Celle-ci comporte sept chapitres dont le premier relate la vie de l'auteur, étroitement liée aux guerres de religion. Nous nous sommes ensuite intéressés à la genèse des Discours, avant d'établir un catalogue complet des éditions et émissions de l'œuvre. Un bilan des études consacrées à La Noue et à ses écrits termine ce chapitre. Puis, l'univers culturel de ce gentilhomme qui a manié l'épée et la plume est examiné : par l'identification des sources des Discours, nous avons reconstitué sa bibliothèque. Voulant restaurer l'État, il dénonce, en moraliste, la corruption des valeurs, et propose, en réformateur, un programme éducatif. Sa vision politique tirée des Saintes Écritures et son rôle politique joué durant les guerres font l'objet du chapitre IV. Le cinquième traite de la guerre tant du point de vue de sa légitimité que de celui des institutions militaires que La Noue cherche à améliorer. Le XXVIe discours, qui porte sur l'histoire des guerres civiles, nous a poussé à nous interroger, dans la sixième partie, sur sa conception et son écriture de l'histoire. Une approche rhétorique pose, pour finir, la question du genre Discours. Plusieurs documents annexes viennent ensuite apporter des éclaircissements. Suit le texte des Discours politiques et militaires, présenté avec des notes critiques, historiques et lexicales. Enfin, un glossaire, un index et une bibliographie terminent cette thèse.

François de La Noue (1531-1591), gentilhomme français et protestant, compose, alors qu’il est incarcéré, les Discours politiques et militaires, publiés en 1587 : nous en proposons ici une édition commentée, précédée d'une introduction. Celle-ci comporte sept chapitres dont le premier relate la vie de l'auteur, étroitement liée aux guerres de religion. Nous nous sommes ensuite intéressés à la genèse des Discours, avant d'établir un catalogue complet des éditions et émissions de l'œuvre. Un bilan des études consacrées à La Noue et à ses écrits termine ce chapitre. Puis, l'univers culturel de ce gentilhomme qui a manié l'épée et la plume est examiné : par l'identification des sources des Discours, nous avons reconstitué sa bibliothèque. Voulant restaurer l'État, il dénonce, en moraliste, la corruption des valeurs, et propose, en réformateur, un programme éducatif. Sa vision politique tirée des Saintes Écritures et son rôle politique joué durant les guerres font l'objet du chapitre IV. Le cinquième traite de la guerre tant du point de vue de sa légitimité que de celui des institutions militaires que La Noue cherche à améliorer. Le XXVIe discours, qui porte sur l'histoire des guerres civiles, nous a poussé à nous interroger, dans la sixième partie, sur sa conception et son écriture de l'histoire. Une approche rhétorique pose, pour finir, la question du genre Discours. Plusieurs documents annexes viennent ensuite apporter des éclaircissements. Suit le texte des Discours politiques et militaires, présenté avec des notes critiques, historiques et lexicales. Enfin, un glossaire, un index et une blibliographie terminent cette thèse
François de La Noue (1531-1591), a French protestant gentleman, composed, during his time in prison, Discours politiques et militaires published in 1587 : here we give you a commented edition, preceded by an introduction, made up of seven chapters. The first one describes the author’s life, closely related to the religious wars. We then focused on the genesis of the Discours, before establishing a complete catalogue of the editions and issues of the book. This chapter ends with an assessment of the studies devoted to La Noue. After that, this gentleman’s cultural universe, which wielded sword and quill is examined: by identifying the sources of the Discours, we have reconstituted his library. Wanting to restore the state, he denounces, moralistically, a corruption of values and he proposes, in way of reform, an educational program. His political vision, taken from the Holy Scripture and his political role during the wars make up Chapter 4. Chapter 5 looks at the war from both a legitimacy side and from the side of the military institutions that La Noue sought to improve. Speech XXVI, which talks about the history of the civil wars made us question, in Chapter 6, his conception and composition of history. We finish with a rhetorical approach to the question of the genre of the Discours. Several documents in the appendix bring clarification. To follow: Discours politiques et militaires, with critiques and historical and lexical notes. A glossary, an index and a bibliography complete this thesis

Le XIXe siècle voit naître la gymnastique moderne. En France, la méthode d’Amoros qui associe des mouvements analytiques à des chants moraux, connaît, dès 1816, un certain succès. Celle-ci, constitutive d'un projet politique libéral, doit être vue comme un produit des Lumières et des idéaux de la Révolution Française ; comme un écho à la Déclaration des Droits de l’Homme et du Citoyen. Elle est une véritable Révolution des mouvements qu'Amoros organise à partir d’une redéfinition des rapports du physique et du moral et d’une conception naturelle de la morale, inspirées du discours des Idéologues. Sur ces bases, Amoros présente sa méthode en outil essentiel des projets éducatifs faisant reposer tout espoir de réforme sociale sur une réforme de moeurs. Ainsi conçue, la gymnastique amorosienne révèle sa fonction essentielle : édifier un homme nouveau, un citoyen moderne et vertueux. Seul capable de rendre pensable l’instauration durable d’un ordre démocratique
Modern gymnastics go back to the nineteenth century. In France, as early as 1816, Amoros’s method, which brings together analytical movements and moral songs, meets with some success. This method, the base on which Amoros founds a liberal political project, must be considered a by-product of the “Lumières” and the ideals of the French Revolution, as an echo of the French Declaration of Rights. It is an authentic movement revolution Amoros organises, by redefining the relationship between physical and moral well-being and a natural conception of morality, inspired by the discourse of the Ideologists. Amoros thereby presents his method as an essential tool for educational projects basing any hope of social reform on moral reform. Therein lies the essential function of Amorosian gymnastics: building a new man, a modem and virtuous citizen, who alone can make a long-lasting democracy conceivable

Nous nous proposons, par ce travail, d’apporter quelques éléments de réponse à la question suivante : la pudeur peut-elle trouver place dans un examen gynécologique ou obstétrical ? Nous avons choisi d’y répondre à partir du XIXe siècle, en interrogeant les traités dits « des maladies des femmes » et les traités d’accouchements. La pudeur constitue à cette époque un véritable leitmotiv du discours médical sur les difficultés à examiner les femmes. Pourtant, l’analyse des observations cliniques montre que le silence des femmes sur les affections qui affectent leurs organes génitaux et leurs réticences à se soumettre à un examen clinique trouvent souvent d’autres explications. Nous avons étudié en détail quelles précautions avaient été proposées par les praticiens de ce siècle, de l’interrogatoire à l’examen proprement dit, pour ménager la pudeur de leurs patientes. Son respect semble tenir une très grande place dans leur conduite. Il n’est pas certain cependant que tous mettaient en pratique ce qu’ils enseignaient à leurs élèves ou exposaient comme devant être la règle. Quoi qu’il en soit, leurs recommandations, quasi unanimes, gardent tout leur intérêt
The purpose of this study is to gather and present elements with a view to answering the following question: should modesty have a place in an obstetrical or gynaecological examination? We have chosen to focus on 19th century France, to question the treatises called “on women diseases”, and the practice of midwifery. Modesty in this period appears as a true leitmotiv in the medical rhetoric dealing with the difficulties of the medical examination of women. The analysis of clinical observations nevertheless shows that the woman’s silence or discretion about the diseases which affect their genitalia, and their reluctance to accept a clinical investigation often imply a series of other reasons. We have studied in detail the precautions 19th century practitioners suggested one should take, from the inquiry to the examination proper, in order to avoid offending the patients’ modesty. The idea that the practitioner should show due respect to the patients seems to play a major role in their line of conduct. Nevertheless it is not sure that all the practitioners acted in accordance with their teaching, or with the rules they had contributed to set up. However, the advice that was generally almost unanimously shared by them, keeps all its relevance

Cette thèse de philosophie politique s'attache à dégager la réflexion de Tocqueville sur la nécessité d'une éducation à la démocratie, et tout particulièrement, sur le rôle que peut jouer la religion en matière de citoyenneté. La première partie présente l'analyse de la condition démocratique que Tocqueville a exposée dans La démocratie en Amérique et met l'accent, avec lui, sur les facteurs de risque liés au régime d'existence égalitaire : individualisme, rationalisme et matérialisme conduisent à l'affaiblissement du lien social, au déficit de sens et à l'effacement du politique. Les deuxième et troisième parties examinent les remèdes que Tocqueville préconise pour éviter ces maux, et qui constituent les deux piliers de sa " science politique nouvelle " : la citoyenneté, d'une part, et la religion, d'autre part, dont il s'efforce de penser les conditions de possibilité pour les Modernes, ainsi que la neuve articulation. La dernière partie met en évidence les perspectives anthropologiques auxquelles cette " science nouvelle " conduit, ainsi que la philosophie de l'histoire de Tocqueville, avec son appel pressant à choisir entre civilisation et barbarie
This dissertation in political philosophy attempts to define Tocqueville's thinking on the necessity of an education for democracy, with particular attention to the role that religion may play in respect to citizenship. The first part presents an analysis of the democratic condition as exposed by Tocqueville in his essay on Democracy in America. It emphasizes the risks linked to a regime of egalitarian existence : individualism, rationalism and materialism lead to the weakening of social relationships, to a deficit in meaning, and to the erasure of politics as such. The second and third parts look into the remedies that Tocqueville offers to cure these ills : citizenship, on one hand, and relogion on the other, which form the two pillars of his “new political science”, and whose conditions of possibility and new articulation for the Moderns he attempts to map. The last part emphasizes the anthropological perspectives to which this “new science” leads, as well as Tocqueville's philosophy of history, and its urgent appeal to choose between barbary and civilisation

Etudier la morale laïque dans la perspective des sciences religieuses, cela peut aller de soi aujourd'hui, mais en a-t-il toujours été ainsi ? Historiquement, la morale laïque et la science des religions sont filles de la critique religieuse du XIXe siècle. Elles ont été légitimées dans les années 1880, période fondatrice de la Troisième République. La première est alors diffusée surtout sur le terrain de l'enseignement primaire pour former les futurs citoyens, et la deuxième étudiée dans le cadre de l'enseignement supérieur par une petite poignée de spécialistes. Le domaine de la morale et celui des études religieuses semblent donc bien être différents. Or, en lisant les textes de la première moitié du XIXe siècle, on est souvent frappé par le dynamisme qu'entretiennent ces deux domaines. Dès lors, il vaudrait mieux réfléchir aux conditions historiques à partie desquelles ces deux domaines peuvent être perçus comme différents. Selon ceux qui l'instaurent, la morale laïque est censée en finir avec la morale religieuse. Mais analytiquement on peut aussi bien en indiquer plusieurs aspects religieux. L'histoire des religions, qui, en tant que science moderne, se désolidarise bien de la théologie, en partage aussi à certains égards les schémas de représentation. Même si l'aspect spiritualiste de la morale laïque recule et l'optique christiano-centriste de l'histoire des religions se relativise au début du XIXe siècle, le religieux continue de hanter durablement la morale et la science religieuse. C'est aussi le moment où ces dernières trouvent la possibilité de se rejoindre sur un plan nouveau
There is no barrier today for religious studies to encompass secular ethics (morale laïque), but has it always been so ? Historically, secular ethics and the science of religions were born in the 19th century out of religious criticism. They found legitimacy in the 1880's with the establishment of the 3rd Republic in France. The former was especially employed in primary education as a means to form citizens, while the latter was primarily confined to a relatively small group of specialists within the framework of higher education. The domains of application of morals and religious studies seem, then, to differ. Texts of the first half of the 19th century, however, often show interconnected these two fields were. It is consequently opportune to reflect on the historical conditions that led these two fields to being perceived as different. For its promoters, secular ethics was a means to free society from ethics based on religion. But secular ethics is no devoid of religious elements. The history of religions, as a modern social science, has distanced itself from theology but shares with it some of its representation schemes. Even if the beginning of the 20th century sees the spiritual component of secular ethics wane and the Christian-centric perspective of the history of religions attenuate, the religious continues to haunt both ethics and religious studies. It was also the moment when these two domaines could meet again on a new level

En 1818, le baron Montyon charge l'académie française de récompenser chaque année des ouvrages "utile aux moeurs" et des "français pauvres et vertueux". La sélection permet de tracer un panorama des idées morales des notables durant la premiere moitié du XIXe siècle et de mettre en lumière les questions posées par la prise en considération des femmes et des classes populaires, groupes jugés mineurs. Les prix Montyon révèlent les peurs et les espoirs d'une époque. Les bouleversements que connait la France - début de l'industrialisation, affirmation du nouveau régime, montée de l'individualisme en relation avec les idées libérales- nourrissent les interrogations, les hésitations, les contradictions des moralistes. Les prix résonnent des craintes des notables. On plaint une société où progressent l'ambition et l'égoïsme, où s'affaisse la solidarité. On tremble parfois face à un peuple jugé peu éduqué, qui tendrait vers le crime et la révolte. On s'inquiète du rôle joué par les femmes et pour les contrôler, on tente de les confiner aux fonctions d'éducation ou de bienfaisance. Pour préserver le contrat social, les moralistes multiplient les instances de surveillance. Cependant les notables ne cèdent pas au pessimisme. Leur réflexion reste imprégnée de l'optimisme des lumières. Ils croient encore en une bonté innée de l'homme et affirment leur confiance en l'avenir. Sous leurs plumes, les classes laborieuses et les femmes s'illustrent d'abord par leur vertu, une capacite instinctive à aimer son prochain, à se sacrifier pour lui. Cette vertu est imprudente, elle détruit les économies que la morale apprend à accumuler. Elle est pourtant louée. Les pauvres et les femmes n'apparaissent plus comme des groupes dangereux. Garants de l'union sociale, ils sont un atout pour leur pays et leur époque. Les moralistes oscillent entre ces deux visions. Leur volonté affirmée d'intégrer les "mineurs" se heurte au désir de garantir la prééminence de leur classe.

La tradition des plans-reliefs, ancienne pratique des ingénieurs des Fortifications dont l'origine se situe sous le règne de Louis XIV, reprennent, au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, une nouvelle vitalité. Ce moment est le point de départ de notre recherche qui se concentre en particulier sur la deuxième quart du XIXe siècle en s'attachant à deux figures principales: Adolphe-Léon Leymonnerye, artiste topographe de la Galerie, et Jean-Jacques Marie Augustin Leblanc, topographe en charge au service des Places Étrangères du Génie et membre de la Société géologique de France. Tous deux participent à la construction du plan-relief du Siège de Rome (1849-1852), ce qui constitue le cas d'étude de la recherche. Nous nous interrogerons alors sur la façon par laquelle les plans-reliefs, en tant que modèles réduits, dépassent le système géométrique, révèlent une multiplicité d'échelles et une mixité de références qui témoignent de la complexité des approches de cette connaissance d'un réel. En particulier, nous nous attarderons sur la continuité et sur les évolutions de la notion de pittoresque dans le contexte des réflexions sur le langage des cartes topographiques, de l'émergence des savoirs géologiques et de l'appropriation de l'espace par l'histoire nationale des années 1830. En nous appuyant sur le rôle heuristique de l'image au sein des analyses de la géographie historique ainsi que sur le renouvellement épistémologique de l'histoire de la cartographie, notre recherche se situe dans l'axe des réflexions de l'approche historique qui propose de questionner les modalités d'observation et de construction à l'origine des dispositifs visuels et de leur rôle dans le processus de construction des savoirs
The tradition of plans-reliefs, an ancient practice of Fortifications Engineers, whose origin lie in the reign of Louis XIV, was revitalized at the turn of the eighteenth century. This moment is the starting point of our research which tackles in particular the second quarter of th nineteenth century by focusing on two main figures: Adolphe Leon Leymonnerye, topographer artist of the gallery, and Jean- Jacques Augustin Marie Leblanc, a topographe serving the Places Etrangeres du Genie and a member of the Geological Society of France Both are involved in the construction of the plan-relief du Siege de Rome (1849-1852), which constitutes the case study of our research. We question then the way by which plans-reliefs, a models, exceeding the geometric system, reveal a multiplicity of scales and a mixture of references, which reflect the complexity of approaches of the knowledge of the real. In particular, we will emphasize the continuity and the evolutions of the notion of picturesqu within the context of reflections on topographical maps language, of the emergence of geological knowledge and of the appropriation of space by the national history during th nineteenth century. Building on the heuristic role of the image within the analysis of historica geography as well as on the epistemological renewal of the history of cartography, our research lies in the axis of reflexions of the historical approach which proposes to question the method of observation and construction underlying visual devices and their role in the process of knowledge construction

L'orientalisme, en tant que mouvement historique dans la littérature et les textes scientifiques a atteint sa formulation la plus cohérente au 19eme. Siècle en Europe. Issue de ce précédent narratif la peinture orientaliste fait de l'orient le seul objet de sa représentation. Débutant avec la campagne de Napoléon en Egypte en 1798, elle se constitue en mouvement indépendant à l'intérieur des courants artistiques. L'analyse est centrée sur la peinture à l'huile. Le choix de 199 tableaux comprend l'œuvre de 71 peintres français et anglais. L'épanouissement de cette peinture est parallèle au développement de la colonisation sur la grande Syrie, l'Egypte et l’Afrique du nord. Elle coïncide avec la suprématie politique, militaire, culturelle et artistique de la France et de la grande Bretagne. La représentation figurative de l'oriental en tant qu'autre pour le peintre et le public de l'époque est étudiée dans ce contexte et dans celui de la personnification propre à la tradition picturale occidentale. De même que l'analyse du traitement plastique de l'espace pictural des œuvres, caractérise par les lois de la perspective est mis en rapport avec le pouvoir sur le nouvel espace territorial de l'orient. Les innovations artistiques qui ont lieu au 19eme siècle sont contemporaines à la perpétuation des styles académiques. Ce contraste qui existe dans la peinture orientaliste a permis d'examiner comment les différents plastiques contribuent à créer une nouvelle forme artistiquement avant-gardiste, ou bien à élaborer une iconographie coloniale qui relie la possession de la toile à la représentation du monde oriental domine. L'ouvrage est divisé en trois parties. "L’extérieur" ou les vestiges culturels du passe sont réappropriés au domaine européen et ou la conquête du territoire mystifie les héros militaires ; tandis que la représentation du "bon sauvage" est à la fois romantique et ancrée dans le présent ethnographique de la nature. "La marge" des scènes de marches concrétise l'accessibilité de l'orient et celles des seuils des palais, cristallisent son mystère. Finalement, les scènes du monde de "l'intérieur" qui est impossible à voir, représente la sensualité des femmes du harem et le despotisme du sultan de manière détaillée et ethnographique, devenant ainsi le domaine de l'imaginaire du peintre.

Cette étude traite du destin et de la transformation du trace des jardins pendant la période considérée. Elle examine la manière dont ils traduisent les transformations de la société et du monde de l'époque. Sont étudiés d'abord les principaux éléments constitutifs d'un jardin: l'espace, élément primordial qui va aller en se rétrécissant en ville du fait de l'urbanisation, hors des cités du fait de la diminution des propriétés et de l'introduction de l'industrie dans les parcs, les arbres qui, par suite du nombre accru des expéditions botaniques lointaines et de l'amélioration des procédés d'acclimatation, vont permettre un choix plus varie, les fleurs qui du fait de nombreux apports exotiques et surtout de l'application des méthodes d'hybridation embellissent et se diversifient beaucoup. Tenant compte des faits constates la seconde partie suit l'évolution du visage des jardins et le sort qui leur réserve sous l'influence des mœurs, des idées, des techniques, des possibilités nouvelles, des agressions aussi dont les jardins sont victimes. Elle donne, par étapes quelques exemples (Malmaison, Clisson, l'Élysée, Bagatelle) et conclut que « le jardin est bien un fil conducteur pour juger de l'histoire des civilisations »

Le jardin en tant qu'art a ete au xixe siecle le lieu de la realisation d'un coloris specifique, ideal, qui peut etre considere comme un objet de connaissance a partir duquel nous pouvons entrevoir la pratique d'une science du coloris. Cette derniere nous a permis de mettre en evidence des antagonismes entre les deductions des theories des couleurs et les regles du coloris. L'homogeneite obtenue par la mise en coordonnees des couleurs bute contre les limites des domaines heterogenes definis par les peintres. Cette science du coloris distingue les combinaisons de couleurs (conventions resultant du developpement d'une logique formelle, presupposant une conception reductionniste du reel et une representation statique de la memoire comme stockage referentiel) des schemes du coloris (motifs et climax se referant a une conception integrationniste du reel, a une image dynamique de la memoire comme processus). Considerant que l'art des jardins ne peut pas se reduire a une application, cette science met en evidence les limites des developpements logiques.

Cette thèse étudie les débuts de l'enseignement de l'histoire de l'art et de l'archéologie en France. L’auteur combine une histoire de type institutionnel avec une histoire du personnel enseignant et une étude des pratiques dans les deux disciplines. La méthode est basée sur la recherche bibliographique et archivistique : recherches aux archives nationales sur les institutions (expliquer la création des cours), recherches biographiques et bibliographiques sur les enseignants (formation, publications et attaches institutionnelles) et finalement, analyse de leçons publiées (en particulier, les leçons d'ouverture). En d'autres mots, qui a enseigné quoi, ou et pourquoi ? Le plan adopté correspond à la suite chronologique des nouveaux enseignements : 1795, cours d'archéologie à la bibliothèque nationale ; 1830, archéologie monumentale en province ; 1847, archéologie médiévale à l'école des chartes ; 1863, réorganisation de l'école des beaux-arts de Paris ; 1876, chaire d'archéologie à la Sorbonne ; 1878, chaire d'esthétique et d'histoire de l'art au collège de France ; 1882, fondation de l'école du Louvre ; 1893, cours d'histoire de l'art à la sorbonne suivie en 1906 d'un cours d'histoire de l'art chrétien. L'enseignement dans les facultés des lettres en province fait l'objet d'un chapitre séparé et insiste sur l'impact des publications, l'importance des collections muséales et le rôle des photographies en histoire de l'art. Cette enquête historique montre les enjeux et les conflits qui caractérisent les débuts de cet enseignement spécifique : le passage de l'archéologie classique à l'archéologie médiévale ou d'un idéal esthétique à un intérêt historique pour les monuments, le conflit lié à l'architecture médiévale et la réhabilitation des arts du Moyen Age en général, l'archéologie comme nouvelle discipline universitaire, les multiples archéologies à l'école du Louvre, l'histoire de l'art comme spécialité de l'histoire à l'université et finalement, l'influence de l'histoire nationale et de la notion de patrimoine dans ce contexte
This thesis concerns the first academic courses in art history and archeology in France. The author combines a history of the institutions and the teachers with study of pratices in both disciplines. The methodology is based on a bibliographical and archival research : from the national archives for each institution (to document how new courses were created) ; from biographies and bibliographies for each teacher (studies, publications and career profiles) and analyses of published lectures (particularly their opening lectures). In others words, who taught what, where and why ? The thesis' plan corresponds to the chronological development of the new courses : 1795, archeology at the national library ; 1830, monumental archeology in Caen ; 1847, medieval archeology at the école des chartes ; 1863, reorganization of the école des beaux-arts de paris ; 1876, the first chair of archeology at the Sorbonne ; 1878, establisment of a chair of aesthetic and art history at the collège de France; 1882, founding of the école du Louvre ; 1893, first art history course at the sorbonne followed in 1906 by a christian art history course. The development of teaching in the universities outside of paris is studied separately and focuses on the impact of published works, the developing importance of museums and the use of photography in art history. This historical investigation underlines the main issues and conflicts which caracterized the beginning of teaching in this specific field : the transition from classical to medieval archeology or from the aesthetic ideal to an interest in the historical background of national monuments ; the conflict raised by medieval architecture and the revival of interest in medieval arts generally ; archeology as a new university discipline ; the various archeological courses at the école du Louvre ; art history as a history specialism in the universities ; and finally, the influence of national history and the notion of national heritage in this context

La sociologie francaise a ete creee par auguste comte, auquel a succede emile durkheim qui l'a definitivement fondee. Mais ces deux grands hommes ne se sont pas connus, puisque le second est ne apres la mort du premier. Or la continuite theorique entre ces deux peres fondateurs n'est pas aussi evidente qu'on pourrait le penser. Il nous faut trouver des sociologues inconnus qui comblent le vide entre eux. Nous etudions le developpement de la sociologie apres comte parmi ses disciples. La tendance scientiste a ete representee par emile littre et sa revue philosophie positive, tandis que pierre laffitte et la revue occidentale ont pris fidelement la succession du positivisme religieux et moral. Dans le premier groupe, guarin de vitry a marque un grand essor theorique avec sa notion de 'consensus collective', qui laisse presager l'arrivee de la sociologie de durkheim
The french sociology was created by auguste comte, and inherited and definitely founded by emile durkheim. But the latter was bord after the death of the former, and the theoretical continuity between them is not so obvious. We must therefore find some sociologists that can fill the gap between these two giants. We want to study the development of the post-comtian sociology among his disciples. The tendancy of pure scientific concern is represented by emile littre and his revue philosophie positive, and the religious or moral aspect of comtian positivism is faithfully taken over by pierre laffitte with the revue occidentale. In the first group, guarin de vitry has made great theoretical strides with his notion of consensus collective, which presages the durkheimian sociology

L'etude tente d'avancer dans la comprehension des contours pratiques de la citoyennete republicaine. Elle se propose pour ce faire de reflechir sur le role joue par la promotion sociale massive de comportements moralement exemplaires dans l'acceptation et la mise en place, a la fin du xixe siecle, de ce modele de lien social et politique. Le travail envisage les procedures developpees a cet effet, et plus specifiquement celles qui concernent la figure generique de l'individu devoue, secourable et courageux : le sauveteur. La premiere partie en presente trois types : les distinctions honorifiques officielles pour actes de courage et de devouement, en les replacant dans le developpement des decorations civiles au fil du xixe siecle et dans le detail de leur propre institutionnalisation; les prix de vertu de l'academie francaise et des autres societes academiques de province, institutions qui connaissent une surprenante expansion a partir de 1866; enfin la societe nationale d'encouragement au bien, association privee creee en 1864 et qui acquiert sous la republique le statut d'une veritable institution nationale. La seconde partie envisage les usages sociaux et politiques de la figure du sauveteur, en commencant par l'examen de la presse populaire et celui de la gestion politique et mediatique de l'accident du bazar de la charite. La genese, les promoteurs, la perspective politique des associations de sauveteurs creees jusqu'au debut du xxe siecle sont ensuite decrites. Societes de secours mutuels entre sauveteurs medailles, societes de "sauvetage", puis de "secouristes" ou de "sauveteurs-sportifs", le mouvement se caracterise avant tout par la promotion des comportements vertueux. On termine sur l'analyse de l'echec a la tribune legislative de la prise en charge des consequences des devouements malheureux, et la conclusion generale revient sur la reconstruction politique de la "citoyennete" dont temoignent les divers usages politiques de l'exemplarite morale
This study tries to apprehend the comprehension of the concrete republican citizenship. In this aim, it proposes to think about the role played by the massive social promotion of morally exemplary behaviours in the acceptance and putting into practice, at the end of 19th century, of this kind of social and political link model. The work considers the procedures developped to this effect, and more specifically the ones which concern the generic figure of the devoted, helpful and courageous individual : the rescuer. The first part introduces three types of procedures. First, the official honorary distinctions for acts of courage and devotion, presented in the context of the growth of civil distinctions during the 19th century, and in the detail of their institutionalization. Secondly, the prices of virtue awarded by the "academie francaise" and the other provincial academic societies, institutions which grew in an amazing fashion from 1866. Third, the national society of the encouragement to the good, a private association established in 1864 and which acquired during the third republic the status of a real national institution. The second part examines the social and political uses of the rescuer figure, beginning by the investigation of the popular press and the political and media management of the "bazar de la charite" fire. The genesis of the rescuers associations, their promotors and their political viewpoint untill the begining of the 20th century are described afterwards. Mutual aid associations between decorated rescuers, rescuing societies, first-aid workers and "athletic rescue" are characterized in fact by the promotion of virtuous behaviours. We conclude with the analysis of the failed passage of the legislation concerning the indemnization of injured rescuers. The general conclusion returns on the political reconstruction of "citizenship", which is shown by the various political uses of moral exemplarity

L'art planetaire est une forme d'art qui prend la terre dans sa dimension planetaire comme support de creation artistique. Il s'est developpe au xxeme siecle parallelement a la mondialisation des activites humaines et a l'emergence des technologies de telecommunication. Stephan barron decrit des oeuvres d'art planetaire realisees par d'autres artistes en depeignant la demarche des futuristes, de duchamp, des artistes conceptuels, de klein, de beuys, du land art, de roy ascott, de fred forest, etc. . . Il decrit egalement ses propres oeuvres entre 1986 a 1996, notamment thaon / new york (reactivation par satellite des cloisters de new york), orient express (transmission par modem d'image du trajet paris-budapest), traits (transmission par telecopie le long du meridien de greenwich), autoportrait (fleche indiquant la direction de l'artiste), les plantes de mon jardin (transmission de telecopies entre un microscopique jardin et prague), le bleu du ciel (moyenne telematique de la couleur des ciels de toulon et de tourcoing), le jour et la nuit (moyenne telematique des ciels d'australie et du bresil), ozone (installation telematique sonore utilisant les mesures d'ozone de la pollution a lille et celles du trou d'ozone a adelaide), eurotunnel (dispersion de bouees sur le trace du tunnel suivi par satellite), enfin l'elaboration d'un cd rom. Stephan barron insere ces oeuvres dans une reflexion autour de la technologie et de l'ecologie et etablit un parallele avec l'esthetique romantique. Il definit un romantisme techno-ecologique, mouvement des idees, de l'art, et de la societe qui associe la technologie et l'ecologie et appelle a une mutation anthropologique dans laquelle le pouvoir accru des technologies sur l'autre et sur la nature serait compense par un developpement de la conscience. L'effet sur le corps et la perception de ces nouvelles machines serait compense par une autre qualite de relation a soi. Le romantisme techno-ecologique serait l'ame de l'art planetaire
Earth art uses the planetary dimension of the earth as an artistic medium and was developed in this century as a corollary to the telecommunications revolution and to the globalization of all spheres of human activity. Stephan barron begis by describing the art and philosophy of the futurists, of duchamp, klein, beuys, roy ascott, fred forest concept art and land art as well. He then outlines his own earth art produced between 1986 to 1996, most notably thaon / new york ("reactivation" by satellite of the new york cloisters), orient express (transmission by modem of images taken between paris and budapest), the plants of my garden (fax transmission between a microscopic garden and prag), the blue of the sky (telematic averaging of the colour of the sky between the north and the south of france), night and day (telematic averaging of the australian and brasilian skies), ozone (telematic audio installation transforming ozone pollution measurement taken in lille and measurements from the hole in the ozone layer above adelaide), eurotunnel (buoys placed on the water's surface mark the course of the chunnel, are spread by the sea and monitored by satellite), finally the production of a cd rom. Barron examines these works in relation to technology and ecology and establishes a parallel with the romantic aesthetic. He defines a techno- ecological romanticism, as a philosophical, artistic and social movement that proposes an anthropological mutation in which the impact of technology on human beings and nature would be conterbalanced by the developpment of a new consciousness, and a modern interpretation of self-awareness. Techno- ecological romanticism is thus seen as the essence of earth art

Le "catéchisme en images" relève des arts visuels liés au sacré comme du manuel d’instruction chrétienne, tel qu’il s’est répandu dans la mouvance des Réformes, progressant avec les avancées de l’alphabétisation et la culture de l’écrit. En cela, il met en jeu une double économie de la transmission de la foi. Si les premiers catéchismes imprimés, ceux de Luther, du Concile de Trente ou de Canisius, reçurent très tôt des versions illustrées, celles-ci restèrent rares jusqu’au XIXe siècle. La vulgarisation de nouvelles techniques de reproduction comme les évolutions de la pédagogie et l’intérêt accru pour l’"enseignement par les yeux" favorisent alors la parution de séries de planches déclinées selon différents formats et supports (panneaux muraux, albums, vues pour projections lumineuses…) qui traduisent en images la totalité d’un "abrégé de la doctrine chrétienne". L’analyse veut éclairer la définition de ces objets mixtes, constitués de textes et de tableaux, par une approche croisée empruntant à l’histoire de l’image et de ses formes éditoriales comme à celle des pratiques et des sensibilités religieuses, ainsi qu’à l’histoire de l’art ou à la sémiologie, afin de préciser la spécificité d’un corpus bien distinct, dans son iconographie comme dans ses usages, de l’ensemble plus large des catéchismes illustrés ou des images de piété. L’étude, entre autres, de l’exemple du Grand Catéchisme de la Bonne Presse, retenu pour sa longévité (1884-1950) et sa très grande diffusion, y compris dans les missions (Canada, Chine, Inde…), met en évidence le dispositif mnémonique mis en place pour graver le souvenir de la leçon et le "musée imaginaire" de la foi composé par ces estampes. La comparaison avec d’autres albums permet enfin de cerner ce qu’était qu’"apprendre à être chrétien" à l’aide de ces grandes images et révèle les différentes conceptions de la relation de l’homme au monde et à l’au-delà que traduisent des partis pris iconographiques distincts
The catechism taught through pictures is part of both the visual arts being associated with the holy and the catechism manual as it became popular during the protestant and the catholic Reformation alongside advances in alphabetization and in the culture of the written. Thus, it enacted a transmission of the faith in two different ways. If the first printed catechisms of Luther, Canisius and the Concile de Trente were quite early enhanced by illustrations, examples such as these would remain scarce till the 19th century. The popularization of new means of reproduction, such as engraving or lithography, and the changes in pedagogy, in particular the increasing interest in the 'teaching by sight', favoured the production of series of engraved plates in various formats and with various supports (e. G. Wall-hangings, albums, slides for magic lanterns…) which intended to give a summary of the christian doctrine in all its aspects through the picture. This thesis analyses the definition of these 'mixed objects' which combine texts and pictures through an examination that blends art history, history of publishing, religious practice and semiology with the aim of pointing out the caracteristics of a corpus which differs in its uses and its iconography from the ordinary illustrated catechisms or the images of devotion. Amongst others, the study of the 'Grand Catéchisme en images' de la Maison de la Bonne Presse, with its longevity (1884-1950) and its large influence even abroad (in Canada, China and in India…) emphasizes the attempt to engrave the religious lesson and also the imaginary museum of the faith into human memory through pictures. Contrasts and comparisons with other types of albums allows us finally to understand what learning to be a Christian, through these images, was like, and also to distinguish the various conceptions of man’s relationship with society and with the divine which are shown through specific uses of iconography

La Normandie est extrêmement riche en graffiti marins, mais ces sources iconographiques n'ont jamais fait l'objet d'études synthétiques régionales. L'inventaire des graffiti normands permet de disposer d'un corpus de quelques 500 documents dates du 13e au 19e siècle. Les gravures figurent essentiellement des navires, mais aussi des éléments de navire (ancre, pavillon, greement, éperon) ou de navigation (balise), des animaux (poisson, oiseau de mer) et des inscriptions maritimes. Leur intérêt réside dans le fait qu'ils livrent des représentations de bâtiments des petites marines de pèche et de commerce pour lesquelles nos sources sont rares avant le 18e, tout en contribuant au renouvellement des sources iconographiques navales. La répartition des graffiti en Normandie calque les zones maritimes et fluviales. Ils sont omni présents sur les pierres calcaires et les plâtres des églises, châteaux et maisons traditionnelles. Malgré leur intérêt pour l'archéologie navale, les graffiti soulèvent de nombreux problèmes et en particulier pour leur détermination et leur datation. L'utilisation de la voilure comme fil conducteur de la typologie permet à la fois une sériation des données, leur détermination par le biais de comparaisons iconographiques et leur datation. Les graffiti de navires normands désignent des bâtiments de commerce et de cabotage. Les bateaux fluviaux sont rares
Normandy is extremely rich in ship graffiti, but we haven't any regional and synthetical studies about these iconographic sources. The inventory of Normand graffiti allows to have a corpus of some 500 documents dated from 13th to 19th centuries. The documents present essentialy ships, but also elements of ship (anchor, flag, rigging, head) or elements of navigation (sea-mark), animals (fisch, sea-bird), and maritime inscriptions. Their major value ist that graffiti give representations of boats of merchant navy and fisching navy, on which we haven't any iconographic source before the 18th century, and contribute to the repacement of naval iconographic material. The geographic repartition of ship graffiti follows the maritime and fluvial zones. They are omnipresent on the soft calcareous and plaster of the churchs, castles and traditionnal houses. In spite of their value for ship archaeology, graffiti pose a problem and particulary for determination and dating. The use of sails as leading thread allows at the same time a classification of ships graffiti, their typing according iconographic comparaisons, and their datation. Normand graffiti present merchant and coast ships. Barges are rare

Frederick Lemaître fut l'un des comédiens les plus populaires du boulevard du crime ; au XIXème siècle. Issu de la petite bourgeoisie normande, il accéda à la célébrité en 1823 grâce à sa création du rôle de Robert Macaire dans l'auberge des adrets, et joua presque sans interruption jusqu'à sa mort en 1876. Il fut l'interprète de Victor Hugo (Ruy Blas), de Dumas (Kean), de Lamartine (Toussaint Louverture), mais aussi de nombreux obscurs auteurs de mélodrames. Ses diverses tournées lui permirent de se faire connaitre et applaudir à travers toute la France ainsi qu'à Londres, Bruxelles et Genève. Il entretint au cours de sa carrière des liens très forts avec son public, qui le suivait d'un théâtre à un autre (de la porte Saint-Martin, où il joua le plus souvent à l'ambigu et même aux variétés ou aux folies dramatiques) et savait lui manifester tout aussi bruyamment son enthousiasme que sa désapprobation. Sa vie privée, dont le public était curieux, fut en grande partie dévoilée par la presse, d'autant plus que sa femme, comme la plupart de ses maitresses, fut également sa partenaire au théâtre. Peu à peu, une véritable légende se créa autour le lui, étayée par de nombreuses anecdotes rocambolesques, le présentant comme un débauche et un ivrogne qui battait ses maitresses et jetait l'argent par les fenêtres. Peu soucieux de donner un démenti à ces allégations, Frederick Lemaître semble même parfois s'être amusé à jouer son propre rôle en dehors de la scène. A l'inverse, il prit bien davantage à cœur de réfuter l'idée, reprise par plusieurs critiques, qu'il mettait un peu de Robert Macaire dans chacune de ses créations. En effet, en 1834, il avait participé à l'écriture et interprète une pièce qui reprenait le héros de l'auberge des adrets et en faisait un escroc de haut vol. Perçue comme une satire de la société, la pièce connut un énorme succès. Par la suite, malgré ses prouesses dans de multiples rôles très différents, ce personnage lui colla à la peau durant toute la fin de sa carrière et même au-delà
Frederick Lemaître was one of the most famous actors of the + boulevard du crime ; in the xixth century. He was born in normandy in a middle-class family. He became famous in 1823 thanks to his creation of the character of robert macaire in the auberge des adrets, and played almost without a break until he died in 1876. He has been the interpreter of Victor Hugo (Ruy Blas), of Dumas (Kean), of Lamartine (Toussaint Louverture), but also of numerous unknown authors of melodrama. His differents tours allowed him to be famous through the whole country and even in london, brussels and geneva. He had very strong links with his audience, who followed him from one theater to another (from the porte saint-martin where he played most of the time to the ambigu or even the varietes or the folies-dramatiques) and this audience used to applaud him as well as to boo him if they were displeased. The audience was also interrested in the actor's private life and newspapers published a lot of articles about it, all the more than his wife, like most of his mistresses were also frequently his main partners. Gradually a real legend was created around his personnality, presenting him as a debauched man, a drunkard who beat his lovers and wasted all his money. Frederick Lemaître seams to have taken pleasure sometimes in playing his own character out of the stage. On the contrary, Frederick seams to have taken to heart to dismiss the idea, spread by several critics, that he always played something of robert macaire whatever the play he performed. In fact, in 1834 he wrote a play which showed the character of robert macaire became a great swindler and performed it. The play was perceived as a satire of the society and was very successfull. From then, in spite of all his efforts in very different parts, this robert macaire stuck to him until his death and even after

Le but de cette thèse est de réfléchir sur la pensée morale et religieuse de Ch'oe Che-u,penseur coréen du XIXe siècle,auteur de 'Tongkyong taejon' et 'Yongdam yusa' et fondateur de la Science orientale,religion connue actuellement sous le nom de "Voie célésté". Du point de vue de l'histoire et de la philosophie de la religion,nous dégageons dans la première partie ce que les deux recueils doivent à la tradition coréenne et nous précisons en quoi ils la renouvellent. La seconde partie s'attache aux textes eux-mêmes ; elle en analyse les plus représentatifs,pour comprendre le mieux possible les intentions de l'écrivain. Dans la troisième partie,plus philosophique,nous étudions l'expérience religieuse de Ch'oe Che-u et sa doctrine qui constituent sa pensée morale et religieuse. Nous confrontons cette pensée avec celle d'H. Bergson,auteur des 'Deux sources de la morale et de la religion' dans sa double articulation entre "religion statique" et "religion dynamique". Grâce à l''expérience mystique de Ch'oe Che-u s'est élaboré le nouveau statut ontologique qui s'exprime dans le "moi éternel"
The purpose of our thesis is the study over the moral and religious thought of Ch'oe Che-u,a corean thinker in the 19th century ,who wrote 'Tongkyong taejon' and 'Yongdam yusa'. .

Dans quelle mesure la question de la ressemblance est-elle essentielle à la formation d'une esthétique de la photographie à l'ère de son invention? Quels en sont les enjeux à une époque où le nouveau médium expérimente une technique inédite dans le genre artistique du portrait? Nous partons de l'hypothèse que les premières épreuves photographiques se caractérisent par une dichotomie fondamentale entre un art de la représentation et un art de l'enregistrement. À cette époque, esthétique et technique sont étroitement liées et si les photographes se révèlent conscients des possibilités offertes par le nouveau médium, ils sont aussi continuellement confrontés à la tradition picturale. Notre approche cherche ainsi à croiser théorie et histoire, technique et esthétique dans le but d'examiner la construction de la ressemblance sous ses multiples aspects. Le portrait daguerréotype (1830-1855) matérialise la réflexion contemporaine sur la question de la ressemblance qui se présente construite autant qu'exacte. Le rôle crucial des détails dans la construction des portraits daguerréotypes nous a conduits à l'analyse des photographies et à l'étude des textes, de la production à la réception des images. La fonction paradoxale que ces détails exercent au sein des épreuves est symptomatique de la dualité de la ressemblance photographique, scindée entre un excès de précision et une extrême composition des images. La fonction du détail à l'intérieur de la composition des images, aléatoire ou participant à leur construction, ouvre une question plus vaste : celle du paradoxe de la représentation ressemblante et pourtant enregistrée.

L’Origine des espèces à partir d’un ascendant commun par sélection naturelle (1859) de Charles Darwin (1809-1882), a introduit l’évolution, le temps infini et l’histoire dans le destin de l’homme, proposé la découverte du merveilleux dans le réel, et inspiré d’abord les romanciers réalistes, puis le roman préhistorique, d’aventure et de science-fiction. L’évolution est illustrée scientifiquement par Haeckel, Kupka, Brehm et Gosse. Elle stimule en France l’anthropologie préhistorique ; on représente ancêtres et chaînons manquants parmi les objets de fouille minutieusement copiés. Elle autorise pour Degas et Cormon la fluidité des corps et Duranty l’identifie dans les artefacts humains depuis la haute antiquité. Odilon Redon, puis Jean Carriès, transforme avec une fausse naïveté la faune observée par Darwin en un bestiaire imaginaire. L’Allemagne assimile le darwinisme à Goethe et au romantisme et s’oriente vers l’anthropologie des mythes ; Klinger illustre la lutte pour la vie humaine et animale. Bientôt la veine réaliste s’épuise dans la représentation ; le désenchantement s’installe en Europe, traduit par le symbolisme en peinture et dans l’Art Nouveau. L’évolution (qui ne conduit pas nécessairement au progrès et certainement jamais à la perfection) s’y intègre. Böcklin, Moreau, la Sécession viennoise, voient dans l’évolution la parenté entre les êtres et l’énergie vitale sans pré-détermination. Bon goût, beau idéal et sens moral de John Ruskin, volent en éclat devant « l’esthétique physiologique » évolutionnaire selon Grant Allen. Pour les architectes, l’évolution est une nécessité qui accompagne le fonctionnalisme. Le débat sur l’évolution comme ‘élément culturel nouveau’ ou ‘contre-culture’ fut présent tout au long du XIXe. La science l’avait depuis longtemps acceptée
On the Origin of Species by means of natural selection (1859) by Charles Darwin (1809-1882), introduced evolution, endless time and history in species destiny, seaked wonder in reality, and first inspired realistic, then prehistoric, adventure and finally science-fiction novel. Evolution was scientifically illustrated by Haeckel, Kupka, Brehm and Gosse. It boosted in France prehistoric anthropology ; ancestors and missing links were accurately represented among archaeological findings. It enabled Degas and Cormon to deal with body fluidity, and Duranty identified it in human artefacts since the most ancient antiquity. Odilon Redon, followed by Jean Carriès, shifted, with false ingenuity, the animalia observed by Darwin into an imaginary bestiary. Germany assimilated darwinism with Goethe and romanticism, and focused on myths anthropology ; Klinger illustrated human and animal struggle for life. Soon, the realistic vein in paintings and sculpture vanished; disenchantment settled in Europe, expressed by symbolism in painting and in Art Nouveau. Evolution (which does not necessarily lead to progress and certainly never to perfection) merges into then. In evolution, Böcklin, Moreau, as well as Viennese Secession, contemplate kindred beings and non-teleological vital energy. John Ruskin’s taste, ideal of beauty and moral sense, explode in front of evolutionnary « physiological aesthetics » according to Grant Allen. As to the architects, evolution was a pre-requisite, which accompanied functionalism. Debate on evolution as a ‘new cultural fact’ versus ‘a counter-culture’ was present along the whole second half of XIXth century. Science had, since long, accepted it

Cette étude concerne les multiples innovations artistiques et philosophiques menées par les premiers romantiques allemands au sein de l'Athenaeum, premier groupe d'avant-garde moderne, tant en littérature qu'en arts plastiques. L'exigence d'introduire l'art moderne dans le concept de Bildung représente une étape cruciale, tout comme la question de l'expérimentation, et de l'autonomie de l'œuvre. Le refus durable de promouvoir l'art moderne, et les raisons de ce rejet en France (centralisme fort, mais aussi refus de la pédagogie), sont explicitées, ainsi que le retard dans les recherches muséographiques et didactiques menées par les musées. Cas exceptionnel du musée de Grenoble. En Allemagne, les grandes étapes menant à la victoire, durant trente années (1903-1933), de l'art moderne sur l'art académique, sont analysées : premier romantisme, ouverture des Kunstvereine et Kunsthallen sur tout le territoire, combat des Sécessions, et enfin, soutien d'une importante scène muséale (quarante musées) non centralisée, en particulier le Kronprinzenpalais, premier musée d'art moderne, inconnu en France. La recherche révèlera l'impact des innovations : évolution du concept de Bildung, réforme des musées d'un point de vue didactique et scénographique, importance des expositions temporaires et de leur circulation, élargissement considérable du champ de l'art
This research concerns the many multiple artistic ans philosophical innovations produced by the early german Romanticism inside of the Athenaeum cercle, first avant-gardist group of modern art, in the fields of literature and visual arts. The exigence to introduice modern art in the concept of education (Bildung) represents a crucial step, as well as the question of experimentation, and the autonomy of the work. The long-lasting refusal to promote modern art in France, and the reasons of this reject (strong centralism, but also denegation of teaching skills), are explained, as well as the lateness in a lot of museographic and didactic, by museums done, investigations. Exceptional case of the museum in Grenoble. In Germany, the most important steps reaching, during thirty years (1903-1933), at the victory of modern art on the academic art, are analysed : early Romanticism, opening of art-unions on the whole territory, fighting of Secessions, and, finally, the support of an important and non centralized museal scene (more than 40 museums), especially the Kronprinzenpalais, first museum of modern art, unknown in France. The research reveals the impact of all these innovations : evolution of the concept of Bildung, museums reform concerning didactic and scenographic aims, importance of temporary exhibitions and their movement, significant widening of the field of art

Entre 1814 et 1873, peinture et societe sont confrontes en espagne a la meme problematique, affirmer leur identite sur une scene internationale ou nations et ecoles nationales d'art doivent prouver leur unite. Leur pays erige en mythe romantique, les espagnols ne se reconnaissent pas dans les images stereotypees qu'on leur renvoie d'eux-memes, ni dans ce champ de bataille, ou s'entrechoquent les ideologies politiques les plus extremes, qui se deploie sur son territoire, contradictions que nous explorons. Ils ne cessent d'interroger leurs reflets en commandant a madrazo, esquivel, becquer, rosales etc. Leurs portraits, pratique jugee indigne par le monde de l'art ou regne la peinture d'histoire. Les paradoxes que souleve l'etude des liens entre portraitistes et modeles vont remettre en cause les conventions de l'histoire de l'art, mais leur contrat fonde sur une communaute d'interets se revelera un marche de dupes. Ni marchandise, ni instrument de seduction ou de propagande, le portrait doit se liberer du contexte, s'affranchir de l'obligation de ressemblance, et du detail narratif. Le principe de la noblesse du sujet est ecarte au profit d'une peinture du present, par nature ephemere, mais dont l'universalite permet d'acceder a l'eternite. Tous les elements constitutifs du portrait -releves dans une typologie- sont mis en jeu pour y contribuer. Le costume ne sera ni pittoresque, ni historique. Le decor disparait peu a peu au profit de la matiere picturale, qui definit davantage le portraitiste que son modele, auquel echappe peu a peu la representation de son individualite, et dont la perte d'identite est precipitee. Les portraits royaux sont l'illustration de leur grandeur manquee; les autoportraits revelent la nature des enjeux, non pas l'environnement social, mais l'autorite d'un langage pictural. La societe est dissoute dans la creation artistique, seul signe perceptible, qui traitera, par-dela les amateurs de couleur locale et les aspirations des modeles, avec l'eternite
During the period 1814-1873 painting and society in spain face the same problem: to affirm their identity on an international scene where nations and national art schools each must prove their unity. With their country elevated into a romantic myth, the spanish people do not recognize themselves in the stereotypical images reflected upon them, nor in the battles waged on their territory between the most diverse political ideologies. In this thesis we explore these contradictions. They tirelessly question the reflections of their portraits painted by madrazo, esquivel, becquer, rosales, etc. Historical painting dominating the art world, portraiture is judged unbecoming. The paradoxes revealed by the study of the links between painter and model will question the conventions of art history. Furthermore, their contract based on a commonality of interest will reveal to be a fraud. Neither merchandise, nor instrument of seduction or propaganda, a portrait must free itself from context, from an obligation of resemblance, and of narrative detail. The principle of the nobility of subject makes way for a desire to paint the present, by nature ephemeral, but which through its universality also represents eternity. All the constituent parts of the portrait, here presented in a typology, are called on to contribute to this purpose. The costume will be neither picturesque, nor historical. The decor disappears slowly in favor of the pictorial matter which defines the artist rather than his model. The representation of the latter's individuality gradually defuses, his loss of identity is in fact precipitated. The royal portraits illustrate their missing greatness. Self-portraits reveal not the social environment, but the authority of the pictorial language. Society is being dissolved in artistic creation which, beyond the amateurs of local color and the aspiration of the models, remains the only perceptible link with eternity

Étude des grandes sociétés chantantes (le caveau, la lice chansonnière), lieux de sociabilité masculine au XIXeme siècle: les rituels conviviaux sont organisés autour de l'épicurisme (rire, boire, manger). Les rapports tendus avec le café-concert et le souci de moralisation de la chanson coexistent avec une obsession du discours sexuel (grivoiserie). L'étude de l'écriture des chansons, produites au sein du groupe mais individuellement révèle la constance d'un style néoclassique ou néoromantiques, sans invention, trace logorrhéenne d'un intense besoin de tracer des vers
A study of the great singing societies (le caveau, la lice chansonniere), 19th century facilities for males "meetings: convivial rituals revolue around epicurianism (laughing, drinking, eating). Tense relationships with "café-concert" and the need to moralize song are to be found together with an obsession to talk about sex (saucy stories). The study of the writing of songs produced within a group, but by individuals, shows the enduring nature of a neo - classical or neo - romantic style, totally lacking in inventiveness logorrhoean remnant of an intense need to write verses

Cette étude en deux parties vise à la fois à contribuer au débat théorique sur l'architecture du 19e siècle, et à présenter des recherches fondamentales sur les gares parisiennes de cette période. La première partie examine la notion de style en générale, et en particulier "l'éclectisme pittoresque", défini en 1956 par rapport à la gare comme bâtiment-type. Ces notions se révèlent être d'une application difficile. Cependant, étudier les gares de chemins de fer par rapport à l'esthétique pittoresque nous permet de les percevoir de façon enrichie. Une considération des divers types de polychromie architecturale de l'époque, et un examen des moyens expressifs des gares parisiennes - notamment leur ornementation - remet en question l'opposition faite si souvent aujourd'hui entre façades "académiques" et halles "fonctionnelles" ou "progressistes". Ces dernières n'ayant vraisemblablement pas de fonction technique, il est suggéré que leur rôle était expressif et esthétique. Les effets de lumière qu'elles créaient - saisis, par exemple, par Claude Monet dans sa série de vues de la gare Saint-Lazare de 1877 - sont comparés à ceux des verrières colorées qui caractérisaient un temps l'architecture commerciale. C'est la deuxième partie de l'étude qui propose une recherche de fond sur les gares parisiennes. Des sources archivables et imprimées sont confrontées pour déterminer la chronologie des sept sites traités. Les constructions successives font que l'étude comprend 14 édifices ; mais ces ensembles étant restés normalement en exploitation ininterrompue depuis leurs débuts, il est parfois difficile de différencier entre un "réaménagement transformation" et une construction nouvelle. L'envergure des architectes recrutes, et leur rôle vis à vis des ingénieurs dans la conception de ces ensembles, varient selon les compagnies ainsi que selon les époques. Des orientations pour des recherches futures sont proposées

Après l'Indépendance, les élites éclairées vénézuéliennes doivent assumer la mise en forme des bases juridiques et politiques du nouvel Etat. Les anciennes conduites étant, d'après les nouvelles valeurs, assimilées à la barbarie, il s'agit de modeler le citoyen de l'avenir. D'où l'apparition de textes para-littéraires chargés de fixer une autre sensibilité. Connus comme "manuels d'urbanité", souvent réédités au XIXe siècle, ces ouvrages traitent de l'hygiène du corps et de la langue des citoyens, prônent le respect des hiérarchies et contrôlent la communication entre les genres. Le plus important est le livre de Manuel Antonio Carreño, qui réactive les principales valeurs de la pensée chrétienne en rapport avec la sexualité des individus. Bien que le mot de sexualité ne figure pas chez Carreño, nous montrons que, dans la construction du citoyen de la nouvelle république, les codes de la courtoisie sont une excuse efficace pour réguler les pulsions sexuelles les plus élémentaires et les inscrire dans l'institution conjugale, afin d'assurer le progrès et l'ordre et de promouvoir toutes les valeurs de la civilisation
After gaining independence from Spain, Venezuelan upper classes had to establish the theoretical basis of the new republic, as well as elaborate the new legal and political foundations. Also the character of the citizenship should be shaped according to the new values, since the old ones were considered barbarian. In this context appeared a number of writings which were committed to the task of forming the new sensibilities. Known as "manuals to be urbane", they were meant to sanitize the ways of using the body and the language of individuals, as well as ratifying the due respect to hierarchy and regulate the contact between genders. Within this writings stands out the "Manual de Urbanidad" by Manuel Antonio Carreño, who presents an interpretation of Christian thinking related to sexuality. In spite that the term sexuality does not appear in the manual, our analysis show that, in the effort to mold the citizen of the new republic, the argument in behalf of good manners is used by Carreño to put order in the primary sexual drive of individuals, restricting them to exercise it only within the confines of legitimate marriage, in behalf of the values of a civilized society

La première industrialisation, au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, s’est appuyée sur « la révolution des consommateurs » : une consommation et une circulation accrue de tous les objets du quotidien que sont tissus, dentelles, tapisseries, faïences, papiers peints, vaisselle… Le désir d’acheter et de posséder des biens autres que ceux qui permettent la simple survie conduit ainsi à une affirmation des phénomènes de mode, impliquant pour les producteurs la nécessité de prendre en compte le goût changeant des consommateurs et la diversification de leurs consommations. La course à la novation pour séduire la clientèle devient un enjeu majeur pour les manufacturiers. Le dessinateur occupe une place essentielle dans cette compétition, puisque la première phase du processus de production, avant celle de la fabrication et de la commercialisation, est celle de la création, du design du produit.Ce travail interroge le statut de cette main-d’œuvre qualifiée, détentrice d’un savoir-faire peu formalisé durant le XVIIIe siècle, mais qui tend à une lente institutionnalisation, dont nous examinons les rythmes jusqu’à l’émergence et la codification de la profession. L’œuvre et l’auteur étant des entités indissociables, il s’agit de questionner le statut du dessinateur-auteur au sein du processus de production collectif et industriel, et non singulier et artistique. Rarement étudiée, la place des femmes dans le monde manufacturier doit aussi être analysée. De plus, il convient de faire le deuil des taxinomies sociales ordinaires et en particulier des oppositions binaires figées : art/industrie, artiste/artisan, art libéral/art mécanique, mais aussi dessin de figure/dessin linéaire
The first industrialization rested on what recent historiography calls “the revolution of the consumers”: a consumption and an increased circulation of all the objects of the daily life which are fabrics, laces, tapestries, earthenware, wallpapers, crockery… The desire to buy and have other goods than those which allow simple survival led thus to an assertion of the phenomena of fashion, implying for the producers the need for taking into account the changing taste of the consumers and the diversification of their consumption. The race to novation to allure the customers becomes a major stake for the manufacturers. The draughtsman occupies an essential place in this competition, since the first phase of the production process, before that of manufacturing and of marketing, is that of creation, the design of the product. This study thus aims at questioning the statute of this very qualified worker, holder of a know-how ; still little formalized in the second half of the 18th century, this know-how tends to show a slow institutionalization, of which we will examine the rhythms until the emergence and the coding of the profession. Work and its author being indissociable entities, we will question the statute of the draughtsman-author within the production process which is collective and industrial, nonsingular and artistic. Seldom studied, the place of the women in the manufacturing world must also be analyzed. Moreover, it is advisable to live behind us ordinary social taxonomies and in particular the fixed binary oppositions: art/industry, artist/craftsman, liberal art/mechanical art, but also drawing of linear figure/drawing

@Entre 1794 et 1811, les gouvernements successifs de la France ont soumis les Etats d'Europe à plusieurs campagnes de saisies d'"oeuvres d'art et de sciences". Légitimée par une doctrine selon laquelle les oeuvres d'art, fruit du génie de la liberté, doivent retourner au pays de la liberté (c'est-à-dire la France), cette politique d'appropriation a suscité d'importants flux d'objets culturels (tableaux, sculptures, manuscrits, incunables précieux etc. ) entre les pays lésés et la France. Réunis dans leur grande majorité à Paris, entre musée du Louvre et Bibliothèque nationale, la plupart de ces objets ont été restitués à leurs propriétaires légitimes après la chûte de l'Empire (1814/15). Le présent volume s'est donné pour objectif d'éclairer les modalités et les effets des saisies pratiquées par la France dans le domaine allemand. . .

Durant la seconde moitié du 19ème siècle, les officiers français ont tenu une place assez importante dans l'histoire de l'archéologie. Spécialisés dans la rédaction de rapports de fouilles, ils ont étudié en priorité les vestiges de l'Afrique romaine. Leur contribution scientifique, tant sur le plan documentaire que sur le plan méthodologique, a été particulièrement remarquable pour ce qui touche à la constitution du corpus archéologique de l'époque romaine. Aussi, l'analyse détaillée de leurs travaux permet-elle d'aborder quelques aspects marquants des développements de l'archéologie à cette époque. Trois points sont successivement présentés dans cette étude : d'abord, les motivations des officiers archéologues ; ensuite, les moyens mis en place par l'armée pour organiser les fouilles ; enfin, les différents éléments qui composent la démarche scientifique de ces fouilleurs occasionnels. La dernière partie de premier volume replace l'activité archéologique de l'armée dans le contexte plus général de l'archéologie et de la Francedurant la même période. Quant au second volume, il regroupe une abondante bibliographie composée du répertoire des publications archéologiques militaires qui ont été recensées entre 1830 et 1914 et de documents généraux traitant de l'histoire de l'archéologie, de l'organisation de l'armée et de l'histoire du 19ème siècle. Quelques annexes terminent l'ouvrage, parmi lesquelles on remarque les notices biographiques d'une dizaine d'officiers dont l'activité archéologique paraît avoir été plus marquante que pour les autres membres de l'encadrement militaire
During the second half in the 19th century, french officers playede a very important role in the history of archaeology. Specialized in writting excavations reports, they chose to study the vestiges of Roman Africa. Their scientific contribution, as well as their mark made on research and methodology of the Roman period, is particularly significant. Tha analysis of their work permits us to mesure the development of archaeology during this period. Three principal issues are examined in this study. First of all, the motivation of the officers ; secondly, the means disposed of by the army for the organization of excavations ; and finally, the different elements which composed the scientific approach of these amayeur archaeologists. The last part of the first volume examines the archaeological activity of the army in larger context comparing it to the work done in France during the same period. The second volume regroups the abundant bibliography of archaeological publications written by the military between the years of 1830 and 1914 and documents treating of the history of archaeology, the organization of the army and the history of the 19th century. Furthermore, this study includes several annexes pertaining to the officers who were outstanding for their contribution

On attribue souvent aux œuvres des peintres Albert Bierstadt et Thomas Moran et des photographes Carleton Watkins et William H. Jackson un impact certain sur la création des parcs nationaux de Yosemite et Yellowstone. Plutôt que de rechercher des preuves de leur influence sur les hommes politiques – preuves qui se révèlent ténues et appartiennent plus à la légende qu’à la réalité – cette thèse se propose d’étudier comment la représentation du paysage a pu progressivement, au cours de la période 1820-1890, façonner les esprits américains au point qu’ils puissent admirer cette nature sauvage qu’ils redoutaient depuis longtemps et en venir à prôner ou à accepter qu’on la préserve. Dans une première partie, nous aborderons l’évolution de l’image de la nature et de l’art depuis l’arrivée des premiers colons et leurs destins croisés. Dans la seconde partie, nous nous intéresserons aux facteurs qui firent des artistes des pionniers de l’esthétique et de la préservation, les envoyant en mission d’exploration pour étudier les éléments naturels et recréer les scènes observées. Puis nous analyserons les écrits de certains artistes où transparaît une sensibilité écologique précoce et les actions concrètes de ceux qui luttèrent pour préserver certains sites. Enfin, dans la troisième partie, nous examinerons les innovations technologiques ou artistiques et l’adaptation des traditions picturales européennes qui favorisèrent l’appropriation visuelle de la nature : panorama et stéréographie, alliance de la vision de loin et de haut et de la précision télescopique ou pastoralisation par une présence humaine, animale ou par l’alliance du sublime et du beau
The works of painters Albert Bierstadt and Thomas Moran and photographers Carleton Watkins and William H. Jackson are often credited with having been instrumental in the creation of the Yosemite and Yellowstone National Parks. Rather than look for evidence of their influence on politicians – evidence which turns out to be flimsy and the stuff of legend more than reality –this dissertation aims to study how landscape representation between 1820 and 1890 progressively shaped American mentalities so that people came to admire the wilderness they had dreaded for a long time and to advocate or accept its preservation. In the first part we will deal with the evolution of the image of nature and art since the arrival of the first settlers and their shared destinies. In the second part, we will look at how artists were made into aesthetic and environmental pioneers, sent on a mission of exploration to study the elements of nature thoroughly and recreate the scenes they had observed. Then we will analyze the writings of some artists which show a precocious ecological sensitivity and the concrete actions of those who fought for the preservation of certain sites. Finally, in the third part, we will examine the technological or artistic innovations and the adaptation of European pictorial conventions that favored the visual appropriation of nature : the panorama and the stereography, elevated vision from a distance and telescopic precision, as well as its pastoralization by human, animal presence or by the union of the sublime and the beautiful

Entre 1846 et 1884, la maison Goupil fut l'une des galeries d'art françaises les réputées. Elle a développé ses affaires autour du commerce d'estampes, de peintures, de pastels, de sculptures et de dessins d'artistes pour la plupart contemporains, européens et de style académique. La stratégie mercantile de la société s'appuie principalement sur un réseau de succursales et de comptoirs établis dans les grandes capitales: La Haye, New York, Bruxelles, Berlin et Londrès. William Schaus et ultérieurement Michael Knoedler ont développé un marché en Amérique, et Vincent Van Gogh (oncle Cent) a consolidé les relations entre les Pays-Bas et Paris. En parallèle, la société participe aux manifestations internationales marquantes de l'époque comme les Expositions universelles. La réussite de la maison Goupil est évidente. Ce processus général d'internationalisation a permis le renouvèlement de la clientèle et des artistes et garanti la pérennité du nom « Goupil» dans l'histoire et l'histoire de l'art. De nombreuses œuvres conservées dans les musées internationaux proviennent de son stock. Cette thèse analyse les livres d'inventaire qui répertorient les transactions de la galerie de peintures parisienne qui sont devenus une source fondamentale pour la connaissance du marché de l'art au XIXe siècle et l'histoire du collectionnisme et du goût.

Le but de cette recherche est de montrer comment le roman du XIXè siècle, romantique d'abord, ensuite réaliste et enfin décadent, est capable de représenter les changements sociaux et culturels d'une époque à travers ses personnages et en comparant les images décrites dans les romans et celles peintes des peintres européens contemporains aux écrivains. On veut montrer la continuité thématique et la réciproque influence, parmi les deux arts apparemment si différents. Cette étude inter artes est le résultat d'une recherche de type thématique, le constant duquel est le personnage "lecteur". On a examiné le roman du XIXè siècle européen, le siècle du roman et des grandes Expositions, conçues comme un témoignage au monde non seulement par des progrès technologiques mais aussi artistiques des différentes nations. On a décliné, donc, la figure du lecteur, avec ses différents nuances selon la période historique d'appartenance, le niveau social, le lieu dans lequel il vit, le sexe et l'âge. Le but de cette recherche est l'étude du personnage qui lit par intérêt, par passion, qui se "plonge" dans le texte, qui s'abandonne en risquant de s'y perdre comme Emma Bovary, qui lit des romans d'amour en s'identifiant aux protagonistes au point à ne plus réussir à distinguer la réalité de la fantaisie, en arrivant au suicide. A travers une comparaison continuée entre roman et oeuvre picturale et une analyse approfondie socio-historique de la période, on a pu montrer que l'image décrite ou peinte du lecteur est prépondérante dans l'Europe du XIXè siècle
The aim of this research is to show the way how the European nineteenth century novel could be able to represent the social and cultural changes of a time both through its characters and the comparison between the images depicted in the novels and those ones portrayed by the painters. Therefore, the thematic continuity and the mutual influence between the two arts will be demonstrated. This inter artes research is the result of a thematic type study whose constant is the "character as a reader", who makes his appearance in literature when reading becomes relevant as a social practice as well. The interest here is focused on the character who uses to read as a passion, who plunges himself into the text, and completely abandoning himself to it almost to be likely to get lost. The "character as a reader" is there in many literary masterpieces, and only with a careful and accurate study among the classics of Italian, French, Russian and English literature it has been possible to make a selection and have a homogeneous corpus. Even though in the 800s is the usually less considered figure of the woman reader as the love novelette consumer who stands out, and girls are seen having their heads full of silliness by those kind of novels -instead of reading the Bible and the Sacred Texts - it will eventually emerge the real meaning of their readings : not only women read because of their love for culture, but also to learn, to know, in spite of the role the 800s society has relegated them to. It is considerable the predominant presence of women in the act of reading in paintings, as well. All in all, through a continuous comparison between the novel and the pictorial work and a deep socio-historical analysis of the period, the written and painted image of the reader has been demonstrated as prevailing in the European eighteenth century

Ce travail vise à tracer un parallèle entre le symbolisme pictural en Russie et en France dans les années 1890-1910. Il débute avec une synthèse des sources de connaissances (collections, expositions, revues), un résumé des échanges directs (voyages d'artistes, contacts, collaboration) et une étude de la fortune critique de quelques peintres français (Moreau, Puvis de Chavannes, Carrière, Redon, Gauguin, Denis et les Nabis, les représentants du symbolisme idéaliste). A la partie documentaire succède une analyse des oeuvres de divers artistes symbolistes russes qui a pour objectif de déceler l'apport français, tout en indiquant la présence d'autres sources. Le cercle d'Abramtsevo, "Le Monde de l'Art", les grands maîtres solitaires (Vroubel, Borissov-Moussatov, Ciurlionis), le groupe de "La Rose Bleue" ainsi que les préfigurateurs de l'art du XXe siècle (Petrov-Vodkine, Malévitch, Kandisky) - tels sont les phénomènes mis en rapport avec le symbolisme français
This work aims to trace a parallel between the pictorial Symbolism in Russia and in France during the years 1890s-1910s. It starts with a synthesis of the sources of knowledge (collections, exhibitions, periodicals), a summery of direct exchanges (artist's trips, contacts, collaboration) and a study of the critical fortune of several French painters (Moreau, Puvis de Chavannes, Carriere, Redon, Gauguin, Denis and the Nabis, the representatives of the idealist symbolism). After this documentary part follows an analysis of works of different Russian symbolist artists which have as a goal to detect the French contribution indicating at the same time the presence of other sources. The Abramtsevo circle, "The wold of art" group, the great solitary masters (Vroubel, Borrisov-Moussatov, Ciurlionis), the "The Blue Rose" group and the heralds of the XXth century art (Petrov-Vodkine, Malevitch, Kandisky)-these are the phenomena compared to the French Symbolism

Au XIXe siècle, le Chili adopte le régime républicain sous l'égide de l'État-nation. Quel rôle ont joué les arts dans la consolidation de ce modèle politique ? Comment les modèles esthétiques européens, notamment français, eux-mêmes conçus comme une légitimation de l'État et de ses élites, ont-ils été adaptés aux conditions locales ? Pour ce travail de recherche, notre hypothèse consiste à supposer que toute nation politique est aussi une construction culturelle et que son élaboration se manifeste à travers diverses formes d'expression artistique et littéraire dès lors que celles-ci sont particulièrement contrôlées par l'État. Dans le cas du Chili, on observe par exemple, que la présence relativement hégémonique d'un style religieux traditionnel proche du baroque s'est conjuguée avec le développement d'un imaginaire laïque, séculaire, voire nationaliste. Notre hypothèse établit alors un fil fédérateur dans l'analyse des arts visuels, et leur mise à disposition des institutions de l'État en vue de la consolidation du nouveau régime politique. Cette hypothèse signale que, si toute nation est une construction culturelle, le processus de sa construction a dû se manifester dans le maillage des différentes formes artistiques, notamment celles les plus surveillées et contrôlées par l'État. Alors, si la suprématie d'une conception mystique du monde dans l'imaginaire culturel de la période coloniale (XVIe-XIXe siècles) s'est reflétée dans l'hégémonie de la peinture hagiographique et de la sculpture sur bois, la prépondérance d'un imaginaire laïque, séculaire de type nationaliste, devrait avoir laissé son empreinte en se façonnant au service de la propagation d'une iconographie d'ordre nationaliste qui serait principalement de type historiciste et commémorative, appuyée d'abord par les formes du néo-classicisme, puis articulée sur les fondements de l'académie. L'analyse historique qualitative, appuyée sur une série temporaire de variantes, en employant une méthode de comparaison et de fréquence quantitative des flux iconographiques issus des projets officiels politiques (les commandes d'État aux artistes arrivés au Chili dès 1822, la fondation de l'Académie Nationale des Beaux-Arts en 1849, l'inauguration de l'École Nationale de Sculpture et d'Arts et Métiers en 1852 ainsi que la mise en place des Salons en 1884), devrait permettre la reconstruction du processus d'édification d'un imaginaire de type national au Chili. De même, ses caractéristiques les plus significatives permettraient, à leur tour, de détecter les conceptions formulées en tant qu'expérience artistique. À travers la presse, au Chili comme dans les autres pays du continent, les classes dirigeantes ont éveillé le peuple à la poésie, et par l'exaltation des traditions folkloriques propres à la nation, à une conscience du passé historique de la patrie. Comme il était nécessaire de développer un sentiment d'unité et d'identité à l'intérieur du territoire, ces mêmes dirigeants ont cherché à légitimer leur statut en prenant une part active dans le mécénat et le contrôle de la production artistique. La création d'une iconographie nationale a été le point de départ d'une grande campagne idéologique visant à transformer les intérêts de la collectivité bureaucratique en traditions d'ordre politique et culturel. Les portraits de l'élite se sont articulés comme des images intermédiaires entre les dirigeantes et la classe populaire. Ils ont associé l'exaltation de la patrie à travers l'identification de ces personnages qui en même temps constituaient une allégorie des nouvelles valeurs civiques. A travers ces effigies, le peuple devait s'identifier lui-même puis identifier les valeurs suprêmes de l'identité qui lui appartenait. Ces personnages (les pères de la Patrie) se sont installés comme les authentiques héritiers d'un passé commun ouvert au futur à partir d'une chilennité sur laquelle reposait le culte républicain. De même, le paysage devait accomplir la fonction d'enregistrer et de documenter les territoires et les habitants de la nouvelle nation. La problématique soulevée par cette hypothèse laisse ouverte une série d'interrogations nécessaires pour comprendre l'impact du discours politique sur le panorama de la vie artistique et culturelle du pays : d'où provient le mythe national ? Comment est-il né et comment se transforme t-il en justification du nationalisme ? Comment le paysage culturel et intellectuel chilien a-t-il été affecté par ces évolutions ? Dans quelle mesure y a t-il eu au Chili une tradition artistique, du moins au sens européen du terme ? À quel point l'iconologie, dite républicaine, est-elle permanente (ou perméable) dans le destin des arts visuels ? Nous voulons ici que le terme de nationalisme ne s'emploie pas dans un sens strictement idéologique mais davantage sur une idée plus large, plus proche du sentiment ou du mythe. Cette thèse vise à étudier plus précisément un type d'élément qui dessine un espace parallèlement à ses frontières : les réseaux qui construisent l'espace de l'État et les routes symboliques qui le traversent, permettant de créer une culture commune. Le XIXe siècle au Chili, étroitement lié à l’idéologie issue du siècle des Lumières, codifie un mythe moderne à partir de trois axes fondamentaux : a) L'esprit fondateur, socle sur lequel la République s’est consolidée, à partir de la culture politique des élites dirigeantes. Il faut rappeler qu'à la fin du XVIIIe siècle, le Chili ne possédait ni unité sociale ni unité culturelle et que la notion même de « Chili » en tant que pays n'était comprise que comme une simple désignation géographique faisant allusion à Santiago. B) L’établissement d’une « religion civile » (près de ses mythes, de ses héros et de ses pères fondateurs), en opposition à l’idée inaccomplie du rite, le concept d'identité étant encore diffus et instable. Nous parlons d'un État séculier et par conséquent, d'un projet civilisateur fondé sur les valeurs de la laïcité, d'un discours élaboré par rapport au pouvoir central, et en même temps appuyé sur la religion catholique. Si malgré la Révolution de 1789, pour certains, la France continuait d'être la fille ainée de l'église, le Chili, à travers son culte marial, s'est discrètement identifié comme la République bien-aimée de Notre-Dame du Mont-Carmel. C) La recherche de la légitimité, non seulement celle de la terre, mais aussi celle d’autres formes intermédiaires de contraintes et de dominations, recherche qui tente de marquer la transition d'un chaos primitif à un ordre fondateur. Par là-même, doit se tisser le discours d’une « tradition commune » qui aurait ses racines au-dessus du pacte colonial, ou au contraire, qui mettrait en question les réseaux du pacte néo-colonial dans lequel le symptôme de l’impérialisme et la nécessité des marchés pour la croissance industrielle sont un exemple de la manière avec laquelle naît un pays, malgré le contexte mais aussi grâce à lui. Privilégiant une méthode de classement générationnel (analyse des qualités formelles, symboles et motifs, histoire de leur création, aspects biographiques,. . . ), les histoires de l'art du Chili républicain ont été conçues à partir des biographies d'artistes locaux et aussi étrangers, ayant participé à la construction d'un imaginaire proprement chilien. Cet imaginaire était principalement inspiré par la devise du naturalisme scientifique et le positivisme, puis par le romantisme et le sentiment du national. Le fonctionnement d'un critère identitaire, élaboré sur la notion de race (critère de spiritualité ou d'expression d'une « conscience » chilienne) et ses compléments iconographiques, est pressenti comme la base de la grande entreprise apologiste du discours de l'art instrumentalisé au service d'une cause nationale. À l'intérieur de la problématique de l'art national existent plusieurs conjonctures qui doivent être abordées pour élargir le domaine de réflexion sur l'identité et les engagements de l'art à partir d'une vision ethnique. Nous croyons que la richesse de cette réflexion se trouverait dans le dialogue avec l'altérité de la production plastique chilienne, c'est à dire, que l'examen de l'histoire de l'art ne doit pas rester coincé sous une interprétation exclusivement plastique (où les artistes deviennent des héros et leurs biographies des récits fondateurs de l'histoire de l'art locale), ni écrit sur le formalisme pur et exclusif d'un inventaire ou d'un catalogue. Cet examen doit plutôt se répandre dans un sens large qui permettrait de soulever de nombreux problèmes relatifs à son identité propre et à celle de l'autre, ainsi qu'au devenir. La fondation de l'Académie Nationale de Peinture (1849) apparaît tel un résultat cohérent du projet civilisateur de la nation, s'installant comme moment fondateur et comme la matrice discursive d'un art chilien. Sa synchronie esthétique et spirituelle avec la culture européenne ne devrait pas se situer ici à l'image de l'expurgation d'une reprochable mimesis ou comme un acte privatif de l'élite chilienne. La mise en place de cette organisation découle d'un projet majeur qui s'achève avec la création du musée des Beaux-Arts, inauguré à Santiago le 18 septembre 1880. C'est ainsi qu'au Chili se sont structurées les principales institutions qui ont légitimé la production artistique : l'académie, le musée et les salons. Le concept du musée fonctionnera ici en analogie à l'idéal républicain du Louvre : il devient l'espace propre de l'État où s'enregistre l'histoire républicaine qui permet également la démocratisation des arts, c'est à dire, qui donne à la citoyenneté le droit moral de participer à l'appréciation du patrimoine artistique, même si ce patrimoine est souvent incompréhensible avec ses codes inconnus, trop loin du quotidien de la grande majorité de la population.

De balzac a proust, les personnages de peintre composent une histoire romanesque de l'art originale qui illustre la relation entre l'homme et le reel. Ce pastiche, considere comme les effets esthetiques, se developpe, empruntant son plan a la comedie humaine, en une tragedie qui efinit les principes et les causes sociaux, physiologiques et philosophiques, regissant le heros et son oeuvre. Guidee par l'hypothese du role essentiel de la peinture dans l'evolution de la perception et de la creation, la comparaison entre la fiction et la realite propose une somme des influences de l'expression picturale sur l'expression litteraire, de celles, reciproques, de ce personnage particulier de roman en roman et sur son propre createur, peignant le rapport du percu et du rendu, de l'ecrit et du lecteur
The painter's figures from balzac to proust compose an original romantic art history showing the relationship between man and reality. Looked on aesthetic effects, this pastiche, from a composition borrowed to la comedie humaine, spreads out a tragedy, firming social, physiological and philosophical principles and causes, rules for the hero as for his art work. The hypothesis relies on the increasing part of painting as essential element in the evolvement of perception and creation. The comparaison between fiction and reality offers a summary of the influences of the pictural expression upon the litterary one, those reciprocal of this peculiar hero, from a fiction to another one, on his own creator, defining the connection between the thing perceived and expressed, the writing and the reader

Cette thèse porte sur la configuration visuelle de la Cordillère des Andes dans la culture et l'histoire de l'art de l'Argentine et du Chili au cours du XIXe siècle. Elle propose un parcours thématique de la période à partir d'une sélection d'objets visuels et textes produits dans les deux pays au moment où ils ont été définis et instaurés en tant que nations modernes. Dans le début de ce parcours, aux premières années de l'époque républicaine, la cordillère est représentée et symbolisée comme le scénario des principaux événements de la révolution d'indépendance, alors elle devienne un point de repère pour la construction d'une mémoire et d'une identité nationale. L'analyse se poursuit autour de la présence picturale de la cordillère, notamment dans quelques œuvres qui représentent les Andes comme un lieu d'enjeu politique pour ces deux nations vers la moitié du siècle. Avec l'instauration de la cordillère comme une image paysagère, une réflexion a été élaborée autour du statut esthétique du sublime et ses actualisations dans le contexte latino-américain en considérant la particulière installation du genre picturale dans le milieu chilien. Le parcours s'achève avec l'analyse de la construction visuelle de la cordillère en tant que frontière naturelle entre les deux pays. On observe comment des images de divers types deviennent des pièces argumentatives pour la dispute géopolitique. Le but de ce travail est de vérifier, par le biais de l'analyse de cas, la diversité de fonctions rhétoriques qui assume la représentation de la nature dans le processus d'élaboration d'un récit du national
This thesis focuses on the visual configuration of the Andes in the history of culture and art of Argentina and Chile during the nineteenth century. It proposes a thematic journey of the period from a selection of visual objects and texts produced in both countries at the time when they were defined and established as modern nations. At the beginning of this journey, in the early years of the republican era, the Cordillera is represented and symbolized as the scenario of the main events of the independence revolution, so it becomes a landmark for the construction of a memory and a national identity. The analysis continues with the pictorial presence of the Cordillera, particularly in some works representing this Andes as a place of political stake for these two nations at the middle of the century. With the establishment of the Cordillera as a landscape image, a reflection has been elaborated around the aesthetic status of the sublime and its updates in the Latin American context by considering the installation of the pictorial genre in the Chilean environment. The journey ends with the analysis of the visual construction of the Cordillera as a natural border between the two countries. It is observed how images of various types become argumentative pieces for the geopolitical dispute. The purpose of this work is to verify, through case studies, the diversity of rhetorical functions that assumes the representation of nature in the process of developing a national narrative

Cette étude reprend la méconnaissance française des artistes évoqués dans les Souvenirs de Delécluze et les confidences de Charles Nodier, nommés " Primitifs ". Elle analyse la formation à la fin du XVIIIème siècle, dans l'atelier même de David, d'un groupe de jeunes élèves rebelles à son enseignement. Ils s'inspiraient de la pureté élémentaire de l'art antérieur à Raphaël dans les primitifs du Moyen Age, dans l'abstraction linéaire de l'archaïsme des vases grecs, et dans les poèmes du barde Ossian. Méprisés par les historiens français de l'art de la période, c'est à des historiens américains qu'ils doivent une réhabilitation. Walter Friedlaender, soulignant en 1930 la valeur des idées du chef de leur secte, Maurice Quaï, fut suivi par Robert Rosenblum, en 1956, dans sa thèse The International Style of 1800, A Study in Linear abstraction, qui lui offrit les bases d'une étude remarquable publiée en 1967 et en 1989 dans une édition française : L'Art au XVIIIème siècle Transformations et Mutations. Le Professeur George Levitine, attaché à l'étude des "Primitifs" français avec une recherche de leurs œuvres perdues, publiait en 1978 : The dawn of Bohemianism, the Barbu rebellion and Primitivism in Neoclassical France, qui ouvrait la voie sur l'importance de leur secte. De ces jeunes peintres tombés dans un oubli absolu, nous avons dégagé huit figures clés, offrant les noms de Maurice Quaï, Lucile Franque, Paulin Duqueylar, Jean Broc, Hilaire Périé, les frères jumeaux Jean-Pierre et Joseph Franque, et Jacques-Nicolas Paillot de Montabert, mais également, à partir d'un exhaustif dépouillement d'archives, la découverte d'œuvres et la conviction qu'ils furent souvent de très bons peintres et d'excellents dessinateurs. Ainsi, au-delà de leur histoire et de celles de leurs œuvres retrouvées, leur destin de " Primitifs " apparaît comme une simple introduction à un sujet plus vaste couvrant le " primitivisme français ", provoqué peut-être par la doctrine de Maurice Quaï. La recherche de pureté de l'archaïsme ne se retrouve-t-elle pas chez Ingres, pour passer à Puvis de Chavannes et arriver à Gauguin qui y mêlera la saveur des Tropiques ?
This study deals with the fact that in France nobody really knows the artists mentioned by Delécluze within its Souvenirs and also through Charles Nodier's confidences, as the “Primitifs”. It analyses in depth how by the end of 18th century, young artists, although belonging to David's studio, but in opposition to its teaching method came to gather. Those young artists took inspiration from the basic purity of art before Raphaël, among the middle-age primitives, from the linear abstraction in Greek vases archaïsm, and also from the bard Ossian's poems. Whereas they were despised by French historians specialised in this period, the “Primitifs” have been pretty well perceived and estimated by American historians. Walter Friedlaender underlined in 1930 how valuable were the ideas of Maurice Quaï, head of the movement; thenafter, Robert Rosenblum in his 1956 thesis The International Style of 1800, A Study in linear abstraction offered him the basis of remarkable study published in 1967 and 1989 in a French edition L'Art au XVIIIème siècle Transformations et Mutations. Professor George Levitine, keen on study of French “Primitifs” when searching their lost works, published in 1978 The dawn of Bohemianism, the Barbu rebellion and Primitivism in Neoclassical France, which paved the way to importance of their sect. Out of those young artists who were almost forgotten, we can nominate eight major names, Maurice Quaï, Lucile Franque, Paulin Duqueylar, Jean Broc, Hilaire Périé, the twin brothers Jean-Pierre et Joseph Franque, and Jacques-Nicolas Paillot de Montabert. We are also in a position , thanks to an exhaustive examination and reviews of archives, to show some works we have discovered and to prove they were very good painters and excellent drawers. This the reason why, beyond their story and the one of their works, the “Primitifs”'s destiny seems to be in fact an introduction to a broader subject covering French “primitivism”, maybe due to Maurice Quaï's doctrine. Isn't it clear that the search for purity of archaïsm can be found not only in Ingres, but also in Puvis de Chavannes and last but not least in Gauguin who will mix it together with the flavour of Tropics ?