Academic literature on the topic 'Art informel'

L’objectif de cette Thèse est de collecter, d’analyser et de faire connaître le contenu des archives internationales et familiales inédites, rendant compte, par leur diversité, des activités protéiformes de Michel Tapié de Céleyran (1909-1987). Inventant sa profession d’entrepreneur d’art en conciliant plusieurs activités : critique d’art, éditeur, conseiller artistique, courtier et collectionneur, il a mis en relation des galeries internationales en organisant, à travers le monde des expositions de ses artistes. Il a contribué aux destinées internationales de plus de cent-quatre-vingt artistes dont certains noms brillent, dans la constellation Tapié, plus que d’autres : Dubuffet,Mathieu, Pollock, Riopelle, Sam Francis, Tapiès, Saura, Fontana, De Kooning.Soucieux de se créer une position pour l’actualité et pour l’histoire, il inventa « Un Art Autre », un véritable système théorique et marchand s’appuyant sur des méthodes de communication qu’il sut créer avec l’aide de ses amis artistes de combat : l’édition au service de son autopromotion, la fabrication de l’événement à partir des expositions itinérantes relayées par la presse, en France, en Espagne, aux États- Unis, en Italie, au Japon et en Iran.« Il Profeta » est le surnom que lui attribuent les artistes italiens, séduits par la personnalité de Michel Tapié qui est venu en Italie apporter la parole de l’art Informel dont il inventa l’appellation<br>The aim of this PhD thesis is to collect, analyse and promote the content ofunpublished international and family archives, highlighting the diversity of MichelTapié de Céleyran (1909-1987)’s activities. Tapié invented his own trade as an artentrepreneur, mixing several occupations: art critic, publisher, art councillor, trader and collector. He also connected together international galleries, organising exhibitions of his own artists, worldwide. He took part in the international fate of more than 180 artists, forming Tapié’s constellation, in which some names still shine more that others, such as Dubuffet, Mathieu, Pollock, Riopelle, Sam Francis, Tapiès, Saura, Fontana, De Kooning.Paying close attention to his own status in the current events and in history, Tapié invented « An Art of an Other Kind », which is a true theoretical and tradingsystem. Thus, he relied on communication methods that he created with the help ofhis battle friends: publishing for self promotion, creating a buzz based on travelling exhibitions, with media coverage in France, Spain, United States, Italy, Japan and Iran.« Il Profeta » was the nickname attributed to him by Italian artists, seduced by Michel Tapié’s personality, who came to Italy and brought in the Informal art’s word, which he invented the designation

Le monde d’où émerge la peinture informelle est celui d’un temps où, après les horreurs de la Seconde Guerre mondiale, les artistes prennent conscience que l’art ne peut plus se faire de la même manière. En Espagne, ce monde est celui qui n’est pas encore guéri des séquelles de la Guerre Civile et qui a détruit toute forme de culture moderne. Si les artistes préfèrent prendre le parti de donner à voir les matériaux utilisés plutôt que des images identifiables, la peinture informelle ne repose pas pour autant sur un vide de la représentation. En donnant à voir alors la perception en train d’opérer, l’expérience qu’il fait du monde, le peintre tente de changer la façon de le voir. La première étape de ce travail a pour objet d’étudier le cas de l’Espagne comme phénomène singulier, les artistes s’insérant dans les grands courants de pensée européens, alors que l’Espagne sort tout juste de son isolement. Dans une perspective plus esthétique, la seconde étape analyse le processus de création en montrant que la question est de créer des images en l’absence d’images. Les options qui s’offrent à l’artiste passeront par la matière et par le geste ; aussi s’agit-il d’analyser comment les peintres s’attachent à mettre en valeur les matériaux et comment le geste sera déterminant pour établir ensuite une relation spécifique de l’homme à la matière. Dans une troisième étape, la réflexion s’efforce de caractériser la création comme un faire et une recherche à la fois. L’acte de peindre sera alors à envisager comme un effort qui vise à laisser être les choses telles qu’elles sont, en même temps qu’il permet au peintre d’ouvrir le monde qui est le sien<br>The world from which informal painting arises corresponds to a time, after the horrors of the Second World War, when artists became aware that art could not be performed the same way as before. In Spain it reflects the world that has not yet been healed of the sequels of the Civil War as well as the world that has wiped out any form of modern culture. If the artists would rather have the material they use be seen than be plainly identified images, informal painting, nevertheless, does not rest on the absence of representation. That is why getting us to see his perception in the making and the experience he derives from the world, the painter is trying to change the way it is seen. The first stage of this work aims at studying the example of Spain as a unique phenomenon, its artists were involved in the great European movement of thought while Spain had just broken out of its isolation. From a closer aesthetic angle, the second stage analyses the creative process and shows that what matters is to create images out of their absence. The options available to the artist will encompass matter and action; what is at stake, thus, is the analysis of the attempt by painters to emphasize the importance of material, to show how action will be a determining factor to establish, after, a specific relation from man to matter. In a third stage, reflection tries to characterize creation as both the act of making and a quest. The act of painting will therefore have to be considered as an effort meant to leave things be as they are, while, at the same time, it will enable the artist to open up the world that is his universe

Jean Degottex, né en 1918 et décédé en 1988, est un peintre qui a exercé des années 1938 jusqu'à sa mort, soit pendant cinquante ans. Se tournant assez tôt dans sa pratique vers une peinture gestuelle, il est vite remarqué pour cela par André Breton qui y voit la mise en pratique de l'automatisme qu'il recherchait dans l'écriture. Il n'a cependant jamais adhéré au surréalisme tout en étant sensible à certains de ses aspects. La poésie en particulier est une de ses sources d'inspiration majeure. Curieux de l'Orient et de ses calligraphies, il montre un intérêt plus particulier pour l'Asie. Après une rupture importante au milieu des années 60, il reprend son travail en se focalisant tour à tour sur le cercle, la déchirure ou encore la ligne afin de mettre en évidence les caractéristiques plastiques de la matière : la toile, le papier, le bois sont ainsi ouverts, écorchés, disséqués et montrés tels quels, afin de ne rien cacher des processus à l’œuvre dans le travail du peintre. Sensible aux climats sociaux de son temps, la peinture est pour lui une façon de militer. A partir de la biographie du peintre, basée sur ses propres archives, ce travail met en évidence ses contacts, ses réseaux et sa place en France et dans le Monde. L'analyse s'arrête sur ses outils et ses méthodes de travail et montre également l'importance du temps et de la chronologie car elle éclaire la logique interne à l’œuvre, permettant de passer d’une pièce ou d'une série (appelée Suite chez Degottex) à la suivante<br>Jean Degottex, was born in 1918 and died in 1988. He worked from 1938 to his death, during fifty years. Early using gestural painting, he is recognized by André Breton for that, who is seeing in this manner the perfect automatism in painting, the same automatism he was seeking in writing. Degottex never subscribed to Surrealism, but he was receptive to some of its aspects. Poesy is one of his major sources of inspiration. Interested in East and its calligraphies, he showed a special interest for Asia. After an important break in his work in the middle of the Sixties, he went back to his work by making a focus on the circle, the rip or the line, with the will to show all the plastic characteritics of the material. Canvas, paper or wood are opened, skinned, dissected and shown as is, with the desire to hide nothing of the processes at work in the painter's work. Sensitive to the social climate of his time, painting was for him a way to militate. From his biography, based on his own archives, this work highlights his contacts, his networks and his place in France and in the World. The analysis put an emphasis on his tools and working methods, and also shows the importance of time and chronology, as it sheds light on the painter's work internal logic, moving from a piece or a series (called Suites by Degottex) to the next one

La tesis trata de la extensa, valiosa y desconocida obra del singular pintor Luis Claramunt, (Barcelona 1951- Zarautz 2000). La obra se ha analizado y clasificado a través de la investigación llevada a cabo en el archivo del propio artista, archivo cedido al MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona) por su familia, con motivo de la exposición antológica que el Museo le dedicó en el año 2012. La tesis también incorpora los testimonios de personas de diferentes ámbitos de su entorno. Con este material se ha realizado una personal clasificación de su pintura en tres etapas y trece series temáticas. Series ordenadas cronológicamente y contextualizadas en el panorama artístico internacional, a las que se incorporan dibujos, fotografías, artículos de prensa, los textos de los críticos del momento, y los del propio artista. Las series también se acompañan de los testimonios de la familia, amigos y galeristas. Voces que sitúan la obra en el contexto en el que fue creada. El resultado es un bricolaje de documentos, muchos de ellos inéditos, de diferente origen, índole y formato, que permiten percibir el peculiar y rico mundo del artista, su visión plasmada en su obra, su mirada, su vocación de narrador. En esta recopilación adquiere un especial interés el estudio del contenido y significado de sus libros autoeditados, sus documentos más personales e intimistas que realizó en la última etapa de su vida. La clasificación de la obra, la exploración en la vida de Luis Claramunt y el análisis de la forma y contenido de sus cuadernos, son las herramientas utilizadas para presentar la obra y el artista y así tratar de aventurar una interpretación particular de las líneas que siguen sus trabajos, presentados buscando su procedencia en su particular cuaderno de bitácora.<br>The scope of this thesis is to give insight on the extensive, valuable and relatively unknown artwork of the singular painter Luis Claramunt (Barcelona 1951-Zarautz 2000). Such artwork has been analysed and classified after carrying out an investigation into the archives of the artist, which were transferred to MACBA (Museum of Contemporary Art of Barcelona) by the family when in 2012 the museum held an anthological exhibition. In this thesis it can also be found the testimonies of relevant people from the different circles of the artist. With such material the artwork has been classified into three stages and thirteen thematical series. Such series are sorted chronologically and contextualized with the international artistic panorama, which include drawings, photographs, press articles, critical writings of the time, as well as those of the artist himself. Along with the series, testimonies of relatives, friends and gallerists can also be found. The result yields a vast number of documents, a significant amount of which had never been published, from different origins, nature and format that allows the reader to perceive the unique world of the artist. Within this recompilation, it is compellingly interesting the study of the content and meaning of the artist's self-published books, the most intimate element of his artwork, developed during the latter stage of his life. The methodology used to present the artwork and the artist includes the classification of the artwork, research into the Luis Claramunt's life and analysis of form and content, this approach allows a unique interpretation of the tendencies followed by his pieces and presents it looking far its origins in the artist's particular logbook.

La recherche vise à esquisser le profil intellectuel d’Hubert Damisch, à travers une analyse de sa production et une description du milieu dans lequel il travaille et des rapports qu'il a établi avec d'autres savants de son temps. Après une analyse de sa formation qui vise à définir les matrices théoriques de sa pensée, la recherche décrit un parcours à travers ses textes voué à relever les traits spécifiques de sa pensée. Des premiers essais consacrés à l'art contemporain aux textes des années Quatre-vingt-dix placés sous le label de l'iconologie analytique, l'analyse reconstruit la recherche d'un auteur qui n'a cessé de mettre en perspective les disciplines différentes ; qui a fait de la conscience qu'il y ait une pensée au travail dans l'art le point de départ d'une série d'études où la considération du rôle que l'art joue dans l'horizon de la connaissance se noue à Ia conscience de la capacité des œuvres de signifier à travers la spécificité visuelle de leurs instruments ainsi que d'agir au-delà du temps dans lequel elles ont été crées. Le caractère oblique de la recherche indiqué le titre renvoie au point de vue sémiotique à partir du quel on a choisi de conduire l'analyse. L'exigence de vérifier la réception italienne de cet auteur -connu surtout dans le milieu sémiotique, c'est avec le label du sémioticien que l'histoire de l'art italienne circonscrit sa pensée -nous on induite à faire de la réflexion sémiotique de cet auteur le point de départ d'un parcours voué à dévoiler les matrices de sa position sémiotique, et dans une perspective plus générale à reconnaître les raisons et les racines du travail de Damsich en tant que historien et philosophe de l'art<br>The search is aimed at outlining Hubert Damisch's intellectual profile, through an analysis of his work and a description of the environment in which he works and the relationships he has established with other scholars of his time. After an analysis of his background that aims at defining the abstract matrices of his way of thinking, the search describes a path through his texts devoted to pointing out the particular features of his ideology. From the initial trials devoted to contemporary art in the texts of the Nineties given the label of analytical iconology, the analysis has recreated the search of an author who never stops putting the different disciplines into perspective; one who, so there was an ideology in the way of working art, made awareness the starting point of a series of studies where the reflection of the role that art plays in the prospects for acquiring knowledge takes shape from an awareness of works' ability to have meaning through the visual specificity of their instruments as weil as to act beyond the time in which they were created. The sidelong nature of the search indicated in the heading sends you back to the semiotic point of view from which you choose to conduct the analysis. The requirement to check how the Italians receive this author -known above ail in the semiotic milieu, it's with the label of semotician that the history of Italian art defines his way of thinking -leads us to make a semiotic reflection about this author the starting point of a path devoted to unveiling the matrices of his semiotic position, and in a more general outlook to recognise the reasons and the roots behind Damsich's work as an art historian and philosopher

Cette étude aborde l’activité d’un cercle artistique hongrois d’avant-garde nommé Cercle de Zugló, composé de jeunes peintres et sculpteurs abstraits. Cette formation informelle et autodidacte regroupait les artistes Imre Bak, Tibor Csiky, Sándor Csutoros, Pál Deim, János Fajó, Tamás Hencze, Endre Hortobágyi, Sándor Molnár et István Nádler, et exista de 1958 à 1968, durant la période communiste en Hongrie. Par l’examen de ses antécédents théoriques et stylistiques remontant à l’Ecole Européenne et au Groupe des artistes abstraits (1945-1948), jusqu’à sa résonance dans le retour à peinture des années quatre-vingt nommé Nouvelle Sensibilité (1978-1990), l’auteur tente de déterminer l’importance et la valeur éthique de la production abstraite du Cercle de Zugló dans le paysage artistique hongrois, isolé des actualités internationales et dominé par l’idéologie politique culturelle du réalisme socialiste.La mise en perspective théorique et stylistique permet d’une part de définir à quel point la démarche des jeunes artistes se veut être l’héritière intellectuelle et artistique de la génération plus âgée de l’avant-garde hongroise, d’orientation constructiviste. D’autre part, elle s’efforce de mettre en lumière à quel point le Cercle de Zugló se différencie de ses pères spirituels, par l’introduction et l’adoption de l’abstraction lyrique française, puis de la nouvelle abstraction géométrique américaine. Elle traduit également la volonté de redéfinir une identité artistique hongroise et de la réinsérer dans le contexte et le flux internationaux<br>This study examines the activity of a Hungarian avant-garde artistic circle named Zugló Circle, formed by young abstract painters and sculptors. Working in a self-taught way, this informal group gathered the artists Imre Bak, Tibor Csiky, Sándor Csutoros, Pál Deim, János Fajó, Tamás Hencze, Endre Hortobágyi, Sándor Molnár and István Nádler, and existed from 1958 to 1968, during the communist period in Hungary. Through the analysis of its theoretical and stylistic antecedents going back the European School and the Group of abstract artists (1945-1948) until its resonance in the new painterly wave of the eighties named New Sensitivity, the author determines the importance, the ethical value of the abstract production of the Zugló Circle in the Hungarian artistic landscape, which at the time was isolated and dominated by the cultural politics ideology of socialist realism.Putting the young artists’ approach in a theoretical and stylistic perspective, the author defines on one hand to which extent it wished to be the intellectual and artistic heir of the older generation of the Hungarian avant-garde, of constructivist orientation. On the other hand, this perspective also sheds light on how the Zugló Circle differentiates from its spiritual fathers, through the introduction and adoption of the French lyrical abstraction and later the American geometrical abstraction. It also reveals the will to redefine a Hungarian artistic identity and to reinsert it in an international context and stream

Tel qu’il a été formulé par Georges Bataille dans Documents, dans les premières décennies du XXe siècle, l’informe s’est avéré être un puissant moteur de réflexion. Il a fait naître des œuvres qui disent s’en inspirer, et motivé un âpre débat théorique sur le véritable sens à lui donner. Qu’est-ce que l’informe, en effet ? Cette catégorie complexe et paradoxale s’avère très fructueuse dans l’analyse des œuvres théoriques, plastiques et littéraires de la Renaissance qui s’intéressent à la naissance des formes. L’utilisation d’une notion anachronique permet de réunir dans un même ensemble les préoccupations concernant les origines de l’œuvre d’art, celles sur la bonne composition, ainsi que celles concernant la Matière et l’Être. Ce travail dégage ainsi ce qui serait une poétique de la forme en devenir, poétique se réclamant de la philosophie néo-aristotélicienne de l’époque mais opérant un élargissement d’horizons et une refonte conceptuelle très éloignés de la pensée antique<br>From the early XXth century the Formless, as defined by Georges Bataille in Documents, has revealed itself to be a powerful tool for reflection. It has inspired art works and triggered an ongoing debate about its true meaning, for what is the formless exactly? In search for its essence, this category has proven to be of great value when analyzing theoretical, artistic and literary Renaissance works dealing with the birth of form. The anachronic notion of Formless permits an intertwining of questions regarding the origins of the piece of art, good composition, matter and being. Through this essay we will discuss the poetics of art in the making, so-called (neo)Aristotelian in the XVIth century – poetics in a constant and fluid definition of the Aristotelian meaning enlarged by non-Aristotelian concepts, and categories distant to those attributed to it in classical times

Dans l'œuvre de Réquichot, l'écriture accompagne l'acte de peindre, de coller, d'assembler mais possède néanmoins une véritable autonomie. Ses écrits, jusque-là peu étudiés, ne sont pas simplement des réflexions, des commentaires de l'artiste sur son travail, pas plus que des manifestes lui permettant de prendre place dans le monde de l'art en situant sa pratique par rapport à celles de ses contemporains. Ils prennent des formes diverses : un roman inachevé - Faustus -, des poèmes, un journal sans dates et des textes épars. La thèse fait apparaître des équivalents formels entre la pratique littéraire et l'œuvre plastique : leur évolution parallèle atteste de leur non subordination réciproque autant que de leur mise au service d'une même recherche. La mise en évidence de zones de contact témoigne non seulement de la porosité des frontières entre les deux pratiques et de leur influence mutuelle, mais aussi de la quête d'une origine commune qui prend la forme de la spirale. En inscrivant l'ensemble de son travail dans le mouvement spirale qui en imprègne toutes les parties, Réquichot porte la pratique de l'écriture comme celle de la peinture, du dessin, du collage, vers un indistinct où forme et sens s'abolissent, où le terme rejoint l'origine. Ce faisant il donne une réponse singulière à la problématique de l'articulation écriture/pratique plastique présente dans le milieu artistique parisien des années 1950. L'inscription de cette œuvre dans son époque et la prise en compte d'autres artistes/écrivains qui ont pu croiser sa trajectoire et l'influencer révèle combien Réquichot marque d'une radicalite exemplaire la production littéraire et artistique d'après guerre<br>In Requichot's work, writing goes along with the action of painting, collage, put together but have however an actual autonomy. His writings, up to now little studied, aren't only thoughts, comments of the artist around his work neither than manifestos allowing him to take up his space in the world of art situating his practice compared to those of his contemporaries. They take various forms: An unfinished novel - Faustus -, poems, a diary without dates and disseminated texts. The thesis brings to light formal equivalents between literary practice and plastic work: their parallel evolution demonstrates their reciprocal non-subordination as well as the fact they are involved in in a similar research. The highlighting of contact zones demonstrates not only the porosity of the borders between the two practices and their mutual influence, but also the search of a common origin which takes the shape of the spiral. Giving the whole of his work its place in the spiral shaped movement spreading through all the parts, Requichot brings the writing practice as well as the painting, drawing, collage, towards an unclear where form and meaning abolish themselves, where the term reach the origin. Doing this, he gives a singular response to the issue of the interrelation writing/plastic practice present in the Parisian artistic scene of the 1950's. The incorporation of this work in its times and the taking into consideration of others artist/writers who crossed paths with him and influenced him reveals how Requichot affect with an exemplary radicalism the post war literary and artistic production