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Dissertations / Theses on the topic 'Art occidental'
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Alard, Mireille. "L'Art des Bashileele, Kasai occidental." Lille 3 : ANRT, 1989. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb376111572.
Full text
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Papastavrou, Hélène. "Recherche iconographique dans l'art byzantin et occidental du XIe au XVe siècle : l'Annonciation /." Venise : Institut hellénique d'etudes byzantines et post-byzantines de Venise, 2007. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb41234521w.
Full textAbstract:
Texte remanié de: Thèse de doctorat--Art et archéologie--Paris 1, 1996. Titre de soutenance : La scène initiale de l'incarnation à Byzance et dans l'art occidental à la fin du Moyen âge.Résumé en grec. Bibliogr. p. 405-427.
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Maldonado, Guitemie. "Le biomorphisme dans l'art occidental des années trente : l'analogie créatrice." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040274.
Full textAbstract:
Ce travail propose un parcours à travers des œuvres et des textes réunis par leur contexte d'émergence, les années trente principalement en Europe, et un intérêt commun pour les principes de la vie. Cette tendance, baptisée en 1935 "biomorphisme" avec un succès relatif, déploie en peinture et en sculpture un vocabulaire de formes domine par la courbe et les associations organiques ; elle est représentée par des artistes tels que Jean Arp, Joan Miro ou encore Henry Moore ; elle diffuse également dans les domaines de l'architecture, du design, du graphisme et de la photographie, contribuant à leur mutation. En cela elle se révèle symptomatique d'une volonté encore implicite de renouvellement de la logique du développement de l'art. Cette étude entend analyser le fonctionnement historique et la position très particulière du biomorphisme dans le contexte polarise de l'entre-deux-guerres : un entre-deux entre recherche formelle et référence au monde vivant, entre invention et reproduction. Face au caractère diffus de la tendance et à l'imprécision de ses descriptions courantes, ce mémoire présente une analyse des formes employées et de leurs principes de construction, dans une interaction avec les théories morphogénétiques en plein essor à l'époque. Enfin, il analyse le mode de création et de perception de ce type de vocabulaire en termes d'analogie créatrice, mettant en rapport l'art et la vie qu'elle soit biologique ou psychique.
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Desbordes, Chrystelle. "La notion d’éphémère dans l’art occidental des années 1960-1970 : approches phénoménologiques d’un concept artistique." Toulouse 2, 2005. http://www.theses.fr/2005TOU20102.
Full textAbstract:
Des artistes des années 1960-1970 rendent l'éphémère tangible au sein de l'oeuvre. Se manifestant diversement (entre immanence et transcendance), l'éphémère appartient au vocabulaire de l'Art Cinétique, du Nouveau Réalisme, de l'Arte Povera, du Land Art, de l'Art Conceptuel, de "l'art d'action", ou à des artistes inclassables (Klein, Beuys). En analysant des oeuvres historiques, la thèse fait un premier "état des lieux" d'une question d'histoire de l'art et d'esthétique essentielle pour la compréhension de l'art contemporain. La méthode est fondée sur une lecture de l'éphémère au sein de trois paradigmes fondamentaux de la création d'alors : l'oeuvre "dans" la vie ; l'oeuvre processuelle ; reproductibilité et irréproductibilité de l'oeuvre. Entre présence, absence et mémoire, l'oeuvre éphémère dépasse les seules données du visible et invite à une phénoménologie de la perception, participant à la redéfinition de l'objet d'art imposée par les révolutions artistiques du vingtième siècleArtists of the sixties and seventies make ephemeral tangible within the work of art. Far from being homogeneous in its modes of demonstration (between immanence and transcendence), the artistic concept of short-lived is then readable in the artistic tendencies of the Kinetic art, Happening, New Realism, Arte Povera, Perfomance Art, Land Art, Conceptual Art. . . , even in works of non classable artistis (Klein or Beuys). On the basis of "historical" works, the method is founded on a reading of transitory framed in three fundamental paradigms of the creation of the studied period : Work "in" the life, Processual work, Reproducibility and irreproducibility of work. More generally, the enumeration of these paradigms is suggesting that time is from now one of the major data of the artistic practice. In the same time, it form a typology of the various modes of demonstration or phenomenologic approaches of the ephemeral in the contemporary art and an observation of its aesthetic stakes
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Grison, Laurent. "Figures géographiques dans l'art occidental. Les formes de l'échange." Paris 7, 2000. http://www.theses.fr/2000PA070127.
Full textAbstract:
Le but de nos travaux est d'analyser et de comprendre l'usage des figures géographiques dans les représentations artistiques du XVè s. à aujourd'hui, dans le cadre de la civilisation occidentale. Nous définissons la figure géographique comme une forme fondamentale de l'espace, un chorème. C'est une figure de sens, un trope, qui porte sur le signifié. Notre postulat de départ est que l'art est écriture créative de l'espace : les artistes sont des producteurs d'espaces tout autant que des utilisateurs d'espaces. Nous considérons que nulle représentation de l'espace, nulle utilisation d'une figure géographique, n'est innocente, c'est-à-dire sans arrière-pensées ou soumise au seul hasard. La représentation est toujours polysémique et porte un sens plus ou moins explicite à travers des éléments de spatialité repérables. Nous montrons que les figures géographiques, éléments rhétoriques fondamentaux, sont utilisées pour convaincre. Souvent métaphores prégnantes, elles font plus qu'illustrer : elles déterminent le sens des représentations. Considérant les figures géographiques comme l'ossature de la pensée représentative ou créatrice, nous envisageons les dynamiques de celles-ci dans l'espace et le temps. En étudiant tout particulièrement les figures du carrefour et de la bifurcation dans de nombreuses œuvres, nous mettons au jour des systèmes complexes de références. Nous proposons plusieurs concepts opératoires dont ceux d' "interspatialité", "d'indice de distanciation" et d' "orbialisation". Notre démarche géographique est comparative et notre travail croise, de facto, plusieurs disciplines universitaires. Nous définissons une rhétorique de l'espace qui est une sorte de topologie artistique, une science des lieux qui est aussi celle des figures géographiques. Nous choisissons de nommer cette science la "chorémartistique"The aim of our work is to analyse and understand the use of geographic figures in artistic representations from the fifteenth century to the present, in the framework context of western civilization. We define geographic figure as a fundamental spatial form, a "choreme". It is a figure of meaning, a trope, which relates to the signified. Our initial premise is that art is a creative composition of space : artists are as much producers of space as they are users of space. We consider that no spatial representation, no use of a geographic figure is accidental, that is to say without underlying design or the product of mere chance. Representation is always polysemous, has multiple levels of meaning which may be understood more or less explicitly through identifiable spatial elements. We show that geographic figures, fundamental rhetorical devices, are used in order to be persuasive. Often used as loaded metaphors, they do more than simply illustrate: they determine the meaning of representations. Considering geographic figures as the framework of the creative or representative process, we consider the dynamics of the latter in space and time. By studying in particular the figures of intersection and bifurcation in numerous works, we bring to light complex referential systems. We propose several operational concepts such as "interspatiality", distance effect index and "orbialization". Our geographic approach is comparative and as a result our work cuts across several academic disciplines. We define a rhetoric of space which is a kind of artistic topology, a science of places which is also the science of geographic figures. We choose to name this science the "choremartistique"
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Guy, Emmanuel. "Évolution des formes dans l'art figuratif paléolithique occidental : introduction à une grammaire stylistique." Paris 1, 1998. http://www.theses.fr/1998PA010635.
Full textAbstract:
Nos recherches portent sur l'etude des modes de representation dans l'art figuratif des chasseurs-cueilleurs du paléolithique supérieur. Loin de réduire l'analyse du style à un simple outil chronologique (comme c'est habituellement le cas), nous avons souhaité mettre en oeuvre une vaste exploration du corpus figuratif préhistorique afin d'identifier certaines manières ; spécifiques de représenter. En effet, toute figure fait appel à un répertoire conventionnel de formes, indispensable à sa lisibilité par le groupe social dont elle procède. Ce code de représentation, conçu et élaboré par le groupe, constitue un témoignage privilégié de sa façon particulière de voir le monde. Notre objectif a donc été d'établir, par l'observation la plus rigoureuse possible, une grammaire des formes paléolithiques qui mette ainsi en lumière les transformations de la vision artistique et par la même, celles de la conceptualité au sein des cultures préhistoriques. Au terme de cet première évaluation, dix organisations formelles specifiques temoignant de conceptions distinctes ont ete mises en lumières. Bien entendu, il ne s'agit là que d'une toute première évaluation des différents principes d'expression paléolithique qui devra être enrichie d'observations nouvelles afin de permettre ulterieurement d'en mieux saisir les mécanismes internes, les tendances, les butsOur research is centered upon the study of the means of representation in the figurative art of the hunters-gatherers of the upper palaeolithic. Far from reducing the study of style to a simple chronological tool (as is often the case) we wish to engage a vast exploration of the prehistoric figurative corpus, in order to demonstrate specific manners of representation. Indeed, every figure refers to a conventional range of forms that are indispensable to its legibility by the social group that it proceeds. This representational code conceived and developed by the group, constitutes a primary testimony of its particular world-view. Our objective was, therefore to establish, by rigourous observation, a grammar of palaeolithic forms which illuminates the transformations of the artistic vision, and in the sane time, those of the way of thinking of prehistoric cultures. Our stylistic approach permit to identify ten specific formal organisations. Of course, this first evaluation on prehistorical languages has to be completed later on, in order to better grasp their objectives tendancies, and goals
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Braun, Suzanne. "Le Massif occidental de l'Abbatiale de Marmoutier dans le cadre régional et dans l'Empire." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2001. http://www.theses.fr/2001STR20015.
Full textAbstract:
L'étude porte sur le massif occidental à trois tours de l'ancienne église abbatiale de Marmoutier (Bas-Rhin) dans le cadre régional et dans l'Empire. .The study deals with the tree towered western facade of the former abbey church of Marmoutier in the context of the region and Empire. .
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Valérius, Madely. "Masques africains, masques du théâtre occidental, maquillages : problèmes esthétiques, art, mode et/ou expression." Paris 10, 1985. http://www.theses.fr/1985PA100043.
Full text
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Valérius, Madely. "Masques africains, masques du théâtre occidental, maquillages problèmes esthétiques, art, mode et/ou expression." Lille 3 : ANRT, 1986. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb375952197.
Full text
10
Alard, Mireille. "L'Art des Bashileele (Kasai Occidental)." Paris 1, 1988. http://www.theses.fr/1988PA010618.
Full textAbstract:
L'art des basileele, du kasai occidental, au zaire, concerne essentiellement l'etude des objets de bois, remarquables par leur sculpure et par leur decor. Le groupe apparente des " wongo peripheriques " est assimile au groupe leele. Notre but etait de degager les caracteres stylistiques des objets d'art, et, en explorant leurs fonctions, de preciser les structures sociales et l'histoire de ce peuple. L'etude des objets d'art leele nous permettra donc d'apprehender, diachroniquement et synchroniquement, la culture leele dont les composantes sont difficilement seriables. Tris livres composent cette these. Dans le livre un, une approche generale de la societe leele est tentee. Elle insiste sur les structures sociales complexes dues a une mise en place des populations echelonnee, des le dix septieme siecle. En consequence, trois entites se partagent le territoire. Les bakumu de tundu (les chefs), les baowa et les "wongo interieurs" emancipes. Les bakumu de tundu, diriges par le nyimi, ont une autorite nomi nale et tutelaire. Baowa et "wongo interieurs" ont une autonomie seculie re et sont groupes en "villages-freres" a la politique agressive temperee par les lois de la polyandrie. La diversite brouillonne des objets d'art rend compte de ces turbulences. Le livre deux est specifiquement consacre a l'analyse morphologique des objets et au degagement des styles et des sous-styles. Les variations formelles dans le temps sont analysees. Le reperage des fonctions polymorphes des objets d'art donne lieu a des constatations historiques indiquant: des mises en place migratoires successives (kete, kongo, mongo), et un amalgame ancien. Le pays leele fait donc figure de carrefour culturel. Le livre trois pose des questions et des hypotheses. Le systeme des decors est faiblement interpretable comme un appareil pictographique. La determination des styles et des sous-styles indique des influences venues de l'exterieur (kuba, pende, cokwe). La position de repli historique des bashileele est par la nettement mise en relief.
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De, Smet Elsa. "Voir pour Savoir. La visualisation technique et scientifique de l’aventure spatiale dans le monde occidental entre 1840 et 1969." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040160.
Full textAbstract:
Entre la première photographie jamais prise de la Lune en 1840 par J.W. Draper et la première photographie prise depuis le sol de notre satellite en 1969 par la mission Apollo 11, l’aventure spatiale occidentale a donné lieu à une vaste production d’images. Toutes ont cherché à comprendre, capturer et communiquer au plus grand nombre l’aspect du cosmos. Absorbé comme une évidence par la culture collective, ce corpus hétérogène, protéiforme et aux délimitations complexes, relève d’une histoire culturelle qui reste difficile à classer, entre histoire des sciences et histoire des images. Les visualisations qui en résultent, marquées par les traditions de l’histoire de la représentation et fabriquées en parallèle des évolutions technologiques de l’astronomie et de ses moyens d’observation, ont tout autant façonné le regard de l’astronomie physique et la culture visuelle de ses observateurs néophytes. L’analyse de la formation et de l’épanouissement de l’Art spatial au XXe siècle nous ouvre ainsi les yeux sur un corpus visuel où la coalescence entre science et style est une condition nécessaire à son existence. A l’épreuve de l’histoire de l’histoire de l’art et des études visuelles, ce dernier trouve également toute sa place dans une analyse qui vise à dévoiler la puissance et la qualité performative des images. Qu’il s’agisse d’une imagerie vulgarisant le savoir savant à des fins didactiques, d’une volonté de saisir l’image du cosmos pour le découvrir ou d’une dissémination culturelle au cœur des grands mythes du siècle, l’exploration spatiale fut aussi une entreprise du regard qu’il nous incombe d’observerBetween the first photograph taken from the moon in 1840 by J.W. Draper and the first photograph taken from our satellite’s ground in 1969 by Apollo 11’s mission, western space odyssey led to a wide range of images. They all had the common goal of understanding, apprehending and sharing the aspect of cosmos with as many people as possible. Evidently absorbed by a collective culture, this heterogeneous and multifaceted corpus with many complex boundaries is based on a cultural history, which remains hard to classify, between science history and images history. The resulting visualizations, heavily influenced by the traditions of the history of representation and made in parallel of the technical evolutions of astronomy and its means of observation, have equally shaped the look of physical astronomy and of the visual culture of its neophyte observers. The analysis of the creation and the fulfilment of Space Art in the twentieth century make us open our eyes on a visual corpus where the coalescence between science and style is a necessary condition to its really existence. Confronted to History of Arts and to visual studies, this corpus finds its place within an analysis, which pursues to disclose the power and the performative quality of images. Whether it be an imagery popularizing the deepest knowledge for teaching purposes, a will of grabbing the image of cosmos in order to discover it or a cultural dissemination at the heart of the most important myths of the century, spatial exploration was also an experience of the look we need to observe
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Badet, Muriel. "L'enlèvement : les mouvements du désir : ses représentations dans l'art occidental, de la Renaissance au XXe siècle." Paris, EHESS, 2002. http://www.theses.fr/2002EHES0075.
Full textAbstract:
L'analyse se fixe sur un vaste choix d'œuvres et de textes littéraires ; ils constituent le corpus de départ. Leur confrontation permet d'étudier les enjeux de la représentation de l'enlèvement. Sans objectif chronologique, mais orientant le choix sur les enlèvements amoureux, la première interrogation se porte sur l'étymologie du terme " enlèvement " et ses diverses acceptions – du rapt (proche du viol) au ravissement (voisin de l'extase mystique). Se dégage une série d'actions comme emporter, soulever, déplacer. Les bouleversements et les élans antinomiques du désir sont figurés par la dynamique de l'enlèvement. Lorsqu'il est passion, l'enlèvement propose des images de traques amoureuses, de fièvres bestiales ; lorsqu'il est stratégies, la représentation arrête le mouvement et se concentre sur la présence de complices ou sur des signes permettant de déceler le piège dans lequel va tomber la victime. Par ailleurs, il apparaît, avec les exemples d'hommes enlevés par des femmes, que le désir est subit plutôt que décidé. La position de domination s'inverse pour celle de dominée. L'enleveur ne semble pas avoir d'autre alternative que de s'emparer du corps convoité. De même, bien plus que la mobilité, l'immobilité devient l'indice de l'émotion. Cette essentielle combinaison de la volonté et de l'apathie touche l'enlevée lorsqu'elle choisit de se laisser enlever. L'inertie figure le consentement et va jusqu'à l'image du ravissement où le corps est terrassé, où l'âme se pâme et s'envole dans une expression d'infinie jouissance. Déplaçant l'analyse vers la pratique sociale, nous constatons que si les enlèvements sont réprimés, les représentations articulent malgré tout l'imaginaire et la symbolique érotique du thème aux lois des alliances matrimoniales, à des discours panégyriques ou hégémoniquesThis study is based on a wide range of works and texts which provide the starting point. Their comparison allows to study the stakes of abduction representation. There is no chronological objective, but choosing the love abductions, the first question refers to the etymology of the term “abduction” and its various meanings, from rape to rapture. A whole series of actions follow such as to take away, to lift up, to move. The disruptions and contradictory impulses of desire are represented by the dynamic of abduction. When there is passion, the image used are those of amorous pursuit, brutal fevers; when it is strategic, the representation changes, and concentrates on the presence of accomplices or signs indicating the trap into which the victim will fall. The movement is stopped. In the examples of men abducted by women it would appear that desire is suffered rather than voluntary. The position of domination is reversed for the dominated. The only choice left to the abductor is to grabe the object of desire. At the same time, inertia rather than activity is the emotion's signal. The main combined of power and apathy affect the woman when she has decided to be abducted. The apathy represents and agreement and leads to the abduction, where the body is overwhelmed and where the soul swoons and flys away with a feeling of unlimited pleasure. Moving the study to the social experience, we notice that if abductions are punished, their representations mix the erotic symbol of the subject with the wedding rules, and with panegyric or hegemonic speeches
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Salamanca, Angarita Óscar Mauricio. "Memoria del "Goldfish": Presentación y Representación del animal en el dibujo occidental de finales del siglo XX, La." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2005. http://hdl.handle.net/10803/2560.
Full textAbstract:
El animal ha estado presente en el laboratorio a partir del siglo xx. Ya sea en la investigación científica, en el debate político o en la exploración artística, el animal ha carecido de refugio, es la víctima propiciatoria de todos los sacrificios contemporáneos.Sin la función exploratoria que las vanguardias adjudicaron al arte poco o nada habría que documentar de tales operaciones. La figuración plástica, por otro lado, ha afianzado su proximidad en los diseños derivados del industrialismo tardío. El pop como escuela última del siglo pasado ha visto explotar las hibridaciones entre imagen pictórica y mediática. El siglo xx fue el siglo del triunfo de la imagen visual. La profusión de imágenes ha saturado la visión y sustituido al mundo por su representación.
La gráfica en el arte de finales de siglo cobraría una inusitada preponderancia por sobre las expresiones pictóricas. El arte conceptual y los minimalismos ejercieron una fuerte influencia sobre los estilos emergentes atrajeron una mayor atención hacia aspectos estructurales y sistemáticos de la práctica del arte. Hacia principios del siglo XXI el estatuto contemporáneo del dibujo es de primera relevancia respecto a otros recursos.
Poco queda ya de las identidades clásicas, nada, a decir verdad, de los géneros pictóricos donde las presencias animales hallaban clara pertinencia. El código genético es el trazo definitorio de las identidades en el siglo XXI. Ni la naturaleza muerta, ni el paisaje, ni el retrato con animales subsisten más que como formas paródicas. Los individuos del finales del siglo perdían toda relación de permanencia y trascendencia. En ese proceso fueron desfigurándose y desmaterializándose como la misma sustancia de la obra artística. Devenido discurso el arte tendría que volverse por un lado autorreferencial y por el otro una aplicación comunicativa.
No hallamos más a la naturaleza en nuestro entorno. El arte del siglo XX fue urbano, artificial, abstracto, sintético, teórico y, finalmente, sarcástico. La imagen de la naturaleza pasó a ser un tópico romántico trascendido y obsoleto; un lamento nostálgico. La sobre explotación de los recursos naturales aunada a la depauperación de las regiones rurales del planeta, particularmente en regiones extensas del tercer mundo, ha generado una actitud catastrofista hacia el programa desarrollista de occidente y se plantean más dudas que certezas frente al destino de múltiples especies animales y vegetales. El imaginario tradicionalmente prolífico y virtuoso de la naturaleza como abundancia inabarcable y como fuente de secretos y maravillas se ha trocado en una visión apocalíptica de fin de la vida.
La creciente preocupación en torno a la degradación acelerada de la naturaleza ha conducido a una conciencia política y civil de la ecología como postura ética y cultural de vanguardia. En correspondencia con el ecologismo desde el arte se ha hecho presente una actitud de reinterpretación de lo natural, ya no por medio de la imitación figurativa, sino como correlato cultural elíptico.
Por ello, la presencia de los animales en el arte de las últimas décadas del siglo XX plantea paradojas interesantes. No son el tema central de tal práctica, a decir verdad ningún tema lo fue; son agentes de extrañeza y de descentramiento. Son un sujeto aparentemente banal, periclitado en la historia, pero abandonado al margen de mitologías y utopías ancestrales. Los grandes imaginarios zoológicos de claras connotaciones al culto han perdido pertinencia en un mundo tecnificado y mediatizado. Por otro lado ese espacio salvaje del mundo animal, como instinto y naturaleza pura, ha sido neutralizado por la práctica psicoanalítica. Es propio de la civilización actual no hallar otros referentes que los antropocéntricos. El estatuto animal ha sido degradado a la domesticación e incorporado a la cadena productiva. Lo animal es excesivo y excedente: un suplemento irracional sin lógica en el diseño de la civilización futura.
La calidad espiritual del arte contemporáneo es débil, porque la sociedad que lo produce tiene un alma confundida. Las formas animales, tradicionalmente arquetipos de valor y conocimiento, nos son tanto más extrañas cuanto más manipulables y desintegradas nos parecen. Buscar un lugar para su manifestación en el arte necesariamente demanda una reconsideración de los procesos culturales de interpretación del mundo como un espacio donde aún tenga cabida la dimensión espiritual.
"Goldfish's Memory: Animals' Display and Representation in the Late 20th Century Western Drawings. (1970 - 2000)"
The traditionally prolific and virtuous imaginary of nature, as an endless abundance and source of all secrets and wonders, has changed into an apocalyptic vision of the end of life, as we know it.
The increasing concern about the fast degradation of nature has led to a civil and political conscience around ecology, as an avant-garde ethical and cultural posture. From the point of view of the ecology, seen through the lens of the Arts, there has been an attitude towards the re-interpretation of the natural, not by means of the figurative imitation, but as a cultural elliptic co-narrative.
This is the reason why, the presence of animals in the art production of the last decades of the 20th Century poses some interesting paradoxes. Animals are not the central theme of this practice; actually, they never were: they are agents of estrangement and decentralization. They are an apparently banal subject, glorified in history, but put aside along with mythologies and ancestral utopias. The great imaginary from zoology, clearly bonded to cult and ceremonial practices, has lost its pertinence in a technophile and media-influenced world. On the other hand, the "savage" space of the animal realm, as pure and natural instinct, has been neutralized by a psychoanalytic practice. It is proper to the current civilization to find no other references that those anthropocentric. The animal statutory has been subdued to domestication and incorporated to the dynamics of the production line. The animal is excessive and a left over: it is an irrational supplement without logic in the design of the future civilization.
The spiritual sphere of contemporary art is weak because the society that produces it bears a confused soul. Animals' form, traditionally depicted as a knowledge and value archetype, appears to us the stranger the more controllable and disintegrated they seem. To look for an appropriate space for their artistic manifestation obliges a reconsideration of all the cultural processes we use to interpret the world as a place where a spiritual dimension is still possible.
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Ventura, Almeda Helena. "Els gravats rupestres prehistòrics d'estil Tazina del jaciment de Sluguilla Lawash (Sàhara Occidental)." Doctoral thesis, Universitat de Girona, 2020. http://hdl.handle.net/10803/668949.
Full textAbstract:
Sluguilla Lawash is the site with a higher concentration of open air prehistoric rock art of Western Sahara. It has 1143 engraved slabs with 2087 motifs, among which the 99% have an incised stroke, with a dark desert varnish and have been classified as Tazine style.
Among the most abundant motifs are animal figures such as aurochs, rhinos, elephants, giraffes, antelopes, ostriches, warthogs or felids. To a lesser extent there are human representations, spirals, ovals, tribal marks of camels, boards for board games, masks and weapons such as axes, throwing sticks, bows and arrows.
The chronological proposal of the site range between 6500 BP, the time of the arrival of sheep or goats and domestic dogs in the Western Sahara, until the 3500 BP by the absence of depicted of horses. These chronologies are adjusted with the engravings of Metgourine axes resulting the introduction of the metallurgy around the 3800 BPSluguilla Lawash és el jaciment amb una major concentració d’art rupestre prehistòric a l’aire lliure del Sàhara Occidental. El formen 1143 lloses gravades amb 2087 motius entre els quals el 99% presenten una traç incís, amb una pàtina fosca que han estat classificats de l’estil Tazina. Entre els motius més abundants hi trobem figures animals d’urs, rinoceronts, elefants, girafes, antílops, estruços, facoquers o fèlids. En menor mesura hi ha representacions humanes, espirals, òvals, marques tribals de camells, taulers per a jocs de taula, màscares i armes com destrals, pals llancívols, arcs i fletxes. La proposta cronològica del jaciment el situa des del 6500 BP, moment de l’arribada dels ovicaprins i dels gossos domèstics a l’oest saharià, al 3500 BP per l’absència de representacions de cavalls. Aquestes cronologies s’adeqüen a la presència dels gravats de destrals de tipus Metgourine, suposadament corresponents a la introducció de la metal·lúrgia entorn del 3800 BP
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Albou, Philippe. "L'introduction de l'art occidental dans la peinture chinoise autour des années 1920." Paris 8, 2003. http://www.biusante.parisdescartes.fr/ressources/pdf/histmed-asclepiades-pdf-albou2.pdf.
Full textAbstract:
La Chine, dotée d'un art raffiné deux fois millénaire, s'est avec quatre peintres - Yan Wenliang, Xu Beihong, Liu Haisu et Lin Fengmian - ouverte sur l'Europe afin d'apprendre une vertu que son art semblait ignorer, le réalisme. L'art chinois était peu enclin à représenter scientifiquement un objet, tel qu'il existait, une carte militaire, un canon. Il était subjectif, symbolique et intuitif. La peinture occidentale restait alors, malgré le développement des avant-gardes, le produit objectif d'une observation directe combinée avec une connaissance empirique. À travers la vie, l'œuvre et l'enseignement des peintres étudiés, la confrontation des deux univers esthétiques permet d'analyser une tentative d'acculturation - la peinture chinoise occidentaliste autour des années 1920 - que d'un point de vue occidental on analyse en termes de ruptureTwo millenniums chinese fine arts had, with four painters -- Yan Wenliang, Xu Beihong, Liu Haisu and Lin Fengmian - opened to Europe in order to learn a virtue of an art unknown there, realism. Chinese art was not inclined to represent an object scientifically as it existed, a military map or a canon. It was subjective, symbolical and intuitive. Western painting was still, despite the developments of the avant-garde movement, the product of a direct objective observation combined with empirical knowledge. Through the lives, the works and the teachings of the painters studied, the confrontations of two esthetic worlds may now enable to analyze an attempt of a acculturation - Western Chinese paintings in the 1920's - which from a western point of view, would be analyze as a turning point
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Borello-Hockliffe, Stéphanie. "L' évolution de la figuration christique dans l'histoire de l'art occidental : problématique du renouvellement de l'image." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010634.
Full textAbstract:
Thème important et surtout récurrent dans l'art, le Christ ne cesse d'inspirer, de fédérer ou de diviser. Son image s'inscrit dans l'histoire et se perpétue à travers le temps tout en connaissant de nombreuses modifications. Parcourir l'évolution de cette iconographie à travers les siècles et les courants religieux et culturels permet de saisir la dimension d'un personnage hors du commun par une sorte d'imagination collective devenue tradition. Aussi, face à ces traits fixés de manière si arbitraire, la question d'un renouvellement se pose. A l'ère de la communication, la tentative de modification des acquis peut-elle aboutir à un résultat ou bien rester dans le domaine de l'utopie? Une interprétation subjective qui met en cause des notions multiples peut alors donner les clés d'une réalisation plastique, véritable matérialisation technique et figurée d'un concept complexe.
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Humbert, Jean-Marcel. "L'égyptomanie : sources, thèmes et symboles : étude de la réutilisation des thèmes décoratifs empruntés à l'Egypte ancienne dans l'art occidental du XVIe siècle à nos jours." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040295.
Full textAbstract:
Le catalogue illustré constituant la première partie de cette thèse a été réalisé à partir d'une base de données créée spécialement. Il contient plusieurs milliers de références intégrées à 1370 notices; celles-ci sont classées selon les principaux thèmes de l'histoire de l'art, eux-mêmes regroupés à l'intérieur de six périodes chronologiques. Cet échantillonnage représentatif a permis d'étudier les sources et les composantes de l'égyptomanie selon les époques et les pays, les thèmes égyptiens les plus souvent employés et leur degré d'adaptation, et la part de symbole contenue dans les différents types de créations. L'égyptomanie a pour sources des documents archéologiques, des relations de voyage, des évènements "médiatisés" et de précédentes réalisations égyptisantes; mais l'évolution de la fidélité des interprétations ne suit pas forcement l'amélioration de la connaissance de l'Egypte ancienne. L'étude chronologique met en lumière plusieurs évolutions : au début distraction d'esthète, l'égyptomanie ira se démocratisant; elle profite à partir du XIXe siècle des progrès de l'archéologie; elle trouve continuellement de nouveaux modes d'expression (cinéma, bande dessinée, publicité) et élargit ainsi régulièrement son audience. L'étude thématique des objets et réalisations accueillant l'égyptomanie montre sa faculté d'adaptation et l'influence en retour des styles propres aux époques concernées. Un répertoire des thèmes décoratifs empruntés à l'Egypte ancienne précise ceux qui sont le plus souvent employés. L'objet égyptisant véhicule des symboles issus à la fois de l'Egypte ancienne et de la période de sa création; jouant de nombreux concepts (rêve, peur, rire), l'égyptomanie garde comme l'Egypte un impact fort sur le public. L'égyptomanie est plus qu'une des composantes de l'exotisme et de l'anticomanie; elle constitue un courant à part, aujourd'hui plus vivant et fascinant que jamaisThe catalogue of this thesis has been taken from a data base specially created. Its 1370 notices give thousands of references; the notices are classified according to themes in the course of six chronological periods. Thanks to these selected objects, it has been possible to study the sources and the constituent parts of the Egyptian revival according to periods and countries, to index the Egyptian themes more often used, to measure their degree of adaptation, and to identify the symbols contained in the different creations. The sources of egyptomania are taken from archeological items, travel accounts, exceptional events and former egyptianizing creations; but the evolution of the fidelity of the interpretations doesn’t follow necessarily the increasing of the knowledge of ancient Egypt. The chronological study points out several evolutions: egyptomania, created at the beginning for esthetes’' pleasure, soon becomes democratized; the archeological discovering and publications give new possibilities to it; it can use many new means of expression (movies, cartoons, comic-strips and adverting) and thus increased its audience. The thematic study of the egyptianizing objects and creations shows how easily egyptomania adapts itself and mixes with the style of the period. A repertory of the themes taken from ancient Egypt shows which ones are used most. Egyptianizing items carry lots of symbols from ancient Egypt and from the time of their making; using numerous concepts (dream, fear, laugh), egyptomania, as well as Egypt, has a strong impact on people. The Egyptian revival is more than part of exotism and anticomania; it is an independent current more alive and fascinating to-day than ever
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López, Carreño Antonio José. "Arte y Negritud: La obra de Iba N’Diaye y la política cultural y artística de Léopold Sédar Senghor (1960-1980)." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2020. http://hdl.handle.net/10803/668992.
Full textAbstract:
Esta investigación trata de estudiar la relación entre Iba N’Diaye, artista miembro de la Escuela de Dakar, y la política cultural de Léopold Sédar Senghor, debido a que el pintor es una figura que no se ha trabajado desde el punto de vista historiográfico. En este sentido, se aporta innovación, al abordar desde la Historia Cultural una cuestión como el proceso de construcción de la identidad nacional en Senegal. Así, se comprueba si Iba N’Diaye es partidario de la Negritud, ideología de Léopold Sédar Senghor sobre la que gira todo el proceso o, si, por el contrario, es crítico con ella.
Para conseguir los objetivos planteados en la tesis doctoral se estudiaron documentos de todo tipo sobre los principales protagonistas, sobre la Negritud y sobre la Escuela de Dakar y algunos de sus miembros. Para ello se leyeron libros y artículos tanto en formato papel como digital disponibles en diferentes bibliotecas y en páginas en línea de tipo académico. Asimismo, se consultaron en Barcelona los archivos del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona y del Museo Etnológico y de Culturas del Mundo, se hicieron estancias en Francia y Senegal para consultar diversos archivos y, además, se realizaron entrevistas a expertos y personas cercanas a Iba N’Diaye.
A través del trabajo realizado se comprobó que Iba N’Diaye participó en un inicio con entusiasmo en la política artística y cultural de Léopold Sédar Senghor. Sin embargo, el pintor no fue parte de la Negritud, ya que comprobamos que con el tiempo se vió obligado a abandonar Senegal y volver a Francia, donde había estudiado años atrás, debido a que siempre fue crítico con algunos aspectos de la Negritud senghoriana y del pensamiento de Senghor en relación con el arte. Además, tenía ideas en torno a la enseñanza opuestas a las de Pierre Lods y Papa Ibra Tall, los otros profesores de la Escuela de Artes de Senegal, más cercanos a la visión del presidente senegalés en torno al arte africano.
Respecto a lo anterior, la investigación introduce el concepto de "dictadura o autocracia de la Negritud senghoriana" en la política artística y cultural de Léopold Sedar Senghor y su Escuela de Dakar, ya que como se pudo comprobar con la investigación, el presidente senegalés intentó con esos elementos impregnar la identidad nacional senegalesa de su Negritud y acabó beneficiando con el tiempo a los partidarios de su ideología en detrimento de aquellos críticos.This research tries to study the relationship between Iba N’Diaye, a member artist of the Dakar School, and the cultural policy of Léopold Sédar Senghor, because the painter is a figure that has not been worked from the historiographic point of view. In this sense, brings innovation, when addressing from the Cultural History a question like the process of construction of the national identity in Senegal. Thus, it is checked if Iba N’Diaye is a supporter of "Négritude", ideology of Léopold Sédar Senghor on which the whole process revolves or, if, on the contrary, he is critical of it. To achieve the objectives set forth in the doctoral thesis, documents of all kinds were studied on the main protagonists, on "Négritude" and on the Dakar School and some of its members. For this, books and articles were read both in paper and digital format available in different libraries and on academic-grade online pages. Likewise, the archives of the Museum of Contemporary Art of Barcelona and the Ethnological Museum of World Cultures were consulted in Barcelona, stays were made in France and Senegal to consult various archives and, in addition, interviews were conducted with experts and people close to Iba N'Diaye. Through the work carried out it was found that Iba N’Diaye initially participated with enthusiasm in the artistic and cultural policy of Léopold Sédar Senghor. However, the painter was not part of "Négritude", since we found that he was eventually forced to leave Senegal and return to France, where he had studied years ago, because he was always critical of some aspects of senghorian "Négritude" and Senghor's thought in relation to art. Regarding the above, the research introduces the concept of "dictatorship or autocracy of Négritude" in the artistic and cultural policy of Léopold Sedar Senghor and his Dakar School, since as it was possible to verify with the investigation, the Senegalese president tried with these elements to impregnate the Senegalese national identity of his "Négritude" and eventually benefited the supporters of his ideology to the detriment of those critics.
Cette recherche tente d’étudier la relation entre Iba N’Diaye, artiste membre de l’École de Dakar, et la politique culturelle de Léopold Sédar Senghor, car le peintre est une figure qui n’a pas été travaillée du point de vue historiographique. En ce sens, l'innovation est fournie, en abordant depuis l'histoire culturelle une question comme le processus de construction de l’identité nationale au Sénégal. Ainsi, on vérifie si Iba N’Diaye est un partisan de la Négritude, idéologie de Léopold Sédar Senghor, sur laquelle tout le processus tourne ou, au contraire, s’il est critique. Pour atteindre les objectifs fixés dans la thèse de doctorat, des documents de toutes sortes ont été étudiés sur les principaux protagonistes, sur Négritude et sur l'école de Dakar et sur certains de ses membres. Pour cela, des livres et des articles ont été lus à la fois en format papier et numérique disponibles dans différentes bibliothèques et sur des pages en ligne de niveau universitaire. De même, les archives du musée d'art contemporain de Barcelone et du musée ethnologique des cultures du monde ont été consultées à Barcelone, des séjours ont été effectués en France et au Sénégal afin de consulter diverses archives et des entretiens ont également été réalisés avec des experts et des personnes proches d'Iba N'Diaye. Les travaux effectués ont permis de constater qu’Iba N’Diaye participait initialement avec enthousiasme à la politique artistique et culturelle de Léopold Sédar Senghor. Cependant, le peintre ne faisait pas partie de la Négritude, car nous avons découvert qu'il avait finalement été contraint de quitter le Sénégal pour rentrer en France, où il avait étudié il y a des années, car il avait toujours critiqué certains aspects de la pensée de Senghor et de la Négritude senghorienne par rapport à l'art. En ce qui concerne ce qui précède, la recherche introduit le concept de "dictature ou autocratie de la Négritude" dans la politique artistique et culturelle de Léopold Sédar Senghor et de son école de Dakar, puisqu’il a été possible de vérifier avec la recherche, que le président sénégalais Il a essayé avec ces éléments d'imprégner l'identité nationale sénégalaise de son Négritude et a finalement profité aux partisans de son idéologie au détriment de ces critiques.
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Wei, Xiaoli. "L'histoire de la modernité en Chine : l'architecture au contact avec le monde occidental, discours et pratiques (1840-2008)." Thesis, Paris 4, 2015. http://www.theses.fr/2015PA040213.
Full textAbstract:
Cette thèse interroge le processus de transformation du savoir architectural dans la Chine moderne par le biais de l’observation de la relation entre la création architecturale et l’histoire. En tenant compte de l’évolution diachronique de ces deux cultures, cette étude analyse la circulation des savoirs entre le monde occidental et la Chine et les effets discursifs qu’elle a produits dans la création architecturale et artistique chinoises. L’architecture moderne se généralise en Chine à partir de la fin du XIXe siècle en parallèle avec le développement de l’industrie. Au début du XXe siècle, apparait une nouvelle forme de conception de l’historiographie moderne qui se réfère à l’Occident. Des enjeux complexes qui impliquent des références idéologiques et qui concernent la méthode historiographique percent au travers des premières études modernes consacrées à l’architecture chinoisetraditionnelle. En s’appuyant sur cette base historique, le travail de cette thèse analyse la conception des projets architecturaux afin de mettre en évidence les recherches, très personnelles, des architectes et des historiens chinois et, notamment, leurs interprétations de certains concepts clés de la discipline. Les discours et les pratiques qui émaillent le milieu architectural des années 1950 aux années 1990 décrivent une histoire de l’architecture en pleine évolution. La discipline absorbe à la fois des influences provenant de pays étrangers et hérite de la tradition établie pendant les années « rouges ». A partir de l’ouverture du pays et des réformes économiques qui s’ensuivent, elle est aussi confrontée à un développement urbain à grande échelle. Vers la fin des années 1990, l’apparition des architectes chinois d’avant-garde révèle un courant qui vise à réinterpréter la tradition et signe le retour à la discipline elle-mêmeThis thesis goes through the changes that occur in the architecture’s knowledge in modern China, observing the relation between architectural creation and the historical background. Taking into account the diachronic differences between the two cultures, this study analyzes the interpenetration of that knowledge between western countries and China as well as its influence upon Chinese architectural and artistic creation. Modern architecture started spreading over China from late XIXth century, together with the industrial development. In early XXth century, a new approach to modern historiography appears referring to the west. Some complex issues referring to ideology and regarding historiographical methods started to emerge through the first modern studies on Chinese traditional architecture. This thesis, based on such an historical background, analyzes the architectural projects and concepts in order to enlighten the researches, quite personal, made by the Chinese architects and historians and to emphasize their own interpretations of the key concepts on this field. The statements and practices that pave the way of architecture from the 1950s to the 1990s bring up the question of the evolution occurring in the architectural history. Chinese architecture draws its inspiration from abroad mixing it with the tradition established during the Chinese « red years ». After the opening policy and economical reforms were settled, architecture faces a great urban development. Around the end of the 1990s, some Chineseavant-garde architects started a new way aiming at re-interprating the tradition within the discipline itself
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Aka-Evy, Jean-Luc. "L'image des arts d'Afrique Noire dans le discours esthétique occidental moderne : de la Renaissance au temps de Picasso puis de "l'art primitif" aux "arts premiers"." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010608.
Full textAbstract:
Par conséquent, l'objectif de cette recherche fondamentale est de circonscrire, aussi précisément que possible, l'image des arts d'Afrique Noire, telle qu'elle a été pensée et aménagée dans le discours esthétique occidental moderne; de procéder à l'archéologie des différentes positions de ce discours à propos de ces arts, et de déterminer les impacts de ce dernier dans le processus de la création artistique européenne contemporaine et de (re)situer sa (re)découverte et sa réappropriation dans l'imaginaire plastique africain d'aujourd’hui.
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Nong, Xian Wen. "L’autorité de la chaise : de sa fonction à sa transformation en oeuvre dans l’art chinois et occidental." Thesis, Aix-Marseille, 2017. http://www.theses.fr/2017AIXM0009/document.
Full textAbstract:
Socrate dirait que le Dieu a créé la forme de la chaise, que les artisans fabriquent d’autres chaises d’après cette forme, et que les artistes créent des chaises artistiques d’après des chaises fabriquées par les artisans. Il y a une vérité dans ces idées. La chaise est la chaise, elle a une forme propre à elle. Elle ne prend pas la forme d’un piano, ni celle d’un lit. Ces idées conduisent à la définition, la forme, la fabrication, l’utilisation, la transformation et la signification de la chaise. On attribue, dès l’ancienne Égypte, deux fonctions à la chaise : une matérielle (s’asseoir) et une immatérielle (symboliser). Quand la chaise est utilisée dans l’activité sociale, politique ou artistique (transformée, détruite, reconstruite, etc.), elle est symbolique (elle symbolise), et c’est la seule condition dans laquelle la chaise peut dénoter et signifier. Entrons en contact avec la chaise pour qu’elle puisse signifier ! Un changement apparut à partir de la fin du XIXe siècle. Les designers ont conçu et fabriqué une grande diversité de chaises novatrices à la fois utilitaires et artistiques ou classiques dans leurs œuvres d’art. Bien que les designers aient cherché de nouvelles formes, leurs chaises étaient encore pourvues de la forme de base (pieds, siège et dossier) donnant la fonction fondamentale : s’asseoir. Il apparaît que la forme de la chaise soit déjà définie. Par qui la forme de la chaise fut-elle définie ? Par quoi la chaise signifie-t-elle ?Socrates would say that the God created the form of the chair, that the craftsmen make other chairs according to this form, and that the artists create artistic chairs according to chairs made by the craftsmen. There is a truth in these ideas. The chair is the chair, it has its own form. It does not take the form of a piano, nor that of a bed. These ideas lead to the definition, the form, the manufacture, the use, the transformation and the significance of the chair. The human beings, from ancient Egypt, attributed two functions to the chair: one is material (sit) and the other is immaterial (symbolize). If the chair is used in a social, political or artistic activity (transformed, destroyed, rebuilt, etc.), it is symbolic (or symbolizing), this is the only condition where the chair can denote and signify. Get into contact with the chair so that it can mean! A change appeared from the end of the 19th century, designers designed and built a wide variety of innovative chairs, both utilitarian and artistic when the artists used simple and ordinary chairs or classical chairs in their art works. Although designers have sought new forms, but their chairs were still provided with the basic form (legs, seat and backrest) providing the fundamental function : sit. It appears that the form of the chair has already been defined. Who defined the form of the chair ? What does the chair mean?
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Bosch, i. Darné Roser. ""Puzzled by all dots" La presencia de los acrílicos sobre tela de los desiertos Central y Occidental australianos en el espacio museísitico europeo: 1982-2012." Doctoral thesis, Universitat Pompeu Fabra, 2016. http://hdl.handle.net/10803/378041.
Full textAbstract:
El presente estudio tiene por objetivo analizar la presencia del movimiento artístico de acrílicos sobre tela de los desiertos Central y Occidental australianos en el espacio museístico europeo. El marco temporal abarcado es de 1982-2012. En particular, se investiga dicha presencia, por un lado, a través de compilar las iniciativas de exposición temporal de dicho movimiento; y, por el otro, del análisis del proceso curatorial y de la materialización en el espacio físico del macro encargo de obras Aborígenes contemporáneas que se insertan hoy en el complejo arquitectónico del Musée du Quai Branly. El estudio pone el foco de atención en comprender la circulación de las obras en Europa (sus actores e instituciones de acogida), en subrayar la interculturalidad del fenómeno y en analizar las poéticas y políticas de construcción de la Aboriginalidad, presentes y pasadas, a través de dicho movimiento.The following dissertation analyzes the presence of the Australian Central and Western Deserts acrylic movement in European museums from 1982 till 2012. Such presence is investigated by compiling European temporary exhibitions initiatives around the acrylic movement, and by analyzing Musée du Quai Branly’s double commission of contemporary Aboriginal artworks which are integrated today in the museum architectural complex as permanent displays. The main goals of this study are: to understand how Australian acrylic paintings from the desert have been circulating in Europe (by which actors and museums), to highlight the intercultural nature of this artistic movement and its circulation, as well as, to explore past and present representations of Aboriginality through the movement.
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Costa, Roberto. "The domestication of the cross symbolism and images in Andean Peru /." Theological Research Exchange Network (TREN), 1995. http://www.tren.com.
Full text
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Finetti, Fabrizio. "La representación del cuerpo en la iconografía numismática mediterránea occidental. El caso de las monedas del reino de Italia en el siglo XX (1900-1943)." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2015. http://hdl.handle.net/10803/393953.
Full textAbstract:
El cuerpo humano es un infinito objeto de estudio: un tema complejo que el pensamiento occidental ha investigado a fondo con todas las herramientas de sus disciplinas a lo largo de la historia. Este proyecto de investigación quiere contribuir de manera original a la historia del cuerpo en la cultura mediterránea occidental, y sobre todo en Italia, entre 1900 y 1943, estudiando cómo ha sido representado en una disciplina particular: la numismática.
El trabajo se divide en cuatro partes. En la primera se define el marco teórico de la investigación, introduciendo los conceptos de cuerpo y numismática en el mundo "occidental". En la segunda sección se traza una historia de la representación del cuerpo en las monedas, a empezar de sus orígenes, mientras en la tercera se analiza la representación del cuerpo en un contexto numismático bien definido: el Reino de Italia en el siglo XX (1900-1943). A causa de las formas de gobierno que se han producido en aquella época, el estudio ha sido dividido en dos periodos. En cada uno se relaciona la situación política, económica y social del país con la idea de cuerpo contemporánea y, sobre todo, se analiza como esta idea ha sido reflejada y representada por el poder político, en las monedas. En la cuarta sección, además de elaborar un catálogo de las emisiones del reino de Italia que representan la figura humana en su iconografía, se propone un análisis comparativo entre la iconografía numismática de los países europeos mediterráneos estudiados.The human body is an infinite object of study: a complex topic that the western thought has investigated thoroughly with all the tools of his disciplines along the history. This project of research wants to contribute in an original way to the history of the body in the Mediterranean western culture, and especially in Italy, between 1900 and 1943, studying as it has been represented in a particular discipline: the numismatics. The work is divided in four parts. In the first one the theoretical frame of the research is defined, introducing the concepts of body and numismatics in the "western" world. In the second section is planned a history of the representation of the body in the coins starting from the origins, while in the third one the representation of the body is analyzed in a numismatic well definite context: the Kingdom of Italy in the 20th century (1900-1943). Because of the forms of government that have taken place in that epoch, the 3rd section has been divided in two periods. In each one there is related the political, economic and social situation of the country to the contemporary idea of body and, especially, it is analyzed as this idea has been reflected and represented by the political power, in the coins. In the fourth section, beside elaborating a catalogue of the issues of the kingdom of Italy that represent the human figure in his iconography, we proposes a comparative analysis between the numismatic iconography of the studied European Mediterranean countries.
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Cardoso, Ana Cláudia Dias. "A Jóia como complemento da moda." Master's thesis, Universidade Técnica de Lisboa. Faculdade de Arquitectura, 2010. http://hdl.handle.net/10400.5/2784.
Full textAbstract:
Tese de Mestrado em Design de ModaO trabalho de investigaçãopropostopretendeanalisar a relaçãoexis¬tente entre a joalharia e a modapartindo de um contextohistórico. Se a produção de jóiasdesde a Antiguidadeatéaosnossosdiasfoisofrendoalterações, fruto de um processocomplexoemqueosfactoresculturais, sociais, económicos e mesmopolíticosestiveramna base de toda a evo¬lução, aoanalisar o trajecto do vestuáriopoderemosafirmarqueestepassoupor um processoidêntico. A históriadaJoalhariaaolongo dos tempos e nosseusdiferentescontex¬tos, com incidênciapara as questõesrelativas à produçãodesde a tradicional à contemporânea, permitiram o desenvolvimento e a análisedaprimeira parte do trabalho agora apresentado. Neste é aindareferenciadaaimportânciadajoalhariaapós o período dos Descobrimentos, contribuindoparanovosestilos e novas técnicas. Na segunda parte é feitaumabreveanálisedahistóriadamodaaolongo dos tempos, realçandoosnovosmateriais e as suaspotencialida¬des num contextomoderno e inovador. Na terceira e última parte é feitaumaanálisesobre a forma como se complementam e enriquecemestasduasartes, servindo-se do corpopara as projectar. Pretende-se mostrarcomo se consegue a comunhão de peçastradi-cionaisou de autor com as peçasproduzidasnaalta-costura. A construçãodaunidade entre as duasexpressõesartísticas é, narealidade o objectivodestetrabalho de dissertação. Finalmente e comocomplemento do trabalho é propostopelaauto¬ra a produção de umapeça de joalhariarepresentativadessaunião.
The research world that was proposed has the goal to analyse the bond between jewellery and fashion, having as a base the historical analysis. If the production of Jewell’s since ancient times until our days, has been suffering some alteration due to a complex process which cultural factors and also social, economical and the political kind factors were in the center of all the evolution. By analysing the course of clothing we can simply deduct that it was through a similar process. The history of jewellery through the time and in it different context with an incidence for relative issues to his production since traditional to modern allowed the development and the analysis of the first part of this work. In it is only a reference about how important was jewellery before the discoveries age, which has contributed for the appearance of news styles and techniques. In the second section a brief analysis of fashion historical through times is made, where are emphasizing the new materials and poten¬tial in a modern and innovative look. In the third and last section another observation is made about the way this two arts complement and enrich their selves. How the communion between traditional pieces or made by the another with high sewing manufactured pieces taking the step of incorporate the two of them as just one pieces is truthly the own of this work. Finally and as a completion of work it is proposed by the author the elaboration of a jewellery piece representative of that union.
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Painesi, Anastasia. "Du récit à la représentation : la transposition de sujets de la littérature grecque antique dans l’art gréco-romain et la peinture occidentale (XVe-XIXe siècles). Le cas de la Punition Divine." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040150.
Full textAbstract:
La punition divine est un phénomène récurrent dans la mythologie grecque. L’hybris, commise par des individus vaniteux et orgueilleux aspirant à se comparer aux dieux ou même à se succéder à eux à la domination du Cosmos, provoque une série de châtiments atroces, imposés par les Olympiens à des hommes et à des femmes, à des humains et à des êtres mythiques, à des héros, à des rois et même à d’autres dieux sans discrimination. L’étude actuelle examine l’iconographie de divers types de châtiment divin dans l’art gréco-romain et la peinture occidentale (XVe-XIXe siècles). Elle analyse l’interaction entre les œuvres d’art et les sources littéraires antiques, médiévales et modernes, ainsi que les points communs remarqués entre les thèmes antiques du châtiment divin et certains épisodes bibliques ou chevaleresques. Elle se focalise enfin sur l’influence que l’iconographie de la punition divine antique a exercée sur la politique, la société et la religion aussi bien dans l’Antiquité qu’à l’époque moderneDivine punishment constitutes a recurrent phenomenon in Greek mythology. The hubristic behaviour of vain and selfish individuals, who aspire either to compare themselves to the gods or to succeed them to the domination of the Cosmos, provokes a series of atrocious tortures inflicted by the Olympians to men and women, to humans and mythical creatures, to heroes, kings and even to other gods equally.The present PhD study examines the iconography of a variety of types of Divine Punishment in the Greek and Roman art and the occidental painting (15th-19th centuries). It analyses the interaction between the various works of art and the ancient, mediaeval and modern literary sources. It pinpoints the resemblances between the ancient themes and certain biblical or chivalrous episodes. It focuses finally on the influence wielded by the iconography of divine punishment in politics, society and religion, both in Antiquity and in modern times
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Panier, Arthur. "Approche archéologique et architecturale des monastères de l'ordre des Célestins :L'exemple de Sainte-Croix-sous-Offémont (Oise-France)." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2021. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/322796.
Full textAbstract:
Encore relativement peu étudié, notamment du point de vue architectural, l’ordre des Célestins jouit d’un prestige important à la fin du Moyen Âge et durant la période Moderne en Europe de l’Ouest. Si la plupart de leurs monastères ont aujourd’hui disparu, un nombre restreint de sites dispose encore de vestiges. Le prieuré de Sainte-Croix-sous-Offémont, implanté en forêt de Laigue, à quelques kilomètres de Compiègne (Oise), figure parmi les mieux conservés. Fondé en 1331 par Jean de Nesle et Marguerite de Mello, le monastère conserve encore en partie son église, son cloître et ses bâtiments claustraux, dont certaines structures remarquables du XVIe siècle témoignent de l’introduction des formes italianisantes dans l’architecture en France. L’analyse minutieuse du bâti subsistant, des sources écrites et des documents graphiques, dessine l’évolution architecturale du monastère entre le XIVe et le XVIIIe siècle. Largement marqués par les racines érémitiques des premiers temps de l’ordre en Italie, les édifices des Célestins traduisent du rapprochement progressif des religieux vers les élites laïques de leur temps. À travers l’exemple de Sainte-Croix-sous-Offémont, c’est l’ensemble du patrimoine bâti des Célestins, et en particulier celui des établissements appartenant à la Province des Célestins de France, qu’il nous est donné d’explorer. Un examen particulier est, par ailleurs, donné au prieuré royal de Saint-Pierre-en-Chastres (Oise), maison mère de Sainte-Croix-sous-Offémont. Second établissement implanté en France par Philippe le Bel, son étude apporte une compréhension plus large de l’intérêt de la haute noblesse pour les Célestins, notamment à travers la présence de la chapelle fondée par Louis Ier d’Orléans à la fin du XIVe siècle. À terme, la compréhension des espaces architecturaux et des élévations des monastères de l’ordre permet d’établir de nouvelles perspectives quant aux pratiques et au mode de vie des religieux eux-mêmes. La recherche de sobriété architecturale, de même que le nombre peu élevé de religieux par monastère, se reflètent dans le décor et le plan de leurs édifices, spécifiquement dans leurs églises, souvent à vaisseau unique. Par ailleurs, la dualité de l’identité des religieux, ermites et cénobitiques, s’exprime particulièrement par la répartition du dortoir en cellules individuelles. L’architecture, la topographie, les vestiges matériels et l’histoire des Célestins révèlent l’organisation interne et externe de leurs monastères, mais aussi leur influence sur les sociétés médiévale et moderne avant leur disparition peu avant la Révolution.Doctorat en Histoire, histoire de l'art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Sanz-Ferran, Claudette, and Anne Vincenti. "L'espace pictural dans la culture occidentale et dans la culture islamique." Toulouse 2, 1991. http://www.theses.fr/1991TOU20075.
Full textAbstract:
L'analyse interculturelle de l'objet pictural montre que celui-ci n'est pas séparé des objectifs propres de la représentation ni de ce que peut en attendre un ensemble social. Foisonnant dans la culture occidentale, l'objet pictural est lie à un interdit dans la culture islamique. Or, l'interdit ne porte pas exclusivement sur la représentation qui frappe de nullité l'objet qu'elle représente. L'interdit vise aussi l'objet pictural comme élément significatif d'une manière d'être présent ou en présence de l'objet. La limitation quadrangulaire du tableau, surface à l'évidence plate où est exclue la troisième dimension, établit sa spécificité : tableau virtuel, il introduit la question des limites dans lesquelles l'espace s'offre entre réel imaginaireAnalysis of the pictorial object between different cultures shows that it is unseparable from its ownrepresentational aims and that which is to be expected within an overall social picture. Abundant in western culture, the pictorial object is attached to the forbidden in Islamic culture. However, the forbidden doesn't only concern the representation of the object which renders the object, itself, void. The forbidden also concerns the pictorial object as an important element, in as much as it is itself present, or, is in the presence of, the object. The quadrangular limitation of the tableau, the flat which excludes the third dimension, establishes its specificity: virtual picture, it introduces the question of the limits within the space between real imaginary
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Guibergia, Béatrice. "Influences plastiques des « arts premiers » de l’Afrique occidentale et centrale." Aix-Marseille 1, 2009. http://www.theses.fr/2009AIX10090.
Full textAbstract:
Les « arts premiers », depuis leur découverte par les artistes occidentaux, il y a un siècle, auraient eu une influence prépondérante sur la modernité. L’analyse des formes primitives de l’art africain, par des artistes majeurs comme Matisse, Derain, Picasso, Braque, Modigliani, Klee ou Kandinsky, aurait permis d’insuffler la vitalité nécessaire à des recherches picturales qui devaient changer le cours de l’art au vingtième siècle. Depuis les relations entre l’art contemporain occidental et les sociétés post-coloniales, avec la nécessité des échanges et des communications, auraient évolué vers un métissage esthétique, harmonisant les particularités des cultures. Dans cette dialectique enrichissante s’inscrirait une pratique personnelle, dont le primitivisme plastique et intellectuel serait évalué par une étude des processus de création.
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Zinelabidine, Mohamed. "Géopolitique et esthétique entre art et pouvoir." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010687.
Full textAbstract:
Choc ou dialogue des cultures, dépendance ou partenariat, méfiance ou défiance culturelle, la géostratégie, de tout cela, développe l'intérêt, le ressentiment, loin de la passion de la vie, des arts. Il y a peu de place au spirituel devant l'intérêt pécuniaire, haut lieu du devoir d'Etat quant à se pourvoir de richesses, quel qu'en soit le procédé. Nous pourrons puiser longtemps dans la fracture d'un Occident et d'un Islam jugés trop différents. D'emblée, celle-ci n'en est pas une. "Géopolitique et esthétique entre art, et pouvoir", essaie de situer donc, dans le cadre d'une recherche transdisciplinaire, les relations d'un certain Occident à un certain Islam. Nous avons choisi, dans cet essai, de présenter les thèses du "Choc des civilisations" de Huntington comme telles, avant de les confronter à leurs contradicteurs non pas d'un point de vue géopolitique mais dont l'apport est d'essence historique, humaniste, interculturelle et poétique. Cette idée de l'affront et de la négation mutuelle est contredite par la richesse de la passion, la revendication de l'amour de l'homme, le besoin de l'autre différent et semblable, empruntés par le cours du temps et de la vie, depuis toujours, au cœur de l'Islam-culture. La théorie spirituelle du métalangage, le rêve, la création vers l'au-delà ont souvent été ces remparts de l'Homme pour l'homme autant que ses voiles métaphoriques pour ne pas perdre espoir dans le vécu. L'histoire de la culture arabe, ses faiseurs, femmes et hommes du verbe et de l'intuition s'en réclament, naturellement.
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Pairis, Jean-Louis. "Paléogène marin et structuration des Alpes occidentales françaises domaine externe et confins sud occidentaux du Subbriançonnais /." Grenoble 2 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37617290m.
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Mollard, Ingrid. "L’homme volant : l’imaginaire aéronautique dans la culture visuelle européenne de 1903 à 1937." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040054.
Full textAbstract:
Le monde aéronautique a connu un essor significatif durant les premières décennies du XXe siècle. Propulsé par des avancées technologiques sans précédents, l’aéronautique fut rapidement omniprésente dans tous les secteurs de la vie et de la culture européennes. De la figure du pilote d’aéroplane émergea subtilement, puis avec force, l’image d’un homme robuste et valeureux qui personnifiait son pays. Trouvant un réceptacle favorable dans les héros nés de la Grande Guerre, les gouvernements totalitaires qui émergèrent façonnèrent le pilote comme l’avatar d’un homme idéal. L’imaginaire européen du premier tiers du XXe siècle vit alors naitre « l’homme volant », une facette de « l’homme nouveau », incarnant la grandeur de sa nationAeronautics underwent a significant development during the first decades of the 20th century. Helped by new technological advancements aeronautics quickly became omnipresent in all sectors of the European life and culture. From the figure of the airplane’s pilot emerged subtly, then with strength, the image of a strong and brave man personifying his country. Finding a favorable receptacle in the Great War’s heroes, the totalitarian governments shaped the pilot as the avatar of an ideal man. The European imagination of the first third of the 20th century gave birth to the "flying man", a facet of the “new man”, embodying the greatness of its nation
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Koudriavtseva-Velmans, Olessia. "Les traditions occidentales et orientales du Moyen Âge dans l’art contemporain." Paris 10, 2012. http://www.theses.fr/2012PA100078.
Full textAbstract:
Le langage commun et l’image forment l’identité de l’individu. En prenant cela comme une possibilité pour l’art plutôt qu’une donnée, nous allons vérifier si l’art plastique médiéval et si celui du contemporain visent les mêmes buts et fonctionnent de la même façon, quand ils utilisent au sein de la même œuvre le texte et l’image considérés comme les moyens majeurs d’expression. L’idée d’étudier « la rigidité des traditions indiscutables » dans l’art visuel de l’Orient à l’Occident ne se voit pas dans un contexte de limites géographiques, l’Orient et l’Occident sont vus plutôt comme un concept symbolique élargi jusqu’au contexte universel. L’art contemporain aperçu en tant qu’institution du pouvoir élabore ses propres doctrines nouvelles ou bien des doctrines recyclées, avec l’ambition de construire à l’échelle mondiale un New Age de l’expression artistique exclusivement actuelle. Mais ne risque-t-il pas à rentrer plutôt dans une sorte de Dark Age sombre et morbide? L’Est et l’Ouest, le médiéval et le contemporain sont vus comme des pôles esthétiques, comme des extrémités de l’Univers et la question se pose : sont-ils analogiques ou antinomiques ? L’Iconostase en Orient et le retable en Occident apparus au Moyen Age sont des créations plastiques d’une importance suprême par leur haute concentration en énergie spirituelle et surtout par leur concentration informative très forte, probablement équivalente à celle des multimédias contemporains. Cette polyfocalité des œuvres médiévales attire des artistes actuels qui cherchent leurs racines dans l’art de l’icône, ceux qui se laissent porter par les icônes médiatiques contemporaines et ceux qui créent des œuvres concentrant des énergies spirituelles dans le but de réunir l’Est et l’OuestCommon language and image form the identity of the individual. Considering this as a possibility for art rather than data, we shall verify if medieval and contemporary art aim for the same goals and, function the same way when they use within the same works text and image considered as the major means of expression. The idea of studying rigidity of unquestionable traditions from East to West is not seen in a context of geographic limits, instead East and West are seen as a symbolic concept extended to a universal context. Contemporary art perceived as an institution of power elaborates its own new doctrines or recycled doctrines with the ambition to build at a world scale a New Age of artistic expression exclusively current. But won’t they rather risk entering a sort of morbid Dark Age? East and West, medieval and contemporary, are seen as aesthetic poles, like extremes of the Universe and raise the question: are they analogue or contradictory? The iconostasis in the East and the alterpiece in the West that appeared in the Middle Ages are paramount art creations for their high spiritual energy concentration and above all for their very strong informative concentration, probably equivalent to that of modern day multimedia. This polyfocality of medieval works attracts today’s artists that search for their aesthetic roots in the art of icon, that are driven by modern day media icon and that create works concentrating spiritual energies so as to reunite East and West
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Kherrati, Lekbir. "Le Problème du Sahara occidental dans les relations intermaghrébines et interafricaines." Lille 3 : ANRT, 1985. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37594264t.
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Vaquer, Jean. "Le Néolithique en Languedoc occidental /." Paris : Ed. du CNRS, 1990. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb36642353z.
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Fromonteil, Alice. "L'art de raconter à Uvea (Wallis, Polynésie occidentale) : une topologie narrative." Thesis, Aix-Marseille, 2019. http://www.theses.fr/2019AIXM0249.
Full textAbstract:
Fondée sur une enquête ethnographique à 'Uvea (Wallis, Polynésie occidentale), cette thèse porte sur l’« art de raconter » (fakamatala) pour explorer la manière dont cette activité inscrit le narrateur et les énonciataires dans un cadre spatio-temporel façonné, expérimenté et vécu. Il s’agit d’interroger les conditions, les modalités et les effets des pratiques narratives, à l’heure où une série de mutations renouvellent profondément la société locale, notamment le statut de la parole et l’organisation foncière qui, en l’absence de cadastre, repose sur l’oralité. Présenté dans un second volume, un corpus bilingue regroupant cent récits oraux enregistrés et transcrits puis traduits avec des Wallisiens a été élaboré. Dans le sillage de l’anthropologie linguistique, la thèse envisage les arts de la parole comme des performances sociales, en suivant comme fil conducteur les formes d’expression déployées par les narrateurs pour articuler mise en récit et mise en espace. L’approche topologique développée permet d’englober les différentes échelles d’analyse pour examiner le sens des expériences, et constitue l’outil théorique avec lequel les interactions observées et les procédés narratifs identifiés sont considérés. C’est en tant que tel que cet objet d’étude sera envisagé, à partir du cas des orateurs wallisiens qui font de l’art verbal un puissant vecteur rhétorique et émotionnel pour s’approprier leur langue, leur terre et leur histoire, rappelant la nécessité de considérer que raconter, c’est faireBased on ethnographic fieldwork on 'Uvea (Wallis, Western Polynesia), this thesis concerns the “art of storytelling” (fakamatala) in order to explore the way in which this activity inscribes the narrator and the enunciators in a shaped, experienced and lived spatio-temporal framework. It examines the conditions, modalities and effects of narrative practices, at a time when a series of transformations is profoundly changing local society, particularly the status of speech and the organization of land tenure which, with no land registry, relies on orality. A bilingual corpus containing a hundred oral accounts recorded, transcribed and then translated with Wallisians is presented in a second volume. In the wake of linguistic anthropology, this thesis regards the spoken arts as social performances, taking as its main theme the forms of expression used by narrators to link storytelling and staging. The topological approach developed makes it possible to encompass the different scales of analysis in order to consider the meaning of experiences and constitutes the theoretical tool used to examine the interactions observed and the narrative processes identified. This is how the subject studied will be seen, based on the case of Wallisian orators who make verbal art a powerful rhetorical and emotional vector in order to appropriate their language, land, and history, recalling the necessity of considering that storytelling is acting
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Vial, Kayser Christine. "Le spirituel dans l’art d’Anish Kapoor et sa réception en Occident." Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040112.
Full textAbstract:
Anish Kapoor affirme le caractère spirituel de ses œuvres, un terme qu’il distingue du religieux et du sacré. Quelle est la nature de cette spiritualité ? Il s’agit de retrouver l’union avec « la Totalité », union proto-culturelle qui serait perdue par l’emprise du matériel. S’agit-il d’un retour au « primitivisme dans l’art » à la manière de Paul Gauguin et Barnett Newman ? Cette démarche est-elle influencée par l’héritage hindouiste de Kapoor, ou bien tient-elle, comme il l’affirme, à la fonction hypostatique universelle de la couleur qu’il désigne comme « alchimique »? Comment ce caractère spirituel est-il perçu par le spectateur occidental ignorant des diverses influences culturelles qui traversent l’œuvre ? L’œuvre porte-elle les marqueurs du spirituel par ses formes et ses couleurs ? Ce mémoire étudie d’abord les diverses influences qui nourrissent et permettent de comprendre l’expérience des œuvres de Kapoor. Il s’attache ensuite à décrypter les mécanismes phénoménologiques, neurologiques et psychologiques qui permettent à ces marqueurs de fonctionner dans le contexte du musée ou de la galerie d’art moderneAnish Kapoor asserts the spiritual quality of his work. By spiritual he means not the religious or the sacred but the possibility to be reunited with a « Totality », in a « proto-cultural » manner, by eschewing the material. Is this project a return to “primitivism in art” in line with Paul Gauguin and Barnett Newman? Is it influenced by the Indian heritage of Kapoor or is it based, as he claims, on the hypostatic function of colour, which gives way to a quasi alchemical experience? How is this spiritual potentiality of the work perceived by a Western audience, ignorant of Kapoor’s various spiritual endeavours? Does the work convey through its shape and colour the markers of the spiritual? This dissertation analyses the various influences that nourish Kapoor and inform his works. It then attempts to decipher the mechanisms through which those makers are efficient in conveying a sense of “spirituality” to the works within the settings of the White cube Gallery or the museum of modern art. They appear to be phenomenological, neurological and psychological
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Burlakova, Maria McConaghy. "Art et commerce : développements, collaborations et conséquences de la révolution industrielle à nos jours." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010564.
Full textAbstract:
Cette thèse encadre des relations complexes entre le monde de l'art et le monde du commerce en Occident, depuis la révolution industrielle à travers les interactions de quatre entités : musées et galeries, boutiques et grands magasins. Des exemples dans l'architecture, dans la mode, le luxe, le design, l'aménagement de l'espace d'exposition, les oeuvres d'art des artistes contemporains et les aspects de la vie quotidienne démontreront qu'aujourd'hui, nous témoignons la convergence de ces deux mondes à cause d'une nécessité commerciale, où chaque marchandise veut être dessinée par un artiste ou un designer dans le but d'augmenter sa valeur économique alors même que sa valeur de production baisse chaque année. Simultanément, l'art contemporain s'éloigne de la matérialité et prône l'éphémère. Ce travail propose une vision optimiste sur le sort de l'art dans notre société d'hyperconsommation où il s' agit de la démocratisation de l' art et de 1'« artialisation » de la vie.
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Lee, Song-Tay. "Les premiers peintres occidentaux taiwanais : la tendance fauve." Université de Franche-Comté, 1991. http://www.theses.fr/1991BESA1013.
Full textAbstract:
Avec la revendication de l'individualisme, le fauvisme connut un vif essor, durant les années 20 et 30, au Japon et à Taiwan, et dominant aussi la plupart des groupes artistiques et expositions officielles et privees. Colonie japonaise depuis 1895, Taiwan allait connaitre l'art occidental dans une situation très particulière dans le mesure où la première génération des peintres taiwanais recevait au japon un enseignement qui mélangeait les idées de l'école académique, de l'impressionnisme et du fauvisme, alors que leur vision restait encore naturalisteDuring the 20's and 30's, the fauve movement expanded in japan and taiwan, with the claim of individualism. It also dominanted most art groups and exhibitions ( offcial and private ) in that period. Since taiwan had become one of japan's colonies, she had come into contact for the first time with western art. The first generation of taiwaneses painters got an education in an art which combined the concepts of the academic school, impressionnism and the fauve, but their vision was still naturalistic
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Tevesz, Maria. "L'arc dans les constructions haut-médiévales des régions nord occidentales du pourtour méditerranéen : étude d'historiographie et d'histoire de l'architecture." Thesis, Bordeaux 3, 2018. http://www.theses.fr/2018BOR30062/document.
Full textAbstract:
L’étude présentée ici a pour but d’analyser la manière d’utiliser l’arc outrepassé, en plan et en élévation, et l’arc en retrait sur ses piliers, dans une région et dans un temps pragmatiquement défini du monde méditerranéen particulièrement riche en éléments architecturaux de ce type. L’arc en retrait n’est pas inconnu dans la recherche mais, faute d’identification précise et donc de terminologie adaptée, il a été confondu avec l’arc outrepassé sous des dénominations différentes. Faisant l’objet de diverses théories dans l’historiographie, ces deux types d’arcs ont été utilisés comme arguments majeurs dans la datation et dans la filiation stylistique des édifices dans lesquels ils se trouvent. L’objectif de cette approche consiste à confronter ces courants historiographiques, inscrivant un monument donné comme relevant du monde wisigothique, mozarabe ou carolingienne, à l’analyse des monuments in situ dans les régions catalano-roussillonnaises et languedociennes où ces formes présentent une concentration considérable. Dans ces théories tenaces, souvent assimilables à des idées reçues sans discernement, l’abbaye de Saint-Michel de Cuxa a occupé une place particulière de sorte que son attribution s’est répercutée sur de nombreux édifices, surtout des chapelles rurales, gravitant dans son orbite. Les monuments situés sur les deux versants des Pyrénées possédant ces formes en élévation ou dans la planimétrie constituent un corpus de 98 édifices. Ils ne révèlent pas seulement une certaine uniformité pour l’ensemble du territoire mais, au-delà, permettent également de définir des microrégions homogènes. L’étude de ce territoire est intégrée dans une analyse historiographique plus vaste de ces deux types d’arcs qui cherche la réponse à leur origine, à leur propagation géographique au fil de temps et présente les différentes réflexions sur la raison d’être de leur emploi. A côté des théories pragmatiques qui considèrent ces formes comme des procédés techniques offrant des avantages constructifs et des mesures techniques qui cherchent à établir une typologie séparant les arcs de différentes époques et de différentes aires géographiques, une attention particulière est apportée aux dimensions idéologiques, liturgiques et symboliques liées à ces tracésThis study focusses, in façade and in plan, on the horseshoe arch, the hallmark of architecture in the first flowering of the Middle Ages, and on the recessed arch on piers, its more or less unrecognised contemporary. The geographical extent of the occurrence of these two types of arch has been defined by the periodic enlargement of the area where they are really concentrated: Spanish Catalonia and French Languedoc-Roussillon. Applied often to dating a building, and becoming involved as a result in a stylistic epistemology, as well as being the targets of the entrenched dogmas of a vast historiography, these pieces of evidence are here studied on the ground in their architectural context so as to juxtapose fieldwork with the theories on their deployment developed a century ago. Given the spread of developed mediaeval arches, this work endeavours to place their corpus in a wider general study which clearly cannot depend on an exhaustive survey, but which is able to suggest, nevertheless, that the realm of the Moorish arch transcends the territorial and chronological limits of Visigothic, Mozarabic, Carolingian or Islamic culture. The origin of the recessed arch on its piers, for which we propose the term «mushroom shape» displays an undeniable origin in antiquity. Its diffusion in time and space coincides with the horse-shoe throughout the vast Mediterranean ambit. The corpus of the area studied brings together 98 buildings which preserve in their structure the Moorish arch and/or the recessed arch on piers. An analysis of arch assembly, incorporated in the overall study of a building’s construction, confirms that the Moorish design or that of the recessed arch on piers concerned not only arches but was inherent in a general building process observable in the raising of the vault, or of any transverse arches or in openings, doorways or windows. The endurance of these same building procedures for centuries, for minor works such as small country chapels, as for the great abbey church of Saint- Michel de Cuxa, testifies to a conservative art associated with basic techniques
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Guillerm, Alain. "Fortifications et marine en Occident : la pierre et le vent /." Paris : l'Harmattan, 1994. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb36679495g.
Full textAbstract:
Texte remanié de: Th. État--Sociol.--Paris 8, 1981. Titre de soutenance : L'État et l'espace de la guerre : fortification et marine.Précédemment paru sous le titre : "La pierre et le vent : fortifications et marine en Occident" Bibliogr., 5 p.
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Neyrat, Yvonne. "Le miroir dans la peinture occidentale : une approche diagonale du social." Besançon, 1997. http://www.theses.fr/1997BESA1014.
Full textAbstract:
Dans ce travail, notre démarche se situe au cœur de la création de valeur, artistique, culturelle. Nous avons pour cela repris le chemin de l'image en occident. La théologie de l'incarnation a fait le pari du visible, et a ainsi déterminé l'épistème et la culture occidentale. Nous faisons l'hypothèse que le contexte actuel de l'image n'est pas indépendant de cette conception de l'image. L'art contemporain est une remise en question de la problématique du visible et tend à retrouver à partir de la métaphore une valeur symbolique pour les images, valeur que les images technologiques ou l'image-idole, qui ne représente qu'elle-même, n'ont plus aujourd'hui. Tout au long de ce parcours qui prend en compte le miroir dans la peinture, nous avons retrouvé les questions essentiellement anthropologiques qui mettent en scène soi et l'autre de soi, soi et le rapport au monde, à l'objet, au visible. Notre démarche sociologique puise dans d'autres sciences humaines, telles que la psychanalyse, l'épistémologie, l'histoire, établissant des rapports permettant d'élaborer des modèles qui servent une connaissance du social et des culturesA diagonal approach to the social sphere. This research is situated at the heart of cultural and artistic creations of value. To do this we have traced the history of the image in the western world and have seen how the theology of the incarnation of christ was spread visually. Thus was determined western epistemology and culture. Our hypothesis proposes that the image in a modem context is not independent from this conception of the image. Contemporary art re-examines the problems of visual representation and through this metaphor we can find a symbolic value for images; a value which today's technical or idol-images no longer have. Throughout our work we take into account the mirror in painting and face the essential anthropological questions of the self, the selfs other, and the self in relation to the outside world, the visual world and the object. This is a sociological undertaking hence it draws from the social sciences; psychoanalysis, epistemology, and history have allowed us to build models which advance our understanding of the social sphere and of cultures
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Giraudet, Marie-Jo. "L'hospitalité d'Abraham : exégèse et iconographie, des débuts du christianisme au XIVe siècle en occident." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1997PA040085.
Full textAbstract:
L'iconographie de l'hospitalité d’Abraham (gen. 18) est intimement liée à l'exégèse. Dès l'aube du christianisme cet épisode, comme toute la Bible, est commenté. Tout y est figuré de la vie du Christ. Cette démarche allégorique est, en partie, liée à la culture hellénistique des pères; elle sera suivie par le moyen âge, respect des anciens plus qu'incapacité d'une réflexion personnelle. Le XIIIe siècle se libèrera de l'héritage patristique tout en reconnaissant ce qu'il lui doit ; à la fin du XIIe siècle une nouvelle lecture s'impose, littérale. Le symbolisme trinitaire de gen. 18 est retenu par les pères mais la vraie vision de la trinité est perçue par Ambroise. Allégorie, symbole sont des termes confondus au moyen âge. En dehors de toute connotation trinitaire il y est ressenti une figure de l'annonciation, de l'incarnation, de l'eucharistie, de la résurrection. Les valeurs morales d’Abraham sont aussi magnifiées : accueil, foi - il ne doute pas qu'un fils lui sera donné - confiance en Dieu qui le fait intercéder pour Sodome. L'iconographie s'empare de toutes ces significations et de l'historicité du thème ; des bibles, livres liturgiques, la psychomachie de prudence, la cité de Dieu de saint Augustin sont un reflet du récit, de son symbolisme, des vertus d’Abraham dont la vie s'inscrit dans l'histoire du salut aux murs d'églises paléochrétiennes et romanes. La fidélité au texte est étudiée à travers les envoyés - semblables ou non - la présence de Sara, son attitude, la tente d’Abraham évoquée souvent par une architectureIconography of Abraham’s hospitality (gen. 18) is deeply connected to exegesis. As early as the beginning of Christianity, this episode, as all the bible, is annotated everything is about Christ’s life. This allegorical way of thinking is, in part, connected to the fathers' Hellenistic culture. It has been identical during the middle age, by respect of the traditions more than by impossibility of personal reflexion. XIIIth century will free him of this fathers' heritage but in recognizing what he owned to him. At the end of XIIth century, a new literal reading seems indispensable. The Trinitarian symbolism of gen. 18 , is kept by father, but the real vision of trinity is dicemed by Ambroise. Allegory and symbolism are confounded words during middle ages. Beside all Trinitarian connotations, we can feel a figure of annunciation, of incarnation, of the Eucharist, of the resurrection. Abraham's moral values are also glorified: hospitality, faith - he never doubts that he will have a son - trust in god who aiks into interfere for Sodom. Iconography takes possession of all these significations and of the historical part of the subject : bible, liturgical books, the psychomachie de prudence, the city of God from saint Augustin are reflects of the story, of his symbolism, of Abraham’s valor’s whose life is in engrave in the story of the salvation in the walls of paleo Christian and roman's churches. Fidelity to the text is learnt thought the messengers - alike or not - Sara’s presence, her attitude, Abraham’s tent very often evoqued by an architecture
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Sellab, Abdelhak. "La matiere et le materiau a travers le collage, l'assemblage et l'accumulation comme reflets du xxe siecle en occident." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 1997. http://www.theses.fr/1997STR20014.
Full textAbstract:
Avec les nouveautes plastiques dans la peinture occidentale du xxe siecle, le tableau est devenu entierement peint avec des elements etrangers a la peinture a l'huile. La nouvelle matiere collee et assemblee a pris enormement d'importance pour devenir un instrument de travail pour la plupart des artistes. Ces decouvertes et changements n'ont pas laisse le choix aux artistes qui, en integrant d'autres materiaux, ont cree un nouveaux langage. Ce qui leur a permis de manipuler et de varier les materiaux traditionnels a l'aide d'une multitude de jeux de texture et de formes. Ainsi, l'artiste va modifier la lecture des tableaux avec les techniques et combinaisons de materiaux. Il va donc creer des types d'assemblage surprenants. Pour cela, nous avons pris en consideration la matiere en etablissant une vue d'ensemble des tableaux qui refletent la domination et la diversite de la matiere qui designe un certain type de peinture. Ces nouveautes materiologiques et techniques utilisees depuis le debut du siecle s'appuient sur des oeuvres cles, telles que : braque et picasso, schwitters et le merzbleau ou par l'objet, telles que : marcel duchamp, the ready made et combine painting de rauschenberg. En premier lieu, nous avons fais un reperage terminologique et historique de l'assemblage, du collage et de la matiere. Nous avons developpe la conception de la matiere, ensuite nous avons defini et analyse le materiau et ses procedes de fabrication. Nous avons egalement montre comment se manifeste la matiere dans la peinture et explique le developpement de la theorie de la matiere et sa normalisation dans la peinture. Le sujet est traite en deux parties : une partie consacree a l'analyse du texte, des figures ainsi qu'a l'etude d'artistes choisis selon leur importance tant sur le plan theorique que technique. La seconde partie est composee de productions d'artistes cites dans notre analyse et de quelques travaux personnels.
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Ning, Zhuo tao. "Chine-Occident : les transferts culturels entre idéologie et tradition." Thesis, Strasbourg, 2016. http://www.theses.fr/2016STRAG032.
Full textAbstract:
Faire une recherche sur l'histoire de l'art contemporain chinois implique la formation de deux questionnements essentiels. Tout d'abord, il est possible d'émettre un doute quant à la pertinence de l'emploi du terme contemporain. L'interminable débat sur la notion de contemporanéité a laissé place au second questionnement, d'ordre géographique. Existe t-il un art contemporain chinois ? De Ma Yuan à Dong Qichang, la première grande partie de cette recherche s'est employée à brosser le portrait de l'inclinaison prise par l'art chinois. Il sera intéressant d'observer comment les artistes actuels se sont emparés de la culture antique chinoise et l'ont ressuscitée à travers le prisme de leur réalité contemporaine. Il convient d'opérer une scission dans le schéma chronologique, matérialisée par l'avènement de la République Populaire de Chine. L'aversion pour l'art du Parti Communiste associée à la volonté d'asservir la production artistique de manière utilitariste fut la source d'une esthétique et de codes formels inédits, directement empruntés au réalisme socialiste russe et à la propagande naziThe research on the history of the Chinese contemporary art implies two essential questions. First of all, we may question the use of the word "contemporary". The never-ending debate concerning contemporaneity has lead to the second question which concentrates on a more geographical point. Does a contemporary Chinese art really exist? From Ma Yuan to Dong Qichang, the first part of this research aims at tracing the evolution of Chinese art. It will be interesting to see how current artists seized the traditional Chinese culture and resurrected this art through the prism of their contemporary reality. It is necessary to link this ascension to the rising of the Popular Republic of China. The hatred of the Communist Party for art, associated to the will of producing a new utilitarian art, were the source of innovative aesthetics and formal codes directly influenced by the Russian socialist realism and the Nazi propaganda
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Guermoune, Mohammed. "L'Unité du Maghreb jusqu'à l'affaire du Sahara occidental." Lille 3 : ANRT, 1989. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37614070q.
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Kravari, Vassiliki. "Villes et villages de Macédoine occidentale /." Paris : P. Lethielleux, 1989. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35053098c.
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Rouillon, Vincent. "Le partage esthétique en occident : essai de généalogie de la conscience esthétique contemporaine." Paris, EHESS, 2004. http://www.theses.fr/2004EHES0116.
Full textAbstract:
L'art tel que nous le vivons actuellement dans nos sociétés occidentales -activité sociale séparée, représentée par des productions d'objets "inutiles" mais nécessaires marqués par leur autonomie formelle, relayée par leurs réception selon les cadres d'une autonomie sociale (selles de concert, théâtres. . . )- fait partie, et au même titre, des conduites esthétiques en général. Mais si l'art se veut une modalité éminente des conduites artistiques. C'est là une croyance plus qu'une donnée. L'exploration de cette illusion socialement partagée est l'objet de ce travail. La fonction des conduites esthétiques en général est de contribuer à la stratégie d'institution de l'Occident en tant que ses valeurs seraient universelles. Par l'art, la conscience esthétique occidentale instaure le monde comme son monde, et son monde comme le mondeThe way we live art in our actual western society -as a separated social activity organised around "useless" productions which, therefore, carry their justification by formal autonomy and by their reception threw the frame of social autonomy (concert hall, theatres. . . )- belongs at the same range, to the ordinary ways of aesthetic behaviours. But, if art shares the same social meaning than all other aesthetic modality, it is considered as a outstanding aesthetic activity. This is more a belief than a fact. The exploration of such a shared illusion about autonomy of art is the purpose of this research. The social function of any aesthetic modality is to contribute to strategy of institution of unllike worlds. The one of artistic modality is to contribute to the strategy of institution of the western civilisation as if its values were worldwide values. Threw art, the western aesthetic consciousness sets up the World itself as if it was it's own, and it's own as if it was the World itself
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Tamari, Tal. "Les Castes au Soudan occidental étude anthropologique et historique /." Lille 3 : ANRT, 1989. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37618769d.
Full text
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Robrini, Maâmar El. "Evolution morphostructurale de la marge algérienne occidentale (Méditerranée occidentale) influence de la néotectonique et de la sédimentation /." Lille 3 : ANRT, 1987. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37600789w.
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