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Dissertations / Theses on the topic 'Art Socialisme et art Art'
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Qëndro, Gëzim. "Le surréalisme socialiste." Paris 8, 2009. http://www.theses.fr/2009PA083596.
Full textAbstract:
La construction de notre problématique s’est appuyée sur l’utilisation de la parabole du rêve de Descartes, plus précisément, les deux moments qui nous semblent paradigmatiques pour comprendre le mécanisme de la légitimation d’un pouvoir totalitaire : le père du rationalisme trouvant l’inspiration dans une vision et un rêve fortement irrationnel et l’ombre de ce père projetée contre le mur d’une chapelle chrétienne. Avec sa prétention de contenu rationaliste et scientifique, le marxisme, adversaire de toute forme de savoir narratif, ne manque pas de projeter son ombre sur la construction millénaire d’un mythe asiatico-méditerranéen, celui du Paradis. L’objectif de notre travail est de développer un discours commun qui permettrait de traiter les œuvres du réalisme socialiste en les confrontant à l’art religieux. À partir d’exemples choisis dans les domaines de la peinture, de la sculpture et de l’architecture, notre intention est de montrer la ressemblance frappante entre l’art du réalisme socialiste et l’art religieux. Un système idéologique totalitaire comme le marxisme-léninisme paraît relever de la contingence totale, puisqu'il ne se préoccupe pas de la symétrie entre ce qu'il dit et ce qu’il représente vraiment. Ce délire idéologique se découvre facilement dans l’art officiel du réalisme socialiste, où la dimension utopique est assurée par une politique fondée sur la volonté de puissance du groupe social au pouvoir et le contrôle étroit de la production artistique. Le Réalisme Socialiste nourrit l'ambition de rendre réellement intelligible le moteur le plus puissant de l'Histoire : le rêve messianique. Il n’est pas difficile de découvrir, derrière la surface épaisse du « réalisme » de l’art officiel, le noyau irréel de l’eschatologie du communisme<br>We tried to build our analysis by using as a parabola the dream of Descartes; more precisely, the two moments which seem to us paradigmatic for the mechanism of the legitimacy of a totalitarian state: the father of rationalism which finds inspiration in a vision and in an extremely irrational dream; the shadow of the father of rationalism projected against the wall of a Christian church. The Marxism, with its claim of rationalist and scientific contents, adversary to each form of narrative knowledge, does not fail to project its shade on the thousands-year-old construction of the Asiatic-Mediterranean myth, that of the paradise. The objective is to develop a common speech which would make it possible to treat works together, to develop reflections on the analogies of the art of Socialist Realism and the Christian art. Our intention is, through the examples suggested of the works of art (painting and sculpture), to show the striking resemblance of the art of socialist realism with the religious art. A totalitarian ideological system as the Marxism-Leninism appears to create a total contingency, since it is not disturbed by the absence of the symmetry between what it says and, what it really represents. This discrepancy is discovered easily in the official art of Socialist Realism, where the utopian dimension is ensured by the ideological orientation, the will for power of a privileged social group and its capacity to control the artistic production. Socialist Realism nourishes the ambition to make really understandable the most powerful engine of the History: the Messianic dream. It is not difficult to discover behind the thick surface of the realism of the official art, the unreal core of the eschatology of Communism
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Lindner, Bernd. "Verstellter, offener Blick : eine Rezeptionsgeschichte bildender Kunst im Osten Deutschlands 1945-1995 /." Köln ; Weimar ; Wien : Böhlau, 1998. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb371006396.
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3
Prölss-Kammerer, Anja. "DieTapisserie im Nationalsozialismus : Propaganda, Repräsentation und Produktion, Facetten eines Kunsthandwerks im "Dritten Reich /." Hildesheim : G. Olms, 2000. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb38966187w.
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4
Heinzelmann, Markus. "Die Landschaftsmalerei der Neuen Sachlichkeit und ihre Rezeption zur Zeit des Nationalsozialismus /." Frankfurt am Main : P. Lang, 1998. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39164580v.
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Baudin, Antoine Heller Leonid. "Les arts plastiques et leurs institutions : étude descriptive /." Bern ; New York ; Paris : P. Lang, 1997. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb375423141.
Full textAbstract:
Th.--Lettres--Lausanne--Université de Lausanne, 1995.<br>S'inscrit dans l'enquête pluridisciplinaire financée par le Fonds national suisse de la recherche scientifique : "Le réalisme socialiste de la période jdavonienne : usages à l'intérieur, image à exporter", menée sous la dir. de Leonid Heller à partir de 1987, et comptant trois volumes. Bibliogr. p. 349-370. Index.
6
Greani, Nora. "Art sous influences : une approche anthropologique de la créativité contemporaine au Congo-Brazzaville." Paris, EHESS, 2013. http://www.theses.fr/2013EHES0543.
Full textAbstract:
L’art contemporain du Congo-Brazzaville n’est jamais parvenu à s’imposer dans la dynamique de la scène artistique mondiale, alors même que le pays est unanimement célébré pour son patrimoine littéraire et que les exemples de légitimation artistique ne manquent pas sur la rive gauche du fleuve Congo. En partant de cet état de fait paradoxal, cette thèse analyse les conditions de production et de réception de l’art congolais à l’échelle nationale et internationale, depuis les années quarante jusqu’à nos jours. L’enjeu est de mettre en évidence les principales contraintes (politiques, historiques, sociales ou culturelles) qui se sont exercées sur la créativité congolaise. Avec l’appui d’enquêtes ethnographiques menées entre 2009 et 2013, l’étude explore trois grandes thématiques. La première partie examine la marche vers l’indépendance, l’ère du socialisme et le projet politique d’une biennale bantoue en tant que pistes contextuelles ayant inspiré la créativité congolaise. La seconde partie étudie les stratégies de diffusion et de promotion artistiques les plus récentes. La troisième partie interroge l’impact de la guerre civile sur l’art et ses incidences sur la réorganisation urbaine au travers de l’exemple des « Monuments du septennat » et du Mausolée Savorgnan de Brazza. Les « représentations » élaborées au fil des ans par les artistes congolais à l’aide de pinceaux ou de burins sont envisagées dans ce travail comme une voie d’accès, parmi tant d’autres, aux « représentations » de la société congolaise.
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Michaud, Eric. "Une construction de l'éternité : l'image et le temps du national-socialisme." Paris 1, 1995. http://www.theses.fr/1995PA010757.
Full textAbstract:
Le national-socialisme, defini par hitler comme "la dictature du genie", fondait son autorite sur le prestige de l'art d'une part, sur la structure de l'incarnation chretienne de l'autre. Dans chacun de ces deux modeles, le regime visait le processus capable de mener de l'"idee" a la "forme" (gestalt), de donner corps et realite au volksgeist, a l'esprit, au dieu ou au genie du peuple allemand la communaute du peuple devait trouver son identite et son salut par son "travail createur", dont le nazisme attendait les meilleures "performances" (leistungen) : un travail assimile a l'activite artistique, sous la direction d'un fuhrer qui se presentait a la fois comme le christ allemand et comme l'artiste de l'allemagne. Dirige par un artiste, ce travail etait anime par le concept classique de l'art : l'idee devait se realiser dans la forme et l'intentioin etre conservee dans toute sa purete jusqu'a sa realisation finale. Dirige par le christ allemand a la tere de la communaute mystique d'un peuple au travail, la realisation de l'idee dans la forme etait le processus par lequel l'esprit du peuple devait se former son corps et s'y incarner dans toute sa purete. Le nazisme fusionnait ces deux modeles de l'art et du christianisme pour leur performativite exemplaire. Ce fut donc le "travail createur" et ses leistungen, ses performances et realisations, qui donnerent consistance au mythe d'une race "aryenne" naturellement superieure, dessinant ses contours, la detachant de son fond parasite pour qu'elle apparut enfin sans melange. Mais la foi en la puissance du mythe s'etayait sur une double operation sur le temps historique : la rememoration des succes passes et l'anticipation des succes a venir. Rassembler les trois dimensions du temps dans une region du succes et de la performance "aryenne" : tel fut l'enjeu de cette construction de l'eternite<br>National socialism, defined by hitler as "the dictatorship of genius", based ist authority on the prestige of art on the one hand, on the structure of the christian incarnation on the other. In each of these two patterns, the regime aimed at the process able to lead from the "idea" to the "from" (gestalt), to give substance and reality to the volksgeist, the soul, the god or the genius of the german people. The community of the people had to find its identity and its salvation by its "creative work", from which nazism expected the best "achievements" (leistungen) : a work classed as an artistic activity, under the direction of a fuhrer who presented himself both as the german christ and the artist of germany. Directed by an artist, this work was sustained by the classical conception of art : the idea had to materialize into the form and the intention had to be kept in its very purity until its final materialization. Directed by the german christ at the head of the mystic community of a people at work, the materialization of the idea into form was the process through which the soul of the people had to shape and embodied itself in its very purity. Nazism merged these two patterns of art and christianity for their exemplary performative nature. Thus the "creative work" and its leistungen, is achievements ane embodiments gave substance to the myth of a naturally superior "aryan" race while delimiting its outline and detaching it from its parasite background in order to make it finally appear, unalloyed. But the faith in the power of the myth was supported by a double action operated on historical time : the recollection of past successes and the anticipation of future successes. What was at stazke in this construction of eternity was the merging of the three dimensions of times in the religion of success and "aryan" achievement
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Ketter, Helena. "Zum Bild der Frau in der Malerei des Nationalsozialismus : Eine Analyse von Kunstzeitschriften aus der Zeit des Nationalsozialismus /." Münster : Lit, 2002. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb389555479.
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Meckel, Anne. "Animation-Agitation : Frauendarstellungen auf der "Grossen deutschen Kunstausstellung" in München 1937-1944 /." Weinheim : Deutscher Studien Verl, 1993. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37509644n.
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10
Kaffanke, Eva-Maria. "Der deutsche Heiland : Christusdarstellungen um 1900 im Kontext der völkischen Bewegung." Frankfurt am Main : P. Lang, 2001. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb390196506.
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11
Peignon, Sylvie. "Le Réalisme socialiste en France (1945-1953) : sa peinture." Paris 1, 1986. http://www.theses.fr/1986PA010539.
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Foster, Emmanuelle. "Les artistes peintres et graveurs allemands en exil à Paris : 1933-1939." Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010527.
Full textAbstract:
Cette recherche porte sur l'exil à Paris des plasticiens allemands qui quittèrent l’Allemagne hitlérienne entre 1933 et 1939. Kandinsky, Otto Freundlich, Max Ernst, Anton Raderscheidt, Hans Bellmer, Heinz Lohmar, Gert Wollheim etc. . . Ces artistes sont, pour la plupart, les représentants des grands courants esthétiques qui avaient consacré le renom international de l'art allemand sous la république de Weimar. L'exil représente un tournant dans leur biographie, parfois, une rupture dans leurs carrières. Leur rapport au monde s'en trouve modifie. Certains artistes développent pendant ces années un art à contenu politique, expression d'une résistance au fascisme, empruntant souvent une forme réaliste (Heinz Kiwitz, Heinz Lohmar). Les peintres de l'abstraction, eux, s'engagent autrement, en continuant précisément de peindre dans la direction qui leur a valu d'être pourchassés par le nazisme. L'art allemand en exil devient alors lieu de résistance. Telles sont les œuvres à contenu militant, mais aussi les œuvres non politiques, portraits, paysages urbains, qui opposent une vision humaniste à l'esthétique nazie du "sang et sol" ; cet art figuratif est le fruit d'une résistance ; mais l'art abstrait, banni d’Allemagne, par son exigence absolue de liberté n'est-il pas également expression d'une résistance ? En quoi s'impose-t-il encore comme élément subversif dans les années 30 ? Telles sont les interrogations auxquelles cette thèse tente de répondre<br>The subject of this thesis is the parisian exile of german artists who fled nazi Germany between 1933 and 1939. Kandinsky, Otto Freundlich, Max Ernst, Anton Raderscheidt, Hans Bellmer, Heinz Lohmar, Gert Wollheim etc. . . In the vast majority, these were artists representative of the esthetic movements that had been responsable for the international renown of german art during the weimar republic. This exile meant a major change in the life of these artists and sometimes a complete rupture in their career. Their "weltanschauung" was radically altered. During this period, some artists developed an art with consciously political overtones in order to express their opposition to fascism. This art often took a realistic form (Heinz Kiwitz, Heinz Lohmar). Abstract painters continued in the style that had led to their being banned by the nazis. This was another form from "moral" engagement and of opposition to fasciom. German art in exile thus becomes a sector of resistance. Whether is the consciously political art or not, portraits or urban landscapes, thes works of art stand for a humanist conviction which contradicts the nazi esthetic "blut und boden". Figurative art is, in this context, the fruit of resistance. But abstract art also, (forbidden in nazi Germany) with its obvious expression of a total artistic liberty
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Camden, Valérie. "L'influence du proletkult sur la théorie et la pratique constructivistes." Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27052/27052.pdf.
Full text
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Nowak, Ewa Izabela. "L' art face à la politique : l'art polonais dans le contexte sociopolitique dans les années 1945-1970 et après 1989." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010511.
Full textAbstract:
A l'issue de la Seconde Guerre mondiale, l'Europe s'est trouvée partagée en deux blocs politiques opposes. Les parties centrale et orientale sont passées sous la suprématie soviétique. L'URSS a essayé de créer une société supranationale homogène, calquée sur I'exemple soviétique. Initialement, fut imposé Ie système totalitaire. Puis, il a évolué vers une forme autoritaire. Les frictions ont dure des années, pour arriver a une implosion en chaîne dans tous les pays soviétisés en 1989. La fin de la Guerre Froide a démontré I'existence d'importantes différences entre les deux parties du continent. Durant des années, l'art et la culture dans les pays de I'Est ont subi I'influence du système communiste. A nos jours, les résultats de cette influence n'ont pas été complètement ni analysés, ni compris. Toutefois, Ie fait est indéniable qu'il existe un art totalement autonome, relevant de la spécificité de l'Europe de l'Est. De plus, chaque pays a gardé son altérité. La Pologne, Ie plus grand pays parmi les anciens satellites, a génèré un art qui résulte de plusieurs éléments : de son passé historique, de sa culture distincte, du système politique infligé et des mythes existants. Puis, la période après la chute du mur de Berlin a fait sortir à la lumière du jour les sujets refoulés durant I'époque du communisme, donnant ainsi naissance à une nouvelle création inédite.
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Portevin, Jeanne-Marie. "L'art moderne à l'épreuve du nazisme : historiographie critique de sa réception ( 1945-2015)." Thesis, Paris 1, 2016. http://www.theses.fr/2016PA01H029.
Full textAbstract:
Nombreux sont les ouvrages – et ce dans tous les domaines du savoir – qui traitent de l’Allemagne nationale-socialiste. Depuis 1947, et le livre d’Adolf Behne (Entartete Kunst), le sort des artistes dans le Troisième Reich suscite l’intérêt, si ce n’est la compassion, des historiens de l’art. Néanmoins, seuls les persécutés, ceux que le régime nazi avait taxé de "dégénérés", retiennent l’attention, célébrés comme autant de héros. Ce sont eux qui vont être appelés par les Alliés pour "décontaminer" un peuple tout entier corrompu par douze ans de dictature, et racheter la faute. C’est précisément l’histoire de cette image de l’artiste, tantôt qualifié de« dégénéré », tantôt d’ «émigré intérieur», que nous retraçons, de la fin de la Seconde Guerre mondiale à nos jours. Si les publications et expositions consacrées à l’art moderne à l’époque nazie sont nombreuses, jamais, en effet, le travail de mise en perspective des propos sur ce sujet n’avait été fait. Articulés en un récit cohérent, capable de rendre compte des changements d’appréciation sur le temps long du XXe siècle et du début du XXIe siècle, ces derniers rendent comptent des contradictions parfois manifestes d’une monographie à l’autre qu’il faut élucider, et permettent de mettre à jour des manières de penser et de voir, conditionnées par un horizon d’attente en constante mutation. Replacés dans un contexte politique et social, associés à des changements de mentalités, ces discours, problématisés et hiérarchisés,écrivent en filigranes une histoire de l’art au XXe siècle et nous obligent à réfléchir sur la place, le sens de l’art, et l’image de l’artiste<br>There are numerous publications in all areas of knowledge covering Nazi Germany. Since 1947 and the book by Adolf Behne (Entartete Kunst), the fate of the Artist in the Third Reich has sparked interest, even compassion, of Art Historians. Nevertheless, only those persecuted by the Nazi Regime, labelled « Degenerate », are celebrated as heroes. These artists would be the ones called on by the Allies to« decontaminate » and pay back the crimes of an entire nation corrupted by twelve years of dictatorship. It is precisely the evolution of the image of these artists, described as « degenerate » or sometimes « inner emigrants », that Iam retracing from the end of World War II until today. Despite a huge amount of publications and exhibitions about Modern Art from the Nazi era, the discourses on this subject have never been put into perspective.When presented chronologically and in a thorough manner, they show the evolution of how the subject was viewed between 1945 and 2015, conditioned by a constantly changing horizon of expectations. Seen in political and social context, these discourses create a 20th century history of Art and invite us to think about the meaning of the Art and the image of the artist
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Semenoff-Tian-Chansky, Irène. "Contribution à l'étude du régime soviétique : les relations entre le pouvoir et les peintres, du printemps 1953 au printemps 1989." Paris, Institut d'études politiques, 1990. http://www.theses.fr/1990IEPP0020.
Full textAbstract:
Les relations entre le pouvoir et les peintres sont particulièrement instructives pour analyser le régime politique soviétique dans sa dimension totalitaire. Depuis la révolution, le pouvoir soviétique a mis au point, dans le domaine artistique, une idéologie exclusive : l'esthétique marxiste-léniniste, assortie d'une méthode de création: le réalisme socialiste. Pour concrétiser l'engagement du peintre au service de la construction du communisme, un ensemble institutionnel a également été mis en place. A la mort de Staline, les peintres s'efforcent de reconquérir leur liberté, ce qui provoque un conflit avec le pouvoir qui veut maintenir le rôle dirigeant du parti et l'uniformité artistique. Dans ce but, le pouvoir va mener une politique d'intégration de nombreux "non-conformistes". Les peintres les plus radicaux seront rejetés en dehors du système, surtout au moyen de l'émigration. En définitive, cette politique a développé des contradictions au détriment de l'Etat soviétique, c'est pourquoi une libéralisation sera encouragée dans le domaine de la peinture à partir de la direction de Gorbatchev<br>The aim of this thesis is to study the functioning and the evolution of the political regime of the USSR through the relationships between the authorities and painters which bring forward a precise understanding of the totalitarianism. Since the revolution the soviet authorities had established an exclusive artistic ideology, that is the marxist-leninist theory with a realistic socialistic method of creation. A mono-organisational system has been instituted in order to put into practice the painters responsability in the construction of communism. Since Stalin's death, painters tried to conquest freedom. But the authorities wanted to hold the party's guiding role and keep the artistic uniformity. In order to control non-conformists, they tried to integrate many of them, and to reject the others in the emigration. Finally, this policy has developed many discrepencies, which explains why the soviet state carried out a liberalisation in the field of fins arts since Gorbatchev
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Launay, Isabelle. "A la recherche d'une danse moderne : étude sur les écrits de Rudolf Laban et de Mary Wigman." Paris 8, 1994. http://www.theses.fr/1994PA080874.
Full textAbstract:
L'objet de cette thèse est l'étude de la notion de "danse moderne" à travers les textes de deux de ses fondateurs, Rudolf Laban et de Mary Wigman. L'introduction critique d'abord la présentation linéaire, progressive et déterministe de l'histoire de la danse habituellement proposée par les historiens de la danse. Elle envisage le désir de modernité en danse comme un combat pour une danse du présent. Dans deux chapitres successivement consacrés à Laban et Wigman sont analysés, d'une part, leur rapport au passé et aux héritages chorégraphiques, et d'autre part, leur perception de la vie moderne. Les modalités de leur expérience du mouvement (leur technique d'improvisation et de composition) et leur vision du corps font l'objet d'une troisième préoccupation. Enfin sont présentées les difficultés qu'ils rencontrèrent dans la transmission de cette expérience et dans l'élaboration de leurs spectacles sur les scènes de leur temps. Une conclusion compare leurs points de vue et s'attache à montrer la modernité de leurs écrits<br>This thesis examines the concept of "modern dance" through the texts of Rudolf Laban and Mary Wigman. The introduction critiques the linear, progressive and deterministic presentation of the history of modern dance usually proposed by the historians of dance, and considers Laban and Wigman's desire for modernity as a struggle for a dance of the present. Chapter one opens with an exploration of Laban's relationships to the past and to the choreographic heritage as well as his perception of the modern life. It then analyzes the modes of Laban's experimentation; in particular, his technique of improvisation and composition. A discussion of the artist's vision of the body follows. In closing, the chapter presents the difficulties that Laban encountered in the transmission of his dance-experience both within his school and in performances. Chapter two is a corresponding treatment of the above topics with regard to Wigman. The conclusion compares the two artists' points of view, defines their oppositions, and attempts to shows the modernity of their writings
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Erdmann-Rajski, Katja. "Gret Palucca : Tanz und Zeiterfahrung in Deutschland im 20. Jahrhundert : Weimarer Republik, Nationalsozialismus, Deutsche Demokratische Republik /." Hildesheim ; Zürich ; New York : G. Olms, 2000. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb376889202.
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19
Yu, Min. "Art sous contrainte : artistes, peinture et politique en République populaire de Chine (1949-1966)." Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0145.
Full textAbstract:
De la fondation de la République populaire de Chine (1949) à la veille de la Révolution culturelle (1966), les artistes furent soumis à un dogme : l'art doit être au service du peuple. Cet impératif, qui fut sans cesse répété, entraîna deux assujettissements. Celui des artistes dont le statut changea radicalement : devenus travailleurs artistiques, ils furent contraints de se plier aux flux et reflux des mouvements de masse et des campagnes politiques. Celui de la création dont la mission fut de cautionner et de célébrer le nouveau régime, et d'éduquer le peuple. Cette recherche tente de déterminer comment la politique artistique du Parti Communiste Chinois, en contraignant les artistes à être « rouges » avant d'être « experts », a bouleversé et mis en concurrence trois sortes de peintures : la peinture à l'huile, la peinture chinoise (guohua), la peinture du nouvel an (nianhua). Au centre de ces bouleversements, se pose la question du choix du réalisme, et plus particulièrement du réalisme socialiste soviétique, comme unique réponse aux attentes politiques : ce choix a-t-il privilégié la lisibilité de la peinture au détriment de ses qualités visuelles ? A-t-il engendré des modèles et des codes plastiques spécifiques pour illustrer la nouvelle politique ainsi que la transformation du paysage, la représentation du peuple ou la célébration du culte de Mao Zedong ? Ou encore cette instrumentalisation de la peinture a-t-elle rencontré des résistances ou des modes de contournement qui ont permis de préserver une part d'autonomie des peintres ?<br>From the foundation of the People's Republic of China (1949) to the eve of the Cultural Revolution (1966), artists were subjected to a dogma : art must serve the people. This imperative, which was constantly repeated, cause two subjections. For the artists, their status changed radically. To become artistic workers, they were obliged to submit to the ebb and flow of mass movements and political campaigns. For the artistic creation, the mission was to support and celebrate the new regime, and to educate the people. This research attempts to examine how the artistic policy of the Chinese Communist Party, by forcing the artists to be "red" before being "experts", disrupts and put the three kinds of paintings in competition : oil painting, Chinese painting (guohua) and New Year painting (nianhua). At the center of these disruptions, the question of the choice of realism is posed, especially the Soviet socialist realism, which was a unique response to the political expectations. Has this choice prioritized the legibility of painting to the detriment of its pictorial qualities ? Has it engendered specific visual models and codes to illustrate the new policy and the transformation of landscape, the representation of the people, or the celebration of the cult of Mao Zedong ? Or has this instrumentalization of painting met with the resistance or a way of escape, which has preserved some of the autonomy of painters ?
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Marçot, Jean-Louis. "La belle utopie : la France, son avant-garde et l'Algérie (1830-1848)." Paris, EHESS, 2009. http://www.theses.fr/2009EHES0401.
Full textAbstract:
L'Algérie française - c'est-à-dire l'annexion d'une partie de l'Afrique et sa francisation par implantation massive d'une population européenne-, relève d'un projet colonial nouveau. Ce projet, dont l'expédition d'Egypte sous le Directoire a posé les jalons, n'a pu se réaliser sans une dimension sociale que seul le socialisme, alors naissant, était capable de lui apporter. La thèse analyse cet apport, reconstitue jusqu'en 1848 l'histoire de ce premier socialisme et de ses diverses composantes, dans le contexte d'une "question algérienne" étudiée pas à pas<br>French Algeria - that is to say the annexation of part of Africa and its Gallicization by means of massive settlings of european population -, is the result of a new colonial project. This project, for which the Egyptian Expedition under the directoire have paved the way, could not achieved without a social dimension that only the springing up socialism was able to give it. The thesis analyzes this contribution, reconstruct until 1848 the hizstory of this (first) socialism and its diverse components in the light of the "Algerian question" studied step by step
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Voigt, Vanessa-Maria. "Kunsthändler und Sammler der Moderne im Nationalsozialismus : die Sammlung Sprengel 1934 bis 1945 /." Berlin : Reimer, 2007. http://bvbr.bib-bvb.de:8991/F?func=service&doc_library=BVB01&doc_number=016088396&line_number=0002&func_code=DB_RECORDS&service_type=MEDIA.
Full text
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Gaudemer, Marjorie. "Le théâtre de propagande socialiste en France, 1880-1914 : Mise au jour d'une fraction de l'histoire du théâtre militant." Thesis, Paris 10, 2009. http://www.theses.fr/2009PA100169.
Full textAbstract:
Avec la reprise, après la répression de la Commune, du mouvement ouvrier et révolutionnaire, les socialistes, lancés à la conquête du pouvoir politique, redoublent d’efforts pour rallier un nombre croissant de travailleurs, et font du théâtre, cet art social par excellence et qui occupe à l’époque une place culturelle centrale, un de leurs moyens de propagande. Bien que marqué par des expériences fugaces, le théâtre saisi par le mouvement socialiste se traduit alors, au moins jusqu’à l’avènement de la Première Guerre mondiale, par la programmation de représentations, la formation de troupes et la rédaction de pièces, se divise au fil des années en trois branches d’activité – des aînés, des jeunes gens et des enfants. Grâce au rassemblement de documents sur lesquels l’attention de la recherche théâtrale est des plus inhabituelles, ce théâtre organisé et/ou pratiqué pour la propagande socialiste est ici mis au jour, sous ses différents aspects. La première partie porte sur la pensée de ce théâtre, et, après un retour sur la propagande socialiste comme but, explore les raisons du recours au théâtre comme moyen. La deuxième partie traite de son activité effective, s’arrête, en ce sens, sur les cadres et conditions d’émergence, l’évolution et les facteurs d’évolution de ce théâtre, l’organisation et le fonctionnement des troupes, l’accueil et la réception des représentations. La troisième et dernière partie est consacrée aux pièces conseillées, programmées et/ou jouées par les socialistes ; ces pièces y sont analysées d’après la fonction propagandiste qui leur est assignée, sous l’angle de leurs thèmes et discours ainsi que de leur construction dramaturgique. Cette étude éclaire ainsi un pan de l’histoire du théâtre militant en France, et, tout en dessinant des perspectives pour la recherche sur l’histoire du théâtre en général, interroge l’existence d’une culture socialiste avant 1914<br>After the repression of the “Communes”; with the recovery of the worker revolutionary movement, the socialists launched into taking over the political power. They strove to win over a growing number of workers and used theater- this archetypal social art which, at the time, had a central role- as one of their means of propaganda. Even though impacted by transient experiences, theater, as embraced by the socialist movement, expresses itself by the programming of performances, the formation of companies, reruns, compositions and impressions of plays; at least till the coming of World War I. It spread, over the years, into three domains of activity- those of elders, young people and that of children. Thanks to the attention that was paid to sources which are usually ignored by performing arts, theater- such as the one that was organized and/or performed for socialist propaganda- is shed to light in our study, regarding its various aspects. The first part tackles the reflection of this theater, and after a section concerning socialist propaganda as a purpose, explores the reasons for resorting to stage. The second part deals with its actual activity and hitherto reviews its frameworks and the conditions of its emergence, the organization and the functioning of its companies, the reception of its performances. The third and last part is devoted to plays that were on, that were performed, written and/or advised by socialists. Plays are tackled in accordance with the two main roles that socialists assigned to theater. But dramatic art- since militants put a stress on these texts- was focused on texts that were supposed to meet the purpose of persuasion.Thus, our study sheds light on one stage of militant theater in France, and hitherto brings about caveats for research concerning the history of theater in general. It also makes one wonder about the emergence of a socialist culture in France before 1914
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Pichon-Bonin, Cécile. "Peinture et politique en URSS dans l'entre-deux guerres : l'itinéraire des membres de la Société des artistes de chevalet (OST)." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010676.
Full textAbstract:
L'OST est un groupe d'artistes apparu en 1924 et dissout en 1932, en même temps que l'ensemble des autres collectifs artistiques. Ce travail se propose de suivre les artistes après la disparition du groupe, jusqu'en 1941, afin de centrer l'étude sur les années du passage à la période stalinienne. Il s'agit essentiellement de replacer les œuvres dans leur contexte de production, diffusion et réception, tout en proposant une lecture actuelle de ces images. Nous examinons tour à tour l'historique de la Société et le parcours des artistes, la place de ses artistes dans les conditions matérielles de la production picturale (structure institutionnelle, organisation des expositions et des différents systèmes de commandes), la réception critique de leurs oeuvres et les images créées.
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Goldman, Noémie. "Un Monde pour les XX: Octave Maus et le groupe des XX :analyse d'un cercle artistique dans une perspective sociale, économique et politique." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2012. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209691.
Full textAbstract:
Notre thèse se concentre sur la question des mécanismes de restructuration du système du monde de l’art à Bruxelles à la fin du XIXe siècle. Nous cherchons à démontrer comment une nouvelle scène artistique construite autour du cercle des XX à Bruxelles, dont l’épanouissement sera pris en charge par l’animateur d’art Octave Maus, produit un art qui est influencé par les enjeux sociaux et politiques portés par un milieu défini de manière sociale, culturelle et générationnelle.<p>Nous avons ainsi voulu replacer le groupe des XX dans son contexte économique, politique et social. La diversification des approches et des sources était donc un aspect essentiel de nos recherches. Plusieurs voies d’approche ont été empruntées, telles que l’histoire culturelle, la sociologie de l’art, l’histoire du marché de l’art, l’analyse politique ainsi que l’étude de la visual culture. <p>Dans un premier temps, nous analysons l’émergence de la nouvelle scène artistique construite autour du groupe des XX. Nous débutons par une analyse plus monographique du parcours de Maus afin de définir les qualités essentielles de l’animateur d’art qu’il incarne, ainsi que son rôle dans la reconfiguration du milieu culturel. Ensuite, notre étude se concentre sur la mobilisation d’un public autour des salons et la mise en place d’un nouveau marché de l’art aux XX. <p>Dans un second temps, notre étude se penche sur les œuvres créées par les XX et sélectionnées par le public d’amateurs fidèles au groupe. Nous éclairons cette production artistique en y décelant les influences des questionnements et des prises de position sociales et politiques du public des XX, défini précédemment. L’analyse iconographique et stylistique des œuvres s’accompagne d’un travail sur ce milieu culturel, et particulièrement sur ses positions face aux débats sociaux de l’époque. Cette étude aboutit, d’une part, à une description approfondie du public des XX, et, d’autre part, à une meilleure compréhension de l’originalité de la production esthétique des artistes du groupe. /<p><p>This PhD thesis concentrates on the mechanisms by which the artistic world in Brussels was reorganized at the end of the 19th century. The research focuses on the places, institutions, publics, art markets and aesthetic developments that characterized the new artistic scene constructed around the “Salon des XX”. The purpose of this study is to demonstrate that this artistic circle, led by Octave Maus, produced an art influenced by social, political and economic issues. Another aim has been to analyze the public that defended the artists by studying its social, cultural and generational nature.<p>This thesis, which is divided into two parts, for the first time explores the circle of the XX in its economic, political and social environment. The diversification of sources and scientific methods was therefore an essential aspect of the research. Different methods were applied such as, for example, the cultural history, the sociology of art, the history of the art market, political sciences and the visual culture.<p>The first part of this study is about the emergence of a new artistic scene founded around the “Groupe des XX”. The first objective was to investigate the personal and professional path followed by Octave Maus, the manager of the XX, who played a major role in the evolution of the cultural world. Subsequently the research focuses on the mobilization of a particular public and the creation of a new art market around the XX’s exhibitions.<p>The second part of this thesis considers the works of art created by the artists of the “Groupe des XX” and chosen by the public for private collections. New light is shed on this artistic production by the study of the social and political position of the XX’s public, considered as a social group. Hence the iconographic and stylistic analysis of the works goes together with a study of the XX’s milieu, and in particular with its political action. The present thesis, and the method that aims to study the works in parallel with the public’s social nature, lead to a better understanding of the cultural milieu and, at the same time, of the originality of the XX’s artistic creation. <p><p><br>Doctorat en Histoire, art et archéologie<br>info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Israel, Paolo. "Masques en transformation : les performances mapiko des Makonde (Mozambique) : historicité création, et révolution." Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0329.
Full textAbstract:
Cette thèse analyse les transformations historiques de mapiko, une danse de masques du Mozambique septentrional, et plus spécifiquement leur relation au politique. De la période coloniale jusqu'au post-socialisme, la performance des mapiko est un terrain où sont produites des formes complexes de critique sociale, et des identités sont négociées et mises en scène. La thèse -qui se base sur un terrain ethnographique intensif, sur des enregistrements audio-visuels, sur des recherches d'archives, aussi bien que sur un corpus d'un millier de chansons liées aux différentes genres de mapiko- contribue à la littérature sur le rituel, l'esthétique et le pouvoir étatique en Afrique. En creusant l'interaction entre formes héritées et créativité individuelle dans l'invention de nouveaux genres et masques, la thèse offre une critique des notions de la muséographie coloniale, qui considèrent les expressions artistiques africaines traditionnelles et rurales comme étant figées et intemporelles<br>This dissertation provides an analysis of the political entanglement of African ritual performances, by discussing the historical transformations of mapiko, a masquerading tradition of Northern Mozambique. From late colonialism to post-socialism, the public performance of mapiko is an arena in which complex forms of social critique are produced, and identities negociated and enacted. Based on oral history, extended ethnographic fieldwork, audiovisual recording, archive research, and on a corpus of about a thousand songs connected to the different genres of the masquerade, the dissertation constitutes a contribution to scholarship on ritual, aesthics and state power in Africa. It also provides a critique of notions, inspired by colonial museography, of indexing traditional/rural African expressive culture as timeless and impersonal, by ethnographicaaly detailing the complex interplay between inherited forms and individual agency in the invention of new genres and masks
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Bazin, Jérôme. "Réalisme et égalité : contribution à une histoire sociale de la peinture et des arts graphiques en République démocratique allemande (1949-1990)." Amiens, 2011. http://www.theses.fr/2011AMIE0009.
Full text
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Trankvillitskaïa, Tatiana. "Sous l'oeil des instances officielles : la coopération entre peintres français et soviétiques dans l'entre-deux-guerres." Thesis, Lille 3, 2014. http://www.theses.fr/2014LIL30056.
Full textAbstract:
Cette thèse analyse les échanges artistiques entre la France et l’URSS durant l’entre-deux-guerres, leurs rouages et les avantages mutuels qu’ils présentent. Cette période connaît quatre phases successives, ce qui permet de découper la recherche en autant de parties. La première étudie la période d’avant la reconnaissance de l’URSS par la France et la mise en place des relations diplomatiques (avant 1924) ; la deuxième se penche sur les premiers liens officiels qui suivent ladite reconnaissance (1925-1928) ; la troisième s’intéresse aux années 1928-1934, période du « Grand Tournant » dans l’économie soviétique, et enfin la quatrième englobe les années qui suivent l’instauration du réalisme socialiste en 1934 et se termine avec la guerre. Notre projet tente d’évaluer la pertinence de l’approche stéréotypée portant sur le lien entre art et idéologie, de voir si la peinture soviétique, telle que présentée lors des expositions en France, était similaire à celle exposée en URSS et constituait un outil de propagande à part entière. Sous quelle forme l’art soviétique est-il présenté en France et quel est le rôle des instances dans la mise en place de ces manifestations ? Il s’agit d’étudier le rôle des acteurs de ces échanges : instances étatiques, associations, galeries, spécialistes d’art, intellectuels, collectionneurs ou enfin les artistes eux-mêmes. Nous nous intéressons également aux expositions d’artistes français et à l’organisation de leurs voyages en URSS. Ce travail montre que les maillons de la chaîne « politique-idéologie-finances » sont intimement liés entre eux et que l’argent a souvent un rôle décisif pour les instances soviétiques<br>This dissertation focuses on artistic exchange between France and the USSR in the interwar period, its mechanisms and the benefits it presented. This period can be divided into four successive phases, accounting for the four parts this research falls into. The first part studies the years leading up to the recognition of the USSR by France and the setting up of diplomatic relations (prior to 1924); the second part deals with the first official links following the recognition (1925-1928); the third part focuses on the years 1928-1934, a period of economic change also known as « the Great Turn » in Soviet economy and the fourth and final part spans the years after socialist realism was established from 1934 on up to the outbreak of the war. This research questions the stereotypical approach to the link between art and ideology and asks whether Soviet painting, as shown during exhibitions in France, was similar to that shown in the USSR and whether it was, or not, a sheer tool for propaganda. Under what form was Soviet art presented in France and what role did authorities play in organizing artistic events? The role played by the actors of this exchange is studied: state authorities, associations, art galleries, art specialists, intellectuals, collectors, intellectuals, and last but not least the artists themselves. Also studied are the exhibitions of French artists and how their trips to the USSR were organized. This research shows that politics, ideology and money are tightly linked together and that money played a decisive role for Soviet authorities
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Toniutti, Emmanuel. "Paul Tillich et l'art expressionniste." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2001. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp04/NQ57951.pdf.
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Voisin, Chloé. "Die Gestaltung von neuen öffentlichen Räumen im Stadtzentrum von Dresden und Chemnitz : Welche Räume für welche Gesellschaft?" Thesis, Lyon 2, 2012. http://www.theses.fr/2012LYO20105/document.
Full textAbstract:
Espaces publics ? Quel projet – de ville et de société - sous-tend les aménagements ? Quelles sont les visions des aménageurs ? Quelles sont les normes et les valeurs qu’ils défendent à travers leurs projets ? Que représente pour eux l’espace public ? Quelle définition en donnent-ils ?Ces questions trouvent une résonnance particulière à Dresde et à Chemnitz : elles sont ces dernières années toutes deux l’objet d’un programme de création et de transformation de leurs espaces publics centraux. Ces deux terrains ne sont pas intéressants pour l’étude de l’imaginaire planificateur qu’en raison de l’importance du programme mené (pas moins de six nouveaux espaces chacune) mais aussi en raison de l’histoire particulière des deux villes. Dresde et Chemnitz ont vu leur centre-ville presque entièrement détruit sous les bombardements alliés en 1945 et seulement partiellement reconstruit sous la RDA selon des principes urbanistiques tout à fait nouveaux. Le choix auquel les planificateurs sont confrontés depuis la chute du régime socialiste et la Réunification est celui du modèle à suivre pour finir de reconstruire le centre-ville toujours inachevé. L’absence quasi-totale de patrimoine à conserver ne rend pas nécessaire le travail de négociation avec les conservateurs du patrimoine, habituellement au cœur de tous les projets contemporains en Europe. Dresde et Chemnitz présentent donc des cas d’étude particulièrement passionnants car les acteurs de la planification jouissent d’une très grande liberté d’action qui leur permet de mettre en œuvre sans entrave juridique leur conception actuelle de l’aménagement des espaces publics. Il serait donc possible ici mieux qu’ailleurs de lire l’imaginaire planificateur contemporain<br>Which are the representations that guide the planning actors along their public spaces conception? Which project, -of city, of society- underlies the urban planning? Which are the visions of the planners? Which norms, which values do they want to defend through their project? What is for them the meaning of public space? What is their own definition?These questions are finding a particular echo in Dresden and Chemnitz: these two cities have been the subject for a few years of a creation and transformation program of their central public spaces. These two fields are interesting for the study of the planner’s imagination not only due to the importance of the program led (not less than six new public spaces in each city) but also due to specific history of both cities. The center of Dresden and Chemnitz has been almost completely destroyed by the allied bombardments in 1945 and it has been only partially rebuilt under the GDR according to completely new urbanistic principles. Since the fall of the Socialist Regime and the Reunification, the question of the planners is which model is to be followed to achieve the reconstruction of the still unfinished city center.The almost complete lack of architectural heritage to protect does not make it necessary to negotiate with the architectural heritage officers who are in Europe at the heart of all contemporary projects. In that respect, Dresden and Chemnitz are particularly entrancing, because the planning actors enjoy a very large liberty to implement without any legal obstruction their conception of the urban planning. It would be possible here than better anywhere else to read the contemporary planning imagination
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Kim, Eun-ho Paulin. "Art nouveau et art du vitrail." Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37606601t.
Full text
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Kim, Eun-ho Paulin. "Art nouveau et art du vitrail." Paris 8, 1987. http://www.theses.fr/1987PA080194.
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Travail d'une plasticienne, fascinee par l'art nouveau en architecture et bien sur dans le vitrail. - l'introduction - generale - traite egalement du verre considere comme une matiere vivante. Cet aspect est developpee dans le corps du texte. - la fonction historique du vitrail dans l'architecture, completee par une presentation de l'ecole de nancy et de j. Gruber. - illustration de cet art par les representants les plus eminents : peintres, concepteurs de vitraux, architectes. - la presentation et l'analyse de ma propre pratique : realisation de copies, restaurations et creations dont plus recentes<br>This is the work of a plastic art profesional, fascinated by art nouveau in architecture and naturelly in stained glass work. The introduction - although general - deals as well with glass considered as a living substance. This aspect is developped in the work itself. - historical function of stained glass, completed by an exhibition of the "ecole de nancy" and j. Gruber. - illustration of the art by its most prominet artists : paintors, stained glass designers, architects. - presentation my own practice and exhibition of my works : copies restorations, creations including the most recent ones
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Locatelli, Axelle. "Les chœurs de mouvements Laban : entre danses traditionnelles, gymnastique et expériences artistiques (Allemagne, 1923-1936) : étude à partir du fonds d’archives Albrecht Knust." Thesis, Paris 8, 2019. http://www.theses.fr/2019PA080036.
Full textAbstract:
En partant de la question de l’être-ensemble et de sa visibilité, cette thèse vise à souligner la multiplicité des discours et pratiques que sous-tend l’appellation « chœurs de mouvements Laban » [Bewegungschöre Laban] et à saisir ce que cache cette hétérogénéité. Elle tente d’expliquer comment cette pluralité s’accompagne d’un déplacement de certaines catégories qui implique une redéfinition du champ esthétique et de ses effets politiques. Les pratiques chorales que le groupe de danseurs et pédagogues constitué autour de Rudolf von Laban déploie surtout dans l’Allemagne de l’entre-deux-guerres s’appliquent à investir l’espace entre : entre danse et gymnastique, entre amateurs et professionnels, entre écrit et oralité, entre pluralité et uniformité… L’examen de ces tensions s’effectue essentiellement à partir du fonds d’archives Albrecht Knust déposé au Centre National de la Danse de Pantin. Il accorde une attention toute particulière aux partitions de danses chorales en cinétographie Laban et s’efforce de faire dialoguer observations théoriques et questionnements issus de la mise à l’épreuve en studio de ces partitions. Il s’efforce ainsi de donner à voir les pratiques chorales labaniennes et de montrer qu’elles témoignent de politiques à l’œuvre à différents niveaux : de l’individu, du groupe, de la chorégraphie de groupes, des discours, du contexte. Finalement, il s’agit d’interroger le poids de ces politiques face à l’emprise nationale-socialiste. Peut-on aujourd’hui, à l’heure où certaines danses chorales composées sous Weimar sont régulièrement recréés, défendre ces chœurs de mouvements Laban et à quelles conditions ?<br>Starting from the question of being-together and its visibility, this thesis aims to emphasize the multiplicity of discourses and practices that underlies the term "Laban movement choirs" [Bewegungschöre Laban] and to understand what is hidden by this heterogeneity. It attempts to explain how this plurality is accompanied by a shift in certain categories that implies a redefinition of the aesthetic field and its political effects. The choral practices the group of dancers and teachers formed around Rudolf von Laban developed mainly in Germany during the inter-war period were set out to invest the space between: between dance and gymnastic, between amateurs and professionals, between writing and orality, between plurality and uniformity... The examination of these tensions is mainly carried out from the Albrecht Knust archives deposited at the Centre National de la Danse in Pantin. He particularly pays attention to the scores of choral dances in Labanotation and strives to make a dialogue between theoretical observations and questions alike stemming from studio experimentations of these scores. He thus strives to show the Labanian choral practices and to explain that they bear witness to policies at work at different levels: the individual, group, choreography of groups, speeches and context. Finally, it is a question of considering the weight of these policies in the face of national socialist domination. Is it possible today, at a time when certain choral dances composed under Weimar are regularly recreated, to defend these Laban movement choirs and under what conditions?
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Devin, Guillaume. "L'Internationale socialiste, 1945-1976 politique et éthique du socialisme international /." Lille 3 : ANRT, 1989. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37613151g.
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Hautem, M. B. "Art et mathématiques /." Paris : M.B. Hautem, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37145418q.
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Tozzi, Béatrice Tancelin Philippe. "Art et pouvoir." Saint-Denis : Université de Paris 8, 2009. http://www.bu.univ-paris8.fr/consult.php?url_these=theses/TozziThese.pdf.
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Rizo-Patrón, de Lerner Rosemary. "Art et phénoménologie." Pontificia Universidad Católica del Perú - Departamento de Humanidades, 2013. http://repositorio.pucp.edu.pe/index/handle/123456789/112777.
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Brun, Jean-Paul. "Paysage, art contemporain et société : le cas du land art /." Besançon : J.-P. Brun, 1996. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb376500085.
Full text
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Tardif, Nicole. "Creativité et art-thérapie." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1999. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk1/tape10/PQDD_0004/MQ43692.pdf.
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Cornu, John. "Art contextuel et création." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010567.
Full textAbstract:
Cette recherche affirme la notion d'art contextuel du point de vue de l'artiste. Il s'ensuit un premier mouvement sémiologique qui démontre que la notion même de signification ne peut pas se soustraire d'un ensemble contextuel. Le contexte est bien un opérateur à part entière du signe. C'est en partant de l'étude de la perception que nous étayerons cette proposition, et ce de la manière la plus objective possible. La compréhension de l 'oeuvre comme objet ou de l' oeuvre comme ensemble d'une situation devient donc centrale, et oriente cette recherche sur la question des modes ontologiques. Il s'agit alors de mieux comprendre les déterminations qui interviennent durant l'acte créateur et la position qu'occupe «l'artiste contextuel» dans ce paysage. Dès lors, nous tentons de dégager une sorte de mode opératoire tout en analysant le rapport à l'économique et au politique. Le mode opératoire avance dans cette étude implique des boucles récursives et des couples notionnels - présentation vs représentation / objet vs situation - qui ne sont pas pensés comme des notions antithétiques mais davantage comme autant de pôles d'un même ensemble. De même, les investigations artistiques réfléchies sur un mode plus intuitif ne peuvent réellement se couper des constructions théoriques qui les précédent. Les oeuvres seront aussi pensées - dans leur phase de création - sur ce même socle de connaissances. Ainsi, la question du contexte ne devient pas un « maniérisme » supplémentaire mais une liberté d'utiliser autrement sa situation de créateur. Dans ce cas, les oeuvres investiront aussi bien les notions de prolifération. De fiction, de dessin dans l'espace, d'architecture moderniste, de voyage, d'urbanisme ou de greffe comme pour consentir à la diversité du monde
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Cohen, Jacques. "Art et autre : enseignements." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010664.
Full textAbstract:
Dans le champ universitaire et disciplinaire des arts plastiques, l'auteur d'une these doit etre a la fois createur et chercheur. Eu egard a cette double exigence, nous avons considere notre pratique de l'enseignement des arts plastiques et celle de notre ecriture sur (et de) cette pratique comme etant toutes deux et intrinsequement artistiques et plastiques. Un tel concept" elargi" "(cf. Beuys) nous a conduit a alterer de facon peut-etre "post-moderne" les acceptions plus traditionnelles de la these, de l'enseignement et des arts plastiques proprement dits. Autrement dit, nous avons cherche a placer notre enseignement (pratique orale) et notre recherche (pratique ecrite) sous l'egide de l'autre("emajuscule"). D'ou le titre etrange de notre these : "art et autre : enseignements". . . Ainsi, en 7 parties et 7 volumes (2700 p. ) notre travail assez heterodoxe presente, relate et "fictionne" successivement chacune des26 seances hebdomadaires qui se sont deroulees au cours de l'annee 91-92 en notre seminaire intitule depuis 1991 : "arts plastiques : alterites et enseignements". Sous forme le plus souvent dialoguee, un texte tente de mettre en scene (80 et 100 p) l'ensemble des trois interventions effectuees par chacun des 19 etudiants inscrits et participant a l'oeuvre eventuelle de leur possible "enseignant-artiste". . . *seminaire de d. E. A. (u. F. R" arts plastiques et sciences de l'art" paris)<br>In the specialized university field called plastic arts, the author of doctoral thesis must both create and carry out research. Owning to this necessary dualism, we have chosen to consider our teaching of (in) plastic arts and our writing on (about) this teaching as being both intrinsically part of plastic arts themselves. Such an "extended concept" of the latter (see j. Beuys) has led us to alter in a somewhat" post-modern" way the more traditional meanings of the thesis, the teaching, and the plastic arts as such. In other words, we have tried to place our oral work (teaching) and our written work (thesis) under the aegis of the ther ("decapitated"). Hence the title of our strange" thesis" ("art and other : teachings". In 7 parts and 7 volumes (2700 p. ) our rather heterodox work successively presents each of the 26 weekly sessions that took place in the course of the year 91 92 in our seminary of d. E. A. At the university of parisi, wich as been called "plasticarts: othernesses and teachings" since 1991. Most of the time in dialogue form,a text is an attempt to put together on the stage the 3 interventions (80 oo 100p. ) made by each of the 19 students taking part in the eventual work of their possibly "teacher-artist"
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Chassagneux, Yvon. "De l'art brut à l'art singulier, genèse et analyse d'un paradoxe social et artistique." Thesis, Saint-Etienne, 2011. http://www.theses.fr/2011STET2151.
Full textAbstract:
« Quel est le point commun entre un fou, un poète, un artiste, un curé, une personne handicapée mentale et un facteur? L'Art Brut bien sûr». L’Art Brut (les anglophones préfèrent la notion d' Outsider Art) et sa déclinaison actuelle, l'Art Singulier apparaissent comme un sujet qui dépasse largement le cadre artistique et l'invention de Jean Dubuffet en 1945, pour s'étendre au domaine de la psychologie et de la sociologie, en « touchant » la société toute entière. Ce phénomène social et artistique, dans sa diversité, ses manifestations et ses paradoxes, interroge tout autant la sociologie, que l'histoire de l'art. Le regain d'intérêt actuel pour cette forme d'expression singulière, liée à une morale et à une certaine vision del'existence, nous interroge sur des questions essentielles de la vie sociale. A partir d'une enquête et d'entretiens avec des artistes contemporains, nous avons voulu interroger la filiation, artistique et sociologique, entre les pionniers del'Art Brut et les créateurs, qui se réclament aujourd'hui de l'Art Singulier; comprendre le sens de la multiplication des expositions et des manifestations qui sont consacrées à une forme artistique qui semble aujourd'hui cristalliser unecontestation de l'art contemporain officiel et un engagement social spécifique des artistes, dans leur mode de vie et leur rapport au travail. A travers l'étude des thèmes et de l'esthétique particulière à cet« art populaire contemporain», nous avons aussi voulu comprendre quelle vision du monde voulaient nous faire partager ces artistes atypiques et en quoi leurs œuvres étaient révélatrices d'une morale, mais aussi constitutives d'un courant et d'un style<br>"What do a lunatic, a poet, an artist, a priest, a mentally retarded person and a postman have in common? "Outsider Art, of course" Outsider art (as it is referred to by English speakers) and its current approach Known as Singular Art (Art Singulier) appear like a subject that goes way beyond the artistic scope and the invention by Jean Dubuffet in 1945, to extend to the field of psychology and sociology, thus encompassing "society at large». This artistic and social phenomenon, through its diversity, its various expressions and paradoxes, raises questions in sociology as well as in the history of Art. The current renewed interest for that furur of uncommon artistic expression, linked to ethics and a certain vision of existence, makes us ponder over the essential issues of social life. Through a survey and several interviews with contemporary artists, we have sociological relation between the pioneers of " Art Brut " and today's artists who claim to belong to " Art Singulier"; we have also tried to understand the meaning of the many exhibitions as well as multifarious .events dedicated to a forum of Art which seems, today, to embody a certain anti-official contemporary trend as well as a specific social commitment from the artists, in their way of life as well as in the relation they have with their own work. By studying the themes and aesthetics of that "contemporary popular art" we have endeavoured to understand what vision of world those atypical artists wanted to share with us and to what extent their works revealed an ethnics and also actually built up an artistic movement and a style
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Caron, Jean-Michel. "Art - expérience." Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26336.
Full textAbstract:
Le présent mémoire est un texte d’accompagnement qui témoigne du développement de mon travail de recherche tout au long de mon parcours de maîtrise en arts visuels. Ce texte prend la forme d’un journal de bord qui aborde mon cheminement d’artiste d’une façon chronologique. Ce texte évolue au rythme des réalisations ponctuelles et des réflexions qui y sont liées. L’aboutissement prend la forme d’une synthèse par la mise en espace des meilleures expériences retenues durant mes études.
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Demonsais, Bruno. "Gavroche : hebdomadaire culturel socialiste /." Paris : l'Harmattan, 2006. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb40244569z.
Full text
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Brun, Jean-Paul. "Nature, art contemporain et société : le Land art comme analyseur du social /." Danjoutin (6 rue de Verdun, 90400) : J.-P. Brun, 2002. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb390766694.
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Brun, Jean-Paul. "Nature, art contemporain et société : le Land art comme analyseur du social." Paris ; Budapest ; Kinshasa [etc.] : l'Harmattan, 2005. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb40092117t.
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Brun, Jean-Paul. "Nature, art contemporain et société : le Land art comme analyseur du social." Paris ; Budapest ; Kinshasa [etc.] : l'Harmattan, 2006. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb409277393.
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Brun, Jean-Paul Minary Jean-Pierre. "Nature, art contemporain et société : le Land art comme analyseur du social." Paris : l'Harmattan, 2007. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb411109683.
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Brun, Jean-Paul. "Nature, art contemporain et société : le Land Art comme analyseur du social." Besançon, 2002. http://www.theses.fr/2002BESA1026.
Full textAbstract:
Il s'agit de comprendre la nature des forces sociales à l'œuvre dans l'Amérique des Sixties, qui mènent, entre 1969 et 1973, De Maria, Heizer, Holt, Ross, Smithson, Turell, à construire ou à projeter des œuvres-sites-monuments (œuvres de terre, dont la Planète est le socle, de dimensions monumentales) dans les déserts du Sud-ouest. Qu'expriment ces œuvres du social de leur époque, nommées par la suite Land Art ? Sont-elles un art de rupture enraciné dans la culture américaine et portant ses traits identitaires ? La thèse retrace la construction de l'identité culturelle de l'Amérique, les fondements et l'histoire de la contestation. Elle présente le " bricolage " conceptuel articulé autour des notions de réseaux et de cliques et la méthode d'enquête mobilisant monographies et journal de bord. C'est la lecture des pratiques sociales de création alliées aux intentions des artistes révélées par la forme des œuvres qui montre les traits identitaires qu'elles portent.
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Pavlov, Pavel. "Art conceptuel et protocoles photographiques." Thesis, Université Laval, 2014. http://www.theses.ulaval.ca/2014/30023/30023.pdf.
Full textAbstract:
La présente thèse repose sur une double proposition : que le concept de représentation a subi une mutation profonde aux alentours des années 1960s, au moment de l’avènement de ce qui est appelé aujourd’hui l’art conceptuel; et que c’est l’usage de la photographie – considérée jusqu’alors comme l’appareil vide de l’art – par les artistes conceptuels, qui lui a donné une identité mais aussi une histoire qui lui a permis de s’inscrire dans la discipline artistique. À partir de cette proposition, j’étudie une série d’œuvres photographiques produites dans le contexte de l’art conceptuel, et dont le point commun est de reposer sur un mode systémique de production. Dans mon analyse, les œuvres de Douglas Huebler, Jan Dibbets et Bernd et Hilla Becher sont analysées pour les innovations qu’elles introduisent au niveau du sujet de représentation, en même temps qu’elles sont mises en parallèle avec trois moments inauguraux de l’histoire de l’art : la première expérience de Brunelleschi en tant que démonstration d’un moment de rupture dans l’histoire de l’art au niveau de la production d’images considérées vraisemblables; le modèle d’istoria introduit par Alberti comme forme narrative faisant l’hypothèse que toute chose visible peut être représentée et toute histoire montrée uniquement par des moyens visuels; et l’approche anti-relationnelle élaborée par Frank Stella, comme démonstration de la plasticité de la peinture et comme opposition au concept de composition picturale telle qu’héritée d’Alberti. Mon analyse démontre qu’une démarche systémique permet d’établir une continuité avec les paradigmes précédents de l’histoire de l’art, et rend possible la construction de nouveaux instruments visuels plus aptes à circonscrire les processus complexes qui organisent la société contemporaine en tant qu’héritière de l’organisation industrielle ayant marqué le passage de la Renaissance à l’époque contemporaine. En dernier lieu, je présente une série de projets, issus de mes recherches sur les sujets et œuvres présentés, dont le point commun est l’élaboration d’une écriture vidéographique reposant sur la plasticité rendue possible par le recours à la procédure comme mode de représentation de l’histoire.
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Vera, Peñaloza Adolfo. "L'image politique : art et disparition." Paris 8, 2012. http://www.theses.fr/2012PA083453.
Full textAbstract:
Dans cette thèse, nous nous proposons d'analyser, à partir de catégories de la philosophie politique et de l'esthétique, les effets que peut avoir le constat historique de l'application de la disparition politique dans les totalitarismes du XXe siècle pour une pensée de l'image en général et de l'image photographique, cinématographique et littéraire en particulier. Pour ce faire, nous avons étudié des concepts philosophiques essentiels pour la compréhension de ce phénomène, tels que ceux de « spectralité » (Derrida), « différend » (Lyotard) ou « surface d'inscription » (Déotte). Nous avons souhaité d'établir des modèles théoriques qui nous permettront d'analyser certaines productions artistiques et cinématographiques qui ont traité la question de la disparition politique, pour essayer -toujours paradoxalement- d'en donner une « image ». Or,il faut penser la disparition comme puissance de spectralité. La disparition est ce qui, dans notre temporalité historique, a mis en question la temporalité elle-même, si l' on considère celle-ci du point de vue de la philosophie de l'histoire moderne, c'est-à dire, à partir de la catégorie du « progrès ». Cela implique que les catégories de « hantise » et de « fantôme » acquerront une portée politique fondamentale<br>Working from categories of political philosophy and aesthetics, this thesis aims to analyse the effects the historical fact of the use of political disappearances in totalitarian states during the 20th century may have had on how we think about images in general, and photographic, cinematographic and literary imagery in particular. In order to do this, we studied those philosophical concepts that are essential to an understanding of this phenomenon, including "spectrality" (Derrida), "differend" (Lyotard) and "surface for inscription" (Déotte). Our goal was to establish the theoretical models that would enable us to analyse some of those artistic and cinematographic productions which have addressed the issue of political disappearance and attempted – paradoxically - to show its "image". However, disappearance ought to be thought of as the potential for spectrality. It is disappearance which, in our historical temporality, has brought into question temporality itself, if we consider it from the point of view of the philosophy of modern history, that is to say, from the category of “progress”. This implies that the categories of “ghosts” and "haunting" are to take on a fundamental political significance