Academic literature on the topic 'Art funéraire grec antique'

RésuméDeux auteurs de la Rome impériale parlent d'une plebs média, opposée à la plebs humilis. Il existait une classe moyenne dans cette société à ordines, qui se manifeste par son énorme présence matérielle (maisons, inscriptions, art funéraire). Sa définition est négative et hétérogène : les plébéiens moyens ne sont ni membres des ordines privilégiés, ni réduits à gagner quotidiennement leur pain, ni positivement riches (ils sont pauvres au sens antique du mot), ni de naissance servile ; ils incarnent le citoyen moyen et aussi le « lecteur idéal » de la semiotique littéraire. Pour la classe gouvernante, ils sont la « partie saine » du peuple. On appartient à la plèbe moyenne dès qu'on ne vit plus au jour le jour et qu'on est rentier du sol qui vit de loisir ou boutiquier ayant un gros outillage ou un entrepôt. Cette catégorie se signale par la conscience de soi des marchands ou artisans, par le concept de métier comme exploit et non comme identité, par l'entraide par le crédit entre confrères ; le souci de faire des affaires s'oppose à avoir un patrimoine ; la morale d'Horace, l'iconographie du banquet dit funèbre et le fantasme compensatoire : « vous avez la richesse, nous avons la bonne vie » ; les Disticha Catonis sont « un miroir de bourgeoisie » qui renvoie aux plébéiens leur propre sagesse, sous prétexte de la leur enseigner. La plebs de l'Urbs n'était pas une tourbe dépolitisée ; sous des leaders issus de la plèbe moyenne, elle conserve une légitimité politique et parfois militaire. Mais une économie d'échanges au processus très morcelé, sans vrai système bancaire, sans marché large et transparent, mais avec de la corruption, des squeezes et des pots-de-vin partout, a maintenu la plèbe moyenne dans une dépendance économique à la classe gouvernante.

L’existence de types sexuels (mâle, femelle) chez une espèce suscite une frontière biologique commune à toute espèce vivante qui connaît une reproduction sexuée. Or lorsqu’il s’agit d’êtres mythiques ce système n’a pas de nécessité : dans l’imaginaire grec ancien il existe des groupes uniquement masculins ou féminins, tels que les sirènes, les satyres ou les centaures. Ces derniers, dans la Grèce archaïque et classique, sont uniquement des mâles et ont un caractère agressif et bestial, surtout envers les femmes. Pourtant la frontière du genre est un jour franchie et des parèdres voient le jour, parfois même accompagnées des petits centaures, témoignant d’une génération. Ces déclinaisons au féminin des centaures sont attestées dans la figuration à partir du ier siècle av. J.‑C., surtout en contextes domestique et funéraire. Elles apparaissent ainsi en « supplément » de leurs homologues masculins : elles sont plus tardives, sont représentées en nombre bien inférieur, et sont quasi absentes de la littérature – contrairement à eux. Il est question dans cet article de comprendre, à partir de la documentation antique figurée et écrite, pourquoi les centauresses sont absentes du monde grec et pourquoi a-t-on ressenti le besoin, au ier siècle av. J.‑C., de dépasser l’imaginaire établi et de créer une contrepartie de l’autre sexe.

La présente thèse étudie l'influence de l'Antiquité sur l'art grec contemporain de la deuxième moitié du XXe siècle : ce processus d'échange prend une ampleur considérable dans un pays constamment en quête d'identité nationale. Elle est dirigée vers la résolution de quatre questions : comment se forme le processus de l'échange ? Comment se manifeste-t-il dans une société particulière ? Quelle est son étiologie ? Quels sont ses rapports avec la pensée, l'histoire et le droit ? Cette analyse se développe en deux temps. Premièrement, une étude sérielle de la nature de l'échange, au travers d'exemples, et, deuxièmement, l'étiologie et le bilan raisonné du phénomène ; dans le premier cas, il s'agit de définir un phénomène artistique général et, dans le deuxième, de l'interpréter et de l'expliquer pour une situation historique précise. La première partie comprend, ainsi, la déconstruction analytique des ouvrages et le regroupement des processus en cause, tandis que la deuxième envisage toutes les explications possibles de l'échange et dresse le bilan raisonné du phénomène artistique dans la situation historique concernée
The present thesis studies the influence of Antiquity on contemporary Greek art (2nd half of the 20th century), an "exchange" process of great importance in a country such as Greece, in constant search of its identity. This thesis is directed towards the solution of four particular problems: the development of an exchange process between two cultures; its place in a particular society; its association with thought, history, rules and ethics; its etiology. To resolve these problems I have established an analytical model of exchange phenomena which studies the processes involved and I have explored the emergence of this phenomenon in a precise historical situation. The analysis evolves in two parts: first, a serial study of the nature of the exchange and, second, its causes and the results of its evaluation. The first part includes the analytical deconstruction of the works and the grouping of the processes involved, whereas, the second part, considers all their plausible explanations ; it sets up the historical interpretation of the phenomenon and its quantitative repartition

A partir de fresques, mosai͏̈ques, pinakes. . . Découverts lors de fouilles archéologiques dans le territoire de la koiné grecque, l'auteur se propose d'étudier comment les artistes ont appréhendé la notion d'espace, et les moyens utilisés pour le traduire dans leurs oeuvres. L'introduction est consacrée à la définition des sources, dont sont exclues les peintures sur vases ; et aux dates limites, non exclusives, qui encadrent cette production ; enfin à préciser le terme espace, dont l'ambugui͏̈té est soulignée. Le premier chapitre s'efforce de retrouver ce que pouvait être la notion d'espace pour un grec antique, à travers son langage, ses connaissances mathématiques, et les concepts philosophiques de l'époque. Dans le deuxième chapitre sont rassemblés environ sept cents oeuvres couvrant toute la période étudiée, et donnant un échantillon que l'on espère représentatif malgré ses manques, et les choix arbitraires de l'auteur. Chaque oeuvre est étudiée de façon analytique sous l'angle des différents espaces possibles. Enfin un dernier chapitre précise les moyens techniques à la disposition du peintre ; puis à partir de ces moyens - le dessin, la couleur - cherche à cerner de façon synthétique et évolutive la traduction sur une surface plane d'une image donnant l'impression de la profondeur (espace matériel) ; mais aussi l'espace sentimental et spirituel qui sont apparus comme indissociables du premier. Dans la conclusion sont soulignés les étapes successives de la notion d'espace, dont l'évolution, unique dans l'histoire de l'art, exprime pour l'auteur de façon tangible un aspect particulier du génie grec.

Bien que de nos jours ces deux pays, la grece et l'iran, semblent fort eloignes l'un de l'autre, dans l'antiquite, ils ont ete tres proches l'un de l'autre. . . Malgre cette situation, sur ces grandes civilisations, on a jusqu'a maintenant beaucoup ecrit dans le monde entier, en occident comme en orient ; tous les aspects ont ete abordes. . . Parce que les historiens anciens ont ete conduits a donner de l'une et de l'autre des deux civilisations des images qui ne correspondent pas toujours a la realite strictement objective parce qu'elles sont deformees par la pensee et la propagande politiques. Donc, une etude comparative portant sur les elements artistiques et culturels de ces pays de grande tradition, aujourd'hui bien differents l'un de l'autre, permettra de mieux comprendre ce qui, depuis la plus haute antiquite, les a unis et separes. Ces elements sont la cle de la connaissance approfondie des secrets de ces deux pays de l'antiquite. Donc, on a constate que l'iran et la grece ont, dans leur aire geographique, connu un developpement culturel et artistique tout particulier, qui leur confere une place de premier rang dans le monde ancien et dans l'histoire de l'humanite. La these propose une etude approfondie de l'image structuree des deux civilisations. S'il n'y a pas de vieillesse pour les oeuvres et les elements artistiques et culturels de ces deux civilisations, avec les methodes necessaires (techniques et juridiques), grace aux sciences modernes, aux lois et au droit international, on peut conserver et restaurer les elements culturels et artistiques de ces deux civilisations pour les generations futures
Although nowadays these two countries, greece and iran, seem very distant from one another, in antiquity, they were very close. . . In spite of this situation, until now, it has been written a lot about these two civilizations, all over the world, in the west, like in the east. All aspects have been discussed. . . Because the ancient historians have been driven to give pictures of one or the other of these two civilizations, which do not always correspond to the strictly objective reality because they are transformed by the political thinking and the political propaganda. Therefore a comparative study about the artistic and cultural elements of these countries of tradition, which are very different from one another today, will unable us to understand better what, since the remote antiquity, has linked and separated them. These elements are the key to the careful understanding of the secrets of these two countries of the antiquity. It has been then noticed that iran and greece have, in their geographical area, known an artistic and cultural development very peculiar, which gives them a first rank place in the ancient world and in the history of humanity. This thesis deals with a thorough study of the definit image of these two civilizations. Furthermore, if artistic and cultural works and elements of these two civilizations do not grow old, with the methods available (technical and legal), and thanks to modern sciences, laws and international rights, one can keep and restore the cultural and artistic elements of these two civilizations for the next generations

La première partie de la thèse marque les étapes du développement de l'éloge, et de sa constitution en genre rhétorique, depuis les premières réalisations de la Grèce classique jusqu'au triomphe de l'éloquence épidictique dans le monde gréco-romain du Haut-Empire. La deuxième partie analyse la technique de l'éloge rhétorique, telle que les théoriciens l'édictent et que les orateurs la mettent en œuvre : plans types, différentes sortes de discours, catégories du style, conditions de prononciation et de publication. Parfois, la troisième partie interroge les enjeux de cette technique. On dresse le bilan des critiques adressées à l'éloge dans l'Antiquité, et l'on étudie les raisons de son succès : quelques missions étaient dévolues aux orateurs épidictiques, quelles fonctions remplissait leur parole et de quels messages elle était porteuse pour les Grecs de l'époque impériale
The first part of the thesis outlines the stages in the development of praise and its constitution as a rhetorical genre, from the earliest achievements of classical Greece until the triumph of epideictic oratory in the Roman Empire. The second part analyses the technique of the rhetorical praise, as it was laid down by rhetoricians and as it was practised by orators, with its model outline, its different types of speeches, its kinds of style, its conditions of pronunciation and publication. Lastly, the third part studies the stakes covered by this technique. It assesses the criticisms formulated against praise in antiquity, and studies the reasons for its success: what were the missions that the epideictic orators undertook, what functions their speeches fulfilled, and what messages they conveyed to the Greeks of the imperial period

Dans le cadre du programme de renouvellement des approches en histoire de l’art grec mis en place dans l’équipe de recherche PLH-CRATA, je me suis engagée dans une thèse sur « L’aspective sur la céramique attique du VIIIe siècle av. J.-C. au premier quart du VIe siècle avant J.-C. ».Ce concept, élaboré par les égyptologues, désigne une construction de l’image qui n’est pas régis par le procédé de la perspective. Les différentes techniques de représentation en perspective ont toutes pour buts de représenter la vue d’objets en trois dimensions sur une surface donnée, en tenant compte des effets de l’éloignement et de leur position dans l’espace par rapport à l’observateur. Les Grecs nous ont légué leur vision perspective avec des figures conçues depuis un seul endroit en un seul moment. Toutefois, ce mode de représentation ne s’est mis en place que très progressivement, entre la fin du VIe siècle et le milieu du Ve siècle. Avant cette période, l’art de nombreuses cultures est régi par les principes de l’aspective. Cette notion associe plusieurs points de vue dans la représentation d’un même personnage. Elle peut aussi regrouper plusieurs moments d’une même histoire dans une image unique. L’artisan représente les parties comme si chacune d’entre-elles était isolée, s’affranchissant du regard subjectif de l’observateur. Il y a bien dans l’art archaïque grec une aspective. Il faut en déceler la présence, mais aussi en dégager les spécificités. C’est à cette tâche que je me consacre, dans une thèse conçue avec des gros plans sur certaines périodes clés. Les résultats sont particulièrement étonnants, puisqu’ils mettent en évidence, dans l’art géométrique, une présence plus marquée des procédés perspectifs qu’au VIIe et VIe siècle, au sein d’une image construite, par ailleurs, selon des procédés aspectifs. Les résultats montrent ainsi que, dès le départ, les deux conceptions de l’espace graphique connaissaient des interpénétrations
As part of the renewal program study of history of Greek art developed in the research team PLH-CRATA, I am carrying out a thesis entitled : « The aspectivity in attic vase-painting : 900 – 575 ».This concept, elaborated by Egyptologists, refers to the construction of the image in graphic spaces which are not governed by perspective. Aspectivity is a close but distinct notion of what Waldemar Deonna called "primitivism". The perspective vision is the one that is natural for us. All the different techniques of perspective representation have in common the intention of representing the view of objects in three dimensions on a given space. They take into account the effects of the distance and the position in space with respect to the observer. The Greeks bequeathed us their perspective vision with figures conceived from a single place in a single moment. This representation is at the origin of the spatial and temporal unity. However, this mode of representation only took place very gradually between the end of the 6th century and the middle of the 5th century.Before this period, the art of many cultures is governed by the aspective principles. This notion, belonging to semiology, associates several points of view in the representation of the same character, whereas in natural vision we have only one. The aspective can also group together several moments of the same story in a single image, which can be read in one moment. The artist represents the parts as if each of them was isolated, as an enumeration of the various characteristics of the subject, freeing themselves from the subjective gaze of the observer placed in a certain place. The works do not seek to show a representation in time and space, but to show what must be, even if the events are not linked in time. The image becomes more a construction than a representation.There is, in Greek archaic art, as in the Egyptian and Near Eastern arts, an aspective. It is necessary to detect its presence, but also to identify its specificities. It is to this task that I dedicate myself, in a thesis conceived with close-ups on certain important periods. The results are particularly surprising, since they show, in the art of the Geometric period, a stronger presence of perspective processes that in the seventh and early sixth century BC. J.-C. within an image constructed otherwise by aspective processes. The results thus show that, from the start, the two conceptions of graphic space know some interpenetrations

Dès les premières dynasties, le pictogramme fut dans l’écriture le prolongement des représentations figuratives naturalistes, logogrammes dans les palettes funéraires décorées protodynastiques. Ce constat nous porte à les mettre en correspondance avec l’art pariétal du néolithique nubien, le prédynastique égyptien, et celui des aires culturelles périphériques. La reconsidération des pétroglyphes en tant que symboles et idéogrammes, c’est-à-dire des mythogrammes autant que des logogrammes-phonogrammes polysémiques permet de dégager un système structurel de représentations symboliques universel dans la vallée du Nil. Essentiellement funéraire, il est organisé autour d’une nouvelle lecture en relation aux mythes fondateurs de l’Œil d’Horus/solaire, s’exprime dans des rites primitifs de revivification, de renaissance, néolithiques et prédynastiques, explicités ensuite durant les premières dynasties sur des tablettes, des sceaux-cylindres votifs, et l’onction du mort avec les sept huiles canoniques et, enfin, dans les Textes des Pyramides. Contrairement à l’idée commune d’opposition des notions de Nature-Culture, il est question de les conjuguer, de réconcilier la dualité non binaire et de voir, par exemple, les fonctions héliotrope et/ou héliophore des animaux du bestiaire soudanien, avec Sokar le faucon funéraire, les garants bienveillants des métamorphoses et de renaissance du soleil/des défunts, par ailleurs, félidés, canidés, antilopes…, investis du numineux des divinités tutélaires. À la lueur d’une nouvelle lecture du mythe “osirien” primitif de métamorphose, nous reconsidérons les conceptions sur le sacrifice animal sur des bases d’anthropologie religieuse. Loin d’une maîtrise et soumission de la nature, et d’un diffusionnisme, l’interculturalité de la pensée mythique archaïque première dans la vallée nubiano-égyptienne et des régions périphériques multiethniques implique, vis-à-vis du monde naturel et des forces spirituelles numineuses, la transculturalité des conceptions solaires et le partage pluriculturel, transhistorique des croyances résurrectionnelles polycycliques. Ainsi, les pétroglyphes d’animaux, les scènes de chasse animale, les représentations de barques, de sandales, etc., sont de nature funéraire votive, apotropaïque
Since the beginning of the first dynasties, the pictogram in writing was the extension of naturalistic figurative representations, logograms in the decorated funerary protodynastic palettes. This statement carry us to link them with the parietal art of Neolithic Nubia, the egyptian Predynastic, and peripheral cultural areas. We have reconsidered the petroglyphs as polysemic symbols and ideograms, i.e. mythograms as well polysemic logograms-phonograms, allowing us to draw up a structural system of symbolic representations, universal in the Nile valley. Basically funerary, the system is organised around a new reading in connection with the founding of the ‘Eye of Horus’/solar myths, and express itself in primitive Neolithic and Predynastic rites of revivification, rebirth, more explicit afterwards during the first dynasties on labels, votive cylinder-seals, and anointing the deads with the seven holy canonical oils, finally in the Pyramid Texts. Contrary to the common idea which opposite the Nature-Culture notions, there is some question to combine them, to reconcile the non-binary duality and to see, for example, the heliotrope functions and/or heliophore animals of the sub-Saharan bestiary, with Sokar the funerary hawk, the benevolent guarantors for the rebirth and metamorphosis of the sun/deads; otherwise felids, canids, antelopes…, invested by the numinous of the protecting divinities. In consequence of a new reading of the primitive ‘osirian’ myth of metamorphosis, we have reconsidered the conceptions about animal sacrifice on the basis of religious anthropology. Far from bringing under control and submission of nature, and diffusionnism, the intercultural (cross-cultural) of the first archaic mythic thought in the multi-ethnic nubian-egyptian valley and associated neighbouring areas involves, towards the natural world and the numinous spiritual strengths, the cross-cultural of solar conceptions and multicultural, trans-historic sharing of the polycyclic resurrectional believes. Thus, the animal petroglyphs, cynegetic scenes, boats and sandals representations, etc., are of funerary votive, apotropaic nature

A partir de l'etude de la legende nationale phocidienne, cycle de recits racontant les guerres d'independance du peuple phocidien contre les thessaliens a l'epoque archaique, celebrees au sanctuaire federal phocidien d'artemis elaphebolos d'hyampolis, il est montre que les grecs de l'epoque archaique et classique ont developpe une pensee complexe et systematique des exceptions a leurs propres regles de la guerre hoplitique. Contre les guerres d'aneantissement qui menacent l'existence meme des peuples et des cites, il est fait appel a artemis, pour qu'elle insuffle l'audace et le courage de faire face au risque le plus grand, qu'elle inspire les parades qui permettront de l'emporter dans ces guerres qui transgressent toutes les limites admises, et de faire triompher la civilisation la-meme ou elle paraissait devoir s'abimer dans la sauvagerie. Cette reflexion grecque sur les formes extremes de la guerre est a replacer dans le cadre plus vaste d'une pensee des "situations extremes", par laquelle, en s'opposant au radicalisme extremiste de courants mystiques comme l'orphisme, qui la denonce comme le mal absolu, la cite s'efforce d'explorer et de tracer les limites de la condition humaine a distance gardee aussi bien du pire que d'un impossible meilleur. Ainsi concu, ce travail tout entier se veut une contribution a l'etude des rapports du mythe et de l'histoire
Starting from the phokian national legend which consists in a cycle of tales reporting the wars of independence of the phokians against the thessalians in the archaic age, celebrated at the phokian federal sanctuary of artemis elaphebolos in hyampolis, it is shown that the greeks of the archaic and classical periods developped a complex and systematic thinking about exceptions to their own rules of hoplitic war. When wars of annihilation threatened the very existence of peoples and cities, artemis was called to instil the boldness and the courage to face the greatest risks, to inspire the devices to win these wars which transgress every admitted limit and to make civilization triumph where it seemed doomed to sink into wildness. The pondering of the greeks about the extreme forms of war is to be placed in the larger frame of a consideration on "extreme situations" by which the city, opposing the extreme radicalism of mystic trends like orphism which branded her as the absolute evil, endeavoured to explore and draw the limits of human condition at a distance of both the worst and the impossible best. Thus conceived, this whole work is intended as a contribution to the study of the relations between myth and history

Cette thèse en histoire de l’art propose une relecture anthropologique des deux principaux écrits de J.-J. Winckelmann (1717-1768), Réflexions sur l’imitation des œuvres grecques en peinture et en sculpture (1755) et Histoire de l’art dans l’Antiquité (1764). Elle cherche à déplacer les centres de gravité théoriques (le beau, l’imitation, le sublime, « la grandeur sereine »…) retenus par l’historiographie classique afin de mettre en évidence les finalités imaginaires de l'entreprise winckelmanienne. Celles-ci vont transformer l'art grec en objet de désir et le soumettre à une double appropriation : l'appropriation du corps charnel de l'éphèbe grec et l'appropriation d'une culture antique offrant à la Kultur allemande la possibilité de rivaliser avec la civilisation française. Si l’Apollon du Belvédère vérifie le désir d’un corps fantasmé, le Laocoon devient le manifeste d'un désir de « culture ». Il s'agira de montrer que ces visées imaginaires de Winckelmann ne relèvent pas du seul désir idiosyncrasique. Non seulement elles mettent en forme les attentes de toute une génération (celle de Herder, Lessing, Goethe...) mais en plus elle convoque cette science propre au XVIIIe siècle, que l’on appelle déjà l’anthropologie, qui prétend étudier l'être humain aussi bien dans ses aspects physiques (anatomie, pathologie, physiologie...) que culturels (l’histoire des origines, la climatologie, la philosophie politique...). Ainsi les références scientifiques s'engouffrent dans la description de la nudité des corps, dans laquelle Winckelmann fait palpiter les chairs de marbre, relève les mutilations, les points délicieux ou obscènes dans un regard à la fois clinique et amoureux. De même, son exploration de la Grèce antique, qui vise la fondation d'une mémoire culturelle, mêle étroitement un sentiment de tragique et une érudition d'archéologue et d'antiquaire sans pareil. Au-delà du corpus winckelmannien, cette relecture pose des questions à la pratique de l’« anthropologie visuelle » (A. Warburg, G. Didi-Huberman, H. Belting…) qui tout en prétendant renouveler en profondeur les objets et les méthodes de l'histoire de l’art classique laisse intact le fondateur de la discipline et sa définition apollinienne de l'art grec. Il s'agira pour nous, au contraire, de montrer qu'un métissage de contenus traverse de part en part les écrits de Winckelmann et se trouve au fondement de son esthétique. Sa conception du temps et de l’histoire, par exemple, à mille lieux de la thèse humaniste de l’historia magistra, est hantée par le deuil d’un « passé antique mort à tout jamais » et ne cesse de différer le présent d'avec lui-même. Cette lecture mélancolique de l'antiquité, qui multiplie les représentations spectrales, offre une réconciliation inattendue entre l’histoire de l’art et l’anthropologie visuelle. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Winckelmann, art, histoire, historiographie, anthropologie, antiquité, Grèce, visuel.

Dans le cadre du programme de renouvellement des approches en histoire de l’art grec mis en place dans l’équipe de recherche PLH-CRATA, je me suis engagée dans une thèse sur « L’aspective sur la céramique attique du VIIIe siècle av. J.-C. au premier quart du VIe siècle avant J.-C. ».Ce concept, élaboré par les égyptologues, désigne une construction de l’image qui n’est pas régis par le procédé de la perspective. Les différentes techniques de représentation en perspective ont toutes pour buts de représenter la vue d’objets en trois dimensions sur une surface donnée, en tenant compte des effets de l’éloignement et de leur position dans l’espace par rapport à l’observateur. Les Grecs nous ont légué leur vision perspective avec des figures conçues depuis un seul endroit en un seul moment. Toutefois, ce mode de représentation ne s’est mis en place que très progressivement, entre la fin du VIe siècle et le milieu du Ve siècle. Avant cette période, l’art de nombreuses cultures est régi par les principes de l’aspective. Cette notion associe plusieurs points de vue dans la représentation d’un même personnage. Elle peut aussi regrouper plusieurs moments d’une même histoire dans une image unique. L’artisan représente les parties comme si chacune d’entre-elles était isolée, s’affranchissant du regard subjectif de l’observateur. Il y a bien dans l’art archaïque grec une aspective. Il faut en déceler la présence, mais aussi en dégager les spécificités. C’est à cette tâche que je me consacre, dans une thèse conçue avec des gros plans sur certaines périodes clés. Les résultats sont particulièrement étonnants, puisqu’ils mettent en évidence, dans l’art géométrique, une présence plus marquée des procédés perspectifs qu’au VIIe et VIe siècle, au sein d’une image construite, par ailleurs, selon des procédés aspectifs. Les résultats montrent ainsi que, dès le départ, les deux conceptions de l’espace graphique connaissaient des interpénétrations
As part of the renewal program study of history of Greek art developed in the research team PLH-CRATA, I am carrying out a thesis entitled : « The aspectivity in attic vase-painting : 900 – 575 ».This concept, elaborated by Egyptologists, refers to the construction of the image in graphic spaces which are not governed by perspective. Aspectivity is a close but distinct notion of what Waldemar Deonna called "primitivism". The perspective vision is the one that is natural for us. All the different techniques of perspective representation have in common the intention of representing the view of objects in three dimensions on a given space. They take into account the effects of the distance and the position in space with respect to the observer. The Greeks bequeathed us their perspective vision with figures conceived from a single place in a single moment. This representation is at the origin of the spatial and temporal unity. However, this mode of representation only took place very gradually between the end of the 6th century and the middle of the 5th century.Before this period, the art of many cultures is governed by the aspective principles. This notion, belonging to semiology, associates several points of view in the representation of the same character, whereas in natural vision we have only one. The aspective can also group together several moments of the same story in a single image, which can be read in one moment. The artist represents the parts as if each of them was isolated, as an enumeration of the various characteristics of the subject, freeing themselves from the subjective gaze of the observer placed in a certain place. The works do not seek to show a representation in time and space, but to show what must be, even if the events are not linked in time. The image becomes more a construction than a representation.There is, in Greek archaic art, as in the Egyptian and Near Eastern arts, an aspective. It is necessary to detect its presence, but also to identify its specificities. It is to this task that I dedicate myself, in a thesis conceived with close-ups on certain important periods. The results are particularly surprising, since they show, in the art of the Geometric period, a stronger presence of perspective processes that in the seventh and early sixth century BC. J.-C. within an image constructed otherwise by aspective processes. The results thus show that, from the start, the two conceptions of graphic space know some interpenetrations