Dissertations / Theses on the topic 'Arte gótico'

RIBEIRO, Sandra Stephanie Holanda Ponte. Cartografias do sombrio: arte, subjetividades e performances no universo gótico de Fortaleza. 2016. 97f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-Graduação em Sociologia, Fortaleza (CE), 2016.
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In this dissertation, I accompany young trajectories tune with the Gothic in their leisure circuit in Fortaleza city, in order to observe how they lived an experience with this art world in different spaces and musical events. I bring to research the following questions: how these young people produce an experience with gothic from these meetings? What distinguishes or characterizes this experience? The work includes a description of the trajectories, events, performances, consumptions and affections that constitute and characterize these meetings, while seeking to describe the multiplicity of interactions and flows through the subjectivities of these young people. During the investigation, I use the concept of art world prepared by Becker (2010) as a methodological strategy into think of the gothic universe as a network of cooperation between individuals around artworks in the case, the Gothic art.
Nesta dissertação, acompanho as trajetórias de jovens “afinados” com o gótico em seus circuitos de lazer na cidade de Fortaleza, a fim de observar como eles vivenciam uma experiência com esse mundo artístico em diferentes espaços e eventos musicais. Trago para a pesquisa os seguintes questionamentos: como esses jovens produzem uma experiência com o gótico a partir desses encontros? O que distingue ou caracteriza essa experiência? O trabalho compreende uma descrição das trajetórias, eventos, performances, consumos e afetos que constituem e caracterizam esses encontros, ao mesmo tempo em que busca traçar a multiplicidade de interações e de fluxos que atravessam as subjetividades desses jovens. Na investigação, utilizo o conceito de mundo artístico elaborado por Becker (2010) como estratégia metodológica para pensar o universo gótico como uma rede de cooperação entre indivíduos em torno de trabalhos de arte, no caso, a arte gótica.

Mestrado em Línguas, Literaturas e Culturas
O texto foca-se nas espiritualidades cristã e budista, estudadas mediante a análise da arquitetura cristã do estilo gótico e da arquitetura budista das dinastias Tang e Song. O estudo coloca em paralelo o desenvolvimento da religião e da arquitetura, destacando o contexto histórico, as dimensões material e imaterial da arquitectura e as concepções e regras de vida dos praticantes. As práticas monacais cristã e budista dão uma ideia mais profunda das diferenças entre as duas religiões e entre as culturas ocidental e oriental.
The text focus on the comparation between catholic spirit and buddhist spirit. Is used comparative study about the architectures in the representative time: catholic architecture of gothic style; buddhist architecture of dinasty Tang and dinasty Song. The study is finished in many aspects: development of religion and its architecture, historical background, material part and imaterial part of architecture. Every character showed in architectures presents believers’ preferences and concepts. The actual concepts of believers are different from the written ones. Therefore, the result of this study helps us understand these two religions better, and know more about the difference between western culture and eastern culture.

Aquest treball, pretén presentar un estudi monogràfic i de síntesi sobre l’art gòtic al Maresme. El primer objectiu proposat era presentar una anàlisi intentant superar les monografies locals d’edificis més o menys estudiats i intentar aconseguir una visió general inèdita més àmplia de l’estil a la comarca, evidenciant els seus ritmes constructius i els seus elements definidors. Això comportava també una revisió de les monografies ja publicades per tal d’actualitzar les noves recerques i replantejar algunes coses acceptades des de fa anys i que potser calia qüestionar. Un segon objectiu, vindria marcat per l’intent d’analitzar els diferents estils en una zona perifèrica del comtat de Barcelona medieval. La historiografia d’abast nacional inclou en els seus repertoris les grans obres monumentals i, en la majoria de casos, no hi ha un especial atenció als edificis de segon i tercer ordre, com a obres de caràcter més popular. Es tractava doncs de comparar les obres de la comarca i analitzar quin grau hi ha de seguiment dels models i repertoris generals de l’estil i si les característiques, cronologies i estilemes, que defineixen les grans etapes de l’art gòtic català es poden aplicar a aquesta comarca, i quina relació s’estableix entre aquestes obres i les primeres. A principis del el s. XIV, la majoria d’edificis i termes jurisdiccionals del baix Maresme ja estan plenament establerts. En contra del que passa en altres indrets, la introducció de l’art gòtic a Maresme no presenta inicialment un període de grans inversions i de grans projectes sinó que hi domina el manteniment de les estructures heretades del període de l’art romànic i les noves actuacions tindran un caràcter més aviat puntual. La introducció del nou estil en el Maresme el podem situar a mitjans del s.XIV gràcies a l’aparició d’uns nous promotors que formaran part dels grups influents de la burgesia comercial i burocràtica barcelonina. Alguns dels membres d’aquest grup esdevindran els propietaris de la majoria de senyories de la comarca i en el procés esdevindran els comitents d’una gran part de les obres d’art al Maresme. En aquest període es comença a palpar la incipient influència en l’àmbit artístic d’un grup de nous promotors que s’aniran imposant a mida que avanci la centúria del 1400. Seran les elits locals de les noves viles independents, constituïdes en “Universitats del terme” les que agafaran el relleu en la promoció artística tant religiosa com civil. Dins aquest període, també s’analitzen una sèrie d’edificis singulars vinculats a les ordes monàstiques (el priorat de Sant Pere de Clarà (Argentona), el convent - hospital de Caldes d’Estrac i la cartoixa de Montealegre a Tiana) a més de la renovació del mobiliari litúrgic (retaules, escultures, orfebreria....) Ja en el s.XVI, les elits locals com a nous promotors, utilitzaran els recursos del Comú de les viles i esdevindran els veritables renovadors de l’obra pública, tant laica com religiosa, promovent una gran activitat de renovació dels edificis, principalment els parroquials, els quals seran erigits de nova planta mantenint encara viu el llenguatge gotitzant que de forma epigonal arribarà fins a finals del s.XVI i principis del s.XVII. Al final del treball s’analitzen els diferents artífexs i les formes de treball per abordar la idea del colonialisme artístic dels tallers barcelonins a la zona del Maresme.
JOAQUIM GRAUPERA GRAUPERA: Gothic art in Baix Maresme (XIIth to XVIth century). Art and artistic promotion in a peripheral area of the Barcelona County. Mataró, 2011. This research offers a monographic study on Gothic art in Maresme area. The first aim is to transcend the local monographs with a more comprehensive view, which implied the review of the already published monographs in order to update their research and question it if necessary. The second aim is to analyze the styles in a peripheral area of Barcelona medieval county comparing the works of this area and analyzing to which extent followed the characteristics, chronology and style, which define the main phases of the Catalan Gothic art. The introduction of the new style in the Maresme area takes place at the second half of the XIVth century, thanks to the emergence of a new group of promoters that are part of the influential groups of the Barcelona trading and bureaucratic bourgeoisie. Some members of this group will become the owners of most of the lordships and the clients for many of the works of art in Maresme. In this period it starts to be felt the influence in art of a group of new promoters that will impose themselves as we enter into the 1400’s: the local elites of the new independent villages that will take the relay in the artistic promotion, both in the religious and in the civil art and some buildings linked to monastic orders are analyzed as well as the renewal of the liturgical furniture. Already in the XVIth century, the local elites will become the real renovators of both religious and secular public work, promoting the renewal of the buildings, specially the parish churches, which will be built still keeping alive the gothic language which will reach the end of the XVIth and the beginning of the XVIIth centuries. At the end of this research, different craftsmen and their way of working are also analysed in order to approach the idea of an artistic colonialism of the Barcelona workshops in the area of Maresme.

La tesi doctoral que aquí es presenta respon a l’objectiu d’estudiar una de les múltiples conseqüències artístiques de la devoció medieval a l’eucaristia en els bisbats catalans: el mobiliari d’altar del Corpus Christi. Més en concret, la seva principal pretensió és la d’analitzar els programes iconogràfics que van ser-hi representats, fonamentalment a partir de les obres conservades dels segles xiv i xv, però també dels testimonis documentals coneguts. Amb la intenció de comprendre les circumstàncies que van originar l’aparició d’aquestes obres i d’aprofundir en el coneixement de la seva iconografia, una primera part del treball es dedica al culte emergent a l’eucaristia que, a la baixa edat mitjana, adquireix una centralitat indiscutible amb la institució de la solemnitat del Corpus Christi. Partint del marc teològic, de la teorització de la doctrina de la presència real de Crist en les espècies consagrades, que és el veritable motor de la devoció, s’hi analitzen les principals expressions pietoses que van derivar-se’n arreu i, a continuació, es planteja una visió global del fenomen a la Catalunya de l’època, ara per ara per publicar. Un cop bastit el teló religiós de fons, la segona part de la tesi, que és la principal, s’endinsa pròpiament en l’estudi del mobiliari d’altar del cos de Crist. Abans d’entrar-hi pròpiament, però, a manera de proemi i per tal de contextualitzar el fenomen, s’escomet una breu panoràmica per algunes de les principals repercussions del culte en el terreny artístic, entre les quals l’aparició de les capelles del cos de Crist, que són el marc litúrgic natural dels exemplars a estudiar, encara que no l’únic. Cal dir, d’entrada, que els exemplars conservats al territori amb aquesta dedicació, majoritàriament retaules pictòrics, són escassos en contrast amb la potència del culte i, malauradament, la documentació tampoc no és gaire generosa sobre les obres perdudes. Tanmateix, per sort n’ha perviscut un conjunt prou divers i significatiu que permet establir els principals vectors temàtics que, més enllà de les particularitats, degueren configurar-ne habitualment els programes iconogràfics. A cadascun d’ells, tant els que comptaven amb una llarga tradició com els originats a partir de l’efervescència de la devoció, es dediquen els darrers capítols de la tesi, els quals segueixen les reflexions pertinents sobre les obres i la seva iconografia, fonamentalment adreçada a posar en relleu la presència real de Crist en el pa i el vi consagrats. En primer lloc s’analitza la presència destacada que hi ostentà el tema iconogràfic del Sant Sopar, com a representació principal de la institució del sagrament de l’eucaristia. En segon lloc s’aborda el pes que van tenir, dins del marc referit, les imatges cristològiques, tot posant especial èmfasi en els dos cicles que semblen haver jugat un paper de primer ordre, a saber, el de la infantesa de Crist i el de la passió. En tercer lloc es pondera la presència recurrent de les escenes de la litúrgica eucarística, principalment de l’Elevació de l’hòstia consagrada i la Processó del Corpus Christi, les quals vinculen indefectiblement la iconografia de les obres estudiades amb els manuscrits il·luminats. Finalment, el darrer capítol passa revista a les nombroses figuracions de miracles eucarístics que hi concorren i que posen de manifest varietat de fonts conegudes a la Catalunya del període. I això sense menystenir, és clar, aquelles expressions que tenen l’origen en un culte d’origen local, de les quals, dissortadament, n’ha pervingut la mínima expressió. El cos del treball s’acompanya, a la fi, amb un catàleg que aplega les nou obres (i vuit conjunts) que es prenen en consideració i amb un ajustat aplec de documents d’índole diversa que pretén sustentar una visió de conjunt del culte eucarístic a Catalunya i les seves repercussions plàstiques. Tot plegat va annexat amb la bibliografia final de rigor, la qual pot ser una bona eina per a futures investigacions sobre la matèria.
The objective of the thesis presented here is to study one of the many artistic consequences of medieval devotion to the Eucharist in Catalan bishoprics: Corpus Christi altarpieces. More specifically, the main aim is to analyse the iconographic cycles represented on those fourteenth and fifteenth century altarpieces –some of them preserved and some others known thanks to documentary evidence. With the intention of understanding the circumstances that gave rise to the appearance of these works and deepen the knowledge of their iconography, the first part of the thesis focusses on the emerging cult to the Eucharist, which, in the late middle ages, acquired an indisputable centrality with the institution of the solemnity of Corpus Christi. Based on the theoretical doctrine of the real presence of Christ in the consecrated species, which is the real agent of devotion, we analyse the main pious expressions that were derived from this devotion. Next, we give an overview of the phenomenon in the Catalonia of that time, yet to be published.   Once the religious background is established, the second part of the thesis, which is the main part, studies the Corpus Christi altarpieces. In order to contextualize the phenomenon, we make a brief overview of some of the main implications of the cult in the artistic field, including the appearance of chapels devoted to the body of Christ, which are the natural liturgical framework of the works to be studied, although not the only one. It is important to point out that, initially, the works with the above mentioned dedication preserved in the area, mainly pictorial altarpieces, are rare in contrast with the power of the cult and, unfortunately, there is not much preserved documentation on the lost works. Notwithstanding, a diverse and significant set of altarpieces has survived that allows us to establish the main thematic vectors, beyond the particularities, that must have normally made up the iconographic programmes. We dedicate the last chapters of the thesis to these, both those that have a long tradition and those arising from the effervescence of devotion, which are pertinent reflections on the work and its iconography, primarily aimed at highlighting the real presence of Christ in the consecrated bread and wine. Firstly, we analyse the outstanding presence of the iconographic theme of the Last Supper, as the central image of the institution of the sacrament of the Eucharist. Secondly, we look at the weight the Christian figures had within the framework referred to, with special emphasis on the two cycles that seem to have played a leading role, namely, the childhood of Christ and the Passion. Thirdly, we reflect on the recurring presence of the scenes of the Eucharistic liturgy, primarily the Elevation of the consecrated host and the Procession of Corpus Christi, which unfailingly link the iconography of the works studied with illuminated manuscripts. Finally, the last chapter re-examines the numerous figurations of Eucharistic miracles that concur and evidence a variety of known sources in Catalonia in that period. And this without neglecting, of course, those expressions that have their origin in a local cult, which, unfortunately, have largely perished. The thesis also includes a catalogue with the entries of the nine altarpieces and a set of various kinds of documents that aim to give an overall vision of the Eucharistic worship in Catalonia and its artistic repercussions. The bibliography, which might be used as an effective tool for further research on this field, closes this thesis.

La misteriosa storia di Gherardo di Jacopo Starnina ha affascinato la critica per quasi un secolo, tale maestro che alla fine del Trecento viaggiò in Spagna lavorando a Toledo e Valenza per poi tornare a Firenze dove ottenne fama e successo e il merito di una biografia del Vasari, gode di una ampia serie di studi che presentano ancora dei punti oscuri soprattutto riguardo al suo soggiorno spagnolo. La molteplicità di opere attribuitegli dopo la sua riunificazione con l'altro misterioso pittore detto il Maestro del Bambino Vispo hanno in parte chiarito il mistero che ruotava attorno a questo artista, ma non completamente. Il fatto inoltre che si tratti di un artista a contatto con due mondi completamente diversi ne fa un ponte tra universi artistici poco comunicanti tra loro. Il proposito di tale studio è quello di chiarire soprattutto il periodo spagnolo del pittore, nonostante la scarsezza di opere attinenti a questo momento. Per permettere una tale analisi si è dovuto ripercorrere tutta la storia critica di Gherardo di Jacopo. Si è passati poi ad analizzare i pittori fiorentini più rappresentativi della seconda metà del Trecento che possano aver influito sull'artista per poter meglio comprendere la solida base toscana che sottende alla pittura di Starnina, che vi innesta il suo personale aggiornamento sullo stile espressionistico e alla moda del gotico internazionale appreso a Valenza, creando quel miscuglio inspiegabile e nuovo che è il fulcro del suo stile. Si è provato ad arrivare a qualche nuova conclusione circa la sua attività a Toledo e Valenza. Infine si è ricordata la sua magnifica attività fiorentina di ritorno dalla Spagna, analizzando soprattutto alcune opere meno considerate dalla critica che mostrano una serie di caratteristiche estranee al mondo fiorentino. Al termine di una lunga indagine si è coscienti che una parte delle domande sul pittore resteranno senza risposta per mancanza di dati, ma si spera che l'aggiunta di alcune nuove conclusioni riguardanti soprattutto la sua possibile attività spagnola servano da punto fermo per ulteriori ricerche su un argomento tanto complesso, ricco di induzioni e povero di dati. Al di là dei lati oscuri, la maestria e la finezza di tale maestro sarà fondamentale per lo sviluppo di Lorenzo Monaco e degli altri maestri della breve stagione tardo-gotica fiorentina, prima di essere surclassata dal Rinascimento, al contempo il lungo viaggio di Gherardo di Jacopo in terra iberica darà origine a due fiammate artistiche italianeggianti sia a Toledo che presso alcuni maestri valenzani come Miguel Alcañiz. Questa è una storia di luci e ombre dove il dibattito critico ferverà a lungo, specialmente perché la mancanza di dati ha portato alla moltiplicazione delle ipotesi e tutt'ora lascia ampio margine alle intuizioni, ma nonostante le difficoltà di una tale ricerca, lo splendore delle opere del maestro e l'anomalia del suo percorso artistico lo rendono strategico per comprendere lo sviluppo sia di un aspetto del gotico internazionale valenzano che la repentina internazionalizzazione della pittura gotica fiorentina nella sua tappa finale.
My research intent is to shed light on the Spanish stay of Gherardo Stamina, a Florentine painter who settled in Valencia from 1395 to 1401, before returning to Florence after that date. His stay in the Iberian Peninsula is the more obscure side of his artistic activity. On that period, I tried to add new data to get a clearer view of his experience in Spain. At the same time, these new findings about his trip to Spain allowed revision of his catalog and pictorial activity. This painter, already indicated by Vasari as a Florentine artist who made his fortune abroad, become a classic example of how an artist moving between two countries could be a bridge between two very different schools of painting: the splendid season of the International Gothic of Valencia and the Florentine late Gothic painting. Precisely, the charm of Starnina lies on his capacity to connect two very different artistic worlds: this is a painter who influenced the international Gothic style in the city of Turia and the gothic developments in his native Florence.

La historiografia clàssica va considerar que, cap a mitjan segle XV, influències foranes, vehiculades principalment per Jaume Huguet i Bartolomé Bermejo, van capgirar el curs de la pintura aragonesa, que llavors vivia els darrers moments del gòtic internacional i començava a assumir alguns elements del nou realisme flamenc. Aquesta divisió de l’escola pictòrica aragonesa de la segona meitat del segle XV en dos grans corrents, un dels quals estretament vinculat al context català, ha estat avaluada i matisada per diversos historiadors al llarg dels darrers anys, i en aquesta línia s’inscriu també aquesta tesi. A la primera part es revisa la importància del darrer gòtic internacional aragonès en la formació dels pintors de la segona meitat del segle XV i la seva capacitat per assumir algunes propostes del nou realisme flamenc, principalment a través de la figura del Mestre de Riglos i la seva connexió amb un dels mestres etiquetats tradicionalment com a deixebles d’Huguet, Pere Garcia de Benavarri. D’altra banda, propostes recents recuperen per al catàleg d’un artista aragonès i el seu cercle un grup de pintures adscrites anteriorment a una hipotètica etapa juvenil de Jaume Huguet que hauria transcorregut a l’Aragó. A la segona part de la tesis es parteix d’aquest nou punt de vista per a revisar el catàleg d’alguns mestres actius a la segona meitat del segle XV, considerats tradicionalment huguetians. S’estudia la figura del Mestre de Sant Jordi i la princesa, Tomás Giner, Arnau de Castelnou, el Mestre de sant Bartomeu, el Grup de Morata i el Mestre de Cervera de la Cañada, entre d’altres.
The classic historiography considered that, about middle of the 15th century, foreign influences, principally introduced by Jaume Huguet and Bartolomé Bermejo, provoked a strong change in the Aragonese painting, which at the time was living the last moments of the International Gothic and began to assume some elements of the new Flemish realism. This division of the pictorial Aragonese school of the second half of the 15th century in two main tendencies, one of which narrowly linked to the Catalan context, has been re-evaluated by diverse historians throughout last years, and this thesis is inscribed also in this line. In the first part of the thesis I explore the importance of the last International Aragonese Gothic in the formation of some of the painters of the second half of the century, and the introduction of some ingredients of the new Flemish realism, principally across the figure of Master of Riglos, and his connection with one of the masters traditionally labelled as a disciple of Huguet, Pere García de Benavarri. On the other hand, in the last years, some historians have recovered for the catalogue of an Aragonese artist and his circle a group of paintings assigned previously to Jaume Huguet's hypothetical juvenile stage in Aragon. In the second part of this thesis I assume this new approach and I re-evaluate the catalogue of some masters who worked in the second half of the 15th century, traditionally considered under the influence of Huguet. I examine the figure of the anonymous Master of Saint Georges and the princess, Tomás Giner, Arnau de Castelnou, the Master of san Bartolomew, the Group of Morata and the Master of Cervera de la Cañada, between others.

A les primeres dècades de la catorzena centúria la vestimenta catalana (i en general, la d’Occident) és sacsejada per novedoses formes que canvien la silueta dels seus portadors tant masculins com femenins. Al mateix temps, aquestes vestidures s’adornaren amb un creixent i refinat luxe que transpassà els reduïts límits dels cercles cortesans i aristocràtics per abastar a grups socials com la burgesia enriquits pel comerç o els negocis i que es podien permetre destinar un elevat dispendi per al seu guarda-roba. El centre cronològic de més interès pel que fa a l’evolució vestimentària de Catalunya arrenca als anys 40 i acaba a finals dels 80, amb una dècada entremig, 1340-1350, que es rebel•la fonamental per a la generalització d’importants canvis en la indumentària. Tot i així, els límits cronològics han estat a vegades ampliats als segles XIII o XV quan així ho ha requerit l’estudi dels antecedents o de l’evolució tipològica d’una determinada peça de vestir. El treball s’ha basat en l’estudi dels principals vestits externs, de les vestidures anomenades a l’època subiranes. La més estesa és la cota de la qual les imatges artístiques ens han permès identificar diverses variants tipològiques que hem denominat cota A, cota B, cota C, cota talar i cota ardia. Al costat de les cotes s’han considerat altres vestits externs com l’aljuba, el pellot, el curtapeu i el gipó. Tanmateix, l’estudi abasta també els vestits interiors que acompanyaven als exteriors com la gonella, la gonella encordada i la samarra així com el mantell i la gramalla que eren considerats peces d’abrigall. L’establiment de tipologies de diferents peces de vestir i la seva evolució cap a noves formes s’ha basat en l’anàlisi de fonts documentals, literàries, iconogràfiques i arqueològiques. Un apartat preferent d’aquest treball és el constituït per l’anàlisi de les lleis sumptuàries. En el decurs del segle XIV les autoritats dictaren a diverses ciutats i poblacions del territori europeu diverses ordinacions destinades a limitar el creixent luxe vestimentari i les supèrflues despeses que aquest comportava. Les lleis sumptuàries catalanes que han estat examinades en aquest estudi són les de Barcelona, Cervera, Mallorca i Berga. En definitiva, la indumentària esdevení un autèntic codi que no havia de ser transgredit ja que establia i feia reconeixibles jerarquies i funcions. Tanmateix, a mesura que va evolucionant el segle XIV, el llenguatge de la vestimenta coneix insistents intervencions del poder, tant del civil com del religiós, per a regular-lo i, en definitiva, “domesticar-lo”.
In the first decades of the fourteenth century the Catalan outfit (and in general the West) is shaken with innovative ways that change the shape of its wearers, both male and female. At the same time these garments were adorned with a growing and refined luxury which went over the narrow limits of the court and aristocratic circles to encompass social groups such as the bourgeoisie enriched by trade or business who could afford to spend a large expense in their wardrobe. The chronological center of most interest regarding the evolution of Catalonia dress starts in the 40s and finishes in late 80s, with a decade in between, from 1340 to 1350, which reveals fundamental to the spread of important changes in clothing. However, the chronological limits have been sometimes extended to the thirteenth or fifteenth when so has required the study of history or the typological evolution of a particular garment. The work is based on the study of the major suits outside the garment, called at the time “subiranes”. The most widespread is the “cota”, of which its artistic images have permitted the identification of several typological variants which we have called cota A, cota B, cota C and cota ardia. Beside the cota other external dresses have also been considered such as l'aljuba, el pellot, el curtapeu i el gipó. However, the study also covers internal suits accompanying the outer skirt, such as la gonella, la gonella encordada i la samarra as well as el mantell i la gramalla which were considered coat pieces. The establishment of various types of garments and their evolution into new forms is based on the analysis of documentary sources, literary, archaeological and iconographic. A preferred section of this paper is constituted by the analysis of the sumptuary laws. During the fourteenth century the authorities dictated in several cities and towns throughout Europe several ordinances designed to limit the growing luxury in dressing and the wasteful expending this entailed. Catalan sumptuary laws that have been examined in this study are in Barcelona, Cervera, Majorca and Berga. In short, the clothes became a real code which should not be violated since it established and made recognizable hierarchies and functions. However, while the fourteenth century evolves, the language of dress knows persistent interventions.

La present investigació doctoral té l’objectiu d’elaborar un estudi iconogràfic sobre els cicles bíblics d’un grup de manuscrits hebreus catalans del segle XIV. En concret, aquests manuscrits són haggadot, llibres per ser llegits en família durant el sopar pasqual. Tot i que el seu programa iconogràfic és variat, on s’inclouen també il·luminacions relacionades amb el contingut del text de l‘haggadà, la tesi focalitza l’atenció en els episodis bíblics miniats, la majoria dels quals dedicats al Gènesi i a l’Èxode. Cal fer esment que es tracta d’un tema complex pel que fa a la problemàtica i les diverses hipòtesis a l’entorn de la configuració i evolució de la iconografia jueva des de temps antics. Diversos estudis han abordat el tema des de múltiples perspectives i enfocaments, però a causa del gran interès i riquesa de les haggadot, no es poden deixar de fer noves observacions i consideracions en relació a les qüestions que encara queden obertes. Les haggadot catalanes il·luminades són un testimoni de primer ordre no només en l’art jueu, sinó que també aporten elements per entendre els cicles bíblics cristians en un context català o afí. La relació entre iconografia jueva i cristiana, com demostren les obres, és evident, així que l’estudi dels cicles bíblics d’aquests manuscrits pot obrir portes també per entendre els cicles veterotestamentaris cristians. Amb la intenció d’analitzar els temes de la bíblia hebrea en les haggadot catalanes, s’han tingut en compte una sèrie de factors que són clau per determinar la seva iconografia, com seria el contingut i missatge del text de l’haggadà i el significat de la festivitat de la Pasqua i el sopar ritual. S’ha considerat bàsic, també, analitzar el context artístic i històric on emmarcar la il·luminació dels manuscrits a la Catalunya gòtica, així com establir les característiques generals de les haggadot i els elements que han intervingut en la seva gènesi i creació, des dels seus artífexs fins als seus propietaris. El cos central de la tesi correspon a l’estudi, escena per escena, de les diverses vinyetes bíbliques que apareixen als manuscrits. Aquesta anàlisi ha tingut en compte les fonts literàries seguides –tant bíbliques com provinents del midraix i el Targum–, per comprovar d’on poden procedir els diversos motius iconogràfics inserits a les escenes, així com els models i correspondències artístiques amb altres obres de context jueu i cristià. Amb la finalitat d’establir comparacions i determinar les particularitats de les haggadot catalanes, s’han tingut en compte un bon nombre d’obres que comparteixen els mateixos temes iconogràfics. Això ha permès fer valoracions en relació a quina tradició segueixen les imatges i establir fins a quin punt són fruit d‟una còpia dels cicles cristians o si inclouen especificitats úniques pròpies de la tradició jueva. Per valorar les escenes en el seu conjunt, també s’ha dedicat un capítol al significat i funció del programa bíblic tenint en compte la resta del programa iconogràfic, el motiu de l’elecció d’aquests temes i la funció de les imatges en el llibre segons el context historicocultural, unes qüestions que són fonamentals en un estudi iconogràfic.
The present doctoral research aims to elaborate an iconographic study on the biblical cycles of a group of Hebrew Catalan manuscripts from the 14th century. In particular, these manuscripts are Haggadot, books to be read with the family during the Passover meal. Although their iconographic programme is varied, also including illuminations related to the content of the Haggadah text, the thesis focuses on the miniated biblical episodes, most of which are dedicated to the Genesis and the Exodus. It is important to highlight that this is a complex topic because of the different hypothesis concerning the configuration of Jewish art. Several studies have dealt with the subject from multiple perspectives and approaches, but because of the great interest and wealth of the Haggadot, new observations and considerations need to be made with respect to the issues that remain open. The illuminated Catalan Haggadot are not only a testimony of prime importance in Jewish art, but they also provide elements to understand the Christian biblical cycles in a Catalan context or similar. The relationship between Jewish and Christian iconography, as the works show, is obvious. Therefore, studying the biblical cycles of these manuscripts can also open doors to understand the Christian vetero-testamentary cycles. With the intention of analysing the topics pertaining to the Hebrew Bible in the Catalan Haggadot, a number of factors which are key to determine their iconography have been taken into account, such as the content and message of the Haggadah text and the meaning of the Passover and ritual dinner. It has also been considered necessary to analyse the artistic and historical context in which the illumination of the manuscripts of Gothic Catalonia was formed, as well as establishing the general features of the Haggadot and the elements that have contributed to their genesis and creation, from their authors to their owners. The main body of the thesis corresponds to the study, scene by scene, of the several biblical vignettes that appear in the manuscripts. This analysis has taken into account the literary sources consulted, such as the biblical sources and those from the Midrash and the Targum, to prove where the different iconographic motifs inserted in the scenes may come from, as well as the models and artistic correspondences with other works in Jewish and Christian contexts. In order to compare and determine the particularities of the Catalan Haggadot, a large number of works which share the same iconographic themes have been taken into account. This has made it possible to carry out assessments with respect to the tradition that the images follow and to establish the extent to which they are a result of a copy of the Christian cycles or whether they include unique special features specific to the Jewish tradition. In order to assess the scenes as a whole, a chapter has been dedicated to the meaning and function of the biblical programme while taking into account the rest of the iconographic programme, the reason for choosing these themes and the function of the images in the book according to the historical-cultural context, all of which are fundamental issues in an iconographic study.

Lo studio della pittura sarda del tardo Quattrocento è viziato, all’origine, dalle enormi lacune documentarie che ne ostacolano i percorsi di studio. La Sardegna del XV secolo non è un’isola sperduta nel Mediterraneo, ma un’isola al centro del Mediterraneo. Al centro dei traffici e delle influenze di molteplici correnti artistiche regionali che, se da un lato ne arricchiscono il valore artistico, dall’altro ne complicano notevolmente i percorsi di ricerca. Nello specifico si sono analizzati gli studi bibliografici che dalla fine dell’Ottocento sino alle soglie della storiografia più recente hanno interessato la pittura tardomedievale in Sardegna cercando di capire in quale condizione storica, politica e sociale si mossero i primi studiosi stranieri che visitarono l’isola alla ricerca dei cosiddetti pittori “primitivi”. Attraverso le fonti ottocentesche si è ricostruito il percorso effettuato da diverse opere sarde esportate all’estero e definito le figure di studiosi e collezionisti quali: Georgiana Goddard King, Anna Rose Giles, Ellen Giles, William Middleditch Scott e Piero Tozzi. Questo lavoro ha permesso di comparare a livello internazionale i contenuti delle fonti consentendoci d’individuare i punti deboli di alcune delle ipotesi scientifiche più accreditate e d’indirizzare le energie su percorsi tanto inesplorati quanto percorribili. In particolare l’analisi della bibliografia su Joan Barceló ha evidenziato alcune discrepanze tra i suoi dati storico/documentari e gli elementi stilistici a egli pertinenti tanto da metterne in dubbio il catalogo delle opere finora assegnategli. Alla luce dei dati, pur con una diagnosi critica, severa e attenta, sembra assai difficile dimostrare che in Sardegna operò un solo Joan Barceló. Questo lavoro di ricerca, pertanto, ha proposto che esistano due artisti dallo stesso nome, escludendo la possibilità che l’autore del Retablo della Visitazione conservato nella Pinacoteca Nazionale di Cagliari, potesse essere lo stesso pittore cui fu affidato nel 1508 l’incarico per la realizzazione del retablo destinato all’altare maggiore di Santa Maria del Pi a Barcellona. Di contro si è dimostrato che l’unico artista in grado di possedere tali caratteristiche era appunto il noto Maestro di Castelsardo, ora identificato in Joan Barceló II. La rigorosa analisi stilistica delle sue opere ha reso possibili le comparazioni con le coeve produzioni europee e, soprattutto, moltiplicato i modelli desunti dalle stampe e dalle miniature tedesche e fiamminghe, dimostrando tra l’altro l’inedito legame del Maestro di Castelsardo con diversi modelli artistici provenienti dalla pittura italiana. Le comparazioni stilistiche hanno, inoltre, permesso di ridefinire cronologicamente, e contestualizzare artisticamente, le opere del Maestro con la definizione dei termini ante quem e post quem per tutto il catalogo. Si è avanzata la proposta di stabilire la sede della bottega del Maestro da Cagliari a Sassari e si sono ricostruiti i contatti artistici con la Corsica, confermati dalle ricerche d’archivio effettuate a Genova. Il filo conduttore di tutto il progetto di Tesi è stato, oltre alla cura degli aspetti storico-documentali, quello di portare avanti una ricerca per immagini, sulle tracce dei modelli e degli agganci stilistici alle correnti artistiche che ruotarono attorno alla Sardegna, non limitandosi ai tradizionali ambiti catalani ma allargando gli orizzonti sino a comprendere una parte consistente della produzione pittorica del secondo Quattrocento italiano. L’obiettivo fermo della Tesi è sempre stato quello di approcciarsi alla ricerca cercando di eludere, per quanto possibile, i preconcetti storiografici sulla marginalità dell’arte sarda e sulla sua quasi esclusiva dipendenza dal versante iberico. Si è cercato d’uscire dal luogo comune che considera artisti di primo piano, come il Maestro di Castelsardo, episodi estemporanei, esempi di ecletticità pittorica chiusi in se stessi o limitati all’orizzonte del tardogotico catalano. Si è cercato invece di capire da dove provenisse questa ecletticità, quale fosse il suo reale sostrato culturale e artistico di riferimento. Si è cercato di comprendere, soprattutto, se la Sardegna del Quattrocento disponesse degli strumenti per sostenere una qualche forma di autonomia artistica, se fosse cioè in grado di elaborare dal proprio interno un originale linguaggio pittorico da offrire al circuito artistico quattrocentesco. Attraverso l’attività della bottega di Joan Barceló II si è dimostrato che questo è avvenuto.
The Thesis analyzes the bibliographical studies that, from the end of the nineteenth century up to the beginning of the most recent historiography, have affected the late medieval painting in Sardinia. It reconstructs the pathway followed by several sardinian works exported abroad and it defines the figures of scholars and collectors such as: Georgian Goddard King, Anna Rose Giles, Ellen Giles, William Middleditch Scott and Piero Tozzi. The work has allowed us to compare internationally the contents of the sources, to identify the weak points of some of the most cerified scientific hypotheses and to direct the energies on pathways so much unexplored as far as achievable. Especially the analysis on Joan Barceló bibliography has highlighted some discrepancies between his historical features, and his stylistic elements, enough to put in doubt the catalog of works. The Thesis therefore, suggests that there are two artists with the same name, it excluds the chance that the author of the Retablo della Visitazione kept inside the Pinacoteca Nazionale of Cagliari, he could be the same painter which was committed in 1508 the accomplishment of the retablo for the high altar of Santa Maria del Pi in Barcelona. On the other hand it is proved that the only artist able to possess these characteristics was the well-known Master of Castelsardo, now identified as Joan Barceló II. A meticolous stylistic analysis of his works has made possible the comparisons with some contemporary european productions and, especially, increased the numbers of models took from German and Flemish prints and miniatures, showing, among other things, unknown connection between the Maestro of Castelsardo and the different artistic models from the Italian painting. The stylistic comparisons have also allowed us to redefine chronologically , and contextualize artistically the Master’s works with the definition of the terms ante quem and post quem of the whole catalog. It is proposed to establish to move change the bottega of the Master’s workshop from Cagliari to Sassari and rebuilt his artistic contacts with Corsica. The common thread throughout the thesis’ project was, in addition to the historical and documentary aspects, to carry out a research through images in the footsteps of the models and the stylistic suggestions of the international artistic currents that moved around Sardinia in the early sixteenth century.
Estudiar y analizar los acontecimientos del arte tardo-medieval en Cerdeña es sin duda una empresa muy difícil, debido a los problemas de falta de documentación y, sobretodo, de la dispersión de gran parte del patrimonio artístico. A las habituales dificultades de investigación para un contexto archivístico tan pobre, hay que añadir las dificultades inherentes a la posición geográfica de Cerdeña. No se trata de una isla perdida en el Mediterráneo, sino de una isla en el centro del Mediterráneo. Está en el centro del comercio y de las influencias de múltiples corrientes artísticas regionales que, si por un lado enriquecen el valor artístico, por otro lado complican en gran medida el trabajo de investigación. Para desarrollar el proyecto de investigación se ha decidido estructurar el trabajo en dos partes. Una dedicada a las fuentes y a los contextos históricos y artísticos y otra a uno de los pintores del siglo XV de Cerdeña, quizás el más importante, el Maestro de Castelsardo. Cada parte se divide en capítulos distintos, pero lógicamente interrelacionados. El primero está dedicado a los estudios e investigaciones sobre el patrimonio pictórico disperso, donde se repasan las contribuciones críticas que a finales del siglo XIX hasta el comienzo de la historiografía más reciente han tratado la pintura medieval tardía en Cerdeña. Este trabajo permite conocer el contexto histórico, político y social en el que se movieron esos primeros estudiosos, sobre todo los extranjeros que visitaron la isla buscando los llamados pintores "primitivos" (Georgiana Goddard King, Ellen Giles, Anna Rose Giles). El segundo bloque trata de utilizar las fuentes de los siglos XIX y XX para ampliar el catálogo razonado de las pinturas dispersas en las colecciones italianas o extranjeras. Además, se reconstruye la trayectoria de una parte de las obras vendidas por el pintor y mercader de arte Enrico Castagnino y del coleccionista y antiquario Piero Tozzi. Incluso se ha investigado sobre la actividad del coleccionista inglés William Middleditch Scott, así como sobre el destino del Retablo de San Pedro mártir y Marcos el evangelista pintado por Joan Figuera y que con sus complejos cambios de propiedad se ha convertido en el paradigma de la condición de los mercados artísticos de las pinturas medievales de la Cerdeña de estos últimos siglos. El tercer bloque trata de las fuentes, analiza el entorno histórico, político y económico en el que hipotéticamente se movió el Maestro de Castelsardo. Especial atención se ha dado al estudio de los mercados artísticos del siglo XV encuadrados en una densa red de comercio en que las principales ciudades de Cerdeña, y toda la isla en general, tuvieron un papel clave en facilitar la circulación de las corrientes artísticas europeas. Definido el contexto histórico y económico, se llega a introducir la figura del Maestro de Castelsardo a través del análisis de los principales protagonistas que precedieron, y en algunos casos acompañaron su actividad artística. Joan Figuera, Joan Barceló y el Maestro del Presepio, representan simbólicamente con sus obras las fases de aproximación al lenguaje pictórico de Cerdeña a finales del siglo XV y principios del siglo XVI, por eso se ha decidido centrar la atención en sus obras y sus retablos. La última parte de la tesis parte de los estudios historiográficos sobre el Maestro de Castelsardo. A través de un cuidadoso análisis de los aspectos de su producción artística, junto con la recopilación de toda la documentación sobre el pintor Joan Barceló II, esta parte se propone identificar a éste último con el ya conocido Maestro de Castelsardo. Una vez trazada esta "nueva" personalidad, se ha intentado colocarla en un contexto mediterráneo más amplio y compuesto por múltiples corrientes artísticas europeas. La parte final de la tesis, pues, ha sido dedicada a la definición de un corpus de obras del Maestro, para que su catalogo sea insertado en un plan diacrónico coherente.

Submitted by Marta Toyoda (1144061@mackenzie.br) on 2017-01-17T20:56:36Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Maria da Luz Alves Pereira.pdf: 3872578 bytes, checksum: 81c253c87c47e37c3d4c4847fcf70d95 (MD5)
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
The general objective of this research is to study some adaptations of Edgar Allan Poe to the cinema while the specific objectives are summarized as following: a) to reflect on the literary Gothic, trying to identify its main strategies of representation; b) to investigate the fundamental lines which define the gothic base of the tales and films in order to establish relations between them; c) to analyze the verbal and cinematographic narratives, highlighting the degree of distance and approach between them by recreating the narrative structure; d) to check the level of aesthetic autonomy of the filmic productions in relation to the literary work. As corpus four short stories were selected: “The fall of the house of Usher”, “Metzengerstein”, “William Wilson” and “Never bet the devil your head ― a moral tale”, by Poe; and two films: The fall of the house of Usher and Histoires extraordinaires. The research goes in two directions: firstly, we discuss the Gothic, trying to understand the American Gothic and stand Poe on this aesthetic; secondly, we proceed an interpretative analysis of the narrative texts and after that, based on the verification of inversions and omissions, additions and displacements, we analyze the filmic texts as adaptations. Specifically, it tries to detect from which mechanisms the cinematographic works dialogue with Poe’s work, that is, in what extent they update the nineteenth century work. This thesis is justified by its contribution to the expansion of the theoretical framework of the analysis of adaptations of literary works to the filmic medium and to allow Poe’s work to remain alive in the public/reader’s memory. We hypothesized that there is a dialogue among the different discourses, in order to show that verbal, performative, kinetic and audiovisual elements contribute significantly to the contemporary interpretation of Poe's work.
Esta pesquisa tem como objetivo geral estudar algumas adaptações de Edgar Allan Poe para o cinema ao passo que os objetivos específicos se resumem nos seguintes: a) refletir sobre o Gótico literário, procurando identificar as suas principais estratégias de representação; b) investigar as linhas fundamentais que definem a base gótica dos contos e dos filmes, a fim de estabelecer relações entre eles; c) analisar as narrativas verbais e as cinematográficas, destacando o grau de afastamento e de aproximação entre elas, mediante a recriação da estrutura narrativa; d) verificar o nível de autonomia estética das produções fílmicas em relação à obra literária. Como corpus foram selecionados quatro contos: “The fall of the house of Usher”, “Metzengerstein”, “William Wilson” e “Never bet the devil your head ― a moral tale”, de Poe; e dois filmes: The fall of the house of Usher e Histoires extraordinaires. A investigação segue em duas direções: primeiro, discutimos o Gótico, procurando entender o Gótico americano e posicionar Poe diante dessa estética; segundo, procedemos a uma análise interpretativa dos textos narrativos e, na sequência, partindo da verificação das inversões e supressões, dos acréscimos e deslocamentos, analisamos os textos fílmicos como adaptações. Especificamente, procura-se detectar a partir de quais mecanismos as obras cinematográficas dialogam com a obra de Poe, ou seja, em que medida elas atualizam a obra oitocentista. Esta tese se justifica por contribuir para a ampliação do arcabouço teórico das análises sobre adaptações de obras literárias para o meio fílmico e por possibilitar que a obra de Poe continue viva na memória do público/leitor. Trabalhamos com a hipótese de que há um diálogo entre os diferentes discursos, com o intento de mostrar que os elementos verbais, performáticos, cinéticos e audiovisuais contribuem de modo significativo para a interpretação contemporânea da obra de Poe.

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O escopo deste estudo é o de investigar de que forma acontece a representação e a manifestação do discurso da subcultura gótica em perfis no site de rede social Facebook. No decorrer da história, o termo gótico esteve atrelado ao específico entrecruzamento de significações discursivas, sendo assim, buscaremos resgatar suas principais contribuições na literatura, no cinema e na música e suas implicações na moda e no estilo visual dos adeptos da subcultura gótica. Para a composição do referencial teórico, nos utilizaremos principalmente dos estudos de Baddeley (2002), Kipper (2008) e Silva (2006). Após assinalarmos os principais elementos que particularizam essa subcultura, buscaremos aporte nas concepções de representação (GOFFMAN, 2013) e discurso (FOUCAULT, 1999). Posteriormente, discutiremos as modificações sofridas pela linguagem e pela representação quando transpostas para o ambiente digital, amparadas principalmente por Hampton (2004), Barnes (2005), Júlio (2005), Recuero (2009) e Hilgert (2006). Por fim, alisaremos os perfis de Facebook de oito indivíduos participantes de grupos góticos, escolhidos arbitrariamente, com a finalidade de identificarmos os traços discursivos peculiares à subcultura gótica, demarcando a sua representação dentro dessa plataforma digital. Considerando características essencialmente físicas, entre elas o uso do corpo com propósitos discursivos, e tendo por base que nos ambientes digitais são suprimidas diversas informações de contexto, analisaremos quais são as estratégias de adaptação utilizadas para a representação mediada pelo computador. No mês de agosto de 2014, foram coletadas as postagens diretamente nos perfis de quatro mulheres e quatro homens, sendo que, dessas postagens, foram analisadas as três primeiras classificadas como góticas ou com temática apropriada pelo usuário com conotações góticas. Em seguida, as postagens foram categorizadas quanto ao seu aspecto semântico, formal e interacional. Palavras-chave: discurso, representação, subcultura gótica, góticos, sites de redes sociais

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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
In 1989 the north-american Bruce Sterling revealed in an interview that he found a new category of a literary genre which combines others genres then forming what he called Slipstream. This mode doesn’t follow a unique standard including even Science-fiction, Gothic and Magic Realism in one work. Since then, twenty years later after his revelation about Slipstream the mode hasn’t become a literary genre yet and littles has been discussed about the present subject. However, there are several questions and suppositions about what it could really be Slipstream and its characteristics to achieve the literary genre title. Although there are few affirmations around the topic, this present work aims to outline the contact point between slipstream and Magic Realism. Genre which shares much in characteristics with the present mode and also to define if Slipstream isn’t another name to Magic Realism. For such proposition, we have taken the literary character undead or nowadays called zombie for analysis. Therefore, we believe that the presence of this literary figure corroborate to the manifestation of the components elements and events of the genres here presented. As subject of analysis, we have taken the works “A case of the stubborns” (1984) by Robert Bloch, “Sea Oak” (1997) by George Saunders and “Incidente em Antares” (1970) by Érico Veríssimo. As theoretical support, Fred Botting (1996), H. P. Lovecraft (2007), Nöel Carroll (1999), about the horror in literature and to connect with the Magic Realism and the Magical Reality, Alejo Carpentier (1987), Irlemar Chiampi and William Spindler (1993)
Em 1989 o norte-americano Bruce Sterling revelou, em entrevista, ter encontrado uma nova categoria de gênero literário que combinava outros gêneros formando, então, o que ele chama de slipstream. Esta modalidade não segue padrão único, podendo até mesmo incluir ficção científica, gótico e realismo mágico em uma só obra. Desde então, mais de vinte anos após sua revelação sobre o slipstream, a modalidade ainda não se transformou em gênero e pouco tem se discutido sobre o presente assunto. No entanto, existem várias perguntas e suposições sobre o que realmente seria slipstream e suas características para alcançar o título de gênero literário. Embora existam poucas afirmações acerca do tema, este presente trabalho visa delinear os pontos de contato entre o slipstream o Realismo Mágico. Gênero este que muito divide em características com a modalidade em questão e também definir se slipstream não seria outro nome para Realismo Mágico. Para tal proposta, tomamos a personagem literário morto-vivo ou atualmente chamado de zumbi para análise. Pois acreditamos que a presença desta figura literária corrobora para a manifestação de elementos e eventos componentes dos gêneros aqui tratados. Como objeto de estudo, tomamos as obras “A case of the stubborns” (1984) de Robert Bloch, “Sea Oak” (1997) de George Saunders e Incidente em Antares (1970) de Érico Veríssimo. Como suporte teórico, utilizaremos as colocações de Fred Botting (1996), H. P. Lovecraft (2007), Nöel Carroll (1999), com o tema do horror na literatura e para a conexão ao Realismo Mágico e o Real Maravilhoso, usaremos as afirmações de Alejo Carpentier (1987), Irlemar Chiampi e William Spindler (1993).

Tim Burton is a North-American cineaste known by the movies Beetlejuice (1988), The Nightmare Before Christmas (1993), and Edward Scissorhands (1990). In 1997, Burton published his first literary work called The Melancholy Death of Oyster Boy and Other Stories, a work which presents 23 poems illustrated by the author. Tim Burton’s cinematographic and literary works present some particular characteristics that exemplify the presence of a signature, which is meanly delineated by gothic elements, grotesque characteristics, and transtextual relationships. In this sense, this master’s research analyses the gothic and grotesque characteristics in the films Vincent (1982), Frankenweenie (1982), and Corpse Bride (2005); as well as in the book The Melancholy Death of Oyster Boy and Other Stories (1997).
Tim Burton é um cineasta norte-americano que se destacou pelos filmes Beetlejuice (1988), The Nightmare Before Christmas (1993) e Edward Scissorhands (1990). Em 1997, Burton publica seu primeiro trabalho literário: The Melancholy Death of Oyster Boy and Other Stories, uma coletânea de 23 histórias, as quais são ilustradas pelo próprio autor. As produções de Burton, sejam elas cinematográficas ou literárias, possuem características que permitem a observação de uma assinatura, a qual é delineada, principalmente, pela presença do gótico, do grotesco e da transtextualidade. A presente dissertação discute o gótico e o grotesco em Tim Burton, analisando os curtas-metragens Vincent (1982), Frankenweenie (1982), o longametragem Corpse Bride (2005) e o livro The Melancholy Death of Oyster Boy and Other Stories (1997).

En la Tesis titulada “Las vidrieras góticas mediterráneas: composición química, técnica, estilo. El caso concreto de Barcelona y Siena en el siglo XIV” se pretende hacer un estudio comparado entre los conjuntos vítreos del área mediterránea, ejecutados desde finales del siglo XIII hasta mediados del siglo XIV, con especial atención al Monasterio de Pedralbes de Barcelona y a la Catedral de Siena (Italia). Asimismo por lo que se refiere al área catalana se analizan de manera crítica la Catedral de Girona, la Catedral de Tarragona y la Iglesia de Santa María del Mar de Barcelona; en Italia se compara la gran obra pictórica de Duccio di Buoninsegna con el antiguo conjunto vítreo de la Iglesia de San Giacomo Maggiore de Bolonia. Para esa finalidad se ha aplicado una innovadora metodología multidisciplinar donde el estudio histórico-artístico de las vidrieras, y documental, se ha complementado e interpretado gracias a los datos proporcionados por los análisis químico-analíticos de los materiales (vidrio, plomo y pintura).
In the text “Las vidrieras góticas mediterráneas: composición química, técnica, estilo. El caso concreto de Barcelona y Siena en el siglo XIV” is made a comparative study between Mediterranean stained glass windows, executed from XIII to XIV century, with special attention to Pedralbes Monastery (Barcelona) and the Cathedral of Siena (Italy). Regarding the Catalan area it critically analyzes the Church of Santa Maria del Mar in Barcelona and Cathedrals of Girona and Tarragona. In Italy is it compared the great paintings of Duccio di Buoninsegna with the stained glass windows of the Church of San Giacomo Maggiore in Bologna. For this purpose we have applied an innovative multidisciplinary approach where the history of art studies of stained glass, and the documentation, has been supplemented and interpreted by the analytical chemical analysis of materials (glass, lead, painting).

No segundo quartel do século XII, Suger de Saint-Denis, monge cluniacense, escreveu três textos nos quais mencionou e descreveu a reforma que conduziu na abadia de Saint-Denis durante seu abaciado. Essa reforma foi posteriormente identificada pela História da Arte como a origem da arquitetura gótica. Tais textos, conhecidos como Ordinatio, De Consecratione e De Administratione, publicados e traduzidos em diversas edições, foram analisados, assim, por alguns historiadores da arte, como Erwin Panofsky, Peter Kidson, Jean-Claude Bonne e Conrad Rudolph, a partir de marcos teóricos relacionados às artes, à arquitetura, à estética e à psicologia. Contudo, apesar de muitos estudiosos, como Rita Copeland e Suzanne Reynolds, advogarem a importância da retórica no século XII, as características retóricas desses textos não foram, ainda, examinadas de forma minuciosa por estudiosos. A investigação sobre os gêneros discursivos nos quais os textos foram compostos, sobre as partes do discurso e sobre as técnicas retóricas aplicadas aos textos pode revelar que algumas passagens que tradicionalmente foram tomadas à letra ou como a experiência empírica e a opinião de Suger podem ser pensadas como posicionamentos não literais e discursivos. Portanto, o objetivo desta pesquisa é contribuir para a erudição sobre os escritos de Suger por meio do reconhecimento e da análise de suas características retóricas
In the second quarter of the twelfth century, Suger of Saint-Denis, a Cluniac monk, wrote three texts in which he mentioned and described the renovation he carried out in the abbey church of Saint-Denis in his prelacy. That renovation was later identified by History of Art as the origin of Gothic architecture. Such texts, known as Ordinatio, De Consecratione, and De Administratione, published and translated in several editions, have thus been analyzed by some art historians, namely Erwin Panofsky, Peter Kidson, Jean-Claude Bonne, and Conrad Rudolph, based on theoretical frameworks related to the arts, architecture, aesthetics, and psychology. Nevertheless, although many scholars, such as Rita Copeland and Suzanne Reynolds, have been asserting the importance of rhetoric in the twelfth century, the rhetorical character of these texts has not yet been thoroughly examined by scholars. Investigation into the genres in which the texts were written, into the parts of discourse, and into the rhetorical techniques applied to the texts may reveal that some passages that have traditionally been taken at face value or as Suger\'s empirical experience and opinion may be thought of as non-literal-minded and discursive stances. Therefore, the purpose of this research project is to contribute to the scholarship on Suger\'s writings by recognizing and scrutinizing their rhetorical features

Orientador: Luiz Cesar Marques Filho
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-04T16:32:59Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rabelo_MarcosMonteiro_M.pdf: 1262563 bytes, checksum: d6310467e3a482305707f317a2a96433 (MD5) Previous issue date: 2005
Resumo: A igreja abacial de Saint-Denis, situada nos arredores de Paris, figura entre os grandes monumentos da Idade Média européia. As fontes medievais abundam em referências à sua proeminência, designando-a como a ¿mãe das igrejas francesas¿. Por muitos séculos, ela foi o núcleo da prestigiosa abadia real, estatuto que a isentava de qualquer dominação feudal ou eclesiástica, estando sujeita apenas ao rei. No que respeita à história da arte, pode-se dizer que o período mais significativo na trajetória da igreja abacial é o da reforma promovida pelo abade Suger, realizada entre 1137 e 1144. Suger promoveu uma reformulação completa na parte ocidental (nártex) e na cabeceira (o coro e a cripta), transformando completamente o antigo edifício, da época carolíngia (século VIII). O nártex foi ampliado e ganhou elementos novos, como a rosácea na fachada, três portais de entrada e as estátuas-coluna, hoje desaparecidas, que flanqueavam o portal central. No coro, a mudança foi ainda mais intensa: a pequena abside carolíngia foi substituída por uma estrutura de grandes dimensões, equipada com sete capelas radiantes. A grande novidade ficava por conta dos vitrais que recobriam as janelas desses oratórios, os quais permitiam à luz do dia espalhar-se por todo o coro, desobstruído das grossas paredes. As mudanças estruturais e a nova concepção do espaço tornavam o edifício bastante distinto, quando comparado às construções românicas da época; a Saint-Denis de Suger é vista pelos estudiosos da arte medieval como um protótipo, onde a arquitetura gótica encontrou sua primeira definição, irradiando-se, nos séculos seguintes, para toda a Europa. Esta dissertação de Mestrado apresenta a tradução de um dos textos capitais para a compreensão das realizações de Suger em Saint-Denis, o De Consecratione Ecclesiae Sancti Dionysii, acompanhado de notas explicativas e dois textos críticos: um sobre o lugar de Suger na historiografia da arte medieval e outro acerca das relações entre teologia e ¿estética¿ no templo edificado pelo abade
Abstract: The abbey church of Saint-Denis, situated at the vicinity of Paris, is one of the most proeminent of the European Middle Ages. Medieval sources have a great number of references to its importance, naming it as the ¿mother of the French churches¿. For many centuries, the abbey church was the core of the prestigious royal abbey, and its status has made it free of any feudal or ecclesiastical domination and only subject to the king himself. To art historians, the most significative moment in the history of the church is the great reform promoted by abbot Suger (1122-1151) during the years 1137-1144. Suger has achieved a complete reformulation in the western sector (the narthex) and the chevet (the choir and the crypt), transforming the old carolingian building (erected at the 8th century). The narthex was enlarged and added of three new portals and statue-columns (disappeared) that flanked the central portal. In the choir, the changes were still more significant: the little carolingian apse was removed and, at its place, a new and great structure was constructed, equipped with seven radiant chappels. But one of the most significant innovations present in Suger¿s new building were the stained glass windows, the great vitraux that let the daylight spread over the choir. One can say that the structural changes and the new conception of the ecclesiatical space gave the church of Suger a new form, quiet different from other romanic sanctuaries of its time. This new building erected under Suger¿s administration is considered by the scholars as the beginning of Gothic architecture, which should spread thereafter all over Europe. This Ms. Dissertation offers a translation (to portuguese) of Suger¿s little book De Consecratione Ecclesiae Sancti Dionysii, with explicative notes and two analytical texts: the former is about the place of Suger at the medieval art historiography and the latter is about the relations between the theology and the ¿aesthetics¿ in the old Saint-Denis abbot¿s temple
Mestrado
Historia da Arte
Mestre em História

Fundação de Amparo a Pesquisa no Estado do Rio Grande do Sul
In the late eighteenth century, Ann Radcliffe established herself as one of the most famous novelists of her time, and she reached the peak of her career with her fourth novel entitled The Mysteries of Udolpho (1794). Although it is one of the most important gothic novels, this narrative has issues not much explored by critics yet. The Mysteries of Udolpho presents us with one of the strongest characteristics of Radcliffe s fiction, namely, the detailed construction of setting. In this sense, this work analyses and discusses the roles of setting, which is organized in the novel as natural or constructed setting. The analysis focuses on the relation between this thematic-formal aspect and the actions and personal relationships of the protagonist Emily with other characters. The discussion shows that the different types of setting are essential in the narrative once they have strong participation in the ideological construction of characters regarding the connection between sentimentalism and rationality. Therefore, the relation between setting and characters, in this particular novel, expresses important aspects of the complex development of the bourgeois sensibility in eighteenth-century England.
Em fins do século XVIII, Ann Radcliffe se estabeleceu como uma das romancistas mais famosas de sua época, atingindo o ápice de sua carreira com seu quarto romance intitulado The Mysteries of Udolpho (1794). Apesar de ser um dos romances góticos ingleses mais importantes, ele ainda apresenta questões pouco exploradas pelos críticos. The Mysteries of Udolpho possui uma das características mais fortes das obras de Radcliffe: a minuciosa elaboração do espaço. Em vista disso, este estudo analisa e discute as funções do espaço, o qual está organizado em natural e construído. A análise centra na maneira como esse aspecto temático-estrutural se relaciona com as ações e relações pessoais da protagonista Emily com as demais personagens. Discutimos como os diferentes tipos de espaço tornam-se essenciais por participarem de forma enfática na construção ideológica das personagens, no que diz respeito à associação entre sentimentalismo e racionalidade. Assim, a relação entre espaço e personagens nesse romance expressa aspectos importantes da complexa construção da sensibilidade burguesa na Inglaterra do século XVIII.

Ainda pouco conhecida e estudada, a pintura retabular O Juízo Final e a Missa de São Gregório é uma das raras obras tardo-medievais existentes no Brasil, fazendo parte do acervo do Museu de Arte de São Paulo (MASP). Essa obra foi produzida em Valência para ser o painel central de uma abadia na Borgonha, França. Apesar da excelente oportunidade de estudos que ela apresenta para os historiadores da arte medieval, ela não fora até agora objeto de pesquisas detalhadas. O nosso objetivo, portanto, é analisar tal peça, atentando-nos particularmente aos diversos elementos que nela remetem à Eucaristia, e que fazem dela um objeto fértil de estudos sobre esse sacramento no final da Idade Média. Para realizar essa tarefa, fundamentamos o nosso trabalho na análise e na interpretação da obra seguindo os métodos de leitura formal, estilística e iconográfica utilizados na História da Arte, relacionando também o nosso objeto ao contexto histórico de produção e recepção, através de uma revisão da documentação e da sua história até chegar ao acervo do MASP. Para atender esse objetivo, dividimos o nosso trabalho em dois eixos principais. No primeiro, versaremos sobre a imagem enquanto objeto material e estudaremos a sua história e o seu suporte. Já no segundo, analisaremos a sua iconografia em relação ao sacramento eucarístico e sua dimensão salvífica e, desse modo, investigaremos como esse painel se relaciona com o processo de legitimação do realismo eucarístico no contexto no qual a imagem foi produzida e exposta no final da Idade Média.
Still little known and studied, the altarpiece painting The Last Judgment and the Mass of Saint Gregory is one of the rare late-medieval works in Brazil as part of the collection in the Museum of Art of São Paulo (MASP). This work was produced in Valencia to be the central panel of an abbey in Burgundy, France. Despite the excellent opportunity to study it presents for historians of medieval art, it has not been, so far, a detailed research object. Our goal, therefore, is to analyse such piece, paying attention in particular to the various elements in it that refer to the Eucharist, and that makes it a fertile object of study about this sacrament in the late Middle Ages. To accomplish this task, we based our work on the analysis and interpretation of the piece following the formal, stylistic and iconographic reading methods used in Art History, also relating our object to the historical context of production and reception, through a review of the documentation and of its history until it reaches the MASP collection. To reach this goal, we divided our work in two main axes. In the first one, we will discuss about the image as a material object and we study its history and its support. In the second one, we will analyse its iconography relating to the Eucharistic sacrament and its saving characteristic and thereby we will investigate how this panel relates to the process of legitimation of the Eucharistic realism in the context in which the picture was produced and exposed in the late Middle Ages.

Tese de doutoramento em Letras, na área de História (História da Arte), apresentada à Fac. de Letras da Univ. de Coimbra
O objecto da tese é a compreensão de uma obra arquitectónica A Madalena de Olivença, vista através dos olhos de um arquitecto, debulhando o rosário de decisões, vicissitudes e problemas que são necessários salvar. Uma visão fraccionada em várias classes e em vários planos ópticos de distinta intensidade. Num primeiro plano, mais superficial, por imediato, consiste em observar o edifício em si mesmo e a sua inserção no espaço que o rodeia. É uma visão próxima, descritiva e tangível, fazendo ressaltar a importância e a influência do edifício na cidade. Este primeiro plano tem um interesse predominantemente local. Num segundo plano, já mais amplo, o edifício é considerado como um exemplar de uma produção arquitectónica mais extensa, in casu a realizada no reinado de D. Manuel. É mais distante, e nele se investiga a relação entre os edifícios da referida época arquitectónica, procurando as características comuns e individuais, ao mesmo tempo que se comparam estas com a produção arquitectónica que, na altura, se realizava na Europa. Num terceiro plano, mais conceptual, é proposto um método de análise arquitectónico seguindo o fio condutor dos três principais autores e actores de um edifício: o promotor ou dono, o arquitecto ou projectista e o construtor ou mestre de obras, tendo por objectivo mais as suas mentes do que os seus nomes. Conhecer o seu pensamento, as suas intenções, a sua formação, as suas ambições, até ao ponto de adivinhar os seus raciocínios. Afastada a visão superficial da Igreja da Madalena de Olivença, é toda a arquitectura manuelina que se encontra reflectida no seu interior. Uma arquitectura donde tipológicamente se propõe uma disposição estrutural e volumétrica nova. Onde se exerce uma construção sincera. Onde a decoração é mágica, capaz de dirigir os olhos do espectador para onde ela quer e fazendo-lhe crer o que ela quer. As suas referências estão no gótico, preferindo o Inglês e o Germânico ao Francês, e rejeitando explicitamente os novos ares "romanos" ou Italianizantes.

Relatório da Prática de Ensino Supervisionada, Mestrado em Ensino de Artes Visuais, Universidade de Lisboa, Instituto de Educação, 2018
Pode o desenho complementar o ensino e a aprendizagem da disciplina bienal de História da Cultura e das Artes, leccionada no curso de Artes Visuais durante o Ensino Secundário? Nos últimos anos, as médias nacionais dos exames desta disciplina apresentam valores geralmente negativos. Sendo a História da Cultura e das Artes uma das disciplinas mais significativas e estruturantes para qualquer aluno de artes, estes resultados são alarmantes. A experiência pessoal e académica também revela que a maioria dos alunos não demonstra interesse ou reconhece o propósito em estudar uma disciplina teórica num curso predominantemente prático e visual. Contudo, este afastamento da História de Arte transforma-se numa incultura e inabilidade de perceção histórica, resultando numa inexperiência de reflexão sobre o mundo em que vivemos, de onde vimos e para onde vamos. A natural consequência deste paradigma é um aluno, cidadão e futuro profissional mal preparado e sem um integral entendimento do mundo artístico. Partindo de um paradigma de investigação interpretativo e de uma abordagem qualitativa, a presente investigação procura observar, descrever e refletir a aprendizagem da arte gótica, numa turma completa de 10.º ano, através de um projeto gráfico que recorre ao desenho e ao ensino da literacia e à cultura visuais. A observação direta da unidade de trabalho, a análise dos inquéritos dos alunos e a interpretação dos dados recolhidos fundamentam um estudo focado na aprendizagem integral do aluno, como um habitante de uma sociedade cada vez mais visual e interligada, e no significado e sentido que este confere à unidade de trabalho experimentada.
Can drawing promote and add further learning skills in the study of Art History, a subject taught in the Visual Arts course in high-schools? In recent years, the national GPA regarding the Art History’s exam, which determines university entrance qualifications, has been a negative and weak one. Since Art History is one of the most significant and pivotal subjects of any art student, these results are baffling. Personal and academic experience further acknowledges the student’s lack of interest in Art History or even the recognition of purpose in studying a theoretical subject in an art course. However, this dismissal of the importance of Art History creates a deficient culture and an inability of historical perception, resulting in a frailty thinking and understanding of the world in which we live in today. The legitimate consequence of this is a poorly prepared student, citizen, and future employee, whose grasp of the artistic world will eventually be feeble. This research, based on an interpretative and qualitative paradigm, observes, describes and analyses a 10th grade’s class project that focus on the learning progress of the gothic art chapter through drawing, visual literacy and visual culture. The direct observation of the project and its development, the analysis of the student’s surveys and the interpretation of its collected data underlies this investigation, which focal point is the student’s experience of this project and his/hers integral education as an active member of a visual and interconnected society.

Poucas vezes terá tido o homem a sua existência tão marcada pela espiritualidade quanto na Idade Média, e raras vezes foi tão feliz ao tentar imprimir na arte os sinais do invisível. Época de trevas? Época de contrastes? Época certamente, de luzes do espírito que deveriam iluminar os caminhos dos homens das épocas históricas posteriores, mostrando-lhes o verdadeiro sentido da vida. Todos somos personagens activas do presente e produtos do passado e como agentes actuais da história, reconstituímos e ajuizamos esse passado. O interesse pelo passado depende tão estreitamente dos problemas do presente que. quando este se modifica, modificam-se também os seus interesses específicos e a sua forma de ver as obras de arte, dai que haja sempre necessidade de reescrever a História da Arte. A História da Arte é afinal a história das sucessivas maneiras de ver o mundo, a compilação dos modos de representação artística, dos testemunhos monumentais do passado, que constituem documentos e permanecem como entidades vivas. A arte da Idade Média transmite-nos um conceito alargado do homem e da sua relação com o mundo e constitui a própria essência desta época. Dá-nos ajusta medida das misérias e grandezas do seu espírito. Mostra-o em todas as etapas e vicissitudes da sua vida. Deus está no centro do Universo mas, através do seu filho encarnado, Jesus Cristo, dá ao homem e à humanidade uma dimensão divina. A arte deste período foi, sem dúvida, uma arte do espírito, nas regras com que distribuiu as figuras, na sua ordenação, nas simetrias, nos números, nos símbolos. Há nela uma organização misteriosa, nos seus livros de pedra que, além de testemunhas de um tempo, são uma história natural do homem.

A presente investigação de tese de mestrado em gestão cultural tem como objetivo propor um projeto de intervenção contemporânea no Mosteiro de Santa Maria da Vitória – Batalha, onde realizei o meu estágio. O contexto arquitetónico, espacial, cultural e social como suporte da prática artística, assim como a consciência e tentativa de criação de intimidade entre um monumento gótico e um objeto artístico contemporâneo são o fio condutor deste projeto. Também tem a intenção de entender qual a importância deste género de projetos no património e na sua gestão e dinamização. Enquanto projeto, foi proposto a dois artistas plásticos contemporâneos a conceção de uma instalação artística através de uma abordagem ao lugar no seu contexto arquitetónico, histórico e também social: a perceção do espaço, assim como a desmistificação da experiência dos artistas no monumento surgem como a ilustração que inicia a proposta prática deste projeto. Desta forma, procuro o envolvimento de profissionais da gestão cultural, e das artes plásticas num processo colaborativo em que cada saber é operacionalizado dialogicamente. O Mosteiro da Batalha ganha um carater de instalação experimental relevando diferentes fazeres num todo definido coletivamente; o espetador torna-se parte integrante da obra. A experiência sensorial dos artistas no Mosteiro da Batalha é a base de todo o desenvolvimento do processo construtivo da obra, no final pretende-se criar um diálogo entre o monumento e a arte contemporânea, respeitando-se mutuamente. Com o tema O monumento gótico como suporte da prática artística contemporânea pretende-se desenvolver um estudo em especial sobre o Mosteiro de Santa Maria da Vitória e intervenções site-specific nesse contexto espacial em duas perspetivas, de um lado do artista e do outro da gestão do património. Será também uma reflexão acerca da arte contemporânea como expoente simbólico do lugar.

Em 1459, os infantes D. Fernando e D. Beatriz, duques de Beja, fundaram o Convento da Conceição da mesma cidade, um convento de clarissas situado mesmo ao lado do Paço dos Infantes. Construído entre os séculos XV e XVI, o edifício contou com campanhas de obras abrangendo o reinado de D. Afonso V, de D. João II e D. Manuel I, envolvendo soluções características de cada um dos períodos. Tendo sido caracterizado como devedor do gótico batalhino, o convento é referido na historiografia como local de diversos elementos arquitectónicos inovadores. Aquilo que pretendemos perceber é que inovação é esta e quais as repercussões da mesma na arquitectura da época, nomeadamente no chamado “estilo manuelino”. Assim, desenvolveu-se uma leitura crítica da historiografia do manuelino, linguagem arquitectónica em emergência neste período de transição. Procedeu-se também a uma análise dos aspectos fundacionais e da construção primitiva do convento, aliada à observação de registos documentais, fotográficos, e do que resta do edifício após as demolições de que foi alvo no século XIX. Com isto, o nosso objectivo é compreender de que forma é que o convento da Conceição de Beja esclarece as problemáticas da arquitectura manuelina e, em última instância, qual é o lugar desta construção na arquitectura de transição entre o século XV e XVI.
In 1459, the infants D. Fernando and D. Beatriz, dukes of Beja, founded the monastery of Our Lady of Conception at Beja, a monastery of Poor Clares, located right next to the Infants’ Palace. Built between the 15th and 16th centuries, the building went through several construction stages, throughout the reigns of D. Afonso V, D. João II and D. Manuel I, involving different types of solutions, representative of each of the said periods. The monastery is usually referred to as a gothic building, rooted in the architectural tradition of the Batalha monastery, and it is said to have several groundbreaking elements. What we are trying to understand is what this innovation is exactly and what are its consequences in the architecture of that moment, usually called “manueline style”. That being said, we developed a critical analysis of the manueline historiography, the emergent architectural language in this transitional period. We also conducted an interpretation of the foundational aspects of the building and its early construction combined with the analysis of written and graphic documentation, and also of what is left of the building after the demolitions of the 19th century. In conclusion, our goal is to understand in what ways the monastery of Our Lady of Conception at Beja explains the questions around manueline architecture and, lastly, what is the real place of this building in the transitional architecture of the 15th and 16th centuries.

A tese que apresentamos decorre do estudo que desenvolvemos anteriormente na realização da dissertação de Mestrado em Arte, Património e Restauro, sob o tema “As Gárgulas no Mosteiro de Santa Maria da Vitória. Função e Forma” publicamente defendida e aprovada na Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa, em 2008. A investigação parte de um conceito de arquitectura entendida como um conjunto articulado de sistemas que, faseadamente, constituem preocupação do mestre construtor. O sentido da arquitectura gótica portuguesa e das suas soluções técnicas ganha um novo enfoque se for analisado deste ponto de vista, sistema por sistema, solução por solução, até à cabal compreensão do edifício como unidade orgânica funcional. Assim, num edifício gótico encontramos, entre outros, o sistema de coberturas externas (telhados e terraços), sistema hidráulico (condutas e gárgulas, condutas de recolha e escoamento) coberturas internas (abóbadamento e suas tipologias) sistema murário (estereotomia da pedra, solução de rasgamento de aberturas, soluções de aparelhamento), sistema de contrafortagem (arcos botantes, contrafortes internos e externos, etc.), funcionando em uníssono de modo a criar a perfeita expressão da devoção, da iconografia e da beleza da luz. O nosso estudo tem por universo a arquitectura sacra gótica portuguesa compreendida entre os séculos XIII e XVI. Tratando-se de um âmbito muito alargado será necessário estabelecer critérios de inventariação e de estudo de caso de modo a escolher os exemplos cujas soluções utilizadas sejam inovadoras. Iremos realizar a comparação dos diversos sistemas hidráulicos presentes no caso português com outros exemplos europeus: Espanha, França, Inglaterra, e Itália de modo a identificar e compreender a originalidade e a complexidade dos sistemas hidráulicos presentes na arquitectura gótica portuguesa, as suas filiações técnicas e tipológicas. Focaremos a nossa atenção nos restauros efectuados nos edifícios pela Direcção Geral dos Monumentos Nacionais, pelo Instituto Português do Património Arquitectónico e analisaremos também as intervenções não documentadas. Este é um ponto com muita importância visto que os restauros dos edifícios, feitos ao longo do tempo modificaram, de um modo por vezes extraordinário, tanto a sua aparência como também a sua funcionalidade. No penúltimo capitúlo analisaremos o sistema hidráulico superior e inferior presente na arquitectura gótica portuguesa, recorrendo assim aos conceitos arquitectónicos e arqueológicos. O sistema hidráulico é, sem dúvida, muito importante para o bom funcionamento dos edifícios, visto se tratar de um vasto conjunto de elementos que constituem um subsistema da organização arquitectónica geral do edifício. Desde sempre que uma das primordiais preocupações do arquitecto, ao conceber o seu edifício, foi conduzir as águas pluviais para o exterior da zona coberta. Assim, ao longo do tempo foram-se ensaiando soluções, as quais, mesmo durante a Idade Média em Portugal, assumiram várias tipologias e contribuíram para o afastamento das águas da estrutura murária do edifício. Todo este subsistema hidráulico demonstra uma elevada complexidade e cuidado, visto ser muito importante para os construtores/arquitectos combaterem as infiltrações de águas e a pluviosidade das chuvas nos edifícios. Para finalizar analisaremos a originalidade e o estudo iconográfico possível das gárgulas. Decidimos abrir este capítulo uma vez que as gárgulas são um dos elementos mais importantes do sistema agora em estudo, sendo que se trata, de uma forma geral, do último elemento presente neste sistema.
The thesis here presented is a result of the the study that we developed earlier in the realization of our dissertation in Art, Heritage and Restoration, under the theme "The Gargoyles at the Monastery of Santa Maria da Vitória. Function and form", publicly defended and approved at the Faculty of Arts, University of Lisbon, in 2008. The research is based in a concept of architecture understood as an articulated set of systems that are one of the concerns of the master builder. The sense of Portuguese gothic architecture and its technical solution gains a new approach if analyzed from this point of view, system for system, solution by solution, to fully understand the building as a functional organic unity. Thus, in a Gothic building we find, amongst others, the system of external roofing (roofs and terraces), hydraulic system (pipes and gargoyles, collection and drain pipes) internal hedges (domes and their typologies) the wall system (stone cutting, solution tear openings), buttress system (arches, internal and external buttresses, etc.), working together to create the perfect expression of devotion, the iconography and the beauty of light. The universe of our study is the Portuguese Gothic sacred architecture between the thirteenth and fifteenth centuries. Since this is a very broad scope will be necessary to establish criteria for inventory and case study in order to choose the examples whose solutions used are innovative. We will perform a comparison of hydraulic systems present in the Portuguese case with other European examples: Spain, France, England and Germany in order to identify and understand the originality and complexity of hydraulic systems present in the Portuguese Gothic architecture, their technical and typological affiliations. We will focus our attention in the restoration carried out in the buildings by the Monuments Directorate General at the Portuguese Institute of Architectural Heritage and also analyze the interventions yet undocumented. This is a very important point because the restoration of buildings made over time, changed in a manner sometimes remarkable, in its appearance but also in its functionality. In the penultimate chapter we will analyze the upper and lower hydraulic system present in the Portuguese Gothic architecture, using the architectural and archaeological concepts. The hydraulic system is undoubtedly very important for the efficient functioning of buildings, as this is a wide range of elements that are a subsystem of the general architectural organization of the building. Since always, a primary concern of the architect when designing the building was to lead rainwater to the outside of the covered area. Thus, over time, solutions were rehearsed, even during the middle ages in Portugal, which took various types and contributed to the removal of water from the wall structure of the building. All this hydraulic subsystem demonstrates a highly complex and care, as it is very important for builders / architects to combat water seepage and rainfall in buildings. Finally we will analyze the originality and the possible iconographic study of the gargoyles. We decided to open this section since the gargoyles are one of the most important elements of the system studied by us, and that these are generally the last element in this system.

O presente trabalho procurou explorar a relação entre flosofa e arquitetura. Apesar de serem dois campos distintos entre si, é possível ver a influência da flosofa na forma como os arquitetos pensam. Essa influência é direta mas também indireta pois a arquitetura parte sempre de uma conceção flosófca acerca do mundo, mesmo que essa conceção não seja formulada em termos concretos e funcione mais como o pano de fundo de pensamento das sociedades. Como caso de estudo foi escolhido o período gótico e a ligação entre este e a flosofa medieval. Em todo o estudo do gótico se tentou perceber as razões do início do gó- tico e que mudanças é que o tornaram possível. Para nos auxiliar neste estudo recorreremos principalmente ao trabalho de Erwin Panofsky, historiador do século XX que escreveu sobre a influência da flosofa medieval (escolástica) sobre o gótico. Este trabalho será o ponto de partida para percebermos até que ponto a escolástica influenciou a arquitetura gótica, principalmente sobre a forma como a abertura de pensamento nova que a escolástica abriu permitiu o desenvolvimento da forma gótica, abrindo espaço para o naturalismo na arte e criando, assim, um estilo arquitetónico diferente dos que o antecederam mas capaz de incorporar elementos formais deles, combinando-os com novas formas. Iremos analisar a forma no gótico e a sua evolução entre o baixo e o alto gótico ocorrida na Île-de-France a partir do século XI.
The present work explored the relationship between philosophy and architecture. Even though they are two separate felds between each other it’s possible to see the influence philosophy plays in the way architects think. That influence is not only direct but also works in an indirect way because architecture always starts from a philosophical conception of the world, even if we don’t formulate that conception in concrete terms it still works as the background for the thought of a society. As a case study we chose the gothic period and the relationship between gothic architecture and medieval philosophy (scholasticism). In every study of the gothic historians tried to understand the reasons that led to the beginning of gothic architecture and the reasons that made it possible. To help us in this study we will use the work of the twentieth century historian Erwin Panofsky, who wrote extensively about the connection between scholasticism and gothic architecture. His work will be the starting point for us to understand to which degree did scholasticism influenced gothic architecture, especially the way that new currents of thought opened up the way to naturalism in art and to the creation of new forms, creating thus a new architectonic style that incorporated elements from previous styles, combining them with new ones. We will analise the gothic form and its evolution between low and high gothic that occurred in the Île-de-France from the XII century onwards.

A presente dissertação tem como objeto de estudo a vida e a obra de João de Castilho. Apesar de ser considerando um dos pilares fundamentais da arquitetura tardo-gótica e do Renascimento no nosso território, a verdade é que historiograficamente, o universo artístico de João de Castilho necessitava de uma releitura global à luz dos novos valores historiográficos, da nova documentação e de uma renovada análise da sua obra. Examinaremos o seu percurso artístico: desde o momento da sua formação em terras de Castela até ao momento da sua morte, em Tomar, no início da década de cinquenta do século XVI. Analisaremos os vários edifícios onde Castilho marcou presença, procurando reconhecer a sua identidade, soluções estruturais, tecnologia construtiva, modelos e formas arquitetónicas. Por outro lado, procuramos entender como Castilho, homem formado numa realidade de estaleiro bastante concreta, depara-se em determinado momento com duas realidades distintas, o tardo-gótico e o Renascimento. O nosso trabalho procura, assim, encontrar uma resposta que permita entender a conciliação destas realidades e o respetivo desenvolvimento do Renascimento na sua obra. Para além do estudo dos diversos elementos ligados às suas obras, esta dissertação debruça-se também sobre a vida do artista. Desse modo, procuramos dar respostas a questões como: que relação tem com os seus mecenas – quer régios quer eclesiásticos, que posição alcança dentro do estaleiro, quais funções profissionais que desempenhou (mestre, avaliador, tracista, etc), que estatuto social alcança ao longo das várias etapas da sua vida, qual a sua condição patrimonial/económica e quais os laços familiares. Estes são alguns dos pontos em discussão ao longo do trabalho e que procuramos responder de forma a darmos a conhecer melhor a figura de João de Castilho e a sua obra à luz dos novos contextos historiográficos.
The purpose of this dissertation is to study the life and work of João de Castilho. Despite being considered one of the fundamental pillars of late gothic architecture and renaissance in our territory, in fact, João de Castilho needed a global re-reading according to the new historiographic values, new documentation and a renewed analysis of his work. We will examine his artistic journey from the time of his formation in Castilho to the Convent of Christ, in Tomar, where he died in the early fifties of the 16th century. We will analyze the various buildings where Castilho participated, looking for his identity, structural solutions, constructive technology, models and forms. On the other hand, we try to understand how João de Castilho, who was trained in a very concrete shipyard reality, is facing a certain moment with two very different realities, the late gothic and the renaissance. Our work look for an answer that allows us to understand the reconciliation of these realities and the development of Renaissance in his work. In addition to the study of the various elements related to his works, this dissertation also focuses on the life of the artist. In this way we try to answer questions such as: what relationship does it maintain with its various patrons — whether royal or ecclesiastical—, what position it reaches within the yard, what social status it achieves throughout the various stages of its life, what its patrimonial and economic condition. And what are the family ties. These are some of the points in discussion throughout this work and that we try to answer in order to better know the figure of João de Castilho.

Dissertação de Mestrado, Comunicação, Cultura e Artes, Faculdade de Ciências Humanas e Sociais, Universidade do Algarve, 2014
Com o passar dos anos, os videojogos têm vindo a intensificar a sua importância enquanto conteúdo, arte e experiência sendo o foco desta dissertação a procura de medos específicos que o género survival horror é capaz de desencadear. Através do cinema de horror, da literatura gótica e da pintura romântica, uma reflexão sobre o universo dos videojogos Amnesia poderá ser criada. Caracterizam-se não só pela complexidade de cenários, criaturas, sons e narrativa mas também pela procura de uma intensa experiência emocional ao impedir toda e qualquer forma de combate e a trabalhar, de forma constante, a insanidade no ser humano. Assim, o género survival horror e o videojogo como meio digital interativo parecem encaixar-se na perfeição, resultando numa convincente simulação de uma realidade ficcional.