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Dissertations / Theses on the topic 'Art nouveau'
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Kim, Eun-ho Paulin. "Art nouveau et art du vitrail." Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37606601t.
Full text
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Kim, Eun-ho Paulin. "Art nouveau et art du vitrail." Paris 8, 1987. http://www.theses.fr/1987PA080194.
Full textAbstract:
Travail d'une plasticienne, fascinee par l'art nouveau en architecture et bien sur dans le vitrail. - l'introduction - generale - traite egalement du verre considere comme une matiere vivante. Cet aspect est developpee dans le corps du texte. - la fonction historique du vitrail dans l'architecture, completee par une presentation de l'ecole de nancy et de j. Gruber. - illustration de cet art par les representants les plus eminents : peintres, concepteurs de vitraux, architectes. - la presentation et l'analyse de ma propre pratique : realisation de copies, restaurations et creations dont plus recentesThis is the work of a plastic art profesional, fascinated by art nouveau in architecture and naturelly in stained glass work. The introduction - although general - deals as well with glass considered as a living substance. This aspect is developped in the work itself. - historical function of stained glass, completed by an exhibition of the "ecole de nancy" and j. Gruber. - illustration of the art by its most prominet artists : paintors, stained glass designers, architects. - presentation my own practice and exhibition of my works : copies restorations, creations including the most recent ones
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Beauloye, Jennifer. "Arts décoratifs et Art nouveau." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2013. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209414.
Full textAbstract:
Au XIXe siècle, la France s'érige comme un modèle de référence culturel et artistique omniprésent, voire écrasant. Or, la Belgique souffre d’une position doublement déficitaire par rapport à sa voisine :le jeune pays apparaît privé d’un passé historique et en retrait sur le plan géographique. Que ce soit dans le champ des arts plastiques ou dans celui des lettres francophones de Belgique, Paris apparaît comme le centre hégémonique dont Bruxelles cherche à s’émanciper. Il en sera de même pour les arts décoratifs. Si un phénomène d’autonomisation équivalent a déjà été observé dans les autres domaines de la création, l’affranchissement de la scène décorative belge à l’égard du modèle français reste méconnu. Pourtant, les arts décoratifs belges devront se dégager du lourd héritage français. Les styles de cours de l’Ancien Régime ont contribué à accorder à la France une place de choix dans le monopole du goût. Place qu’elle entend bien conserver dans la nouvelle configuration de l’échiquier européen, désormais industrialisé. Dans ce nouvel ordre, qui jette un voile définitif sur les conceptions et les pratiques de l’Ancien Régime, la Belgique suivra une voie tout autre que celle choisie par le Second Empire. Cette voie lui permettra de s’en affranchir et d’imposer, avant la fin d’un siècle considéré comme « sans style propre », une expression stylistique débarrassée des éternels Louis XIV, Louis XV, Empire, etc. Les arts décoratifs belges formuleront un style original qui permettra enfin à Bruxelles de sortir de l’ombre de la Ville lumière. Cette distanciation, en germe tout au long du XIXe siècle, s’opèrera véritablement au terme de celui-ci et au seuil du siècle suivant, à travers l’Art nouveau. Première forme stylistique internationale depuis l’introduction de la machine dans les modes de production, l’Art nouveau apparaît, en Belgique, comme la volonté d’affirmer une identité nationale, une « originalité belge », qui entend se démarquer de Paris, capitale incontestée du luxe et du goût.Au point de convergence de deux traditions historiographiques (celle du rapport Art – Industrie et celle de l’Art nouveau), la présente thèse s’attache à démontrer ce phénomène d’autonomisation selon une approche comparée systématique des situations française et belge. Le cadre chronologique débute à l’extrême fin du XVIIIe siècle et s’achève au tout début du XXe siècle, avant que les avant-gardes successives consacrent l’ère machiniste. Au XIXe siècle, dans un équilibre encore délicat entre art, artisanat et industrie, les enjeux économiques, politiques et esthétiques seront successivement débattus par les politiques, les revues d’art et les artistes. La présente thèse s’attache à décrypter, tour à tour, les politiques économiques, les offensives de séduction et les principes esthétiques déployés et mis en œuvre par l’ensemble de ces acteurs de la régénérescence décorative. Pour vérifier leur impact, les discours seront à l’épreuve de la création moderne à travers les exemples de la galerie parisienne de Siegfried Bing et du parcours de l’artiste liégeois Gustave Serrurier. Dans le même élan, sera mis en exergue le processus d’autonomisation qui permettra aux arts décoratifs belges de s’affranchir du modèle français et propulsera Bruxelles en scène décorative moderne qui rivalisera avec Paris.
Doctorat en Histoire, art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Rivest, Mélanie. "Nouveau théatre et nouveau roman : la quête d'un art perdu." Thesis, McGill University, 2004. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=79975.
Full textAbstract:
The histories of the Theater and of the Novel have rarely been linked to one another. Nevertheless, studying the evolution of the two arts as of the seventeenth century, allows us to pinpoint and define the sources of contamination. It is more precisely in the nineteenth century that the history of both the Theater and the Novel became envenomed, going from fresh influences to disloyal relations during which time the Theater faded by admitting romanesque realism to take the stage. By denying its capacity to reveal the "real", the Theater failed its possibilities and let its art be disinterested from the theatricality showing all that should have been evoked. Men of theater participated at recapturing the theatrical art so to regain confidence on stage and near 1950, an avant-garde movement flourished to favor a renewal of vitality for the theater with a new language which utilizes all of what the scene could provoke. This "New Theater" is soon followed by a similar romanesque enterprise, the "New Novel", a group of novelists also wishing to acknowledge the right to explore a new style of writing.
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Santillana, Arbesú Ana Laura. "Presencia del Art Nouveau en México." Thesis, Universidad de las Américas Puebla, 2005. http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lha/santillana_a_al/.
Full textAbstract:
El presente trabajo contiene ejemplos de art nouveu en la Ciudad de México y en la Ciudad de Puebla,
concretamente en arquitectura y gráfica. Previo a hablar de los ejemplos, se hace una revisión del
surgimiento de este estilo en diversos géneros, así como de las condiciones políticas, sociales y culturales
en México que propiciaron la entrada y presencia de este estilo.
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Kapp, Isabelle. "Botanique et art nouveau : la stylistique des papiers peints." Lyon 2, 1996. http://www.theses.fr/1996LYO20013.
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Roloff, Andreas. "Der Verlagseinband unter dem Jugendstil : zum Wandel bibliophiler und gestalterischer Normen im Einfluss des britischen Druckwesens /." Frankfurt am Main : P. Lang, 1994. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37150550g.
Full text
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Danguy, Laurence. "L'ange de la jeunesse : la revue "Jugend" et le Jugendstil à Munich /." [Paris] : Éd. de la Maison des sciences de l'homme, 2009. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb414445501.
Full textAbstract:
Texte remanié de: Thèse de doctorat--Histoire et sciences de l'art--École des hautes études en sciences sociales, 2006. Titre de soutenance : "Jugend" et son ange : regards croisés de l'anthropologie religieuse et de l'histoire de l'art sur la figure de l'ange dans la revue "Jugend", 1896-1920. Texte remanié de: Thèse de doctorat--Histoire et sciences de l'art--Universität Konstanz, 2006.Bibliogr. p. 331-335.
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Lotz, Felix. "A conversation between Art Nouveau and Digital design." Thesis, KTH, Arkitektur, 2016. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:kth:diva-193091.
Full textAbstract:
The study contrasts the architecture of the Art Nouveau period 1880-1915 with contemporary curvilinear computational designs created 1980-2015. This is done by examining similarities and differences in design context, methods, philosophy and forms. The study includes an analysis of the curved lines used in Art Nouveau architecture as well as comparative study of the two periods’ building compositions, façades and ornamentation. The thesis tries to answer the following questions: Is it possible to identify significant forms or geometric markers in the Art Nouveau architecture of the period 1890 to 1920? How do such markers differ from post 1980 computational curvilinear architecture? Is it possible to reinterpret Art Nouveau architecture today in a relevant way?Denna studien kontrasterar Art Nouveau/ Jugendstil perioden 1880-1920 med dagens datorstödda design diskurs med fokus på den böjda linjen. Studien undersöker skillnader och likheter i kontext, metod, filosofi och form mellan de båda perioderna. Studien inkluderar en analys av den kurvatur som används inom Art Nouveau / Jugendstil och undersöker vidare byggnadskomposition, fasader och ornament i de båda tidsperioderna. Studien försöker besvara följande frågor: Fins det några signifikanta former eller geometrier i Art Nouveau / Jugendstil arkitekturen och hur skiljer dessa sig från dagens datorstödda arkitektur, Går det att på ett relevant sätt använda delar av Art Nouveau / Jugendstil arkitekturen och dess diskurrs på ett idag relevant sätt.
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Chernetska, Alla. "Art et science : nouveau langage dans l'exploration du monde." Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H001.
Full textAbstract:
L’art et la science sont des voies parallèles de connaissance du monde, même si chacun utilise ses propres moyens. Ayant des approches différentes, les deux sont en quête de l’invisible, de ce qui se trouve au-delà de la première perception de la réalité, pour aboutir à la découverte de nouveaux phénomènes dans le réel. Les collaborations actuelles entre les artistes et les scientifiques m’ont conduite à la recherche de nouvelles approches de la réalité que ces projets communs puissent apporter à l’Humanité. En découvrant le domaine Art & Science, je me suis interrogée sur des démarches et des méthodes considérées depuis longtemps comme incompatibles, qui sont en train de converger en un langage commun se créant à la frontière de l’art et la science. Notre recherche se fonde sur plusieurs témoignages, comme des artistes, ainsi des scientifiques qui ont participé à des projets communs. A travers les différentes collaborations nous avons analysées, d’une part, les points de vue communs des artistes et des scientifiques, et d’autre part, les difficultés qu’ils ont dû surmonter pour aboutir au résultat voulu. Étant un domaine assez récent, Art & Science suscite beaucoup d’interrogations. Cette thèse se focalise sur l’essence et les buts des collaborations entre les artistes et les scientifiques afin de comprendre la spécificité des projets Art & Science et voir quel impact ces projets peuvent avoir sur la sociétéArt and science are parallel ways to know the world, even if each one uses its own means. Having different approaches, these two ways are in search of the invisible, of what is beyond the first perception of reality, in order to discover new real phenomena. The current collaborations between artists and scientists have led me to investigate new approaches to reality, which these collaborative projects can bring to Humanity. Discovering the Art & Science field, I asked myself if the approaches and the methods that have been considered as incompatible for a long time are now converging into a common language being created at the frontier of art and science. Our research is based on several testimonials from artists and from scientists who participated in collaborative projects. Through the various collaborations, we analysed, on one hand, the shared viewpoints of artists and scientists, and, on the other hand, the difficulties they had to overcome to achieve the desired result. Art & Science being a recent field, many questions are raised. This thesis focuses on the essence and the aims of collaborations between artists and scientists in order to understand the specificity of Art & Science projects and to see how these projects may impact society
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Hsu, Sheng-Chieh. "Bronze-Age Crete and Art Nouveau: A Diachronic Dialog." Diss., Temple University Libraries, 2017. http://cdm16002.contentdm.oclc.org/cdm/ref/collection/p245801coll10/id/450833.
Full textAbstract:
Art HistoryPh.D.
This dissertation examines the relationship between Minoan art and Art Nouveau. The Minoan civilization was rediscovered at the turn of the twentieth century when the Art Nouveau movement reached its peak. Due to this coincidental timing, their artistic resemblance has raised questions about whether Minoan art had inspired Art Nouveau and whether Art Nouveau played a role in the restoration of Minoan art. The possibility of a Minoan influence on Art Nouveau is considered through a number of aspects, which include news reports on the excavations, Minoan collections acquired by museums, reference to the Minoans in various fields, application of Minoan motifs, and the attractiveness of the Minoans to Art Nouveau artists. As for the reversed influence, the research analyzes how archaeologists came to see the Minoans as a “modern” civilization, investigates the background of the restorers of Minoan objects, and provides examples of fresco restorations that illustrate an Art Nouveau preference of the early archaeologists and restorers. With the evidence and the discussion, I argue that the existing connection between Minoan art and Art Nouveau is beyond doubt.
Temple University--Theses
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Doucet, Hervé. "Art nouveau et régionalisme : Emile André (1871-1933), architecte et artiste." Versailles-St Quentin en Yvelines, 2004. http://www.theses.fr/2004VERS009S.
Full textAbstract:
Emile André (1871-1933) est l'un des architectes art nouveau les plus dynamiques de Nancy. Après avoir été initié à l'arthitecture par son père, Charles André, il compléta sa formation à l'Ecole des Beaux-Arts de Paris (atelier de Victor Laloux), puis entreprit plusieurs voyages qui le menèrent jusqu'en Perse et qui furent à l'origine de sa passion pour les arts musulmans. En 1900, il s'installa dans sa ville natale en tant qu'architecte décorateur et fut l'un des membres fondateurs de l'alliance provinciale des industries d'art (Ecole de Nancy) dirigée par Emile Gallé. Tout en s'inscrivant dans le mouvement lorrain, ses premières oeuvres, qu'elles soient architecturales ou d'art décoratif, furent souvent influencées par des créations européennes contemporaines - allemandes et belges notamment - que la presse artistique diffusait largement. Rapidement, il délaissa l'art nouveau pour une esthétique régionaliste à laquelle il resta fidèle tout au long de sa carrière. Loin de se contenter de concevoir de luxueuses villas pour de riches nancéiens, et à l'instar d'autres grands architectes européens de l'art nouveau, il s'intéressa au logement social. Il conçut plusieurs types de maisons ouvrières que lui commandaient les grandes industries lorraines. Il se consacra également à la reconstruction de nombreux village lorrains dévastés lors de la Première guerre mondiale. Les travaux qu'il entreprit alors montrent son souci de concilier allure traditionnelle des fermes lorraines, nouvelles techniques de construction et règles d'hygiène modernes. Sa carrière, qui se caractérise par une succession d'associations avec divers architectes (Henry-Barthélémy Gutton, Paul Charbonnier, Gaston Meunier, Henri Dufour, Jean Walter), illustre parfaitement l'évolution du métier d'architecte au cours des trente premières années du XXe siècle : de l'architecte-artiste créant des oeuvres uniques, il sut devenir en quelques années un architecte produisant des plans destinés à des constructions en sérieEmile André (1791-1933) is one of the most dynamic art nouveau architects of Nancy. He was initiated to architecture by his father, Charles André, and completed his studies at the Ecole des Beaux-Arts of Paris (in Victor Laloux's workshop). He undertook several trips that lead him as for as Persia and which sparked in him a passion for the Muslim art. In 1900, he settled down in his home town of Nancy as an architect and interior designer and was one of the founding members of the Alliance provinciale des inustries d'art (the Nancy school) headed by Emile Gallé. While firmly rooted in the trend of his native region, the Lorraine, his early architectural and decorative works were often influenced by the contemporary creation, in particular the German and Belgian one, which was largely spread across the borders by the artistic press. He, then, rapidly turned to a more regional aesthetic and was to remain faithful to it for the rest of his career. Far from limiting himself to the cocetption of luxurious villas for wealthy Nancy families, and contrary to prominent art nouveau architects, he designed several types of Workers'house units commissioned by the region's main industrial companies. He also devoted himself to the reconstruction of numerous villages in Lorraine that had been destroyed during World War I. His projects shows a concern for combining the traditional architectural features of Lorraine farmhouses with new construction techniques and modern hygiene standards. His career is characterised by a succession of collaboration with other architects (Henry-Barthélémy Gutton, Paul Charbonnier, Gaston Meunier, Henri Dufour, Jean Walter) and epitomizes the evolution of the profession during the first thirty years of the twentieth century. Indeed, there is a shift from the architect as an artist creating unique pieces of architecture to the architect producing plan for serialised projects
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Dičkalnytė, Aistė. "1900-1940 m. Lietuvos baldininkystės raida: sociokultūriniai ir meniniai aspektai." Master's thesis, Lithuanian Academic Libraries Network (LABT), 2012. http://vddb.laba.lt/obj/LT-eLABa-0001:E.02~2012~D_20120622_105728-95554.
Full textAbstract:
Darbe nuosekliai apžvelgiama 1900-1940 m. profesionaliosios meninės Lietuvos baldininkystės raida. Gilinantis į mažai tyrinėtą, tačiau aktualią gilesniam meniniam pažinimui XIX a. pabaigos.- XX a. I pusės profesionaliąją meninę Lietuvos baldininkystę, yra pristatomi žymiausi baldininkai ir jų kūryba. Tad tyrimo tikslas – charakterizuojant sociokultūrinį kontekstą atskleisti 1900-1940 m. Lietuvos baldininkystės raidą, analizuoti menininkų kurtus baldus bei baldų projektus ir apibūdinti jų meninę stilistiką. Darbo dėstymą sudaro trys dalys. Pirmoji skirta Lietuvos baldininkystės raidai nuo 1900 iki 1918 m. Čia aptariamas meno ir amatų sąjūdis europiniame kontekste, jo reikšmė Lietuvos baldininkystės vystymuisi. Taip pat apžvelgiama tuo laikmečiu vyravusi art nouveau stilistika bei analizuojamas A. Jaroševičiaus bei P. Rimšos baldininkystės paveldas. Antroji dėstymo dalis apžvelgia Lietuvos baldininkystę nuo 1918 iki 1940 m. Gilinantis į sociokultūrinį kontekstą nušviečiama baldininkystės padėtis, o taip tuo metu vyravusi art deco ir tautinio stiliaus samplaika. Analizuojami žymiausių menininkų kūriniai, bei interjerų projektams skirti projektai ir baldai. Trečioji dalis skirta baldininkystės sklaidai virtualioje erdvėje pateikiant internetinio tinklaraščio modelį bei mokslinį baldų katalogą.The present paper gives a consistent overview of the development of Lithuanian furniture making during 1900-1940. Focussing on Lithuanian furniture making in the first half of the 20th century, which has remained until recently little analysed yet fundamental to deepening one’s artistic perception, this paper sets out to analyse the furniture and furniture projects created by artists in the socio-cultural context. In order to shed light on the development of furniture making, the paper discusses the arts and crafts movement which emerged at the beginning of the 20th century and its impact on the development of Lithuanian furniture making. It also gives an overview of the Art Nouveau stylistics of the time and analyses the heritage of furniture making by A. Jaroševičius and P. Rimša. When Lithuania became independent after the First World War the life in the country changed, therefore, in order to shed light on the situation of furniture making during 1918-1940 the paper focuses on the interwar socio-cultural context and outlines the reasons of confluence of Art Deco and Ethnic Style in furniture making. It also analyses the works of J. Prapuolenis, the most famous interwar cabinetmaker, and discusses the sketches of furniture of G. Bagdonavičius as well as the unique furniture design of P. Galaunė. During the interwar representative interiors served as an important means of expressing national identity, therefore, the paper analyses the furniture projects of interior... [to full text]
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Fravalo, Fabienne. "La revue Art et Décoration (1897-1914) : de l’Art nouveau à un art décoratif moderne." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2015. http://www.theses.fr/2015CLF20009.
Full textAbstract:
En 1897, paraît la première revue parisienne consacrée à la critique des arts décoratifs contemporains : Art et Décoration, publiée par la Librairie centrale des beaux-arts. Jusqu’en 1914,elle reste fidèle aux engagements énoncés par son programme : être l’auxiliaire du développement d’un art décoratif français moderne, au sens large, en suivant étroitement l’actualité artistique et en prenant part aux débats critiques, esthétiques, théoriques et idéologiques qui sous-tendent cette actualité. Cette recherche a pour but de décrypter l’action critique et théorique d’Art et Décoration en tant qu’auxiliaire de l’évolution des faits artistiques, selon trois niveaux de lecture : la place d’Art et Décoration et de ses principaux acteurs au sein du champ éditorial des revues d’art, la vocation militante de son discours critique, et, enfin, son élaboration d’une esthétique décorative extensive.Tout en suivant ce triple niveau de lecture, cette étude adopte un parcours en quatre temps,correspondant à quatre périodes, définies par la superposition de l’histoire interne d’Art et Décoration, de l’évolution des faits artistiques et du positionnement critique et théorique de la revue vis-à-vis de ces derniersIn 1897, the Librairie centrale des beaux-arts published the first Parisian review devoted to contemporary decorative arts criticism : Art et Décoration. Until 1914, the review adhered to its original mission of chronicling the development of modern, French decorative art by reporting artistic events, and taking an active role in the critical, aesthetical, theoretical and ideological debates of the period. This research intends to understand the critical and theoretical actions of Art et Décoration through three different perspectives: the role of Art et Décoration and its main contributors in the field of art review publishing; the militant language of its critical discourse ; and, its construction of an extensive decorative aesthetic. In addition to these three viewpoints, this study is further divided into four chronological periods based upon the internal dynamics of Art et Décoration, artistic developments of the era, and the progression of the review’s critical and theoretical positions
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Winthrop, Emily. "Allegories of the Modern: The Female Nude in Art Nouveau." VCU Scholars Compass, 2016. http://scholarscompass.vcu.edu/etd/4203.
Full textAbstract:
Modernism is a plurality, not a singular concept. This project explores examples of Art Nouveau nudes to describe the particular expressions of the modern through varied and complicated allegorical bodies. The female nude as a nexus for ideals of gender, art, and beauty, is informed by and constructs the understanding of these ideals within society. Art Nouveau thus employed the nude to represent complex manifestations of modernity. Three diverse cases provide the subjects of each chapter. All explore modernism through objects and interiors, in public and private environments, and each connects the decorative arts with accounts of European modernism in the late nineteenth and early twentieth century. The modernist movement, in these decades, is still predominantly understood through painting.
This project draws its case studies from Paris, Glasgow, and Vienna, each a distinct cultural arena during the 1890s and 1900s: the sculptural furniture of François Rupert Carabin (1862-1932); the metalwork of Margaret Macdonald (1865-1933) and her sister Frances Macdonald (1873-1921); and the graphic motifs of Ver Sacrum, created by the artists of the first Vienna Secession (1897-1905). In conception and expression, these nudes articulated the diverse representational practices of different modernisms. They each embody drastically different histories, aesthetics, and social expressions. Their varied modernisms expose the prominent nationalism of Art Nouveau. Examination of these three very different cases expands and complicates current understandings of the nude, allegory, and the modern.
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Celio-Scheurer, Marie-Eve. "Eugène Grasset (1845-1917), enseignant et théoricien : Edition critique des notes de cours et du traité inédit "Composition végétale"." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040142.
Full textAbstract:
Notre thèse consiste d'une part en une étude sur Eugène Grasset (Lausanne, 1845-Sceaux 1917) comme enseigant et théoricien, d'autre part en une édition de ses notes de cours et du traité inédit intitulé "Composition végétale". Notre recherche a permis de mesurer, à la source même, l'importance des théories de Grasset dans l'évolution de l'éducation artistique et d'éclairer un art ainsi qu'une pensée féconds. Cet artiste décorateur enseigna la composition décorative à l'Ecole Guérin, à la rue Madame et à l'Académie de la Grande Chaumière et inaugura un cours sur l'histoire et le dessin de la lettre à l'Ecole Estienne. Son enseignement donna naissance à trois principaux ouvrages didactiques. En recherchant les origines des théories de Grasset et en évaluant leur réception, nous avons mis en évidence l'enracinement de la pensée de cet homme dans le XIX ème siècle ainsi que sa projection dans le XX ème siècle vers une conception de la forme pure perçue comme œuvre d'art. Nous avons montré que Grasset, de par sa production artistique et didactique, s'inscrit dans le débat entre art et industrie qui anima le XIX ème siècle et dans le mouvement Art nouveau auquel on le rattache communément. En examinant ses notes de cours, ses ouvrages théoriques et sa production artistique, nous avons démontré que l'enseignant, l'artiste et le théoricien ne faisaient qu'un. Cependant, le théoricien ouvrit la porte à des conceptions artistiques fort éloignées de la création de l'artiste. Cependant, si Grasset ne considéra pas les figures de son traité de 1905 comme des oeuvres en soi, il pressentit la richesse de la voie qu'il exploita et les découvertes qui restaient à faireOur research is about Eugène Grasset (Lausanne, 1845 - Paris 1917), a teacher and a theorician working in the pronciples of the Arts and Crafts movement. He became one of the pioneers of Art Nouveau in France where he was established from 1871, although he maintained close contacts with Switzerland and, more particulary, with Lausanne. Eugène Grasset did not confine himself to one only artistic medium (producing paintings, sculpture, furniture, ironwork, leaded glass windows, jewellery, illustrations, textiles, etc. ). He had success as an artist, a designer and a teacher. It is this last aspect which was the focus of our thesis. Grasset thaught in Parisian schools (Ecole Guérin, Académie de la grande Chaumière, rue Madame, Ecole Estienne). His teaching was then to lead him to publish two important works: "La Plante et ses applications ornementales" (1896) and "Méthode de composition ornementale" (1905). In the lecture otes we have discovered a third work which is unpublished: "Composition végétale" (1911-1912). The close study of Grasset's manuscrits was fundamental to understand his teching itself, but also to see the relation between artistic and didactic work
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Paillard, de Chenay Célio. ""L'art numérique" : un nouveau mouvement dans le monde de l'art contemporain." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010655.
Full textAbstract:
L'appellation «art numérique » s'impose dans le paysage artistique français au début du XXIe siècle. Dans quel contexte est-elle apparue, quels sont ses objectifs et espoirs? Cette thèse s'intéresse aux processus de constitution de ce nouveau mouvement artistique. Pourquoi prend-il la forme d'un art spécifique, qu'est-ce qui le distingue dans le paysage artistique actuel, comment le reconnaît-on ? Une fois installé, peut-on s'affranchir de ses règles pour épouser celles du monde de l'art contemporain ? Les approches historiques, esthétiques, sociologiques sont nécessaires pour étudier ce nouveau devenir - numérique - de l'art: ce n'est pas un évènement universel et univoque mais le résultat de circonstances particulières, et la rencontre de différents acteurs, concernés par un idéal commun sinon proche. Cette étude ne se résume donc pas à l'analyse des seules oeuvres, mais prend en compte tout le contexte de monstration, et singulièrement le bagage théorique qui les accompagne.
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Ducros, Françoise. "La Peinture puriste et l'esprit nouveau l'académie du modernisme." Lille 3 : ANRT, 1991. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37597627f.
Full text
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de, Moura Pereira Filho Antonio. "Análise Do Do Art Nouveau No Estado De Pernambuco (1870-1939)." Universidade Federal de Pernambuco, 2007. https://repositorio.ufpe.br/handle/123456789/684.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2007Nesta dissertação expõem-se os questionamentos, procedimentos e resultados obtidos na pesquisa realizada, em Pernambuco, acerca do Art Nouveau na arquitetura, no período de 1870 a 1939. Na busca de respostas aos questionamentos desta pesquisa, surgiu de antemão uma questão de base acerca do Art Nouveau no que concerne às suas características. Se possuía uma apresentação única e de identificação modelar ou variantes perpassadas por alguns traços em comum, ao que se constatou que tal movimento, mesmo na Europa, seu local de emergência inicial, não foi um todo unificado.A hipótese inicial foi de que a organização social emergente estaria materializada nas edificações inovadoras. Pautando-se pelos pressupostos teóricos da arqueologia pós-processualista, da arqueologia histórica e pelos procedimentos metodológicos da arqueologia da arquitetura, buscando-se compreender o contexto e especificidades da introdução das técnicas e estilística da arquitetura a-historicista em Pernambuco assim como, a correspondência destas transformações na arquitetura, enquanto evidências materiais de que as edificações são em si materializações da ideologia dominante. Para tal, baseou-se nos trabalhos de Hodder, Leone, Handsman e Anderson e Moore.Vinte e três edificações foram selecionadas com características do Art Nouveau, observandose as variáveis, fachada, planta, programa (funcionalidade), ornamentação e elementos construtivos, o que possibilitou verificar que, quer em edificações públicas ou residenciais, as evidências materiais da manifestação do Art Nouveau, expõem a intenção e a realização de adequações à ideologia emergente, legitimadora da demanda de urbanização e industrialização daquele momento
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Forward, David William. "The keyboard repertory as a reflector of art nouveau in music /." Title page, contents and introduction only, 1993. http://web4.library.adelaide.edu.au/theses/09PH/09phf745.pdf.
Full text
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Froissart, Pezone Rossella. "Le groupe de "L"art dans tout" (1896-1901) : un art nouveau au seuil du XXe siècle." Clermont-Ferrand 2, 2000. http://www.theses.fr/2000CLF20006.
Full textAbstract:
Pendant la 2de moitié du 19e les arts "mineurs", qualifiés d"industriels", "décoratifs", ou "appliqués'" selon les moyens de production sont au centre du débat artistique au sein des institutions privées (Union centrale des arts décoratifs, Société nationale des Beaux-arts) ou publiques (musées, écoles). Le groupe des cinq, formé en 1896 par F. Aubert, A. Charpentier, J. Dampt, H. Nocq et C. Plumet devenu en 1897 les 6 (après le départ de Nocq et l'arrivée d'E. Moreau-Nelaton et T. Selmersheim) et en 1898 "L'art dans tout", (se joignent H. Sauvage, L. Sorel et quelques "invités", J. Desbois, A. Jorrand), est le résultat d'un mouvement de renouveau des arts du décor qui, à la fin du siècle, mène de nombreux peintres, sculpteurs, et architectes sur le chemin de "arts mineurs". Les 6 expositions que le groupe organise entre 1896 et 1901 témoignent de l'influence déterminante exercée par Viollet-le-Duc sur un art nouveau "rationaliste" d'où est écartée toute exubérance florale et qui affiche une grande sobriété de formes. Très différentes, les personnalités de "L'art dans tout" croient toutes dans le rôle social de l'artiste, appelé à remodeler un cadre de vie dégradé par l'industrialisation et par le bouleversement des canons esthétiques : communauté d'idées qui se concrétise dans le projet (non réalisé) du foyer moderne, conçu pour l'exposition universelle de 1900. Les modèles en vigueur dans l'aménagement de l'intérieur bourgeois pèsent dans les créations du groupe qui tente toutrefois d'innover, soit dans l'organisation de l'espace, soit sans le répertoire décoratif, soit dans les matériaux et moyens de production. Bien que la décoration de surface ou sculptée ait une importance moindre par rapport au mobilier, les papiers peints et pochoirs, les tapis, les dentelles, les étains deviennent des domaines essentiels d'expérimentation de formes et de matériaux pour les membres de "L'art dans tout"
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Demény, Bernadette. "Alphonse Mucha och art nouveau : En undersökning om influenser hos samtida illustratörer." Thesis, Södertörn University College, The School of Culture and Communication, 2007. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:sh:diva-1285.
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Turki, Ramzi. "La mise en réseau sur internet : possibilité de la création d'un nouveau courant artistique." Thesis, Bordeaux 3, 2012. http://www.theses.fr/2012BOR30064.
Full textAbstract:
À partir des années soixante, les nouvelles technologies ont colonisé les champs culturels. Prenant acte de cette puissance technologique, les artistes se sont mis à transformer ces dispositifs en outils de recherche esthétique. C'est ainsi que le Web est devenu un support à la fois pour les oeuvres d'art numérique et la réalisation de net oeuvres, et pour une mise en réseau universelle. Dans le même contexte, des critiques, des théoriciens et des philosophes ont annoncé un état de crise (comme l'avaient mentionné Aude de Kerros, Jean-Pierre Béland, Yves Michaud, Véronique Fabbri, Daniel Lagoutte, etc.). Selon eux, cet état est dû à un manque de communication et à une dissolution des courants artistiques, voire à une perte progressive de la communication entre les artistes. Comme le Web, l'e-mailing a généré plusieurs fantasmes de communication, il a institué également la réactivité et l'interactivité entre des individus. Pour cela, j'ai choisi d'approfondir mes recherches en thèse sur des pratiques artistiques qui peuvent toucher la crise de la communication et qui sollicitent une mise en réseau des artistes. Progrès pratique : En 2006, j'ai reçu un e-mail contenant une oeuvre scannée de l'artiste belge Luc Fierens. J'ai transmis cette image à environ 7000 adresses e-mails d'artistes en sollicitant leurs interactions, afin d'acquérir presque 200 contributions et réponses dont quelques-unes sont exposées sur le blog suivant : http://ramziturki.artblog.fr/11/. Mon acte consiste à analyser et à mettre en valeur la communication entre les artistes à travers un outil télé-communicationnel contemporainSince the sixties, new technologies have conquered cultural areas. Thanks to technological power, artists have transformed these technologies into tools of aesthetic research. Thus, the web has become a medium for digital art as well as network design in addition to establishing universal networking. In the same context, criticizers, thinkers and philosophers have announced a state of crisis (As announced by Aude de Kerros, Jean-Pierre Béland, Yves Michaud, Veronica Fabbri, Daniel Lagoutte, etc.). According to them, this crisis is due to lack of communication and dissolution of artistic movements, surely progressive loss of communication between artists. In the Web world, email has emerged several communication fantasies. It has also established the reactivity and the interactivity between people. For this, my research Thesis focuses on artistic practices that impact positively on communication between artists. This research also proposes an artist networking. Practical progress:In 2006, I received an email containing a scanned work of Luc Fierens, a Belgian artist. I emailed this work to nearly 7000 addresses of artists to solicit their interactions. This is to acquire about 200 contributions and answers, some of which are described on the blog: http://ramziturki.artblog.fr/11/. My Thesis aims to analyze and enhance the communication between artists via tools of modern communication
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Eadie, William Payne. "The sociology of an artistic movement : art nouveau in Glasgow, 1890-1914." Thesis, University of Glasgow, 1989. http://theses.gla.ac.uk/2086/.
Full textAbstract:
This thesis attempts to present a controlled sociological examination of Art Nouveau in Glasgow from the eighteen-nineties into the first decade of the twentieth century. The phenomenon of Glasgow Art Nouveau (its ideological groundings, its socio-cultural base, and the nature of its artistic production), provides a case-study of avant-gardism. The main intention is to illustrate, with historical exemplification, to what extent Art Nouveau can be interpreted as a radical social critique underpinned by specific theoretical and ideolgoical concerns. I begin by examining (a) the analytic means whereby statisfactory criteria are developed for the purpose of defining Art Nouveau as an artistic style; the specific manifestations of this style in a variety of European countries, and its transformation from organic/symbolic to abstract/geometric form-language; and (b) Art Nouveau as a distinctive cultural movement which was attempting to transform the public sphere in accordance with artistic principles. The second chapter has a dual purpose: firstly, it examines the status of Art Nouveau as an avant-garde movement, and, secondly, it attempts to construct the basis for a specifically sociological theory of Art Nouveau by bringing together the arguments of certain social theorists who have made significant reference to the phenomenon. Subsequently, it is demonstrated that, within the sphere of influence of the Glasgow School of Art, continental avant-gardiste trends at the end of the nineteenth century provided the frame of reference for the understanding of new artistic movements in Glasgow. This leads to an analysis of Mackintosh's extant writings in order that a reconstruction of the essentials of Scottish Art Nouveau's distinctive ideology can be presented. It is argued that Glasgow Art Nouveau had a coherent viewpoint in many respects deriving from the formulations of the Edinburgh sociologist and theorist Patrick Seddes. As well as demonstrating the closeness of Mackintosh's theorising to that of certain Viennese Art Nouveau exponents (Wagner, Hoffmann) with whom he had contact, it is shown to what extent Scottish Art Nouveau was attempting to transcend the traditional distinction between the utilitarian and the artistic, and address the issue of a social environment transformed in accordance with modern social needs. The remainder of the thesis substantively examines crucially related aspects of the Glasgow cultural context. Firstly, it focusses upon the Art School as institutional context within which Art Nouveau emerges, and demonstrates the relevance of the implementation of an experimental approach to art teaching there. Secondly, it examines the issue of the actual and potential production of goods manifesting the new form-language. Thirdly, the nature of the reception given to the new form-language is investigated: this invovles an analysis of relevant reportage in Glasgow. The reasons for the failure of the movement to gain ground in Glasgow are shown to be connected with a number of complex factors ranging from moral outrage at its `decadence' to the absence of the kind of technical expertise capable of consolidating its innovations for a mass society.
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Grévy, Fabienne. "Les figurations de l'acte pictural et de la peinture dans le pop art et le nouveau réalisme." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010535.
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Laks, Déborah. "Le dérisoire, un ordre nouveau : l'utilisation de matériaux de récupération par les nouveaux réalistes." Paris, Institut d'études politiques, 2013. http://www.theses.fr/2013IEPP0025.
Full textAbstract:
Cette thèse s’attache à analyser la portée du geste et des matériaux de récupération par les nouveaux réalistes dans les années 1960. Restant identifiables en tant que déchets, les matériaux de récupération établissent la polysémie au fondement des œuvres. Les sens historiques, pratiques, économiques, l’usage social transparaissent pour le spectateur au travers de chacun des éléments banals dont usent les nouveaux réalistes. Le statut culturel, social et mémoriel du déchet en fait un signe complexe. En accordant une place nouvelle à l’analyse des matériaux de récupération, cette thèse propose de développer une lecture de la pratique des nouveaux réalistes qui repose sur la prise en compte du déchet et de ses spécificités en tant que matériau artistique. Ce parti-pris ouvre des pistes plus globales : l’exemple des nouveaux réalistes montre que la récupération introduit un élément nouveau dans l’œuvre, qui est le sens même des matériaux utilisés. Ceux-ci n’ont rien d’une matière première brute en attente de sa définition par l’artiste, au contraire, ils sont déjà marqués par leur circulation dans la société. Il s’agit donc à la fois de montrer la spécificité d’une pratique tournée vers la récupération, et de proposer des outils qui en permettent une interprétation plus approfondie. Dans un mouvement paradoxal qui conduit de la décharge à la cimaise, les nouveaux réalistes mettent au jour une part constamment oubliée, et sans doute pourrait-on dire refoulée, de notre société contemporaine. Les liens évidents qui ont été établis entre leur travail et la contestation des années 1968 contre la société de consommation seront relus à la lumière du statut particulier de leurs matériaux, et dans des perspectives historiques plus larges qui révèlent à la fois leur enracinement dans une pensée baudelairienne de la marge et l’impact de la seconde Guerre Mondiale sur leur traitement de la ruine et du dérisoireThis doctoral thesis addresses the scope of the use of found objects and garbage by the Nouveaux Réalistes in the 1960s. Still viewed as garbage, the used materials open the artworks to polysemy. The historic, pratical, economic and social meanings of each trite objects used by the nouveaux réalistes are easily perceived by the spectator. The cultural, social and mnemonic status of garbage turns it into a complex sign. While offering a new place to the analyze of used materials, this thesis intends to develop a view of the nouveaux réalistes’ practice founded on the valorization of garbage and its specificities as an artistic material. This idea opens more global research paths: the nouveaux réalistes’ example shows that salvaging opens the artwork to a new element, which is the actual meaning of the used materials. They are far from raw materials awaiting their final definition by the artist; on the contrary, they are already marked by their way through society. This thesis shows the specificity of a salvaging practice and builds the tools that will allow them to be more precisely interpreted. In a paradoxal move that goes from the dump to the picture rail, the nouveaux réalistes reveal a part of our contemporary society that has been always forgotten, and perhaps repressed. The obvious links that have been made between their work and the Mai 68 contest against consumer society are here re-read in the light of the particular status of their materials, and through broader historic perspectives that reveal their roots in the baudelairian approach of margin as well as the World War Two’s impact on their use of ruin and derisory
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Chardeau, Xavier. "Henri Bellery-Desfontaines (1867-1909) : peintre – Illustrateur – Décorateur, caractéristique de l'Art Nouveau." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040016.
Full textAbstract:
Autour de 1900 à Paris, une génération de jeunes artistes, influencés par certains courants artistiques comme le néo-Gothique ou le Symbolisme, ont une même conception de l’art. Henri Bellery-Desfontaines (1867-1909) fait partie de cette génération d'artistes qui débutent leur carrière en tant que peintre, généralement comme peintre décorateur, mais qui s'intéressent rapidement aux arts décoratifs, attirés par la notion d’un art total. Il débute tout d’abord dans l'atelier personnel de Pierre-Victor Galland qui lui apprend la décoration, puis en 1890 dans celui de Jean-Paul Laurens à l'Ecole Nationale des Beaux-Arts à Paris. Après une commande de l'hôpital de la Charité où se lie d'amitié avec des médecins qui le suivront toute sa vie, Bellery-Desfontaines illustre des revues artistiques et des ouvrages littéraires. Mais l’artiste se montre davantage intéressé par les arts décoratifs que par la peinture. Il commence à réaliser des tapis, puis quelques meubles. Peu à peu, grâce à de riches commanditaires, Bellery-Desfontaines réalise des ensembles de décoration intérieure de plus en plus ambitieux, préoccupé par la notion d'un art total, mais sans jamais délaisser ni la peinture, ni l'illustration. A la fin de sa vie, il s'investit davantage dans le renouveau des arts décoratifs caractéristique de cette époque. Il laisse derrière lui une vaste production artistique, importante et hétéroclite, mais fort mal connue. Bellery-Desfontaines est un artiste complet, idéaliste, qui a l’ambition d’appliquer l’art au quotidien. Il meurt subitement à l’âge de 42 ans, trop jeune pour pouvoir asseoir une notoriété et une véritable carrière, laissant de nombreux projets inachevésIn Paris around 1900, a generation of young artists, influenced by a variety of currents, such as Gothic Revival or Symbolism, shared a similar artistic outlook. Henri Bellery-Desfontaines (1867-1909) was part of that generation of artists who began their careers as painters, often aiming for careers in mural painting, and quickly showed an interest in the decorative arts, seduced by the idea of a total art. He started in Pierre-Victor Galland’s workshop, where he learned decoration; then in 1890, he entered Jean-Pierre Laurens’ one at the Ecole Nationale des Beaux Arts in Paris. At the same time, he started decorating the staff room at the Hôpital de la Charité where he befriended a group of young doctors who would subsequently follow his entire career. Then, he illustrated artistic magazines and somes books. But his artistic preferences gradually shifted from painting to the decorative arts. He started designing carpets and a few pieces of furniture. Then, with the support of a few wealthy patrons, Bellery-Desfontaines began designing increasingly ambitious complete interiors, focus on the notion of total art. Towards the end of his life he took a more active part in the debate over the decorative arts, which was a hallmark of the period. His vast artistic legacy is both influential and eclectic, yet remains little known. Bellery-Desfontaines was a complete artist, as were many of the artists at the time. An idealist, whose ambition was to make art for every day life, he died abruptly at the age of forty two, far too young to complete his career and achieve fame, for many of his project remained unfinished
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Ney, Jason B. "Transculturalism in Emile Galle's art nouveau Ecole De Nancy and contemporary landscape architecture." Virtual Press, 2000. http://liblink.bsu.edu/uhtbin/catkey/1191714.
Full textAbstract:
This study looks at the degree to which Emile Galle's theories of symbolic ornamentation are observed in contemporary landscape architecture design. Galle's theories consist of three components: the first relates to the functional aspects of design, and the last two relate to the aesthetic aspects. These three components are used to evaluate three case studies. In the case studies, Bicentennial Commons in Cincinnati and Canal Walk in Indianapolis show a partial though apparent utilization of Galle's theories, while Riverwalk in Milwaukee comes closest of the three to demonstrating the application of Galle's theories in Landscape Architecture. However, none fully exhibit Galle's theories. Nonetheless, the case studies, and in particular Riverwalk, exhibit the initial stages of a renewed interest in ornamentation in which culture is symbolically represented through nature. Landscape Architects, more than ever, are being called upon to embody the meaning of the land through a cultural synthesis in an expression of past/present and man/nature.Department of Landscape Architecture
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Gourdon, Daniel. "Le nouveau réalisme : pratiques artistiques et discours : le destin d'une avant-garde." Rennes 2, 1999. http://www.theses.fr/1999REN20023.
Full textAbstract:
En 1960, le critique d'art Pierre Restany fonde le groupe des nouveaux realistes en réunissant Arman, Cesar, Dufrene, Hains, Klein, Raysse, Rotella, Spoerri, Tinguely, Villegle, bientôt rejoints par Christo, Deschamps et Niki de Saint Phalle. Autour des questions centrales d'<
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Star, Jacob. "Studie i Ornament." Thesis, KTH, Arkitektur, 2014. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:kth:diva-146023.
Full textAbstract:
Detta projekt är en ombyggnad av Tyresö Gymnasium till ett bostadskomplex, som bevarar ytterväggarna och den bärande konstruktionen i delen av skolan vald, för att sedan ändra om planlösningen och dra ett stråk genom byggnaden. Det ombyggdas gestaltning söker använda historiska referenser på ett sätt som gör att tillbyggnaden kontrasterar den kvarvarande skolan. Eftersom de yttre fasaderna bevaras skapar projektet en sorts oas, eller en gömd glänta, i Tyresö. När ombyggnaden väl är klar, kommer skillnaden vara näst intill omärkbar utifrån, utom av vissa glimtar, för att locka in förbipasserande att ta en liten omväg och gå genom den skapade gränden. En stor del av det här projektet var vilket förhållningsätt jag skulle ha till historiska referenser. Utgångspunkten var att använda dem flitigt, något jag inte var så bevandrad i förut, i synnerhet inte förmodernistiska stilar (speciellt Art Nouveau) vilket var det jag ville använda. Jag ville varken enbart kopiera rakt av, eller använda element utan koppling till helheten i en annars modern byggnad. Detta projekt skulle man kunna säga ha varit ett sökande efter ett mer legitimt sätt att använda historiska uttryck. Jag har försökt inte bara kopiera element rakt av, utan använda olika tendenser jag kunde se i de stilar jag undersökt, för att referensen ska bli djupare.This project is in its essence a remodel of Tyresö High School into a living complex, where the outer walls and the load bearing structure are preserved, but the plan is dramatically changed and an alley is drawn through the center, creating a new environment. The remodeled part’s expression is heavily built on historic references in a way such that the addition contrasts the existing school. As the outer walls are kept the same, the transformation creates a hidden world within, only glimpsed from the outside from specific angles. This is to invite the occasional passing pedestrians to take a small detour through the “alley”. An important part of this project was what way I was to use historic references. On the one hand, I didn’t want to just copy an entire building or style without adding something of my own, but on the other, I didn’t want to just use classical or “old looking” elements here and there in an otherwise modern building. This project has been a search for a way out of that dilemma. It has been an attempt to use not only details, but overall tendencies and pattern of buildings studied, for the reference to be more than skin deep.
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Brentjens, Yvonne. "Moraalridders en monnikenwerk : middeleeuws pathos in het oeuvre van G.W. Dijsselhof (1866-1924) en zijn tijdgenoten ; waartoe behorend Dwalen door het paradijs : leven en werk van G.W. Dijsselhof (1866-1924) /." [S.l.] : [s.n.], 2004. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39903478x.
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Gallé, Émile Marx Roger Charpentier Françoise-Thérèse Barbier-Ludwig Georges Ponton Bernard. "Lettres pour l'art : correspondance, 1882-1904 /." Strasbourg : la Nuée bleue, 2006. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb40228195z.
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Dieudonné, Patrick. "L'architecture du "Nouveau Nancy" : l'ornementation des façades des immeubles d'habitation (1900-1914)." Brest, 1994. http://www.theses.fr/1994BRES0003.
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Ducros, Françoise. "La peinture puriste et l'esprit nouveau : l'académie du modernisme." Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1987PA040466.
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Tharaud, Marie-Amélie. "L’Art nouveau dans les arts décoratifs et l’architecture à l’Exposition universelle de 1900." Thesis, Paris Sciences et Lettres (ComUE), 2018. http://www.theses.fr/2018PSLEP036.
Full textAbstract:
L’Exposition universelle de 1900 à Paris a constitué pour les acteurs du mouvement Art nouveau une rencontre unique par son envergure internationale. Si cet événement a longtemps été déconsidéré, il représente pourtant pour l’Art nouveau – appréhendé dans son acception internationale – un moment de confrontation et l’occasion, pour certains pays, de mettre en valeur leur modernité stylistique. La première partie de la thèse s’attache à comprendre les raisons de la présence de l’Art nouveau à l’Exposition, et donne une vision d’ensemble des édifices et objets d’art se rattachant au mouvement. Elle examine ainsi les enjeux artistiques, mais aussi politiques et commerciaux, que porte l’Art nouveau pour les pays participants. La seconde partie traite de la réception critique du mouvement par ses contemporains, en observant leurs réactions, diverses sinon opposées, selon les artistes et les nationalités représentées. En effet, par son caractère tantôt cosmopolite, tantôt nationaliste, l’Art nouveau est alors loin d’être perçu comme un mouvement homogène et l’Exposition suscite un ensemble de polémiques qui contribuent autant à le définir qu’à le discréditer. Enfin, la troisième partie étudie les conséquences à plus long terme de l’Exposition : en analysant les répercussions pour les artistes, l’entrée de l’Art nouveau dans les musées européens, les expositions suivantes, et les prolongements du débat artistique, elle cherche à évaluer la place de l’Exposition universelle dans l’histoire de l’Art nouveau. Un volume d’annexes réunit des plans et des vues générales de l’Exposition universelle, ainsi qu’un catalogue iconographique de plus de 800 numéros, illustrant l’Art nouveau présenté à l’Exposition dans les arts décoratifs et l’architectureThe 1900 Paris World’s Fair represented, for the artists of the Art Nouveau movement, an encounter unique by its international audience. Though this event was overlooked for a long time, it was nevertheless a moment of confrontation and the occasion, for some countries, to showcase their stylistic modernity. The first part of the dissertation endeavours to understand the reasons of the Art Nouveau presence at the Fair and gives an overview of the buildings and the decorative art objects which can be linked to this style. It examines the artistic, but also political and commercial stakes of Art Nouveau for each country. The second part examines the critical reception of Art Nouveau by its contemporaries, observing their diverse or even antagonistic reactions, according to the artists or the nationalities. Indeed, alternately cosmopolitan and nationalist, Art Nouveau was then far from being perceived as a homogeneous movement, and the Fair sparked a series of debates that contributed as much to define it as to discredit it. Finally, the third part studies the long-term consequences of the Fair: by analyzing the repercussions on the artists’ careers, the admission of Art Nouveau in European museums, the following exhibitions and the continued artistic debate, this part aims at assessing the place of the Fair in the history of Art Nouveau. A volume of annexes gathers maps and general views of the Fair, along with a catalogue of more than 800 entries, illustrating the Art nouveau works exhibited in decorative arts and architecture
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Falcão, Larissa Casteliani Marinho. "A influência do estilo gráfico do Art Nouveau nos primeiros jornais dos imigrantes japoneses no Brasil." Universidade de São Paulo, 2018. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8157/tde-22032019-115244/.
Full textAbstract:
Jornais criados e veiculados no início do século XX por imigrantes japoneses no Brasil são um registro de sua comunidade e cultura. Um aspecto pouco explorado na literatura, porém, pode apontar influências de diferentes culturas e movimentos artísticos nessa comunidade. Sendo assim, a presente pesquisa propõe analisar os primeiros jornais desses imigrantes para constatar se o estilo gráfico do movimento artístico Art Nouveau atuou como fonte de inspiração para a criação dos elementos gráficos que compõem tais jornais, uma vez que ambos foram contemporâneos. A análise investiga detalhadamente os elementos desses jornais no período entre os anos de 1916 e 1923. Por meio do estudo do contexto histórico dos jornais e da descrição de seus elementos gráficos, juntamente com a suscitação do contexto histórico e descrição do estilo gráfico do Art Nouveau, identificaram-se evidências da influência do movimento nos periódicos nipo-brasileiros. Verifica-se, dessa forma, que diversas culturas estão interligadas entre si e que seu encontro catalisa o desenvolvimento de novos significados, que resultam no enriquecimento geral.Newspapers created and distributed at the beginning of the 20th century by Japanese immigrants in Brazil are a record of their community and culture. An aspect rarely explored in literature may, however, point out to influences of different cultures and artistic movements in this community. Thus, the present research proposes to analyse the first newspapers of these immigrants to verify if the graphic style of the Art Nouveau movement acted as a source of inspiration for the creation of the graphic elements that compose such newspapers, since both were contemporaries. The analysis investigates in detail the elements of these newspapers in the period between 1916 and 1923. Through the study of the historical context of the newspapers and the description of their graphic elements, together with the investigation of the historical context and description of the graphic style of Art Nouveau, it was possible to identify evidences of the influence of such movement in these newspapers. In this way, verified that diverse cultures are interconnected and that their encounter catalyzes the development of new meanings, which result in general enrichment.
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Dotte, Isabelle. "Architectures balnéaires à Arcachon. Du néo classicisme aux prémices de l'art nouveau." Thesis, Pau, 2018. http://www.theses.fr/2018PAUU1034/document.
Full textAbstract:
Par tradition, les habitants de La Teste se baignaient depuis bien longtemps sur la plage d’Arcachon, où, dès le début du XIXe siècle, une cabane de résinier fut louée à des « estrangers » ayant osé s’aventurer sur ces rives inconnues. Il fallut attendre les années 1820 pour que les premiers hébergements liés aux bains de mer soient mis en place. Leurs constructions répondaient aux codes néo-classiques, conformes aux pratiques architecturales de l’époque. Les premiers « chalets », influencés par ce style, surent, néanmoins apporter quelques particularités. Mais ce ne fut qu’avec l’invention de la Ville d’Hiver, quartier de cure édifié à partir de 1863, pour accueillir des malades atteints de tuberculose, que la variété architecturale fut consacrée. Chalets suisses, castelets, formes éclectiques, prirent place au milieu des pins, dans les dunes, offrant à la récente commune d’Arcachon (1857), une nouvelle dimension médicale, et un élan architectural au goût du jour. Le style pittoresque obtint, là, un succès à la mesure de celui qu’il eut sur toutes les plages de l’Atlantique et de la Manche, envahissant progressivement toute la ville. Jusqu’à l’apparition des formes régionales – néo-landaise, néo-basque-, à partir de 1920, il fut le style employé dans toutes les réalisations des nouveaux quartiers, de la ville d’automne ou de printemps, et du Moulleau, démontrant ainsi sa parfaite adaptation au milieuTraditionally, the inhabitants of La Teste used to bathe on the beach of Arcachon. As early as the beginning of the 19th century, a wooden hut was rented out to foreigners who dared to visit this unknown shore of the bay. The first accommodations in relation with sea bathing appeared not before the 1820 s’. These buildings reflected the neoclassical features, according to the architectural standards of the time. Most of the first 'chalets' were built in the same style, some of them showing some additional details. An architectural diversity was really settled in 1863 with the creation of the Winter Town, a medical district designed to cure tuberculosis. 'Swiss chalets', cottages and other eclectic constructions erected among the pines on the sand dunes gave to the recent town of Arcachon (1857) a new medical dimension and a modern architectural development. As anywhere else along the western shores of France, the picturesque style was so successful as to invade every part of the town. Till local styles - néo-landais, néo-basque- appeared in the1920 s, it was the only one used in the buildings of the new districts in the autumn and spring towns, as well as in Moulleau. Which can mean it was the best answer at this time, in terms of seaside architecture
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Ribeiro, Ana Carolina Carmona. "Reconstrução da história e projeto moderno em Flávio Motta." Universidade de São Paulo, 2010. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-12122010-174750/.
Full textAbstract:
O presente trabalho tem como objeto a investigação da operação de reconstrução da história da arte e arquitetura no Brasil, por meio do trabalho crítico e historiográfico de Flávio Lichtenfels Motta na década de 1950. Partindo da operação de tradicionalização do presente, tal como formulada por Mário de Andrade (1893-1945) ainda na década de 1920, iremos analisar os textos 400 anos de pré-história das artes (1954), São Paulo e o art nouveau (1953), Contribuição ao estudo do art nouveau no Brasil (1957) e Introduzione al Brasile (1960) apontando como neles se delineia a revisão histórico-crítica proposta por Motta e quais os seus fundamentos. A leitura de Motta diferenciando-se do que nas últimas décadas tem-se chamado de trama dominante da historiografia da arquitetura moderna brasileira, chave interpretativa que constrói uma ligação indissolúvel e naturalizada entre o barroco-colonial e as primeiras manifestações do moderno tem como ponto de partida as insuficiências e limitações do desenvolvimento cultural brasileiro. Chamando a atenção para novos períodos históricos (como a Primeira República) e regiões do país (São Paulo, por exemplo), o autor irá de certa forma atualizar as preocupações de Mário de Andrade, em relação ao significado da tradição e a importância da produção coletiva e sistemática, e em relação às ligações entre arte, trabalho, técnica e indústria. Refletirá criticamente sobre o movimento moderno brasileiro, com a identificação de diferentes tendências e a busca de novos fundamentos para a produção arquitetônica, assim como uma valorização pioneira da obra de Vilanova Artigas. O estudo da revisão histórico-crítica, assim, traz à tona um elo importante da história intelectual de São Paulo, contribuindo para que, hoje, possamos caminhar em direção a um entendimento mais problematizado da arquitetura moderna brasileira, em suas disjuntivas, contradições e possibilidades.The present work intends to investigate the activity of reconstruction of the history of art and architecture in Brazil, by means of Flávio Lichtenfels Mottas critical and historiographical work in the years of 1950. Beginning with the operation of traditionalization of the present, as conceived by Mário de Andrade (1893-1945) in the 1920s, we will analyze the articles 400 anos de pré-história das artes (1954), São Paulo e o art nouveau (1953), Contribuição ao estudo do art nouveau no Brasil (1957) e Introduzione al Brasile (1960) indicating how in such texts the historical-critical revision proposed by Motta is laid out and what are its fundamentals. Mottas critical perspective differentiating itself from what in recent decades has been called the dominating trend in historiography of brazilian modern architecture, which builds an indissociable and naturalized connection between colonial baroque and the initial manifestations of the modern has as a starting point the shortcomings and limitations of brazilian cultural development. Bringing focus to new historical periods (as the First Republic) and regions of the country (São Paulo, for instance), the author will update Mario de Andrades concerns, in terms of the meaning of tradition and the importance of systematical and collective production, and in terms of the connections between art, work, technique and industry. In an effort of critical reflection regarding Brazils modern movement, the author will identify diverse tendencies and search for new fundamentals for the production of architecture, and also establish a pioneering re-apprehension of the work of Vilanova Artigas. The study of historical-critical revision, in that way, brings to perspective an important link of São Paulos intellectual history, contributing to a more complex understanding of modern brazilian architecture, in its distinct components, contradictions and possibilities.
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Delorme, Franck. "Édouard Bauhain et Raymond Barbaud, parcours croisés de deux architectes, de la Belle Époque à l’Entre-deux-guerres." Thesis, Pau, 2018. http://www.theses.fr/2018PAUU1043/document.
Full textAbstract:
A Paris, en 1895, deux architectes, Raymond Barbaud et Édouard Bauhain s’associaient. Après une activité commune qui dura jusque vers 1910, ils se séparèrent et poursuivirent chacun de leur côté une tout aussi riche activité jusqu’à la fin des années 1920. En suivant les parcours croisés de ces deux architectes, c’est un double portrait qui est dressé, des origines provinciales, en passant par la formation et les débuts professionnels, les engagements, les carrières communes et individuelles.L’activité de Raymond Barbaud et Édouard Bauhain a pris place dans un contexte géographique double voire triple, avec des œuvres parisiennes, charentaises et bordelaises, pour l’essentiel issues de commandes passées par une clientèle constituée de bourgeois parisiens, ou notables ruraux, d’industriels ou de professions libérales, et structurée par des réseaux économiques, politiques ou culturels. Majoritairement constituée d’édifices privés, la production architecturale de Barbaud et Bauhain comprend aussi bien des typologies traditionnelles que des innovations programmatiques. Ils y font la démonstration de leur maîtrise des modèles historiques autant que de leur connaissance de la production contemporaine.L’œuvre de Barbaud et Bauhain révèle toute la richesse de la palette entre matérialité et esthétique. N’écartant pas les aspects constructifs, entre techniques éprouvées et nouveaux systèmes, ils recherchèrent en permanence l’expression esthétique propre à satisfaire le caractère de chaque programme. La décoration intérieure est traitée selon l’éclectisme stylistique domestique propre à la période, tout en incluant les dispositifs du confort moderne. Enfin, leur collaboration avec les sculpteurs se révèle exemplaire tant dans l’ornementation que dans la statuaireIn Paris, in 1895, two architects, Raymond Barbaud and Edouard Bauhain became partnered. After a joint activity until around 1910, they separated and each one pursued a rich activity until the late 1920s. Through the crossed paths of these two architects, a double portrait is taking shape, from their provincial origins, to their common and individual careers, passing by their training, their professional debut and their commitments. The activity of Raymond Barbaud and Edouard Bauhain took place in a double or even a triple geographic context, with works in Paris, in the Charente county and in Bordeaux, mostly for a clientele of Parisian bourgeois, rural notables, industrialists or independent workers, a clientele structured by economic, political or cultural networks. Mostly constituted of private buildings, the architectural production of Barbaud and Bauhain includes both traditional typologies and programmatic innovations. The architects demonstrate their mastery of historical models as well as their knowledge of contemporary production. The work of Barbaud and Bauhain reveals a rich architectural palette between materiality and aesthetics. Not neglecting the constructive aspects, between tried and tested techniques and new systems, they constantly sought the aesthetic expression able to satisfy the character of each program. The interior decoration is treated according to the domestic stylistic eclecticism typical of the period, while including the features of modern comfort. Finally, their collaboration with the sculptors is exemplary in the field of ornamentation and of statuary
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Jones, Andrew Stuart. "Kay Nielsen orientalism in illustration during the Belle Époque /." Birmingham, Ala. : University of Alabama at Birmingham, 2009. https://www.mhsl.uab.edu/dt/2009m/jonesa.pdf.
Full textAbstract:
Thesis (M.A.)--University of Alabama at Birmingham, 2009.Title from PDF title page (viewed Jan. 21, 2010). Additional advisors: Cathleen Cummings, Heather McPherson, Mindy Nancarrow. Includes bibliographical references (p. 66-71).
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QUIROZ, MADRID MARIO EDUARDO. "ARQUITECTURA ART NOUVEAU DURANTE EL PORFIRIATO EN LA CIUDAD DE TOLUCA 1900-1910. LA CASA NO. 115 DE LA AVENIDA VILLADA." Tesis de Licenciatura, Universidad Autónoma del Estado de México, 2018. http://hdl.handle.net/20.500.11799/95442.
Full textAbstract:
El presente trabajo de investigación es una recopilación de datos, información y fotografías del diseño urbanístico, artístico y arquitectónico de la ciudad de Toluca a comienzos del siglo XX. El capítulo primero del trabajo trata sobre el auge de la economía nacional y posteriormente la de la capital del Estado de México durante el porfiriato a través del uso de las vías ferroviarias y el transporte de productos y mercancías a diferentes estados del país. La vida social en Toluca también es menester de este capítulo para un mejor estudio sobre que estilo eligió la sociedad de ese momento por medio de la economía.
El capítulo segundo trata sobre las características principales de los estilos neoclásico, ecléctico y art nouveau y su llegada a México y después a Toluca. En este capítulo también se muestran construcciones de cada estilo para el análisis y comparación de sus elementos con otros. Esto con la finalidad de que en el capítulo tercero se definiera el estilo de la casa, que es el objeto de estudio del trabajo de investigación.
El capítulo tercero nos habla sobre la historia del arquitecto que diseñó el inmueble, así como el análisis de cada uno de los elementos de la fachada de la casa no. 115 de la avenida Villada usando el método analógico. El estudio de fachada en este capítulo se realizó comparando elementos de los tres estilos arquitectónicos mencionados y al final ver cuál de estos tres permeaba mas en la construcción.
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Hill, Christopher. "Art Nouveau and the Symphony during the Fin-de-Si¿¿¿¿cle: The Intersection of the Arts in Paris and Vienna." University of Cincinnati / OhioLINK, 2012. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=ucin1337954605.
Full text
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Saldanha, Daniela Costa Dornfeld. "Vila Penteado: estudo e análise iconográfica de seus desenhos ornamentais." Universidade de São Paulo, 2017. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/16/16133/tde-23062017-112456/.
Full textAbstract:
A pesquisa em questão aborda o levantamento, a catalogação e o estudo dos desenhos da Vila Penteado, projeto de 1902, do arquiteto Carlos Ekman (1866- 1940), um dos poucos remanescentes da produção em estilo Art Nouveau no Brasil e a consequente análise de seu contexto simbólico. O estudo da ornamentação proposto nesse projeto trata além da análise de referências estrangeiras, as características nacionais específicas, por meio de um registro iconográfico detalhado dos aspectos ornamentais, características espaciais de seus ambientes internos e externos, a relação entre eles e sua relação com a cidade. Após a catalogação dos detalhes ornamentais e análise da sua configuração espacial, foram considerados todos os estudos anteriores feitos sobre a Vila Penteado. Foi investigado o processo de criação e os registros que poderiam ter inspirado o projeto do arquiteto Carlos Ekman, levantada a questão de quais simbologias estariam presentes na ornamentação e qual a relação com o contexto brasileiro e o internacional. A questão central foi ampliar o entendimento das características específicas em termos estéticos, plásticos e espaciais. Ao mesmo tempo, não se restringir à contribuição do Art Nouveau apenas à ornamentação e, assim, reposicionar essa arquitetura em um panorama mais abrangente da História da Arquitetura no Brasil.This paper deals with surveying, cataloging, and studying the drawings of Vila Penteado, a 1902 design by architect Carlos Ekman (1866-1940), one of the few remnants of the Art Nouveau style production in Brazil, and then analyzing its symbolic context. The study of ornamentation proposed in this project includes not only an analysis of foreign references, but also specific national characteristics, through a detailed pictorial record of ornamental aspects, spatial characteristics of its internal and external spaces, the relationship between them and their relationship with the city. After cataloging the ornamental details and analyzing their spatial configuration, all previous studies on Vila Penteado were considered. The creation process and records that could have inspired the design by architect Carlos Ekman were researched, which raised the question of what symbols would be present in the ornamentation and how they relate to the Brazilian and international context. The focal point was to increase the understanding of the specific characteristics in aesthetic, plastic, and spatial terms. At the same time, the contribution of Art Nouveau should not be limited to ornamentation, but rather this architecture should be placed in a broader perspective of the History of Architecture in Brazil.
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Kurovska, D. V. "Posters' design in style modern." Thesis, Київський національний університет технологій та дизайну, 2018. https://er.knutd.edu.ua/handle/123456789/11517.
Full text
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Kramer, Antje. "Les nouveaux réalistes en Allemagne : réalités et fantasmes d’une néo-avant-garde européenne (1957-1963)." Aix-Marseille 1, 2009. http://www.theses.fr/2009AIX10053.
Full textAbstract:
Si la R. F. A. A été une terre d’asile propice à l’affirmation des Nouveaux Réalistes, elle a également vu l’éclosion d’un réseau d’artistes, principalement rassemblé autour du mouvement ZERO, à Düsseldorf, qui semblait refléter sur le plan artistique les avncées de la politique de réconciliation entre la France et l’Allemagne de la même époque. La construction de ce réseau est portée par une intention commune : celle de l’appropriation du modèle avant-gardiste. Cette intention s’exprime au premier chef dans l’importante somme des écrits des artistes qui étaient rassemblés dans la revue ZERO, parus entre 1958 et 1961, ainsi que dans les publications et discours individuels que les artistes allemands et parisiens ont produit à la même époque. L’examen de ces écrits, augmentés de correspondances et d’autres documents d’archives inédits, permettra de comprendre comment se construit cette esthétique commune au réseau et de quelle manière elle s’articule à travers les œuvres réalisées.
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Pigeat, Aurélien. "L' art comme référence dans l'oeuvre de Nathalie Sarraute." Paris 3, 2007. http://www.theses.fr/2007PA030132.
Full textAbstract:
Matière omniprésente chez Nathalie Sarraute, la référence à l’art propose un biais pour interroger la poétique et l’esthétique de l’écrivain en marge des jalons que l’auteur a ménagé à la critique pour aborder son oeuvre. La mise en tension du motif de l’art avec le processus de référence permet d’interroger la dynamique qui fonde le geste de création de Nathalie Sarraute. La référence à l’art pose un paradoxe : elle offre un matériau abondant et divers mais d’apparence anodin dont la grande hétérogénéité confère à chaque art, et à chaque ensemble artistique, des valeurs et fonctions propres. Les fictions sarrautiennes mettent en scène une société de l’art au sein de laquelle l’expression des jugements esthétiques offre un cadre privilégié aux conflits et à l’irruption des tropismes, et où se joue la scission entre manifestation d’un sentiment personnel et adhésion au modèle collectif. La référence à l’art se renverse alors en art de la référence : liens établis avec le champ de la littérature à travers des oeuvres suscitant le rejet ou nourrissant la filiation d’une part, et reprises internes à travers les jeux d’écho et le travail sur les répétitions et variations d’autre part, la référence devient geste de déplacement dont les modalités forgent les différents espaces où circule le tropisme. La référence construit l’art de Nathalie Sarraute comme un art du mouvement, en dialogue direct avec les plusieurs courants plastiques et philosophiques contemporains de l’écriture –abstraction et phénoménologie entre autre – qui révèlent le statut d’esthésie de l’esthétique de Nathalie Sarraute : le tropisme a trouvé dans les méandres de la référence à l’art un espace et un temps où se mouvoirOmnipresent issue in Nathalie Sarraute, the reference to art proposes an angle for exploring the writers's poetics and aesthetics along the bench-marks which the author has laid for criticism to approach her work. Connecting the theme of art with the process of reference makes it possible to explore the dynamics which originates Nathalie Sarraute's creation gesture. The reference to art poses a paradox : it offers an abundant and various, but insignificant in appearance, material, whose great heterogeneity confers to each art, and each artistic unit, individual values and functions. "Sarrautian" fictions display a society of art within which the expression of aesthetic judgements offers a privileged setting for conflicts and for the irruption of tropisms, and where the scission between demonstration of a personal feeling and adhesion to the collective model will operate. The reference to art then reverses into art of the reference: links established with the field of literature through works arousing rejection or nourishing filiation on one hand, and internal resonances through the echo effects and the action on repetitions and variations on the other hand, the reference becomes a gesture of displacement whose modalities are forging the various spaces where the tropism will circulate. The reference constructs Nathalie Sarraute's art as an art of movement, in direct dialogue with the many plastic and philosophical currents contemporary of the writing - abstraction and phenomenology amongst others - which reveal the status of esthesy of Nathalie Sarraute's aesthetics : the tropism has found in the meanders of the reference to art both a space and times where to be driven
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Benchabo-Benlolo, Bida-Guila. "Inventaire des synagogues et objets de culte de Casablanca : les vestiges d'un patrimoine en sursis." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCF017.
Full textAbstract:
Cette thèse établit l'inventaire exhaustif des synagogues de Casablanca en service, celles qui sont fermées ou encore celles disparues et dont on n'a plus de traces, ainsi que celui des objets rituels qu'elles renferment. L'implantation de ces lieux de culte constitue également une source d'informations sur la communauté juive Casablancaise et sur la mobilité de sa population entre 1911 et 2013. Casablanca, musée à ciel ouvert, a été influencée par des courants artistiques importés par l'Occident, tels que le Bauhaus, le style Art Nouveau, l'Art déco, des éléments gothiques ... associés à l'influence locale, aux courants internes au Maroc et à l'architecture coloniale. Adoptés par les familles juives de Casablanca, ces courants architecturaux vont finalement être appliqués à l'archtecture des synagogues, à leur mobilier et aux objets de culteThis thesis is an exhaustive inventory of Casablanca synagogues (based on, closed or missing) and ritual objects they contain. The etablishment of these places of worship provide also information on the jewish community of this city as well as the mobility of its population between 1911 and 2013. Casablanca, open-air museum, was influenced by artistic currents imported by colonization, such as the bauhaus, Art nouveau style, Art Déco, gothics elements ... mixed with local influence and architecture imported from the other cities of Morocco, as well as colonial architecture. Those architectural movements will penetrate private houses including jewish families of Casablanca to finally get into the synagogues and influence their architecture, furniture and liturgical objects
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Nowara, Malgorzata T. "La sécession dans l'architecture à Cracovie, 1897-1914: un costume national, moderne et européen." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2007. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/210725.
Full textAbstract:
La Sécession dans l’architecture à Cracovie (1897-1914) Un costume national, moderne et européenA la fin du XIXe et au début du XXe siècle, l’Art nouveau envahit la majeure partie de l’Europe. Dans chaque pays, ce mouvement artistique prit des appellations et des physionomies différentes. Mélangé souvent aux traditions locales, ce style international développa un langage original jusqu’à devenir parfois synonyme de style national, revêtant selon le cas un costume national, moderne et européen.
Dans ce contexte international et de promotion de l’identité nationale, le cas très particulier de la Pologne est révélateur, puisqu’elle avait disparue des cartes de l’Europe et était partagée entre trois puissances :la Prusse, la Russie et l’Autriche. Pourtant si l’Etat polonais n’existait plus, la nation n’a jamais cessé d’exister à travers la culture et la religion. A ce titre l’étude de l’architecture de Cracovie, - ancienne capitale de la Pologne, sous occupation austro-hongroise, en Galicie - est significative.
A Cracovie, le style sécessionniste - expression utilisée dans l’Empire austro-hongrois et repris pour l’ensemble de la Pologne - influença le développement de tous les arts. Cependant de nos jours, ces traces sont surtout visibles sur les façades des édifices. De ce fait, notre analyse s’est limitée aux différents costumes sécessionnistes décoratifs dans l’architecture de Cracovie, pendant la période de la Sécession, c’est-à-dire de 1897 à 1914, dans huit quartiers, les plus anciens de la ville.
Au tournant du siècle, Cracovie devint très vite le berceau du mouvement sécessionniste en Pologne, le centre de la modernité, une ville européenne novatrice dans tous les domaines artistiques. Lieu de naissance de la « Jeune Pologne », les premières innovations apparurent grâce à de nombreuses personnalités artistiques marquantes, d’abord en peinture, ensuite en littérature et dans les arts plastiques, enfin en architecture.
La Sécession a laissé une quantité impressionnante de traces dans l’architecture cracovienne, décorant les plus importants monuments de tous les quartiers, s’illustrant dans les immeubles à appartements privés et laissant derrière elle également quelques chefs-d’œuvre.
Le premier chapitre intitulé « La ville de Cracovie », brosse un aperçu du cadre général. Il vise à préciser dans ses grandes lignes le caractère spécifique de la tradition culturelle polonaise à Cracovie.
Le deuxième chapitre « La Sécession et la ville de Cracovie » intègre le rapport de la Sécession à l’intérieur de la ville et ce sous différents angles de vue. C’est doté de cet héritage que les écrivains, les artistes, les architectes et les constructeurs de la fin du siècle vécurent la crise qui remettait en question la fonction et le sens de leur activité par rapport à leur identité nationale. Leur dilemme est illustré par les plus grandes figures de la littérature et des arts plastiques. Nous avons pu mettre en évidence leur difficile tâche d’adaptation de cet héritage culturel, chacun à sa manière, aux problèmes liés aux nouvelles tendances modernes.
Le troisième chapitre intitulé « La Sécession dans l’architecture » constitue le cœur de notre thèse. Il est une analyse rétrospective du système sécessionniste dans l’architecture à Cracovie, accompagné d’un inventaire détaillé de la Sécession dans l’architecture de la ville. Il intègre ensuite ce thème dans le contexte national et le compare avec la situation dans d’autres métropoles européennes.
Le quatrième chapitre, « La Sécession dans les rues de la ville » donne de la perspective à notre inventaire en intégrant la Sécession dans le paysage urbain.
Le cinquième chapitre « L’Homme et la Sécession » s’intéresse à l’interaction entre l’homme et la Sécession et mettra en évidence les propriétaires, les commanditaires, les architectes et les constructeurs.
Enfin, le sixième chapitre intitulé « La Sécession et les juifs de Cracovie » met en relation l’apparition du nouveau style avec une partie de la population polonaise, les juifs de la ville.
De nos jours, il est difficile d’avoir une vue d’ensemble de l’intégration de la Sécession sur les territoires polonais sous occupation au tournant du XIXe et du XXe siècle et dans une plus large mesure en Europe. Il est cependant indéniable qu’elle fit sa première apparition à Cracovie et qu’elle y a marqué de son empreinte une quantité considérable de constructions, avant de s’étendre sur les territoires polonais sous occupation, et prétendre être le berceau de la Sécession en Pologne.
A la différence des autres pays européens, la Sécession cracovienne ne fut pas fondée sur des principes théoriques, sur un programme, résultant de l’évolution socio-historique du pays dont la situation était des plus complexes. En effet, elle a subi l’influence de différents courants européens, surtout de la Sécession viennoise, en revêtant différents costumes :national, moderne et européen.
Résultat de la convergence de facteurs culturels, politiques, économiques, sociaux, démographiques et esthétiques, Cracovie fin de siècle fut un lieu d’expérimentation et constitue encore aujourd’hui, le foyer vivant de cette dynamique culturelle et artistique née à la fin du XIXe siècle.
Si durant l’histoire, la Sécession dans l’architecture de Cracovie n’a pas toujours été appréciée à sa juste valeur, de nos jours un regain d’intérêt se fait sentir notamment par de nouvelles restaurations.
A présent, il est possible de cerner l’ampleur du phénomène sécessionniste à Cracovie. Une analyse de la présence du style dans tous les quartiers de la ville, ainsi que des constructions détruites, est nécessaire afin de mettre en évidence la véritable diffusion du nouveau style dans la ville au tournant du XIXe et du XXe siècle.
La présente thèse constitue un premier pas dans la compréhension du phénomène. Les résultats des travaux en cours au niveau européen permettront d’intégrer davantage la Sécession cracovienne dans un contexte international et de tisser des liens éventuels entre les différents foyers artistiques.
Doctorat en philosophie et lettres, Orientation histoire de l'art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Deloustal, Laetitia. "Le nouveau paradigme de l'art à l'épreuve de la création contemporaine féminine en Tunisie." Thesis, Perpignan, 2014. http://www.theses.fr/2014PERP1199.
Full textAbstract:
L’intérêt pour la création féminine actuelle fait l'objet d'un projet d’étude à l’échelle de la Méditerranée amorcé dans de précédents travaux universitaires. Le choix de la Tunisie s’est naturellement imposé. Les femmes tunisiennes jouissent d’un statut inégalé au Maghreb depuis 1956 et sont de plus en plus nombreuses sur la scène artistique au fil de l’histoire (photographes, vidéastes, peintres, plasticiennes…). Elles façonnent le paysage de la création, tout en témoignant de leur vécu et des bouleversements historiques. L’héritage multiculturel est complexe et parfois contradictoire. Alors comment appréhender l’art conjugué au féminin en Tunisie? Cette thèse s’inscrit dans une démarche exploratoire. Observer les générations d’artistes et leurs créations au fil de l’histoire, rapprocher les thématiques similaires, regrouper les médiums identiques, comparer leurs démarches, leurs profils, leurs préoccupations, telle est la méthode employée pour mener à bien cette réflexion. Les sources essentiellement humaines, sont exploitées selon des axes de recherche précis, et en appellent parfois aux disciplines périphériques à l’histoire de l’art telles que la sociologie ou l’anthropologie. Ces questionnements, rapprochements et observations interrogent les permanences dans la création féminine en Tunisie, malgré des personnalités, des pratiques et démarches différentes. Se pose aussi la question d’une nouvelle conception de l’art, bien éloignée des concepts classiques et modernesIn post-revolutionary Tunisia, artistic creation is buzzing. The country, subject to political pressure is in the midst of a democratic transition. Led in the field for two years, research has progressed in this context.Interest in contemporary women's creative work is the subject of a Mediterranean-scale study project started in previous university works. Choosing Tunisia for the study was naturally evident. Tunisian women have been enjoying an unrivalled position in Maghreb since 1956 and have been increasingly more present on the artistic stage through history (photographers, video makers, painters...). They are shaping the creative landscape, while bearing witness to their lives and historical changes. The multicultural heritage is complex and sometimes contradictory.So how to grasp women's art in Tunisia?This thesis is incorporated into the framework of an explorative approach. Observing generations of artists and their creations over history, linking similar themes, bringing together the same mediums, comparing their approaches, profiles and preoccupations, that is the way this study was carried out.The sources, mainly people, are used according to very precise lines of research, and sometimes refer to subjects that are surrounding art history such as sociology or anthropology. These questionings, comparisons and observations examine the consistencies in women's creative work in Tunisia, despite different personalities, practices and approaches. The question of a new conception of art, very far from classical and modern concepts, also comes up
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Noël, Lison. "The French New Novel : réception du Nouveau Roman par le milieu artistique américain : 1963-1981." Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100160/document.
Full textAbstract:
Au moment décisif de l'histoire culturelle franco-américaine où s'inverse la hiérarchie des capitales artistiques entre Paris et New York, le Nouveau Roman français connaissait une certaine fortune aux États-Unis, en particulier dans la communauté artistique regroupée autour de l'Art Minimal. À la faveur d'un double transfert - du champ littéraire vers le champ artistique et de la France vers les États-Unis -, le Nouveau Roman retenait l'attention d'une partie de l'art américain, qui tentait de se construire contre l'art européen du XIXe siècle mais avec la littérature française de la deuxième moitié du XXe siècle. Fondé sur une somme d'indices fournis par ces artistes et complétée par des enquêtes historiques et sociologiques, une collecte d'articles, une recherche théorique et des études d’œuvres significatives, ce travail tente d'expliquer les raisons de cette fortune et d'analyser les aboutissements théoriques et esthétiques de la réception du Nouveau Roman par le milieu artistique américainIn an key Franco-American cultural and historical moment when New York takes Paris's place as the world artistic capital, the French New Novel achieved certain successs in the United States, especially in the Minimal Art community. Owing to a double transfer – from the literary field to the artistic field and from France to America -, some American artists drew attention to the French New Novel. While they were developing their art against 19th century european art, they created it with 20th century French literature. This work is based on an amount of clues given by these artists, supplented by historical and sociological investigations, a collection of articles, a theorethical research, and studies of significant works of art, in an attempt to understand the reasons of this success and the theorethical and aesthetic realizations of the reception of the New Novel by the American artistic milieu