Dissertations / Theses: 'Art et musique – 1970-'

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Ullrich, Almut. "Die "Literaturoper" von 1970-1990 : Texte und Tendenzen /." Wilhelmshaven : F. Noetzel : Heinrichshofen Bücher, 1991. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb354704636.

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Boutin, Vincent. "Les pochettes de disques de rock, de l'ère psychédélique à nos jours : (1966-2005)." Poitiers, 2006. http://www.theses.fr/2006POIT5034.

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Abstract:

Produit de l'industrie culturelle soumis à des impératifs de rentabilité, la pochette de disque de rock est tributaire des codes des groupes sociaux auxquels elle se destine. Oeuvre d'artistes aux compétences variées, ce support fait preuve depuis les années 60 d'une vigueur et d'une inventivité réelles. Evoquant en filigrane l'activité encore méconnue des artistes (graphistes, illustrateurs) auteurs de ces pochettes, ce travail s’intéresse tout d'abord au statut ambigu de la pochette de disque de rock, objet d'art de masse reproduit mécaniquement, et brosse un tableau de cette discipline singulière de la création graphique. Dans une seconde partie, les multiples références à l'art officiel ou populaire sont mises en relation avec la portée subversive d'une forme d'expression contestataire. Enfin, la troisième partie s'intéresse aux liens étroits entre image et musique : art synesthésique, la pochette de disque de rock se fait parfois transcription graphique de la musique ; elle cherche à suggérer un univers personnel, tout en contribuant fortement à structurer une identité visuelle souvent étroitement liée aux prestations scéniques
Rock'n'roll album cover, as a product of the cultural industry, is subjected to the requirements of profitability and depends on the codes of the social groups for which it is intended. Created by artists with various skills, this medium has showed since the Sixties a real strength and an inventiveness. Evoking in filigree the still ignored activity of the artists (graphic designers, illustrators) who are the authors of these covers, this research is focused at first on the ambiguous status of the rock'n'roll album cover, a mass-producted object, and paints a picture of this singular discipline of graphic creation. The second part explains the connection between multiple references to official and popular arts and the subversive range of a protesting form of expression. Lastly, the third part is interested in the close links between image and music : as a synesthesic art, the rock'n'roll album cover sometimes attempts to achieve a graphic transcription of the music. It aims at suggesting a personal universe, strongly contributing to structure a visual identity closely related to the performances during the shows

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Seter, Ronit. "Yuvalim be-Israel : nationalism in Jewish-Israeli art music, 1940-2000 /." Ann Arbor (Mich.) : UMI, 2005. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb40050015j.

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Blot, Alice. "Jehan alain (1911-1940) un independant seculier essai de portrait d'un musicien vu sous les perspectives offertes par la notion d'interdisciplinarite en art." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040070.

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Abstract:

Cette these se presente en trois volets delimites et complementaires dans leur finalite,qui est de tracer un portrait de jehan alain,l'homme et l'artiste. La premiere partie tente de definir le contexte historico-musical dans lequel vivait jehan alain et de mettre en exergue son desir d'independance par rapport a cet entourage. La seconde partie est consacree a l'oeuvre du musicien annee par annee, non pour essayer de prouver que la vie quotidienne influence la creation,mais pas davantage dans le but d'affirmer que l'une est etrangere a l'autre. Enfin, la troisieme et derniere partie nous introduit dans le monde passionnant et globalisant de l'interdisciplinarite en art. Cette division tripartite qui se veut donner une image fidele de l'artiste jehan alain repose sur deux fils conducteurs, que sont le sacre et la vocalite, valeur s omnipresentes dans l'esprit et la musique de jehan alain. Enfin,le postulat que souhaite demontrer l'ensemble de ce travail,est que jehan alain a toujours ete un independant seculier,c'est a dire sachant conserver sa liberte d'action et de pensee dans un monde alienant en-soi
This thesis introduces oneself in three demarcated and complementaries parts in their purpose,which is to draw a portrait of jehan alain,the human being and the artist. The first part tries to define the context both historic and musical in which jehan alain lived, and to bring out his real wish of independence in comparison to his entourage. The second part is devoted to the musician's work, year after year, not trying to prove that daily life influences his creativity, but not any more to maintain that one has no connection with the other. Finally, the third and last part introduces us in the fascinating and global world of interdisciplinarity in art. This trinitary division whose target is to give a faithfull picture of the artist jehan alain rest on two conductives ideas, sacred and vocality. Two omnipresents values in the spirit and the music of jehan alain. At least, postulate i wanted to demontrate along this work is that jehan alain has always been a secular independent, it means,able to preserve his mind and action's freedom in a world of alienation

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Magis, Christophe. "La musique de publicité, entre droit d'auteur et conseil en communication : Propositions d'analyse socio-économique et musicale des mutations conjointes de l'industrie de la musique enregistrée et de l'industrie publicitaire (1990-2010)." Paris 8, 2012. http://www.theses.fr/2012PA083763.

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Abstract:

Alors que sa place est de plus en plus prégnante dans le quotidien des individus au point même qu'elle tend quasiment à conquérir le statut de genre musical, la « musique de publicité » a pourtant été relativement peu étudiée par la recherche universitaire francophone et notamment par l'ensemble des approches en théories des industries culturelles. Ce travail se propose donc de questionner sa place à l'intersection entre l'industrie de la musique enregistrée et l'industrie publicitaire, notamment dans les mutations conjointes qu'ont connu ces deux dernières au tournant du 21è siècle. La perspective qui est la notre, résolument interdisciplinaire et inscrite dans le champ des sciences de l'information et de la communication, cherche par ailleurs à articuler deux réseaux de problématiques rarement pensés ensemble dans les recherches sur les industries culturelles : le rapport entre l'affrontement des stratégies socio-économiques des acteurs et la réalité esthétique des productions culturelles. Il s'agit alors, dans un premier temps, de définir par l'analyse d'un ensemble d'entretiens semi-directifs, l'organisation des différents acteurs qui composent le secteur de création de la musique de publicité, acteurs qui, souvent issus de l'industrie musicale ou de l'industrie publicitaire, tendent à orienter leurs stratégies selon des logiques émanant des habitudes de leurs secteurs d'origine respectifs. Une fois la réalité socio-économique du secteur de production de la musique de publicité défini, une seconde partie vise à élaborer des catégories d'analyse musicale des musiques de publicité et montre dans quelle mesure ces productions portent musicalement la trace des diverses tensions entre les différentes logiques caractérisant le secteur
Although it takes more and more pregnancy in the everyday life of individuals to the point of almost gaining a status of musical genre, « advertising music » has nonetheless been scarcely studied by francophone academic research and, amongst this latter, by the theories of cultural industries approaches. Then, this work intends to question the place of advertising music between the recording industry and the advertising industry, especially considering the linked changes these industries have known toghether at the turn of the 21th century. Firmly attached to the field of Information and Communication Science, our perspective also aims to articulate two sets of problematics that are rarely thought toghether in the cultural industries researches : the connection between the confrontation of the different actors' socio-economic strategies and the aesthetical reality of the produced texts. First, we aim to define the organization of the different social actors involved in the creation of advertising music through the analysis of a corpus of semi-guided interviews. These different actors often come from the advertising or recording industry and tend to adjust their strategies according to the usual logics of their activity of origin. Once the socio-economic reality of the advertising music production sector is defined, a second part of our work aim to elaborate categories of analysis for advertising music and highlights to what extent these productions musically wear marks of the various tensions between the different logics that characterize the sector

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Vergnaud, Sabine. "La Musique et les arts dans la collaboration du Groupe des Six avec les Ballets Suédois (1920-1925)." Thesis, Saint-Etienne, 2010. http://www.theses.fr/2010STET2146.

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Abstract:

Rolf de Maré, directeur, et Jean Biirlin, chorégraphe, fondent à Paris, en 1920 les Ballets suédois. Durant ses cinq années d'existence, cette compagnie affiche la volonté de se libérer de l'hégémonie russe en proposant des programmes audacieux. Les plus novateurs d'entre eux sont réalisés avec la collaboration de compositeurs du Groupe des Six -Milhaud, Poulenc, Honegger, Auric, Tailleferre - mais aussi celle d'écrivains et de peintres tels Jean Cocteau, Paul Claudel, Blaise Cendrars, Ricciotto Canudo, Fernand Léger, Jean Hugo et Irène Lagut. Entre 1921 et 1923, la compagnie crée au Théâtre des Champs Elysées : L'Homme et son désir de Milhaud, Les Mariés de la Tour Eiffel des Six (sauf Durey), Skating Rink de Honegger, Marchand d'oiseaux de Tailleferre et La Création du monde de Milhaud. Autant de prototypes dans lesquels le théâtre, la peinture et la musique imposent un renouvellement chorégraphique constant,mais également un renouvellement du ballet comme genre. Cette thèse s'intéresse au rapport de ces compositions avec les autres arts sollicités dans une même énergie créatrice. L'étude génétique s'appuie sur la comparaison des partitions manuscrites avec les tapuscrits et manuscrits des livrets (conservés entre autres au Dans muse et de Stockholm, au fonds B. Cendrars des Archives Littéraires Suisses à Berne). Elle consulte aussi les correspondances, les maquettes de décors, de costumes, les esquisses chorégraphiques et permet de définir la place et le rôle de tous les acteurs de ces ballets. Elle souligne l'impact de la collaboration des Suédois avec les Six non seulement sur l'évolution de la danse mais aussi sur celle des autres arts
The Ballets suédois was formed in Paris in 1920 by Rolf de Maré, director, and Jean Biirlin,choreographer. In its five-year existence, this company asserted its wish to break away from the Russianhegemony by proposing daring performances. The most innovative of them were created in collaborationwith composers from 'les six' such as Milhaud, Poulenc, Honeger, Auric or Tailleferre, and also with thecontribution of writers and painters such as Jean Cocteau, Paul Claudel, Blaise Cendrars, RicciottoCanudo, Fernand Léger, Jean Hugo or Irène Lagut. Between 1921 and 1923, the company stagedMilhaud's L'Homme et son désir and La Création du monde, Honegger's Skating Rink, Tailleferre'sMarchand d'oiseaux and The Marriage on the Eiffel Tower by 'les six' (to which Durey did notcontribute) at the Théâtre des Champs-Elysées; so many prototypes on which drama, painting and musicnot only imposed constant choreographic renewal, but a renewal of the ballet as a genre. This thesis dealswith the connection between those compositions and the different forms of art they combine in the samecreative energy. The genetic study is based on the comparison of the handwritten scores with thetapuscripts and the manuscripts of the librettos (kept at the Dansmuseet in Stockholm or at the FundsBlaise Cendrars of the Swiss Literary Archives in Bern). It also studies correspondence, models ofscenery, costumes, choreographic sketches and aims at defining the place and role of al! the performers in_those ballets. It stresses the impact the collaboration between the Swedish and 'les six' had, not only onthe evolution of dancing, but also on thal of other forms of arts

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Bazin, Laure. "La musique dans la vie et l’œuvre du peintre Ceri Richards (1903-1971)." Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040026.

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Abstract:

Notre thèse présente et analyse la vie et l’œuvre de Ceri Richards (1903-1971), artiste peintre britannique d’origine galloise, dont l’art est profondément influencé par la musique. Mélomane et pianiste amateur, Richards développe son art de façon très indépendante et marque l’art britannique par une originalité commentée et appréciée des critiques d’art londoniens de son temps, « ce qui le [classe] comme l’un des plus grands parmi les peintres britanniques du milieu du XXe siècle » (Bénézit). C’est après la Seconde Guerre mondiale que les références musicales apparaissent avec plus d’importance dans son travail artistique dont la série des Cathédrales englouties (v. 1957-1967), inspirée du prélude éponyme de Claude Debussy, est unanimement reconnue.La première partie de la thèse est une biographie revue et augmentée de Ceri Richards en suivant le fil conducteur de la musique. Elle s’appuie sur des sources, notamment épistolaires, jamais dévoilées jusqu’à présent et des articles sur l’artiste non encore exploités.La troisième partie est un catalogue raisonné de l’œuvre de Ceri Richards en rapport avec la musique. Notre classement, aussi exhaustif que possible à ce jour, établit huit grandes thématiques : le piano et les pianistes, Claude Debussy, Ludwig van Beethoven, les décors et les costumes d’opéras, la musique dans la poésie, les illustrations réalisées pour une Histoire de la musique écrite par Benjamin Britten et Imogen Holst, les illustrations d’ouvrages non musicaux et enfin d’autres thématiques musicales diverses. Ce travail de recensement et de catalogage, le premier jamais réalisé, souligne l’étendue et la diversité de l’inspiration musicale de Ceri Richards
My thesis dissertation presents and analyses the life and work of Ceri Richards (1903-1971), a British painter originally from Wales. His art is profoundly influenced by music. As a music lover and pianist, Richards was particularly appreciated by London critics of his time who “placed him as one of the highest ranking, mid-20th-century British Painter” (E. Bénézit, Dictionary of Artists, Paris, Gründ, 2006). After the Second World War, the musical references are much more visible and important in his painting. His Cathédrale engloutie series, which was inspired by the eponymous Prelude by Debussy, is unanimously praised.The first part of my thesis is a biography of Ceri Richards, based on the importance of the music in his life. It relies on sources, letters unknown until now and articles about the artist never before explored.The second part investigates two corpus: the first one inspired by Debussy’s Cathédrale engloutie and the second by Beethoven in a comparative analysis.The third part is a catalogue raisonné of the work in relation with music. The organisation is in eight thematics: piano and pianists, Claude Debussy, Ludwig van Beethoven, opera stage decor and costumes, music in the poetry, illustrations realised for The Story of Music written by Benjamin Britten and Imogen Holst, illustrations for books which are not musical and other diverse musical themes. This catalogue raisonné is the first one and shows the extent and diversity of Ceri Richards’s musical inspiration

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Escande, Dominique. "Convergences et divergences de la musique et des Beaux-arts autour de l'idéal classique en France (1909-1937)." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2004PA040230.

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Abstract:

Les parallélismes et analogies entre les Beaux-arts et la musique en France de 1909 à 1937 sont construits autour d'un idéal classique commun. Le néo-classicisme des Beaux-arts au XIXe siècle, a-t-il influencé le néo-classicisme musical pendant l'entre-deux-guerres ? Quelles sont les relations entre ce dernier et le " retour à l'ordre " en peinture ? L'idéal classique transcende les catégories artistiques et suscite des problématiques historiques, esthétiques et formelles. Cette recherche rassemble un corpus d'œuvres convergentes qui dessine une périodicité recouvrant trois phases : la naissance du classicisme (1909-1919), la stabilisation (1919-1929) et le classicisme monumental ou détourné (1929-1937). Le classicisme du XXe siècle désintègre le modèle des classicismes antérieurs pour dissocier l'idée, le matériau ou la structure de l'œuvre. En cela réside sa spécificité
Parallelisms and analogies between fine arts and music in France from 1909 to 1937, are built on the same classical ideal. Did the neo-classicism of the 19th century's fine arts influence the néo-classicism in music during the interwar period ? What relates it to the " retour à l'ordre " in painting ? The classical ideal transcends the artistic categories and brings up historical, aesthetic and formal issues. This research gathers a corpus of convergent works which reveals a period made in three stages : the birth of classicism (1909-1919), the stabilization (1919-1929), and the monumental or misused classicism (1929-1937). The 20th century's classicism disintegrates the model of all the previous classical styles in order to dissociate the ideal, the material or the structure of the artistic work. This is what embodies its specificity

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Brun, Julien. "Le problème de la musique dans la philosophie de Nietzsche." Thesis, Reims, 2011. http://www.theses.fr/2011REIML007.

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Abstract:

Le présent travail de recherche développe l’hypothèse selon laquelle la réflexion de Nietzsche sur la musique soulève un problème spécifique, le problème de la musique, en le subordonnant à une problématique générale qui gouverne l’ensemble de son questionnement philosophique, la problématique de la culture. Il a pour enjeu de montrer de quelle manière les textes sur la musique distribués tout au long de l’oeuvre de Nietzsche contribuent à l’élaboration et à la réalisation du programme philosophique destiné à répondre à cette problématique originale, qui fait du philosophe un « médecin de la culture ». La méthode mise en oeuvre consiste à lire dans leur intégralité et dans leur contexte la plupart des textes retenus, afin de restituer simultanément leur cohérence interne et leur fonction dans l’oeuvre de Nietzsche. Le plan s’efforce de suivre le leitmotiv de la thèse : la première partie retrace l'hypothèse, la méthode et l'enjeu du questionnement de Nietzsche à partir des textes programmatiques dans lesquels il expose sa pratique philosophique, en essayantd’expliquer la logique d'écriture qui lui est propre ; la deuxième partie étudie l’application de cette hypothèse et de cette méthode à l’art et à l’esthétique à partir des textes qui synthétisent les principaux résultats de ses analyses, en essayant de préciser leur enjeu déterminant pour l’expérience de pensée de Nietzsche ; la troisième partie propose un commentaire suivi et détaillé d’un large choix de textes consacrés à la musique, en essayant de démontrer leur inscription dans le programme opératoire du « médecin de la culture »
This research work develops the hypothesis that Nietzsche's thinking on music raises a specific problem, the problem of music, by subordinating it to a general issue that governs his whole philosophical questioning, the issue of culture. The purpose of the thesis is to show how Nietzsche's texts on music, throughout his works, participate in the development and achievement of the philosophical program designed to respond to that original issue, which makes the philosopher a "physician of culture". The implemented method consists in reading most of the selected texts in their entirety and context, in order to render simultaneously their proper consistency and their function into Nietzsche’s works. The outline strives to follow the leitmotiv of the thesis: the first part sets out the hypothesis, method and goal of Nietzsche’s questioning by reading the programmatic texts in which he describes his philosophical practice and tries to explain his own logic ofwriting ; the second part studies the application of this hypothesis and method to both art and aesthetic by reading texts that summarize its main results and tries to specify the defining valence of this analyses for Nietzsche’s experience of thinking ; the third part offers a comprehensive and detailed commentary of a wide selection of texts dedicated to music and tries to demonstrate their inscription into the operating program of a "physician of culture”

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Derbez, Laëtitia. "Étude comparative entre les œuvres vocales de Luigi Nono des années 1960 et les musiques anciennes." Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0131.

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Abstract:

Dans l'établissement de nouvelles bases d'écriture, d'une nouvelle culture, certains compositeurs, loin de rejeter leur passé veulent au contraire s'en inspirer. Mais cette référence au passé se fait par l’intermédiaire d'origines lointaines, remontant aux musiques anciennes. Luigi Nono, qui fait partie de ce nombre réduit, expose cette idée : s'inspirer du passé, agir dans son présent pour avoir le meilleur des futurs possibles. Il est alors primordial pour lui de s’inscrire dans une filiation historique et de constituer un pas supplémentaire dans l’évolution de l'histoire de la musique. Dans sa conférence « Texte-Musique-Chant » donnée à Darmstadt en 1960, il met en lien certaines de ses œuvres avec les musiques du passé, et notamment le Moyen Âge et la Renaissance. Suivant ce parallèle induit par le compositeur, ces présents travaux montrent la véracité de cette reprise des Anciens (et non une reprise fictive) en mettant en relation cinq œuvres vocales de Luigi Nono entre 1955 et 1960 (Il canto sospeso, La terra e la compagna, Cori di Didone, Sarà dolce tacere et « Ha Venido » Canciones para Silvia) et les musiques anciennes au travers de trois procédés de composition : la pluritextualité, la syllabisation et la spatialisation, procédés extraits de la conférence et des écrits du compositeur. Après avoir défini ces techniques d'écriture chez Luigi Nono, ces présents travaux établissent une comparaison avec les traces et annotations qu'il laisse dans ses partitions de musiques anciennes et nous éclairent sur sa reprise des Anciens
In establishing new basis of writing, a new culture, some composers, far from rejecting their past, want to use it. But this reference to the past is done through far-reaching origins, taking back to early music. Luigi Nono, one of these few, present this idea: to take inspiration from the past, act in the present for the best possible future. It is then crucial for him to set himself in a historic filiation and to institute an additional step in the evolution of the history of music. In his lecture “Text-Music-Singing” given in Darmstadt in 1960, he links some of his works with early music, especially of Middle Ages and Renaissance. Following this parallel inducted by the composer, present work shows the truth about this inspiration of the Ancients (and not a fictive inspiration) by linking five vocal works of Luigi Nono from 1955 to 1960 (Il canto sospeso, La terra e la compagna, Cori di Didone, Sarà dolce tacere and « Ha Venido » Canciones para Silvia) and early music through three processes of composition: pluritextuality, syllabisation and spatialisation, processes taken from the lecture and the writings of the composer. Once these techniques are defined in Luigi Nono’s works, present work will compare traces and notes he wrote in his early music scores and enlighten us on his inspiration of the Ancients

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Willot, Eléonore. "Pour une approche esthétique du light-show : du théâtre électrique, hallucinatoire et subversif, envisagé selon l'essence de l'expérience psychédélique." Strasbourg, 2010. http://www.theses.fr/2010STRA1054.

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Abstract:

A chaque époque, son Mythe. Celui des sixties a arboré un nouveau visage, il s’est baptisé « la révolution psychédélique ». En purifiant les Portes de la Perception, les esthètes existentiels propulsés par l’ivresse et l’eudémonisme, ont allumé le mythe du Light-Show. Celui-ci n’est ni une simple histoire de drogues, ni de contre-culture. Par son esthétique totale : ses conditions d’émergence, son efficience processuelle et son expérience se devaient également d’être totales. Il ne s’agit plus de créer des Mythes, mais bien de renouer avec le Mythe de l’Essence Création en exaltant la force participative du spectateur dans une correspondance avec l’infini. Il s’agit d’une alternative artistique à l’expérience du LSD conçue sous le mode opératoire d’un spectacle total, impliquant dans son esthétique, tous les paradoxes d’une réflexion basée sur des dichotomies : de la possibilité d’une participation et d’une forme de création au sein de cet art transcendantal, à la réelle valeur d’une théâtralité se voulant d’être purificatrice, au sein de ces « théâtres psychédéliques ». L’espace d’une nuit, d’un voyage cosmique, la génération de l’acide lysergique participe à ces célébrations psychédéliques hybridant concert rock, diapositives liquides, projections filmiques, stroboscopiques, lumières colorées, imprégnant alors l’atmosphère et les participants de vibrations métaphysiques. Entre spectacle synesthésique, théâtre électrique et rituel incantatoire, le Light-Show nous plonge dans le mesmérisme extatique d’un art total. La fin du rêve fantasmé s’arrête là où s’ouvrent les portes des temples des Light-Shows psychédéliques de San Francisco
For each time, there is a Myth, and the Myth of the sixties wore a new face: it has been called the «psychedelic revolution». By purifying the Doors of Perception, existential aesthetes powered by drunkenness and the eudemonism of a whole acid-generation, lit the myth of the Light Show up. The Light Show is neither a matter of drug, nor a simple counterculture tale. Through its total aesthetics: its emergent conditions, its efficient process and experience must be considered in a total way too. It doesn’t consist in making myths anymore, but to reconnect with the Myth of Creation by exalting the participatory matter, in an aesthetics which reconciles the audience with the Essence of Being and the Essence of Things: a bridge towards the infinite. It is based on the artistic alternative process from regular LSD trip, elaborated around a total show modus operandi, with all its aesthetic contradictions based on dichotomies: the nature of participation and creation in transcendental art, as well as the place and value of theatricality in such a “pure” and cathartic show also known as «psychedelic theaters”. Thus, for a night, for a cosmic journey, the lysergic generation participates to these psychedelic celebrations blending rock concert, liquid slides, films, strobe and colored lights that imprint the atmosphere and the audience with metaphysical vibrations. Synesthesic show, electric theatre and ritual incantation: the Light-Show wraps us into an ecstatic mesmerism of its total art. The oniric phantasm ends when the gates of San Francisco’s psychedelic temples of light-shows open

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Alten, Michèle. "La musique et le chant dans les écoles primaires de la République (1882-1939)." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010713.

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Abstract:

En 1882 le ministre de l'instruction publique introduit dans les programmes de l'école primaire une nouvelle matière d'enseignement obligatoire : la musique et le chant. L'ambition des exigences, l'absence de clarté sur les finalités et les méthodes, ainsi que la faible qualification des instituteurs dans ce domaine, rendent l'application des instruction officielles très aléatoire. Avant 1914, l'engagement civique des instituteurs les conduits souvent à faire célébrer par des chants les valeurs de la république. Mais le territoire français est divisé en deux : au sud d'une ligne St-Malo-Genève, les pratiques musicales sont peu présentes dans les classes d'une France peu alphabétisée. Entre 1920 et 1939, une nouvelle culture musicale se développe à l'école. Elle s'attache surtout à l'organisation de spectacles de divertissement joués, mimés et chantés par les enfants. Elle traduit ainsi, à sa manière, l'importance prise par le loisir artistique de masse dans la société française. Cependant, cette pratique ne règle en rien le statut scolaire de la musique. Faute de se donner les moyens d'assurer un enseignement artistique de base, l'école laisse pour compte la dimension sensible de l'éducation
In 1882 the minister of education brought in a new compulsory item in the programs of primary schools : music and singing. The demand of the ambition, the lack of clarity of the aims sought and of the methods as well as the low level of qualification of the teachers in this very field made the application of the official instructions rahter uncertain. Before 1914, the civil engagement of the teachers led them to have of the republic celebrated by patriotic song. But the French territory is divised into two regions : south of line going from Saint-Malo to Geneva, musical activities are rare in the classrooms of a rather illiterate population. Between 1920 and 1939, a new musical culture expands in schools. It concerns mainly the organisation of amateur theatricals played, mimed and sung by the pupils. It expresses in its own way the signifiance assumed by the popular artistic spare time activities in France. However this practice does not bring any solution to the place occupied by music in schools. Because it does not take the means for assuming the basis for a teaching of arts, the school puts aside the sensitive aspect of education

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Lorenzo, Rubio Daniel. "Le genre canción chez Luis de Pablo. Tradition et renouveau." Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040245.

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Abstract:

Le compositeur espagnol Luis de Pablo a écrit nombre de pièces pour voix soliste et instruments, basées sur des textes poétiques, qui ont été fort peu étudiées.À tous les points de vue, ces oeuvres ne constituent pas un corpus homogène. À travers quatre axes analytiques (forme, timbre et instrumentation, vocalité et mélodie, sémantique et texte) correspondant aux quatre chapitres centraux, ce travail essaie de cerner à quel genre elles se rattachent et quel type de relation elles entretiennent avec le Lied, la mélodie ou la canción. Ces pièces vocales « de chambre », occasion privilégiée de rencontre avec la poésie, « émanent » d'un texte avec lequel elles entretiennent un rapport tout à fait spécifique. L’une de nos hypothèses est que l’on peut peut-être y déceler une influence « madrigaliste ».Cette thèse ambitionne in fine de resituer l'ensemble de ces oeuvres dans le parcours esthétique du compositeur, ainsi que dans leur contexte spatio-temporel à la fois espagnol et européen.La thèse aborde aussi d'autres questions subsidiaires, comme le rôle que joue la langue espagnole dans cette production, la capacité de la musique de transmettre une idée extra-musicale et la nette intertextualité qui se dégage d’une partie de ces pièces. Ce travail s’appuie dans son intégralité sur la voix personnelle du compositeur (recueillie dans des entretiens inédits, réalisés à Madrid de juillet 2011 à juin 2012)
Spanish composer Luis de Pablo is author of a number of works for solo voice and instruments (usually small instrumental ensembles), based on poetic texts, which is one of his less studied features of his oeuvre.From any point of view, these works are not a homogeneous group. Departing from four analytical perspectives (form, timbre and instrumentation, voice emission and melody, and semantic and text) which correspond to the four central chapters, this thesis seeks to answer the question of their identity as a musical genre and their relationship to Lied, mélodie and canción. As a music that « emanates » from a text, these « chamber » vocal pieces, meeting place par excellence with poetry, present in every level and parameter, a specific relationship to the text. We will try to elucidate a possible influence of madrigalisms in this relationship. The present thesis finally ambitions to place these works in the overall evolution of the composer and in the Spanish and European context.The thesis approaches also other questions like the role of Spanish language, the capacity of music to convey an extramusical idea and the high level of intertextuality in some of these works. This thesis uses along the exposition the personal voice of the composer (collected through our own unpublished interviews which were made in Madrid from July 2011 to June 2012)

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Baudouin, Olivier. "Problématiques musicales du recours aux techniques de synthèse sonore numérique aux États-Unis et en France de 1957 à 1977." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040117.

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Abstract:

Le répertoire musical produit au moyen de la synthèse numérique du son durant les vingt premières années de développement de ces techniques (1957-1977) n’avait jamais fait l’objet d’une étude musicologique exhaustive, malgré l’importance de ce domaine en ce qui regarde l’évolution de l’univers sonore contemporain, et les nombreux documents disponibles. Notre méthode, empruntée aux musicologues Leigh Landy et Marc Battier, a consisté à rendre justice à des œuvres et à des pièces souvent traitées de façon isolée ou purement illustrative, en reconstruisant autour d’elles un récit mêlant considérations historiques, analytiques, techniques, esthétiques et culturelles. À travers cette étude, les liens qui unirent art musical, science et technologie numérique dans les années 1960 et 1970 apparaissent ainsi clairement, en renouvelant l’appréhension de répertoires basés sur le matériau sonore
The musical repertoire generated by digital sound synthesis during the ﬁrst twenty years of development of these techniques (1957-1977) had never been fully studied by musicologists, in spite of the importance of this ﬁeld regarding evolution of contemporary sonic world, and the availability of numerous documents. Our method, based on Leigh Landy and Marc Battier’ideas, consisted of giving credit to pieces often dealt in an insulated or illustrative manner, by reconstructing around them a story combining historical, analytical, technical, aesthetical, and cultural elements. Thus, links that bound music, science, and digital technology in the 1960s and 1970s clearly appear, renewing comprehension of sound-based repertoires

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Benetollo, Anne. "Rock et politique : censure, opposition, intégration." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010656.

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Abstract:

Ce travail a pour objectif d'analyser les relations ambigües entre le rock et le monde politique aux États-unis. Trois cas de figures sont possibles : lorsque la politique censure, lorsque les artistes s'engagent politiquement, et lorsque les politiciens se servent des artistes, à des fins électorales notamment. Les années 80, et plus particulièrement l'année 1985, constituent une période privilégiée pour l'observation de ces liens complexes qui unissent rock et politique. Pourquoi ? D'une part, en 1985, on assiste à la naissance d'une association créée par des femmes de politiciens : le parents' music resource center (PMRC), (dont le but est, même s'il s'en defend, de censurer certaines chansons rock), et d'autre part, le milieu des années 80 est marqué par le début des concerts caritatifs. Ce qui est surprenant, c'est qu'une infime partie des artistes rock se battent contre le PMRC; ils sont pour la plupart investis dans ces concerts de charité, et en cela réside leur seul engagement"politique". Nous remarquerons simultanément que même dans les années 80 les politiciens n'ont pas toujours eu de rapports conflictuels avec les rock stars (ces dernières ayant été souvent récupérées par les politiques). Bien que ce travail se fonde sur le milieu des années 80, il est nécessaire de revenir aux décennies précédentes afin d'étudier le cheminement qui a provoqué l'explosion du PMRC. Cela nous permettra de montrer comment la politique, ou plutôt l'establishment, s'est toujours opposé é ce courant musical et l'a censuré (on s'aperçoit en fait que l'on a toujours reproché les mêmes choses au rock et qu'en ce sens le PMRC n'a rien inventé), d'étudier l'engagement politique des artistes à des moments clés de l'histoire du rock, et enfin de mettre en exergue les relations privilégiées qu'ont pu tisser les politiciens avec des artistes rock
The point of this work is to analyse the ambiguous relationship between rock and the political world in the united states. Three occurences are feasible : when politics censure, when the artists commit themselves politically and when the politicians use the artists, particularly with a political end in view. The eighties and more exactly 1985 - constitute a privileged period for the observation of the intricate bonds that link rock and politics. Why? On the one hand, in 1985, we attented the birth of an association which was created by some politicians' wives : the parents' music resource center (pmrc), (whose aim is, though it denies it, to censure some rock songs), and on the other hand, the mid-eighties were marked by the first charity concerts. What is surprising is that a tiny part of rock performers are fighting against the PMRC; most of them have invested in those charity concerts, and their only political commitment lies in this. We simultaneously notice that even in the eighties the politicians have not always have a conflicting relationship with rock stars (the latest often being won over by politicians). Although this work is based on the mid-eighties, it is necessary to go back to the previous decades so as to study the advance which entailed the explosion of the pmrc. This will enable us to show how politics - or let's say the establishment - has always clashed with this musical trend and censured it (in fact, we realize that rock has always been blamed for the same things, and in this way the pmrc hasn't invented anything). This will also enable us to study the political commitment of the artists at important moments of the history of rock, and at last to underline the privileged relationship politicians were able to weave with some rock performers

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Lazzarini, Guilia. "Luigi Nono : espace et composition." Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0049.

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Abstract:

Tout a commencé à partir de l'intuition qu'il existait un lien entre musique et architecture, auxquelles j'ai consacré beaucoup de temps et d'études, en suivant et complétant deux parcours académiques parallèles. Après un long processus d'analyse des sujets de réflexion infinis que présentait le thème, j'ai choisi de me concentrer sur un des exemples les plus significatifs de collaboration entre un architecte et un musicien du XXe siècle : l'œuvre Prometeo, tragédies dell‘ascolto composée par Luigi Nono en collaboration avec Massimo Cacciari et Renzo Piano. Cette recherche a été effectuée principalement sur la base de la lecture des écrits de Luigi Nono et sur l'étude des manuscrits, des dessins et de la correspondance conservés dans l'Archivio Luigi Nono à Venise et dans les archives de la Fondazione Renzo Piano à Gênes. J'ai ensuite interviewé quelques-unes des personnes liées de diverses manières à l'expérience de Prometeo. Ma thèse est organisé en trois parties: une première partie qui concerne le rôle de l'espace dans la musique du XXe siècle et dans les œuvres de Luigi Nono précédentes par rapport à Prometeo : une deuxième partie dans laquelle est approfondi le processus de composition qui a conduit aux représentations de Prometeo à Venise, Milan et Paris ; une troisième partie dans laquelle j'ai pris en compte ce qui s'est passé après Prometeo et j'ai réfléchi sur les contributions que cette expérience peut apporter à la conception d'espaces pour la musique, en analysant différentes versions de l'œuvre sans l'arche et en prenant en considération les projets de l'auditorium de l'International Art Village de Akiyoshidai et de la salle de la nouvelle Philharmonie de Paris
Architecture and music. Space and time. Sound. Experience. These are the key words on which my research is based. It all started from the intuition of the existence of a link between two disciplines to which I have devoted much time and study, along two parallel academics paths: the school of architecture and the conservatory. After a long process of identification and analysis of the infinite possible approaches to the topic, I chose to focus on one of the most emblematic example of collaboration between an architect and a musician of the twentieth century: "Prometeo, tragedia dell’ascolto" (1984), composed by Luigi Nono in collaboration with Massimo Cacciari and Renzo Piano. Through the study of Prometeo, I was able to deal with many possible interpretations of the interdisciplinary relationship between music and architecture. The research was mainly carried out by analysing the writings of Nono and by studying the documents stored at Archivio Luigi Nono and Fondazione Renzo Piano. The dissertation consists of three parts: the first part deals with the role of space in Nono's works preceding the Prometeo, highlighting the importance of cultural and sound environment in Venice: the second part explores the composition process that led to the set-up Promefeo in Venice, Milan and Paris; the third part deepens what happened after Prometeo, and reflects on the contributions that this experience can give to the design of spaces for music, analysing different setups of the play without the ark, and studying the projects of Akiyoshidai's International Art Village and the concert hall of the new Philharmonie in Paris. The study of the experience of Prometeo aims to encourage the curiosity to research, and the experimentation of those 'infiniti possibili’ of the architectural and musical composition mentioned by Nono

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Dulong, Guillaume. "Pour une poétique des effets spéciaux dans les films de fantasy de 1990 à 2010 : un nouvel art de raconter ?" Phd thesis, Université Michel de Montaigne - Bordeaux III, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00994442.

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Abstract:

Notre étude repose sur la mise en rapport de deux phénomènes qui ont marqué la production cinématographique anglo-saxonne et française de ces vingt dernières années. L'un économique et technique, est l'avènement de l'imagerie numérique remplaçant peu à peu le support argentique bouleversant les modes de composition, de diffusion et de réception des films. L'autre, esthétique et poétique, est la recrudescence et la popularité d'œuvres appartenant à un genre de récit de fantasy - ou de merveilleux. Comment comprendre la corrélation de l'innovation technique et du conservatisme narratif sans n'y voir que la manifestation d'un raidissement idéologique de la culture occidentale ? Celle-ci nous apparaîtra comme un rapport de forces essentiel entre les images cinématographiques et numériques, une hybridation. Si l'art du récit gagne en hyperréalisme grâce au potentiel de simulation de l'informatique, il réinjecte le sens de la durée, du temps traditionnel, dans l'image quand l'intelligence de l'imagerie numérique est régie par l'urgence d'un temps réitératif amnésique. Nous nous attacherons donc à définir le genre de la fantasy et ses propriétés dans le langage cinématographique poétique. Déterminant la différence spécifique de ce genre comme étant un certain usage des effets spéciaux, nous étudierons ceux-ci et leur emploi dans la fantasy comme effets de merveilleux. Enfin nous montrerons comment la mutation numérique de l'industrie et de l'imaginaire cinématographique met en crise le récit filmique et pourquoi nous pouvons considérer le retour de ce type de narrations comme une forme de résistance face à la nouvelle image, le néotraditionnalisme.

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Palazzetti, Nicolo'. ""Le musicien de la liberté." Le réception de Béla Bartók en Italie (1900-1955)." Thesis, Paris, EHESS, 2017. http://www.theses.fr/2017EHES0085.

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Abstract:

Cette thèse est consacrée à la réception de la figure et de l’œuvre de Béla Bartók (1881-1945) en Italie, dans la première moitié du XXe siècle. Opérée depuis un point de vue musicologique, l’analyse de l’influence bartókienne dans les œuvres de nombreux compositeurs italiens (d’Alfredo Casella à Bruno Maderna) invite à reconsidérer l’évolution du modernisme artistique en Italie, ainsi que les fondements de la poétique du musicien hongrois – informée par le nationalisme magyar, la « pureté » du folklore paysan et l’utopie de la « musique nocturne ». Par ailleurs, l’étude des formes de transmission et de critique de l’un des compositeurs canoniques du siècle dernier soulève des enjeux plus généraux, qui relèvent de l’histoire culturelle : la continuité entre modernisme artistique et totalitarisme, les formes et les significations de la résistance culturelle, les rapports entre musique et diplomatie, la construction du mythe antifasciste de Bartók. À bien des égards, la « vague bartókienne » qui s’affirma en Italie pendant la période de la guerre froide fut l’aboutissement de la fusion entre le mythe de Bartók – ce « musicien de la liberté » dont parlait le critique Massimo Mila – et le mythe de la renaissance nationale. Une fusion qui avait ses origines dans le paysage sonore de la dictature fasciste et de la Resistenza
This thesis focuses on the reception of Béla Bartók’s music and figure in Italy during the first half of the twentieth century. From a musicological standpoint, the analysis of Bartók’s influence on the works of several Italian composers (from Alfredo Casella to Bruno Maderna) invites us to reconsider the evolution of artistic modernism in Italy, as well as the foundations of Bartók’s poetics – which is informed by Hungarian nationalism, the “purity” of peasant folklore, and the utopia of “night music”. Furthermore, the study of the forms of transmission and criticism of one of the canonical composers of the last century raises broader issues concerning cultural history, such as: the continuity between artistic modernism and totalitarianism, the forms and meanings of cultural resistance, the relation between music and diplomacy, and the construction of the antifascist myth of Bartók.This thesis argues that the Bartókian Wave, which emerged in Italy during the early Cold War period, was the result of the fusion between the Bartók myth – i.e. the “musician of freedom” celebrated by the critic Massimo Mila – and the myth of national regeneration: a fusion that had its origins in the soundscape of Fascist dictatorship and the Resistenza

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Lefebvre, Géraldine. "Le cercle de l'Art Moderne, 1905-1910 : le Havre : place des modernités artistiques et culturelles en France au début du XXe siècle." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100009.

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Abstract:

Le 29 janvier 1906, un groupe d’artistes et de collectionneurs créent au Havre le Cercle de l’art moderne. Parmi eux : les peintres Georges Braque, Raoul Dufy et Émile Othon Friesz, l’architecte Édouard Choupaÿ, le critique littéraire G. Jean-Aubry et quelques-uns des plus importants amateurs d’art de ce début de siècle : Olivier Senn, Charles-Auguste Marande, Pieter van der Velde, Georges Dussueil… L’association se fixe comme objectif de promouvoir l’art moderne dans toute sa diversité, organisant des expositions, des conférences et des concerts de musique. Monet, Renoir, Signac mais surtout les fauves, Matisse, Derain, Manguin, Marquet, Van Dongen, Vlaminck exposent leurs créations les plus récentes tandis que Debussy, Ravel et Roussel interprètent leurs compositions les plus originales. Frantz Jourdain et Guillaume Apollinaire apportent leur parrainage à l’association, qui affiche d’emblée sa filiation avec le Salon des XX à Bruxelles et le jeune Salon d’Automne à Paris. Le succès est retentissant, dépassant largement les frontières de la Ville. Cette thèse se propose de montrer combien ces années ont été cruciales pour Le Havre qui voit se créer un véritable marché de l’art fauve avec ses marchands, ses critiques d’art et ses amateurs. Le Cercle de l’art moderne a définitivement infléchi la politique artistique havraise vers une ouverture à l’art contemporain, plaçant la ville au rang de capitale culturelle de l’art moderne, dans une relation directe avec Paris et Bruxelles
On the 29th of January 1906, a group of artists and collectors created the “Circle of Modern Art” in Le Havre. Among them were painters Georges Braque, Raoul Dufy and Émile Othon Friesz, the architect Édouard Choupaÿ, the art critic G. Jean-Aubry and some of the most important collectors of that time: Olivier Senn, Charles -Auguste Marande, Pieter van der Velde, Georges Dussueil and many others. The association's goal was to promote all aspects of Modern Art, organised many activities such as exhibits, conferences, concerts and so on. Monet, Renoir, Signac and especially the French “Fauves”—Matisse, Derain, Manguin, Marquet, Van Dongen, Vlaminck—exhibited their most recent creations while Debussy, Ravel and Roussel performed their most recent original compositions. Frantz Jourdain and Guillaume Apollinaire supported the association, which early on showed its affiliation with the Salon des XX in Brussels and the young Salon d'Automne in Paris. It was a great success in Le Havre and throughout France and Europe, resounding far beyond the city's borders. This study goes back to those crucial years in Le Havre and focuses on that very special time that saw the creation of a real art market devoted to the “Fauve” painters, with its art dealers, critics and collectors. The “Circle of Modern Art” definitely influenced the artistic policy of Le Havre, opening it up to contemporary art and ranking the city as a cultural Capital of Modern Art, directly in conjunction with Paris and Brussels

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Kim, Hyun-hee. "La figure de l'artiste et le rôle de l'art dans les romans de Romain Gary." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2013. http://www.theses.fr/2013CLF20017.

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Abstract:

La conception du « roman total » proposé par Romain Gary met fin au « chef d’œuvre ». Traversant « le siècle des ténèbres », Romain Gary trouve une part de responsabilité de l’art et de l’artiste dans l’impuissance de la culture face à l’horreur existante. Pourtant, bien qu’il mette l’accent sur la fonction sociale de l’art, Romain Gary n’adhère pas à l’art engagé, ni au roman réaliste ou au Nouveau roman. Il ne cherche pas à imposer ses idées au lecteur, mais veut lui ouvrir un espace de liberté. L’art doit être une jouissance pour qu’il finisse par devenir une force éthique. Il amène une prise de conscience de ce qui manque à la réalité. L’esthétique garyenne consiste à rendre au lecteur son autonomie de pensée. Nombre de ses personnages incarnent la figure de l’artiste sous différentes formes provocatrices : picaro, dandy, clown, etc. Pour Romain Gary, créer, c’est jouir et la jouissance est une révolte métaphysique contre la condition de la vie et contre la souffrance. Les artistes dans ses romans figurent bien ceux qui mènent cette lutte. Transgresseurs des valeurs et des ordres établis, les artistes chez l’auteur tiennent à se libérer de la réalité. Cette libération s’effectue d’une part à travers la création d’un monde imaginaire, d’autre part à travers le dépassement de soi ou la création de soi. Transformant leur vie comme une œuvre de leur imagination, les artistes garyens témoignent d’une identité multiple et en « devenir »
Néant

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Grassy, Elsa. "Le lieu musical : du texte à l’espace, un itinéraire sémantique. Poétique des catégories géographiques dans les musiques populaires américaines (1920-2007)." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040118.

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Abstract:

Il existe dans le discours de la presse musicale américaine de nombreux de termes géographiques, dont la fonction n’est pas uniquement de localiser l’origine des courants musicaux ou d’opérer leur catégorisation par genre ou sous-genre : ces mots sont l’indice d’une véritable esthétique géomusicale, par laquelle lieux et musique se donnent sens et valeur. L’ancrage dans un lieu confère à la musique la valeur de vérité et de réalité que recouvre la notion d’authenticité, et donne lieu à des jugements esthétiques imprégnés de déterminisme géographique. Cependant, le lien avec un lieu étant considéré comme un gage de qualité, celui-ci a pu être renforcé ou fabriqué de toutes pièces par l’industrie musicale : paradoxalement, la géomusicalité serait le signe d’une manipulation, du factice, de l’inauthentique. Malgré tout, la musique ayant le pouvoir de rendre le lieu magnétique, en ce qu’il devient l’objet du désir des fans, la fiction musicale peut générer sa propre réalité. Ceci est d’autant plus le cas lorsqu’elle retient l’attention des responsables locaux, et est exploitée dans le cadre d’initiatives de développement économique, notamment sous l’angle touristique – ce qui correspond à une géomusicalité appliquée. Cette étude se donne pour objectif d’explorer les mécanismes de l’esthétique géomusicale, du discours journalistique à ses applications sur le territoire américains. Elle se conclut par une analyse des représentations de la Nouvelle-Orléans en tant que ville musicale au lendemain de l’ouragan Katrina. Les discours qui ont entouré la reconstruction du « berceau du jazz » permettent de mesurer les enjeux de l’association entre musique et lieu aux Etats-Unis, et leurs répercussions sur les identités locales
The discourse on American popular music is fraught with geographical terms whose function is not merely to situate or to categorize music. This lexical field points to the existence of a geomusical imagination around American popular music, which attributes value and meaning to genres and styles that can be traced back to specific locales. Such rootedness is interpreted as a sign of authenticity in the musical discourse. For that reason, geographic authenticity has been fabricated by the music industry in order to increase the value of cultural products. In the same way, local authorities and the tourism industry have promoted the musical image of specifc places in order to make them more attractive to residents and visitors alike. Such initiatives can be considered as applied geomusicality, and decrease the gap between geomusical fiction and geographic reality. This study explores the many facets of geomusicality, from the American journalistic discourse to local initiatives that aim at promoting the musical image of places. It closes on a case study devoted to New Orleans after hurricane Katrina. The way the “cradle of jazz” was represented in the news and in official discourses as well as the musical reactions to the hurricane allow one to assess the many implications of geomusicality and its hold on popular imaginations

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Vallespir, Mathilde. "L'exorcisme produit par des oeuvres poétiques et musicales de la guerre et du direct après-guerre : 1939-1945." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040211.

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Abstract:

L'objet de la thèse est de circonscrire un agencement d'art particulier : l'exorcisme produit sur un récepteur actuel par des œuvres musicales et poétiques de la guerre et du direct après-guerre de R. Char, H. Michaux, O. Messiaen et A. Jolivet. En consommant ces œuvres, le récepteur exorcise la violence propre à la guerre en opposant à la négation de l'autre propre à Auschwitz, lequel emblématise la guerre, l'avènement d'une entité autre surgissant de la perception conditionnée par ces œuvres. Une telle " altérisation " perceptive repose sur un fonctionnement contradictoire de la perception, qui s'effectue tout en s'auto-déconstruisant, et qui brouille la réception. Après avoir en une première partie posé les fondements théoriques de l'approche, et cerné la spécificité de la musique et du langage en s'appuyant sur une critique des rapprochements effectués entre eux, on analyse l'agencement d'exorcisme à proprement parler, en décrivant, en une deuxième partie, sa manifestation fondamentale, le brouillage. On détermine les sources sémiotiques spécifiquement langagières et musicales de ce brouillage, et on montre son pouvoir de déstructuration de la perception et de désimplication sur le récepteur. Le brouillage est ainsi défini comme agencement monstrueux. La dernière partie réinsère cet agencement local dans l'agencement général d'exorcisme. Ce brouillage peut en effet se muer en altérisation, la lecture de la métaphore se transformant en création d' hétéro-univers de croyance, le paradoxe en hétéro-doxe, quand l'écoute s'opère selon des repères marginaux par rapport aux attentes. S'ensuit enfin une modélisation générale de l'agencement d'exorcisme comme mécanisme de substitution de l'autre à soi, comme contre-violence à l'Histoire
The objective of this work is to circumscribe an "agencement" (arrangement) of specific art: the exorcism produced on a receiver by musical or poetical works from the Second World War and the immediate after-war period by R. Char, H. Michaux, O. Messiaen et A. Jolivet. When encountering these works, the receiver exorcises the war-related violence by confronting the negation of the other characterising Auschwitz with the advent of another entity rising from the perception conditioned by these works. Such a perceptive "alterisation" rests on a contradictory functioning of perception, which de-constructs itself whilst happening, and which blurs perception. In a first part, we set the theoretical basis for our approach, by encircling the specificity of music and language based on a criticism of association usually made between both of them. We then analyse the mere "agencement" of exorcism by describing its fundamental manifestation - the process of "brouillage" (confusion) - in a second part. We define the semiotic sources for this process which are specific to language and music, as well as its manifestation more distinctively perceptive in both systems, through its power of de-construction and des-involvement. That way, we manage to define the "brouillage" as a monstrous "agencement". The last part of this work is dedicated to the reinsertion of this "agencement" into the more general "agencement" of exorcism. We show how the "brouillage" can change to "alterisation", with the reading of metaphor itself changing into the creation of a hetero-universe of belief, and the paradox into "hetero-dox", when listening operates along benchmarks which are marginal compared to expectations. To conclude, we propose a general modelling of the "agencement" of exorcism as a way of substituting to the other, as a challenge to the violence of History

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Arot, Dominique. "François Mauriac et la musique." Bordeaux 3, 2010. http://www.theses.fr/2010BOR30002.

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Abstract:

François Mauriac a abondamment écrit sur la musique, tout en se revendiquant comme un « illettré de la musique ». A partir de ce paradoxe apparent, cette thèse se fixe pour objectif de mettre au jour le caractère singulier de la relation de l’écrivain avec la musique. La présentation du paysage musical de cette première moitié du XXe siècle et l’inventaire précis du patrimoine musical recueilli par Mauriac dans ses années d’apprentissage constituent la première étape de cette recherche. En dépit des limites de ce capital initial, l’exceptionnelle sensibilité du romancier va lui permettre de se comporter en véritable musicien des mots et de traduire dans ses écrits toute la richesse de ses sensations sonores, qu’elles naissent de l’écoute de tous les genres de musique ou des mille et uns bruits de la nature qui l’environne. C’est la voix, avec toutes ses nuances, qui occupe la place centrale de cet univers sonore finement ressenti et recréé, qu’il s’agisse de la voix si singulière de l’auteur, de la voix des poètes, de l’opéra, de la chanson ou des musiques qui prolongent la voix. De cette multiplicité de rencontres se dégage une esthétique musicale propre à Mauriac qui privilégie l’approche de la musique par le prisme de l’émotion et récuse toute création ne reposant que sur la spéculation rationnelle. Mozart est pour Mauriac le compositeur qui résume le plus parfaitement son idéal esthétique, fait de vie et de naturel, réconciliant univers sonore et musique, tout en portant témoignage du divin, par sa perfection même. Le portrait renouvelé de l’écrivain qui se dégage de cette recherche révèle un auditeur qui fait de la musique un art de vivre.

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Kelkel, Manfred. "Naturalisme, vérisme et réalisme dans l'opéra de 1890 à 1930." Lille 3 : ANRT, 1985. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37593937m.

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Chapalain, Guy. "La guitare et son répertoire au XIXe siècle : 1850-1920 : novations et permanence /." Villeneuve d'Ascq : Presses universitaires du Septentrion, 2001. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37224993c.

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Abstract:

Thèse--Musicologie--Paris-4-Sorbonne, 1999.
Catalogue des oeuvres pour guitare p. 479-548. Liste alphabétique avec notices biogr. des guitaristes et compositeurs p. 363-448. Bibliogr. p. 581-642. Index.

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Garfi, Mohamed. "Musique et spectacle : le théâtre lyrique arabe : esquisse d'un itinéraire, 1847-1975 /." Paris : l'Harmattan, 2009. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41478159m.

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Gyra, Varvara. "Esthétique et principes compositionnels dans l'œuvre de Jani Christou (1926-1970)." Paris 8, 2008. http://www.theses.fr/2008PA082935.

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Abstract:

La présente thèse porte sur l'esthétique et les principes compositionnels de l'œuvre du compositeur d'origine hellénique Jani Christou (Le Caire, 1926 - Athènes, 1970). Issu de la musique contemporaine des années 1950, Christou crée son propre langage musical d'après les résultats de ses propres recherches. Dans la première partie, nous étudions tout d'abord l'œuvre du compositeur des deux premières périodes de production (1948-1958 et 1960-1964) et puis nous accordons une importance particulière aux compositions de la troisième et dernière période (1965-1970), qui constituent l'apogée de la production de Christou et qui englobent sa pensée musicale dans sa version la plus élaborée. Plus précisément, nous analysons "Phoenix Music" (1948), "Symphonie nº 1" (1950), "Patterns and Permutations" (1960), "Mysterion" (1966), "Enantiodromia" (1968), "Epicycle I" (1968), "The Strychnine Lady" (1967) et "Anaparastasis III : The Pianist" (1968). Dans la seconde partie, nous nous intéressons aux conceptions philosophiques qui marquent l’œuvre musicale, telles que le principe de la "proto-performance" et de la "praxis-métapraxis", tout en prenant en considération l'influence exercée sur le compositeur par ses lectures. Nous examinons aussi le manifeste de Christou, intitulé Un Credo sur la musique, le rôle du processus circulaire dans la composition, et la notion de confrontation à travers l'expérience musicale. L'accent est mis également sur la dimension psychologique de l'œuvre musicale de Christou, étant donné que le compositeur - fortement imprégné de l’enseignement de Carl Gustav Jung - emploie des éléments psychologiques personnels dans sa production musicale
This thesis studies the aesthetics and compositional principles in the work of the Greek composer Jani Christou (Cairo, 1926 - Athens, 1970). Christou, who emerged from the environment of contemporary music of the 1950s, introduced his own musical language, based on his personal research. In the first part we study the composer’s work produced during the two first periods (1948-1958 and 1960-1964), and we focus on his compositions of the third and last period (1965-1970). They constitute the apogee of his musical thought in its most developed form. In particular, we study "Phoenix Music" (1948), "Symphony No. 1" (1950), "Patterns and Permutations" (1960), "Mysterion" (1966), "Enantiodromia" (1968), "Epicycle I" (1968), "The Strychnine Lady" (1967), and "Anaparastasis III : The Pianist" (1968). In the second part we address the philosophical concepts that characterize Christou's musical work, such as the principles of "proto-performance" and "praxis-metapraxis", taking into consideration the composer's anthropological readings. We also study his manifesto, entitled A Credo for music; the role of the circular process in composition; and the notion of confrontation through musical experience. We pay particular attention to the psychological dimension of Christou's musical work, since the composer, influenced by the work of Carl Gustav Jung, uses personal psychological elements in his music

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Guillermic, Sandrine Pouivet Roger. "Musique, propriétés expressives et émotions." S. l. : Université Nancy 2, 2007. http://cyberdoc.univ-nancy2.fr/htdocs/docs_ouvert/doc296/2007NAN21008.pdf.

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Alazard, Florence. "Art vocal, art de gouverner : la musique, le prince et la cité en Italie à la fin du XVIe siècle /." Paris : Minerve, 2002. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39007217k.

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Privitera, Giovanni. "Naissance et évolutions de la chanson d’auteur italienne : de 1958 à l’orée du vingt-et-unième siècle." Thesis, Aix-Marseille, 2014. http://www.theses.fr/2014AIXM3049.

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Abstract:

Cette thèse de doctorat a pour objet d'étude la chanson d'auteur italienne de 1958 à l'orée du XXI° siècle. Une période si étendue correspond à la volonté de ne pas enfermer le sujet, ni dans des bornes chronologiques étroites, ni dans une définition close de la chanson d'auteur. Cette étude s'intéresse également aux liens entre la chanson italienne et le contexte sociétal et politique. La 1° partie analyse les principaux phénomènes artistiques justifiant, à la fin des années 50, l'affirmation d'un tournant « d'auteur » dans la chanson italienne, jusque-là figée dans un mélisme hérité de l'opéra, tout en tenant compte des éléments conjoncturels et des hasards de l'Histoire. La 2° partie est vouée à l'étude de la langue, de la poétique et de l'esthétique de cette chanson. Une large part est faite à la question dialectale, démontrant que cette question ne se réduit pas au folklore. La 3° partie étudie la chanson par le prisme de l'Histoire : de façon rétrospective mais aussi comme un reflet des temps en prise directe. La 4° et dernière partie aborde notre contemporanéité et la chanson d'auteur sous des formes nouvelles : rock, nouvelle école cantautoriale, rap.Ce cheminement nous mène à toute une série de pistes de réflexions : la réécriture, l'aspect performatif, la légitimité culturelle d'un genre artistique et, à l'ère d'internet, les nouvelles formes et modalités de réception de l'art mais également la révolution que le web provoque dans la création. La chanson compte une place importante dans la société et dans la culture des XXème et XXIème siècles. Elle a donc besoin d'être envisagée plus que jamais, et peut nous aider à comprendre à quelle époque on vit
This doctoral thesis explores the Italian art song genre from 1958 until the dawn of the twenty-first century; the broad scope of investigation was chosen so that the subject would not be overly circumscribed either temporally or notionally. The thesis also examines the relationship between the Italian art song and its social and political contexts. The first part, taking into account those influences as well as the effect of the random events of History, analyses the main artistic phenomena at the end of the '50 that led to an "artistic" turning point for the Italian popular song, hitherto locked into an opera derived melismatic mode. The second part investigates the language, the poetics and the aesthetics of the art song genre addressing at length dialect, demonstrating that this question cannot be explained merely in terms of folklore. The third part develops the art song seen through the lens of History, both retrospectively and as a reflexion of the current events of the day. The fourth and last part discusses the new forms of art song that have developed within a contemporary context: rock, the new cantautoriale school and rap. The rewriting, the performance act itself are discussed; the cultural legitimacy of an artistic genre and new forms and ways of experiencing art, as well as revolutionary modes of creation with the advent of the Internet are explored. The song was granted an important place in the society and culture of the second half of the twentieth century and the beginning of the twenty-first; today, imbued with the troubles of a new period, it invites our questions and research more than ever to help us understand the age we live in

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Sermet, Vincent. "Les musiques soul et funk : la France qui groove des années 1960 à nos jours /." Paris : l'Harmattan, 2008. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb412854703.

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Pariot, Christian. "Le Monde et la musique : du pluralisme musical à l'écoute plurielle ; champ critique et postmodernité." Toulouse 2, 2005. http://www.theses.fr/2005TOU20068.

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Abstract:

Les évolutions de la critique musicale du journal Le Monde, de 1985 à 2000, révèlent l'influence de l100a postmodernité, qui se traduit, notamment, par une large ouverture au pluralisme musical et par une attention toute particulière donnée au phénomène des croisements et métissages musicaux. Le pluralisme critique entraîne la multiplication des experts, mais ne met toutefois pas en cause le secteur de la grande culture qui échappe à la déhiérarchisation postmoderne. Il est cependant permis de faire le constat de l'affaiblissement de la fonction critique par la perte de la mission pédagogique, inhérente à la culture moderniste. En lieu et place de la théorie du progrès en art, reformulation du concept d'inaudible, qui siège désormais au coeur de l'esthétique postmoderne. Topologie de l'écoute plurielle et essai de définition d'une écoute métisse
The evolutions of Le Monde musical criticism, under postmodern influence, from 1985 to 2000. Study of musical pluralism and of musical cross over. Rephasing the concept of unheard, at the core of postmodern aesthetic. Topology of a plural listening and essay of definition of an interbred listening

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Bouvier-Simonetti, Béatrice. "La Musique populaire américaine et ses implications sociales des années 1890 aux années 1960." Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37609908s.

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Barbe, Michèle. "Fantin-Latour et la musique." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1992PA040129.

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Abstract:

Ami de Manet, mais ennemi de l'impressionnisme, admirateur de Delacroix et précurseur du symbolisme, le peintre Henri Fantin-Latour fait figure avant tout d'artiste indépendant, et son originalité, c'est à la musique qu'il la doit. Issu d'un milieu familial simple, mais tout orienté vers l'art son père était peintre, sa mère et ses deux sœurs pratiquaient le piano il développa sa culture musicale de diverses manières : au contact d'amis Otto Scholderer, les Haden, les Edwards, Édouard Manet, Frédéric Bazille, Edmond Maitre, Adolphe Jullien, Antoine Lascoux entre autres ; auprès de son épouse, Victoria Dubourg, peintre et pianiste; en fréquentant les salles de concert et les théâtres lyriques ; en assistant au premier festival de Bayreuth l'année 1876. Véritable témoin de la vie musicale de son temps, il fit preuve d'une rare perspicacité de jugement. Il est en outre l'un des meilleurs représentants d'un vaste mouvement, qui se renforcera au XXe siècle, rassemblant des artistes prônant le rapprochement entre les arts. Nombre de dessins, gravures et peintures - scènes réelles, transpositions d'œuvres musicales, scènes allégoriques et imaginaires - au total 544 œuvres recensées, témoignent ainsi de la passion musicale de Fantin-Latour. Cependant, de l'ensemble de l'œuvre réaliste et féerique émane une musicalité qui n'est autre que le reflet de son âme, l'âme que lui-même définissait comme une "musique"
A friend of Manet. Though an enemy of the impressionists in general. An admirer of Delacroix and the forerunner of symbolism, the painter Henri Fantin-Latour appears most of all as an independent artist. He owed his originality to music. Coming from a modest family background, but entirely devoted to art - his father was a painter. His mother and two sisters played the piano - he developed his musical culture in various ways: from his friends - Otto Scholderer. The Hadens, the Edwards. Edouard Manet. Frederic Bazille, Edmond Maitre, Adolphe Jullien, Antoine Lascoux among others -; from his wife, Victoria Dubourg, painter and pianist, from frequenting concert halls and opera houses; by being present at the inaugural Bayreuth festival in 1876. A true witness to the musical life of his times, he showed a rare shrewdness of judgement. Furthermore, he was one of the foremost representatives of a vast movement that became stronger in the 20th century, grouping artists in favour of a closer relationship between the arts. A number of drawings, engravings and paintings - real scenes, transpositions of musical works, allegorical and imaginary scenes - a total inventory of 544 works thus testify to Fantin-Latour's passion for music. However, considered together, from both his realistic and magical works emanates a musicality, which is nothing

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Delpeux, Sophie. "Les formes de la disparition : art corporel et photographie : 1963-1983." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010610.

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Abstract:

De l'art corporel, il ne reste que des traces disséminées dans des fonds d'archives. Au sein de ces ensembles constitués par les artistes, la photographie est omniprésente. À la fois preuve palpable de ce qui a été et signe d'une continuité brisée, l'image d'action - dont cette étude analyse l'usage par Carolee Schneemann, les actionnistes viennois, Gina Pane, Michel Journiac, Valie Export et Chris Burden - matérialise une histoire en creux de ces pratiques et de leur temps.

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Lovisa, Fabian R. "Musikkritik im Nationalsozialismus : die Rolle deutschsprachiger Musikzeitschriften 1920-1945 /." Laaber : Laaber-Verlag, 1993. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35600248n.

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Saladin, Matthieu. "Esthétique de l'improvisation libre : étude d'une pratique au sein des musiques expérimentales au tournant des années 1960-1970 en Europe." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010589.

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Abstract:

A travers l'étude des trois ensembles AMM, Spontaneous Music Ensemble et Musica Elettronica Viva, cette thèse entend rendre compte de l' esthétique de l' improvisation libre au tournant des années 1960-1970 en Europe, période d'émergence de cette pratique au sein des musiques expérimentales. La première partie de cette étude s'attache à dresser les portraits de ces trois groupes à l'esthétique différente et à décrire les modalités qui les ont conduits à expérimenter la radicalisation du principe d'improvisation dans la création musicale. La deuxième partie cherche en confrontant ces trois ensembles à discuter, du point de vue esthétique, les problématiques essentielles qui structurent le processus de création de l'improvisation libre: les rapports à la liberté et aux règles, la création collective ou encore l'expérimentation musicale. La troisième partie se concentre enfin sur la relation qui unit l'émergence de cette pratique et son contexte sociohistorique afin de considérer ce que l'on pourrait appeler la« politique» de l'improvisation, caractérisée par l'a priori démocratique qui la sous-tend et l'émancipation musicale à laquelle elle prétend conduire les musiciens qui s'y engagent. Au terme de cette étude, nous verrons alors que l'expérimentation à l'oeuvre dans la pratique de l'improvisation libre ne saurait être réduite à la seule recherche musicale abstraite, détachée des contingences du monde, mais qu'elle se doit d'être envisagée comme double, répondant d'une dualité constitutive: à la fois expérimentation musicale et expérimentation politique.

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Adeline, Yves-Marie. "La musique et le monde." Paris 1, 1990. http://www.theses.fr/1990PA010603.

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Abstract:

Tandis que la recherche musicologique se veut traditionnellement historiciste, le but de cette thèse est de jeter les bases d'une musicologie fondamentale. À cette fin, il nous est proposé que rien ne saurait être dit de ce qu'est la musique, par nature, qui exclurait la nature de l'homme. De fait, il apparait que l'artiste et le compositeur procèdent beaucoup plus de l'engendre que d'une faculté de genèse.

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Parsi, Frédérique. "Jean Giono et la musique." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL066.

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Abstract:

« Je ne mets rien au-dessus de la musique », écrit Giono. Pourtant, l’écrivain n’est guère musicien et refuse l’apprentissage du solfège, même si sa sensibilité musicale deviendra au fil du temps passion éclairée. La présence de la musique dans l’œuvre suit logiquement un parcours parallèle à celui qu’elle occupe dans la vie de Giono. Au-delà de sa simple présence thématique, aisément repérable dès les premiers écrits, outre les fonctions argumentatives, narratives et poétiques qu’elle offre aussi à l’écrivain, la musique s’impose progressivement comme une source d’inspiration et même un modèle esthétique pour l’homme de lettres. De manière inattendue, c’est lorsque la thématique musicale tend à disparaître que le roman devient ou tente de devenir véritablement musical chez Giono. La musique offre de plus l’occasion de s’interroger sur des tensions essentielles de l’œuvre, entre aspiration pour un certain naturel et nécessité de la culture, entre goûts musicaux très personnels et découverte de la musique via des mentors littéraires, entre modernité romanesque et prédilection pour des modèles souvent anciens, entre quête de structures musicales définies et transposition subjective de celles-ci. Giono aura proposé une réponse singulière à la question de l’impossible traduction du langage musical en mots qui taraude nombre d’écrivains. Paradoxalement, le rapport libre de Giono à la musique a une incidence sensible sur son écriture et, partant, intéresse de plein droit les études musico-littéraires et l’histoire de la littérature du xxe siècle et de ses mutations
« For me nothing is more important than music », Giono wrote. However, the writer was no musician and refused to learn music theory, even though his musical sensitivity became an enlightened passion as time went by. The presence of music in his work logically follows a parallel path to that of music in Giono’s life. Beyond its mere presence as a theme, easily perceptible in his early writings, and apart from its argumentative, narrative and poetic roles that are presented to the writer, music progressively becomes essential as a source of inspiration and even a model of aesthetics for the writer. Against all odds, when the theme of music tends to disappear, the novel becomes or seeks to become truly musical in Giono’s work. Besides, music is an opportunity to ponder over the paramount tensions in his work : between an aspiration to nature and the necessity of culture, between very personal musical tastes and the discovery of music through literary mentors, between fictional modernity and a predilection for past models, between a quest for defined musical structures and their biased transposition. Giono offered a singular answer to the question of the impossible translation of the language of music in words, and this question has tormented countless writers. Paradoxically, Giono’s independence from music had a conspicuous effect on his style and is therefore relevant to music and literary studies as well as the history of 20th century literature and its transformations

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Négrit, Frédéric. "Musique et immigration dans la société antillaise en France métropolitaine de 1960 à nos jours /." Paris ; Budapest ; Torino : l'Harmattan, 2004. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39263377b.

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Martheleur, Aude. "Le rock psychédélique anglais et américain (1966-1970)." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2008. http://www.theses.fr/2008STR20034.

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Abstract:

Les années 1960 font figure d’Âge d’Or dans l’histoire du rock. Cette période est marquée par des bouleversements sociaux et politiques dont l’écho se retrouve dans la musique populaire. Le rock psychédélique est l’une des expressions artistiques née dans le bouillonnement créatif de l’époque. Prenant comme prétexte la prise de substances hallucinogènes, le psychédélisme pousse le rock à élargir son langage en intégrant de nouvelles influences. Ainsi le rock psychédélique compose son univers en mêlant toutes les références qui passent à sa portée, musicales ou extramusicales, populaires ou « classiques », sans établir entre elles de hiérarchie. Le rock, par le biais du psychédélisme, construit ainsi un code de références qui lui est propre et devient une Culture. Ce travail tente de situer le mouvement psychédélique dans son contexte historique et artistique, et de dégager les principales caractéristiques musicales du psychédélisme en s’intéressant aux différents aspects de la musique : les groupes, les jeux musicaux influencés par la prise d’hallucinogènes, les textes et les spectacles, afin de comprendre quels éléments se retrouvent aujourd’hui dans le rock actuel et dans quelles proportions
The Sixties appears in rock music history as a kind of a Golden Age. This period is marked by social and political upheavals whose echo is found in popular music. Psychedelic rock is one of the artistic expressions born in the creative boiling from the time. Taking as pretexts the catch of hallucinogenic drugs, rock musicians see this time of creativity as an occasion to enlarge and to diversify their language by integrating new elements. Thus psychedelic rock composes its universe by mixing all the references which pass to its range, literature, comics, oriental music…without establishing hierarchy between them. This work tries to set psychedelic movement in its historical and artistic context, and to establish the principal musical characteristics of the psychedelism while being interested in the various aspects of this music: bands, musical plays influenced by the catch of hallucinogens, texts, shows…in order to understand which elements are found today in the current rock language and in which proportions

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Bollivier, Patricia de. "Art contemporain réunionnais, art contemporain à la Réunion : construction locale de l'identité et universalisme en art en situation post-coloniale." Paris, EHESS, 2005. http://elgebar.univ-reunion.fr/login?url=http://thesesenligne.univ.run/M/TH_EHESS_Bollivier_2005.pdf.

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Abstract:

À La Réunion, depuis la décentralisation, les politiques culturelles véhiculent de fortes revendications identitaires fondées sur les multiples appartenances territoriales de la société réunionnaise, son histoire et sa population spécifiques. Cette thèse propose, après un historique du développement culturel, une étude du champ des arts plastiques et de l'art "contemporain", que nous posons comme émergeant dans La Réunion des annnées 80-90, avec une mise en perspective des enjeux politiques, esthétiques, éthiques. La production classée comme "art contemporain réunionnais" a-t-elle un caractère spécifique ? La réponse se trouve-t-elle dans les oeuvres ou dans les discours qui les légitiment ? Quelles stratégies identitaires sont à l'oeuvre dans le processus d'homologation de l'art dans cette société créole où la France est longtemps restée seule garante des labels esthétiques et culturels ? In fine, c'est la question postcoloniale de l'émergence de nouvelles "centralités" qui apparaît
Since the decentralisation policy (initiated by the French government during the 1980s), cultural policies in La Réunion (French overseas department -DOM- in the Indian Ocean) have been enabling strong identity claims founded on the multiterritorial belonging and the specific history and population of La Réunion's society. Based on an initial historic approach of cultural development (in La Réunion), this thesis suggests the study of the field of visual arts and "contemporary" art emergent in La Réunion during the 1980s and 1990s, with a particular focus on the political, aesthetic and ethical issues herein involved. Does the production of what has been classified as "contemporary Reunion art" contain a specific character? Is the answer to this question to be found in the artworks themselves or within their legitimizing discourses? Which identity strategies are "at work" in the art homologation process in this Creole society in which "France" has long been the only reference for aesthetic and cultural labelling? This is the main question of this work

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Danchin, Sebastian. "Earl Hooker (1929-1970) : vie et mort d'un héros du ghetto." Nancy 2, 1985. http://www.theses.fr/1985NAN21017.

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Ozga, Kasia. "La sculpture publique aujourd'hui entre objet et évènement : expérimenter le temps - activer l'espace." Paris 8, 2013. http://octaviana.fr/document/178617598#?c=0&m=0&s=0&cv=0.

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Abstract:

L’objectif de cette étude est d’analyser comment les projets d’art public renouvellent la question fondamentale, tant philosophique que politique, de la fonction de l’art. À la fois accessible et critique, la sculpture publique donne une dimension sociale à l’expérience phénoménologique du corps et matérialise la sphère publique en un espace réel d’échange social. Nos 55 cas d’étude concernent des sculptures contemporaines, créées surtout après 1980 en Occident. Les œuvres sont apparues en même temps que les discours critiques sur l’art public favorisant l’art dialogique immatériel. Elles expriment une relation entre l’espace accessible au grand public, le corps humain et le temps tel qu’il est appréhendé par l’homme et inscrit dans une continuité historique. Ces liens sont traités dans trois parties qui explorent la manière dont chaque œuvre remet en question notre identité individuelle, révèle la nature processuel des relations qui évoluent au fil du temps et incite le spectateur à re-construire le public. L’art public contemporain accueille le conflit et remet en cause le consensus rationnel et fondamental, visé par des modèles de la sphère publique discursive et l’hégémonie dominante, en soutenant une démarche qui se veut une étape de travail. Alors qu’on peut établir une distinction entre les artistes critiques défendant des espaces agonistes et ceux qui tendent à créer du consensus, nous maintenons que la sculpture publique, qui a un intérêt social et qui soutient le renouvellement politique, se trouve toujours en équilibre entre ces deux positions. Auparavant, l’œuvre était créée pour un public existant ; aujourd'hui, elle est la création de son propre public
This study aims to analyze how public art projects beg the question, both philosophical and political, of the function of a work of art. At once accessible and critical, public sculpture gives a social dimension to the phenomenological experience of the body and enables the public sphere to materializes into a real space of social interaction. Our 55 case studies cover contemporary sculpture created in the Western world, primarily after 1980. These works appeared at the same time as the critical discourse on public art began promoting intangible forms of social practice. The sculptures link together public space, the human body and time structured by human history. These links are discussed in three sections that explore how each artwork challenges individual identities, reveals social relationships to be processes that evolve over time, and encourages the viewer to become publicly engaged in social change. Contemporary public art welcomes conflict and undermines both the rational consensus endorsed by models of the discursive public sphere and the dominant hegemony, supporting an approach intent on creating temporary spaces for exchange and dialogue. While we can distinguish between critical public artists that defend agonistic spaces and those who aim to create consensus, we maintain that public sculpture, which at once exists the public interest and supports political renewal, must oscillate between these two positions. In the past, public art was created for an existing audience. Today it must form its own public

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Nascimento, Fialho Ana Letícia do. "L'insertion international de l'art brésilien : une analyse de la présence et de la visibilité de l'art brésilien dans les institutions et dans le marché." Paris, EHESS, 2006. http://www.theses.fr/2006EHES0053.

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Abstract:

Le processus de mondialisation est en train de changer les frontières du monde de l'art contemporain international. Depuis les années 1980, la présence de l'art des pays non-centraux sur la scène artistique internationale est devenue de plus en plus importante. Toutefois, dans quelles mesures et sous quelles conditions les institutions et le marché sont-ils plus ouverts à la création artistique brésilienne ? Ce travail se propose de répondre à cette question et d'évaluer la présence et la visibilité de l'art brésilien dans le monde de l'art international aujourd'hui. L'analyse est organisée en trois parties : la première partie présente une réflexion sur les transformations des discours et des pratiques survenues dans le monde de l'art au Brésil et dans le monde de l'art international, au sens d'une internationalisation et d'une diversification croissantes. Les parties deux et trois présentes les résultats de la recherche empirique sur l'insertion de l'art brésilien dans le mode de l'art international. La deuxième partie porte sur l'analyse de l'insertion institutionnelle - la présence et la visibilité de l'art brésilen dans les collections et les expositions internationales. La troisième partie étudie l'insertion sur le marché - la présence et la performance des artistes brésiliens dans les ventes aux enchères, dans les galeries et les foires internationales. Les résulats de notre recherche montrent que le Brésil participe beaucoup plus au monde de l'art qu'auparavant. Malgré cela, sa place et sa visibilité restent marginales par rapport aux pays leaders en termes d'art contemporain
Globalization represents at the same time a chanllenge and an opportunity for less developed contries in many sectors, the art among others. In Brazil, to participate in the "international" art scene is presently a major goal for agents and institutions belonging to the national contemporary art world. But, in fact, what is the place of Brazilian visual art production in the international art markert and institutions ? What are the conditions and the advantages of acess to international recognition, in symbolic and economic terms ? Those are some of the questions we raise in this thesis, presented in three parts. In the first part we challenge the idea of the "new map of the arts", wich the globalization process would had made suposelly more diverse and democratic. Our work argus that art work from "peripheral" zones access to more central art scenes according a market logic : the need to renew the offer of cultural goods. What is presented as the "democratization" of the internationl art word is in fact the answer to the demand of new goods by different "markets" : institutional, academic, commercial. The second and the third parts of this work present the results of a large empirical research about the international insertion of Brazialian art in the international institutions and in the market, confirming the general hypothesis developed in the first part

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Paixão, Ana Margarida Madeira Minhos da. "Réthorique et techniques d'écriture littéraires et musicales au Portugal entre les XViie et XIXe siècles." Nice, 2009. http://www.theses.fr/2009NICE2003.

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Abstract:

Le présent mémoire est le résultat de la recherche de principes et de techniques de construction textuelle communes à la littérature et à la musique, à partir d’œuvres théoriques (Arts d’Écriture) produites au Portugal entre les XVIIème et XIXème siècles. La proximité des deux arts, identifiée en étapes d’Ante-Écriture, Écriture et Ultra-Écriture, est fondée sur les procédures, les normes et les étapes de création de la Rhétorique, codées et relativement stabilisées depuis l’Antiquité classique, répandues par les Arts littéraires et source des Arts musicaux portugais. À partir de la réflexion élaborée autour des Arts d’Écriture, nous prouvons l’existence, sur le plan de l’Ante-Écriture, de principes, notions, terminologie, perspectives théoriques et descriptions techniques communes aux deux arts (chap. I et II). Nous analysons des propriétés des signes, temps et espaces littéraires et musicaux (chap. I) et des intersections terminologiques, théoriques et techniques (chap. II). Sur le plan de l’Écriture, nous étudions aussi des procédés similaires de production d’entités textuelles et de modes d’organisation discursive identiques, notamment au niveau de la création (thème, période/phrase et arsis et thesis), de la disposition et des procédures expressives (chap. III). Nous présentons encore des techniques d’Écriture communes à la littérature et à la musique, faisant appel aux exemples des Arts d’Écriture de la période en analyse (chap. IV). Ces techniques se situent au niveau du signe (ornementation et connecteurs discursifs) ou du plan global de construction (suspension, répétition, variation, progression, suppression et inversion). Sur le plan de l’Ultra-Écriture, nous étudions, à partir d’Arts littéraires et musicaux, des modes d’énonciation et de réception identiques, surtout au niveau de l’interprète/performer et des effets du discours pour apprécier les effets des techniques d’Écriture présentés par les Arts d’Écriture de notre corpus (chap. V)
This thesis studies the principles and techniques of the textual construction in both literature and music. The research corpus integrates the theoretical works known as The Arts of Writing produced in Portugal between the 17th and the 19th centuries. We identify 3 stages in the existing proximity between the two arts: Ante-Writing, Writing and Ultra-Writing. Particular attention is given to the study of the procedures, norms, and moments of creation established by Rhetoric. They all had a powerful role not only due to being widely spread by the Portuguese Literary Arts but also by becoming the source of the Portuguese Musical Arts. The attention given to The Arts of Writing allows us to prove the existence, in relation to the Ante-Writing stage, of the principles, notions, terminology, theoretical perspectives and technical descriptions common to both arts (chap. I and II). We analyze sign, time and properties of space (chap. I) as well as terminological, notional and technical intersections (chap. II). In relation to the Writing stage we study similar production processes of textual entities and identical modes of discursive organization, namely on the different levels of creation (theme, period/phrase and arsis and thesis), disposition and expression (chap. III). We also give evidence of some Writing techniques common to both literature and music. Those techniques are situated either on the sign level (ornamentation and discourse connectors) or on the overall level of textual construction (suspension, repetition, variation, progression, suppression, and inversion) (chap. IV). In regard to the Ultra-Writing stage, we study the similar modes of enunciation and reception that can be found in literary and musical Arts, focusing on the modes related to the interpreter/performer and on the effects of discourse. Finally we put forward an understanding of the Writing techniques effects which are present in The Arts of Writing of our corpus (chap. V)

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Bories, Estelle. "Art et révolution : une perspective sur les avant-gardes et la question de la modernité en Chine au vingtième siècle (1976-2003)." Paris, Institut d'études politiques, 2011. http://www.theses.fr/2011IEPP0057.

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Abstract:

Cette thèse porte sur l’institutionnalisation du concept d’art contemporain chinois. Notre problématique repose sur la jonction entre la question de la modernité, les manifestations d’un particularisme culturel et le maintien d’un positionnement contestataire. Souvent envisagé comme l’expression d’un art mondialisé, l’art contemporain chinois masque un processus évolutif complexe. La revendication d’un décalage, voire d’une rupture, entre l’évolution de l’art en occident et en Chine a été à l’origine de nombreux débats. Les critiques portant sur les mouvements artistiques "avant-gardistes" affiliés aux courants de désidéologisation après la mort du président Mao en 1976 (Xingxing, bawu yundong) sont marquées par une scission entre les partisans d’un activisme artistique et les défenseurs d’une approche formelle tenant mieux compte des évolutions de l’art occidental. Un art perçu comme le reflet des mutations que connaît le pays dans les années 1990 -via le retour au réalisme (Réalisme cynique, Gaudy art) ou à la spécificité de l’expérience révolutionnaire (Pop politique)- va accentuer les controverses sur la place à accorder à la critique sociale dans la création contemporaine. La focalisation sur les données environnementales (beijing) sur laquelle s’appuie certains critiques (Li Xianting, Gao Minglu) a été pourtant condamnée par des artistes et des critiques d’art partis vivre à l’étranger (Fei Dawei, Huang Yongping…)
This thesis considers the institutionalization of the concept of Contemporary Chinese Art. The main issue is drawn on the analysis of expressions of cultural distinctiveness and its link to the question of modernity. Mostly regarded as the manifestation of a globalized art, Chinese contemporary art conceals in fact a complex evolutionary process. The claim that a gap, or even a break-away, between the evolution of art in the Western World and China, initiated many debates. The study of the artistic movements involved in the ideological emancipation process, after the death of Chairman Mao in 1976, (Xingxing, bawu yundong), shows a split between supporters of an artistic activism on the one side and partisans of a formal approach taking better account of developments in Western art on the other. Likewise, art perceived as an echo to the many changes sweeping the country since the 1990s has stimulated controversies on the role of social contest in contemporary art - through the return to realism (Cynical Realism, Gaudy Art) or the specificity of the revolutionary experience (Political Pop). Follows the emphasis on environmental data (Beijing) entertained by critics (Li Xianting, Gao Minglu), deeply condemned by artists and critics who were living abroad (Fei Dawei, Huang Yongping) ; also, there persists a rebellious stance (Ai Weiwei, Gao Shiming) aiming beyond the limits of denouncing Western attitude

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Drugeon, Fanny. "Incarnation sans figures ? : l'abstraction et L'Église catholique en France, 1945-1965." Tours, 2007. http://www.theses.fr/2007TOUR2015.

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Abstract:

Le développement d'un art abstrait au sein de la religion de l'Incarnation a des conséquences en partie paradoxales du point de vue du dogme catholique. Il s'agit de comprendre le rôle qu'a pu jouer la notion d'abstraction dans l'Église, et vice et versa, et comment a pu être acceptée une incarnation sans figures. La thèse aborde tout d'abord les rapports réflexifs que l'Église entretient avec les arts, et les enjeux institutionnels et artistiques qui y sont liés. Elle s'intéresse ensuite aux réalisations nées en partie d'une volonté de rapprochement du temps présent et de recherche d'un langage propre à l'Église. En outre, les créations indépendantes conduisent à s'interroger sur la complexité de la relation entre abstraction et Église catholique dans un cadre non liturgique. Enfin, le débat est replacé dans un contexte plus large : la société moderne, à travers les expositions, salons ou collections d'art sacré, dans lesquels l'abstraction trouve progressivement une place de choix
The development of an abstract art within the religion of Incarnation has partly paradoxical consequences regarding the catholic dogma. The point is to understand the part played by the notion of abstract art within the Church, and vice versa, and how an incarnation without figures could be accepted. This dissertation firstly studies the reflexive relationship between the church and the arts, and the institutional and artistic issues linked. Then, it examines the creations partly born because of the will of a connection between the present and the research of a proper Church language. Moreover, through the independent creations appears the complexity of the relations between abstract art and Catholic Church in a non-liturgical environment. Finally, the debate is replaced in a larger context : the modern society, through sacred art exhibitions, shows or collections, where abstract art progressively gains a prime space

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Darsel, Sandrine. "Musique, propriétés expressives et émotions." Thesis, Nancy 2, 2007. http://www.theses.fr/2007NAN21008/document.

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Abstract:

What is the relation between music and emotions (including expressive properties and auditor's emotions) ? It is the principal question of this study. This problem is inside a long tradition of dispute and discussion which had fed scientifical disciplines like philosophy, sociology, psychology, musicology, cognitive sciences, etc., as well as experiences of musical doers (musicians, audience, compositors, musical critics, dancers...). So it was very important to give a way in this issue and a specific contribution to it. The first part is about musical ontology, through a detailed study on the numerous kinds of musical works (classical, traditional, jazz, popular, etc.). The second part is about musical expression of emotions : what does it mean to ascribe expressive properties to music ? Finally, the third part is about musical understanding, with the opposition between cognitivism and emotivism. What is developped here counters traditional views. It is generally admitted that aesthetic statements which ascribe expressive properties to musical works do not have ontological involvments nor truth conditions. At the opposite, I argue for the extrinsic reality of expressive properties (there are not mind projections, figures of speech, or intrinsic physical properties). Therefore, this study supports aesthetic realism and takes the risk to combine it with a fostering immanentist ontology and a rational emotivism
Quel est le rapport entre la musique et les émotions sous ses deux aspects (les propriétés expressives et les émotions de l'auditeur) ? Telle est la question centrale de cette étude. Ce problème s'inscrit dans une longue tradition de débats et de réflexions qui ont nourri les disciplines scientifiques telles que la philosophie, la sociologie, la psychologie, la musicologie, les sciences cognitives, etc., tout autant que les expériences des acteurs du domaine musical (musiciens, auditeurs, compositeurs, critiques musicaux, danseurs...). Il était donc important de proposer une réflexion ouvrant un accès à ce débat, tout en lui apportant une contribution spécifique. Cette étude s'interroge tout d'abord au sujet du mode d'existence des oeuvres musicales, à travers une réflexion approfondie sur la musique sous ses différents formes (classique, traditionnelle, jazz, rock, de variété, etc.). Une deuxième artie est consacrée à l'expression musicale des émotions : que signifie l'attribution de propriétés expressives aux oeuvres musicales ? Enfin, une troisième partie examine la question de la compréhension d'une oeuvre musicale, avec la querelle opposant les tenants du cognitivisme et ceux de l'émotivisme. La thèse défendue ici va à l'encontre des conceptions habituelles. Le plus souvent, il est admis que les énoncés esthétiques attribuant des propriétés expressives à la musique n'ont pas d'implications ontologiques et ne peuvent prétendre à la vérité. A l'inverse, il s'agit de défendre l'idée selon laquelle les propriétés expressives, loin d'être des projections de l'esprit, des manières de parler ou encore des propriétés réductibles aux propriétés physiques de base, sont réelles et extrinsèques. En ce sens, cette thèse s'inscrit dans le courant du réalisme esthétique qui prend le risque d'y articuler une ontologie immanentiste d'accueil et un émotivisme rationnel

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Quinz, Emanuele. "Esthétiques des paysages sonores." Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082226.

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Abstract:

Grâce à la convergence entre les pratiques révolutionnaires des Avant-gardes et les évolutions des technologies de production, de traitement et de diffusion sonore, émerge un nouveau paradigme esthétique, un nouveau modèle d'œuvre musicale : l'environnement sonore. Dépassant le statut de l'objet et du texte, l'environnement se définit comme un champ de relations. Il reconfigure les postures et les rôles de l'auteur et surtout du spectateur, qui se trouve immergé dans un espace sonore, impliqué dans des processus d'actualisation et dans tout un réseau de relations intersubjectives. Les composantes plastiques, la collaboration des dimensions sonore, visuelle, haptique et kinesthésique, les stratifications des codes et la contamination des supports, la complexité des apparats techniques employés donnent lieu à des matérialisations parfois très variées de ce modèle (paysages sonores, installations, environnements réactifs et interactifs, sculptures musicales, Klangkunst, Muzak, œuvres génératives et en réseau). Il est possible aujourd'hui d'en constater la généralisation dans différents domaines de la création artistique et musicale. Au centre de la recherche se trouve l'analyse d'un certain nombre de manifestes (entre autres, l'Art des Bruits de Russolo, le Traité des objets musicaux de Pierre Schaeffer, Le Paysage sonore de R. Murray SChafer et les écrits de Brian Eno, de David Rokeby et de Jaron Lanier) qui ont théorisé le modèle environnemental, en l'opposant directement au modèle traditionnel abstrait de l'œuvre musicale. L'approche, dans la perspective des récentes théories de l'histoire non-linéaire, est plutôt synchronique que diachronique, et analyse différentes théorisations et stratégies esthétiques de l'environnement sonore comme œuvre d'art, du " complexe plastique " futuriste à la Soundscape Composition, de la musique concrète à l'Ambient Music, des installations interactives aux Réalités Virtuelles.

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Dissertations / Theses on the topic 'Art et musique – 1970-'

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