Academic literature on the topic 'Art museum registrars'

Esse artigo discute o papel da cultura nos atuais projetos de renovação urbana, analisando o uso contemporâneo dos novos museus na tentativa de promover uma imagem positiva para as cidades. Trata-se de estudar o papel dos equipamentos culturais no desenvolvimento urbano, visando uma elevação geral no prestígio e no capital simbólico das cidades, bem como na auto-estima e no sentimento de pertencimento da população local. Para tal, analisaremos um dos casos mais paradigmáticos em que o museu se torna símbolo, “marca registrada” da cidade em que ele foi construído: o Museu de Arte Contemporânea de Niterói, RJ. Assim, o estudo está voltado para os efeitos do MAC sobre a cidade de Niterói, abordando a relação entre urbanismo e cultura.Palavras-chave: planejamento urbano; marketing de cidades; produção de imagens; políticas culturais; novos museus. The Museum of Contemporary Art of Niterói, RJ, Brazil: A Promotion Strategy of the City ImageAbstract: This article proposes the discussion about the role of culture in the late urban renovation projects, analyzing the contemporary use of new museums in the attempt to promote a positive image to the cities. We will study the role of cultural equipment on urban development, objecting a promotion on the cities' prestige and symbolic capital, as well as on it's inhabitants self-esteem and feeling of belonging. We will analyze one on the most paradigmatic cases in which a museum becomes the symbol or the 'registered trademark' of the city it was built: the Museum of Contemporary Art of Niterói, RJ, Brazil. So, the study focuses the effects of this museum on the city of Niterói, approaching the relation between urbanism and culture.Keywords: urban planning; city marketing; image-making; cultural politics; new museums.

The aim of this article is to draw upon sacred/secular ‘journeying’ to explore the inherent movement invoked by the state’s documentation of the life course. In tracing this motion, the article follows two intersecting pathways – the literal travel of those who register a life event and the figurative ‘journeying’ of legal identity. The argument develops from a case study conducted at the Beaney House of Art & Knowledge (Canterbury, UK): a museum, gallery, library, cafe, community exhibition, tourist information point and registration hub. But rather than using the building as a frame, to follow more closely the activity of registrars and citizens, I locate imaginative potential in the Beaney’s ‘tessellating’ spaces. Accordingly, the spatial account which is developed is ‘fictive’ in its very nature and offers an implicit critique of a bureaucratic act of governance embedded with legal fiction. In doing so, the article contributes to critical work on registration which deploys the language of ‘journeying’ to outline the performative force of state documentation, and more broadly, to spatial approaches which illustrate patterns of movement within the ‘lawscape’. The article argues that the ‘journeying’ of registration represents a pilgrimage, whereby individuals are ‘called’ to bureaucratic space at the centre of their local sphere, and the certificates they take with them, much like the badges of medieval pilgrims, are ‘takeaway tokens’ of the state – documents which impress legal identities upon us.

Neste artigo, discutimos o conceito e o posicionamento da museologia pós-crítica, tal como elaborados pelo projeto de pesquisa e programa público Tate Encounters: Britishness and Visual Culture (2007-2010), em relação à museologia crítica. Para tanto, analisamos os argumentos registrados na principal publicação resultante do projeto, intitulada Post-critical Museology: Theory and Practice in the Art Museum (2013), assim como alguns títulos dos museum studies, assinados por Tony Bennett (1995), Carol Duncan (1995) e Eilean Hooper-Greenhill (1992). O resultado é um quadro comparativo mais nuançado, a partir do qual se pode notar remissões e intersecções, mais do que rupturas definitivas entre essas diferentes perspectivas. Por certo, adotamos essa estratégia na expectativa de melhor registrarmos a especificidade do pós-crítico. Nossa compreensão de que o pós-crítico propõe uma reformulação da crítica, mais do que seu abandono ou superação, levou-nos a destacá-lo como um empreendimento metodológico. Todavia, trata-se de um método que não pode se autoproclamar como tal.

<p>Este artículo se concentra en examinar el uso que se hizo de las colecciones del Museo Etnográfico durante las primeras décadas del siglo XX en un contexto de recuperación del “arte” indígena como representante de lo americano y local, que también fue acompañado por el desarrollo de espacios de producción y exposición de tejidos inspirados, en parte, en motivos o diseños de objetos que se almacenaban en museos de la Argentina.<br />Al mismo tiempo que en el Museo se recibían visitas escolares, grupos de estudiantes universitarios y artistas plásticos para registrar los motivos indígenas de las piezas, se creaban escuelas y talleres de tejidos y telares impulsados por Clemente Onelli. A su vez, todo esto se combinó con un programa similar impulsado por la Liga Patriótica Argentina, que a través de las Exposiciones de Telares, presentaba todos los años motivos de piezas indígenas, tanto arqueológicas como etnográficas, extraídos de las cerámicas y tejidos de los museos para que fueran aprendidos y reproducidos por tejedoras del interior del país.</p><p>Palabras claves: Museo Etnográfico; motivos indígenas; textiles; objetos etnográficos; Clemente Onelli; Liga Patriótica Argentina.</p><p>Abstract</p><p>This article focuses on the use of the collections of the Ethnographic Museum during the first decades of the twentieth century, in a context of recovering indigenous “art” representing the Americas and local art, This event was also accompanied by the development of production spaces and tissue exhibitions inspired partly by motifs or designs of objects stored in Argentine museums.<br />While the Museum arranged school visits and groups of university students and artists in order to record indigenous motifs from artistic pieces, schools and workshops of weaving led by Clemente Onelli were created. In addition, a similar program was developed by the Liga Patriotica Argentina which, through Loom Exhibitions presented annually indigenous motifs, both archaeological and ethnographic ones, taken from the ceramics and fabrics of museums, which were to be learned and reproduced by knitters from inland regions of the country.</p><p>Keywords: Ethnographic Museum; indigenous motifs; textiles; ethnographic objects; Clemente Onelli; Argentine Patriotic League.</p>

Sinopse: Entre 2005 e 2008, realizei um ensaio fotográfico com os índios Tremembé, um povo nativo da costa norte brasileira. Certas imagens em negativo preto & branco revelado manualmente, com exposição lenta e sem flash, de registro do ritual do “torém”, em 2005, aproximaram-se mais da arte contemporânea do que do documentário tradicional. Em vez de publicação ou exposição, as películas foram digitalizadas e o trabalho rendeu uma instalação de vídeo em um museu de arte, uma monografia em antropologia e um filme documentário. Deste ensaio fotográfico realizado há pouco mais de dez anos na aldeia indígena Tremembé de Almofala, litoral oeste do estado do Ceará, apresenta-se aqui uma série composta por oito fotografias que ficou guardada justamente por sua estética que deriva do documentário e aponta para a arte contemporânea. Nos Tremembé trabalhei entre 2004 e 2010, onde cresci fotógrafo, etnógrafo e documentarista, e tentei aprender com eles algo sobre o mar, os ventos e os “encantados”. E culinária. Foram mestres meus. Ao revolver um acervo de mais de 2 mil imagens e vídeos, escolhendo para apresentar nesta ocasião a primeira série fotografias do “torém”, registradas em 2005, a reflexão segue o fluxo da intuição e da memória, como artes de engajamento na vida. Se por um lado partiu-se da estética, chegar-se-á, por outro, na política; ou vice-versa, conforme instigam-nos e fazem-nos crer Benjamin e Rancière. O ensaio fotográfico com os Tremembé rendeu cerca de 2.000 fotografias com suporte de película preto&branco e colorido cromo, em três anos de visitas, vivências e acompanhamentos na comunidade. A abordagem das temáticas e o modo de realizá-las foram pautas de conversas com lideranças, jovens e destacados membros das comunidades Tremembé, constituindo-se um processo de “antropologia compartilhada” (Rouch 1973). Desta experiência etnográfica, pôde surgir um campo partilhado de conhecimentos e, a partir deste, representações fotográficas (e audiovisuais, em outro momento) possíveis do universo Tremembé. Nesta interação dialógica entre comunidades e pesquisador elegeram-se alguns pontos-chaves para a abordagem imagética. Entre eles: relação territorial e fronteiras étnicas, ritual do torém, mar e cultura de pesca, crianças, construções, mulheres, lideranças etc. Por fim, o projeto Espelho Nativo como um todo foi um denso processo de antropologia visual compartilhada com os Tremembé de Almofala, que partiu de uma interação pesquisador-comunidade para lançar olhares para os índios sob a perspectiva da construção de suas próprias imagens, em reflexão sobre questões como imagem, imaginário e estereótipo sobre o indígena no Brasil. A experiência compartilhada de registro fotográfico deu ensejo a um processo mais longo e complexo, com a co-elaboração de um roteiro fílmico, realizado a partir do prêmio DocTV IV Brasil (Espelho Nativo, doc, 2009, 52') e também da realização de uma monografia em Ciências Sociais, defendida na Universidade Federal do Ceará. A série de fotografias aqui selecionadas representam a primeira grande imersão de pesquisa e vivência, sobretudo no ritual do torém, de modo que se apresenta, portanto, a semente que gerou os frutos, galhos e troncos posteriores. Synopsis: Between 2005 and 2008, I realized a photo essay with the Tremembé Indians, a native people of Brazil's northern coast. Certain images in black & white negative manually revealed with slow exposure and without flash, registration of "Torém" ritual in 2005 came to more contemporary art than the traditional documentary. Instead of publication or exposure, the films were digitized and the work yielded a video installation in an art museum, a monograph in anthropology and a documentary film. This photo essay done little over ten years ago in the Indian village Tremembé of Almofala, west coast of the state of Ceará, presents here a series composed of eight photographs that was just saved by his aesthetic that derives from the documentary and points to the art contemporary. In Tremembé I worked between 2004 and 2010, where I grew photographer, ethnographer and documentary filmmaker, and tried to learn from them something about the sea, the winds and "enchanted" spirits. And cooking. They were my teachers. By digging a collection of more than 2000 pictures and videos, choosing to present on this occasion the first series of photographs "Torém", recorded in 2005, the reflection follows the flow of intuition and memory, as arts of engagement in life. If in the first plan the work brings aesthetics, in the background, emerges the politics; or vice versa, according to Benjamin and Rancière. The photo shoot with Tremembé yielded about 2,000 photos in black & white and color chrome film support, in three years of visits, experiences and accompaniments in the community. The approach of the issues and how to perform them were patterns of conversations with leaders, youth and senior members of the Tremembé communities, constituting a process of "shared anthropology" (Rouch 1973). This ethnographic experience, could emerge a shared field of knowledge and, from this, photographic representations (and audiovisuals, at another time) possible from Tremembé universe. In this dialogic interaction between communities and researcher are elected some key points for the imagistic approach. Among them: territorial relationship and ethnic boundaries, Torem ritual, sea and fishing culture, children, buildings, women, leaders etc. Finally, Native Mirror project was as a whole and dense shared visual anthropology process with Tremembé people, which came from a researcher-community interaction to launch the perspective of he Indians from building their own images in reflection on issues such as image, imagery and stereotype about native indigenous in Brazil. The shared experience of photographic record gave rise to a longer and complex process, with the co-development of a movie script, made from DOCTV IV Brazil Award (Espelho Nativo, doc, 2009, 52') and also performing a monograph in Social Sciences, held at the Federal University of Ceará. The series of photographs selected here represent the first major research and immersion experience, especially in Torem ritual, so that it presents, therefore, the seed that generated fruits, branches and trunks later. Palavras-chave: Key-words: Ficha técnica: Autor: Philipi Bandeira Fotografias: Philipi Bandeira Direção, Edição de Imagem e Texto: Philipi Bandeira Credits: Author:Philipi Bandeira Photographs:Philipi Bandeira Direction, image editing and text:Philipi Bandeira

An internship experience in the Office of the Registrar and Collections Management at the New Orleans Museum of Art is reviewed alongside discussion of the Museum’s history, structure, and permanent collection, in addition to analyses of the organization’s finances and its institutional strengths, weaknesses, opportunities and threats. Discussion topics also include the intern’s experience, best practices in similar institutions, and a conclusion with recommendations made by the intern.

The semester is over, my grade rosters have been handed to the registrar, and I am home, writing sporadically and glancing through a book by P. G. Wodehouse, whose incomparable prose, as elegant as it is funny, is always very soothing. The thirty students in Conservation Ecology were very good this year. Most of them were informed, outdoors-loving, committed, hard working people who cared for each other and seemed to enjoy the class. With a few exceptions, however, they can’t write English, and I am still recovering from the effects of reading the term papers upon which their grades were largely based. For twenty-five years, I have been assigning a major term paper in lieu (“in loo,” as one student wrote) of an exam. I used to get eighteen- to forty-page papers, acceptably or even nicely written; now the students struggle to reach fourteen pages with the help of triple spacing, margins you could drive a bus along, and type sizes usually reserved for the visually disabled. And the writing! The first mistake the students are making is to use the “spell-checkers” of their computer software as a substitute for proofreading. The results are papers in which all the words are spelled correctly, even if they are not the right words. Reading these spell-checked papers can be like trying to translate from Spanish to English based on the assumption that words that are spelled the same in the two languages have the same meaning. (This can lead to some confusion if, for example, the Spanish words are sin, cabal, or saber.) In one of the papers, I had to erase a long, marginal comment I had written when I realized that illicit was meant to be elicit. In another, I had trouble with the philosophical implications of the word modal, used throughout the text, until I turned it into model, which made more sense. Then there were words such as begum (“a Muslim lady of high rank,” my dictionary told me), which didn’t seem to fit easily into the context of a paper on the genetics of coyotes, and which didn’t have an obvious substitute.

La reproducción fotográfica de los objetos incluidos en los museos y las colecciones de arte es una práctica habitual que ha venido siendo utilizada desde el nacimiento de la fotografía en 1839. Igualmente, y de manera similar, en el siglo XIX se popularizó el uso de la fotografía para registrar los viajes de los exploradores decimonónicos, con la intención de mostrar aquellos lugares inaccesibles a la mayoría de la sociedad del momento. Desde el nacimiento de la fotografía, ésta ha sido considerada como una herramienta ideal para clasificar la realidad y establecer testimonios de las experiencias vividas. Aquel impulso decimonónico de localizar, registrar y controlar el patrimonio sigue presente en nuestra sociedad. Los museos están digitalizando sus colecciones compulsivamente con la intención de hacerlas más accesibles a la sociedad. Desde 2008, la mayoría de museos y archivos han gastado y están gastando grandes cantidades de dinero y tiempo en digitalizar sus colecciones. Grandes proyectos como Google Art Project o Europeana pretenden acercar la cultura a la sociedad eliminando determinadas barreras físicas a través de internet. Sin embargo, estas iniciativas están lejos de demostrar que sirvan por sí mismas de incentivo real para aumentar el interés de la sociedad por este patrimonio. Probablemente, la causa de este impulso registrativo sea la necesidad común de generar un imaginario visual colectivo que nos sirva para entender nuestra cultura. Esa ambición de transmitir el conocimiento y acercar estos lugares y objetos a la sociedad, ha logrado que se produzca una gran cantidad de imágenes que hoy en día están conservadas en museos y archivos de todo el mundo. Pero aquellos lugares lejanos que fueron registrados por las cámaras de los calotipistas durante el siglo XIX aparecieron representados en las fotografías mediante escenas idealizadas. Probablemente, los viajeros románticos mostraron aquellos lugares bajo su ideal colonialista. Del mismo modo, la reproducción insaciable de determinadas obras de arte y monumentos en postales o libros, no han hecho más que incidir en la creación de esos iconos idealizados. Tratados como símbolos, se han consagrado en los idearios de la sociedad. Actualmente, utilizamos Internet para acceder a las colecciones de los museos y trasladarnos mentalmente a aquellos lugares idealizados, así como para compartir en las redes sociales las fotografías de nuestras experiencias vividas, tanto de los viajes como de las visitas a museos. No obstante, la gran diferencia que existe entre el siglo XIX y la actualidad estriba en que en el presente estamos sobre saturados de imágenes. Esa misma capacidad reproductiva de la fotografía ha logrado que nos saturemos perdiendo así esa capacidad de idealización.

Plataforma internacional iberoamericana de co-investigación en arte tecnológico, propone la articulación entre Geopoética, prácticas artísticas, memoria y nuevos medios. Se configura como organismo vivo, distribuido, en permanente co-elaboración, actuando en el campo de las narrativas artísticas contemporáneas a partir de las experiencias performativas, interactivas y multisensoriales entre territorios. El proyecto HolosCi(u)dad(e) es el resultado del proceso de investigación y creación poética, emerge de un hacer co-autoral, y opera con base en concepciones deleuzeanas de devenir y multiplicidad, y de autopoiesis propuestas por Maturana y Varela (1994). HolosCi(u)dad(e) está coordenado por la artista y investigadora Lilian Amaral (Media Lab UFG) resultado de la propuesta de curaduría de Residencia Artística Ecosistemas Transversales y Conectividad - Holos, celebrada en el V Simposio Internacional de Innovación en Medios Interactivos, Media Lab/UFG, Brasil. HolosCi[u]dad[e] reúne elementos audiovisuales que emergen de cartografías sonoras y visuales urbanas, estableciendo conexión entre los diversos núcleos de investigación actuantes en contexto iberoamericano. Se apropia de la estructura “Paredão” automotriz como "dispositivo intensificador de experiencias", investigación realizada por la artista e investigadora Laurita Salles (UFRN / Media Lab UFG). La obra performativa utilizó la estructura de una camioneta automotriz sonorizada, presentada en área externa del Museo Nacional de la Ciudad de Brasilia. En la apertura del Simposio Internacional # 17ART y de la exposición En Medio # 10, integrando registros visuales y sonoros creados y proyectados durante el desempeño de apertura, con la participación de la Orquesta de Laptops, UnB. Al apropiarse de sonidos oriundos de los territorios donde están ubicados los núcleos de investigación - Brasil, Uruguay, Colombia, España e China, HolosCi(u)dad(e) - http://holos.espai214.org/ - adquiere una dimensión golcal (ANJOS, 2005), en que una nueva orden mundial altera las formas de representación de identidades y cultura, a partir del espacio practicado (CERTEAU, 1994; SANTOS, 2000), cargado de memoria (MARTIN-BARBERO,2017), configurando un lugar utópico, convergente. Se refiere al pasaje del modelo de "posesión y custodia" al de "acceso y compartir".