Academic literature on the topic 'Art interactif – Brésil – 20e siècle'

Ouverture et optimisme marquent les années cinquante au Brésil, culminant par l’édification de Brasilia. Les arts se renouvellent sur l’axe de Rio de Janeiro et Sao Paolo, avec l’avènement de deux mouvances artistiques, le Concretismo et le Neoconcretismo. L’art concret s’édifie comme un système autoréférentiel, considéré par cet artifice comme universel, et devient le plus important mouvement artistique de l’époque. Lygia Pape prend part à la création de ces deux mouvements et à leur développement grâce à une riche production artistique. Elle est en contact direct avec Mário Pedrosa, théoricien qui oriente le groupe concret de Rio de Janeiro autour de l’empathie de la forme, sous l’influence des sciences cognitives, de la Gestalt et de la phénoménologie. Lygia Pape s’implique dans diverses manifestations artistiques, comme la peinture, la gravure, la poésie concrète, la danse, le cinéma et le happening. Elle s’abstrait progressivement d’un art universel et rationnel vers un art qui baigne dans l’individualité et la subjectivité. Sa production contrarie la rigueur concrète pour évoluer vers un art participatif engageant d’abord l’esprit, puis tout le corps. Ainsi, la figure, auparavant écartée, est réintroduite par l’inclusion de l’homme dans l’œuvre, passant de l’abstraction géométrique et des rigides règles du Concrétisme, vers la liberté de création introduite par le Néoconcrétisme. Traditionnellement envisagé comme une suite logique du Concrétisme, le Néoconcrétisme semble avoir toujours été présent dans l’œuvre de Pape
Open-mindedness and optimism mark the fifties in Brazil, culminating with the construction of Brasilia. The arts undergo a renewal on an axis going from Rio de Janeiro to Sao Paulo, with the rise of two artistic avant-garde movements, Concretismo and Neoconcretismo. Concrete art is built as a self-referential system, considered by this artifice as universal, and becomes the most important artistic movement at that time. Lygia Pape participates actively in the creation and the development of both, thanks to a rich artistic production. She is in close contact with Mário Pedrosa, a theoretician steering the artists of the Rio de Janeiro concrete group towards the form empathy, under the influence of cognitive sciences, Gestalt, and phenomenology. Lygia Pape gets involved in various fields, such as painting, engraving, concrete poetry, dance, cinema, and happening. She progressively abstracts from a universal and rational art to an art diving into individuality and subjectivity. Her production contradicts the concrete rigor to move towards a participatory art engaging at first the mind, and then the whole body. Thus, the figure, previously discarded, is reintroduced by the inclusion of the man inside the work, moving from Concretism with its geometric abstraction and rigid rules towards Neoconcretismo and its creative freedom. Traditionally considered as a logical continuation of the Concretism, it seems that the Neoconcretism has been always present in Lygia’s work

Cette étude a l'intention d'établir un rapport poétique entre les œuvres des peintres brésiliens Oswaldo Goeldi et Iberê Camargo. L'expérience esthétique de leurs travaux révèle d'emblée des traits communs, nos considérations accompagnent cette expérience, et cherchent à marquer la singularité des œuvres de Goeldi et de Iberê dans le champ de l'art moderne et contemporain. Notre étude ne vise pas à épuiser le sens du rapport entre les œuvres des deux artistes. Nous cherchons plutôt à trouver une nouvelle approche de ces œuvres, et à les articuler à l'esthétique expressionniste. La thèse est conçue en trois étapes principales : la première dédiée à Oswaldo Goeldi, la deuxième a Iberê Camargo et la troisième au développement du rapport entre les deux œuvres
This study intends to establish a poetical link between the works of the Brazilian painters Oswaldo Goeldi and Iberê Camargo. The aesthetical experience of their works reveals immediately common traits, our considerations follow this experience and try to point to the singularity of the works of Goeldi and Iberê in the field of modern and contemporaneous art. Our study has no intention to exhaust the meaning of the link between the works of the artists. Above all, we try to find a new approach to these works and to articulate Goeldi and Iberê to the expressionist aesthetics. This dissertation is conceived of three main pieces : the first is involved with Oswaldo Goeldi, the second with Iberê Camargo and the third with the development of the link between their works

Cette recherche analyse la logique des conduites adoptées par quelques critiques d'art au Brésil telles qu'elles se reflètent dans les écrits des années 80 dans les régions de Rio de Janeiro et de Sao Paulo. À partir du constat de l'homogénéisation de la culture, de l'effacement de l'identité et de la liberté individuelles, cette étude met en examen le manque de fondements, permettant de justifier et de mettre en question dans l'espace public les avis qui sont émis sur l'art par les critiques, ainsi que leur approche de l'objet de leur discours, l'expérience qui est faite des œuvres étant vue ici comme la source principale d'identification de leurs valeurs. La nature de ces discours en ce qui concerne les aspects de la communication est l'un des éléments centraux de ces analyses. Du point de vue méthodologique quelques cas particuliers sont examinés pour illustrer les divers modes d'expression et d'insertion de la critique d'art dans le champ culturel brésilien. Ils correspondent chacun a un lieu spécifique de divulgation des discours relatifs à l'art et jouent un rôle essentiel dans établissement d'une géographie du champ de la critique. L'examen des questions de la recherche passe par l'analyse de contenu, d'une part, de documents collectes au fil d'une extensive recherche de terrain menée au Brésil et, d'autre part, d'entretiens accordés par quinze professionnels brésiliens en 1997. À partir des données examinées, sont esquissées quelques-unes des perspectives qui s'offrent à la critique d'art contemporaine à travers une proposition fondée sur les résultats des analyses précédentes. Ce travail s'achève par une estimation de la possible mise en pratique des idées exposées
This research examines the logic underpinning the attitudes of some art critics in Brazil, as reflected in their writing in the 1980s in the rio de janeiro and sao paulo areas. Based on the observation that culture has tended to become homogenised, and individual identity and freedom blurred, this study looks at the absence of any foundation or justification for the opinions on art given by critics and the failure to question those opinions in the public domain, as well as critics' approach to their subject: the experience of works of art is seen here as the main source of assessing their value. The nature of their comments concerning aspects of communication is one of the central factors in this study. From a methodological viewpoint, some specific cases are examined to illustrate the various ways in which art criticism is expressed and forms part of Brazilian culture. Each occupies a specific place in revealing opinions on art and plays an essential role in establishing a geography of the field of criticism. The examination of these issues also calls for both an examination of the contents of documents collected during extensive research in the field in Brazil, and interviews granted by 15 Brazilian art professionals in 1997. On the basis of the data examined, some of the viewpoints offered to contemporary art criticism are sketched out, using a proposal based on the results of previous research. This paper ends with an evaluation of the possible practical applications of the research

Après la reconstitution de l'histoire de la diffusion du surréalisme au Brésil, de sa naissance jusqu'à nos jours, et, à travers une analyse comparative, nous déterminons la contribution du surréalisme au fait que l'art au Brésil appartient à la modernité. Pour cela nous confrontons les effets poétiques, les imaginaires et les effets formels : les différents notions d'espace, les cas de pléthores érotiques, les relations parodiques, les correspondants des tropes dans l'art et la formalisation de la pensée esthétique. Sont analysés entre autres les antécédents proches au surréalisme, un certain symbolisme brésilien, la peinture de Tarsila Do Amaral, Vicente Do Rego Monteiro, Ismaël Nery, Flavio de Carvalho, Cicero Dias, Antonio Pedro, Wesley Duke Lee, Jef Golyscheff, Octavio Araujo, les collages de Sergio Lima et Tereza d'Amico et les sculptures de Maria Martins. Nous déterminons les rapports entre les effets de cet art avec la poésie essentialiste et la jeune poésie surréaliste de Sao Paulo des années 60s
After the historic reconstitution of the diffusion of surrealism in Brazil, from early begining to today, and through a comparative analysis, we pretend to show the contribution of surrealism as an element of the belonging of art in Brazil to modernity. For this purpose we confront poetry effects, imaginary and formal effects : different space notions, erotic plethoras, parodic relations, correspondances of tropes in art and formalisation of an esthetic thinking. We particulary analysed the antecedents close to surrealism : a certain brazilian symbolism, the painting of Tarsila Do Amaral, Vicente do Rego Monteiro, Ismael Nery, Flavio de Carvalho, Cicero Dias, Antonio Bento, Wesley Duke Lee, Jef Golyscheff, Octavio Araujo, the collage of Serfio Lima et Tereza d'Amico and the sculpture of Maria Martins. We determine the relations between the effects of this art with essentialist poetry and the young surrealist poetry of the sixties in Sao Paulo

Ce travail se propose de mener une interprétation minutieuse de l'oeuvre du peintre brésilien Cicero Dias [1907-] pour la période qui va des années 20 aux années 50. Le peintre a traversé le siècle et sa longue carrière qui débute à Rio de Janeiro s'est déroulée entre le Brésil et la France. Son départ précipité du pays en 19371 sous le régime de la dictature Vargas, pour un séjour à Paris qui dure depuis cette date, fait qu'il laisse derrière lui une quantité importante de ses oeuvres et un discours partial de la critique qui célèbre sans modération son côté régional. Nous chercherons tout d'abord à reconsidérer l'expérience formelle de son langage figuratif pour ensuite mettre en lumière le passage de la figuration à l'abstraction sous l'angle de l'analyse de l'oeuvre et des faits généraux auxquels elle renvoie. Puis, nous interpréterons les changements formels de l'abstraction construite chez Dias en esquissant les rapports qui se sont établis entre lui et la scène artistique française et entre son oeuvre et le monde de l'art brésilien. Si, au Brésil, l'aura de mystère qui entoure le déroulement de sa carrière a progressivement remplacé tout regard analytique, l'oeuvre est, en revanche, presque inconnu en France aujourd'hui. Il importait donc d'interpréter et de remettre en question l'oeuvre, tout en essayant parallèlement de replacer l'artiste dans l'histoire de l'art brésilien.

La these 'l'art moderne au bresil dans les annees 50 et 60' a ete concue a partir d'un travail de recherche sur l'historique des biennales de sao paulo (1951-1991), en situant l'art bresilien dans le contexte international. La biennale de sao paulo constitue a partir des annees 50 an lieu de presentation de l'art moderne et des tendances contemporaines en amerique latine. Les differentes biennales de sao paulo ont permis l'echange et la penetration de valeurs artistiques europeennes et americaines au bresil. La biannale de sao paulo a ete traitee en tant qu'espace representatif d'une image de modernite internationale dans les annees 50 puis d'experiences esthetiques dans les annees 60, le biennale de sao paulo representant un evenement capital surtout a cette epoque. L'analyse a ete faite a partir de l'effet de la biennale sur le public et la presse. Un panorama des principals mouvement presentes par la biennale a ete constitue et plus specifiquement la participation bresilienne. Les interpretations ont porte sur les envois des delegations officielles des divers pays participants
The thesis' modern art in brazil in the 1950's and 1960's ' is the sum of a research on the history of sao paulo's biennial (1951-1991) and thereby places brazilian art within an international context. The sao paulo's biennials of the beginning of international representation of art movements, including both modern and contemporary tandances in latin america. The various biennials were occasions for cultural exchange and exposure of european and american artistic values. During the 1950's, the biennial represented an international exhibition place for modern art and whereby, in the 1960's it became not only international impressions, but a domestic expression of aesthetics as well, the biennial being an important event particularly in those years. A panoramic view of the most important artistics movements is presented by each biennial and also a specific study of brazilian artistes. The interpretations are based on the official delegates of the various countries participating in the biennial

Au début du vingtième siècle, une rupture radicale et fondatrice de modernité artistique eut lieu au Brésil. Cette modernité se démarque de celle d’Europe par la prise de conscience des distances géographiques, culturelles et politiques vis à vis de l’Europe et surtout de l’ancienne puissance coloniale, le Portugal, par la recherche de son identité à travers la multiplicité des métissages du Nouveau Monde, ses mythes et son histoire réelle décolonisée. L’avant-garde brésilienne émerge autour de 1928, à travers les Manifestes anthropophages d’Oswald de Andrade (1890-1954) qui est donc le fondateur des anthropophagies, que l’on peut définir comme un indianisme à rebours. Le ″mauvais sauvage″ exerce sa critique contre les impostures du monde. « La ″Descente anthropophagique″ n’est pas une révolution littéraire, ni sociale, ni politique, ni religieuse. Elle est tout cela à la fois ! Sa loi est simple : Ne m’intéresse que ce qui n’est pas à moi ! Loi de l’homme, loi de l’anthropophagie ! » . Elle prescrit donc la dévoration des modèles importés et leur digestion dans l’hybridation au nom de l’identité brésilienne, par déplacement de concepts freudiens : « L’anthropophagie c’est la transformation permanente du Tabou (manger de l’homme) en Totem (de l’identité brésilienne) ! » . Ici l’influence notable de la psychanalyse et de l’anthropologie est à resituer : le déplacement du tabou anthropophage demeure une transgression symbolique, une métaphore, mais la référence anthropophagique ne concerne pas que la période précolombienne, car elle se réactualise. Nous nous proposons d’étudier ce phénomène à travers quatre questions : 1°- Quelles relations existent entre l’anthropophagie, l’histoire, l’esthétique et l’idéologie ? 2°- Quelle est la place des femmes artistes brésiliennes dans l’émergence de ce mouvement, compte tenu de leur présence décisive dès l’origine ?3°- Compte tenu de la résurgence rhizomique de l’anthropophagie dans la 2e moitié du XXe siècle, y compris jusqu’à aujourd’hui, quelle est la place des femmes artistes dans ce phénomène ? Y a-t-il continuité avec l’époque fondatrice ?4°- Etant donné ce qui précède, peut-on déduire qu’il existe un courant spécifiquement féminin dans l’anthropophagie d’hier et d’aujourd’hui ? Quelle est son importance réelle ? Quelles sont ses relations et postures par rapport à la postmodernité et à la mondialisation de l’art contemporain ?
At the beginning of the twentieth century, in Brazil, a radical artistic rupture took place, which marked the beginning of a new era. The resulting modernity differed from its European counterpart by the awareness of geographical, cultural and political distances that alienated Brazil from Europe and more specifically from its former colonial owner, Portugal. Brazilian modernity sought to define its identity through important basic elements that constitute the stuff that the New World is made of: cross-breeding, mythology and post-colonialism. The Brazilian avant-garde emerged around 1928 with the publication of The Anthropophagy Manifesto by Oswald de Andrade (1890-1954), who is thus the founder of the Anthropophagy, that we can define as a backward step into a reinvented form of ″Amerindianness″. The ″bad savage″ voices his criticism against impostures of the world. « Anthropophagy art is not a literary revolution, nor is it a social plea, nor a political pamphlet, nor a religious tract. It is all these things at the same time. Its law is simple: everything that is not me is of interest to me. The law of men is the law of Anthropophagy ». It thus prescribes eating up imported models and digesting them through the process of hybridization in the name of Brazilian identity. By displacing Freudian concepts, «Anthropophagy is the permanent transformation of the Taboo (man-eating) into a Totem (Brazilian identity) ». The permeating influences of psychoanalysis and anthropology need to be put in perspective: the displacement of the anthropophagous taboo remains a symbolic act of transgression, a metaphor, but the anthropophagic reference does not concern the pre-Columbian period, because it is updated. We propose to study this phenomenon through four questions: 1°- What are the relations between Anthropophagy, history, esthetics and ideology? 2°- What is the place of women Brazilian artists in the emergence of this movement, taking into account their decisive presence right from the start? 3°- Taking into account the resurgence of Anthropophagy from the second half of the 20th century onwards, what is the place of women artists in this phenomenon? Are they pursuing the same interests as the founders of the movement?4°- Can we deduce that there exists a specifically female genre within the anthropophagic movement of yesterday and of today? If so, what is its relevance? Where does it stand with respect to the contemporary concepts of post-modernity and globalization in the present-day art world?

Le Brésil a produit un ensemble considéré comme très important dans le contexte du mouvement d'architecture moderne international, et qui n'a pas encore été suffisamment étudié. Les études déjà accomplies laissent des lacunes, comme par exemple, l'œuvre des frères Marcelo, Milton et Mauricio Roberto. Ce travail étudie de façon détaillée 21 bâtiments d'habitat collectif construits par les Roberto dans la ville de Rio de Janeiro, entre 1945-1969, en les insérant dans le contexte de la production architecturale de leur agence, ainsi que dans l'histoire culturelle du Brésil. Cet étude s'étend de 1935, l'année de la première association, jusqu'à 1964, l'année de la mort de Marcelo, période marquée par les partenariats fraternelles. L'analyse examine la réception des œuvres des Roberto par les usagers et par la critique spécialisée. Cette étude problématise la lecture que l 'historiographie a fait de l'architecture moderne au Brésil et de l'œuvre des frères Roberto.

La manoeuvre est une conception de l’art action développée au début des années 1990 au Québec. La création collective y est perçue comme un moyen de renouer avec l’environnement et de repenser la pratique de la performance. Les oeuvres-manoeuvres cherchent ainsi à sortir le spectateur de sa léthargie habituelle afin de le faire participer au processus de création, tant physiquement qu’intellectuellement. Ce mémoire vise à analyser comment une participation plus active du spectateur dans le processus de création artistique peut influencer la réception et l’appréciation de l’oeuvre performative par le grand public.