Dissertations / Theses: 'Art – Thèmes, motifs'

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Bida, Habib. "La notion d'imitation de la nature dans l'art arabo-islamique." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010751.

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Abstract:

A partir de textes choisis dans le patrimoine culturel araboislamique, datant du 10e au 14e siecle ap jc, et de notions contenues dans les textes, nous avons essaye de decouvrir les fondements philosophiques et esthetiques de certains arts araboislamiques tels que la calligraphie, l'ornementation geometrique et l'art de la miniature. Apres des analyses textuelles operees autour des notions tels que art, perception, forme, matiere, ame, intellect, nature homme, homme parfait, dieu, nous avons decouvert que ces notions fonctionnent entre elles d'une maniere, nous amenant a considerer queles arts arabo-islamiques sont imitatifs de la nature, et que l'artiste arabo-musulman, dans sa demarche artistique, imite dieu a travers ses creations naturelles et ce pour s'affirmer en tant que son vicaire dans le monde d'ici-bas et symboliser sa quete et son desir de voyager vers lui a travers sa "divinite humaine".

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Euzet, Claire. "Le musicalisme : une tendance de l'abstraction." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040135.

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Abstract:

La musicalisation de l'art est une idée qui s'impose au début du XXe siècle. Henry Valensi révèle pour la première fois au public "la loi des prédominances", le 3 novembre 1913, au cours d'une conférence intitulée "La couleur et les formes ou la musicalisation de tous les arts". D'autres peintres œuvrent selon des théories de correspondance entre les ondes sonores et les ondes lumineuses : "bleuisme" de Gustave Bourgogne, "rapports des sons et des couleurs" de Charles Blanc-Gatti, "émotivisme" de Vito Stracquadaini. Henry Valensi prend l'initiative de former, avec ces peintres, un groupe : "l'association des artistes musicalistes" (4 mars 1932). Cette association organise de nombreuses expositions, tant en France qu'à l'étranger. Au fil des années, de nombreuses peintres rejoignent le groupe. Les peintres musicalistes recherchent une méthode de composition apparentée à la composition musicale et aboutissent à une peinture abstraite autant que l'est la musique
The concept of musicalisation of art was introduced at the beginning of the XXth century. The 3rd November 1913, Henry Valensi revealed for the first time to the public, "La loi des prédominances", during a conference on "Colour and forms, or the musicalisation of all the arts". Other painters were working on theories of correspondence between sound and light waves: "bleuisme" by Gustave Bourgogne, "rapports des sons et des couleurs" by Charles Blanc-Gatti, "émotivisme" by Vito Stracquadaini. Henry Valensi eventually founded a group with these painters: "the circle of musicalist artists" (4th march 1932). This circle has organised numerous exhibitions in France as well as abroad and over the years, many painters have joined the group. Their aim has been a method inspired by musical composition resulting in a style as abstract as that in music

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Soulillou, Jacques. "La représentation du crime dans l'art aux 19ème et 20ème siècles." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010631.

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Abstract:

La reconnaissance d'une autonomie pénale de la création artistique au cours de la période moderne constitue l'énoncé central de cette thèse. Cette autonomie ne revêt cependant pas la forme d'un énoncé légal. La loi ne peut en effet, par principe, avaliser la prétention de l'art à vouloir échapper à son domaine de juridiction. La représentation du crime dans l'art et la littérature est posée en relation a ce chiasme : d'un cote l'art revendique et exerce de fait une autonomie pénale, de l'autre il voudrait voir cette différence avalisée endroit. C'est à l'intérieur d'une relation triangulaire entre l'art, le crime et la loi que la notion de représentation fait l'objet d'une réévaluation permanente. Au cours du 19eme siècle, l'émergence d'un ensemble de dispositions - élaboration de la juridiction moderne, formation de la notion d'avant-garde, consolidation de la fonction d'auteur - donnent à ces recherches leur profil théorique spécifique. Le plan veut refléter l'une des orientations théoriques principales mettant en exergue la valeur de fiction de la loi en ce sens que pour appréhender son objet elle doit préalablement le rabattre sur le fil d'une histoire.

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Badet, Muriel. "L'enlèvement : les mouvements du désir : ses représentations dans l'art occidental, de la Renaissance au XXe siècle." Paris, EHESS, 2002. http://www.theses.fr/2002EHES0075.

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Abstract:

L'analyse se fixe sur un vaste choix d'œuvres et de textes littéraires ; ils constituent le corpus de départ. Leur confrontation permet d'étudier les enjeux de la représentation de l'enlèvement. Sans objectif chronologique, mais orientant le choix sur les enlèvements amoureux, la première interrogation se porte sur l'étymologie du terme " enlèvement " et ses diverses acceptions – du rapt (proche du viol) au ravissement (voisin de l'extase mystique). Se dégage une série d'actions comme emporter, soulever, déplacer. Les bouleversements et les élans antinomiques du désir sont figurés par la dynamique de l'enlèvement. Lorsqu'il est passion, l'enlèvement propose des images de traques amoureuses, de fièvres bestiales ; lorsqu'il est stratégies, la représentation arrête le mouvement et se concentre sur la présence de complices ou sur des signes permettant de déceler le piège dans lequel va tomber la victime. Par ailleurs, il apparaît, avec les exemples d'hommes enlevés par des femmes, que le désir est subit plutôt que décidé. La position de domination s'inverse pour celle de dominée. L'enleveur ne semble pas avoir d'autre alternative que de s'emparer du corps convoité. De même, bien plus que la mobilité, l'immobilité devient l'indice de l'émotion. Cette essentielle combinaison de la volonté et de l'apathie touche l'enlevée lorsqu'elle choisit de se laisser enlever. L'inertie figure le consentement et va jusqu'à l'image du ravissement où le corps est terrassé, où l'âme se pâme et s'envole dans une expression d'infinie jouissance. Déplaçant l'analyse vers la pratique sociale, nous constatons que si les enlèvements sont réprimés, les représentations articulent malgré tout l'imaginaire et la symbolique érotique du thème aux lois des alliances matrimoniales, à des discours panégyriques ou hégémoniques
This study is based on a wide range of works and texts which provide the starting point. Their comparison allows to study the stakes of abduction representation. There is no chronological objective, but choosing the love abductions, the first question refers to the etymology of the term “abduction” and its various meanings, from rape to rapture. A whole series of actions follow such as to take away, to lift up, to move. The disruptions and contradictory impulses of desire are represented by the dynamic of abduction. When there is passion, the image used are those of amorous pursuit, brutal fevers; when it is strategic, the representation changes, and concentrates on the presence of accomplices or signs indicating the trap into which the victim will fall. The movement is stopped. In the examples of men abducted by women it would appear that desire is suffered rather than voluntary. The position of domination is reversed for the dominated. The only choice left to the abductor is to grabe the object of desire. At the same time, inertia rather than activity is the emotion's signal. The main combined of power and apathy affect the woman when she has decided to be abducted. The apathy represents and agreement and leads to the abduction, where the body is overwhelmed and where the soul swoons and flys away with a feeling of unlimited pleasure. Moving the study to the social experience, we notice that if abductions are punished, their representations mix the erotic symbol of the subject with the wedding rules, and with panegyric or hegemonic speeches

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Sansy, Danièle. "L'image du juif en France du nord et en Angleterre du XIIe au XVe siècle." Paris 10, 1994. http://www.theses.fr/1994PA100035.

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Abstract:

L'imaginaire du juif en France du nord et en Angleterre, aussi bien dans les textes que dans les représentations figurées, s'articule entre le douzième et le quinzième siècle autour de deux figures principales : le meurtrier du christ et l'infidèle. La responsabilité des juifs dans la crucifixion du christ est sans cesse réaffirmée, réactualisée dans les accusations de meurtre d'enfants chrétiens qui apparaissent en Angleterre et en France dans la seconde moitié du douzième siècle, puis, à partir du milieu du treizième siècle, dans des accusations de profanation d'hostie, en particulier lors du miracle des billettes de 1290. Au fur et à mesure que se développe la dévotion au christ souffrant, le juif est peint de plus en plus comme le bourreau du christ, prenant vie sur la scène des mystères de la passion de la fin du Moyen Age. En tant que non-chrétien, représentant de l'ancienne loi, le juif est conçu comme l'enfant de la synagogue, source permanente de blasphème au sein d'une société chrétienne. Il devient une figure emblématique de l'infidélité, de préférence au musulman, mais ne semble pas avoir été perçu comme un réel danger d'apostasie ou d'hérésie. Les associations entre le juif et le diable demeurent limitées, même si certains attributs iconographiques du juif puisent dans l'iconographie diabolique. L'étude des déformations physiques et des écarts vestimentaires (les signes distinctifs et les couvre-chefs) dans les représentations figurées confirme l'absence de portrait type du juif
The imaginary of the Jew in northern France and in England, as well in the texts as in the pictures, is represend from the twelfth to the fifteenth century by two main figures: the murderer of Christ and the infidel. The Jew’s guilt of Christ’s crucifixion is alleged and repeated in the allegations of christian children murders which occur in the second half of the twelfth century and in the charges of host desecration, particularly in the miracle of billettes in 1920. As the devotion to the suffering Christ is increasing, the Jew is described as Christ’s torturer, becoming a character of the passion plays in the end of the middle ages. As a non-christian, the Jew is considered as synagogue's child and as a permanent source of blasphemy within the Christian society. He becomes an emblematic figure of the infidelity, more than the Saracen, but he is not considered as a real danger of apostasy or heresy. Surprisingly, the associations between the Jew and the devil are very exceptional, even if some iconographic attributes of the Jew come from those of the devil. The study of the physical distortions, the clothing differences, the Jewish badge, and the headdress in the pictures confirms that there is not a typical representation of the Jew

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Guerber-Cahuzac, Chloé. "Le corps réinventé : sens et enjeux de la modélisation du corps humain par le cinéma." Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030033.

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Abstract:

Soumis au récit, le corps au cinéma est souvent réduit à des actes, à des symboles lisibles. Pour réapparaître, il doit s'insurger contre les règles de la fiction et devenir " un corps contre ". Cette réinvention est conditionnée par la spécificité analogique du médium. Pour distinguer les particularités du corps filmé et les enjeux de sa modélisation, nous évoquons la chronophotographie, l'anthropologie visuelle, la sculpture, la peinture et la danse. Notre approche esthétique intègre ainsi des dimensions historique, culturelle, anthropologique et éthique. Puis, quatre cas précis illustrent la construction du corps contre la narration : le personnage keatonien ; le modèle hollywoodien façonné par la censure des années trente ; le motif du corps fragmenté dans le cinéma français des années soixante ; le corps épuisé chez John Cassavetes. Peu à peu, des croyances se dessinent rappelant que toute réinvention du corps relie univers singulier, imaginaire collectif et statut du médium
Subordinated to the narrative, the body in cinema is often reduced to actions, to legible symbols. To reappear as itself, it must revolt against the rules of fiction and become "an opposing body. " This reinvention is governed by the analogical specificity of the medium. To distinguish the particularities of the filmed body and of its modeling, we evoke time-lapse photography, visual anthropology, sculpture, painting, and dance. Our aesthetic approach thus integrates historical, cultural, anthropological, and ethical dimensions. Then, four specific cases illustrate the construction of the body against the narration : the Keatonian character ; the Hollywood model resulting from censorship in the 1930s ; the motif of the fragmented body in the French cinema of the 1960s ; the exhausted body filmed by John Cassavetes. Little by little, concepts emerge to remind us that all reinventions of the body bring together a singular universe, a collective imagination, and the status of the medium

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Tempestini, Isabelle. "De l'icône au portrait : le visage dans la peinture russe." Paris, INALCO, 2001. http://www.theses.fr/2001INAL0012.

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Abstract:

Le visage occupe une place privilégiée dans la peinture russe. Il marque l'art de l'icône tout comme celui du portrait. Son image, sous une forme idéalisée, est présente dans la peinture religieuse ancienne dont les traditions se perpétuent jusqu'à nos jours. La peinture profane apparaît en se détachant progressivement de l'art sacré. Elle est longtemps dominée par le portrait. La thèse est divisée en trois parties. Une analyse des premières effigies, nommées parsuny dès la fin du seizième siècle et au début du dix-septième siècle, montre les liens mutuels qu'elles entretiennent avec l'icône dans le contexte des ateliers du Palais aux Armures du Kremlin. Les princes et les tsars se font représenter les premiers, relayés ensuite par la noblesse. Cette dernière introduit les modes occidentales. On note cependant des résistances dans la peinture provinciale jusqu'au milieu du XIXe siècle. La seconde partie est consacrée à l'étude de l'influence de l'icône et de la parsuna sur le portrait provincial, dit aussi "de marchand". Marchands, paysans aisés ou Vieux-Croyants, pénétrés de culture religieuse, se montrent dans des poses hiératiques, où le visage, sans expression, émerge d'un costume aux couleurs tranchées. Ce type d'image est proche des oeuvres ultimes de Malévitch des années 1930, peintes au moment où les artistes de l'avant-garde redécouvrent leurs propres racines. Ainsi, la troisième partie asssocie les derniers portraits de l'artiste du XXe siècle à la culture religieuse et populaire russe, révélant une continuité dans l'art de ce pays
The face has a privilegied place in Russian painting. It defins the art of icons as well as portraits. Its image, in idealised form, is present in ancient religious painting whose ideas have been followed up to this day. Secular art emerges, progressively breaking away from sacred art, and is constantly dominated by the portrait. The thesis is divided into three parts. An analysis dedicated to early portraits known as parsuny, at the end of the sixteenth and begining of the seventeenth centuriees, shows the links which bind together these effigies with icons in the Kremlin's Armoury Palace. Princes and tsars are the first to get themselves represented, followed by the nobility, who introduced western styles. However, some resistance to these changes can be seen in provincial painting until the first half of the nineteenth century. The second part studies the influence of icon and parsuna on provincial portraiture also called "merchant portraiture". Merchants, rich farmers or Old Believers filled with religious piety commissionned representation of themselves in hieratic postures with expressionless faces emerging from their bright costumes. This type of picture is close to Malevich's ultimate pieces in the thirties, at the time when avant-garde artists went back to their roots. So the third part associates the artist's latest portraits with Russian religious and popular culture, revealing a continuity in Russian art

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Feuillet, Isabelle. "La danse du peintre : essai d'analyse d'une pratique picturale." Rennes 2, 1998. http://www.theses.fr/1998REN20032.

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Abstract:

Nous proposons une analyse comparative entre une forme de pratique picturale et la danse contemporaine. L'approche progressive pose en premier lieu la question du modèle et de l'altérité. Le modèle classique est analyse dans son rapport au peintre, ainsi que le modèle danseur. C'est la présence/absence du modèle danseur qui retient notre attention. L'essentiel de ce que le corps dansant véhicule : la tension, l'énergie, le dessin tentera d'en être le dépositaire jusqu'aux limites de la représentation. A l'oppose de l'image de l'homme de tête, de la mesure, nous tentons l'immersion dans la pratique d'un degré zéro de l'écriture. Le tableau devient plateau. Etre en scène puis 'ob-scene', c'est être immerge dans la peinture tout en s'en dégageant, c'est pour le danseur se sentir danser tout en éprouvant la sensation de se voir danser. Le corps paradigmatique ne tranche plus entre une partie noble et une partie inférieure, celle de l'instinct et du pulsionnel. Le 'corps-entre' trouve sa place entre fondation et ruine. Il s'agit pour le peintre de définir un point de stabilité, un centre qui est chez le danseur, à la fois un lieu de quiétude et de turbulence. L'espace pictural ramène aux dimensions d'une scène est un lieu de dépense, ou faire et défaire est la condition de l'instauration de la peinture. C'est l'arrachement au modèle en tant qu'objet de désir qui provoque l'irresponsabilité de l'acte et crée la véritable rencontre avec la danse
We propose a comparative analysis between a form of pictural practice and contemporary dance. The progressive approach sets in a first place, the problem of the model and otherness. The classical model is analysed in its relation to the painter along with the dancer model. It is the presence / absence of the model which draws our attention here. The drawing will endeavour to assimilate all the tension and energy a dancing body can convey, and so to the limits of representation

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Richard-Jamet, Céline Catherine Jeanne. "Les galeries de "femmes fortes" dans les arts en Europe au XVIe et au XVIIe siécles : une étude iconographique comparative." Bordeaux 3, 2003. http://www.theses.fr/2003BOR30061.

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Abstract:

Héritées du thème des Neuf Preuses, les séries de femmes fortes connaissent un essor important en Italie, puis en France, et se diffusent en Europe au XVIe et au XVIIe siècles. Ces séries ou galeries sont constituées d'héroi͏̈nes, incarnant des vertus précises, qui s'inspirent des qualités féminines, louées par Salomon, dans La femme de caractère, tirée de ses Proverbes. Ces cycles ne s'élaborent qu'après les séries d'hommes illustres, comme pendants, puis acquièrent une autonomie propre. Ils recouvrent diverses fonctions, selon les pays, les époques : en Italie, les premières séries ont une fonction mémoriale, commémorative, puis édifiante, par le biais des cassoni, qui éduquent la jeune épouse ; en France, elles permettent de légitimer l'accession au trône d'une régente et de conforter son pouvoir, procédé réutilisé par les cours hollandaise, florentine et viennoise. L'Espagne privilégie les femmes de la Bible et inonde ses églises de cycles sculptés ou peints sur miroir, destinés à édifier le fidèle ; les séries belges éduquent les moniales, les séries gravées hollandaises encensent la femme au foyer, alors que l'Angleterre semble se démarquer. Reines, femmes de la Bible et amazones apparaissent de manière récurrente dans les séries, au détriment des vestales, des saintes. On jette l'opprobre sur les héroi͏̈nes les plus irréprochables, on justifie les actes des plus barbares ; certaines ne sont pas exemptes d'un certain érotisme, d'une sensualité avérée, faussant ainsi l'image de l'héroi͏̈ne et déformant ses exploits
Originating from the Nine Worthies theme, from them they sometimes adopt the distribution, the Strong Women series blossom as early as the 15th century in Italy, then spread to France and the rest of Europe in 16th and 17th century. These series or galleries, constituted by heroines embodying precise virtues, are inspired by feminine qualities as praised by Salomon in "La femme de Caractère", extracted from his book "Proverbes". They are created only after the "hommes illustres" series, as counterparts, and later acquire their own autonomy. These cycles cover diverse functions depending on the country, the time period : in Italy, the first series serve the function of memory, they are commemorative, then they become edifying, through the cassoni who educate young wives ; in France, they allow to legitimate a regent accession to the throne and to support her power, process who was copied by the Dutch, the Florentine and Viennese court. Spain focuses on women from the Bible and fills its churches of cycles sculpted or painted on mirrors, destined to edifying the faithful ; the Belgium series educate the monks ; the Dutch engraved cycles praise women at home, whereas England seems to be apart. Queens, women from the Bible and amazons appear recurrently in series, to the detriment of vestals and saints. The most irreproachable heroines are disgracied, the most barbaric acts are justified

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Oh, Jin-Kyeong. "La répétition d'images et d'objets du dadaïsme au pop art (des années dix aux années soixante)." Paris 1, 1993. http://www.theses.fr/1993PA010597.

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Abstract:

La répétition d'images et d'objets est un phénomène remarquable qui apparait avec constance dans l'art depuis le début du XXème siècle. Nous pouvons définir trois grandes catégories d'œuvres dans lesquelles la répétition d'images et d'objets prend une fonction bien précise. Il y a en premier lieu la signification iconographique de la répétition due à l'intégration des techniques de reproduction liées à la société industrielle ; en second lieu, l'aspect formel de la répétition d'images ou d'objets figuratifs et concrets dont l'effet va vers l'abstraction ; et enfin l'effet psychologique produit par la répétition : un sentiment d'étrangeté, d'angoisse et d'obsession provoque par les artistes qui simulent volontairement l'état irrationnel. La répétition la plus stéréotypée et dépersonnalisée sert paradoxalement aux artistes modernes a varier les styles et à rechercher leur propre langage artistique; malgré la répétition, tant qu'il y aura l'esprit d'innovation et la volonté de faire des recherches, des expérimentations esthétiques et plastiques, les œuvres d'art auront toujours une valeur originale et unique
The repetition of images and of objects is a remarkable and constant phenomenon in the modern ar. We can define three categories of works of art in which the repeated images and objects appear. First, the iconographical significance of the repetition due to the techniques of reproduction connected with the modern industrial society ; second, the formal abstract effect of the repeated figurative images or objects ; third, psychological effect of the repetition : feelings of strangeness, anguihs and obsession. In modern art, the artists use the monotonous repetition to search for their own artistic language and to prodduce, paradoxically, a variation of style. Even though it is a matter of the stereotyped and depersonalized repetition, as long as there is a will of artists to pursue the aesthetic and plastic investigations and experimentations, the works of art will always have the value of originality and of uniqueness

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Ansen, Selen. "Aux confins du corps : le monstrueux : (esthétique du corps et de l'informe dans le 7e Art." Strasbourg 2, 2001. http://www.theses.fr/2001STR20058.

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Abstract:

La présente thèse propose une réflexion sur la représentation de la monstruosité au cinéma en questionnant le rôle potentiel que revêt la monstruosité dans l'émergence de la corporéité. Considérant l'expression de la monstruosité, elle se propose de la prendre en compte à travers l'étude de deux figures principales du monstre- le monstre naturel et le monstre moral- et de leur mise en scène dans un corpus d'oeuvres constitué par les films : "Freaks" de Tod Browning, "Elephant Man" de David Lynch, "Dead Ringers" de David Cronenberg, "Les yeux sans visage" de Georges Franju et "M" de Fritz Lang. Si le cinéma rend l'homme visible, l'appréhende et le réinvente en le figurant, il révèle non seulement l'humain mais l'inhumain. La présence des monstres au cinéma témoigne de cette intérêt à l'égard de l'inhumain tout en introduisant la représentation de corps ainsi que d'êtres qui bouleversent les normes et les canons édictés. . .

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Magne, Elisabeth. "Les cuisines de la création : approche anthropologique et esthétique de l'alimentaire dans l'art." Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030072.

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Abstract:

De l'antiquite l'histoire de la nature morte commente comme un exploit l'anecdote des raisins peints par zeuxis, raisins si vraisemblables que les oiseaux, abuses, vinrent les picorer. Pour pieger le regard, l'artiste a toujours use de la nourriture comme d'un appat supreme sollicitant ainsi le regard, la main et tous les sens gourmands. Une connivence implicite et jamais dementie s'est peu a peu tissee entre maitres de l'illusion et provisions de table. Natures mortes, cuisines et repas ont alimente les images de l'histoire de l'art. Mais l'origine domestique du theme, ses liens trop charnels avec le corps, avec la digestion, avec la matiere ont entache ses representations ; tenue en pietre estime et donc quelque peu servile, la "peinture du culinaire" a subi silencieusement les assauts des interrogations plastiques. Car c'est dans ce declassement meme, dans cette jachere apparemment vierge de tout grand dessein, qu'ont semble germer de nouveaux modes d'emergence de l'image. Peinture de bouches a rassasier, de ventres a satisfaire, de digestions a venir ; peinture travaillee par le caractere a la fois fecond et ephemere de la nourriture ; peinture de la vie et de la mort toute proche, du plaisir et de l'excrement ; le theme a contamine ceux qui s'y sont adonnes, installant son propre proces au coeur d'une pratique picturale. Et l'on decouvrira, dans cette liberte octroyee aux sans grades, les outils d'un remaniement profond des positions esthetiques
From antiquity on, the history of still life has ranked very high the anecdote of the grapes painted by zeuxis which were so true to life that some birds, thinking they were real, pecked at them. To capture the eye, painters have always used food as bait, which as the utmost balt, appeals to the eye, the hand and all of the greedy senses. An implicit and never failing complicity has been progressively woven between the masters of illusion and provisions. Still lives, cooking and meals have nourished the images of art history. However, the domestic origin of the theme and its coverly carnal links with the body, digestion and with all that is material, have spoilt its representation. Culinary paintings, therefore, held in lowly estime, slavishly went through all sorts of art experiments. It is in this very downgrade into the wasteland, apparently devoid of any ambitions, that new picturial modes have seemed to germinate. Paintings of mouths eager to eat, of bellies avid for food, of digestions to come ; paintings shaped by the very fertile and transient nature of food. The theme of life and of near death, of pleasure and of excrement has contamined those who have indulged in it, setting up its own process at the very heart of a style of painting. In this freedom granted to the low ranked, the tools for a profound reshuffling of aesthetic landmarks will be discovered

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Forbrig, Karsten. "« Il y a derechef : encore une fois : seulement le théâtre » : recycling et covering dans l'oeuvre théâtrale de Werner Schwab." Nantes, 2013. http://www.theses.fr/2013NANT3033.

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Abstract:

« Excédent de poids, insignifiant : amorphe », « extermination de peuple ou mon foie n'a pas de sens », « Pornogeographie » ou « La Ravissante Ronde d'après La Ronde du ravissant Monsieur Arthur Schnitzler »- les titres de ses textes de théâtre annoncent bien la couleur. L'image du provocateur cynique, que Werner Schwab s'est fabriqué, a largement contribuée à son succès théâtral pendant les années 1990. L'auteur autrichien est parvenu à réaliser ce qu'il a appelé son « idée perverse du sauvetage de théâtre » grâce à la réutilisation des objets trouvés autant dans la presse quotidienne que dans al « déchetterie merveilleuse » du théâtre existant. A travers un processus de travail basé sur le recycling et le covering de ces matériaux, Schwab a construit sa propre langue hétérogène qui lui sert de défibrillateur pour « la chose la moins drôle qui existe ». A travers cette monographie, nous proposerons une perspective sur les textes de Werner Schwab qui se concentre sur son entreprise de « sauvetage du théâtre », c'est-à-dire le recycling et covering des éléments de théâtre et le discours métathéâtral qui en découle. Nous montrerons comment cette stratégie de recyclage vise à créer ce qu'on pourrait appeler une théâtralité de la subversion qui réanime l'objet de sa critique.

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Aubert, Alain. "Propositions pour une "scenaristique" : "l'intrigue scenarique"." Paris 3, 1996. http://www.theses.fr/1997PA030023.

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Abstract:

Dans la scenarisation de film, se trouve "l'intrigue scenarique". Pour l'etudier, on situe la scenarisation dans l'ensemble du cinema. Celui-ci se divise en dix sous-territoires determinant le scenario. Ceci constituera l'environnement exterieur general de l'intrigue. On subdivise ensuite la scenarisation elle-meme en huit polarites. Outre sources et enquete, on peut distinguer : idee, problematique, scheme, personnage, intrigue, spatialisation, temporalisation, dialogue ceci constituera l'environnement interne specifique de l'intrigue. On abordera alors valablement l'analyse de "l'intrigue scenarique". Elle est d'abord faite d'une matiere du contenu que l'on peut voir comme constituee de bassins semantiques (de la "loi" au "destin"). Ensuite, elle semble se conformer a une meme forme de l'expression ou schema ternaire existentiel oblige (situation-action-situation). Puis elle se manifeste grace a sa propre matiere de l'expression, non pas d'emblee des personnages, mais quatre axes d'interactions, socio-economiques, structurales, dramaturgiques, socio-psychiques. Enfin elle se soumet a certains modes de la forme de l'expression, (logique, vraisemblable, dramatisation, satirisation, ou leur refus). En liant l'ensemble au decoupage et a la double-lecture du script, on entrevoit alors les premiers fondements d'une "scenaristique"
The "scenaric plot" can be found in film scenarisation. In order to study it, we will situate scenarisation in cinema as a whole. Cinema is divided into ten sub-territories that determine the scenario. This will constitute the general environment of the plot. We can then subdivide scenarisation in eight polarities. Besides sources and investigation, we can distinguish : idea, problematic, scheme, character, plot, spatial organisation, timing and dialogue. This will constitute the specific internal environment of the plot. We will then validly deal with the analysis of the "scenaric plot". In the first place, it is made of matter of "contents", which can be seen as composed of "semantic basins" (from "law" to "destiny"). Secondly, it seems to conform to a same form of expression, or obliged ternary existential scheme (situation-action-situation). Then it comes out, thanks to its own matter of expression, not the characters, but four axis of interactions: socio-economical, strutural, dramaturgical, and socio-psychic. At last, it complies with certain modes of the form of expression (logic, credibility: dramatization, "satirisation"). We then can foresee a "scenaristic"

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Peri, Francesco. "Art des nerfs, nerfs d’artiste. Modernité et maladies nerveuses dans la littérature française et allemande, 1865-1914." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCA025.

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Abstract:

Sur la base d’un examen combiné d’ouvrages médicaux, scientifiques, littéraires et critiques, ce travail développe une généalogie transnationale de la notion de Nervenkunst (« art des nerfs »). À partir d’une reconstitution des origines françaises des discours sédimentés dans cette catégorie (ainsi que de leurs sources prérévolutionnaires et antiques), on démontre que l’idée d’un lien génétique entre l’écriture et le système nerveux, dont on a fait jusqu’ici une particularité de la littérature autrichienne des années 1890, peut-être une préfiguration de la psychanalyse, constitue, en réalité, l’aboutissement d’un système d’échanges et de transformations échelonnés sur plusieurs siècles, et dont les trajectoires convergent à l’époque du naturalisme. La première partie est consacrée à l’invention des « nerfs modernes », soit à une histoire culturelle des imaginaires du système nerveux avant et après 1789. La deuxième partie décrit la formation d’une idée de l’écrivain des nerfs à l’époque du Second Empire et de la Troisième République naissante (à partir notamment de l’œuvre des frères Goncourt). La troisième partie s’interroge sur la germanisation de ces contenus : comment tout cela est passé dans les pays de langue allemande entre 1870 et 1890, à un moment où les rapports avec la France étaient problématiques ? La réponse passe par un système de transferts et de regards croisés qui implique l’Autriche et la Scandinavie
Based on a cross-examination of medical, scientific, literary, and critical materials, this work attempts a transnational genealogy of the concept of Nervenkunst (“art of the nerves”). Through a historical reconstruction of the French origins of the discourses that coalesce in that category (and a survey of their prerevolutionary and ancient sources), our research proves that a genetic connection between the writer’s craft and the nervous system is neither a peculiarity of Austrian literature in the 1890s nor a premonition of psychoanalysis, but the product of a system of exchanges and transformations that span several centuries, to converge in the years of early Naturalism. The first part chronicles the invention of “modern nerves”; in other words, it offers a cultural history of the neurological imagination before and after 1789. The second part describes the genesis of an idea of the nervous author during the Second Empire and the early Third Republic (focusing on the work of the Goncourt brothers and their entourage). The third part deals with the germanization of these originally French contents: how did these notions take root in the German-speaking world at a time (1870-1890) when Berlin’s relations with Paris were problematic at best? The answer lies in a system of cultural mediations and mutual perceptions that involves, among other things, Austria and Scandinavia

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Foucher, Stéphanie Gabrielle Dominique. "Le décor sculpté cistercien d'inspiration végétale dans l'Ouest de la France : XII-XIVe siècles." Poitiers, 2003. http://www.theses.fr/2003POIT5018.

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Abstract:

Le répertoire sculpté des abbayes cisterciennes médiévales est très souvent perçu comme présentant une certaine unité, généralement simplement définie par des motifs sobres exclusivement d'inspiration végétale. Un inventaire complet des supports cisterciens au sein d'une zone correspondant au grand ouest de la France a permis de mener une analyse approfondie du corpus sculpté cistercien d'inspiration végétale romane ou gothique. En analysant indépendamment les supports, les motifs, les compositions ou les rapprochements avec des répertoires non cisterciens locaux, il a été possible de discerner différentes caractéristiques contribuant à définir précisément le décor sculpté cistercien médiéval d'inspiration végétale
The inventory of sculptures from medieval cistercian abbeys is very often perceived as offering a unity typically defined by simple motifs exclusively based on vegetal representation. A complete inventory of cistercian supports inside a zone corresponding to greater Western France has allowed to conduct a detaile analysis of the sculptures cistercian corpus of vegetal inspiration of the roman or gothisc area. An independant analysis of the supports, motifs, compositions and comparisons with local non cistercian repertories has made it possible to identify the characte stics wich have contributed to define with precision the medieval sculptured cistercian decor of vegetal inspiration

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Schaub, Nicolas. "L'Armée d'Afrique et la représentation de l'Algérie sous la Monarchie de juillet." Strasbourg, 2010. http://www.theses.fr/2010STRA1021.

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Abstract:

Quel corpus d’images ont constitué les artistes qui ont accompagné l’armée d’Afrique après la conquête d’Alger en 1830 et comment l’ont-ils réalisé ? Quelle a été la circulation de ces images ? Dans quelle mesure ont-elles joué un rôle majeur dans la constitution de l’orientalisme européen au XIXe siècle ? Telles sont les questions auxquelles nous avons voulu répondre dans cette thèse. Entre 1830 et 1850 la conquête militaire et politique de l’espace algérien s’accompagne de la diffusion de créations textuelles et visuelles (estampes, dessins, peintures, photographies et sculptures) qui modèlent ce territoire. En quelques décennies, un déploiement de représentations et de formes contradictoires, relativement autonomes, atteint le public européen. La circulation de ces motifs orientalistes profite de l’expansion des procédés industriels dans le domaine des productions visuelles. Ces images sont chargées d’affects qui investissent jusqu’ à aujourd’hui nos différents regards. Comprendre la genèse de ces images suppose d’interroger les rapports complexes entre producteurs de formes artistiques et autorités militaires et politiques qui imposent le nouveau cadre colonial en Algérie. La plupart des artistes à qui l’on doit les images les plus fortes dans la culture visuelle du XIXe siècle se sont en effet enrôlés aux côtés des militaires. Il a fallu retracer le parcours des créateurs qui ont rapporté d’Algérie leurs expériences les plus proches du terrain, élaborant des représentations qui appartiennent certes aux fantasmes « orientalistes », mais reposent aussi sur des perceptions de la réalité
Many artists followed the Army of Africa after the conquest of Algiers in 1830. What corpus of pictures did these artists constitute and how did they achieve it? How did these pictures get around? To what extent did they play a role in the formation of the European orientalism during the XIXe century? These are the questions we wanted to answer in this thesis. Between 1830 and 1850 the military and political conquest of the Algerian space comes with the diffusion of textual and visual creations (engravings, drawings, paintings, photographs and sculptures) that shaped the algerian territory. In a few decades, a spreading of contradictory and relatively autonomous representations reached the European public. The circulation of these orientalist features took advantage of the expansion of the industrial processes in the domain of image-making. The affects carried by these pictures influenced our gaze durably, and are still active today. Any understanding of the genesis of these pictures implies a review of the complex relationships between image-makers, and military or political authorities that imposed the new colonial setting in Algeria. Most artists to whom one owes the strongest pictures of the XIXe century visual culture were themselves enlisted among the soldiers. This work argues that it has become a necessity to trace back the path of these artists and image-makers that returned from Algeria with their experiences of the land, elaborating representations that belong without any doubt to the ‘orientalists’ fantasies, but also rest upon a particular perception of reality

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Lagou, Ioanna. "L'iconographie de l'enfance dans l'aire byzantine à l'époque des Paléologues." Paris, EPHE, 2009. http://www.theses.fr/2009EPHE5026.

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Abstract:

Cette thèse traite l’iconographie de l’enfance à travers l’image de trois types d’enfants : l’enfant impérial, l’enfant noble et l’enfant anonyme. Les deux premiers apparaissent souvent dans des portraits familiaux ; l’image de l’enfant anonyme est étudiée dans certaines scènes christologiques, dans la représentation des enfants auprès de saints personnages ou encore dans des scènes inspirées par la liturgie. Le statut de l’enfance est brièvement étudié dans le premier chapitre, tandis que les deux chapitres suivants analysent la présence des enfants dans l’imagerie, tous supports confondus, à l’aide de divers exemples, et le cas échéant, à l’aide des témoignages textuels de l’époque. Certains exemples ont plus longuement retenu l’attention : ceux pour lesquels est proposée une nouvelle interprétation, tel le portrait de la « despotissa » d’Arta Théodora accompagnée d’un petit prince, ou ceux dont la richesse iconographique est remarquable, comme la scène de l’Entrée à Jérusalem. Ce travail n’est pas exhaustif, mais essaie de montrer, à partir de l’étude de l’iconographie enfantine, quels étaient la place et le rôle des enfants dans la société byzantine à l’époque paléologue. Leur image est en effet le reflet d’une période en plein bouleversement politique et social, pendant laquelle l’individu trouve de nouvelles voies d’émancipation et qui laisse plus de place à l’initiative des donateurs et des artistes. La production artistique propose de nouvelles formules ou revisite celles déjà établies dans le répertoire iconographique. Dans ce cadre, la présence de l’enfance est constante et porte des messages qui lui sont propres
Subject of the present study, concerned with the iconography of childhood, is the illustration of three types of children: the imperial, the noble and the common. The first two types are often traced in family portraits; the common child icon is mainly studied in Christological scenes, in scenes with saints and in scenes portraying certain liturgical activities. In the first chapter the status of children within society is briefly addressed, while in chapters two and three using a variety of works of art as example, supported also, when that possible, by textual evidence of the period that produced them, a more thorough analysis of the presence of children in the iconography is attempted. Some of these are analysed in more detail as arguments establishing a new interpretation of scenes arise, as is the case of the portrait of “Despotissa” of Arta Theodora who is depicted with a little prince or others because of their remarkable iconographical theme, such as the composition of the Entry into Jerusalem. This study is not exhaustive, but it is an effort to understand, through the iconography of childhood, which was the place and role of children in the byzantine society of Paleologan times. The icon of children is the product of a period of constant changes in both the political and social field where the individual finds new means of emancipation, and donors, as well as artists, have more often the opportunity to take initiatives. The artistic production proposes new iconographic formulas or revisits the old ones. In this context, the presence of children is constant and manifests its own value

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Bégasse, Hubert. "L'esthétique de la simultanéité dans la peinture de Robert Delaunay." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010689.

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Chen, Shu-Hwa. "Les Bohémiens dans l'art français au XVIIème siècle." Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010627.

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Abstract:

Cette thèse propose une étude historique et iconographique du bohémien en Europe et plus particulièrement dans la société française du XVIIème siècle. Nous avons divisé notre travail en deux parties bien distinctes, à savoir une partie historique et sociologique, et une autre partie strictement iconographique. Dans une première partie, nous avons proposé d'étudier l'histoire et les spécificités de ce peuple mythique à travers les témoignages historiques et littéraires. Cette étude typologique des bohémiens dans l'ancienne France nous aide à comprendre les sources d'inspiration dont disposent les artistes. En groupes ou individualisés, que ce soit comme personnage principale ou simplement comme personnage secondaire intégré dans la composition, les bohémiens marquent plus que jamais de leur empreinte les arts plastiques que nous avons étudiés dans un second temps. Nous avons distingué deux grands types d'œuvres : œuvres profanes et œuvres religieuses. Dans l'un et l'autre cas, l'artiste utilise la plupart du temps la figure du bohémien à des fins moralisantes. La remarquable présence du bohémien dans l'iconographie reflète en effet l'imaginaire et la spiritualité des sociétés occidentales au XVIIème siècle
This thesis is proposing un historic and iconographical study about bohemian in Europe and most particularly in the french society during the seventeenth century. We have divided our work into two distincthy parties, i. E. One side historic and sociological and the other side structhy iconographical. On the first side, we have proposed to study the history and the specificities about those mythical people through the historical and the literary statements. This typological study about bohemians in the ancient france helped us to understand the sources inspirations whose artists disposed. If they form groups or if they developped a personality of one's own, even as a leading or as a secondary person intergrated in the plastic arts which we have study in the second part. We have distinguished two big kind of works : profane works and religions. In one case or in another, the artist is using the most of times the bohemian figure with a moralizing objective. The remarkable presence of the bohemian in the iconography is mirrored the imaginaires and the spirituality of the occidenta societies at the seventeenth century

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Decanis, Gilles. "Dédoublements et redoublements photographiques." Aix-Marseille 1, 2005. http://www.theses.fr/2005AIX10046.

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Abstract:

L'étude de la figure du double au sein des photographies artistiques met en lumière la véritable nature du média argentique. Multipliée, l'image apparaît comme un motif reproduit, plat et, malgré son apparente crédibilité, dépossédé de son autorité. Plus elle décrit précisément l'irréel et moins la précision qui est la sienne demeure un gage de réalisme,. Ainsi, le double utilisé comme sujet et assumé comme illusion invalide l'illusion du double et de la photographie comme double du réel. Les trucages de certaines images nous font par ailleurs toucher du doigt la différence entre l'impression de réel caractérisant la photographie et l'adéquation au visible que suppose le réalisme. En comparant la photographie et la figure du double, on voit qu'elles sont inassimilables. Cependant, l'image peut aussi être prise comme un double parce qu'elle devient un substitut, une représentation qui bénéficie d'une apparence objective pour se donner pour le reflet du réel, alors qu'elle le reconstitue.

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Dumas, Robert. "Traité de l'arbre." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010651.

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Abstract:

Ce traité de l'arbre rend compte de la pregnance de l'arbre dans la culture occidentale, de sa présence permanente même si c'est sous des formes differentes. Materiellement d'abord les hommes ne se sont civilisés que par la multiplicité des rapports qu'ils ont entretenus avec les arbres, conditions de leur chauffage, de leur habitation et de leur navigation. Sans doute faut-il comprendre l'insistance du symbole de l'arbre dans les religions comme une reconnaissaance de dettes sinon comme l'intuition d'un savoir à venir, dont les métaphores litteraires ou les analogies philosophiques donnèrent les premieres traductions non sacrées. La tardive naissance d'une science des arbres éclairé comment l'état en France a gouverné les arbres: une perspective cavalière de l'histoire des rapports entre les arbres et l'état manifeste bien les préoccupations, les savoirs et les stratégies qui permettent de confirmer l'histoire des types d'etats proposes par des historiens de la puissance publique. Enfin toutes ces analyses suscitent un étonnement puisque ce n'est qu'au XIXe siècle que l'arbre triomphe dans l'espace représentatif des tableaux tout en contribuant à la ruine du système pictural qui le fête enfin, et qu'il finit par livrer les secrets chimiques qui conditionnent sa vie. La rationalité tard venue justifie la célébration de l'arbre, qui quitte son rôle de support ou de motif pour devenir un monde plastique se suffisant à lui-même.

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Vieillefon, Laurence. "La figure d'Orphée dans l'antiquité tardive : les mutations d'un mythe : du héros païen au chantre chrétien." Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/1999PA040248.

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Abstract:

Cette recherche est consacrée au héros mythologique Orphée durant l'antiquité tardive (IIIe-VIIe siècle ap. J. C. ). Elle s'appuie d'abord sur les images du musicien apparues dans l'empire romain mais aussi sur les textes antiques le mentionnant. Ces deux types de témoignages ont été regroupés en deux catalogues (volume II et annexe 2). La réflexion proposée dans la synthèse (volume I) utilise également l'histoire des mentalités et des religions, de même que les différents aspects d'Orphée depuis ses origines archaïques. Le but est de comprendre la grande popularité du héros à l’époque tardive, de retrouver les rôles qu'il y tenait et surtout de retracer comment une figure du paganisme gréco-romain a pu trouver place dans l'iconographie des premiers chrétiens. La première partie est centrée sur les images, païennes et chrétiennes, (mosaïques, reliefs, céramiques, arts précieux) qui dévoilent une scène uniformisée montrant Orphée parmi les animaux ; dans la deuxième partie, les textes (des mythographes, des poètes, des philosophes, des pères de l'église) révèlent une figure plus diversifiée de théologien, de purificateur, de magicien. . . Dans la troisième partie, nous voyons que ce personnage, à la fois hors du monde et nécessaire au monde, se rapproche du type du theios aner et prend alors une dimension plus universelle. C'est ce qui lui permet d'être assimile par la nouvelle religion chrétienne comme figure inspirée, porteuse de paix, synonyme du lien entre le divin et l'humain.

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Bellehigue, Myriam. "Elizabeth Bishop : un art de l'exil." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030114.

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Abstract:

Cette thèse analyse les oeuvres poétiques en prose, mais aussi la correspondance, les manuscrits inédits, les traductions et les tableaux d'elizabeth Bishop. L'exil est le fil directeur dans l'exploration des différentes "épreuves de l'étranger" auxquelles le sujet poétique est confronté dans sa relation au monde, à lui-même et au langage. L'introspection, la stase et la discordance sont parmi les attitudes mélancoliques qui marquent le refus de la perte, première étape de ce parcours d'exilé. Puis, le déracinement et le dessaisissement sont acceptés : par le mouvement et l'acquisition d'un regard neuf et nai͏̈f, le sujet s'ouvre à l'inconnu et à la surprise. Il dresse alors une cartographie poétique "proliférique" : l'expression désigne une écriture à la fois prolifique et périphérique qui permet de décrire une réalité métamorphique et secrète ; elle permet aussi de faire du poème un espace de désirs qui s'offre et se dérobe au lecteur dans le même temps. .
This thesis analyses the poetical and prose works of Elizabeth Bishop alongside her letters, unpublished manuscripts, translations and paintings. The thematics of "exile" enable us to study the various forms of foreignness which the poetic subject has to face in her relation to the world, to herself and to language. Introspection, stasis and discordance help define the melancholy stance that the exiled "I" manifests initially in her refusal of loss. Once uprootedness and dispossession are accepted, the subject, practising movement and acquiring a nai͏̈ve vision, opens up to the unknown and to surprise. She is therefore led to elaborate a "proliferal" (both prolific and peripheral) poetic cartography in order to describe a reality marked by metamorphism and secrety. Moreover, this new style turns the poem into a locus of desire, simultaneously revealing and hiding things to and from its reader. .

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Mostowski, Alexia. "L' écriture du silence : une esthétique de la blancheur dans la poésie française contemporaine : (Eugène Guillevic, Jacques Dupin, Lorand Gaspar, Claude Esteban)." Montpellier 3, 2009. http://www.theses.fr/2009MON30004.

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Abstract:

Cette thèse se propose de mettre en lumière ce qui constitue l'une des tentations majeures de la poésie moderne et contemporaine. Héritière douloureuse de Mallarmé, cette dernière est plus que jamais consciente de la vacuité des mots et de l'impossible langage. Toute certitude de nomination et de possession du monde étant désormais exclues, il faut à la parole poétique traverser l'épreuve de l'anéantissement pour conquérir un nouvel horizon. Cette esthétique du dénuement verbal qu'elle semble aujourd'hui proclamer, pousse à son acmé le paradoxe de son entreprise. L'art du « logos » n'a plus cette convoitise ardente de la parole ; l'objet du désir est maintenant dans le silence, dans les blancs typographiques. Les poèmes minimalistes d'Eugène Guillevic, Lorand Gaspar, Jacques Dupin et Claude Esteban semblent se disloquer sous nos yeux, harcelés et tentés sans cesse par l'évidement, par l'aphasie. La présence au monde du poème contemporain passe ainsi par cette expérience des confins, par cette absence de mots comme si le chant primitif cherchait à travers le silence convoité à retrouver un nouveau souffle
The aim of this thesis is to highlight what constitutes one of the major temptations of modern and contemporary poetry. Heiress of Mallarmé era, poetry is more than ever aware of the vacuity of words and of the inexpressible. All certainty regarding the qualifying and ownership of the world being excluded, poetry has to go throught the ordeal of annihilation to conquer a new horizon. This aesthetics of verbal privation which it seems to claim today, drives to its climax the paradox of its own existence. The art of « logos » doesn't hold this passionate covetousness of the verba ; the object of desire now stands in the silence and the typographic whites. Eugène Guillevic's, Lorand Gaspar's, Jacques Dupin's ans Claude Esteban's minimalist poems seem to dismantle before our eyes, always harrassed and tempted by the hollowing-out, by the aphasia. The contemporary poem's presence in the world, thus, comes trought this experience of furthermost bounds, this ineffable absence of the world, as if the original chant was trying to find again a new breath through the coveted silence

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Gillet, Fanny. "Saisie/dessaisissement : enjeux de l'unité texte/image chez Keats, Tennyson, Rossetti et dans l'art préraphaélite." Toulouse 2, 2008. http://www.theses.fr/2008TOU20101.

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Abstract:

Cette thèse explore les relations qu'ont pu entretenir l'art poétique de Keats, Tennyson et Rossetti avec l'œuvre visuelle du mouvement préraphaélite. La rencontre entre le texte et l'image est particulièrement fructueuse – poèmes mis en tableaux, ekphrasis poétiques, volume illustré issu de la collaboration des artistes, double pratique artistique chez Rossetti. Cette relation forte s'appuie sur une tradition encore très vivace au dix-neuvième siècle anglais, celle de l'ut pictura poesis. Cette comparaison d'Horace invite à placer peinture et poésie en miroir, chaque œuvre se construisant à l'image de l'autre. Or pour le regard qui doit désormais se confronter à deux formes hétéroclites, dotées de leurs propres codes et modalités d'appréhension, le texte/image peut impliquer une certaine gêne. En cela, devenir lecteur/spectateur, déjà, semble l'expérience d'un dessaisissement. Tenter de maintenir l'unicité et l'unité de chaque œuvre, comme garanties de l'originalité artistique, ne se fait de plus qu'au prix de dédoublements et de miroitements qui interdisent la stabilité de l'interprétation. Si l'on accepte ce dessaisissement, l'élan réciproque du poème au tableau paraît parfois tendre vers, voir se suturer en un espace unique, qui permettrait dès lors une saisie globale, un tissage des formes, une façon de penser les deux moitiés comme indissociables l'une de l'autre. La suturation, brèche et potentielle blessure, doit alors s'envisager comme une entité texte/image dynamique, qui renonce à la fixité par l'ébauche, l'inachèvement, pour nous entraîner vers un espace/temps plus complexe, celui du parcours labyrinthique où le texte/image se fait quête
This dissertation on word and image focuses on the relationship connecting Keats, Tennyson, Rossetti's poetry and Pre-Raphaelite art, be it through visual representations of poems, ekphrastic works, illustrated books, or Rossetti's “double works” of art linking poem and painting. This strong link partly results from the persistence in nineteenth-century England of the powerful tradition of ut pictura poesis, a comparison by Horace which has been used to blend poetry and painting, as if they were mirror images of each other. However, since they remain heterogeneous forms of art, each with its own codes and modes of apprehension, we can wonder whether simultaneous perception may entail no uneasiness. Indeed, being a reader/viewer implies, from the very start, abandoning some habits of perception. Even as we try to maintain the uniqueness of each work of art, doublings, mirroring effects debunk stable interpretation. If we admit this form of amazement implied by word and image, there might be a way of considering them as a whole, each aspiring to find completeness by including the other: only then may they become inseparable “halves”. There still exists a potentially painful interstice between the two that the art of inachievement, through sketches or suspension, sublimates, creating a more complex unity, a dynamic process aiming to grasp both poetry and painting, in which the reader/viewer enters the path of labyrinthine a(maze)ment

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Thoury, Corinne de. "Le couteau et la croix, émergence du paradoxe : esthétique et poi͏̈étique du sacrifice dans l'art à travers les figures d'Isaac et du Christ." Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030163.

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Abstract:

Les deux grands sacrifices bibliques engagent des séries de contradiction qui sont autant d'apories pour la constitution d'un sens. Isaac, enfant de la Promesse sacrée, risque de mourir dans une épreuve envoyée par dieu ; le christ, Verbe fait chair, meurt sous le châtiment que le pouvoir réserve aux criminels et aux esclaves. Dans le champ artistique, les images de la Crucifixion et celles d'Isaac sur l'autel observe une polymorphie qui consacre la complexité des figures au sacrifice et soulève la question de la corporéité. Cette question perce dans les débats théologiques des premiers siècles de notre ère et se règle dans la proclamation du dogme de l'Incarnation, structuré sur un paradoxe. .
The two great biblical sacrifices give rise to a number of inconsistencies, which are difficulties to define an interpretation. Isaac, son of the Holy Promise, risks death by a test sent by God himself ; Christ, becomes flesh, dies subjected to a punishment reserved for criminals and slaves by the state. From an artistic point of view, Crucifixion and Isaac on the altar display a polymorphy, illustration of the complexity of the faces linked to the sacrifice and raise the question of the different ways to picture the body. This question penetrates the theological debate of the first centuries of our era and the answer was the proclamation of the Incarnation dogma, founded on a paradox. .

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Citerne, Pierre. "Les poissons dans l'art paléolithique : un thème figuratif au cœur de l'iconographie magdalénienne." Toulouse 2, 2003. http://www.theses.fr/2003TOU20081.

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Abstract:

L'étude des représentations paléolithiques de poissons s'articule autour du renouvellement du corpus iconographique et de l'analyse des modalités d'expression de ce thème figuratif, tant externes (distributions géographiques et chronoculturelles, nature et fonction des supports, associations thématiques) qu'internes (divers aspects du style, éléments structuraux et descriptifs de l'image, détermination spécifique). Deux approches viendront compléter l'analyse en développant les perspectives d'une meilleure compréhension globale du contexte culturel dans lequel s'est épanoui l'art paléolithique : l'étude au travers du cas des "signes pisciformes" des liens graphiques et sémantiques pouvant exister entre figuration et abstraction ; la mise en lumière de phénomènes culturels par l'analyse statistique de caractères formels
Study of fish representations in paleolithic art is based on reappraisal of the iconographic corpus and analysis of the modalities of expression shown by this figurative theme, be they external (geographical and chronocultural distributional patterns, nature and function of supports and techniques, thematical associations), or internal (stylistical diversity, structural and descriptive graphic elements, specific determination). Two subsequent approaches will complete this analysis, opening out on perspectives of a better global understanding of the cultural contexts in which paleolithic art flourished : study, through the particular case of pisciform signsʺ, of the formal and semantical links that possibly exist between abstraction and figuration ; highlighting of cultural phenomena through statistical analysis of formal characters

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Baracca, Pierre. "La matérialité, une emblématique artistique : un mouvement long de Giotto aux installations, sociologie de l'art." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030129.

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Abstract:

Cette recherche sociologique examine la signification sociale de l'irruption massive des objets dans l'art contemporain occidental vers 1960 qui achève un mouvement long allant de l'introduction des objets dans les images religieuses (Giotto) à leur représentation picturale (Natures mortes), puis à leur présentation concrète (ready-mades, Accumulations, installations). La notion d'emblématique artistique de la matérialité permet d'intégrer ces pratiques artistiques aux stratégies sociales d'appropriation positive de la vie terrestre et de désenchantement du monde (cf. M. Weber). La notion d'emblématique artistique propose, via la résilience, de faire de l'artiste un sujet actif de la production et de la réception de l'art en l'articulant aux groupes sociaux, aux institutions et à la socialisation. Cette notion rediscute les rapports de l'art à l'idéologie, l'emploi des métaphores économiques (marché, concurrence, bien) dans le champ artistique, la réception en cercles concentriques
This sociological research deals with the social meaning of the sudden flow of objects into contemporary Western art that occurred about 1960, at the tail-end of a long-lasting process in the course of which objects were first introduced into religious imagery (Giotto), then became the subject of pictures (Still Lifes), finally to be presented in concrete form (as ready-mades, accumulations, installations). Introducing the notion of ‘artistic emblematics' as applied to materiality, will enable us to assimilate these artistic practices to social strategies for the positive appropriation of earthly life and for disenchanting the world (cf. M. Weber). This notion of ‘artistic emblematics' points, via that of resilience, to a vision of the artist as an active subject of the production and reception of art, by showing how she operates within social groups, institutions and socialization. This notion reopens the debate on the relationship of art with ideology, the use of economic metaphors (market, competition, goods) in the artistic field, and reception in concentric circles

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Lazaris, Stavros. "Art et science au moyen age : l'illustration des manuscrits grecs hippiatriques. etude iconographique et analyse des rapports texte-image." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 1997. http://www.theses.fr/1997STR20017.

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Abstract:

Le present travail se fonde sur un traite grec inedit relatif aux maladies de chevaux et sur son illustration. Il s'agit d'un abrege de la collection hippiatrique grecque connu sous le nom d'epitome et conserve, entre autres, dans deux manuscrits illustres du xive siecle. En choisissant de travailler sur un sujet, qui, de par sa nature-meme, embrasse deux domaines differents (la philologie, limitee a son seul aspect d'histoire des textes, et l'histoire de l'art) l'auteur s'est fixe plusieurs objectifs. Parmi les plus importants, le premier consiste a dresser un bilan de la medecine hippiatrique grecque au moyen age et le second, a etudier l'illustration scientifique et les rapports qu'elle entretient avec le mot ecrit. Les auteurs hippiatres grecs de l'antiquite tardive et du haut moyen age ont ainsi ete etudies les uns apres les autres. Des modifications, d'apres des elements nouveaux, ont pu etre apportees quant a la chronologie de certains de ces auteurs. Leur production scientifique et leur posterite dans l'empire byzantin ainsi que leur influence, directe et indirecte, sur les auteurs occidentaux et arabes ont fait l'objet d'une etude detaillee. Enfin, outre une description codicologique des deux manuscrits grecs illustres, un inventaire, qui s'est voulu exhaustif, de manuscrits hippiatriques byzantins, occidentaux et arabes, incluant de nouveaux temoins, a ete dresse. Un "code descriptif" elabore par l'auteur a ete utilise pour la description de toutes les miniatures de chaque manuscrit. Celles-ci ont ensuite ete analysees, successivement, dans leurs rapports avec le texte qu'elles illustrent. Et l'etude iconographique qui leur est consacree prend en compte, non seulement l'illustration hippiatrique de manuscrits occidentaux, mais egalement des oeuvres artistiques aussi variees que les mosaiques, les fresques ou encore les miniatures allant de l'antiquite jusqu'au moyen age. Enfin, le role de ces illustrations pour les utilisateurs du texte, leur fonction et leur place au sein de la societe byzantine font l'objet d'un dernier chapitre.

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Dobre, Cristina Madalina. "Viziunea mortii în cultura cultura româna veche." Paris 12, 2007. https://athena.u-pec.fr/primo-explore/search?query=any,exact,990002534450204611&vid=upec.

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Abstract:

Quel rapport, les Roumains d'antan, entretenaient-ils avec la mort ? Telle est la question à laquelle nous avons essayé de trouver des réponses plausibles en confrontant quatre types de discours : religieux, littéraires, iconographique et rituel. Chacun, avec sa dose de schématisme dû aux rigueurs du genre, porte l'empreinte du crétaeur et de la mentalité de son époque. Les sources choisies - homilétique funèbre, textes historiographiques, livres populaires, oeuvres des auteurs marquant de l'époque, scènes iconographiques - ont délimité l'espace temporel de l'investigation : XVIIe-XIXe siècles. La relation fondamentale destinée à assurer la cohérence de la démarche et à présenter les mentalités des Roumains liées au passage et l'évolution de la symbolique y relative a été celle entre l'écrit, l'image et la tradition orale
The thesis' prupose is to catch the way in which the Romanians from the past related themselves to the death, the network between the gestures and behaviors through which they faced it, putting face to face four types of discourses : religious, literary, iconographical and ritual. The quoted sources - historiographical texts, literary creations belonging to some diverse sprecies and genres, homiletics funeral, iconographical scenes, reports of foreign travelers - have determined the time qpan of this case study : 17th-19th century. The basic relationship ment to give coherence and to offer and even right idea on collective menthalities about death was that one between writting, image and oral tradition. From the superposes and the interlaces of these levels the face of a terrifying reality revealed itself like in a puzzle, as well as the ways by which the communities tried to accept it in its quality of ineluctable reality and to understand its reason to be

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Fürdös, David. "Priape dans la littérature et l'iconographie du monde gréco-romain." Lille 3, 2011. http://www.theses.fr/2011LIL30009.

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Abstract:

Priape est certes l'un des dieux les plus populaires de l'Antiquité, mais il est aussi le plus mal connu, méprisé et raillé de tout le panthéon gréco-romain. Comment en effet imaginer, à notre époque si partagée en matière religieuse, que les Anciens aient pu croire en une divinité aussi obscène, paillarde, ridicule parfois ? La présente étude s'attache à réhabiliter Priape en montrant comment s'est forgée la complexité de sa représentation selon le lieu, l'endroit et les attentes du commanditaire de la figuration. La garde-robe, particulièrement riche et variée, dont il est revêtu, dément la réputation de nudité agressive qui caractérise ce dieu dont la gestuelle diverse et chargée de symboles contredit un autre préjugé tenace : son attitude exhibitionniste invariable. Originaire d'Asie Mineure, Priape est parvenu à Rome avec tout un bagage culturel dont il s'est doté en traversant les pays et régions où s'est implanté son culte à un point tel qu'il parvient à toucher toutes les couches de la population, devenant l'une des divinités les plus représentées de toute l'Antiquité. Un genre littéraire lui est même consacré, laissant son empreinte dans les légendes construites autour du personnage qu'est Priape. La constitution d'un corpus iconographique considérable permet à cette étude d'établir des comparaisons, constantes et divergences dans les représentations du dieu et de les confronter à la majorité des textes rédigés en langues latine et grecque évoquant Priape. Par l'intermédiaire de trois annexes jamais encore rassemblées et confrontées qui enrichisssent ce travail, nous espérons pouvoir aider à reconstruire la figure de ce dieu qui mérite d'être mieux connu
Priapus is one of the most popular god of antiquity, but he is also the most unknown, scoffed and scorned of all greek and roman gods. Indeed, how is it possible to think, in our so religiously shared times, that the people of Antiquity could have believed in such an obscene, bawdy and sometimes ridiculous god ? The goal of our study is to clear Priapus' reputation showing how complex his representation was, according to the place, and the will of the sponsor of the representation. The particularly rich and various clothing he wears goes against the reputation of aggressive nudity, characteristic of this god whose various body movements, full of symbols, is in contradiction with another strong prejudice : his unvarying exhibitionist behaviour. Coming from Minor Asia, Priapus arrived in Rome with a cultural background, that he constitued going across all the countries and the regions where his cult settled down to such an extent that he managed to reach all the layers of the population, becoming therefore one of the most represented divinity of antiquity. A literary genre is even dedicated to Priapus, giving his footprint in the legends that are built around his character. The making of a considerable iconographical study allows to our study the establishment of comparisons, constants and differences in the representations of the god and to make a confrontation with greek and latin texts about Priapus. Through the three appendices that have never been gathered and that enrich this work, we hope to help restoring the character of this god who should be better known

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Krzywkowski, Isabelle. "Le jardin des songes : étude sur la symbolique du jardin dans la littérature et l'iconographie fin-de-siècle." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040145.

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Abstract:

Le projet de ce mémoire est à la fois de donner, par l'intermédiaire du jardin, un aperçu du paysage imaginaire fin-de-siècle, et en même temps de proposer une approche pour l'analyse de l'espace dans la fiction. Après avoir étudié les contraintes liées aux caractéristiques spatiales propres au jardin, ainsi que les éléments induits par le topos dans lequel il s'inscrit, il nous a été possible de montrer comment l'époque, par les scènes qu'elle situe dans le jardin, détournait une tradition. Cela nous a également permis de prouver qu'elle mettait en œuvre, tant en littérature qu'en peinture, une approche de l'espace qui illustrait ses principes esthétiques : le jardin, en effet, dans la mesure où il repose sur l'artifice et se présente, contrairement à la nature, comme un lieu qui risque toujours de dégénérer, apparait comme un archétype de l'espace fin-de-siècle. Sa représentation reposant sur la métaphore et l'oxymore, il pervertit les catégories de la classification, et se présente comme un motif privilégié pour remettre en cause les règles académiques de la mimesis
The aim of this thesis is two-fold. It offers a vision of the imaginary fin-de-siècle landscape, and it proposes a way to analyse fictional space. After having studied the inherent constraints of the spatial characteristics of gardens, as well as the elements that issue from its generic topos, we have shown how the age subverted a tradition by filling the garden with a particular content. This has also allowed us to show that the age organized, both in literature and in painting, an approach to the notion of space which highlighted its aesthetic principles : the garden, in that it is principled in artifice and is presented unlike nature, as a place always on the point to degenerating, appears as an archetype of fin-de-siècle space. Its representation being based on metaphor and oxymoron, the garden perverts the classificatory categories, and thus offers itself as a place where the academic procedures of mimesis are challenged

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Mochiri, Pouneh. "Ut pictura prosa ornata : fonctions et implications de la description d'art dans la littérature en prose au XVIè (Domaine Franco-Italien)." Paris 7, 2002. http://www.theses.fr/2002PA070081.

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Abstract:

Notre réflexion s'exerce sur l'écriture de l'œuvre d'art dans la littérature en prose du XVIe siècle. Tout en prenant en compte les considérations théoriques relatives à la catégorie de l'image ainsi que les débats humanistes menés dans le cadre des traités d'art italiens, l'analyse s'occupe essentiellement des textes d'allure narrative, français et italiens. Le "descriptif", entendu comme une forme d'interférence du visuel dans l'espace textuel, comprend aussi bien l'ekphrasis des artefacta au sens large que l'évocation des ensembles paysagers, les portraits féminins et les scènes archétypales constituant des tableaux virtuels. Ainsi définie, notre étude suit un déroulement en quatre volets : la mise en place d'un univers d'art, le fonctionnement narratif des descriptions, leur dimension herméneutique et enfin leurs enjeux linguistiques. Il s'agit tout d'abord de recenser les principales caractéristiques des objets descriptifs et les considérations esthétiques qui les accompagnent. Il importe ensuite de déterminer les modalités strictement narratives de la description d'art : ses divers modes d'insertion dans le récit, ses fonctions structurelles et les effets d'expansion narrative qu'elle implique. La signification exégétique rattachée à la combinaison de deux codes, iconique et verbal, mérite également d'être élucidée dans la perspective d'une esthétique de la réception. Sont ainsi envisagées les portées didactique, théologique et épistémologique de l'image. Une ultime partie permet enfin d'interroger le lien entre l'écriture de l'œuvre d'art et la défense des vernaculaires. La "prose picturale" participerait, en ce sens, d'un patriotisme littéraire visant à promouvoir le français et à l'enrichir selon les critères rhétoriques de la "variété" et de l'"abondance"
Our reflection bases on the different ways of writing works of art in the prose literature of the sixteenth century. In the same time we consider the theories of image and the humanistic debates in Italian art treatises, we analyse French and Italian narrative texts. The category of "descriptive" includes the ekphrasis of artefacta, as well as descriptions of landscapes, female portraits and pictorial scenes. Our plan is made up of four parts: the components of the artistic atmosphere, the narrative meanings of descriptions, their hermeneutical dimension and their linguistic implication. In the first place, we examine the main characteristics of described artistic articles. Then, we study the narrative functions of art descriptions: the way they are attached to the narration, their structural role and the digressions they induce. Besides, the combination of iconical and verbal codes implies exegesis from readers: that' s the reason why our third part approaches didactic, theological and epistemological meanings of the image. Finally, we'll try to question the link between art descriptions and the defence of vernacular languages. In a certain way, pictorial prose aims at promoting French language, according to the rhetorical criterions of copia and varietas

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Scaccianoce, Luc. "Essai sur les thèmes iconographiques au XIXe siècle et leur évolution." Paris 8, 1992. http://www.theses.fr/1992PA080724.

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Abstract:

Ce que l'on nomme la peinture du xixe ne saurait etre circonscrit par une date seculaire. Bien que tous les genres aient ete pratiques, la specificite du xixe s. Est d'avoir donne a la peinture d'histoire et de genre un prestige superieur a toutes les autres formes de representation. Cette derniere ne sera pas fondamentaliste mais formaliste tout en etant fonctionnaliste. La representation picturale est alors investie de sa fonction la plus vile : celle d'illustrer. La permanence d'une representation indispensable de l'autorite montre nettement qu'en france une nouvelle iconicite tend a s'imposer dans le champ symbolique en inaugurant une nouvelle ere iconographique. Desormais, tout ce qui porte la marque de l'ecrit est garant de verite; ainsi ce que l'oeil voit ou le regard lit est-il considere comme la reference absolue du reel. L'image en redevenant verbe semble biffer des siecles de representations picturales qui avaient justement tente de degager l'image du verbe divin. Cette obstination sociale a saisir la realite humaine poursuit un etrange but : celui de capter le reflet d'elle-meme. Cela devait mener inevitablement dans une impasse. En fait, privee d'une essence fondamentale, la peinture profane est condamnee a trouver sa fonction. Ces deux facteurs conjugues, que sont la secularisation de la peinture et son appropriation par les maitres, forment l'essence meme de la peinture du xixe s. Le recours a la norme evite la peur declenchee par l'incertitude de ce qui fait l'epreuve de realite
Painting in the 19th century can't be limited to a period. Although every styles have been used, history and genre painting were more prestigious than the other kind. The form is more important than the substance and painting is functionalist. Its function which is to illustrate becomes vile. In france, the necessary representation of the authority has imposed a new iconographic era in the symbolic field. From now on, all that eyes can see or read is considered as the truth and the absolute reference to reality. Being as speech again, picture seems to have put an end to the previous centuries, which had tried to release the picture from the sacred word. This social persistence that wants to catch human reality has a peculiar goal which is to catch its own image. It has unavoidably come to a deadlock. Indeed, deprived of a fundamental spirit the profane painting has to find its function. These both factors, which are the secularization of the painting and its appropriation by the masters are the essence of the 19th painting. The appeal to the norm avoids the fear caused by the incertitude of the proof against reality

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Gérard-Marchant, Laurence. "Couleurs, parures, costumes : reflets dans l'oeil du peintre, renaissance et résurgences, interrogations historiques et propositions plastiques personnelles." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010586.

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Abstract:

L'étude des lois somptuaires promulguées à plusieurs reprises à Florence au quattrocento, la lecture de l'œuvre de Sacchetti, ou celle déjà de Dante, montre comment le luxe textile, tout en contribuant très largement à l'essor économique de la cité, a pu être l'objet de méfiance et de condamnations. Toutefois, un examen attentif des textes théoriques de Durer ou de Léonard de Vinci prouve que l'étoffe restait un outil l'étude des lois somptuaires promulguées a plusieurs reprises à florence au quattrocento, la lecture de l'œuvre de Sacchetti, ou celle déjà de Dante, montrent comment le luxe textile, tout en contribuant très largement à l'essor économique de la cité, a pu être l'objet de méfiance et de condamnations. Toutefois, un examen attentif des textes théoriques de Durer ou de Léonard de Vinci prouve que l'étoffe restait un outil précieux pour penser la couleur, tout au long de la renaissance. Des Giotto, la représentation des étoffes se voit imposer des limites pour des raisons de cohérence figurative. Et c'est un véritable jeu de permutations et de changement d'échelle entre d'une part, des architectures et marbres polychromes, d'autre part des étoffes bariolées qui semble s'imposer a plusieurs générations de peintres dans l'héritage précieux pour penser la couleur, tout au long de la renaissance. Des Giotto, la représentation des étoffes se voit imposer des limites pour des raisons de cohérence figurative. Et c'est un véritable jeu de permutations et de changement d'échelle entre d'une part, des architectures et marbres polychromes, d'autre part des étoffes bariolées qui semble s'imposer a plusieurs générations de peintres dans l'héritage d’Alberti, lequel est sans doute sous-estime sur ce point. C'est au contraire l'affirmation non détournée du textile comme répertoire, paradigme, et support de l'organisation de la surface picturale, que l'auteur de cette thèse essaie de réintroduire dans son propre travail plastique et cela en analysant à la fois les procèdes limitant les effets perturbants des étoffes (tels que ceux décrits plus haut), et ceux d’Alberti, lequel est sans doute sous-estime sur ce point. C'est au contraire l'affirmation non détournée du textile comme répertoire, paradigme, et support de l'organisation de la surface picturale, que l'auteur de cette thèse essaie de réintroduire dans son propre travail plastique et cela en analysant à la fois les procédés limitant les effets perturbants des étoffes (tels que ceux décrits plus haut), et ceux qui les exaltent comme dans la peinture de la fin du trecento, ou encore chez Véronèse se, ou Pontormo. Parmi les courants actuels, c'est sans doute de la "trans-avanguardia" italienne que les productions artistiques de l'auteur, attentives aux signes et traditions du passe, se rapprocheraient le plus. Qui exaltent comme dans la peinture de la fin du trecento, ou encore chez Véronèse, ou Pontormo. Parmi les courants actuels, c'est sans doute de la "trans-avanguardia" italienne que les productions artistiques de l'auteur, attentives aux signes et traditions du passe, se rapprocheraient le plus.

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Strawczynski, Nina. "Temps, ordre et désordre : constructions et agencements des images dans la céramique attique (VIe-Ve siècles av. J.-C.)." Paris, EHESS, 2000. http://www.theses.fr/2000EHES0019.

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Abstract:

A partir d'une interrogation sur la temporalité dans l'imagerie attique, nous avons finalement abouti a une recherche sur les modes de constructions des images. La thèse est construite en trois parties : la première partie concerne la scène isolée. Nous avons analyse les images synoptiques, ou plusieurs événements sont mêles et avons conclu a une juxtaposition d’éléments pertinents sans temporisation de l'image. Nous avons également pris en compte la juxtaposition dans la figure isolée que ce soit paris ou des personnages hybrides (métamorphoses). Cette procédure d'assemblage d’éléments pertinents est également présente dans des scènes ou des motifs indépendants sont associes. Ceci nous a permis de montrer qu'il n'existe pas de moment détermine en images. La deuxième partie prend en compte le vase dans son ensemble. Nous avons analyse les types de relations entre les différentes scènes d'une même vase. Nous avons montre l’intérêt des peintres pour des recherches formelles de composition, qui réduisent la succession apparente des scènes a un effet secondaire. La troisième partie reprend et développe des éléments mis en évidence dans les premières parties : analyse des éléments (gestes, inscriptions, objets dans le champ, liquide qui s’écoule) qui sont ajoutes a la scène pour en enrichir le sens. La notion d’identité, de l'objet, de la figure, de l'action elle-même est essentielle. Nous avons essaye dans chaque dossier (images mythologiques, rituels, activités sportives par exemple), dans chaque série iconographique, de tenir compte de la chronologie afin de mieux comprendre le problème de la transmission des motifs. Toute image est un montage qui vise a sortir de l'action précise pour atteindre une signification plus générale.

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Grosu, Juliane. "Territoires du corps féminin." Limoges, 2013. http://www.theses.fr/2013LIMO2021.

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Abstract:

Ce travail de recherche géocritique étudie le corps féminin en tant qu’espace géographique dans six oeuvres qui utilisent des supports différents –texte, image fixe et image mobile- et où le corps devient paysage et territoire : Le Pique-nique sur l’Acropole (Louky Bersianik), Enclosed Worlds in Open Spaces (Kathy Prendergast), Hable con ella (Pedro Almodóvar), « Six inches » (Charles Bukowski), The Pillow Book (Peter Greenaway) et El anatomista (Federico Andahazi). Se situant à la croisée des courants postmoderniste, postcolonialiste et féministe, ces fictions ont en commun deux grands thèmes: la fragmentation, ainsi que la domination et l’exploration du corps féminin. La question principale qui guide ce travail est : comment les auteurs du corpus mettent-ils en scène les corps des femmes dans leurs dimensions séductrice, désirante et/ou effrayante ? Cette étude accorde, dans un premier temps, un intérêt particulier à la genèse des oeuvres, aux procédés d’intertextualité et d’intratextualité, et questionne aussi les genres, tant artistiques que sexuels. L’étude des cosmographies du corps féminin permet, par la suite, d’interroger les divers aspects de leur mise en scène qui les situent entre les conceptions de la nature et de la culture. Cette recherche examine aussi les topographies de la résistance féminine, les identités mobiles qui échappent au contrôle, ainsi que les territoires éphémères qui se dessinent et se redessinent sans cesse. Car, face au (bio)pouvoir, le corps se positionne aussi comme un « site de résistance » (Elizabeth Grosz) et comme le sujet d’une « biorevendication » (Christine Détrez et Anne Simon). Les analyses de l’ekphrasis, de la parodie, de la géographie dans ces fictions permettent de mettre en valeur des concepts essentiels pour cette étude, tels que la mimèsis (Aristote), l’hétérotopie (Michel Foucault), la médiance (Augustin Berque), la corpographèse (Marie-Anne Paveau et Pierre Zoberman), la territorialisation et la déterritorialisation (Gilles Deleuze et Félix Guattari)
This geocritical research studies the feminine body as a geographic space in six works that use different media supports—text, fixed images, and mobile images—and in which the body becomes a landscape and a territory: Le Pique-nique sur l’Acropole (Louky Bersianik), Enclosed Worlds in Open Spaces (Kathy Prendergast), Hable con ella (Pedro Almodóvar), “Six inches” (Charles Bukowski),The Pillow Book (Peter Greenaway), and El anatomista (Federico Andahazi). Situated at the crossroads of Post-Modernism, st-Colonialism, and Feminism, these works of fiction share two main themes: fragmentation as well as domination and the exploration of the feminine body. The main question that guides this work is: how do these authors conceptualize the bodies of women in their seductive, desirable, or frightening dimensions? Firstly, this study undertakes a particular interest in the genesis of the works, in their intertexutal and intratextual processes, also questioning artistic genres and sexual genders. The study of cosmographies of the feminine body enables us, then, to analyze the various aspects of their mise en scène which locates them between natural and cultural conceptions. This research equally examines the topographies of feminine resistance, the mobile identities that escape control, as well as the ephemeral territories that endlessly draw and redraw themselves. Because, when confronting the (bio) power, the body also positions itself as a “site of resistance” (Elizabeth Grosz) and as the subject of a “biorevendication” (Christine Détrez and Anne Simon). The analyses of ekphrasis, parody, and geography in these fictional works allow for the valorization of concepts essential to this study, such as mimesis (Aristotle), heterotopia (Michel Foucault), médiance (Augustin Berque), corpographèse/bodygraphesis (Marie-Anne Paveau and Pierre Zoberman), and territorialization/deterritorialization (Gilles Deleuze and Félix Guattari)

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Vuilleumier, Laurens Florence. "La raison des figures symboliques à la Renaissance et à l'âge classique : études sur les fondements philosophiques, théologiques et rhétoriques de l'image." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040216.

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Abstract:

Ambitionnant de mettre au jour les fondements philologiques, philosophiques, théologiques et rhétoriques de l'image au XVIIe siècle. L'auteur s'est efforcée d'écrire l'histoire, manquante à ce jour, de la réception des "symboles" de Pythagore depuis la traduction des vies des philosophes de Diogène Laërce par Ambrogio Traversari, analysant ainsi les contributions des générations successives d'humanistes (Alberti, Ficin, Politien, Pic, suivis par Nesi, Reuchlin et Steuco) qui en dégagent progressivement les multiples implications. L'époque suivante voit l'intégration, autour des "symboles" proprement dits, des autres formes symboliques, tant anciennes (proverbe, énigme, hiéroglyphe) que nouvelles (emblème). Erasme, GiraldI, Caussin, chacun à sa façon, travaillent à souligner l'unité du nouveau monde symbolique, mais nul plus que Claude Mignault, à travers l'histoire compliquée, étudiée ici pour la première fois, des accroissements successifs du Syntagma de Symbolis. Au seuil du XVIIe siècle l'influence de Pythagore, déjà rapproché de la tradition chrétienne et hébraïque, est largement relayée par celle de Denys l'aréopagite, inspirateur direct de la théologie symbolique et la théologie mystique de Maximilian van der Sandt. Un chapitre sur la signification liturgique du voile du temple couronnant cette troisième partie, restait à montrer comment les grandes rhétoriques de la deuxième moitié du siècle codifient le nouveau langage des images : Masen pour l'image visuelle et graphique, Tesauro pour la métaphore, âme du discours, et enfin Menestrier pour les décorations des fêtes et des cérémonies funèbres. L'ambition déclarée par ce dernier, d'écrire une "philosophie des formes symboliques", même si elle ne fut jamais réalisée
In order to point out the philological, philosophical, theological and rhetorical basis of XVIIth cent. Imagery, the author had first to write the still now missing history of the reception of Pythagoras' symbols from the beginning of the renaissance. Stressing the contribution of successive generations of humanists: Traversari, Alberti, Ficino, Poliziano, Pico, Nesi, Reuchlin, Steuco. . . The following period was marqued by the integration, around the symbola themselves, of other symbolic figures, as well ancient, such as the proverb, the enigma and the hieroglyphic, as modern, such as the emblem and the device. Erasmus, Giraldi and Caussin have thus contributed, each in his own way, to reinforce the unity of the new symbolic world. But nobody more than Claude Mignault, through the very intricate story of his Alciati's editions and evolution of his famous Syntagma de Symbolis. At the beginning of the XVIIth c. , the Pythagorean model is reinforced if not replaced by Dionysius areopagita, whose work inspires altogether the symbolic theology and the mystic theology of the Jesuit father Maximilian van der Sandt, whose pious approach legitimates a special chapter devoted to the uelum templi considered as the allegory of allegory, the last part of the book would show how the great rhetoricques of the second half of XVIIth century succeeded in analyzing and codifying the new language: Jacob Masen for the visual and graphic image, Emanuele Tesauro for the metaphora and Menestrier for the festive and funeral decorations of ephemeral baroque

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Grenier, Karen. "Avec ou sans motif (s)." Master's thesis, Université Laval, 2008. http://hdl.handle.net/20.500.11794/20530.

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Abstract:

Ce texte rend compte de la naissance et du développement d'une démarche en arts visuels actuels basée sur une expertise et des acquis habituellement associés aux métiers d'art. Il reconstitue l'histoire du glissement d'une pratique en courtepointe d'un champ vers un autre, par le récit des remises en questions, des réflexions, des expériences et des découvertes qui l'ont ponctué. Il place d'abord en perspective les aspects historiques et techniques de la courtepointe. Il relate ensuite les étapes du processus personnel de création qui ont amené un renouvellement du motif et des sources de la matérialité, et aborde, à travers elles, les notions de déconstruction, de citation et de collection de même que les procédés de photocopie, de numérisation et d'impression. Il présente finalement les œuvres et l'exposition qui ont résulté de ce projet de recherche-création.

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Bazile, Sandrine. "Le saltimbanque dans l'art et la littérature de 1850 à nos jours." Bordeaux 3, 2000. https://extranet.u-bordeaux-montaigne.fr/memoires/diffusion.php?nnt=2000BOR30025.

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Entre la deuxième moitié du 19e s. Et la première moitié du 20e, la figure du saltimbanque est récurrente dans l'art. Son évolution coïncide avec la transformation de la figure de l'artiste et l'entrée dans la modernité. Le saltimbanque apparaît d'abord dans la littérature romantique ; simple représentation pittoresque et manichéenne, il devient chez Musset, Hugo, Sand, une figure allérorique de l'artiste. Alter ego idéalisé chez Banville, double distance du poète chez Baudelaire ou Mallarmé, sa présence s'assortit d'une réflexion sur le sens d'une parole poétique que le poète pressent menacée. Le poète n'est d'ailleurs qu'un pitre méprisé par le public qui se livre a un art dérisoire et vénal. Ce questionnement s'amplifie avec la fin du siècle : chez les symbolistes et les décadents la récurrence du thème de la pantomime et l'engouement pour les arts populaires résonnent comme la chronique d'une mort annoncée de la littérature et des mythes. Les décadents trouvent alors dans la figure du Pierrot et dans l'imaginaire de la foire un reflet déformé et parodique de leurs propres hantises. Or, c'est ce Pierrot moribond, par l'importance qu'il accorde conjointement aux arts populaires et à l'inconscient, qui va servir de tremplin à l'émergence d'un art nouveau. Chez Apollinaire comme chez Picasso, corps et spiritualité se retrouvent unis dans la même vision messianique du poète/ saltimbanque à qui incombe la tâche -légère- de révéler au peuple la modernité du monde. La reconstruction de nouveaux mythes se réalise alors, dans un syncrétisme de fantaisie. Dès lors, l'artiste, le plasticien (Léger, Calder. . . ), poète (Mc Orlan, Prévert. . . ), dramartuge ou comédien se fait saltimbanque en reprenant à son compte les outils et la fantaisie du cirque. Ainsi, cet art vivant qui se réclame du cirque a, comme lui, partie liée avec le danger et la mort ; la création s'assimile alors à la piste circulaire en devenant un lieu de tentatives, de péril et d'exposition

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Cauchy, Séverine. "Figures de la boucle : tours, détours et circularités dans les pratiques contemporaines." Thesis, Rennes 2, 2015. http://www.theses.fr/2015REN20032/document.

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Abstract:

Introduite et parallèlement travaillée par la pratique artistique de l’auteur, cette thèse d'arts plastiques se propose d’étudier les figures de la boucle dans l'art contemporain. Progression curviligne, forme autogénérée, répétition, réciprocité et rétroaction, la boucle est examinée ici sous la question du montage, des échanges et récits critiques qu’elle engage. Questionnant les intentions qui président à l’élaboration de la boucle et des rouages qui en gouvernent la structure, cette étude se rapporte à l’art d’aujourd’hui. De la deuxième moitié du XXe siècle au début du XXIe siècle, cette période est miseen perspective avec diverses incursions opérées dans l’histoire de l’art. La philosophie des Lumières, la révolution industrielle, la modernité et la postmodernité jalonnent ce parcours. Ces allers et retours sont propices aux trois pistes d’investigation – typologies, temporalités et espaces − retenues pour l’ossature de cette thèse. Sous l’observation attentive des objets et appareils qui s’y inscrivent en repères, ceinture, cerceau, ruban, pellicule, bobine, corde, ou carrousel, cette recherche informe la boucle via les médiums de la vidéo, du cinéma, de la peinture, de l’installation et de la performance.Son corpus artistique, par le dialogue d’oeuvres contemporaines (Francis Alÿs, Shilpa Gupta, Rodney Graham, Roman Ondák, Dan Graham, Ryan Gander, Harun Farocki, Simon Starling) et d’oeuvres qui les précèdent (Giotto, Gustave Courbet, Louis Aimé Augustin Le Prince, Buster Keaton, Alfred Hitchcock) permet d’analyser selon quelles modalités les figures de la boucle s’apparentent à depoétiques arrangements
This thesis in visual arts, inspired by and worked upon through the author’s own artistic practices, proposes a study of the loop in contemporary art. With its curvilinear progression, its selfgenerating form, its repetition, reciprocity and feedback, the loop is examined through the question of its montage, through the exchange and critical narrative that it initiates. This study relates to the art of today, questioning the intentions which direct the elaboration of the loop and the mechanisms which govern its structure. We put the period, from the second half of the 20th century to the start of the 21st, into perspective with several forays into art history. The philosophy of the Enlightenment, the industrial revolution, modernity and post-modernity all punctuate this exploration. This back and forth guides our investigation into three key themes: typology, temporality and space, which, in turn, act as the backbone of this thesis. Acting as markers, an attentive observation of the following objectsand equipment: belt, hoop, band, film, reel, rope or carousel, this study informs the loop via the media of video, cinema, painting, installation and performance. The artistic corpus, by way of the creation of a dialogue between contemporary works (Francis Alÿs, Shilpa Gupta, Rodney Graham, Roman Ondák, Dan Graham, Ryan Gander, Harun Farocki, Simon Starling) and those which preceded them (Giotto, Gustave Courbet, Louis Aimé Augustin Le Prince, Buster Keaton, AlfredHitchcock), allows us to analyse according to what methods the loop amounts to a poetic arrangement

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Gillet, Valérie. "La création d'une iconographie śivaïte narrative : incarnations du dieu dans les temples pallava construits." Paris 3, 2006. http://www.theses.fr/2006PA030030.

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Abstract:

Dès la fin du VIIème siècle, le pays tamoul voit l'érection de temples construits sous la dynastie des Pallava. Dédiés essentiellement à Śiva, leurs façades s'ornent de représentations de la divinité qui s'incarne sous différents aspects. Le dieu se présente autant sous une forme bénéfique, sauvage, sanguinaire que combattante, victorieuse et royale. L'iconographie narrative śivaïte ayant été jusque là peu développée, la mise en image des nombreux exploits de Śiva doit s'inventer. S'inspirant à la fois de la tradition mythologique pan-indienne ainsi que de traditions locales, la dynastie des Pallava crée une iconographie qui n'hésite pas à intégrer également des éléments de divers courants religieux. Si certaines représentations naissent et disparaissent avec la dynastie, la majorité d'entre elles influenceront cependant toute l'iconographie méridionale postérieure
From the end of the VIIth century onwards, temples were built in tamil land under pallava patronage. Essentially dedicated to Śiva, their walls are adorned with representations of god embodied in various aspects. He can be represented in a benign form, savage, covered with blood as well as a victorious and royal one. The narrative śaiva iconography was not well developed until this time, and the figuration of different deeds of Śiva has to be invented. The pallava dynasty created an iconography inspired at the same time by the pan Indian mythology and the local tradition, borrowing various elements to various religious movements. If some of the representations appear and disappear with the dynasty, most of them, nevertheless, will influence the posterior southern iconography

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Heller, Karin. "Une expression contemporaine du mythe : analyse des bandes dessinées dites fantastiques des années 1980-1990." Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040073.

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Abstract:

La présente recherche concerne quatre séries de bandes dessinées dites fantastiques: Thorgal (Jean van Hamme et Grzegorz Rosinski); Une aventure de John Difool (Alessandro Jodorowsky et Moebius); Les tortues ninja (Peter Laird et Kevin Eastman); Le monde d'Arkadi (Caza). L'analyse conduit à reconnaitre dans le fantastique une expression à part entière du religieux qui entretient une similitude avec le mythe dans les cultures archaïques. Elle permet de découvrir des points fondamentaux qui dominent la réflexion mythique contenue dans ces quatre séries. Ces points sont les suivants : l'homme actuel s'appréhende lui-même, et il appréhende son propre mystère, en langage cosmique, ou du moins il perçoit sa propre existence en relation avec les phénomènes du cosmos. Sur fond de ces visions cosmiques il apparait que l'homme contemporain est dominé par l'idée de transformation de toutes choses. Naitre, croitre et mourir/disparaitre, cela s'effectue selon une loi, celle des alternances, d'un jeu de balance entre les forces du bien et du mal, de la lumière et des ténèbres. Enfin, ces quatre mythes proclament tous, avec des nuances propres à chacun, un certain crépuscule des dieux "traditionnels" pour proposer une expression du divin caractérisée par une relation de "mutualité" entre les forces cosmiques, techniques et humaines
The present research concerns four strip-cartoons heroic fantasy: Thorgal (Jean van Hamme and Grzegorz Rosinski); Une aventure de John Difool (Alessandro Jodorowsky and Moebius); Les tortues ninja (Peter Laird and Kevin Eastman); Le monde d'Arkadi (Caza). The analysis leads to recognise the heroic fantasy as an entire expression of the religious which manifests a similarity with the myth in the archaic cultures. It allows to discover fundamental themes which dominate the mythical thought in these four series. The points are the following ones: the human being is thinking of himself, is thinking of his owns mystery using a cosmical language, or at least he perceives his own existence in relation with cosmical phenomena. On this cosmological background it appears that the human being of today is dominated by the idea of transformation of all things and beings. To be born, to grow up and to die/disappear obey to a law, the law of alternation, the acting of a balance between the forces of the good and the evil, of light and darkness. At least, these four myths, with differences for each one, are proclaiming a twilight of the traditional gods and propose an expression of the divine characterised by a relation of "mutuality" between cosmical, technical and human forces

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Duchesne, Cathelyne. "L'hellénisation du motif plastique et littéraire du griffon à travers le monde grec à la fin VIe siècle et au Ve siècle av. J-C." Master's thesis, Université Laval, 2016. http://hdl.handle.net/20.500.11794/27493.

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Abstract:

Le griffon à l’époque archaïque grecque est le résultat de l’importation du motif depuis le Proche-Orient. Si sa popularité à cette époque est flagrante, elle décroît radicalement à la fin des guerres médiques. Cependant, lorsqu’il réapparaît avec force au IVe siècle av. J-C, il est transformé. Dans les textes, on le retrouve pour la première fois dans un récit, un mythe scythe dans lequel il est en perpétuel conflit avec ses voisins pour la propriété de l’or abondant de la région qu’il habite. Dans les arts, il n’est plus représenté sous forme de protomé de bronze sur des chaudrons dédiés à diverses divinités, mais on le retrouve en grande partie sur des vases en terre cuite. Qui plus est, entre ces deux médiums on ne saurait reconnaître qu’il s’agit de la même créature. Que s’est-il produit entre ces deux moments pour que le motif du griffon soit autant modifié ? L’hellénisation du motif au Ve siècle à travers les arts et les écrits n’est pas facilement discernable, sans compter que les textes d’époque romaine sont d’une fiabilité douteuse en raison d’interprétations a posteriori qui ne reflètent pas nécessairement la pensée des artistes originaux. Les principaux agents de cette hellénisation sont le développement stylistique du motif plastique ainsi que la présence du griffon dans une pseudo-koinè gréco-scythe.
The griffin of the Archaic Period in Greece is the result of the import of the pattern from the Middle East. If its popularity at that time was obvious, it drastically decreased at the end of the Greco-Persian wars. However, when it reappeared in full force during the fourth century BC, it was completely changed. Ancient sources reference a tale, a Scythian myth in which the griffins are in perpetual conflict with their neighbors, the Arimaspians, over the glittering gold that is plentiful where they roost. In the arts, the griffin was no longer represented as a bronze protome on cauldrons dedicated to various deities, but rather on terracotta vases. Apart from its morphology, the creatures associated with each support are widely different in style, and the motif is nigh unrecognizable. What might have occurred for the griffin motif to have changed so much ? The Hellenization of the pattern in the fifth century through art and writing is difficult to discern. As for the Roman texts, they are of dubious reliability due to interpretations that do not necessarily reflect the thought process of the originals artists. However the Hellenization of the plastic and litterary motif is easily perceived through the stylistic development of the plastic pattern and the presence of the griffin in a pseudo Greek Scythian Koine fabricated.

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Visa-Ondarçuhu, Valérie. "L'image de l'athlète d'Homère à la fin du Vème siècle avant J. -C. , dans la littérature et l'iconographie." Paris 4, 1993. http://www.theses.fr/1993PA040004.

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Abstract:

L'étude systématique des textes faisant référence à l'athlète, complétée de documents iconographiques, permet de mesurer l'estime portée au sportif de compétition, de distinguer, suivant les circonstances historiques et les sensibilités des auteurs, un élan de célébration et d'enthousiasme, des critiques, une tradition de métaphores agonistiques
The systematic study of texts referring to the athlete, both with the investigation of iconographic documents, allows to estimate the regard shown to the competition sportsman, to perceive through the historical circumstances and the various opinions of the authors, an outburst of celebration and enthusiasm, but also reticence and criticism, in a tradition of agonistic metaphor

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Li, Xiaohong. "Le dragon dans la Chine antique, étude iconographique des origines à la dynastie Shang (env. XVè- env. XIè siècles av. J. -C. )." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040017.

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Abstract:

La première partie présente un inventaire iconographique : recherche des motifs dragoniformes sur les objets trouvés dans les sites antérieurs aux Shang et comparaison des différents motifs, puis description systématique d'une centaine de pièces (principalement en bronze et en jade mais aussi en marbre et en os) appartenant aux Shang. Du support dépend beaucoup le type de représentation. La seconde partie tente une étude typologique des représentations soit à partir d'éléments constitutifs du corps du dragon (œil cornés, gueule ouverte ou fermée, bec d'oiseau, pattes, écailles de poisson) lorsque le dragon n'est représenté que partiellement, soit à partir de sa forme quand il est représenté intégralement (corps délié, corps lové, corps statique ou en mouvement). Examen également des conventions esthétiques : une ou deux têtes, tête disproportionnée par rapport au corps, loi du cadre. A partir de cet ensemble, on tente de retracer l'évolution des formes pendant cinq siècles tout en soulignant les différences résultant des influences géographiques. La troisième partie est consacrée à l'interprétation du motif du dragon en comparaison avec les autres motifs décoratifs que l'on trouve sur les pièces en bronze et en jade. Le dragon, animal mythique qui emprunte nombre d'éléments à des animaux réels, apparait comme l'animal le plus représenté. La diversité des formes et la richesse des motifs de la fin des Shang disparaitront rapidement au début des Zhou, signe que, peut-être, le dragon a perdu une partie de son acceptation religieuse.

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Rivière, Ciavaldini Laurence. "L'apocalypse des ducs de Savoie, entre Westminster et Naples : spiritualité et pouvoirs princiers dans l'art gothique." Université Pierre Mendès France (Grenoble), 2000. http://www.theses.fr/2000GRE29028.

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Vaandrager, Meta. "Tabernacle, Temple et Jérusalem céleste : premier, deuxième et troisième temple ? : étude d'iconographie biblique de la peinture du IXe au XIIe siècle." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040271.

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Abstract:

Au moyen de plusieurs mots (tabernacle, temple et Jérusalem céleste), tels qu'ils apparaissent dans l'histoire sainte de la bible, des conceptions différentes d'une demeure de dieu, d'un centre de culte sont recherchées à travers des images et des textes du moyen âge, (neuvième au douzième siècle). L'étude porte sur le rôle que joue cette iconographie par rapport aux textes bibliques
Research has been carried out into various concepts of three different words, tabernacle, temple and celestial Jerusalem, such as they appear in the holy history of the bible. They represent all three various concepts of the dwelling of god and the place of cult. Our research concerns the images (iconography) and their texts of the middle ages (ninth to twelfth century)

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El, Cheikh Taha Mahmoud. "Recherches esthétiques sur la calligraphie arabe dans son rôle d'inspiration pour les artistes arabes contemporains." Paris 1, 1995. http://www.theses.fr/1995PA010532.

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Abstract:

Au début du vingtième siècle, la calligraphie arabe, en tant qu'art, s'inspire d'un nouveau courant ne du refus de tous les cadres académiques. Envisage dans un espace artistique marqué par la recherche de l'ensemble des moyens modernes de représentations, ce courant a été suivi par un grand nombre d'artistes de différents pays islamiques et arabes qui, considérant la calligraphie arabe comme un élément fondamental, ont créé des œuvres variées, comportant diverses formes d'expression, ces artistes peuvent être répartis en plusieurs groupes : 1- Le groupe de l'expressionisme, 2- Le groupe de la composition, 3- Le groupe de la calligraphie expérimentale, 4-Le groupe de la calligraphie simultanée, 5- Le groupe de la calligraphie analytique, 6- Le groupe de ceux utilisent la calligraphie comme une solution de facilité, leur permettant d'éviter des problèmes d'ordre plastique et artistique. Nous avons étudié 125 peintres de 17 pays et nous reproduisons et analysons 354 œuvres basées sur la calligraphie
At the beginning of the twentieth century since as all academic commissions did not recognize arab calligraphy as an art, a new inspiration was born amongst a great number of artists who considered arab calligraphy as a fundamental factor of their expression. These artists from different islamic and arab countries created a new current, researching all modern ways of representation. Their varions artistic works with their different forms of expression may be classified into many groups as follows : 1- The expressionism group 2- The composition group. 3- The experimental calligraphy group. 4- The simultaneous calligraphy group. 5- The analytical calligraphy group. 6- The group of those artists :aking use of calligraphy as an easy solution to avoid artistic problems such as those in connection with plastic art. We have studied 125 painters from 17 countries, reproduced and analysed 354 artistic works with calligraphy for basis

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Dissertations / Theses on the topic 'Art – Thèmes, motifs'

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