Dissertations / Theses: 'Art – France – 1900-1945'

1

Amidon, Catherine S. "La politique artistique française des années trente : étude des expositions en France et à l'étranger." Paris 1, 1992. http://www.theses.fr/1992PA010663.

Full text

Abstract:

"La politique artistique française des années trente : étude des expositions en France et à l'étranger" est une analyse de la peinture dans le contexte de l'exposition, les commentaires critiques et les idéologies politiques de ceux qui ont planifie des manifestations culturelles entre-les-deux-guerres. La création d'un système en France et la diffusion des valeurs qu'il embrassait développe en même temps que certains analogues à l'étranger. Les systèmes nationaux - dirigés par des fonctionnaires - alimentent le système international. En France, les œuvres et les expositions sont employées comme des outils à faire face à la crise l'image de stabilité artistique contraste à l'agitation sociale des manifestations dans les rues den 1934 et à la prise des chantiers de l'exposition universelle en 1937. La France, l’Italie, et l’Allemagne sont les pays principaux de cette étude, bien que les États-Unis et l’Angleterre soient essentiels pour considérer les problèmes spécifiques aux expositions internationales espérant avoir une influence mondiale et dirigiste sur la politique internationale. Remettant en question les choix, cette étude des expositions aux années trente permet de comprendre des aspects de la France d'entre-les-deux-guerres qui sont autrement insaisissables
"French art and politics in the thirties : a study of french and foreign exhibitions" is an analysis of : paintings in the context of exhibitions, the political ideologies of those who planned these cultural events, and the commentaries of them by critics the wars. The evolution of a system of exhibitions in France, and the diffusion of the values it embraced, developed at the same time as analogous institutions in other countries. The national systems controled in France by non-elected civil servants - provided politically charged input into the international system. In France the works and the exhibitions were used as tools to deal with the social crisis and depression. The image of artistic stability constrasts with the social agitation of protests in the streets in 1934 and the take-overs at the building site of the exposition universelle in Paris in 1937. France, Italy and Germany are the principal countries in this study, although the United States and England are also essential to the understanding of the problems specific to international exhibitions with a directive influence on world politics. This study of exhibitions in the thirties permits the consideration of different and otherwise undefinable aspects of french culture between the wars essential to understanding its' art and politics

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

2

Gispert, Marie. ""L'Allemagne n'a pas de peintres" : diffusion et réception de l'art allemand moderne en France durant l'Entre-deux-guerres, 1918-1939." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010666.

Full text

Abstract:

Les relations artistiques franco-allemandes entre 1918 et 1939 sont grevées par un antagonisme politique mais aussi par une «psychologie des races» qui cherche à opposer mentalités latine et germanique. Les Français estiment que les Allemands ne sont pas peintres et lisent tous les mouvements artistiques allemands en fonction de caractéristiques ethniques. Les Allemands eux-mêmes ont du mal à se départir d'un certain sentiment d'infériorité. Dès lors, les réseaux de diffusion de l'art allemand en France, qu'ils reposent sur des artistes, des politiques, des marchands ou des critiques d'art, obtiennent certes quelques résultats mais apparaissent trop peu impliqués, trop partiaux ou trop peu écoutés pour être véritablement efficaces. Les expositions dans les galeries et salons et les acquisitions des musées sont donc peu nombreuses et la germanité reste un critère déterminant même si quelques artistes comme Grosz, Kokoschka, Klee ou Ernst connaissent un certain succès en France.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

3

Olivry, Gaëlle. "La politique artistique de la France lors de l'exposition internationale de New-York." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2002PA040246.

Full text

Abstract:

"En 1939, alors que les premières déflagrations du deuxième conflit mondial éclatent en Europe, la ville de New York est le Réceptacle de l'Exposition Universelle " Le Monde de Demain ". Invitée, la France saisit l'opportunité offerte de donner une image de luxe " à la française " à la hauteur de ses aspirations. Fidèles à ses valeurs esthétiques et morales, elle réitère les formules de représentation nationale élaborées lors de sa prestation en tant qu'organisatrice de l'exposition internationale des arts et techniques dans la vie moderne en 1937. A cette occasion, la France offre une représentation artistique qualifiée, par nos contemporains, d' "ultime assaut de la culture chancelante ", ou de " moment de grâce pour l'art français ". Contrastant avec les bâtiments futuristes américains, la France s'est bâti une rotonde de verre, une vitrine palatiale du " bon goût français ". "
1939, as the first bombs of World war II explose in Europe, New York city is opening "The world of tomorrow" world's fair. As one of the guest, France takes the chance to offer a glimpse of French luxury, that reflects its aspirations; to be true to its traditional esthetical and moral values, France duplicates the formulas that had been successful during their last presentation as organiser of the 1937 International "Arts and techniques of modern life" exhibition. On this new occasion France displays what our contemporary critics quality either an "ultimate assault of tottering culture" buildings, France has erected a rontonda of glass, majestic window of French good taste

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

4

Bertrand-Dorléac, Laurence. "Art, culture et société : l'exemple des arts plastiques à Paris entre 1940 et 1944." Paris, Institut d'études politiques, 1990. http://www.theses.fr/1990IEPP0015.

Full text

Abstract:

L'occupation allemande et le régime de Vichy font culminer en France la crise des valeurs humanistes. En art, la situation doit beaucoup à l'héritage de l'avant-guerre, mais des ruptures d'intensité et de nature modifient la scène artistique. L'art, objet d'orgueil patriotique, est accusé de refléter et d'alimenter la décadence moderne : l'absence d'idéal, l'individualisme et la démocratie. Sous la révolution nationale, il devient un instrument privilégié de redressement et de rénovation, après un retour à l'ordre et à la tradition. Le Secrétariat général des beaux-arts envisage une politique largement consensuelle en faveur de la tradition , du beau métier, de l'art monumental et des thèmes édifiants. Mais le milieu artistique, par nature hostile au dirigisme d'Etat, résiste aux positions officielles en matière de corporatisme et d'exclusion. En outre, très peu d'artistes acceptent de servir le service artistique du Maréchal attaché à sa personne. Si peu d'artistes entrent dans la résistance, certains créent des oeuvres subversives, tandis que la majorité est attentiste et nourrit de sa production les imaginaires d'un public exceptionnellement nombreux à fréquenter les lieux d'art. Le régime nazi, quant à lui, procède à ses propres démonstrations artistiques, encourage par les ultracistes francais comme Rebatet, et conforte par le voyage en Allemagne d'artistes reconnus : vlaminck, Derain, Despiau, etc. Mais les autorités nazies se consacrent essentiellement à l'exclusion des artistes juifs et francs-maçons, tandis qu'elles tolèrent l'exposition d'oeuvres "dégénérées". Enjeu pour des pouvoirs autoritaires visant au contrôle de la société, et exutoire pour une population dans l'attente d'un retour "à la normale", l'art et ses modalités d'existence servent à leur manière à éclairer l'histoire de cette époque
In France, the humanistic values crisis culminated during the German occupation and the Vichy regime. During this period , art inherited much of the pre-war situation. But disruptions, both in intensity and nature modified the artistical scene. Art, as an expression of patriotic pride was is considered as a reflection of modern decadence : the lack of ideal, individualism, and democracy. Under the "national revolution" art became an instrument of development and revival after a return to order and tradition. In many respects, the "Secretariat general des beaux-arts" thought of a widely approved art policy magnifying the tradition, the fine craft, the monumentalism and the edifying subjects. The artistic world, by nature reluctant to state dirigism, resisted against the governmental positions concerning corporatism and exclusion policy. Besides, few artists accepted to serve the "service artistique du Marechal" which was attached to his person. If some artists entered the French resistance movement, some created subversive works while the majority of them staid aside and bred on its production the fancy of the many people visiting various art places. The German regime, on its side, proceeded with its own exhibitions, being encouraged by French ultras as Rebatet, and being comforted by the German journey of some famous artists : Vlaminck, Derain, Despiau, etc. Meanwhile the nazi authorities spent most of their time on their exclusion policy towards jewish and mason artists. Censorship was discontinued against the exhibition of works considered as "degenerated". Art was a stake for an authoritarian power aiming at controlling society, and an outlet for a population looking forward to returning back to normality

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

5

Maingon, Claire. "Les Salons du rappel à l'ordre, Paris 1914-1925 : des artistes français aux artistes indépendants." Paris 10, 2006. http://www.theses.fr/2006PA100135.

Full text

Abstract:

Cette étude porte sur les Salons des Beaux-Arts entre 1914 et 1925 et regroupe un corpus d’œuvres de plusieurs centaines d’artistes peintres et sculpteurs. Elle a pour ambition de démontrer la permanence de la culture de guerre et l’importance de la tradition nationale dans les arts. Elle s’appuie sur les archives inédites des Sociétés organisatrices, les livrets des Salons et documents retrouvés dans les familles d’artistes. La recherche révèle les carences de l’Etat et la prise d’influence des marchands et industriels dans le commerce de l’art. Son bilan iconographique montre que la démobilisation culturelle fut lente et héritée de l’idéologie combattante de 1870. Enfin, cette étude prouve l’éclosion d’une tradition indépendante, troisième voie de l’Ecole Française, qui élargit le prisme du rappel à l’ordre et annonce les Temps menaçants
This study of Art history focuses on the “Salons des Beaux-Arts” from 1914 to 1925. It gathers a corpus of several hundred works by painters and sculptors. The purpose is to demonstrate the resilience of the Culture of Great World War and the importance of the artistic national tradition. It uses unreleased archives, exhibitions books and documents found by the inheritors of the artists. The study shows the State deficiencies and the influence of art dealers and industry people in the art market. The iconographic work shows that the cultural demobilisation was a slow and painful process coming from the 1870’s warrior ideology. It points out the birth of a tradition of independent art, what we call the Third way, which opens the prism of the call to order and announces the menacing times of the 1930’s

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

6

Lambauer, Barbara. "Francophile contre vents et marées ? : Otto Abetz et les Français, 1930-1958." Paris, Institut d'études politiques, 2000. http://www.theses.fr/2000IEPP0041.

Full text

Abstract:

Découvrant à l'occasion d'une première rencontre franco--allemande en Forêt-noire en 1930, la disposition des jeunes Francais à un rapprochement avec l'Allemagne, Otto Abetz sait par la suite -depuis 1933 pour le compte du Troisième Reich - élargir ce champ d'activité aux anciens combattants français, désireux de préserver la paix malgré la prise de pouvoir national-socialiste. A la fin 1935, défiant la crise des relations franco-allemandes officielles, abetz réussit à susciter la création d'un "comité France-Allemagne" par un certain nombre de personnalités françaises, disposées à faire pression sur les milieux politiques et journalistiques en faveur d'une entente franco-allemande. Cette oeuvre d'Abetz, devenu entre temps l'émissaire officiel du ministre allemand des affaires étrangères, est interrompue en 1939 par son expulsion du territoire hexagonal, ses agissements d'agir sur l'opinion française étant devenues véritablement gênantes à l'approche d'une nouvelle guerre. Un an plus tard cependant, il retourne triomphalement en France, cette fois en tant qu'ambassadeur de la puissance d'occupation allemande. Si sa position et ses tâches restent floues à l'origine, l'axe de collaboration qu'il réussit à instaurer avec Pierre Laval lui permet d'étendre considérablement son champ d'action: en premier lieu, des relations avec le gouvernement de Vichy (et l'assurance d'une "collaboration" sur le plan politique et économique), mais aussi un certain contrôle de la vie intérieure de la France: ainsi, il joue un rôle clef dans plusieurs domaines majeurs du régime d'occupation, comme la politique de persécution anti-juive ou la division interne des Francais, tout comme dans le domaine artistique de la zone occupée et, après l'évacuation des troupes d'occupation de Paris, dans le répli du gouvernement de Vichy à Sigmaringen. La présente étude a comme objectif de mettre en exergue le rôle et le poids de ce personnage pendant ces années sombres. Comme d'expliquer le maintien d'une certaine ambiguïté sur la francophilie du personnage au-delà de sa mort en 1958. Otto Abetz et les Français, une relation impossible du fait des circonstances de l'époque ?

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

7

Genet-Delacroix, Marie-Claude. "Art et État sous la IIIe République : 1870-1940." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010558.

Full text

Abstract:

L'étude intègre l'analyse historique et sociologique des caractères objectifs et symboliques des relations entre l'Etat, l'art et les artistes et leur interprétation dans une anthropologie culturelle du système libéral tel qu'il s'est épanoui sous la troisième république, et ce à deux niveaux : 1/ une analyse socio-institutionnelle du système des beaux-arts dans ses différents champs : a) structure et évolution de l'administration et de la direction des beaux-arts; b) historique, œuvre et prosopographie du Conseil supérieur des Beaux-arts (et des commissions techniques de l'administration des B. A. ); c) budget des B. A. ; d) institutionnalisation de l'enseignement artistique et de l'histoire de l'art à tous les niveaux de l'enseignement; e) prosopographie des professionnels de la gestion et de la connaissance de l'art; f) structure, croissance, mutation du marché de l'art et ses effets sur le travail artistique, les revenus des artistes, sur leur professionnalisation et sur leur condition sociale. 2/ Une analyse du discours sur l'art qui médiatise les rapports du créateur à son œuvre et à l'art, comme ceux des professionnels de l'art (critiques, professeurs, gestionnaires, marchands, hommes politiques) et ce dans ses différentes formes et fonctions : a) l'écriture sur l'art et ses diverses formes d'expression rhétoriques concernant la perception et la représentation du travail artistique et de la réalité; b) le discours sur l'art et l'artiste dans l'histoire et la société selon ses modalités
This thesis is devoted to the historical and sociological study of the objective and symbolical characters of the relations between state, art and the artists. Their interpretation in the general frame of the cultural anthropology of the liberal system is attempted at two different levels : - a socio-institutional analysis of the beaux-arts system in its different components (administrative structure; the "conseil superieur des beaux-arts", its work and history (with a prosopographical survey of its 344 members : 120 artists, 98 civil servants and art critics, 126 politicians); finances : budget of the beaux-arts; educational system and its artistic reforms; artistic market). - an analysis of the discourse on art in its different forms and functions (writings on art, artistic criticism, biography and autobiography), as well as of oppositions involved in the writer's work, between the professional art reviewers and historians and the artists -the professionals of artistic creation

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

8

Lantenois, Annick. "Essai d'analyse critique de la formule "retour à l'ordre" : France, 1919-1929." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010532.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

9

Krebs, Sophie. "L'Ecole de Paris, une invention de la critique d'art des années vingt." Paris, Institut d'études politiques, 2009. http://www.theses.fr/2009IEPP0045.

Full text

Abstract:

L’Ecole de Paris est née en 1923 au cours d’une querelle dite « des étrangers » ou des « Indépendants » au moment de l’organisation des salons de 1923 et 1924. La critique d’art, celle favorable aux étrangers, a inventé cette notion pour séparer les étrangers installés depuis longtemps en France des vrais étrangers, en s’appuyant sur le constat d’une immigration forte notamment à Montparnasse. Grâce à sa position dominante dans la presse et l’édition, elle a révélé les réseaux d’artistes qui unissent Français et étrangers, écrivains et artistes fondés sur une entraide mutuelle. Ces réseaux traversent ceux d’un anarchisme diffus mais bien présent. Cette même critique a fabriqué mythes et légendes individuelles ou collectives d’un Paris accueillant et prompte à faire éclore tous les talents venus du monde entier. Pourtant, derrière cet universalisme revendiqué, la critique au cours de ces années 20 révèle des positions de plus en plus divergentes, passant d’un cosmopolitisme généreux à un nationalisme frileux, pouvant même amener à une xénophobie plus marquée au nom de la défense de l’art français. La question de l’antisémitisme accompagne le débat sur les étrangers, posant parallèlement la question d’une école juive (de Paris) ou d’un art juif. Enfin, au début des années 30 qui marque la fin de l’Ecole de Paris, les institutions muséales séparées en deux, le Jeu de Paume réservé aux étrangers et le Luxembourg aux seuls français, s’emparent de la notion d’Ecole de Paris pour introduire la modernité sur les cimaises. La naissance du musée national d’art moderne qui réunit les deux collections ne résout pas le problème qui établissait une distinction « ethnique » et non artistique
« L’Ecole de Paris », was launched in 1923, in the course of a quarrel said « Quarrel of the Independants », during the organization period of the 1923 and 1924 « Salon ». The art critics, who were in favor of the foreigners, invented this notion to distinguish the foreigners installed in France for a long time, from the true foreigners. They were relying on the fact that a strong immigration movement could be observed in Montparnasse. Thanks to its dominating position in the Press and in the publishing business, this movement revealed artistic networks, which were associating French and foreigner writers and artists, and which were grounded on mutual aid. These networks were crossed with diffuse but very present anarchistic networks. The same art critics fabricated individual or collective myths and of a welcoming city of Paris, which would be eager to let blow all talents from the entire world. Yet, behind this claimed universalism, artcriticism revealed divergent positions along the 1920s, from generous cosmopolitism, to overcautious nationalism, even to a more affirmed xenophobia in the name of the defense of French art. The question of anti-Semitism goes along with the debate on foreigners, and at the same time raises the question of a Jewish School of Paris and Jewish art. At last, in the beginning of the 1930s, a time which marked the end of the “Ecole de Paris”, the museums then grabbed the notion of “Ecole de Paris” in order to introduce modernity. The new “Musée national d’art moderne”, which bound the two collections, does not solve the question which established an “ethnic” distinction, and not an artistic one

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

10

Somek, Claude. "L'immeuble d'habitation parisien 1919-1939 : 6000 édifices de 4 étages et au-delà, plusieurs courants architecturaux, une strate originale dans l'histoire de la ville." Thesis, Amiens, 2018. http://www.theses.fr/2018AMIE0043/document.

Full text

Abstract:

La thèse a pour objet d'étudier les immeubles d'habitation parisiens construits entre 1919 et 1939. Il s'agit, pour cette période sacrifiée par l'historiographie contemporaine, de mettre en évidence une "strate architecturale originale de l'habitat", terme qui illustre l'ensemble des caractéristiques des édifices : situation dans la parcelle, plan des étages, toiture, système constructif, décoration externe, équipement des appartements. La diversité de cette strate s'exprime grâce à des catégories spécifiques, sans référence aux termes de Modernité, Modernisme et Modernisation, déjà préemptés par les historiens de l'architecture, en préférant ceux d'Art déco (affirmé ou dépouillé), Innovation (affirmée ou tempérée), Éclectisme post-haussmannien, permettant de prendre en compte l'ensemble du corpus, immeubles de rapport ou logements sociaux. La méthode utilisée, à la fois quantitative et qualitative, consiste à travailler sur un corpus quasiment exhaustif de deux mille quatre cent-trente opérations immobilières correspondant à 6000 immeubles, garantissant ainsi la pertinence des résultats obtenus quant aux caractéristiques externes de la strate et à étudier en détail un sous-ensemble du corpus, tirant parti des éléments contenus dans les archives, les revues et les ouvrages de la période, et permettant d'obtenir des données sur les architectes, les commanditaires et les immeubles et des analyses plus complètes sur l'habitat. Cette thèse constitue une source qui devrait aider les chercheurs à explorer en détail les œuvres d'architectes méconnus, les matériaux utilisés et les liens entre architectes et commanditaires, ou entre architectes et entreprises de construction
The subject matter of this thesis is to study the Parisian buildings, built between 1919 and 1939. In this period, played down by the contemporary histography, this work aims to highlight an "original architectural layer of housing", a phrase which illustrates the feature sets of buildings : location in the plot (alignment or open courtyard), floor plans (traditional or duplex), roof (attic or terrace), building system, outer decoration, modern conveniences. The diversity of this layer is expressed by specific categories which are not labelled modernity, modernism and modernization, as historians are used to doing, but Art deco (full or partial), Innovation (full or moderate), Post-haussmannian eclecticism, so as to consider the whole corpus, residential rental accommodation or social housing. The approach used, both quantitative and qualitative, consists, on the one hand, in working on an almost exhaustive corpus of two thousand four hundred real estate transactions corresponding to six thousand buildings, thereby ensuring the relevance of the results obtained from the "visible" characteristics of the layer and, on the other hand, in closely studying a subset of the corpus in order to use the information found in the archives, in the Architecture reviews and in the works published in that period so as to obtain data about architects, clients, buildings and deeper analyses on housing.This thesis establishes a resource that could help future researchers to explore the works by underestimated architects, building materials and links between architects and clients or between architects and construction firms

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

11

Jannière, Hélène. "Représenter et diffuser l'architecture moderne : les revues françaises et italiennes, 1923-1939." Paris, EHESS, 1999. http://www.theses.fr/1999EHES0075.

Full text

Abstract:

La these analyse les politiques editoriales de l'architecture vivante (creee en 1923), de cahiers d'art (1926) et de l'architecture d'aujourd'hui (1930), et de domus et la casa bella (1928), de leur fondation a la veille de la seconde guerre mondiale. Ces revues constituent-elles, comme l'annoncent leurs programmes, des supports privilegies de l'architecture <> ou <> ? apparues dans une conjoncture de normalisation de l'architecture radicale europeenne, elles presentent une double caracteristique. Elles contribuent a construire une representation de l'architecture <> et participent a sa diffusion. Mais, a la difference des revues des avantgardes architecturales, elles traduisent l'affaiblissement des valeurs initiales de cette architecture. La premiere partie de la these precise le profil de ces revues, considerees comme un ensemble plus que dans leurs histoires singulieres, et les met en perspective avec un corpus plus vaste de publications. S'interrogeant sur l'identite des periodiques crees entre 1923 et 1930, elle estime comment a la fois ils temoignent et sont, en retour, le produit d'un changement de configuration des scenes architecturales europeennesdans la seconde moitie des annees vingt, et des nouvelles hypotheses qui fondent les discours sur l'architecture. S'appuyant sur l'analyse des politiques editoriales, la seconde partie s'interroge sur les representations de l'architecture contemporaine livrees par ces revues. Elle evalue leur <> critique a l'egard de l'architecture nouvelle. L'etude des relations entre scene nationale et scene internationale au sein de chaque periodique analyse leurs definitions de l'architecture <>. Elle examine enfin dans quelle mesure leur discours critique est faconne par leur <>, ou par une configuration particuliere du champ de la publication architecturale, et conclut sur une relative carence notionnelle de la critique architecturale des annees vingt et trente.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

12

Fournier, Catherine. "Marius-Ary Leblond, écrivains et critiques d'art." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040118.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

13

Papandreopoulou, Aikaterini. "Camille Mauclair (1872-1945), critique et histoirien de l'art : "une leçon de nationalisme pictural"." Thesis, Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010664.

Full text

Abstract:

Camille Mauclair (1872-1945) est l'un des auteurs qui comptent non seulement parmi les plus prolifiques mais aussi parmi les plus lus de son temps. S'il a su puiser dans toutes les occasions offertes par la Troisième République, investissant sa curiosité des débuts dans différents genres (roman, poésie, essai et critique), c'est toutefois en tant que critique d'art qu'il s'affirme professionnellement. Ce travail de recherche retrace le parcours professionnel et intellectuel de Mauclair, des années modernistes du symbolisme aux années de l'entre-deux-guerres et de l'Occupation, et explique à travers l'histoire des idées comment un auteur internationaliste a placé la question nationale au cœur de son débat et est progressivement devenu un pôle de conservatisme et de réaction. Sa perception d'un art national basé sur le XVIIIe siècle inaugure une histoire de l'art vulgarisatrice et nationaliste. La notion de crise devient pour lui une clé pour la compréhension du système de l'art qui l'entoure. La radicalisation de ses thèses l'amènera à une collaboration déterminante avec l'homme influent de l'extrême-droite François Coty et cette collaboration fera de Mauclair un pamphlétaire de l'art. Au début de la Deuxième Guerre mondiale, le critique adhère à la presse collaborationniste et ses choix réactionnaires et antisémites lui coûteront la postérité
Camille Mauclair (1872-1945) was one of the most prolific and most read authors of his times. He used every opportunity offered to him by the Third Republic and he engaged his talents to many literary genres: fiction, poetry, essays, and critiques. However, he only established himself professionally as an art critic. This thesis traces the professional and intellectual itinerary of Camille Mauclair from his early preoccupation with the modernism of symbolism to his later reactionary period and seeks to explain how an initially internationalist author placed the national idea at the heart of his debate. His perception of national art as starting from the l8th century launches a popularizing and nationalist art history. He furthermore develops the notion of crisis in ail levels and he turns it into a key to the understanding of the system of modern art. The radicalization of his opinions leads to his collaboration with the powerful figure of extreme-right François Coty which will make him a profession al lampoonist. During the Second World War, Mauclair joins the collaborationist press and his reactionary and anti-Semitic opinions will ruin his posthumous fate

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

14

Morando, Camille. "Peinture, dessin, sculpture et littérature : autour du Collège de Sociologie pendant l'entre-deux-guerres." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040144.

Full text

Abstract:

La créativité artistique pendant l'entre-deux-guerres, particulièrement riche et diversifiée, est souvent associée à des mouvements poétiques, philosophiques ou politiques. Le collège de sociologie est un des derniers de ces groupes, crée en 1937 à Paris par Georges Bataille, Michel Leiris et Roger Caillois. Ses origines, sa création et son existence côtoient une période de vaste bouleversement des idées politiques et des concepts esthétiques et moraux dont témoignent la peinture, la sculpture, le dessin et la gravure. Le Collège de sociologie est né des réflexions de la revue Acéphale créée en juin 1936 par Georges Bataille et Pierre Klossowski et illustrée par André Masson. Cette revue choisit de réhabiliter Nietzsche pour contrer le fascisme, et développe les enjeux de la violence et de la guerre, du mythe et du sacrifice pour définir une société sans dieu ou le mythe rend libre chaque individu. Le Collège de sociologie accompagne ces interrogations et se donne pour objectif d'étudier la sociologie du sacré dans les communautés secrètes et dans la recherche de l'individualisme, au sein des rites et du langage. L'ambiguïté du sacre tributaire du pouvoir et de la tragédie, de l'ordre et de la politique, se manifeste dans l'histoire mythologique, philosophique, esthétique et personnelle trois artistes suivent les conférences du Collège de sociologie, aux côtés d'un auditoire enthousiaste et contradictoire. Ce sont Taro Okamoto, Isabelle Waldberg et Jean-Michel Atlan. André Masson, moins assidu, établit dans son œuvre un lien entre les interrogations collégiales et les recherches esthétiques picturales, menées individuellement également par Pablo Picasso. L'étude du Collège de sociologie, accompagnée de celle de la revue Acéphale permettent d'observer les œuvres de ces artistes pendant l'entre-deux-guerres qui interrogent le mythe, comme celui de Dionysos et du Minotaure, son actualisation et sa violence décrite par le sacrifice et l'érotisme.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

15

Massipe, Alexandre. "S'engager aux côtés de la classe ouvrière pour "changer la vie" : 1919-1939." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010519.

Full text

Abstract:

Conscients des difficultés rencontrées par une classe ouvrière acculée à une mécanisation accélérée, ils sont quelques-uns, intellectuels et artistes, à porter une attention accrue aux conditions de vie des ouvriers. Les surréalistes et la philosophe Simone Weil sont de ceux-la. Sans illusion sur l'engagement politique, leurs rapports respectifs avec les partis et les syndicats demeurent distants même si la mise en place d'un gouvernement de Front populaire en mai 1936 fait souffler, l'espace de quelques mois, un vent d'espoir. Tous convergent vers l'idée que Ie prolétariat ne peut s'affranchir que s'il parvient à se réapproprier ce qui constitue la police de la pensée : Ie langage. C'est pourtant par la résurgence du sentiment de beauté, et les surréalistes comme Simone Weil n'auront de cesse de le répéter, que la libération de l' ouvrier pourra être considérée comme achevée. Sentiment seul capable de donner corps à une esthétique résistante, partant à une révolution a venir.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

16

Cohen, Emmanuel. "Le théâtre nondramatique : le théâtre des avant-gardes parisiennes des années 1940 aux années 1930 : Gertrude Stein, Dada, surréalisme." Amiens, 2014. http://www.theses.fr/2014AMIE0015.

Full text

Abstract:

Le théâtre nondramatique désigne une conception et une pratique du théâtre propre aux avant-gardes historiques parisiennes, et plus particulièrement à Gertrude Stein, aux dadaïstes et aux surréalistes. Bien qu'elles soient davantage connues pour leurs autres pratiques comme la littérature, la poésie ou la peinture, voire pour leur refus de la catégorie d'art même, le théâtre semble cependant hanter leurs productions et leurs discours. Par le refus des conventions du théâtre dramatique - de la structure narrative à la présence de personnages et à celle d'acteurs pour les incarner - Gertrude Stein, Dada et le surréalisme développent tous à leur façon une oeuvre théâtrale critique qui forment ensemble un panorama de l'antithéâtralisme propre à la modernité, mais aussi un répertoire des alternatives et variantes pensées par rapport au théâtre. Les théâtres de Gertrude Stein, de Dada et des surréalistes sont analysés au prisme des révolutions scientifiques et philosophiques de leur époque, parmi lesquelles les théories de William James se révèlent fondamentales. Dans ce contexte, les "conversation" et "landscape plays" de Stein, les soirées dadaïstes et les nombreux manifestes, comme leurs pièces de théâtre sont compris comme autant de tentatives de redéfinir le théâtre. Le théâtre nondramatique est ainsi compris comme un ensemble de théâtralités fondées sur la redéfinition de l'acte théâtral, comme la primauté du verbe, celle de l'acte performatif, et de la refonte de la communication théâtrale entre l'oeuvre et le spectateur-lecteur. De nouvelles définitions du sujet et du théâtre se font alors jour au carrefour des trois concepts esthétiques fondamentaux pour les avant-gardes : la métâthéâtralité comprise comme métalepse ontologique, la simultanéité et enfin le primitivisme
Nondramatic theater refers to a theatrical conception and an artistic practice developed by the historical Parisian avant-gardes, and more precisely by Gertrude Stein, Dadaists, and surrealists. Even though they are more commonly acknowledged for their other achievements in literature, poetry or painting, or even for their rejection of art as a category, yet, theater seems to haunt their productions and discourse. By their refusal of dramatic conventions - from the narrative structure, to the characters and the actors to incarnate them - Gertrude Stein, Dada and surrealism all develop their own critical theatrical works which form together a panorama of the antitheatricalism proper to the Modern era, but also some alternatives and variations to it thought in relation to theater. The plays by Gertrude Stein, Dada and Surreaslim are analyzed through the lens of the scientific and philosophical revolutions of their time, among which William James' theories are fundamental. Stein's conversation and landscape plays, but also the Dada evenings and the numerous manifestoes, can be considered as a variety of attempts to redefine what is theater. Nondramatic theater is thus understood as a set of theatricalities based on the redefinition of the theatrical art, like the primacy of speech, of the performative act, and the revision of the theatrical communication between the artwork and the spectator-reader. New definitions of the subject and of the theater reveal themselves at the crossroads of three aesthetical concepts that are fundamental for the avant-garde : metatheatricality understood as an ontological metalepsis, simultaneity, and finally Primitivism

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

17

Valle, Arbex Márcia María. "De l'image de la lettre à la poésie peinte : étude sur la fonction de l'écriture dans les arts visuels (1910-1930)." Paris 3, 1992. http://www.theses.fr/1992PA030137.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

18

Le, Thomas Claire. "Racines populaires d’un art savant : innovations cubistes et pratiques ordinaires de création (1907-1914)." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100087.

Full text

Abstract:

Cette thèse s’attache à comprendre les conditions d’apparition des innovations techniques et matérielles cubistes. Les analyses traditionnelles expliquant l’introduction de matériaux et de procédés non artistiques dans les œuvres cubistes se sont trop souvent restreintes à l’étude des interrogations plastiques auxquelles étaient confrontés ces artistes sans prendre en compte le contexte à l’intérieur duquel ces innovations ont vu le jour. Pourtant, étant donné leur nature même – le recours à des savoir-faire n’appartenant pas aux beaux-arts et à des objets tirés de la réalité – et la rupture sans précédent qu’elles constituent dans les méthodes de création, le rôle joué par les éléments contextuels devrait être questionné. Au moyen d’une enquête historique et ethnographique sur les avant-gardes montmartroises, il s’agit d’abord de redessiner le milieu dans lequel vivaient G. Braque, P. Picasso, J. Gris et H. Laurens afin de déceler ce qui aurait pu rendre possible et pensable l’invention des papiers collés et des constructions. Les pratiques populaires de fabrication manuelle à partir d’éléments courants et parfois récupérés apparaissent alors comme l’environnement technique le plus susceptible d’avoir favorisé ces innovations. Pour évaluer la manière dont ces usages de création domestique ont préparé l’introduction de matériaux et de procédés hétéroclites, ce travail procède ensuite à une analyse comparative entre les activités créatrices ordinaires, telles qu’elles sont décrites dans les livres de travaux manuels de l’époque, et les pratiques cubistes, étudiées à travers les œuvres et les commentaires des artistes sur leur travail. Le dessein de cette étude est donc de mettre en évidence les relations tissées entre des événements historiques, une situation sociologique, des idéologies, un environnement technique et des types d’expression plastique pour montrer que les innovations cubistes sont le fruit de données relatives à l’histoire sociale d’une époque
This dissertation tries to understand the innovative techniques and materials used by cubists and the conditions in which they appeared. Traditional analyses have not paid enough attention to the context in which the cubists innovations occurred whereas their very nature – the introduction of inartistic materials and processes – and the unprecedented break they constituted in method, calls into question the part played by contextual factors. Through an historic and ethnographic enquiry into the Montmartrian avant-garde, this study begins by describing the environment in which G. Braque, P. Picasso, J. Gris and H. Laurens lived in order to reveal what in the milieu made possible for these Cubists to create papiers collés and constructions. Thus, the previously common practice of manually making objects with everyday or second-hand items is most likely the technical source of these innovations. Subsequently, in order to estimate the way these domestic practices of fabrication prepared the way for the introduction of heteroclite materials and techniques, this study provides a comparative analysis of ordinary handicraft activities and Cubists’ practices. For the former, it examines the artisanal handbooks and manuels of the period. For the latter, it examines the works of art as well as the commentaries left behind by the artists. The aim is to point out the interactions between the historical context, the sociological environment, prevalent ideologies, the technical background of the artists and artistic expression in order to highlight how the cubist’s innovations were a product of the social history of this period

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

19

Escande, Dominique. "Convergences et divergences de la musique et des Beaux-arts autour de l'idéal classique en France (1909-1937)." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2004PA040230.

Full text

Abstract:

Les parallélismes et analogies entre les Beaux-arts et la musique en France de 1909 à 1937 sont construits autour d'un idéal classique commun. Le néo-classicisme des Beaux-arts au XIXe siècle, a-t-il influencé le néo-classicisme musical pendant l'entre-deux-guerres ? Quelles sont les relations entre ce dernier et le " retour à l'ordre " en peinture ? L'idéal classique transcende les catégories artistiques et suscite des problématiques historiques, esthétiques et formelles. Cette recherche rassemble un corpus d'œuvres convergentes qui dessine une périodicité recouvrant trois phases : la naissance du classicisme (1909-1919), la stabilisation (1919-1929) et le classicisme monumental ou détourné (1929-1937). Le classicisme du XXe siècle désintègre le modèle des classicismes antérieurs pour dissocier l'idée, le matériau ou la structure de l'œuvre. En cela réside sa spécificité
Parallelisms and analogies between fine arts and music in France from 1909 to 1937, are built on the same classical ideal. Did the neo-classicism of the 19th century's fine arts influence the néo-classicism in music during the interwar period ? What relates it to the " retour à l'ordre " in painting ? The classical ideal transcends the artistic categories and brings up historical, aesthetic and formal issues. This research gathers a corpus of convergent works which reveals a period made in three stages : the birth of classicism (1909-1919), the stabilization (1919-1929), and the monumental or misused classicism (1929-1937). The 20th century's classicism disintegrates the model of all the previous classical styles in order to dissociate the ideal, the material or the structure of the artistic work. This is what embodies its specificity

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

20

Stahl, Fabienne. "Les décorations religieuses de Maurice Denis (1870-1943) entre les deux guerres." Clermont-Ferrand 2, 2009. http://www.theses.fr/2009CLF20003.

Full text

Abstract:

S'appuyant presque exclusivement sur des archives de première main, cette thèse présente les décors d'églises de Maurice Denis (1870-1943) entre les deux guerres, étudiées d'un point de vue iconographique, formel, technique, remis en situation dans la vie et l'oeuvre de l'artiste et examinées à la lumière du contexte artistique, architectural mais aussi historique et religieux de la période. Les Ateliers d'art sacré, qu'il crée en 1919 avec George Desvallières et qui apportent au maître nombre de commandes et une main d'oeuvre qualifiée, sont aussi évoqués. Ses théories sur l'art religieux sont également analysées et confrontées aux écrits de George Desvallières, d'Alexandre Cingria, de Jacques Maritain ou du Père Couturier. Un catalogue raisonné de ses décorations religieuses réalisées entre 1914 et 1943 ou restées à l'état de projet (peintures murales, vitraux et mosaïques), accompagné d'un corpus complet d'images des décors in situ, des travaux préparatoires et de documents inédits, permet un examen exhaustif et renseigné sur des décors encore mal connus. Cette thèse, qui entend porter un nouveau regard sur le Maurice Denis de la maturité, réhabilite ses ensembles décoratifs, longtemps décriés, en les replaçant dans le courant de renouveau de l'art sacré au XXe siècle
This thesis, based almost exclusively on firsthand records, introduces the church decorating from Maurice Denis (1870-1973) in the interwar period, studied from an iconographic, formal and technical point of view, set back in context with the life and the work of the artist and investigated in light of the artistic, architectural, historical and religious background of these days. The Ateliers d'art sacré, created with George Desvallières in 1919, which brings to the master numerous commissions and a skilled labor, are also provoked. His theories on religious art are analyzed too and compared with the texts from George Desvallières, Alexandre Cingria, Jacques Maritain or Père Couturier. A catalogue raisonné of his religious decorating, accomplished between 1914 and 1943 or still remaining in a project state (wall paintings, stained glass windows and mosaic) altogether with a complete corpus of the decorating pictures in situ, of the preparatory works and a some unpublished documents, allows an exhaustive and informed review on some still unknown decorating. This thesis, intending to look at the mature Maurice Denis from a different perspective, rehabilitates his decorative wooks, long-discretized, in replacing them in the course of the sacred art renewal of the 20st century

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

21

Dupont, Erika. "Présence et réception des artistes anglais à Paris durant l'entre-deux-guerres." Thesis, Lille 3, 2019. http://www.theses.fr/2019LIL3H044.

Full text

Abstract:

Après la Première Guerre mondiale, des artistes affluent du monde entier vers la France, en particulier vers Paris, qui devient le principal foyer artistique européen durant l'entre-deux-guerres et qui voit se développer des courants mêlant tradition et avant-garde. C'est à cette période qu'immigrent de nombreux artistes originaires des pays du sud et de l'est de l'Europe (surtout pour des raisons sociales, religieuses et politiques, conséquences, notamment, des pogroms juifs et de la révolution russe). Paris, phare culturel du monde à l'époque, attire de plus en plus d'artistes qui rejoignent ceux déjà présents depuis le début du XXème siècle, tels Picasso, Braque ou Matisse. Entre temps, le centre artistique de la ville a migré du quartier de Montmartre vers celui de Montparnasse, qui compte parmi les artistes les plus représentatifs l'italien Modigliani, le suisse Giacometti, l'espagnol Dali, le russe Soutine, le biélorusse Chagall, ou encore le roumain Brancusi.Certains sont plus attirés par le Nouveau Monde et rejoignent Duchamp à New York, tandis que peu d'artistes américains émigrent vers Paris : ce sont plutôt des écrivains américains qui font le voyage inverse et s'installent dans la Ville Lumière (on pense à Ernest Hemingway ou Ezra Pound). Mais qu’en est-il des artistes anglais à Paris ? C’est le sujet de notre travail de recherche : qui sont, précisément, les artistes qui migrent ? Quelles sont leurs motivations ? Quel type d'œuvres ont-ils produit ? Quelles ont été leurs relations avec le milieu artistique et le public parisiens ? Quels échanges franco-anglais sont issus de cette présence anglaise en France ?
There were many English artists in France between 1919 and 1939. Yet this has been neglected. This project will do explore the English presence on the Parisian artistic scene and the reception of English artists by their French counterparts.After the First World War, artists came from the entire world to Paris. It became the main European artistic centre during the interwar period, where several artistic movements developed. Some of these artists came from Southern and Eastern Europe, often for social, religious and political issues.Paris attracted more and more artists who joined those who had been there since the beginning of the 20th Century – Pablo Picasso, Georges Braque or Henri Matisse, among others. At the same time, the artistic centre of Paris moved from Montmartre to Montparnasse, which gathered the Italian Amedeo Modigliani, the Swiss Alberto Giacometti, the Spanish Salvador Dali, the Russian Chaïm Soutine, the Belarusian Marc Chagall or even the Romanian Constantin Brancusi. Some artists preferred the appeal of the New World and joined Marcel Duchamp in New York, although relatively few American artists moved to Paris. French scholars have taken an interest in the period: the Franco-Russian artistic cooperation in Paris has been recently analysed by Tatiana Trankvillitskaia, while the Belgian presence is being studied by Céline De Potter.However, English artists in Paris have yet to be studied. Their contribution to artistic life or the impact of Paris on the English art at that time have been neglected by French historians.This current project traces the details of that English presence in France during the interwar years: who were the artists that came over? What was their subject matter? What kind of works did they produce? What were their relationships both with the artistic milieu and the Parisian public? What was the impact of French works on English art? The goal is to define the place of English artists within the “École de Paris.” Who were they and what were they attracted to?

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

22

Polack, Emmanuelle. "Le paradigme du marché de l'art à Paris sous l'Occupation 1940-1945." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H043/document.

Full text

Abstract:

L'euphorie du marché de l'art sous l'Occupation est aussi le reflet d'un afflux de marchandises issues des spoliations artistiques des personnes de confessions juives ou de tout opposant du IIIe Reich. Le nœud d'exploration de la présente thèse se place volontairement sur cette question. Elle propose une analyse des paradigmes d'un marché de l'art en période de guerre sous contrôle d'État collaborationniste
The euphoria of the art market under the Nazi Occupation is also a reflection of an influx of goods resulting from the artistic spoliations of the Jewish community along with any opponent of the Third Reich. The main concern of this thesis deliberately places itself on this question. It proposes an analysis of the paradigms of an art market during a war period under the control of a collaborationist State

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

23

Choubard, Alain. "Les matériaux nouveaux ou réintroduits dans la sculpture en France de 1880 à 1940." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040159.

Full text

Abstract:

Art et matière, idée et exécution : notions traditionnellement antithétiques ou inconciliables. Il découle de ce postulat initial que les matériaux usités par les sculpteurs restent méconnus, quant bien même les œuvres achevées sont mises en exergue. Pourtant, ne serait-ce que par les textures et les couleurs qui complètent la forme, la question du matériau s'affirme depuis toujours comme déterminante en sculpture. L'importance de cette donnée fut particulièrement évidente à la fin du XIXe siècle et dans la première moitié du XXe. Progrès technique, ouverture sur l'ailleurs, ressourcement dans la tradition nationale minèrent alors l'hégémonie pluriséculaire du bronze et du marbre en proposant des alternatives nouvelles ou en « réactivant » des usages oubliés. Qui plus est, ces changements de moyens commencèrent à faire vaciller le dogme académique, anticipant souvent en cela les bouleversements stylistiques connus par la sculpture à partir des années 1880-1890. Sont à prendre en compte : l'acier, l'aluminium, le bois, le ciment, le cristal, la diorite, l'étain, le fer, le granite, le grès cérame, l'ivoire, le lap, les différentes variétés de lave (andésite, basalte, porphyre), les matières plastiques, le papier, la pâte de verre, les pierres artificielles, les pierres dures, le schiste, le verre, le zinc. Soit vingt et un matériaux traités en autant de chapitres. Pour chaque élément retenu on tentera de répondre aux questions suivantes : qu'est-ce ?, quelles sont les raisons poussant à son emploi ou les inconvénients les limitant ?, à quand remonte son apparition dans un contexte statuaire ?, qui en usa ? Les textes réunis en un premier volume sont suivis de 380 pages d'annexes et d'un recueil de 350 illustrations.

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

24

Laurent, Stéphane. "Art et industrie : la question de l'enseignement des arts appliqués (1851-1940) : le cas de l'École Boulle." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010506.

Full text

Abstract:

Le rapport entre l'art et l'industrie sous le Second Empire et la Troisième République est étudié au travers d'une analyse des débats, des décisions des institutions privées, municipales et publiques concernant la question de l'enseignement des arts appliqués, qui fut une préoccupation artistique importante à cette époque. Il permet de comprendre l'évolution des conceptions ayant trait au dessin et aux métiers d'art et l’effacement progressif de l'artisanat au profit de la conception de modèles. Les artistes industriels ont d'abord cherché à valoriser leur oeuvre face à l’Académie des beaux-arts, dans une société gagnée par la révolution industrielle. Ils ont obtenu la création d'écoles, de musées, d'expositions périodiques, l'enseignement obligatoire du dessin. Leur production, désormais appelée art décoratif, a ensuite cherché une innovation formelle et un perfectionnement des structures qui avaient été fondées, notamment en développant la pratique à l'école, la création de modèles et l'enseignement féminin. A la veille de la seconde guerre mondiale, une seconde impulsion est donnée par l'état, au travers de la direction de l'enseignement technique, qui met en place une formation artistique dans les écoles techniques et un professorat des arts appliqués. Les premières ébauches de l'esthétique industrielle sont ainsi posées afin de moderniser l'enseignement de l'art pour l'industrie. La thèse se termine par une étude de cas, celle de l'École Boulle, qui est le fruit des premières réformes. L'analyse de son fonctionnement permet de retracer plus concrètement le cheminement des conceptions, grâce à l'analyse des programmes, des horaires, des relations de l'école avec la ville de Paris, sa fondatrice, et le milieu professionnel. Enfin, la conclusion fait un bilan de l'enseignement des arts appliqués, qui est ensuite confronté aux préoccupations actuelles, afin de saisir les constantes et les perspectives de la question. Dans un cadre plus large, de nouvelles opportunités d'investigation universitaires sont dégagées
The relationship between art and industry during the Second Empire and the Third Republic has been studied through an analysis of the debates, the decisions of private, municipal and state institutions about design education, which was one of the important artistic preoccupation of the time. It allows us to understand the evolution of the conceptions concerning design and craft, also the progressive disappearance of handcraft whilst industrial design increased. The designers first tried to give any credit to their production against the Académie des Beaux-arts, when the whole society enter in the modern industrial era. Schools, museums, exhibitions, compulsory drawing education were created for them. They tried after to find a new style for their production, now called decorative art, and to prefect structures which have been founded, specially by developing practice in schools, design and female education. Thanks to the technical education department, the government gave another impulse few years before the second world war by creating an artistic education in technical schools and a teaching programme for applied arts. So appeared the first signs of the industrial design, in order to modernize the art education for industry. At last we have studied the special case of the École Boulle, which was a consequence of the first reforms. The analysis of its organization, courses, schedule, relations with the Ville de Paris, its founder, and the industry, allows us to better consider the evolution of the conceptions. The conclusion includes the outcome of design education in France, which is then compared to nowadays preoccupations, in order to understand the permanent themes and prospects of the question. We also submit new opportunities of studies

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

25

Chevrefils, Desbiolles Yves. "Les revues d'art de l'entre-deux-guerres à Paris." Paris 1, 1992. http://www.theses.fr/1992PA010534.

Full text

Abstract:

À partir de la lecture des textes fondateurs (éditoriaux, manifestes, déclaration de principes) de plus de 70 revues d'art publiées à Paris durant l'entre-deux-guerres (revues dadaïstes et surréalistes ; revues se réclamant d'un "esprit nouveau", vouées à la défense de l'abstraction ou de l'art sacré ; revues ou bulletins appartenant à une galerie d'art ; revues savantes ou consacrées à l'art académique ; magazines d'art. . . ), cette thèse construit un récit historique retraçant les évolutions de cette forme spécifique d'activité éditoriale
By taking into account the leading papers published by more than 70 parisian art magazines between 1919 and 1939 (dadaist, surrealist and "esprit nouveau" magazines ; magazines devoted to abstract or sacral art ; magazines or bulletins published by art galleries ; scholarly magazines ; magazines on conventional art ; popular art magazines. . . ), the thesis relates the history and developments of this kind of publishing

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

26

Viraben, Hadrien. "Le savant et le profane : documenter l'impressionnisme en France, 1900-1939." Thesis, Normandie, 2018. http://www.theses.fr/2018NORMR095.

Full text

Abstract:

En 1946, la parution à New York de l’Histoire de l’impressionnisme de John Rewald consacra l’aura d’une historiographie scientifique du mouvement, cautionnée par un investissement documentaire. Cette qualité l’opposait à un monde profane, dominé par une tradition orale et en particulier la réputation de certains témoignages. Un examen attentif ne saurait pourtant donner raison au postulat d’une nature exclusivement savante du document. Une documentation impressionniste se constitua en effet, dès le début du XXe siècle, par l’intermédiaire de producteurs hétéroclites, artistes, témoins, héritiers, critiques, journalistes, aussi bien qu’historiens professionnels, conservateurs et universitaires. Elle peut ainsi être envisagée autant comme le fruit d’une quête de la vérité factuelle que comme l’appropriation d’un objet d’étude populaire, à travers ses empreintes écrites et visuelles. L’appareillage des lectures de l’impressionnisme réunit de la sorte : les autographes ; les memorabilia, meubles ou immeubles chargés du souvenir des peintres ; les technologies photographique et cinématographique. Ces documents participaient en outre d’une culture visuelle plus vaste, incluant les monuments et les plaques commémoratives dans l’espace public, ou encore les motifs transformés par l’acte pictural en points de vue remarquables. L’étude historique et critique de l’écriture de l’histoire impressionniste comme (dé)monstration documentaire permet de revenir sur les circonstances sociales et visuelles de sa mise en œuvre, sur les enjeux de carrière auxquels elle participa, et sur les missions qui lui furent assignées au sein de différents discours sur l’art, savants et profanes
In 1946 the publication of John Rewald’s History of Impressionism in New York consecrated the aura of the movement’s scientific historiography, supported by documentary investment. This quality confronted laymen’s narratives, which oral tradition and some witness’s accounts’ reputations dominated. Yet, a close consideration could not agree with the assumption of an exclusive scholarly nature of the document. Since the beginning of the 20th century, varied producers, such as artists, witnesses, heirs, critics, journalists, as well as professional historians, museum curators and academics formed an impressionist documentation. It thus can be interpreted as a quest for factual truth, as much as an appropriation of a research object through its written and visual marks. The equipment of impressionist readings hence gathered are: autographs; memorabilia, movable and physical assets as souvenirs of artists; photographic and cinematographic technologies. Moreover, these documents fit into a broader visual culture which included monuments and commemorative plaques of the public sphere, or motives transformed by pictorial acts into remarkable viewpoints. A historical and critical study of such a writing of history as documentary (de)monstration allows here to look back to its execution’s social and visual contexts, the career issues in which it participated, the goals that had been assigned to it within both scholars’ and laymen’s art discourses

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

27

Bennani, Mounia. "Le système des parcs et jardins publics du début du protectorat français au Maroc : Rabat, le prototype de la ville-paysage idéale (1912-1930)." Paris, EHESS, 2006. http://www.theses.fr/2006EHES0056.

Full text

Abstract:

Cette thèse de doctorat concerne l'histoire de la création paysagère au Maroc, entre 1912 (début du Protectorat français au Maroc) et les années 30. Le propos est de montrer en quoi les nouvelles villes aménagées par les Français à l'extérieur des médinas sous la direction de l'architecte Henri Prost sont une application des théories du «système de parcs» du paysagiste-urbaniste Jean Calude Nicolas Forestier. L'étude comparative des quatre villes impériales (Rabat, Fès, Meknès et Marrakech) et de Casablanca, permet de rendre compte d'une part de la place qui fut accordée à la planification des espaces libres lors de l'aménagement des nouvelles cités, d'autre part des tendances stylistiques de l'époque en matière de création de jardins publics urbains. Rabat, la capitale, illustre de façon inédite la «ville-paysage» idéale des années 20, entièrement construite autour d'un réseau planifié à l'avance, de parcs, de jardins publics, de boisement et de réserves d'espaces libres
This thesis of doctorate concerns history of landscape creation in Morocco between 1912 and 1930 that marks the beginning of French Protectorate in Morocco. The subject is to turn out the way that new tows developed by French people outside of the medinas under the direction of the architect Henri Prost are an application of the theory "Park System" defended by the landscape and urban architect Jean Claude Nicolas Forestier. The comparative investigations of the four imperial towns (Rabat, Fes, Meknès, Marrakech) and Casablanca permits to realize on the one hand the importance conceded to the planning of vacant spaces within the development of new cities and on the other stylistic tendency of urban epoch as to the creation of parks and urban public gardens. Rabat, the capital, shows in a new way the "city-landscape", idealism woodlands and reserves of vacant spaces in advance

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

28

Segol, Julien. "Le corps malléable, une révolution symbolique : transformations esthétiques et sociales du corps en France et en Allemagne, de 1900 à la fin de l'entre-deux guerres." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCC298/document.

Full text

Abstract:

Le sens symbolique du corps, autour de 1900, change : son inscription sociale collective et sa valeur pour l’individu se transforment. On assiste dans les premières décennies du vingtième siècle à l’érosion d’un monde d’hier devant les audaces de pionniers réformateurs de la vie et des avant-gardes artistiques (danseurs, chorégraphes, metteurs en scène), qui repoussent les limites de ce que peut un corps – non seulement les normes de la morale, du bienséant, mais aussi l’inédit, lié à la possibilité de techniques nouvelles. Comment, dès lors, se traduit l’évolution du sens du corps ? A quoi ressemble le corps moderne par rapport à celui du dix-neuvième siècle – dans les façons d’être, mais aussi les façons d’être affecté et de s’exprimer ? Quelle incidence, enfin, a le changement de sens du corps sur la façon de concevoir le rapport à son propre corps comme à celui d’autrui ? Deux tendances sous-tendent le principe de malléabilité dans le bouleversement des formes de vie et des stratégies d’individuation de la société moderne, par-delà leurs disparités : la première correspond à une transposition de la pensée fonctionnaliste et de la fétichisation capitaliste de l’objet sur le corps, alors que la seconde cherche, au contraire, à ressaisir le corps sous l’aspect de la vie organique pour articuler matière et esprit dans une perspective vitaliste, davantage unitaire. Notre enquête suit le développement de ces deux tendances pour montrer comment elles s’articulent dans les deux sphères sociale et esthétique jusque dans l’entre deux-guerres
Around 1900 the symbolic meaning of the body around 1900 changes : its collective social meaning, as well as its individual value, evolve. During the first decades of the 20th century, the world of yesterday erodes while daring reformers of life and avant-garde artists (dancers, choreographers, stage directors) try to push the limits of what a body can – not only the moral norms, of the decorous, but also the unprecedented of new possibilities brought by new technologies. What does this evolution of the meaning of the body result into? What does the modern body look like, as opposed to the 19th century – in the ways of being, of feeling and expressing oneself? How does that change affect the way of perceiving the body, the other’s and mine? Two tendencies underlie the principle of malleability in this upheaval of the forms of life and of the strategies of individualization within modern society, beyond their disparities: on the one hand, a transposition of the functionalist thought and fetish for the object induced by capitalism onto the body; on the other, an opposite tendency to take hold of the body as an organic living form, as an attempt to articulate matter and spirit in a more unitary and vitalist perspective. We will follow the development of both these tendencies and show how they develop within the social and aesthetic spheres until the end of the interwar period

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

29

Alten, Michèle. "La musique et le chant dans les écoles primaires de la République (1882-1939)." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010713.

Full text

Abstract:

En 1882 le ministre de l'instruction publique introduit dans les programmes de l'école primaire une nouvelle matière d'enseignement obligatoire : la musique et le chant. L'ambition des exigences, l'absence de clarté sur les finalités et les méthodes, ainsi que la faible qualification des instituteurs dans ce domaine, rendent l'application des instruction officielles très aléatoire. Avant 1914, l'engagement civique des instituteurs les conduits souvent à faire célébrer par des chants les valeurs de la république. Mais le territoire français est divisé en deux : au sud d'une ligne St-Malo-Genève, les pratiques musicales sont peu présentes dans les classes d'une France peu alphabétisée. Entre 1920 et 1939, une nouvelle culture musicale se développe à l'école. Elle s'attache surtout à l'organisation de spectacles de divertissement joués, mimés et chantés par les enfants. Elle traduit ainsi, à sa manière, l'importance prise par le loisir artistique de masse dans la société française. Cependant, cette pratique ne règle en rien le statut scolaire de la musique. Faute de se donner les moyens d'assurer un enseignement artistique de base, l'école laisse pour compte la dimension sensible de l'éducation
In 1882 the minister of education brought in a new compulsory item in the programs of primary schools : music and singing. The demand of the ambition, the lack of clarity of the aims sought and of the methods as well as the low level of qualification of the teachers in this very field made the application of the official instructions rahter uncertain. Before 1914, the civil engagement of the teachers led them to have of the republic celebrated by patriotic song. But the French territory is divised into two regions : south of line going from Saint-Malo to Geneva, musical activities are rare in the classrooms of a rather illiterate population. Between 1920 and 1939, a new musical culture expands in schools. It concerns mainly the organisation of amateur theatricals played, mimed and sung by the pupils. It expresses in its own way the signifiance assumed by the popular artistic spare time activities in France. However this practice does not bring any solution to the place occupied by music in schools. Because it does not take the means for assuming the basis for a teaching of arts, the school puts aside the sensitive aspect of education

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

30

Niogret, Philippe. "Débats idéologiques et esthétique romanesque en France pendant l'entre-deux guerres (1919-1939) dans les périodiques L'Art Libre, Europe, et Vendredi." Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2001PA040132.

Full text

Abstract:

Cette thèse étudie l'évolution des idées et des moeurs en France pendant l'entre-deux-guerres (1919-1939) et leur l'influence sur l'évolution de la forme romanesque, à travers trois périodiques : L'Art Libre, Europe, et Vendredi. Les thèmes suivants sont abordés : la guerre et ses conséquences ; l'inquiétude de la génération d'après-guerre et l'attrait de l'Orient ; l'évolution des moeurs et des rapports entre hommes et femmes ; le renouveau catholique ; l'engagement social et politique des écrivains. Ces évolutions se reflètent dans les romans de l'époque et ont entraîné une crise du roman, parce que l'on n'imaginait pas qu'il puisse s'écarter du modèle ancien, qui n'était plus adapté à l'instabilité de l'époque. Nous distinguons, chez les romanciers de cette période, confrontés à ce dilemme, deux tendances : l'une veut que le roman s'adapte à son époque, l'autre rêve d'un roman dégagé des influences de l'époque pour atteindre l'essence de l'être
This thesis explores the evolution of ideas and morals in France during the period between the First and Second World Wars (1919-1939) and their influence on the evolution of the novel, through analysis of three periodicals : L'Art Libre, Europe, and Vendredi. The following themes are addressed: the war and its consequences; the anxiety of the post-war generation and the attraction of the East; the evolution of morals and relations between men and women; the Catholic revival; the social and political involvement of writers. These changes are reflected in the novels of this period and they brought about a crisis concerning the novel because of the unanticipated departure from its traditionnal model, that model no longer being appropriate to the instability of the period. One distinguishes two trends among novelists of this period faced to this dilemma : one is to adapt the novel to its era, the other to envision a novel detached from its time in order to attain the essence of the human condition

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

31

Herold-Marme, Amanda. "L'identité artistique à l'épreuve : les artistes espagnols à Paris et l'engagement à partir de la Guerre civile (1936-1956)." Thesis, Paris, Institut d'études politiques, 2017. http://www.theses.fr/2017IEPP0017.

Full text

Abstract:

À l’aide de nouvelles informations, la présente étude vise à interroger l’impact de la guerre d’Espagne sur la communauté artistique espagnole à Paris, qui regroupe tant les artistes ayant tissé des liens forts avec la capitale française lorsque la guerre éclate, que ceux dont l’installation en France est précipitée par le conflit. Notre objectif est de restituer les singularités des dynamiques individuelles dans une histoire d’ensemble, en envisageant la prise de position de ces créateurs, jusqu’alors apolitiques, en faveur de chacun des deux camps sous le prisme de l’engagement de leur identité artistique espagnole et parisienne. Celle-ci, qui se définit selon le rapport revendiqué dans leur création plastique et leur mode de vie avec la modernité ou la tradition, s’imprègne de connotations idéologiques au début de la guerre. Nous chercherons notamment à mettre en perspective et à mieux comprendre la complexité, les paradoxes et les contradictions de l’activité artistique idéologisée des Espagnols à Paris au fil de ces années troubles, notamment sous l’Occupation, et jusqu’à la reprise de relations normalisées avec le régime franquiste dans les années 1950, qui marque la fin de notre cadre chronologique. L’engagement massif et manifeste d’un grand nombre d’artistes espagnols, installés ou fortement liés à la capitale française, dans ce conflit local, qui est le prélude à une conflagration mondiale, nous permettra de mettre en évidence à quel point ces Espagnols de Paris, en dépit de leurs motivations plastiques, se sont constamment trouvés au point de convergence de l’art, de l’engagement et de la politique dans ces années tourmentées du XXe siècle
Nourished with new information, this study aims to examine the impact of the Spanish Civil War on the community of Spanish artists settled in Paris. We will consider artists with longstanding ties to the French capital when the war breaks out, as well as those whose arrival in France is precipitated by the conflict. Our objective is to situate the specificities of individual trajectories in a global history, by considering the political engagement of these previously apolitical creators for both sides of the Spanish conflict through the prism of their artistic identity which is both Spanish and Parisian. Defined by the ties to modernity or tradition that each artist claims in his work or his social practices, this artistic identity becomes permeated with ideological connotations at the beginning of the Spanish Civil War. Our aim is to shed light on and put into perspective the complexity, the paradoxes and the contradictions of this politicized activity undertaken by Spanish artists in Paris over the course of these tumultuous years, especially during the Nazi Occupation of Paris. The renewal of normalized relations with Francoist Spain in the 1950s marks the end of our study. The massive and ostentatious political engagement of a considerable number of Spanish artists residing in or with strong ties to the French capital will allow us to clarify the point to which these Spaniards in Paris, in spite of their artistic ambitions, find themselves at the point of convergence of art and politics throughout these troubled years of the XXth century

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

32

Le, Morvan Marianne. "Berthe Weill (1865-1951) : sourcière méconnue de l'art moderne." Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2017. http://www.theses.fr/2017UBFCH036.

Full text

Abstract:

Cette thèse ambitionne de définir le rôle de la marchande d’art Berthe Weill dans l’avènement de l’art moderne. À l’origine du baptême d’un nombre considérable d’artistes plus tard couronnés par le marché, son patrimoine demeure méconnu et en grande partie oublié. Occupant à la fois un statut de mécène et de découvreuse, de médiatrice et d’éditrice, elle initia à l’ouverture de son commerce en 1901 une impulsion vers la jeune peinture alors encore dépourvue de représentant. Pionnière féministe, elle usa des moyens de communication à sa disposition pour diffuser ses opinions, osant un usage véritablement politique de ses cimaises et de ses colonnes. Cette étude vise à mieux appréhender sa position dans la hiérarchie du marché de l’art moderne, en observant le contexte sociétal qui encouragea et brida ses initiatives. En quarante ans de carrière, cette femme issue d’une famille juive pauvre traversa les deux guerres mondiales, en s’imposant comme une personnalité incontournable de la vie culturelle parisienne. Sans fonds préexistant auquel se référer, des archives relatives à la Galerie B.Weill ont été entièrement reconstituées, permettant un premier bilan validant son rôle de pivot dans la carrière d’artistes majeurs de la première moitié du XXe siècle. A travers le truchement de ces archives sont soulevées des problématiques plus larges liées à la discipline de la recherche de provenance : sur les questions d’authentification, mais aussi sur les spoliations antisémites durant l’Occupation et la difficulté d’accès aux données marchandes malgré les mesures légales en place pour garantir la probité du patrimoine
The ambition of this thesis is to define the role of the art merchant Bethe Weill, in the birth of modern art. Behind the discovery of a considerable number of artists who were later crowned with success by the market, her legacy remains misunderstood and mostly forgotten. In her multiple roles as sponsor and discoverer, mediator and editor, she initiated, with the opening of her gallery in 1901, a drive toward new painting, a movement until then bereft of a spokesperson. A feminist pioneer, she used all the means of communication at her disposal to disseminate her opinions, daring to make her gallery walls and columns a site for political statements. This study hopes to elucidate her position in the hierarchy of the modern art market, looking at the societal context which encouraged or restrained her initiatives. In a career spanning forty years, this woman from a poor Jewish family lived through two world wars and established herself as a major figure in Parisian cultural life. Without a pre-existent archival foundation to which one might refer, the archives relating to the B. Weill Gallery had to be entirely reconstructed, giving initial results which validate her pivotal role in the careers of major artists of the first half of the twentieth century. Through the intermediary of these archives larger issues are raised in connection to research on provenance: questions of authentication, but also on Anti-Semitic spoliations during the Occupation and the difficulty of access to market data in spite of the legal measures in place to guarantee patrimonial probity

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

33

Hosseinabadi, Shahram. "Une histoire architecturale de cinémas : genèse et métamorphoses de l'architecture cinématographique à Paris." Thesis, Strasbourg, 2012. http://www.theses.fr/2012STRAG021/document.

Full text

Abstract:

Cette thèse étudie la naissance et l’évolution de cinéma comme type architectural en examinant deux-cent projets soumis, entre 1907 et 1939, à l’administration parisienne pour le permis de construire. Ceux-ci sont analysés selon quatre critères : l’implantation, les protagonistes, la conception architecturale et la réception des œuvres. Le parc cinématographique parisien, à la veille de la Seconde Guerre, est le résultat de trois vagues de constructions à la suite des événements marquants : la naissance du cinéma narratif (1907-1913), l’Armistice (1919-1920), l’avènement du parlant (1931-1938). Ces trois vagues riment avec trois phases successives dans la genèse du nouveau type : l’expérimentation, la théorisation et la modernisation. Ainsi est mise en évidence la constitution, dès 1907, d’un type originel architecturalement caractérisé par la triade projection-visibilité-publicité. Il en dérive, par la suite, différentes espèces qui, malgré leurs variations, restent « un hangar noir » plus ou moins judicieusement disposés et décorés pour un spectacle projeté sur écran, hangar doublé extérieurement d’une façade parlante et peu ou prou attrayante
This thesis explores the emergence and the evolution of the cinema as a building type. It examines two hundred projects submitted to the Parisian administration for obtaining construction permits, from 1907 to 1939. These projects are analyzed according to four major criteria: localization, protagonists, architectural design and their reception. At the beginning of the Second World War, Parisian cinemas were mostly built through three waves of constructions subsequent to historical events: emergence of narrative cinema (1907-1913), end of the First World War (1919-1920), arrival of talkies (1931-1938). These three waves correspond with three successive phases in the rise of the new building type: experimentation, theorization, modernization. This study demonstrates that an original building type has been created since 1907, which is architecturally characterized by the trio of projection- visibility-appeal. From this original type different pieces are derived, that despite their variations are all a blind shed less or more judiciously designed and decorated for a show projected on the screen, a blind box covered by an attractive and expressive façade

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

34

Mészáros, Flóra. "Hungarian Artists in Abstraction-Creation." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040088.

Full text

Abstract:

Cette thèse se focalise sur le groupe artistique international Abstraction-Création, créé pour servir de forum à l’art non figuratif à Paris entre 1931-1936. Au fil des années, il a eu une centaine de membres, y compris certains artistes hongrois, notamment Étienne Béothy, Alfred Reth, Lajos Tihanyi et Ferenc Martyn, tandis que László Moholy-Nagy était membre sans vivre à Paris. Ce n’est que dans les années 1970 que les premières recherches approfondies ont été menées sur Abstraction-Création. Depuis, l’activité d’Abstraction-Création n’a été que rarement étudiée, sa structure, ses objectifs ou son histoire ont été largement négligés. Le constat est le même pour l’état de la recherche relative à chacun des membres hongrois : jusqu’à présent, seule la participation de Béothy et de Martyn a été analysée en détail. Outre l’objectif principal de cette thèse, notamment la mise en perspective des artistes hongrois dans le groupe, la réévaluation et l’interprétation de l’ensemble de l’activité d’Abstraction-Création sont également mises en lumière. A la base d’une analyse théorique et historique, ce travail compare Abstraction-Création avec deux groupes parisiens non figuratifs. Cette thèse vise à clarifier les différences qui les séparent en soulignant qu’Abstraction-Création ne peut pas être considéré comme une combinaison des deux. Grâce à des documents jusqu’alors non analysés, l'auteur donne un aperçu de la structure organisationnelle de ce forum et discute, à partir d’une perspective entièrement nouvelle, le rôle du comité, leurs débats, leur formation, cessation et leurs plateformes, y compris les réunions, la galerie et le cahier. La thèse démontre la relation entre Abstraction-Création et Surréalisme au moyen d'une analyse stylistique et théorique. Elle prétend que, grâce aux activités des membres hongrois, toutes les facettes du groupe peuvent être présentées. L'auteur révèle quels ont été les objectifs initiaux de l'adhésion des membres hongrois et comment ils ont tiré profit de leur participation. La thèse décrit la période abstraite parisienne des artistes hongrois dans les années 1930, et ce, dans un contexte artistique international et dans un contexte historique plus large
This dissertation focuses on the international artistic group, called Abstraction-Création (1931-1936. Out of the approximately 100 members joining the association a few were Hungarian artists, namely Étienne Béothy, Alfred Reth, Lajos Tihanyi and Ferenc Martyn, whereas László Moholy-Nagy received an external membership. A deeper research into the Parisian non-figurative formations of the 1930s, including Abstraction-Création, only took shape in the 1970s. Since then, Abstraction-Création has been discussed only occasionally, and a deeper discussion concerning the structure, the goals, or the history of the group is still missing. The same applies to the research on individual Hungarian artists; while for each of them the participation in the forum was presented as an important stage of their lives, so far only the participation of Béothy and Martyn has been examined in detail. Beyond the basic goal of the study to concentrate on Hungarian artists in the group, the re-evaluation and a new examination of Abstraction-Création are also placed in the focus. Based on a theoretical and historical analysis, the study compares Abstraction-Création with two non-figurative Parisian groups, clarifying the differences between them and pointing out that Abstraction-Création could not be viewed as a combination of the two of them. Drawing on hitherto unanalyzed documents, the author gives an overview of the organizational structure of the forum, and discusses, from an entirely new perspective, the role of the committee, their debates, their formation and cessation and their platforms, including their meetings, gallery and journal. The dissertation demonstrates the relation between Abstraction-Création and Surrealism by means of a stylistic and theoretical analysis. It claims that through the activities of the Hungarian members, all the facets of the group can be shown, particularly because of the fact that they did not form a special group within the association, but had their different individual roles and routes. The author presents what the original aims behind the admission of the Hungarian members were and how they benefited from the participation. The dissertation depicts the Parisian abstract period of Hungarian artists in the 1930s in an international artistic context and against a broader historical background

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

35

Bouchoux, Corinne. "" Si les tableaux pouvaient parler "... Le traitement politique et médiatique des retours d'oeuvres d'art pillées et spoliées par les nazis (France 1945-2008)." Phd thesis, Université d'Angers, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00951875.

Full text

Abstract:

De nombreux tableaux spoliés et pillés par les nazis durant la Seconde Guerre mondiale ont fait l'objet d'une déclaration à l'Office des biens et intérêts privés. La plupart appartenaient à des juifs. Après la guerre, une commission de récupération artistique est mise en place et récupère des œuvres. La France obtient, comme un certain nombre de pays, un retour des œuvres restituées d'État à État. 85 000 demandes sont déposées, 61 233 objets artistiques sont retrouvés, essentiellement en Allemagne et en Autriche. 45 000 sont rendus, mais des tableaux restent orphelins et des propriétaires ne retrouvent pas leur bien. Parmi les œuvres non réclamées, 2 000 sont choisies pour les Musées de France où elles sont gardiennées et 12 000 sont vendues aux enchères. En 1952 s'achève cette phase de restitutions et la RFA prend ensuite en charge ce dossier pour une politique d'indemnisation. Entre 1950 et 1995, cette histoire est totalement oubliée. Après la chute du mur de Berlin (1989), le dossier des pillages artistiques est réouvert. Quel en est le traitement administratif au ministère des Affaires étrangères ? Et son traitement médiatique et politique ? Avec quelles interactions ? Quelles sont les raisons de l'oubli de ces restitutions et indemnisations ? Quelles sont les stratégies de communication des acteurs ? De l'action à l'oubli (1945-1955), de la réminiscence à la lente médiatisation (1955-1969), du silence (1969-1996) à l'ère de la communication (1997-2008), la thèse, qui croise les archives publiques, la presse artistique et généraliste et des entretiens, s'achève avec la mise en place d'une justice tardive franco-française grâce à la Commission Mattéoli (1997) et la nouvelle vague de restitutions et d'indemnisation en application des principes de Washington (1998).

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

36

Lavergne, Pascal de. "Approche(s) de l'imaginaire dans l'oeuvre photographique de J. H. Lartigue : du reflet à la part de l'ombre." Rennes 2, 2000. http://www.theses.fr/2000REN20059.

Full text

Abstract:

La signature de Lartigue invite à reconsidérer son œuvre photographique sous l'angle de l'imaginaire. L'artiste a laissé une œuvre complexe, monumentale, inachevée, qui sollicite notre regard et pose la question de l'imaginaire pour donner à voir les images. Lartigue a vécu sa vie en la rêvant par la photographie, il a inventé une pratique qui ne répond à aucun critère établi : elle correspond à un jeu venu de l'enfance, un secret, un mystère. Comment un corps pris dans un "devenir-photographie" s'exprime-t-il en images ? Dans cette enquête, l'écriture du journal intime apporte un écho déterminant aux albums. Avec Lartigue, la photographie devient un acte de croyance, de foi, de connaissance qui engage le corps dans le temps avec l'image, et donne vie à une Histoire. L'imaginaire se profile à travers une "Image-Mémoire" construite par la photographie, dans l'ombre du père et de la mère. Le geste photographique révèle une recherche du temps perdu dans l'apparaître d'une enfance retrouvée. Notre approche s'inscrit dans une pratique réflexive qui traverse les champs de l'Esthétique et des Arts Plastiques, dans le souci permanent de remonter à la source du système Lartiguien, de l'expérimenter au contact d'une dynamique possible entre philosophie, littérature et cinéma. La notion de montage envisage de reconstituer l'expérience d'un "corps-image ", de décomposer le temps cristallisé, et d'éclairer le processus des métamorphoses. Notre projet vise à ausculter les signes de cette image inclassable, nouvelle et puissante, mélancolique du cinématographe, et à découvrir ses mécanismes internes qui mettent en continuité le mouvement des formes entre les formes
Lartigue's signature invites one to reconsider his photographic work from the stand point of the imaginary. Lartigue has left us with an unfinished piece of work which is both extremely complex and monumental and which cannot but catch one's eye and leave one faced with the question of the imaginary. Lartigue dreamed his life through photography: he invented a method which was trail-brazing : it mirrors a childhood game, a secret, a mystery. How does a body express itself in images when taken for a "photograph to be" ? ln this study, reading of his personal diary is of precious importance when trying to comprehend his albums. Photography becomes an act of faith, of belief, of knowledge mingling body and image in time, and giving life to a Story. The imaginary emerges via an "Image-Memory" created by the photograph, with father and mother' s images in the background. The photographic movement is a symbol of the search of times past and of a renewed childhool to brought to life via the magic of photography. Our study is an analysis which brushes through the Esthetic as well as the Plastic Arts, with the ain of going back to the origins of Lartigue' s method of work and to confront it to philosophy, literature and to the cinema. The idea of mounting will enable one to relive the " body-image" experience, to break down time, bring it to a stand still and to enlighten our understanding of the process of metamorphosis. Our project is aimed at studying the marks of this new, powerful and. Melancolic cinematographic work, which cannot be put into any category, and to try and find what internal mechanisms bring in perpetual movement of shapes between shapes

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

37

Laborie, Isabelle. "L'oeuvre, reflet d'un milieu : Michel-Maximilien Leenhardt, dit Max Leenhardt (1853-1941)." Thesis, Toulouse 2, 2019. http://dante.univ-tlse2.fr/id/eprint/7516.

Full text

Abstract:

La découverte fortuite d’archives conservées intactes depuis 1941, apporte un éclairage nouveau à la carrière de l’artiste français Michel Maximilien Leenhardt (dit Max Leenhardt, 1853-1941). Ces sources dévoilent les multiples centres d’intérêt d’un créateur qui fut peintre, graveur, architecte, écrivain et philosophe. L’approche de sa production se révèle complexe tant elle s’adapte à un contexte relationnel, une destination ou une émulation artistique, nous obligeant à considérer certaines d’entre elle, compte tenu de leur édition imprimée, comme des œuvres de propagande chargées d’un message politique ou mystique. Durant les périodes de crise socio-économique et de conflits armés, la peinture « sur le motif » se révèle propice à la réflexion philosophique et mystique. Max Leenhardt rejoint alors les idéaux du mouvement du « renouveau de l’art chrétien suisse », que cela soit par des toiles historiques aux proportions frôlant le gigantisme ou des couchers de soleil sur des horizons. Ainsi, après avoir identifié chaque réseau et leurs influences respectives sur la production artistique, nous exposerons les aspirations et les compromis auquel l’artiste est arrivé. C’est en effet son appartenance à la haute bourgeoisie protestante et son éducation qui l’obligeront à relever des défis esthétiques, comme inventer une esthétique à mi-chemin entre impressionnisme et symbolisme apte à véhiculer un message engagé, militant ou spirituel
The accidental discovery of archives preserved intact since 1941, brings a new light to the career of the French artist Michel Maximilien Leenhardt (known as Max Leenhardt). These sources reveal the multiple interests of a creator who was a painter, engraver, architect, writer and philosopher. The approach to his production is complex since it adapts to a relational context, a particular aim or an artistic emulation, obliging us to consider some of them, given their printed edition, as propaganda works which carry a political or mystical message. During the periods of socio-economic crisis and armed conflicts, painting “on the motive” is a way to philosophical and mystical thoughts. Max Leenhardt then joined the ideals of the movement of the «renewal of Swiss Christian art», whether through historical canvases with dimensions close to gigantism or sunsets on horizons. Thus, after identifying each network and their respective influences on the artistic production, we will detail the aspirations and compromises achieved by the artist. It is in fact his belonging to the Protestant upper bourgeoisie and his education that will force him to face aesthetic challenges, such as inventing an aesthetic halfway between impressionism and symbolism able to convey a committed message, militant or spiritual
Die zufällige Entdeckung von Archivmaterial, das seit 1941 unberührt geblieben war, stellt den Werdegang des französischen Malers Michel Maximilien Leenhardt (genannt Max Leenhardt) in einem neuen Licht dar. Diese Quellen lassen seine breit gefächerten Interessen erkennen, sei es in der Malerei, der Kupferstechkunst, der Architektur, der Dichtkunst oder der Philosophie. Sich seinem Schaffen zu nähern erweist sich umso schwieriger als es in engem Zusammenhang mit den Beziehungsgeflechten des Malers, seinen Reisen oder im Wettstreit mit anderen Künstlern entsteht. So müssen wir einige Werke, die in gedruckter Form herausgegeben worden sind, auch als Propagandawerke betrachten, die eine politische oder mystische Botschaft beinhalten. In Zeiten sozialer und wirtschaftlicher Krisen sowie kriegerischer Auseinandersetzungen bietet die Malerei „vor dem Motiv“ ((ohne Vorzeichnung und Nachbearbeitung im Atelier)) Raum für die philosophische und mystische Reflexion. Max Leenhardt wendet sich damit den Idealen der Bewegung zur „Erneuerung der christlichen Kunst in der Schweiz“ zu, was sich an seinen Historienbildern fast gigantischen Ausmaßes oder auch in seinen Sonnenuntergängen vor verschiedenen Horizonten manifestiert. Wir werden zunächst die Beziehungsnetzwerke mit ihren jeweiligen Einflüssen auf das Kunstschaffen des Malers herausarbeiten und anschließend seine Bestrebungen darlegen sowie die Kompromisse, die er eingehen musste. Aufgewachsen im protestantischen Großbürgertum und nach dessen Prinzipien erzogen sah er sich mit ästhetischen Herausforderungen konfrontiert - eine neue Ästhetik zu erfinden, auf halbem Weg zwischen Impressionismus und Symbolismus, um seine Botschaft, sei sie engagierter, militanter oder geistiger Natur, zu vermitteln

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

38

Parkmann, Fedora. "Paris-Prague. Transferts en photographie, 1918-1939." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040134.

Full text

Abstract:

Cette thèse se propose d’étudier les transferts entre France et Pays tchèques dans le domaine de la photographie de l’entre-deux-guerres. Fondée sur une approche matérielle des circulations de personnes, d’images et de concepts, elle vise à définir la scène photographique tchèque en fonction de son rapport à la France et de ses métissages. L’enquête a porté sur les flux photographiques – reproductions photomécaniques et catalogues d’exposition – et les activités des médiateurs et photographes à l’intersection entre les deux pays. Elle a montré, d’une part, que les Pays tchèques furent non seulement un lieu de passage d’apports français, particulièrement marquants au regard des impulsions allemandes et russes, mais aussi un centre d’exportation d’une production photographique locale. Elle a révélé, d’autre part, les hybridations auxquelles a donné lieu l’accueil de la scène photographique française. Le courant surréaliste tchèque en fut l’exemple le marquant : dépassant le simple geste d’adhésion, cette production originale s’est à son tour exportée, à la faveur d’un processus de circulation et de transformation réciproques caractéristique du phénomène de transfert. Les séjours et expériences photographiques des Tchèques en France et leur contribution à l’ « école de Paris de la photographie » complètent ce panorama des interactions entre les deux pays. Le prisme des transferts culturels adopté dans notre étude a agi comme un révélateur d’acteurs, d’images et de concepts ignorés jusque-là des histoires nationales de la photographie. Il a également montré comment la réceptivité des photographes tchèques vis-à-vis de la France a pu, en retour, favoriser l’émergence du modernisme photographique dans leur pays
This dissertation sets forth to explicate the transfers that occurred in photography between France and the Czech Lands during the interwar period. Rooted in a material approach towards the various circulations of individuals, images and concepts, this study considers the Czech photographic scene in light of its specific relation to France and analyzes the resulting hybridizations. The research focuses on photographic vectors such as photomechanical reproductions, exhibition catalogues and the activities of mediators and photographers working between the two countries. It illuminates a network of relations between French, German and Russian impulses and describes also the export of a local photographic production. The Czech surrealist current is a prominent hybridization that resulted from the strong reception of the French photographic scene. It was exported again as an original Czech production, and as such exemplifies the process of mutual circulation and transformation that describes the concept of transfer. An expansive study of Czech journeys to France, their photographic experience of the country and their subsequent contribution to the “Paris school of photography” complete this overview of the interactions and transfers between both countries.By situating Czech photography within the discourse of cultural transfers, this dissertation reveals actors, images, concepts and developments that until now have been critically absent from national photography histories. It also demonstrates how the receptivity of Czech photographers to France in return favored the emergence of photographic modernism in their country

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

39

Barlangue, Luce. "La vie artistique a toulouse 1888-1939." Toulouse 2, 1989. http://www.theses.fr/1989TOU20028.

Full text

Abstract:

Dans l'etude de la vie artistique a toulouse (peinture, sculpture, arts decoratifs) de 1888 a 1939, deux moments s'individualisent : 1888-1914, 1919-1939. La premiere periode correspond a un rayonnement de toulouse a l'echelon national par le biais d'artistes qui recurent la caution officielle des commandes et d'achats de l'etat. Accreditant l'existance d'une "ecole toulousaine", la municipalite choisit exclusivement ces "toulousains" pour decorer le capitole et l'espace urbain. Cependant, la connaissance de la diversite de la creation contemporaine fut possible grace aux recherches locales concernant le renouveau des arts decoratifs et grace a l'organisation d'expositions d'initiative privee. Par la suite, pendant "l'entre-deux-guerres", les tentatives pour engendrer un art meridional nourri de culture regionale contribuerent a creer une situation de semi-autarcie artistique. Toulouse, ignorant alors pratiquement toutes les recherches des avant-gardes, cultiva un gout pour une expression de "juste-milieu"
Considering artistic life in toulouse from 1888 to 1939, two main periods can be regarded as characteristic : the first one took place from 1888 to 1914, the second one from 1919 to 1939. The first period shows a certain influence of toulouse on a national level thanks to a number of artists who worked for the state. By only choosing artists from toulouse to decorate the capitole and the urban space, the local authorities gave credit to the idea of the "ecole toulousaine". But at the same time other local artists were carrying out research into the revival of the decorative arts and painting exhibitions took place thanks to private initiative. These two facts contributed to the awareness of the different movements of contemporary creation. Afterwards there were several attempts to create a "meridional art" which would find its roots in the regional culture. All these attemps led to a nearly artistic autarky so the artistic life in toulouse went on unaware of the avant-garde research and culturated a kind of "happy medium" expression

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

40

Lefebvre, Géraldine. "Le cercle de l'Art Moderne, 1905-1910 : le Havre : place des modernités artistiques et culturelles en France au début du XXe siècle." Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100009.

Full text

Abstract:

Le 29 janvier 1906, un groupe d’artistes et de collectionneurs créent au Havre le Cercle de l’art moderne. Parmi eux : les peintres Georges Braque, Raoul Dufy et Émile Othon Friesz, l’architecte Édouard Choupaÿ, le critique littéraire G. Jean-Aubry et quelques-uns des plus importants amateurs d’art de ce début de siècle : Olivier Senn, Charles-Auguste Marande, Pieter van der Velde, Georges Dussueil… L’association se fixe comme objectif de promouvoir l’art moderne dans toute sa diversité, organisant des expositions, des conférences et des concerts de musique. Monet, Renoir, Signac mais surtout les fauves, Matisse, Derain, Manguin, Marquet, Van Dongen, Vlaminck exposent leurs créations les plus récentes tandis que Debussy, Ravel et Roussel interprètent leurs compositions les plus originales. Frantz Jourdain et Guillaume Apollinaire apportent leur parrainage à l’association, qui affiche d’emblée sa filiation avec le Salon des XX à Bruxelles et le jeune Salon d’Automne à Paris. Le succès est retentissant, dépassant largement les frontières de la Ville. Cette thèse se propose de montrer combien ces années ont été cruciales pour Le Havre qui voit se créer un véritable marché de l’art fauve avec ses marchands, ses critiques d’art et ses amateurs. Le Cercle de l’art moderne a définitivement infléchi la politique artistique havraise vers une ouverture à l’art contemporain, plaçant la ville au rang de capitale culturelle de l’art moderne, dans une relation directe avec Paris et Bruxelles
On the 29th of January 1906, a group of artists and collectors created the “Circle of Modern Art” in Le Havre. Among them were painters Georges Braque, Raoul Dufy and Émile Othon Friesz, the architect Édouard Choupaÿ, the art critic G. Jean-Aubry and some of the most important collectors of that time: Olivier Senn, Charles -Auguste Marande, Pieter van der Velde, Georges Dussueil and many others. The association's goal was to promote all aspects of Modern Art, organised many activities such as exhibits, conferences, concerts and so on. Monet, Renoir, Signac and especially the French “Fauves”—Matisse, Derain, Manguin, Marquet, Van Dongen, Vlaminck—exhibited their most recent creations while Debussy, Ravel and Roussel performed their most recent original compositions. Frantz Jourdain and Guillaume Apollinaire supported the association, which early on showed its affiliation with the Salon des XX in Brussels and the young Salon d'Automne in Paris. It was a great success in Le Havre and throughout France and Europe, resounding far beyond the city's borders. This study goes back to those crucial years in Le Havre and focuses on that very special time that saw the creation of a real art market devoted to the “Fauve” painters, with its art dealers, critics and collectors. The “Circle of Modern Art” definitely influenced the artistic policy of Le Havre, opening it up to contemporary art and ranking the city as a cultural Capital of Modern Art, directly in conjunction with Paris and Brussels

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

41

Samacher, Jean-Yves Olivier. "Le statut de l'œuvre chez Antonin Artaud et David Nebreda." Thesis, Strasbourg, 2014. http://www.theses.fr/2014STRAC029/document.

Full text

Abstract:

A quelle(s) logique(s) répondent les dispositifs de création réalisés par Antonin Artaud et David Nebreda ? Quel statut attribuer à leurs « œuvres », si tant est que l’on puisse accoler cette appellation à leurs travaux ? Pour répondre à ces questions, nous mènerons une réflexion d’ordre esthétique et nous nous interrogerons parallèlement sur la spécificité du processus de création dans la psychose. Nous étudierons les productions d’Artaud et de Nebreda sous l’angle de la mise en scène et de la performativité. Nous mettrons également en lumière l’abolition de la représentation, l’effondrement de la scène et les limites du jeu / je. Nous montrerons ainsi la prédominance des registres Réel et Imaginaire conçus par Jacques Lacan. Chez ces « artistes » transgressant les frontières des genres et de l’art, les manifestations incontrôlées du corps et les conflits intrapsychiques donnent lieu à des recréations simultanées du monde et du langage, qui, en même temps qu’elles s’apparentent au déroulement d’une cérémonie de mise à mort, tracent des signes inédits, forment d’étranges parcours et s’orientent vers l’horizon d’une nouvelle naissance
Which logic is guiding the multimodal creations proposed by Antonin Artaud and David Nebreda ? What kind of status can be applied to their “(art)works” ? In order to answer these questions, we will lead an esthetical research and study concurrently the specificities of the creative process in psychosis. We will examine Artaud’s and Nebreda’s productions through the notions of setting and performativity. We will underline the abolition of representation and the crumbling of the stage as well as the limits of play / subjectivity. We will show the predominance of the Real and Imaginary registers as they have been conceived by JacquesLacan. By Artaud and Nebreda, the uncontrolled corporal manifestations and the intra-psychicconflicts generate simultaneous recreations of the body and language as, in the same time, they achieve a sort of sort killing ceremony, tracing unseen signs, outlining strange trails and pointing toward the horizon of a new birth

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

42

Marseille, Gilles. "Urbanisme et architecture domestique de l’Entre-deux-guerres à Nancy et dans son agglomération." Thesis, Université de Lorraine, 2013. http://www.theses.fr/2013LORR0366/document.

Full text

Abstract:

Cette étude porte sur l’architecture domestique à Nancy et dans les 19 communes de son agglomération de 1919 à 1939. L’ampleur du corpus (6 600 édifices) et du territoire étudiés permet de mettre en exergue les processus urbains et architecturaux qui concourent à la production de la ville. Les relations entre les municipalités, les lotisseurs, les organismes de logement social et les sociétés savantes sont scrutées pour retracer le chemin qui mène du projet à la réalité urbaine. La Reconstruction, les lois encadrant l’urbanisme ou les habitations à bon marché (loi Loucheur) et l’effet de la crise des années 1930 sur la promotion foncière et immobilière sont réinterrogés en profitant des outils techniques (SIG) et théoriques actuels. Les confrontations avec les modèles nationaux (voire internationaux) inscrivent l’étude dans une perspective plus large où l’agglomération nancéienne devient un support de réflexion sur ce moment de l’histoire des villes françaises. Par ailleurs, le recensement exhaustif permet de s’intéresser à l’ensemble de la production bâtie, sans hiérarchie. Cette étude du grand nombre, mêlant banal et exceptionnel, met en exergue les permanences et hybridations. L’héritage éclectique et Art nouveau côtoie la diffusion des nouveaux courants que sont le Mouvement moderne et l’Art déco. L’examen du cas nancéien contribue à la redéfinition de ce dernier style et à une meilleure connaissance de son évolution après 1930. Enfin, cette étude est l’occasion de montrer que l’architecture domestique s’apparente à une transcription matérielle de l’ordre social, qui transparaît dans la qualité des espaces intérieurs et des façades comme support de représentation
This study concerns the domestic architecture in Nancy and the 19 towns of its suburbs from 1919 to 1939. The important size of the corpus (6600 buildings) and of the area studied highlights the urban and architectural processes that contribute to the creation of the city. The relationships between the city council, developers, social housing organizations and intellectual societies are analyzed to trace the path that leads from the plan to the urban reality. The post-war reconstruction project, the law controlling urbanism or social housing (Loucheur Act) and the effects of the 1930’s crisis on the land and housing development are looked back on using modern technical (GIS) and conceptual tools. The comparisons with national (even international) models place the study in a broader perspective where Nancy and its suburbs become a medium for reflection on this moment in the history of French cities. In addition, the exhaustive inventory allows looking at all the building production without hierarchy. This study, combining the mundane and the outstanding, highlights permanencies and hybridisations. The legacy of Eclecticism and Art Nouveau coexists with the diffusion of new trends such as the Modern movement and Art Deco. The examination of Nancy’s case contributes to the new definition of the latter style and of a better understanding of its evolution during the 1930’s. Finally, this study is the opportunity to show that domestic architecture is a physical transcription of a social order, which is reflected in the quality of interior design and building facades as medium of representation

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

43

Rotermund-Reynard, Ines. "« Dieses ist ein Land, in dem ein Kunstmensch leben kann ! » : der Kunstkritiker Paul Westheim im Prozess der Akkulturation während der französischen und mexikanischen Emigration 1933-1963." Paris, EHESS, 2007. http://www.theses.fr/2007EHES0113.

Full text

Abstract:

L'étude a pour objet la vie de Paul Westheim et son activité de critique d'art durant trente ans d'émigration en France et au Mexique. D'une part, elle retrace les différentes étapes de son exil à travers un récit biographique, notamment en analysant des sources inédites sur la période de l'internement de cet antifasciste allemand en France au début de la Seconde Guerre mondiale. D'autre part, l'étude démontre les transformations qui s'opèrent dans les conceptions de Westheim au long de son périple interculturel. Au Mexique, il devient un historien de l'art préhispanique reconnu, qui essaie de saisir les phénomènes artistiques à partir de leurs fondements spirituels et psychiques. La thèse permet en particulier d'examiner sa position esthétique, de redessiner le contexte théorique et d'analyser le phénomène de transfert culturel de ce médiateur qui n'est en soi ni artiste, ni écrivain, ni théoricien, ni historien de l'art, mais qui apporte des éclairages dans ces divers domaines
The thesis is a study of the life of Paul Westheim and his activity as an art critic during three decades of emigration in France and Mexico. A biographical study on one hand, it describes the various stages of Westheim's exile, including an analysis of unpublished texts dealing with his internment in France as a German anti-fascist at the beginning of World War II. In the realm of ideas, the thesis explores the transformations that occurred in Westheim's ideas as a result of his intercultural experience. Recognized in Mexico as a historian of pre-Hispanic art, he sought to understand artistic phenomena as an expression of their spiritual and psychic origins. The study focuses on Westheim's esthetic position, re-examining the theoretic context of his thought and analyzing the phenomenon of cultural transfer as illustrated by a man of the arts, who himself was neither artist, nor writer, nor theorist, nor art historian, but a mediator whose works shed light on all these domains

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

44

Boulouch, Nathalie. "La photographie autochrome en France (1904-1931)." Paris : N. Boulouch, 1994. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35825973r.

Full text

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

45

Ryu, Soonok. "Charles Masson, ses commanditaires et l’architecture domestique à Nancy pendant l’entre-deux-guerres." Thesis, Université de Lorraine, 2018. http://www.theses.fr/2018LORR0166/document.

Full text

Abstract:

Charles Masson (1894-1971) est un des principaux architectes de l’entre-deux-guerres à Nancy. Cette période de l’histoire de l’architecture à Nancy et en Lorraine est encore en cours d’étude. Adoptant la forme classique d’une monographie d’architecte, cette thèse y apporte sa contribution mais en tentant d’élargir l’étude par la connaissance des commanditaires. Elle s’attache d’abord à établir la biographie de cet architecte né en Moselle annexée et dont la formation en Allemagne lui donne un profil singulier. Le corpus des édifices bâtis par Masson au nombre de 57 a été défini, étudié et réuni dans un catalogue qui constitue le troisième volume de la thèse. Géographiquement, ils se trouvent principalement à Nancy et, pour presque la moitié d’entre eux, dans le fameux Parc de Saurupt, haut lieu de l’architecture Art nouveau et où Masson s’est fortement investi, mais du point de vue de leur statut, ils ne comptent que des villas ou des maisons et des immeubles, mais aucun bâtiment public. Masson présente la particularité rare de n’avoir travaillé à Nancy que pour l’architecture domestique. Les 41 commanditaires identifiés sont donc tous des particuliers, à l’origine et au profil social variés, appartenant généralement à la bourgeoisie fortunée. La synthèse se penche non seulement sur la vie et les constructions de Masson, mais tente aussi de saisir les relations entre l’architecte et ses clients, question qui jusqu’ici, pour ce qui concerne l’architecture de l’entre-deux-guerres, n’a pas été traitée sérieusement ni systématiquement. C’est un des intérêts de cette thèse de tenter d’aborder de front la question de la clientèle de l’architecte Masson. Pour cela, l’apport des archives s’avère essentiel mais, si la très grande majorité des plans dressés par Masson a été conservée, aucune correspondance n’a été retrouvée. On y a suppléé en étudiant finement le profil social de chaque commanditaire et en examinant les plans et l’architecture de chaque édifice pour en identifier les partis pris et deviner les souhaits des clients : leur rêve de villa ou leur désir de profiter des bonnes affaires dans l’immobilier. Cette étude révèle donc un architecte nancéien méconnu malgré l’importance de son œuvre et se veut une contribution à la connaissance de l’architecture domestique et de la clientèle des architectes de l’entre-deux-guerres
Charles Masson (1894-1971) was one of the leading architects of the interwar period in Nancy. People are still studying the effects of this historical and architectural period in Nancy and Lorraine. Adopting the classic form of an architectural monograph, this thesis both contributes to these studies and tries to broaden the study by mentioning the patrons. First of all, it focuses on the life of this architect, born in Moselle when Moselle was a part of Germany and whose German upbringing gives his work a unique character. Masson's oeuvre consists of 57 buildings, which have all been defined, studied, and collected together in a catalog, which constitutes the third volume of this thesis. Geographically, they are primarily located in Nancy and almost half of them are located in the famous Parc de Saurupt, the Mecca of Art Nouveau architecture and where Masson invested a lot of his time and effort, but when it comes to the types of buildings, he only designed villas, houses, and apartments. There are no public buildings in his work. Masson is unique in having only worked on residential architecture in Nancy. The 41 identified patrons are therefore all individuals, who all come from a variety of backgrounds and social classes, generally belonging to the wealthy bourgeoisie. This thesis not only looks at the life and work of Masson, but also attempts to understand the relationship between the architect and his clients, an issue which up to now, as far as the architecture of the interwar period is concerned, has not been treated seriously or systematically. It is one of the primary goals of this thesis to try to address the nature of Masson's clientele head-on. For this, the archives have proven essential, but no correspondence has yet been found despite the vast majority of the plans drawn up by Masson having been preserved. We supplemented this by carefully studying the social profile of each patron and by examining the plans and architecture of each building. We were able to identify their biases and estimate the client’s wishes, whether they dreamed of owning a luxury villa or were looking for a bargain property. This study has revealed an unknown architect from Nancy, who despite the importance of his work, has helped contribute to the knowledge of the domestic architecture and the clientele of the architects of the interwar period

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

46

Cléren, Marie. "Entre figuration et abstraction, danse et poésie plastiques : échanges et influences entre les peintres, les chorégraphes et les librettistes entre 1909 et 1933, en France, Allemagne, Italie et Suisse." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040133.

Full text

Abstract:

Phénomène protéiforme, l’abstraction picturale a bouleversé le monde des arts à l’aube du XXᵉ siècle. En Europe, de la Belle époque aux Années folles, les peintres d’avant-garde ont croisé le chemin de poètes et de chorégraphes avec lesquels ils partageaient le même désir de changement. Sous l’égide de mécènes ou d’amateurs éclairés, leurs collaborations ont donné naissance à des spectacles d’un genre nouveau où les frontières entre les différentes disciplines se trouvent abolies. Associer la peinture, art de l'espace, à la danse, qui y introduit le temps, soulève quelques questions qui ont fait émerger l’idée d’un « ballet plastique » se substituant au « ballet dramatique » théorisé par Noverre. L’art chorégraphique et l’art pictural ont exercé l’un sur l’autre une influence réciproque dont la recherche commence seulement à mesurer l’importance. Cependant, peut-on parler d’abstraction totale dans un domaine où rien n’est plus concret qu’un corps qui danse ? S’il n’y a pas une évolution linéaire alliant la figuration à l’abstraction entre 1909 à 1933, certains principes mis en œuvre sur les toiles ont été appliqués à la fois sur la scène et dans les coulisses du ballet. Les peintres vont-ils réussir à rompre l’illusion en sortant de la cage de scène ? En agrandissant leurs toiles, vont-ils réussir autre chose qu’un tableau animé ? Que devient le livret dans un ballet où la lettre s’efface devant les couleurs et les formes ? Poser la question de l’abstraction en littérature revient à remettre en cause l’existence même d’un texte comme support du ballet. Or, le livret, loin de disparaître, se métamorphose et occupe aussi une place de choix dans cette composition abstraite
In the run-up to the 20th century, a multifaceted phenomenon called pictorial abstraction has turned the art community upside down. In Europe, from the “Belle Epoque” to the Roaring Twenties, avant-garde painters have crossed paths with poets and choreographers with whom they shared their desire for change. Their collaborations with donors and enlightened amateurs gave rise to a new kind of shows in which the boundaries between the various artistic disciplines have been abolished. The association of painting to spatial art and dance that also brought in time, raised questions that led to an idea of a “plastic ballet” as a substitute for “dramatic ballet”; an idea put forward by Noverre. The choreographic and pictorial worlds have had a reciprocal influence on one another; however, the research world is only now starting to consider the significance of these interactions. Anyhow, is it possible to talk about a total abstraction within this particular field, knowing that nothing can be more concrete than a dancing body? This trend is not a linear evolution from figuration towards abstraction between 1909 and 1933 but some principles used on canvases were applied in the ballet world, both on stage and backstage. Will painters manage to break the illusion by breaking out of the cage-like stage? By expanding the sizes of their paintings, will they have anything else to show than animated tableaux? What happens to the libretto in a ballet where letters are outweighed by colours and shapes? Questioning abstraction in literature involves questioning the mere existence of texts as the underpinning of ballets. Yet, the libretto is far from disappearing ; it transforms itself and is thus at the forefront of this abstract composition

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

47

Trankvillitskaïa, Tatiana. "Sous l'oeil des instances officielles : la coopération entre peintres français et soviétiques dans l'entre-deux-guerres." Thesis, Lille 3, 2014. http://www.theses.fr/2014LIL30056.

Full text

Abstract:

Cette thèse analyse les échanges artistiques entre la France et l’URSS durant l’entre-deux-guerres, leurs rouages et les avantages mutuels qu’ils présentent. Cette période connaît quatre phases successives, ce qui permet de découper la recherche en autant de parties. La première étudie la période d’avant la reconnaissance de l’URSS par la France et la mise en place des relations diplomatiques (avant 1924) ; la deuxième se penche sur les premiers liens officiels qui suivent ladite reconnaissance (1925-1928) ; la troisième s’intéresse aux années 1928-1934, période du « Grand Tournant » dans l’économie soviétique, et enfin la quatrième englobe les années qui suivent l’instauration du réalisme socialiste en 1934 et se termine avec la guerre. Notre projet tente d’évaluer la pertinence de l’approche stéréotypée portant sur le lien entre art et idéologie, de voir si la peinture soviétique, telle que présentée lors des expositions en France, était similaire à celle exposée en URSS et constituait un outil de propagande à part entière. Sous quelle forme l’art soviétique est-il présenté en France et quel est le rôle des instances dans la mise en place de ces manifestations ? Il s’agit d’étudier le rôle des acteurs de ces échanges : instances étatiques, associations, galeries, spécialistes d’art, intellectuels, collectionneurs ou enfin les artistes eux-mêmes. Nous nous intéressons également aux expositions d’artistes français et à l’organisation de leurs voyages en URSS. Ce travail montre que les maillons de la chaîne « politique-idéologie-finances » sont intimement liés entre eux et que l’argent a souvent un rôle décisif pour les instances soviétiques
This dissertation focuses on artistic exchange between France and the USSR in the interwar period, its mechanisms and the benefits it presented. This period can be divided into four successive phases, accounting for the four parts this research falls into. The first part studies the years leading up to the recognition of the USSR by France and the setting up of diplomatic relations (prior to 1924); the second part deals with the first official links following the recognition (1925-1928); the third part focuses on the years 1928-1934, a period of economic change also known as « the Great Turn » in Soviet economy and the fourth and final part spans the years after socialist realism was established from 1934 on up to the outbreak of the war. This research questions the stereotypical approach to the link between art and ideology and asks whether Soviet painting, as shown during exhibitions in France, was similar to that shown in the USSR and whether it was, or not, a sheer tool for propaganda. Under what form was Soviet art presented in France and what role did authorities play in organizing artistic events? The role played by the actors of this exchange is studied: state authorities, associations, art galleries, art specialists, intellectuals, collectors, intellectuals, and last but not least the artists themselves. Also studied are the exhibitions of French artists and how their trips to the USSR were organized. This research shows that politics, ideology and money are tightly linked together and that money played a decisive role for Soviet authorities

APA, Harvard, Vancouver, ISO, and other styles

Dissertations / Theses on the topic 'Art – France – 1900-1945'

Create a spot-on reference in APA, MLA, Chicago, Harvard, and other styles