Dissertations / Theses: 'Arte plástica'

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Herrero, Lozano María Natalia. "Acerca del espacio: obra plástica de Carmen Puente." Thesis, Universidad de las Américas Puebla, 2010. http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lha/herrero_l_mn/.

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Torres, Marília Marcondes de Moraes Sarmento e. Lima. "O cristo no terceiro milênio : a visão plástica da arte sacra atual de Cláudio Pastro /." São Paulo : [s.n.], 2007. http://hdl.handle.net/11449/87013.

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Abstract:

Orientador: José Leonardo do Nascimento
Resumo: Este trabalho mostra a evolução da arte cristã através dos séculos, notadamente das representações da face de Cristo, passando por alguns movimentos da arte na Europa e pelo barroco aqui no Brasil. A representação pictórica de Jesus surgiu no início da era cristã, junto às catacumbas romanas, ainda influenciada pela arte realizada na antiguidade grego-romana. A preocupação dos artistas de então era somente com os ensinamentos da nova religião que estava surgindo e não com a arte em si. Com o decorrer dos séculos, essa arte passou por diversas modificações. Entretanto, a face de Cristo com o rosto oval, nariz afilado, olhos amendoados e barba bifurcada, que cohecemos e que se mantém até hoje, é baseada no Mandilion de Edessa, imagem aquiropita (do grego, não feita por mãos humanas) que se tornou o modelo de representação para os artistas do período bizantino. O artista Cláudio Pastro, convidado pelo Vaticano para produzir a obra "O Cristo Evangelizador do Terceiro Milenio", nascido em São Paulo, não se deixa influenciar pela arte barroca, mais marcante do povo brasileiro, mas segue o que pede o Concílio Vaticano II, isto é, um retorno às fontes. Pastro vai buscar essa maneira de representar Jesus no periódo da arte realizada em Bizâncio. Jesus é, então, representado como o Pantocrátor, o soberano que tudo vê e tudo rege, o legislador do Universo - o Cristo Vitorioso. Não se preocupa com a perspectiva, usa a frontalidade, a obra é repleta de símbolos usados em diversos tipos de cultura e estes foram analisados para o melhor entendimento de como a obra foi concebida e realizada. Os símbolos usados são o círculo, o quadrado, o ouro, a madeira, as cores, os gestos e as incisas. A obra, encomendada pela Sé Romana para as comemorações do Jubileu do ano 2000, encontrea-se no Vaticano.
Abstract: This work reports the evolution of the centuries - notably of the representations of the face of christ - throughout some art movements in Europe and the baroque in Brazil. The pictorial representation of Jesus appeared at the Roman catacombs in the beginning of the Christian era, yet influenced by the ancient greek-roman art. The artist concern at that time was mostly to teach concepts of the newly founded religion and not the art itself. Over the centuries this art suffered many modifications. However, the face of Christ with the oval shape, straight nose, almond eyes and divided beard, that we know and remains until today, is based on the Mandilion of Edessa, an acheiropoieta image (the greek "not made by human hands") that became the model the artists of the byzantine period. The artist Cláudio Pastro - invited by the Vatican to produce the workmanship "the Christ Evangelizador of the Third Millenium"- born in São Paulo, is not influence by the baroque art, well known by the Brazilian people, but follows the deamands of II Vatican Council, that is a return to the origins. Pastro searches inspiration to represent Jesus in the period of the christuan art in the early Byzantium. Jesus was then represented as the Pantocrátor, the sovereign that see everything and rules over all, the legislator of the Universe - the Victorious Christ. Pastro in not concerned about the perspective and uses the frontality. This work of art is full of symbols common to different cultures which were analyzed for better comprehension of how this piece was conceived and accomplished. The used symbols are the circle, the square, the gold, the wood, the colors, the gestures and incisions. The workmanship, ordered for the Roman See for the celebration of the Jubilee of the year 2000 Jubilee - is exposed inside the Vatican.
Mestre

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Velasco, Sebastián Raquel. "LA CREACIÓN PLÁSTICA AUTOBIOGRÁFICA CONTRA LOS MODELOS IDEALIZADOS DEL INDIVIDUO." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2016. http://hdl.handle.net/10251/61491.

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Abstract:

[EN] The main goal of this investigation has been to highlight the transcendence and social struggle which we believe as inherent to the genre of autobiographical plastic creation, contextualizing and relating it to the evolution of the occidental philosophical thinking and culture, as well as to the theoretical investigations on essential contemporary questions in our society. This investigation places the autobiographical plastic creation carried out by artists such as Louise Bourgeois, Tracy Emin, Wolfgang Tillmans, Josef Beuys or Sophie Calle, among others, on the opposite side to the widespread idealized models of the human being. We explain that the origin of those idealized models, of and for the human being, lies in the platonic idealism belonging to the classical culture, which has lived on vigorously to our days as a structural thinking of our occidental culture. Its legacy has turned out to be the imposition of an ideal model of the human beings, whom it considers hardly interesting, but for their use as projects of moral, physical or intellectual perfection, which can be seen in the influence, sometimes devastating, of advertising and media models over sexuality, ethnic identity and interpersonal relationships. Autobiographical creation cannot be fully comprehended as it is nowadays without understanding that it has been necessary to accomplish a progressive historical change of the conception of the individual, who has been moving away, step by step, from the achievement of the ideals in order to start giving more relevance both to the personality and to the development of the potentialities and particularities of human beings. We have presented three fundamental theorists in the history of occidental thinking: Friedrich Nietzsche, Sigmund Freud and the philosophical theories of Karl Marx, in order to search for the philosophical origin of the rupture with idealism and the beginning of a global and real conformation of the individual, including their most unconscious and animal aspects, such as their urges. Their theses reply to the platonic and former religious idea of the ideal model existing just by itself, as a materialization of an intangible divinity, denouncing that it is the human being who creates it, with a clear intention and belonging to a certain group of power. The rupture of these theorists with the longing for an idealized model of individuals offers an alternative way, reflected on an essential change in the autobiographical creation, from its confirmation as just a reflection of an illustrious and exemplary life to a place marked by the individual itself, far away from homogenizing and stigmatizing visions on individuals and collectives. The key question risen from the study of the opposition of these philosophical theses against idealism, Who runs the public domain and with which intention?, will be related to the conclusive idea of this thesis: What matters in this kind of creation is not so much who is creating or whether the autobiographical data are really true, but from where and with which intention, inasmuch as all the autobiographical artists studied and presented have contributed with their works to the deconstruction of prejudices that were affecting negatively the peripheral groups they belong to, due to their genre, ethnicity or sexuality.
[ES] El objetivo principal de esta investigación ha sido dotar al género de la creación plástica autobiográfica de la trascendencia y combatividad que nos parecía portar, contextualizándola y vinculándola tanto a la evolución de la cultura y del pensamiento filosófico occidental, como a las investigaciones teóricas sobre cuestiones fundamentales y contemporáneas de nuestra sociedad. Esta investigación sitúa a la creación plástica autobiográfica de artistas como Louise Bourgeois, Tracy Emin, Wolfgang Tillmans, Josef Beuys o Sophie Calle entre otros, en el extremo opuesto de la difusión de modelos idealizados del ser humano. Para ello explicamos cómo las raíces de la creación de modelos ideales del y para el ser humano se ubica en el idealismo platónico de la cultura clásica que ha pervivido con fuerza hasta nuestros días, como pensamiento estructural de nuestra cultura occidental. Su legado es la imposición de un modelo ideal al ser humano, dado que se considera a éste imperfecto y poco o nada interesante si no es por su proyecto de perfeccionamiento moral, físico o intelectual, reflejándose en la influencia en ocasiones devastadora de los modelos publicitarios y mediáticos sobre la sexualidad, la identidad étnica y las relaciones interpersonales. No podemos entender la creación autobiográfica como se entiende en la actualidad sin comprender que ha sido esencial un cambio histórico progresivo en la concepción del individuo, que se ha ido separando poco a poco de la consecución de ideales, para ir concediendo más importancia a la personalidad y al desarrollo de las potencialidades y particularidades del ser humano. Hemos presentado tres teóricos fundamentales de la historia del pensamiento occidental, para plantear el origen filosófico de la ruptura con el idealismo y el inicio de una conformación global y real del individuo, con su parte más inconsciente y animal reflejada en sus pulsiones. Sus tesis contestan la idea platónica y religiosa de que el modelo ideal existe por sí, como una materialización de lo intangible divino, denunciando que es el ser humano quien lo crea con una intención y desde un grupo de poder. La ruptura de estos teóricos con el idealismo platónico abre una vía alternativa que se refleja en un cambio esencial en la creación autobiográfica, de su validación únicamente como reflejo de una vida ilustre y ejemplarizante hacia un lugar marcado por el propio individuo, alejándose de las visiones homogeneizantes y estigmatizantes tanto individuales como colectivas. La pregunta clave que desde estas tesis filosóficas que planteamos se ha hecho contra el idealismo ha sido "¿quién maneja lo público y con qué interés?", lo que conecta con el planteamiento conclusivo de la tesis: lo importante en este tipo de creación no es tanto quién crea o si sus datos son veraces, sino desde dónde y con qué intención, dado que todos los artistas autobiográficos que hemos expuesto han contribuido mediante sus obras a deconstruir los prejucios que recaen sobre los colectivos periféricos a los que pertenecen, ya sea por su género, su etnicidad o su sexualidad.
[CAT] L'objectiu principal d'aquesta recerca ha estat dotar al gènere de la creació plàstica autobiogràfica de la transcendència i combativitat que ens semblava portar, contextualitzant-la i vinculant-la a l'evolució de la cultura i el pensament filosòfic occidental i a les recerques teòriques sobre qüestions fonamentals i contemporànies de la nostra societat. Aquesta recerca situa a la creació plàstica autobiogràfica d'artistes com LouiseBourgeois, TracyEmin, Wolfgang Tillmans, Josef Beuys o SophieCalle entre uns altres, en l'extrem oposat de la difusió de models idealitzats de l'ésser humà. Per a això expliquem com les arrels de la creació de models ideals del i per a l'ésser humà, se situa en l'idealisme platònic de la cultura clàssica que ha perviscut amb força fins als nostres dies com un pensament estructural de la nostra cultura occidental. El seu llegat és la imposició d'un model ideal a l'ésser humà, atès que es considera a aquest imperfecte i poc o gens interessant si no és pel seu projecte de perfeccionament moral, físic o intel·lectual, reflectint-se en la influència en ocasions devastadora dels models publicitaris i mediàtics sobre la sexualitat, la identitat ètnica i les relacions interpersonals. No podem entendre la creació autobiogràfica com s'entén en l'actualitat sense comprendre que ha estat essencial un canvi històric progressiu en la concepció de l'individu, que s'ha anat separant a poc a poc de la consecució d'ideals, per anar concedint més importància a la personalitat i al desenvolupament de les potencialitats i particularitats de l'ésser humà. Hem presentat tres teòrics fonamentals de la història del pensament occidental, per plantejar l'origen filosòfic de la ruptura amb l'idealisme i l'inici d'una conformació global i real de l'individu, amb la seva part més inconscient i animal reflectida en les seves pulsions. Les seves tesis contesten la idea platònica i religiosa que el model ideal existeix per si, com una materialització de l'intangible diví, denunciant que és l'ésser humà qui ho crea amb una intenció i des d'un grup de poder. La ruptura d'aquests teòrics amb l'idealisme platònic obre una via alternativa que es reflecteix en un canvi essencial en la creació autobiogràfica, de la seva validació únicament com a reflex d'una vida il·lustre i exemplar, cap a un lloc marcat pel propi individu, allunyant-se de les visions homogeneïzants i estigmatitzants tant individuals com a col·lectives. La pregunta clau que des d'aquestes tesis filosòfiques que plantegem s'ha fet contra l'idealisme, ha estat "qui maneja el públic i amb quin interès?", la qual cosa connecta amb el plantejament conclusiu de la tesi: l'important en aquest tipus de creació no és tant qui crea o si les seves dades són veraces, sinó des d'on i amb quina intenció, atès que tots els artistes autobiogràfics que hem plantejat han contribuït mitjançant les seves obres a deconstruir els prejudicis que requeien sobre els col·lectius perifèrics als quals pertanyen, ja sigui pel seu gènere, la seva etnicitat o la seva sexualitat.
Velasco Sebastián, R. (2016). LA CREACIÓN PLÁSTICA AUTOBIOGRÁFICA CONTRA LOS MODELOS IDEALIZADOS DEL INDIVIDUO [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/61491
TESIS

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BRITO, NETO José Bezerra de. ""Educar para o belo": arte e política nos salões de Belas Artes de Pernambuco 1929-1945." Universidade Federal Rural de Pernambuco, 2011. http://www.tede2.ufrpe.br:8080/tede2/handle/tede2/4745.

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Abstract:

Submitted by (lucia.rodrigues@ufrpe.br) on 2016-06-15T13:17:50Z No. of bitstreams: 1 Jose Bezerra Brito Neto.pdf: 2867191 bytes, checksum: e84f38c130b7a90bcebb96c338604486 (MD5)
Made available in DSpace on 2016-06-15T13:17:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Jose Bezerra Brito Neto.pdf: 2867191 bytes, checksum: e84f38c130b7a90bcebb96c338604486 (MD5) Previous issue date: 2011-02-21
The limits that relate to art and politics imply the enunciation of territories which question the artistic production according to their own power of action, so that its existence in different times in history will suit the "regulations" in a certain order dominant . This work has as central problem to analyze the political negotiations and exercised in the daily cultural arts Pernambuco from 1930 to 1945, between the painters and government policies in the state of Pernambuco. This by examining the competitive space and socio-cultural, entitled Salon de Bellas Artes de Pernambuco, created to reward those artists that met the standards required by edicts drafted according to the political position of the government in power.
Os limites que relacionam a arte com a política implicam na enunciação de territórios que interrogam a produção artística segundo sua própria potência de ação, de modo que sua existência, em diversos momentos da história irá adequar-se às regulamentações de uma certa ordem dominante. Este trabalho tem como problema central analisar as negociações políticas e culturais exercidas no cotidiano das artes plásticas pernambucanas no período de 1929 à 1945, entre os pintores e as políticas governamentais no estado de Pernambuco. Isto através da análise dos espaços competitivos e intitulados de Salões de Belas Artes de Pernambuco, como forma de projetos de educação estética que propunham uma inserção das Belas Artes na vida da sociedade pernambucana do período analisado.

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Castro, Sajami Carlos. "Concepción de un arte peruano en la obra plástica inicial de Jorge Eielson." Master's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2016. http://tesis.pucp.edu.pe/repositorio/handle/123456789/7458.

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Veludo, Eliana Carolina Sánchez. "Educação pela Arte: um contributo para uma educação multicultural." Master's thesis, Faculdade de Ciências Sociais e Humanas, Universidade Nova de Lisboa, 2013. http://hdl.handle.net/10362/10205.

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Abstract:

Dissertação apresentada para cumprimento dos requisitos necessários à obtenção do grau de Mestre em Ciências da Educação
A presente dissertação pretende contribuir para a análise das temáticas relacionadas com a educação plástica e visual e o desenvolvimento de valores num contexto educativo multicultural. A partir da análise de um caso concreto do exercício desta disciplina, num contexto de sala de aula, foi nosso objectivo compreender de que forma a educação plástica e visual contribui para a educação de valores abordando a questão das diferenças culturais. Nesta pesquisa pretendeu-se estabelecer uma aproximação entre a educação plástica e visual e as interacções multiculturais num contexto educativo. Através de uma pesquisa de carácter qualitativo, estabeleceram-se como instrumentos metodológicos para recolha de dados: a entrevista focus group, a cinco grupos de cinco elementos, a entrevista individual ao Professor da disciplina de Educação Plástica e Visual e o exercício da dinâmica de imagens. A análise dos dados recolhidos foi realizada segundo a metodologia da análise de conteúdo proposta por Bardin (2004). Os participantes neste estudo pertencem a uma turma do 1º ano do 3º ciclo do ensino básico, com idades compreendidas entre os 12 e os 14 anos, durante o ano lectivo 2011/12. A análise dos resultados parece permitir confirmar a existência de uma relação entre a aprendizagem realizada na disciplina de EPV e o desenvolvimento do significado dos valores de ‘respeito’ e ‘igualdade’. A valorização do pluralismo cultural entre os alunos parece despertá-los para o conhecimento, o respeito e a expressão cultural. A Educação pela Arte, um dos veículos de formação e transformação do ser humano, parece ser capaz de permitir aos alunos a compreensão e o respeito pelas diferentes manifestações culturais, ligando o contexto escolar à história e aos valores dos alunos, incentivando e ampliando o debate sobre as diversas culturas.

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Torres, Marília Marcondes de Moraes Sarmento e. Lima [UNESP]. "O cristo no terceiro milênio: a visão plástica da arte sacra atual de Cláudio Pastro." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2007. http://hdl.handle.net/11449/87013.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:30Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007-06-18Bitstream added on 2014-06-13T18:48:00Z : No. of bitstreams: 1 torres_mmmsl_me_ia.pdf: 3949713 bytes, checksum: 8fc8351bf257724d2e6d3cc4fc9c049f (MD5)
Este trabalho mostra a evolução da arte cristã através dos séculos, notadamente das representações da face de Cristo, passando por alguns movimentos da arte na Europa e pelo barroco aqui no Brasil. A representação pictórica de Jesus surgiu no início da era cristã, junto às catacumbas romanas, ainda influenciada pela arte realizada na antiguidade grego-romana. A preocupação dos artistas de então era somente com os ensinamentos da nova religião que estava surgindo e não com a arte em si. Com o decorrer dos séculos, essa arte passou por diversas modificações. Entretanto, a face de Cristo com o rosto oval, nariz afilado, olhos amendoados e barba bifurcada, que cohecemos e que se mantém até hoje, é baseada no Mandilion de Edessa, imagem aquiropita (do grego, não feita por mãos humanas) que se tornou o modelo de representação para os artistas do período bizantino. O artista Cláudio Pastro, convidado pelo Vaticano para produzir a obra O Cristo Evangelizador do Terceiro Milenio, nascido em São Paulo, não se deixa influenciar pela arte barroca, mais marcante do povo brasileiro, mas segue o que pede o Concílio Vaticano II, isto é, um retorno às fontes. Pastro vai buscar essa maneira de representar Jesus no periódo da arte realizada em Bizâncio. Jesus é, então, representado como o Pantocrátor, o soberano que tudo vê e tudo rege, o legislador do Universo - o Cristo Vitorioso. Não se preocupa com a perspectiva, usa a frontalidade, a obra é repleta de símbolos usados em diversos tipos de cultura e estes foram analisados para o melhor entendimento de como a obra foi concebida e realizada. Os símbolos usados são o círculo, o quadrado, o ouro, a madeira, as cores, os gestos e as incisas. A obra, encomendada pela Sé Romana para as comemorações do Jubileu do ano 2000, encontrea-se no Vaticano.
This work reports the evolution of the centuries - notably of the representations of the face of christ - throughout some art movements in Europe and the baroque in Brazil. The pictorial representation of Jesus appeared at the Roman catacombs in the beginning of the Christian era, yet influenced by the ancient greek-roman art. The artist concern at that time was mostly to teach concepts of the newly founded religion and not the art itself. Over the centuries this art suffered many modifications. However, the face of Christ with the oval shape, straight nose, almond eyes and divided beard, that we know and remains until today, is based on the Mandilion of Edessa, an acheiropoieta image (the greek not made by human hands) that became the model the artists of the byzantine period. The artist Cláudio Pastro - invited by the Vatican to produce the workmanship the Christ Evangelizador of the Third Millenium- born in São Paulo, is not influence by the baroque art, well known by the Brazilian people, but follows the deamands of II Vatican Council, that is a return to the origins. Pastro searches inspiration to represent Jesus in the period of the christuan art in the early Byzantium. Jesus was then represented as the Pantocrátor, the sovereign that see everything and rules over all, the legislator of the Universe - the Victorious Christ. Pastro in not concerned about the perspective and uses the frontality. This work of art is full of symbols common to different cultures which were analyzed for better comprehension of how this piece was conceived and accomplished. The used symbols are the circle, the square, the gold, the wood, the colors, the gestures and incisions. The workmanship, ordered for the Roman See for the celebration of the Jubilee of the year 2000 Jubilee - is exposed inside the Vatican.

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Weinreb, Mara Evanisa. "Imagem e desrazão: estudo da produção plástica de Manoel Luiz da Rosa (1961-2002)." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2003. http://hdl.handle.net/10183/2435.

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Abstract:

Esta dissertação aborda questões sobre a imagem e a desrazão construídas no contexto da história da Arte Reclusa no Brasil, desde os anos vinte do século passado, até o ano de 2002, inserindo e discutindo neste panorama um estudo sobre a produção plástica de Manoel Luiz da Rosa, portador de deficiência mental. Os fundamentos teóricos têm como origem as pesquisas dos pioneiros nestes estudos no Brasil, como Osório César, Nise da Silveira e Mario Pedrosa, que estimularam e apoiaram as atividades dos ateliês de arte em instituições psiquiátricas, com debates, críticas e publicações, construído assim um campo de conhecimento, conhecido como Arte e Loucura. A relevância da proposta é dada pelo destaque que se confere, hoje, aos espaços que lidam com arte em instituições da saúde, da educação e da cultura, que propiciam a reabilitação pessoal e social dos indivíduos portadores de necessidades especiais, discutindo as limitações dos indivíduos com prejuízo mental, como capazes de desenvolver uma expressão própria, e dar sentido a sua produção, no momento em que estabelecem uma comunicação com o mundo Estas discussões nos conduzem ao questionamento do quanto uma produção plástica pode ficar oculta no cotidiano marcado pelas relações familiares e diagnósticos insuficientes, e que não fornecem informações sobre a real condição das pessoas diferenciadas. É o caso de Manoel Luiz da Rosa, que freqüentou por 41 anos, e ainda freqüenta, um centro de Arte-educação livre de imposições curriculares formais, criado segundo Augusto Rodrigues. Sua produção plástica remete à expressão do corpo, como um lugar desenhado ou pintado, que cria significados, meios de apreensão do mundo e mediação com este mesmo mundo. Até o presente momento Manoel parece percorrer os caminhos da arte savant, naif, bruta, e da desrazão, mas sem pertencer totalmente a nenhuma destas categorias classificatórias. Sua produção em alguns momentos questiona conceitos teóricos a respeito da doença mental como incapacitante e limitante dos sentidos e da imaginação, onde o apelo criador não desaparece, ao contrário, muitas vezes se intensifica.

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Silva, Mércia Gomes da. "A presença da linguagem plástica na ação clínica: diálogos com a perspectiva fenomenólogica existencial." Universidade Católica de Pernambuco, 2015. http://www.unicap.br/tede//tde_busca/arquivo.php?codArquivo=1113.

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Abstract:

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Este estudo parte de interrogações provenientes da experiência da autora como psicóloga em diferentes contextos clínicos, nos quais utilizou a expressão plástica. Objetiva compreender como se dá a presença da linguagem plástica na ação clínica em uma perspectiva fenomenológica existencial, além de apresentar a presença da linguagem plástica em diferentes práticas clínicas e discutir a ação clínica psicológica sob uma perspectiva fenomenológica existencial. Sua base fenomenal acolhe a experiência da pesquisadora e de psicólogas clínicas que se dispuseram a participar como interlocutoras. O procedimento de colheita das narrativas aconteceu via entrevista/depoimento, que permitiu o compartilhamento de experiências sobre o fazer clínico das participantes e via Diário de Bordo para registro da experiência da autora/pesquisadora. Através deste contexto, percorre-se sentidos traçados em diferentes modalidades de práticas clínicas desenvolvidas pelas quatro interlocutoras, objetivando oferecer suporte psicológico àqueles que buscam (re) pensar sobre o cuidado e o modo como conduzem suas existências. A aproximação e interpretação das experiências, inspirada na Analítica do Sentido desenvolvida por Dulce Critelli, aponta como a linguagem plástica pode assumir uma posição de presença e entrelaçamento com o trabalho clínico, de modo que, de tão entremeadas que se apresentam e acontecem, não é possível reduzi-las a uma lógica de mero uso ou aplicação técnica. Nessa direção, a linguagem plástica é refletida como mais próxima de uma dimensão poética e gestual, uma vez que foge às relações causais e explicativas tal como cotidianamente a linguagem tem sido moldada em nosso tempo. São tecidas considerações que apontam para um entendimento de que a ação clínica − em um movimento de errância e construção de sentidos − contribui para que as pessoas possam implicar-se e cuidar de suas existências a partir da ampliação da experiência que fazem com a própria linguagem. Perspectiva esta atrelada a uma noção que considera a íntima relação entre ser, sentir, pensar e agir no mundo. Desse modo, compreende a ação clínica como uma oportunidade de escuta e acolhimento às dimensões ética, estética/sensível e poética que compõem a existência, valorizando o horizonte compreensivo do cliente/usuário/grupo para que possa se apropriar do modo como está sintonizado no mundo.
This study starts from questions originated by the authors experience as a psychologist in different clinical contexts, in which the plastic expression was used. The study aims to understand how the presence of the plastic language works on the clinical action under an existential phenomenological perspective, to present the presence of the plastic language in different clinical practices and discuss the clinical psychology action under an existential phenomenological perspective. The phenomenal basis is given by the researchers experience and by clinical psychologists who accept to participate as interlocutors. The narratives collection procedure happened through interviews/testimonials, that allowed the exchange of experiences regarding the clinical practices of the participants and through a field report where the author/ researchers experiences were registered.Through this context it is possible to go along different senses outlined in different clinical practices modalities developed by the four interlocutors. Aiming to offer psychological support for those who look toward (re)thinking about care and the way they lead their existences. The approaching and interpretation of the experiences, inspired on the analytics sense developed by Dulce Critelli points how plastic language can assume a position of presence and interlacement with the clinical work, so that, presenting and happening in a so interspersed way, is not possible to reduce to a logic of mere use or technical application. On this direction, plastic language is reflected as being closer to a poetic and gestural dimension, once that it runs away from causal and explicative relations as language has been daily molded in our times. Considerations are set concerning an understanding that clinical action in an errant movement and senses building contributes for the people to imply and care about their existences starting from the experiences expansion they make with their own language. This perspective is linked to a notion that considers the intimal relation among being, feeling, thinking and acting in the world. This way, understand the clinical action as an opportunity of listening and embracement to ethical, esthetic/sensible and poetical dimensions that composes existence. Giving value to the client/user/groups comprehensive horizon so they can appropriate the way they are connected to the world.

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Oliveira, Míriam Andréa. "Abijail de Andrade: artísta plástica do Rio de Janeiro no século xix." Universidade Federal do Rio de Janeiro, 1993. http://hdl.handle.net/11422/2455.

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Abstract:

Submitted by Miguel R. Amorim Neto (miguel@sibi.ufrj.br) on 2017-07-20T22:21:55Z No. of bitstreams: 1 416349.pdf: 2087041 bytes, checksum: cfa7ece6ac4b141507019b9a8a7b09f6 (MD5)
Made available in DSpace on 2017-07-20T22:21:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 416349.pdf: 2087041 bytes, checksum: cfa7ece6ac4b141507019b9a8a7b09f6 (MD5) Previous issue date: 1993
Caracteriza o Rio de Janeiro, no século XIX, marcado pelo estabelecimento e desenvolvimento do ensino das artes plásticas no país, transformando o Brasil em importante centro de produção artística das Américas. A ritualização do ensino Acadêmico, havia atingido o seu apogeu. O estilo neoclássico é o que predominava nas Academias de artes neste século. Fazia-se presente, a cada ato, a autoridade masculina, colocando dificuldades à mulher de se projetar nas artes. Neste contexto, apresentamos a biografia da artista Abigail de Andrade, precursora do Realismo Social - forma de expressão usada pela artista. O enfoque dado busca a sua visão de mundo e o sentimento próprio de uma determinada época. Enfatiza temas extraídos do cotidiano dos segmentos menos favorecidos na escala social. Seus trabalhos se definem pelo recolhimento e conservação de elementos básicos que coleciona através de mensagens pré transmitidas e que, quando há necessidade, lança mão destes conhecimentos para a execução da obra.
It features the city of Rio de Janeiro, in the XIX century, was proeminent for the introduction and development of formal apprenticeship of the fine arts. As a consequence, Brazil became an important center of artistic production in the Americas. It was in this city that strict ritualism of academic teaching reached its peak, imposing neoclassicism as a predominant style. As masculine authority ruled society, it was difficult for women to exceed in the fine arts. In this context, we present the biography of the artist Abigail de Andrade, precursor of Social Realism was this painter's forro of expression and style and was used to convey her views of the world and her feelings and concerns for those less fortuna te in society. Ready to carry out any artistic challege regarding the painter's craft, but she often resorted to the use of a preconcieved technique and iconographical repertoire drawn frorn the Acaderny.

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Rico, Tortosa Beatriz. "CULINART: Estrategias Dramáticas, Creación plástica y Gastronomía como proceso de integración y transformación." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2016. http://hdl.handle.net/10251/63443.

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Abstract:

[EN] CULINART: Dramatic Strategies and artistic creation as a process of integration and transformation. Summary The following research work done for this thesis starts with the experience acquired at the "Accademia di Belle Arti di Roma" and the subsequent implementation of a personal vision from the theatrical space and its relationship with the educational project developed by Som3 called CULINART: Sensory alimentary Education through art. To this end, we have created a range of culinary and artistic training programs that facilitate, through practical experimentation, a more effective and deep learning about the relationship between what we eat and how that affects us physically and emotionally, that is, our health, starting from innovative and motivating perspective for participants. The exploration of the creative processes from our senses is produced jointly by the disclosure of some of the major problems of environmental nature that affect our social reality. Thus, with the expression as a starting point and the deepening of the importance of healthy alimentary habits, the aim of the project rely on independent expression of emotions, thoughts and feelings from participants regardless of their intellectual, social or religious level, promoting development of creativity and social integration processes, using experimentation through research. The project seeks to deepen the understanding of the plastic and visual languages, knowledge and respect of our own environment, as well as the reinterpretation of the scenic areas with an educational and creative role from a framework in which to develop open and flexible creativity itself.
[ES] CULINART: Estrategias Dramáticas, Creación plástica y Gastronomía como proceso de integración y transformación. Resumen El siguiente trabajo de investigación realizado para esta Tesis doctoral parte de la experiencia en la Accademia di Belle di Roma y la puesta en marcha de una visión personal a partir del espacio escenográfico y su relación con el proyecto educativo desarrollado por SOM3 llamado CULINART: Educación sensorial alimentaria a través del Arte. Para ello se han creado diferentes acciones formativas culinarias y artísticas que facilitan, mediante la experimentación práctica, un aprendizaje más eficaz y profundo sobre la relación entre aquello que comemos y el modo en que nos afecta a nivel físico y emocional, es decir, a nuestra salud, partiendo de una perspectiva innovadora y motivadora para los participantes. La exploración de los procesos creativos a partir de nuestros sentidos se produce de manera conjunta a través de la divulgación de algunos de los principales problemas de índole medioambiental que afectan a nuestra realidad social. De este modo, con la expresión como punto de partida y la profundización sobre la importancia de unos hábitos alimentarios saludables, se persigue que los participantes puedan expresar de forma autónoma emociones, ideas y sentimientos independientemente de su nivel intelectual, social o religioso, favoreciendo el desarrollo de la capacidad creadora y sus procesos de integración social, utilizando para ello la experimentación a través de la investigación. El proyecto busca la profundización en la comprensión de los lenguajes plásticos y visuales, el conocimiento y respeto de nuestro propio entorno, así como la reinterpretación de los espacios escénicos con una función educativa y creativa a partir de un marco de trabajo abierto y flexible donde desarrollar la propia creatividad.
[CAT] CULINART: Estratègies Dramàtiques i creació plàstica com a procés d'integració i transformació. Resum El següent treball d'investigació realitzat per a esta Tesi doctoral part de l'experiència en l'Accademia dI Belle dI Roma i la posada en marxa d'una visió personal a partir de l'espai escenogràfic i la seua relació amb el projecte educatiu desenvolupat per SOM3 cridat CULINART: Educació sensorial alimentària a través de l'Art. Per a això s'han creat diferents accions formatives culinàries i artístiques que faciliten, per mitjà de l'experimentació pràctica, un aprenentatge més eficaç i profund sobre la relació entre allò que mengem i el mode en què ens afecta nivell físic i emocional, és a dir, a la nostra salut, partint d'una perspectiva innovadora i motivadora per als participants. L'exploració dels processos creatius a partir dels nostres sentits es produïx de manera conjunta a través de la divulgació d'alguns dels principals problemes d'índole mediambiental que afecten la nostra realitat social. D'esta manera, amb l'expressió com a punt de partida i l'aprofundiment sobre la importància d'uns hàbits alimentaris saludables, es pretén aconseguir que els participants puguen expressar de forma autònoma emocions, idees i sentiments independentment del seu nivell intel·lectual, social o religiós, afavorint el desenrotllament de la capacitat creadora i els seus processos d'integració social, utilitzant per a això l'experimentació a través de la investigació. El projecte busca l'aprofundiment en la comprensió dels llenguatges plàstics i visuals, el coneixement i respecte del nostre propi entorn, així com la reinterpretació dels espais escènics amb una funció educativa i creativa a partir d'un marc de treball obert i flexible on desenrotllar la pròpia creativitat.
Rico Tortosa, B. (2016). CULINART: Estrategias Dramáticas, Creación plástica y Gastronomía como proceso de integración y transformación [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63443
TESIS

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Loureiro, Maria de Fátima Oliveira da Costa. "Marionetas: das personagens à descoberta do mundo." Master's thesis, Universidade de Aveiro, 2013. http://hdl.handle.net/10773/14500.

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Abstract:

Mestrado em Ensino de Artes Visuais no 3º Ciclo do Ensino Básico e no Ensino Secundário
Com este trabalho desenvolvemos um projeto que permitiu descobrir o mundo e a diversidade das suas culturas e figuras humanas, tendo como mediação a construção de um conjunto de marionetas que caraterizassem figuras representativas de diferentes continentes.
With this work, we developed a design project that allowed the discovery of the world and the diversity of its cultures and human figures, having as mediation the construction of a set of puppets that might characterize representative figures from diverse continents.

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Morales, Artero Juan José. "La evaluación en el área de educación visual y plástica en la educación secundaria obligatoria." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2001. http://hdl.handle.net/10803/5036.

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Moura, Carolina Bassi de. "A construção plástica dos personagens cinematográficos - uma abordagem feita a partir da obra de Federico Fellini." Universidade de São Paulo, 2010. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27156/tde-10112010-154410/.

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Abstract:

Esta pesquisa analisa o caráter fundamental dos recursos plásticos de figurino e cenário para o processo de construção do personagem no cinema. Verifica a importância de uma direção de arte mais livre ao fazer suas composições, ao optar por formas e cores que sejam mais coerentes com ideias e sensações do que com reproduções realistas. O estudo se faz a partir da obra cinematográfica de Federico Fellini, diretor despreocupado com concepções realistas e criador de um processo criativo muito próprio. Serão considerados especificamente os filmes La Strada (1954), Julieta dos Espíritos (1965) e Toby Dammit1 (1967), por serem emblemáticos desta construção plástica fortemente elaborada.
This research verifies the fundamental character of visual resources like costumes and scenery for the process of construction of the characters on cinema. Verifies the importance of more freedom for art direction making its compositions, opting for forms and colors more coherent with ideas and sensations than realistic reproductions. The study is made from cinematographic works of Federico Fellini, director which is unworried with realistic conceptions and which is creator of a creative process very particular. In this work will be considered specifically three films, La Strada (1954), Julieta dos Espíritos (1965) e Toby Dammit2 (1967), because of their emblematic visual construction strongly worked.

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Fredes, Góngora Judith. "La figura de la ronda en la poética mistraliana : relaciones entre letra, plástica y política." Tesis, Universidad de Chile, 2015. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/136212.

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Abstract:

No autorizada por la autora para ser publicada a texto completo en el repositorio institucional.
Licenciada en artes, mención en teoría e historia del arte
Este trabajo nace del interés por conocer la obra de la poeta como un fin en sí mismo, generado por el deseo de reflexionar sus procesos de producción artística y desentrañarlos, dentro de los cuales subyacen las relaciones entre la creación de una pintura y la formulación de una escritura que se sitúa como una obra y lenguaje genuino. En una primera instancia, lo que más me llamó la atención de Gabriela Mistral, y que me llevó a realizar una tesis, es que coexistió con su realidad como una poeta social, generando un marcado cambio en el matiz de la visión y posibilidad de acción que se tenía de la mujer frente al género literario y plástico, lo que generó una enorme y profunda repercusión cultural y social a principios de siglo XX en nuestro país; así como también en el resto de América Latina. Y si bien desde el siglo XIX han existido mujeres poetas en Chile, la diferencia su libertad para originar una reflexión en el mundo estético-social del trabajo, los indígenas y las mujeres9, así como en las formas, donde destacamos su trabajo con la métrica10 en el campo visual, como extrapolación fragmentada de su pensamiento. Aristóteles define en los tipos de producción poética que “hay artes que usan todos los medios (…) es decir, ritmo, canto y verso (…) la tragedia y la comedia. Y se diferenciaban en que unas los usan todos al mismo tiempo, y otras, por partes”.

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Bamonte, Joedy Luciana Barros Marins. "Legado\' - gestações da arte contemporânea. Leituras de imagens e contextualizações do feminino na cultura e na criação plástica." Universidade de São Paulo, 2004. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27149/tde-07112017-153142/.

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Abstract:

Este trabalho enfatiza o universo feminino em seu desenvolvimento. Seu título, \"Legado\" refere-se a uma obra plástica, que ao ser composta juntamente à tese, passou a ser vista como objeto de estudo da pesquisa, em uma investigação sobre a influência e a utilização de elementos da produção têxtil artesanal nas artes visuais, no final do século XX e início do XXI, por alguns artistas brasileiros. Dentre as leituras que foram desenvolvidas durante a investigação, a primeira volta-se para a Semiótica Planar, de Greimas, priorizando a estrutura física de \"Legado\" enquanto obra que insere o trabalho têxtil artesanal como produto da pesquisa. Trabalha a intertextualidade de maneira que aborde a contextualização de trabalhos plásticos, buscando suas origens culturais e simbólicas. O enfoque é dado para uma projeção do universo feminino nos lares, na tradição oral, no artesanato brasileiro,os quais também estão projetados sobre a produção das artes visuais no Brasil. O artesanal, alterando sua função utilitária para a estética, em uma reflexão do fazer humano. Para uma compreensão de \"Legado\", é proposto um diálogo com outras obras da mesma artista e pesquisadora, no qual elementos compositivos são observados e estudados no seu processo de criação. Integrando todo o trabalho, um \"jogo\" de figuras é proposto, de maneira a sugerir a própria estrutura da colcha de retalhos tramada com os conteúdos propostos no texto. A utilização do fio, da costura, do bordado, da trama, é apresentada como algo cíclico, que responde à essência humana e feminina de expressar-se no artesanal, remetendo a necessidades primordiais de fertilidade, feminilidade e propagação, seja no século XXI ou XV.
This study emphasizes forms of expression and values concerning the feminine universe. Its title, \"Legado\" (Legacy) refers to the plastic work which was composed along with this thesis and, for this reason, can be seen as the central object of this research - an investigation about the influence and use of elements of textile craft into the visual arts, by Brazilian artists, at the end of the 20th and the beginning of the 21st centuries. The first part is anchored in the Plan Semiotics, developed by A.J. Greimas, as a theoretical basis for the analysis of the physical structure of \"Legado\", a work which inserts textile craft as the product of this research. The second part focuses intertextuality, under the point of view of the plastic works contexts, in search of their cultural and symbolic origins. A projection of the feminine universe in the domestic environments, in the oral traditions, in the Brazilian craftworks, all of them also projected onto the visual arts, is approached. The transformation of the utilitarian function of craftwork into an aesthetic function is developed, as a reflection on the human actions. In the third part, with the aim of assuring a better comprehension of \"Legado\", a dialogue with other works produced by its author and researcher is proposed. This way, composing elements are observed and studied in their process of creation. In conclusion of this study as a whole, a \"game\" of images is proposed, thus suggesting the particular patchwork\'s structure, plotted in accordance with the contents previously presented in the text. The use of needle and thread, of sewing or embroidering, is seen as something cyclical, which corresponds to the human female essence of expressing herself through handmade craftworks, reminding primordial necessities of fertility and propagation, either in the 21st, in the 15th or in any other century.

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Millán, Navarro Gloria. "Interacción de lenguajes en el área visual y plástica: propuestas curriculares." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 1998. http://hdl.handle.net/10803/31867.

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Abstract:

Esta tesis aporta nuevos métodos para la enseñanza del currículo artístico. Trata de estrategias didácticas que han sido llevadas a la práctica por la autora en las enseñanzas medias. Consisten básicamente en utilizar técnicas de implicación del grupo-clase, mediante las cuales se trabajan desbloqueos, estímulos, respuestas y lecturas en diferentes lenguajes expresivos. Se propone un espacio en el cual el alumnado a través de los lenguajes múltiples, cambiantes y sofisticados propios del arte, desarrolle lo que le es consustancial: el conocimiento, el mundo de las emociones, el diálogo interior, la imaginación...; y por otra parte, diseña el dar respuesta educativa tanto a la demanda cultural representada por los lenguajes estéticos, como a la exigencia masiva del mundo de la imagen. Esta tesis aporta unas propuestas curriculares en el área visual y plástica. Dos de ellas figuran ampliamente detalladas, con todo el proceso metodológico explicitado paso a paso en forma de créditos, y otras doce experiencias, se centran más, en la descripción de la parte innovadora de las aportaciones didácticas. Todas ellas van acompañadas de una gran profusión de imágenes que contribuyen a aclarar el trabajo realizado por el alumnado. Cronológicamente, las primeras experiencias son grupales, y están desarrolladas dentro de las actividades llevadas a cabo por el grupo pedagógico llamado en su momento “BUP DISSENY”, que tenia como objetivo la búsqueda de nuevos métodos de renovación pedagógica de la educación artística en las enseñanzas medias. El resto de las experiencias son individuales. Otra característica es la dimensión interdisciplinar desarrollada con otras áreas educativas, actuando el área visual como impulsora de significado en otros ámbitos de conocimiento. Muchas de estas actividades han tenido el reconocimiento de organismos oficiales y el premio estatal Giner de los Ríos. Los REFERENTES más significativos de esta investigación-docencia están basados en los planteamientos y teorías de los poetas visuales Joan Brossa y Jordi Valles; su obra está presente en los ejercicios que se proponen y en el método a seguir. Otro referente teórico lo forman las investigaciones de Elliot W. Eisner: Un currículo artístico se justifica por los valores intrínsecos y específicos que posee el arte y que ninguna otra materia ofrece, y considera que el currículo clásico proposicional y de cálculo no resuelve de manera coherente los desarrollos potenciales que el pensamiento presenta. Para la lectura de la imagen, se apuntan las pautas que Eisner extrae para trabajar en el dominio critico y siguiendo el estilo de enseñanza significativa se recurre también a las experiencias del l.R.E.F. basadas en el filósofo M Lipman. Gisele Barret, autora de “Pedagogía de la Situación”, con sus cinco variables y enmarcada dentro de la pedagogía no direccionista es, tanto a nivel teórico como práctico, una de las máximas influencias. (La autora de esta tesis es discípula y colaboradora suya). En LAS BASES PSICOPEDAOÓGICAS, se realiza una labor de documentación, reflexión, análisis e interpretación, que sirve de soporte teórico y dan mayor significado a las experiencias docentes e innovadoras protagonizadas en el aula. Se propone una especial incidencia de trabajo con el alumnado, en tres aspectos fundamentales que no constituyen ámbitos separados, sino que se cruzan entre sí y se mezclan participando unos de otros: - Especial utilización del cuerpo mediante la citada Pedagogía de la Situación. - La creatividad. - Las formas ludiformes. La tesis incluye también un análisis crítico del área visual y plástica en todas las etapas del actual sistema educativo. Profundiza y argumenta con documentación, los aspectos deficitarios del área en la Reforma. Reflexiona sobre la educación artística como via para la formación integral del adolescente y como respuesta a la necesidad social de la cultura de la imagen. Finaliza la tesis con la exposición de conclusiones desde distintos puntos de vista: aspectos metodológicos y formación del profesorado. Se confirma que la escasez de tiempo en el diseño del currículo artístico, lleva en la praxis a niveles de insuficiencia en el alumnado, que imposibilitan la cultura visual y favorece el desconocimiento del currículo artístico como impulsor del conocimiento humano de acuerdo con la necesidad social.
This thesis contributes new methodology for teaching the artistic curriculum. It deals with artistic strategies which have been put into practice by the author in the secondary classroom. These strategies consist of using techniques which involve the whole classroom and focus on the unblocking, stimulation, response and reading of artistic expression in different expressive languages. It is the intention of this thesis to demonstrate that enriching the receptivity and expression-communication capacities of the students is an appropriate way to obtain greater levels of artistic production. It also tries to respond to the cultural appeal represented by the aesthetic languages and the massive demands of the world of images. This line of work begins with the experiences of the pedagogic group BUP DlSSENY that refer to the visual poets Joan Brossa and Jordi Vallés. The author then builds on these didactic techniques under the influence of G. Barret, creator of Pedagogy of Situation, which uses the body within five variables which she specifies in order to define the pedagogical situation. Other references include E. Eisner, an unarguable authority in the pedagogy of art, and the philosopher M. Lipman. An effort has been made to document, analyse and interpret three basic aspects of this work: the use of the body, creativity and recreational shapes. These three aspects are interwined. In continuation, a critical analysis of the area of visual and fine arts in all the different stages of the current educational system is made, pointing out its deficient aspects. This works concludes with comments on and contributions to methodology and teacher training. It confirms the scarcity of time put into curriculum design which, in practice, translates into insufficient levels for the students and further impedes artistic education as an integral part of adolescent development and a social necessity in light of the ever-growing image culture. This thesis develops these principles.

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Humeres, Otto Daniela. "Sticky Tag : taller de personalización Diy : experiencia de personalización Diy de objetos mediante la expresión plástica." Tesis, Universidad de Chile, 2013. http://www.repositorio.uchile.cl/handle/2250/115423.

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Abstract:

Diseñador Gráfico
No autorizada por el autor para ser publicada a texto completo
Este proyecto nace desde mi interés personal por la personalización de objetos como un medio de expresión identitario. En un principio esta investigación estuvo enfocada a la personalización como un medio de entretención, pero con el transcurso del tiempo al darme cuenta de la importancia que tienen los objetos en la construcción de la identidad de las personas detecté que podía convertirse en un proyecto social interesante de llevar a cabo con jóvenes. La juventud es una etapa difícil, llena de conflictos sicosociales por ello es importante aumentar la participación de los jóvenes mediante el desarrollo de iniciativas que los motiven y les entregue espacios de expresión. El diseñador tiene las herramientas para construir experiencias y metodologías que puedan contribuir a mejorar las condiciones sicológicas de este grupo social. Por ello este proyecto se enfoca en generar una experiencia de exploración plástica creativa para jóvenes chilenos entre 15 y 19 años, con el propósito de reforzar sus capacidades expresivas.

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Bellintani, Neide Cortizo Andion. "Arte em exposição: um pacto entre a imagem poética e a imagem plástica na obra de Carlos Drummond de Andrade." Programa de Pós-Graduação em Letras e Linguística da UFBA, 2007. http://www.repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/11004.

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Abstract:

Submitted by Edileide Reis (leyde-landy@hotmail.com) on 2013-05-14T12:19:29Z No. of bitstreams: 2 Neide Cortizo Andion Bellintani p2.pdf: 1840181 bytes, checksum: f4264ca2c72c223aef2bd351cd09ee26 (MD5) Neide Cortizo Andion Bellintani p1.pdf: 456844 bytes, checksum: f9cf97a669af08f22b572e3ecb2d0288 (MD5)
Approved for entry into archive by Alda Lima da Silva(sivalda@ufba.br) on 2013-05-16T17:46:17Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Neide Cortizo Andion Bellintani p2.pdf: 1840181 bytes, checksum: f4264ca2c72c223aef2bd351cd09ee26 (MD5) Neide Cortizo Andion Bellintani p1.pdf: 456844 bytes, checksum: f9cf97a669af08f22b572e3ecb2d0288 (MD5)
Made available in DSpace on 2013-05-16T17:46:17Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Neide Cortizo Andion Bellintani p2.pdf: 1840181 bytes, checksum: f4264ca2c72c223aef2bd351cd09ee26 (MD5) Neide Cortizo Andion Bellintani p1.pdf: 456844 bytes, checksum: f9cf97a669af08f22b572e3ecb2d0288 (MD5) Previous issue date: 2007
Esta pesquisa trata de duas diferentes expressões da Arte, a poética e a plástica. Tem como referência principal a obra Arte em Exposição de Carlos Drummond de Andrade, a qual é constituída de poemas criados pelo autor a partir da observação de reproduções de trabalhos plásticos. Objetiva-se realizar um diálogo entre poemas desta obra com outros do autor, com a sua fortuna crítica e com trabalhos que refletem sobre Poesia e Artes Plásticas. São analisados seis pares de poesias/obras plásticas que fazem parte de Arte em Exposição, buscando situar os poemas em relação a outros da obra de Carlos Drummond de Andrade e comparando as imagens plásticas com os versos que elas motivaram. Cada análise é precedida do poema e da reprodução da obra plástica que o inspirou e encerra-se com algumas informações sobre estas obras e seus autores. Busca-se, através destes instrumentos, delinear uma visão que contemple, as duas expressões – a plástica e a poética, considerando as diferenças entre ambas, mas reconhecendo, nas duas manifestações, importantes contatos. A conjugação das duas expressões artísticas em Arte em Exposição propõe ao observador uma leitura diversa. A mobilidade do olhar (que passeia de uma forma de expressão para a outra) pode torná-lo mais abrangente e as duas imagens, uma vez confrontadas, parecem acrescidas de novos conteúdos. Acredita-se que o exercício de compará-las permite à nossa percepção leituras mais variadas.
Salvador

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Grilo, Paulo Alexandre Chaves Teles. "Adequação dos conteúdos da linguagem plástica da arte paleolítica ao programa de educação visual e tecnológica do 2º ciclo do ensino básico." Master's thesis, Porto : [Edição do Autor], 1999. http://hdl.handle.net/10216/14740.

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Abstract:

Esta dissertação académica é uma investigação-acção em campo educativo real que pretende apresentar-se como um veículo de comunicação/divulgação de conhecimentos eruditos e pouco acessíveis da área da Arqueologia Pré-histórica, a crianças do 2º ciclo do ensino básico. Esta divulgação é feita através da de uma adequação dos conteúdos da linguagem plástica da arte paleolítica, ao programa de Educação Visual e Tecnológica do 2º ciclo do ensino básico. São apresentadas as opções curriculares e metodológicas da referida adequação. Na implementação prática desta adequação, recorre-se a um discurso simplificado, adequado ao nível etário e de ensino em questão, onde o recurso a tecnologia educativa diversificada privilegia a imagem como forma de divulgação dos conhecimentos da área deste Mestrado. Esta dissertação de Mestrado pretende confirmar a hipótese de que a adequação da leccionação dos conteúdos da linguagem plástica da arte paleolítica, no contexto curricular do processo de ensino-aprendizagem em educação visual e tecnológica do 2º ciclo do ensino básico, é execuível e pertinente, favorecendo a desejada interdisciplinaridade, possibilitando aos alunos um alargamento das suas possibilidades de escolha de assuntos do seu interesse, dentro das áreas curriculares, aumentando assim o campo de conhecimentos na área da educação estética/plástica e tecnológica, numa perspectiva de enquadramento espacio-temporal, no universo da cultura ocidental, contribuindo por essa forma para o desenvolvimento mais harmonioso da personalidade.

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Grilo, Paulo Alexandre Chaves Teles. "Adequação dos conteúdos da linguagem plástica da arte paleolítica ao programa de educação visual e tecnológica do 2º ciclo do ensino básico." Dissertação, Porto : [Edição do Autor], 1999. http://aleph.letras.up.pt/F?func=find-b&find_code=SYS&request=000101693.

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Abstract:

Esta dissertação académica é uma investigação-acção em campo educativo real que pretende apresentar-se como um veículo de comunicação/divulgação de conhecimentos eruditos e pouco acessíveis da área da Arqueologia Pré-histórica, a crianças do 2º ciclo do ensino básico. Esta divulgação é feita através da de uma adequação dos conteúdos da linguagem plástica da arte paleolítica, ao programa de Educação Visual e Tecnológica do 2º ciclo do ensino básico. São apresentadas as opções curriculares e metodológicas da referida adequação. Na implementação prática desta adequação, recorre-se a um discurso simplificado, adequado ao nível etário e de ensino em questão, onde o recurso a tecnologia educativa diversificada privilegia a imagem como forma de divulgação dos conhecimentos da área deste Mestrado. Esta dissertação de Mestrado pretende confirmar a hipótese de que a adequação da leccionação dos conteúdos da linguagem plástica da arte paleolítica, no contexto curricular do processo de ensino-aprendizagem em educação visual e tecnológica do 2º ciclo do ensino básico, é execuível e pertinente, favorecendo a desejada interdisciplinaridade, possibilitando aos alunos um alargamento das suas possibilidades de escolha de assuntos do seu interesse, dentro das áreas curriculares, aumentando assim o campo de conhecimentos na área da educação estética/plástica e tecnológica, numa perspectiva de enquadramento espacio-temporal, no universo da cultura ocidental, contribuindo por essa forma para o desenvolvimento mais harmonioso da personalidade.

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Morales, Häfelin Paulina. "¿Puede la actividad plástica ayudar en el tratamiento de personas con trastornos mentales severos? : los efectos terapéuticos del Arte-terapia." Tesis, Universidad de Chile, 2007. http://www.repositorio.uchile.cl/handle/2250/106590.

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Abstract:

El arte- terapia, intervención que utiliza la actividad plástica en un entorno terapéutico, paulatinamente desde los años 50, se ha incorporado al tratamiento de población adulta con trastornos mentales severos (TMS). Los resultados de esta experiencia tienden a ser positivos. Pero, actualmente en el mundo, esta disciplina aún no logra validarse en el ámbito de la salud mental. Esta memoria consiste en una revisión bibliográfica de los fundamentos teóricos del trabajo arte- terapéutico con TMS y de publicaciones relevantes sobre sus resultados. Se concluye que esta disciplina con TMS posee una forma de trabajo justificada por un cuerpo teórico coherente y es incapaz de dañar a estos pacientes. Además, los efectos terapéuticos reportados por las publicaciones sistematizadas no son estadísticamente y clínicamente significativos, pero coinciden en que abarcan áreas como: ego (yo) o self, autoestima, relaciones interpersonales o interacción social, síntomas psiquiátricos (estado mental) y orientación de la realidad del paciente. Estas conclusiones servirían como base o hipótesis para que futuros estudios empíricos sobre resultados del arte- terapia con TMS, obtengan información definitiva que la consagren como una forma de terapia válida para estos pacientes.

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Calderón, Ramírez Ingrid Karol. "Paisajes fragmentados. Una mirada plástica y analítica del paisaje de Ventanilla en el S.XXI." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021. http://hdl.handle.net/20.500.12404/19632.

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Abstract:

¿Qué es el paisaje y cómo se desarrolla esta noción en el Norte y el Sur Global? ¿Cómo es que afectó el colonialismo al entendimiento del paisaje peruano y su territorio? ¿Qué tiene que ver la romantización con la percepción del paisaje? La noción del paisaje, estrechamente relacionada con el ámbito pictórico, es un concepto complejo en el actual siglo XXI y su entendimiento puede ser diferente de territorio a territorio, de ciencia a ciencia y de persona a persona. Estas inquietudes son resueltas en el presente proyecto de tesis para la FAD-PUCP, Especialidad de Pintura, desarrollándose dentro del marco de la investigación artística; conectando mi experiencia individual con el campo de la colectividad, articulando una problemática global: la transformación del territorio y por lo tanto del paisaje. Con ello, se abarca el modo en que se presenta el paisaje en el S.XXI, en la particularidad de Ventanilla, en el tramo de la carretera Néstor Gambetta en donde se encuentra la Refinería La Pampilla de Repsol ( 11°55’11.3”S 77°07’47.4”W: Carretera Nestor Gambeta, km. 25,Callao). El objetivo de este proyecto es analizar los elementos que componen el paisaje, contemplando el acto de repensar los elementos que conforman el paisaje como tal y cómo es que estos elementos interactúan entre sí. Para ello se consideran métodos de otras áreas como la valoración ambiental y un análisis desagregado de los valores estéticos, con el fin de una representación plástica.

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Marqués, Serra David. "LA PLÁSTICA DEL OBJETO ENCONTRADO. Técnicas e ideología en el caso del artista invisible Joan Millet." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2017. http://hdl.handle.net/10251/90564.

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Abstract:

The present Doctorate Thesis is circumscribed be the investigation of the technique that Marcel Duchamp denominated ready-made with the objective of gaining an insightful reading that goes beyond the already copious interpretations of this expressive procedure as a straight-forward descontextualization of the found object. We choose to foreground the undercurrents that animate the objet trouvé and in this way emphasize the specific morphologies provided by the ongoing turning-points of similar creative explorations. We have purposely focused our inquiry exclusively on the work of the contemporary, creative artist Joan Millet Bonet (Gandia '58) since his work is so well suited as example by addressing the concerns that will be scrutinized by our analytical and descriptive investigations. Here we show documentation of this investigation into the narrative and conceptual field as well as into the field of technical and procedural methodologies. We are also trying to highlight the underlying relationships that unite them. In so doing, we are trying access the how and why of their final formal structure that may reveal the possible distinctive relevance in the context of contemporary artistic expression.
La presente Tesis Doctoral se circunscribe dentro del estudio de la técnica que Marcel Duchamp denominó ready-made. Con la finalidad de obtener una visión contemporánea que trascienda a la ya extendida concepción de este modo de hacer como una sencilla descontextualización del objeto encontrado, hemos decidido profundizar en las posibles relaciones subyacentes que mueven al objet trouvé a presentar una determinada morfología en las renovaciones actuales de semejantes tipos de abordajes creativos. Para ello, hemos establecido un marco de acción, concentrando nuestros esfuerzos en la obra del creador contemporáneo Joan Millet Bonet (Gandía, 1958), puesto que su producción artística reúne los requisitos necesarios para ejercer de ejemplo, así como de objeto de estudio, en nuestras investigaciones analíticas y descriptivas. En este documento quedan registradas nuestras indagaciones, realizadas tanto en el campo narrativo y conceptual como en aquel vinculado al procedimiento y a la técnica. Además, tratamos de extraer el sustrato relacional que une ambas cuestiones entre sí, con el objetivo dirigido a averiguar la razón morfológica del producto final y su posible vigencia en el contexto artístico actual.
La present Tesi Doctoral se circumscriu dins de l'estudi de la tècnica que Marcel Duchamp va denominar ready-made. Amb la finalitat d'obtindre una visió contemporània que transcendisca a la ja estesa concepció d'aquesta manera de fer com una senzilla descontextualització de l'objecte trobat, hem decidit aprofundir en les possibles relacions subjacents que mouen l'objet trouvé a presentar una determinada morfologia en les renovacions actuals de semblants tipus d'abordatges creatius. Amb eixes intencions, hem establert un marc d'acció i hem concentrat els nostres esforços en l'obra del creador contemporani Joan Millet Bonet (Gandia, 1958), atés que la seua producció artística reuneix els requisits necessaris per tal d'exercir d'exemple, així com d'objecte a estudiar, en les nostres investigacions analítiques i descriptives. En aquest document queden registrades les nostres indagacions, realitzades tant en el camp narratiu i conceptual com en aquell vinculat al procediment i a la tècnica. A més, tractem d'extraure el substrat relacional que uneix ambdós qüestions, amb l'objectiu dirigit a esbrinar la raó morfològica del producte final i la seua possible vigència en el context artístic actual.
Marqués Serra, D. (2017). LA PLÁSTICA DEL OBJETO ENCONTRADO. Técnicas e ideología en el caso del artista invisible Joan Millet [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90564
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Peris, Medina Mercedes Consuelo. "La figura humana voladora en la Edad Moderna. Expresión de su movimiento en la plástica italiana." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2016. http://hdl.handle.net/10251/60153.

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Abstract:

[EN] The flight of the flying human figure must be situated, because of its abundance and dynamic particularities, in the art of the Modern Age, especially in the Italian art. In a context in which modern physics are calling into question the validity of the previous Aristotelian theories, and flying machines (which have a fantastic aspect in the literature) are invented, visual art develops a flight free from all the earthly obstacles that prevent the man from elevating. In this work we have inquired about the configuration of the flying human figure in the visual depiction (mainly Italian) from the XV century until the first half of the XVIII century, about the process of creation that allows to picture this movement which does not exist in external reality, about the visual resources involved in its expression, and about how the expression of flight evolves along this period. The flight of the aerial figures is an invention, in real life there is no actual reference of this kind of movement. In spite of its connection to flight, floatation, and weightlessness, it is not fully identifiable with neither of these dynamic phenomena. The mobile possibilities that flying figures exhibit support the idea that this kind of movement is detached from the everyday action of human beings: total freedom of trajectories which contradicts physical reality, elasticity and flexibility, constant movement, and changes in the nature and substance; moreover, it is a movement that appears to occur in a specific space-time. Its dynamism is attractive because of its visual character and also because of the ideas it conveys, which reveal a connection with the ideas in angelology and classic mythology. In the expression of flight within each artistic style, the taste and interests of the time are manifested. During the Quattrocento the change takes place, and the most significant features that are developed later appear in that moment. The presence of flying figures becomes progressively more abundant, mainly with the depictions of putti and cherubim. Also, from the XVI century onwards, the symbolism of flight as an approach to the spiritual world and physical emancipation becomes settled. In the final stage of this period, during the Rococo, flight becomes less abundant, and the visual complexity it had reached in previous stages is simplified and becomes subtler. The creative process to represent flight is based on intuition as a generator of internal and sensory experiences, visual memory and invention; from all these we find, under different terminologies, evidence in the texts of the Modern Age. Moreover, the use of visual information from different real actions (both in moving and static objects) and its transformation reveals itself in numerous pieces, especially in sketches. The dynamic resources of the artistic language are used to transmit the mobile characteristic of flying figures, mainly by stressing its dynamism, and prolonging the art work observation time. In ceiling pictures, these resources concentrate in the expressive use of the space of representation, and, frequently, in generating the sensation that the flying figures are part of the material reality of the spectator, merging the real and the fantasy world through both the symbolism and the material elements involved. The floating figure of the human figure cannot be dissociated from the Italian cultural context in the Modern Age, and to a great extent our knowledge of flight is defined by the art works coming from this period.
[ES] El vuelo de la figura humana se localiza, por sus particularidades dinámicas y abundancia, en el arte de la Edad Moderna, especialmente en el arte italiano. En un contexto en el que la Física cuestiona las teorías aristotélicas y se inventan máquinas voladoras (que tienen una faceta fantástica en la literatura), el arte plástico desarrolla un vuelo libre de todos los obstáculos terrenales que impiden al hombre elevarse. En este trabajo nos preguntamos cómo ha sido configurado el vuelo de la figura humana en la plástica (principalmente la italiana) desde el siglo XV hasta la mitad del siglo XVIII, cuál es el proceso de creación que permite dar imagen a este movimiento que no existe en la realidad externa, qué recursos plásticos participan en su expresión y cómo evoluciona la expresión del vuelo a lo largo de este periodo. El vuelo de la figura humana es una invención, en la vida material no existe un referente real de este movimiento. A pesar de su conexión con el vuelo, la flotación y la ingravidez, no es identificable plenamente con ninguno de estos fenómenos dinámicos. Las posibilidades móviles que exhiben las figuras voladoras apoyan la idea de que su movimiento está alejado de las acciones cotidianas del ser humano: libertad total de trayectorias que contradice la realidad física, elasticidad y flexibilidad, movimiento constante y cambios en la naturaleza de su sustancia; además, se trata de un movimiento que parece transcurrir en un espacio-tiempo también específico. Su dinamismo es atractivo por su visualidad y también por las ideas que transmite, las cuales manifiestan una conexión con ideas de la angelología y de la mitología clásica. En la expresión del vuelo de cada estilo artístico se manifiestan los gustos e intereses del momento. En el Quattrocento tiene lugar el momento de cambio y surgen las características más significativas, que posteriormente se desarrollan. La presencia de figuras voladoras es progresivamente más abundante, sobre todo las representaciones de putti y querubines. Asimismo, desde el siglo XVI se consolida el simbolismo del vuelo como acercamiento al mundo espiritual y a la liberación física. En la fase final de este periodo, durante el Rococó, el vuelo es menos abundante, y la complejidad visual que había alcanzado se simplifica y serena. El proceso creativo para representar el vuelo se basa en la intuición como generadora de experiencias internas y sensoriales, la memoria visual y la invención; de todo ello encontramos, bajo otros términos, evidencias en los textos de la Edad Moderna. Además, el uso de información visual a partir de diversas acciones reales (tanto con modelos en movimiento como estáticos) y su transformación se trasluce en numerosas obras, especialmente en dibujos preparatorios. Los recursos dinámicos del lenguaje plástico se orientan a transmitir las características móviles de las figuras voladoras, principalmente acentuando su dinamismo y prolongando el tiempo de observación de la obra. En las pinturas cenitales, estos recursos se centran en el uso expresivo del espacio de representación, y con frecuencia, en generar la sensación de que las figuras voladoras forman parte de la realidad material del espectador, fusionando el mundo real y el de la fantasía, tanto a través del simbolismo como de la materia. El movimiento flotante de la figura humana no puede desligarse del contexto cultural italiano de la Edad Moderna, y en gran medida nuestro conocimiento del vuelo está definido por las representaciones de esta época.
[CAT] El vol de la figura humana es localitza, per les seues particularitats dinàmiques i abundància, en l'art de l'Edat Moderna, especialment en l'art italià. En un context en el qual la Física qüestiona les teories aristotèliques i s'inventen màquines voladores (que tenen una faceta fantàstica en la literatura), l'art plàstic desenvolupa un vol lliure de tots els obstacles terrenals que impedeixen a l'home elevar-se. En aquest treball ens preguntem com ha sigut configurat el vol de la figura humana en la plàstica (principalment la italiana) des del segle XV fins a la meitat del segle XVIII, quin és el procés de creació que permet donar imatge a aquest moviment que no existeix en la realitat externa, quins recursos plàstics participen en la seua expressió i com evoluciona l'expressió del vol al llarg d'aquest període. El vol de la figura humana és una invenció, en la vida material no existeix un referent real d'aquest moviment. Malgrat la seua connexió amb el vol, la flotació i la ingravitació, no és identificable plenament amb cap d'aquests fenòmens dinàmics. Les possibilitats mòbils que exhibeixen les figures voladores recolzen la idea que el seu moviment està allunyat de les accions quotidianes de l'ésser humà: llibertat total de trajectòries que contradiu la realitat física, elasticitat i flexibilitat, moviment constant i canvis en la naturalesa de la seua substància; a més, es tracta d'un moviment que sembla transcórrer en un espai-temps també específic. El seu dinamisme és atractiu per la seua visualitat i també per les idees que transmet, les quals manifesten una connexió amb idees de la angelologia i de la mitologia clàssica. En l'expressió del vol de cada estil artístic es manifesten els gustos i interessos del moment. En el Quattrocento té lloc el moment de canvi i sorgeixen les característiques més significatives, que posteriorment es desenvolupen. La presència de figures voladores és progressivament més abundant, sobretot les representacions de putti i querubins. Així mateix, des del segle XVI es consolida el simbolisme del vol com a acostament al món espiritual i a l'alliberament físic. En la fase final d'aquest període, durant el Rococó, el vol és menys abundant, i la complexitat visual que havia aconseguit se simplifica i serena. El procés creatiu per a representar el vol es basa en la intuïció com a generadora d'experiències internes i sensorials, la memòria visual i la invenció; de tot açò trobem, sota altres termes, evidències en els textos de l'Edat Moderna. A més, l'ús d'informació visual a partir de diverses accions reals (tant amb models en moviment com a estàtics) i la seua transformació es reconeix en nombroses obres, especialment en dibuixos preparatoris. Els recursos dinàmics del llenguatge plàstic s'orienten a transmetre les característiques mòbils de les figures voladores, principalment accentuant el seu dinamisme i perllongant el temps d'observació de l'obra. En les pintures zenitals, aquests recursos se centren en l'ús expressiu de l'espai de representació, i amb freqüència, a generar la sensació de que les figures voladores formen part de la realitat material de l'espectador, fusionant el món real i el de la fantasia, tant a través del simbolisme com de la matèria. El moviment flotant de la figura humana no pot deslligar-se del context cultural italià de l'Edat Moderna, i en gran manera el nostre coneixement del vol està definit per les representacions d'aquesta època.
Peris Medina, MC. (2016). La figura humana voladora en la Edad Moderna. Expresión de su movimiento en la plástica italiana [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/60153
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Martínez, Rodríguez Pamela. "Duelo y creación artística. Propuestas de recuperación y continuidad de la memoria autobiográfica a través de la experimentación plástica." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/374242.

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Abstract:

La investigación que se propone nace de una experiencia autobiográfica y se ocupa de la creación artística originada en el dolor de la pérdida. Específicamente se trata de indagar en las fuentes culturales más relevantes, que han sublimado y dado sentido históricamente, al misterio de la muerte y duelo en Occidente. Por otro lado, es un intento de ampliar estos horizontes contrastándolos con otras maneras de vivenciar la muerte, a través de las manifestaciones de culturas cuyas celebraciones y rituales vinculados a la muerte son reconocidos como verdaderos íconos estéticos de la cultura como es el caso de México, y enriqueceremos nuestra perspectiva a través de la revisión del quehacer artístico de autores contemporáneos que han trabajado con la muerte y el duelo ahondando en su problemática humana. Apoyándonos en las ideas del filósofo Peter Sloterdijk, para quien el duelo es un profundo problema existencial que sólo puede encontrar una expresión de su magnitud por medio del lenguaje mitológico, nos iniciamos en la posibilidad de una reconstrucción interna, teniendo como eje principal la memoria autobiográfica amenazada por el caos del sin sentido. Esto mediante la observación de cómo culturalmente el dolor puede dar lugar a un proceso de transición espiritual y de sublimación por medio del ritual como obra artística. Así, la propuesta de este proyecto es mostrar la transformación del desagarro de la muerte del otro, como emoción universal, mediante un proceso de investigación y creación, que nos permita reconocer diversas formas colectivas de asumir este evento y específicamente, de convertirlo tanto en ritual como en objeto artístico.

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Moreno, Vera Juan Ramón. "El retrato en el Fondo de Arte de la Región de Murcia: tipologías y enseñanza." Doctoral thesis, Universidad de Alicante, 2011. http://hdl.handle.net/10045/57428.

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Abstract:

This research aims to inquire of the study of genre of portraiture and the possibilities that has in order to explain general features of the History of Art. In that sense we have analyzed a group of portraits that belong to the official collection of Art of Region of Murcia, most of the works are shown for the first time in a scientific study while others were hidden for years as they are used as decoration for offices and public buildings. Our study has divided the portraits into different typologies, which we think is the most useful way to make an approach to portraiture, as the typology is the basic element that defines the features of compositions in the portraits. The eleven typologies that have arisen after our research are: state portraiture, bourgeois portraiture, civic portraiture, feminine portraiture, children portraiture, self-portrait, group portraiture, funerary portraiture, photographic portraiture and the iconotheques. The typology could be considered as a opened concept, as we can observe different typologies depending on the author, so it’s important to say that this eleven typologies are the reflection of the artistic, social and cultural context during the last centuries in the Region of Murcia. We’d like to note as well, that some of this categories and subcategories coincide to other national and international typologies, but some others, like civic portraiture or iconotheques, reflect an historic, social, and cultural context specific from the Region of Murcia. We have also proposed a didactic method to teach History of Art through the genre of portraiture. Our suggestion actually contains three different approaches to study History of Art using the portraits previously analyzed. The first way we suggest is the biographic approach, that tries to show general characteristics of History of Art from the study of a single author, being the portraiture the basis of the explanation. The second itinerary is based on a formal comparison of art-works, seeing the different styles of general History of Art that we could appreciate on portraiture. The third, and last, approach through portraiture consist of a historic tour using works of art to compare different social contexts, as art is always a reflection of the society in which is created.

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Gesteiro, Marta Raquel Ferreira. "A valorização da expressão plástica no desenvolvimento da criança em idade pré-escolar em situações de risco, atraso de desenvolvimento ou com NEE." Master's thesis, [s.n.], 2013. http://hdl.handle.net/10284/4232.

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Abstract:

Dissertação apresentada à Universidade Fernando Pessoa como parte dos requisitos para obtenção do grau de Mestre em Ciências da Educação: Educação Especial, área de especialização em Domínio da Intervenção Precoce na Infância
O estudo exploratório (descritivo) de carácter quantitativo situa-se no contexto da Educação Pré-Escolar e procurou estudar qual a valorização da Expressão Plástica no desenvolvimento da criança em idade Pré-Escolar em situações de risco, atraso de desenvolvimento ou com Necessidades Educativas Especiais (NEE). Procurou-se verificar quais as intencionalidades dos Educadores de Infância na organização das suas práticas educativas ao nível da Expressão Plástica, bem como conhecer as dificuldades em a utilizar em contexto educativo. A recolha de dados empíricos foi efetuada através do inquérito por questionário, aplicado aos Educadores de Infância a exercer funções em salas de Creche ou Jardim de Infância com crianças apoiadas pela Equipa Local de Intervenção Precoce de Caldas da Rainha/Óbidos no ano letivo 2011/2012. Dos resultados obtidos verificar-se que a Expressão Plástica é valorizada pelos Educadores de Infância na pedagógica com a criança em situação de risco, em atraso de desenvolvimento ou com NEE. A maioria dos inquiridos considera que a sua formação inicial lhe facultou os conhecimentos necessários neste domínio, e tem interesse em completar a sua formação, confirmando o crescente interesse por este domínio. Decorrente da análise e interpretação dos dados recolhidos constatou-se que ao nível da prática dos Educadores de Infância há uma procura de equilíbrio entre as diferentes áreas e domínios das Orientações Curriculares para a Educação Pré-Escolar. Os inquiridos consideram que a Expressão Plástica permite desenvolver uma grande variedade de capacidades e competências, destacando-se o desenvolvimento da expressividade e criação artística, o proporcionar de momentos lúdicos e a exteriorização de sentimentos. Neste sentido, considerando que a Expressão Plástica assume um papel bastante relevante para o desenvolvimento individual, da comunidade e da sociedade em geral, é fundamental continuar a investigar e a incentivar o desenvolvimento de ações facilitadoras da valorização e reconhecimento deste domínio do saber.
The exploratory study (descriptive) is located in the context of Preschool Education and study which sought recovery of Plastic Expression in child development at age Preschool at risk, developmental delay or with Special Educational Needs (SEN). We tried to see what the intentions of Kindergarten in the organization of their educational practices at the Plastic Expression, and know the difficulties in the use in an educational context. The collection of empirical evidence was made through the questionnaire survey, applied to kindergarten teachers that work on kindergarten rooms with children supported by Local Early Intervention Team of Caldas da Rainha / Óbidos in the school year 2011/2012. From the results we can see that the Plastic Expression is valued by kindergarten teachers in teaching the child at risk in developmental delay or with SEN. The majority of respondents believe that their initial training has provided him the necessary expertise in this area, and are interested in completing their training, confirming the growing interest in this field. Resulting from the analysis and interpretation of data collected found that the level of practice of Kindergarten is a balancing between the different areas and fields of Curriculum Guidelines for Preschool Education. Respondents consider that the Plastic Expression allows to develop a variety of skills and competencies, emphasizing the development of expressive and artistic creation, provide moments of playful and externalization of feelings. In this sense, considering that the Plastic Expression plays a very relevant role for individual development, community and society in general, it is essential to continue to investigate and encourage the development of actions that facilitate the recognition and appreciation of this area of knowledge.

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Mateus, Manuela da Conceição Arrátel. "A importância da educação pela arte no desenvolvimento de competências em alunos com necessidades educativas especificas: perceção da equipa pedagógica de uma instituição suíça." Master's thesis, [s.n.], 2015. http://hdl.handle.net/10284/5217.

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Abstract:

Dissertação apresentada à Universidade Fernando Pessoa como parte dos requisitos para obtenção do grau de Mestre em Ciências da Educação: Educação Especial, área de especialização em Domínio Cognitivo e Motor
O presente estudo, intitulado “a importância da educação pela arte no desenvolvimento de competências em alunos com necessidades educativas especificas: Perceção da equipa pedagógica de uma Instituição Suíça” tem como principal objetivo conhecer a perceção da equipa pedagógica sobre a importância da educação pela arte na inclusão das crianças com NEE que frequentam a instituição La Branche. De acordo com a problemática e os objetivos definidos adotou-se um estudo exploratório (descritivo) de caráter quantitativo. Foi aplicado um inquérito por questionário a uma amostra não probabilística por conveniência constituída por 21 participantes, sendo a maioria, 71,4% do género feminino. Dos resultados obtidos verifica-se que a equipa pedagógica valoriza a educação pela arte e considera que a arte promove o desenvolvimento de competências nas crianças com NEE, desenvolve aprendizagens nas diferentes áreas do conhecimento e é um instrumento de inclusão social. Neste sentido, os inquiridos reforçam ainda a ideia de que a educação pela arte permite desenvolver uma grande variedade de capacidades, nomeadamente a personalidade, a capacidade de expressão, a consciência crítica, o conhecimento de diversas culturas e respeito pelas mesmas, a criatividade e a imaginação. Possui também um vasto leque de vivências simbólicas e emocionais, que contribuem de um modo especial, para o desenvolvimento afetivo e emocional.
The present study, entitled “The importance of education through art in skills development in students with specific educational needs: Perception of the teaching staff of a Swiss Institution”, aims to know the perception of the teaching staff on the importance of education through art in the inclusion of children with SEN who attend La Branche Institution. According to the problematic and the set goals it was adopted an exploratory study (descriptive) of quantitative character. It was applied a questionnaire survey to a non-probabilistic convenience sample made of 21 participants, the majority, 71.4% females. From the results obtained it was found that the teaching staff values education for art and believes that art promotes the development of skills in children with SEN, develops learning in the different areas of knowledge and is an instrument of social inclusion. In this regard, respondents reinforce the idea that education through art allows the development of a wide range of capacities, including personality, the ability of expression, critical consciousness, knowledge of different cultures and respect for them, creativity and imagination. It also has a wide range of symbolic and emotional experiences that contribute in a special way, to the affective and emotional development.

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Carvalho, António Manuel de. "O cadeiral e o órgão do Mosteiro de S. João de Tarouca-contributo para a história da música e da arte plástica na Ordem de Cister em Portugal." Master's thesis, Instituições portuguesas -- -Universidade Lusíada, 1999. http://dited.bn.pt:80/29128.

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SUZART, ARGOLO ISABEL CATARINA. "La estética vestimentar contemporánea de calle de la ciudad de Salvador, Bahía, producto de creación plástica, expresión de identidad personal y agente socializador." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2009. http://hdl.handle.net/10251/4922.

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Abstract:

Este estudio analiza las articulaciones que la cosmética, en su expresión indumentar, es capaz de promover en la vida cotidiana, mostrando su eficacia en la interacción con los individuos, informando además, sobre su gusto, percepción, valoración estética y mayor o menor predisposición para comunicarse a partir de estos datos. Nuestro principal foco de interés, la estética vestimentar de calle -nombramiento que le fue conferido para diferenciarla de la indumentaria convencional cotidiana -, es analizada como un producto cultural, un medio de expresión de una imagen personal que, en sus manifestaciones por el espacio urbano, estimula la práctica de la alteridad. Es decir que, 'la estética en cuestión' es un importante factor de socialización en los ambientes por donde circula, considerando en esta conducta, la tendencia inmanente de los individuos para seducir y dejarse atraer por lo diferente, en un permanente intercambio simbólico. Observamos las influencias, mecanismos y propósitos que subyacen en la elaboración de esta identidad indumentar, suponiendo ser ella un ethos forjado por elementos de la cultura no material, a través de sus valores, costumbres, ideologías y prácticas simbólicas. Es puesto en debate la vinculación entre ética y estética, revelando la importancia de la experiencia estética en lo cotidiano, como una praxis efectiva en el desbloqueo de los canales perceptivos y en la ruptura de conductas maquinales, cristalizadas por el tiempo.
Suzart Argolo, IC. (2009). La estética vestimentar contemporánea de calle de la ciudad de Salvador, Bahía, producto de creación plástica, expresión de identidad personal y agente socializador [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/4922
Palancia

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Asencios, Ormeño Víctor Hugo. "Toy Box de Diego Rondon Almuelle: La Ilustración Gráfica en la era digital y la expresión plástica de lo grotesco fantástico." Master's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2021. https://hdl.handle.net/20.500.12672/16806.

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Abstract:

Analiza desde la perspectiva de la historia del arte el libro de ilustraciones Toy Box publicado en el año 2010, obra del artista gráfico arequipeño Diego Rondon Almuelle. La obra es abordada desde la concepción del formato de libro álbum, su contenido conceptual y su expresión plástica. Por esta razón el estudio parte de la reflexión de la ilustración como categoría artística, para luego establecer como rasgo común en la obra elementos conceptuales reconocibles en la concepción de lo grotesco fantástico, y finalmente, a partir del análisis artístico determinar las características plásticas que configuran el carácter de la ilustración en la obra.

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Perissinotto, Paula Monseff. ""O Cinestimo Interativo nas Artes Plásticas: Um trajeto para a Arte Tecnológica"." Universidade de São Paulo, 2001. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27131/tde-31032004-214306/.

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Abstract:

RESUMO Este estudo mostra como se deu a relação das artes visuais com a ciência e a tecnologia. Para isso, partiu das idéias lançadas pelos irmãos Naum Gabo e Anton Pevsner, construtivistas russos, através do Manifesto realista, procurando libertar as artes visuais de seu estigma de arte estática. Esta pesquisa acompanhou o trajeto de artistas (Archipenko, Ducahmp, Gabo, Pevsner, Moholy Nagy, Mari, Bury, Tinguely, Schöffer, Takis, Tatlin, Rodchenko, Man Ray, Calder, Le Parc, Palatinik, Lígia Clarck, Robert Rauchemberg, Christa Sommer&Laurent Mignonneau, Jeffrey Shaw...) que, ao longo do século XX, desenvolveram pesquisas nesta linha. Este trabalho percorreu a história da arte cinética, apontando artistas que exploraram a interatividade (a perceptiva, a espaço/temporal ou a potencial surgida da relação da arte com a tecnologia) além daqueles que buscaram soluções em outras disciplinas, tanto em outras artes como na ciência. Mostra como a complexidade desta interdisciplinaridade criou mudanças de conceitos formais, estruturais e estéticos. Enfoca também como a adesão das artes às novas tecnologias provocou transformações não apenas no mundo dos artistas, mas também no universo institucional que incentiva e promove as artes visuais contemporâneas.
Abstract This study intends to analyze the relationship between visual arts, science and technology. Its initial reference is the idea written by two Russian Constructivist artists, Naum Gabo and Anton Pevsner, in the Realist Manifesto, in 1920. The two artist, that were also brothers, were trying to free visual arts of its static art's stigma. For that, this research followed some artists' itinerary that developed researches with this approach in the 20th century, such as Archipenko, Duchamp, Flatters, Pevsner, Moholy Nagy, Mari, Bury, Tinguely, Schöffer, Takis, Tatlin, Rodchenko, Man Ray, Calder, Reads Parc, Palatinik, Lígia Clarck, Robert Rauchemberg, Christa Sommer&Laurent Mignonneau, and Jeffrey Shaw. This work went trough the kinetic art history and examined artists that have explored the interaction pointing in their works (the perceptive interaction, the space interaction and the new potential interaction that appeared from the relationship between art and technology), and examined as well as artists that have found solutions in others discipline, such as science. The complexity of this interdisciplinary relationship created formal, structural and aesthetic concepts changes in the art world. Finally, the study also focuses in how the artists adhesion to new technologies provoked transformations in the institutions that motivates and promotes the contemporary visual arts.

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Rodrigues, Ligia Luciene. "A perpectiva no trabalho de Regina Silveira : uma investigação da perpectiva na arte contemporanea." [s.n.], 2008. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284655.

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Abstract:

Orientador: Anna Paula da Silva Gouveia
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-11T01:08:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rodrigues_LigiaLuciene_M.pdf: 12550285 bytes, checksum: 4f284662bc2db2aca73e8df0bb416bee (MD5) Previous issue date: 2008
Resumo: Esta pesquisa teve por objetivo investigar a utilização da perspectiva na arte contemporânea por meio do trabalho da artista plástica brasileira Regina Silveira. Uma das preocupações foi analisar as questões que estão por trás da presença da perspectiva dentro da produção artística atual, como por exemplo, a crítica à natureza da imagem e seus meios de representação, a manipulação do ponto de vista, a simulação e a ilusão do espaço e ainda como deformação no caso das anamorfoses. Todas essas questões foram permeadas pela teoria da percepção visual e da psicologia da percepção em análises das obras da artista brasileira, seus trabalhos gráficos (desenhos e gravuras), objetos e instalações a partir do final dos anos 70 até os mais atuais, como também os chamados desenhos preparatórios e as maquetes, que são projetos nos quais a artista desenvolve as idéias de seus trabalhos e são neles que mais se percebe a manipulação da perspectiva. Também foram analisados trabalhos de outros artistas que discutiram ou discutem as mesmas questões que a artista brasileira, como por exemplo, Marcel Duchamp e Jan Dibbets. Essa análise mostrou que cada período histórico possui sua visão de mundo e uma maneira de dirigir o olhar para um determinado ponto de vista, portanto uma maneira de utilizar a perspectiva. Nos dias atuais, a subversão do olhar do espectador e, ainda, a destruição da estabilidade de sua percepção causada por essa subversão, fazem da manipulação do ponto de vista a partir do uso da perspectiva, uma atitude contemporânea no trabalho desses artistas
Abstract: This research was intended to investigate the use of perspective in contemporary art through the work of the Brazilian artist Regina Silveira. One of the concerns was the issues behind the presence of perspective within the current artistic production, for example, the critical of the image¿s nature, the resources of representation, the manipulation of viewpoint, the simulation, the space illusion and the deformation as in the case of anamorphosis. All these questions were related to the theory of visual perception and the psychology of perception in analyses of the Regina Silveira¿s work, in graphics (drawings and prints), objects and installations from the end of 70 to the current, but also the called preparatory drawings and models, that are projects in which the artist develops the ideas of their work and more if realizes the manipulation of perspective. Were also analyzed works of other artists who discussed or discuss the same issues as the Silveira, for example, Marcel Duchamp and Jan Dibbets. The analysis showed that each historical period has its vision of the world and to deal the look for a particular viewpoint, so a way to use the perspective. Nowadays, the subversion of the look of the spectator and, yet, the destruction of stability of their perception caused by such subversion, make the manipulation of viewpoint a contemporary attitude in the work of such artists
Mestrado
Mestre em Artes

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Batistin, Fabíola [UNESP]. "Imagens e metáforas: a (re)construção do trajeto e da história de uma arte-educadora." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2007. http://hdl.handle.net/11449/90993.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:24:51Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007Bitstream added on 2014-06-13T18:07:01Z : No. of bitstreams: 1 batistin_f_me_ia.pdf: 703071 bytes, checksum: eb570b0b9cea6dd7867ab70f9f27ec06 (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Essa dissertação apresenta a reflexão sobre minhas experiências com o ensino e aprendizado em arte permitindo a (re) construção da trajetória como arte educadora e arquiteta que escolheu a profissão de professora de história da arte. Este trabalho concentra-se no efetivo encontro entre a sensibilidade, a intuição e o olhar reflexivo de alunos e professora, por meio das descobertas que ocorrem durante os projetos de ensinar e de aprender já realizados. Busca a construção do conhecimento sustentado na experiência de fruir e poetizar arte e na integração desse cotidiano no interior do ambiente universitário. Propõe uma reflexão entre arte-educação, seu ensino e aprendizado enfatizando o gesto criador, o despontar do olhar sensibilizado para as artes plásticas e a concepção das leituras de obras como processo de compreensão do mundo, desmistificando a obra de arte como objeto inatingível e de poucos.
This dissertation shows a research about experiences and livings on the teaching and learning in art, which focus is the creation of path like education art teacher, of an architect that chose the profession of art teacher. This work has focus on the effective meeting among the sensibility, the intuition and the reflexive glance of students and teacher, through of discoveries that occurred during the projects realized. The works searches the creation of knowledge suppoted by the flow experience and to transform art in poetry and to ingrate this daily through of university environment. However, the work intends a reflection among education art, its teaching and learning put emphasis in the creative action, the emerging sensitive glance to the plastic arts an the conception of readings of works like world understanding process, taking ou the mystic of art work as a distant thing for a select group.

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Maturana, Barrera Paulina Monserrat. "Estudio Comparativo del Canon Plástico Chavín de Huántar y el Canon Plástico Clásico Occidental." Tesis, Universidad de Chile, 2008. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/101442.

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Sans, Paulo de Tarso Cheida. "Trajetórias e vicinalidades = entre a gravura, o objeto e a instalação." [s.n.], 2009. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284482.

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Abstract:

Orientador: Luise Weiss
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-18T07:35:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sans_PaulodeTarsoCheida_D.pdf: 4836600 bytes, checksum: 0e77c3ef110589288a8abe105cf1b0df (MD5) Previous issue date: 2009
Resumo: Esta pesquisa em Arte é sobre a realização de uma produção artística que permeia a gravura, o objeto e a instalação. As obras foram criadas a partir da análise da produção do autor, verificando as principais características técnicas e elementos conceituais de suas obras mais recentes. Para embasamento dos processos criativos foram escolhidos quatro artistas contemporâneos brasileiros, Antonio Henrique Amaral, Arthur Bispo do Rosário, Luise Weiss e Rubem Valentim, que apresentam distintas temáticas que serviram como sintonia para a criação das obras híbridas realizadas pelo autor. As questões teóricas e processuais são estudadas, resultando numa análise reflexiva sobre a poética visual proposta
Abstract: This Art research is about the execution of an artistic production which approaches engraving, object and instalation. The artworks had been created from the analysis of the author's production, verifying the main technical characteristics and conceptual elements from his more recent artworks. As basis for the creative processes were chosen four Brazilian contemporary artists, Antonio Henrique Amaral, Arthur Bispo do Rosário, Luise Weiss and Rubem Valentim, who presents distinct thematics which had served as linking to the creation of the hybrid artworks carried through by the author. The theoretical and procedural questions are studied, as a result of a reflexive analysis about the poetic's visual proposed
Doutorado
Doutor em Artes

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Santos, Márcia Aparecida Silva dos [UNESP]. "Formação inicial em artes: reflexões sobre a habilitação em Artes Plásticas e os subsídios para o ensino da arte." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2008. http://hdl.handle.net/11449/86949.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2008-12-09Bitstream added on 2014-06-13T20:47:39Z : No. of bitstreams: 1 santos_mas_me_ia_prot.pdf: 964270 bytes, checksum: 383509d330dbbd6083cfebdf6ee09e0d (MD5)
Universidade Estadual Paulista (UNESP)
A pesquisa surge com o objetivo de analisar se diante das propostas curriculares em torno de novas práticas e teorias sobre o ensino da arte que lhe conferem o status de linguagem e área de conhecimento, o Curso de Licenciatura Plena em Educação Artística, oferecido pelo Instituto de Artes da Unesp, propicia ao licenciado o aprofundamento necessário para a compreeensão dos novos marcos curriculares que permeiam os PCNEM. Tem como foco a análise das relações entre os conhecimentos elaborados na área da Arte/Educação, o processo de elaboração dos PCN-Arte e suas influências no currículo da Educação Artística; bem como minhas experiências na educação formal e não-formal. As reflexões se desenvolveram com as leituras de autores como: Ana Mae Barbosa, Basil Bernstein, Elliot Eisner, John Dewey, Vigotski, entre outros. Os procedimentos utilizados serão: a pesquisa bibliográfica; a análise de processos que tratam da reestrutura curricular do curso: a análise dos programas de ensino das disciplinas e ainvestigação baseada na reflexão do meu processo de formação. Pesquisar e rever a história de minha formação inicial em Educação Artística em paralelo com as mudanças propostas pela legislação é relevante na medida em que pode subsidiar os professores de artes a refletirem sobre sua formação; além de questionar o processo de recontextualização que ocorre na elaboração dos documentos oficiais; afirmar a necessidade da postura do professor-pesquisador a fim de se desenvolver o pensamento crítico para a elaboração de interpretações coerentes com a realidade e ampliar as discussões em torno da extinta Educação Artística bem como das novas licenciaturas específicas que assumirem o seu lugar.
La pesquisa surge con el objetivo de analizar si, frente de las propuestas curriculares en alrededor de nuevas práticas y teorias sobre la enseñanza de arte que le establece el status de lenguaje y área de conocimiento, el Curso de Licenciatura Plena en Educación Artística, oferecido por el Instituto de Artes de Unesp, propicia al licenciado el ahondamiento necessário para la comprensión de nuevos marcos curriculares que permean los PPCCNNEEMM. Tiene como foco la análisis de las relaciones entre los conocimientos hechos en la área de Arte/Educacion, el processo de elaboración de los PPCCNN - Arte y sus influencias en el currículo de la Eduación Artística, así como mis experiencias en la educación formal y no formal. Las reflexiones se desarrollaron con las lecturas de autores como: Ana Mae Barbosa, Basil Bernstein, Elliot Eisner, John Dewey, Vigotski, entre otos. Los procedimientos utilizados será: la pesquisa bibliográfica, la análise de programas de enseñanza de las disciplinas y la investigación basada en la reflexión de mi proceso de formación. Pesquisar y rever la historia de mi formación inicial en Educacución Artística en paralelo con los cambios propuestos por la legislación es relevante en la medida que puede subsidiar los maestros de artes a reflexionaren sobre su formación; además de cuestionar el proceso de recontextualización que ocurre en la elaboración de los documentos oficiales; afirmar la necesidad de la postura del profesor-investigador a fin de desarollarse el pensamiento crítico para la producción de interpretaciones choerentes con la realidad y ampliar as discusiones alrededor de la extinta Educación Artística así como las nuevas licenciaturas específicas que han asumido su lugar.

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Santos, Márcia Aparecida Silva dos. "Formação inicial em artes : reflexões sobre a habilitação em Artes Plásticas e os subsídios para o ensino da arte /." São Paulo : [s.n.], 2009. http://hdl.handle.net/11449/86949.

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Abstract:

Resumo: A pesquisa surge com o objetivo de analisar se diante das propostas curriculares em torno de novas práticas e teorias sobre o ensino da arte que lhe conferem o status de linguagem e área de conhecimento, o Curso de Licenciatura Plena em Educação Artística, oferecido pelo Instituto de Artes da Unesp, propicia ao licenciado o aprofundamento necessário para a compreeensão dos novos marcos curriculares que permeiam os PCNEM. Tem como foco a análise das relações entre os conhecimentos elaborados na área da Arte/Educação, o processo de elaboração dos PCN-Arte e suas influências no currículo da Educação Artística; bem como minhas experiências na educação formal e não-formal. As reflexões se desenvolveram com as leituras de autores como: Ana Mae Barbosa, Basil Bernstein, Elliot Eisner, John Dewey, Vigotski, entre outros. Os procedimentos utilizados serão: a pesquisa bibliográfica; a análise de processos que tratam da reestrutura curricular do curso: a análise dos programas de ensino das disciplinas e ainvestigação baseada na reflexão do meu processo de formação. Pesquisar e rever a história de minha formação inicial em Educação Artística em paralelo com as mudanças propostas pela legislação é relevante na medida em que pode subsidiar os professores de artes a refletirem sobre sua formação; além de questionar o processo de recontextualização que ocorre na elaboração dos documentos oficiais; afirmar a necessidade da postura do professor-pesquisador a fim de se desenvolver o pensamento crítico para a elaboração de interpretações coerentes com a realidade e ampliar as discussões em torno da extinta Educação Artística bem como das novas licenciaturas específicas que assumirem o seu lugar.
Resumen: La pesquisa surge con el objetivo de analizar si, frente de las propuestas curriculares en alrededor de nuevas práticas y teorias sobre la enseñanza de arte que le establece el status de lenguaje y área de conocimiento, el Curso de Licenciatura Plena en Educación Artística, oferecido por el Instituto de Artes de Unesp, propicia al licenciado el ahondamiento necessário para la comprensión de nuevos marcos curriculares que permean los PPCCNNEEMM. Tiene como foco la análisis de las relaciones entre los conocimientos hechos en la área de Arte/Educacion, el processo de elaboración de los PPCCNN - Arte y sus influencias en el currículo de la Eduación Artística, así como mis experiencias en la educación formal y no formal. Las reflexiones se desarrollaron con las lecturas de autores como: Ana Mae Barbosa, Basil Bernstein, Elliot Eisner, John Dewey, Vigotski, entre otos. Los procedimientos utilizados será: la pesquisa bibliográfica, la análise de programas de enseñanza de las disciplinas y la investigación basada en la reflexión de mi proceso de formación. Pesquisar y rever la historia de mi formación inicial en Educacución Artística en paralelo con los cambios propuestos por la legislación es relevante en la medida que puede subsidiar los maestros de artes a reflexionaren sobre su formación; además de cuestionar el proceso de recontextualización que ocurre en la elaboración de los documentos oficiales; afirmar la necesidad de la postura del profesor-investigador a fin de desarollarse el pensamiento crítico para la producción de interpretaciones choerentes con la realidad y ampliar as discusiones alrededor de la extinta Educación Artística así como las nuevas licenciaturas específicas que han asumido su lugar.
Orientador: João Cardoso Palma Filho
Coorientador: Rejane Galvão Coutinho
Banca: Maria Heloisa Corrêa de Toledo Ferraz
Mestre

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Silva, José Luiz Solsona da. "As artes plásticas nas artes gráficas." Universidade Presbiteriana Mackenzie, 2009. http://tede.mackenzie.br/jspui/handle/tede/2001.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:43:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Jose Luiz Solsona Silva.pdf: 2867940 bytes, checksum: ce6e8fd4e1f49f24772273cae3aa952a (MD5) Previous issue date: 2009-02-03
Fundo Mackenzie de Pesquisa
The relationship between the artist's work and the development of the lithograph technique invented by Aloys Senefelder in 1795 they come in the several ways found by the professional tape recorders and artists of the time, to produce an impression form with quality and fidelity. Like this the evolution of the lithograph with the introduction of photographic procedures for the obtaining in the impression way (the lithographic stone) as well as the consequent improvement of the visual quality of the printed papers in relation to the reproduction of the reference original is a visible fact in elapsing of the work. The abbreviation confrontation of Chéret and Lautrec demonstrates, in a certain way, the confrontation in two ways of producing a lithographic form. Chéret is extremely technician in the elaboration of the drawings and of the texts that composed the project he became the reference of the Advertising Poster in the history of the communication. Lautrec, in search of the valorization of the artist's sign, produced with their spontaneity impression forms and it is the model of the plastic artist's performance in the production of commercial works of great communicational impact. It is believed, the artists' involvement with the development of a system of impression of the Graphic Industry, it can raise studies about the real possibilities of the graphic processes. It is noticed, in elapsing of the history of the movements of art plastic surgeries, that the graphic artist's vision or designer went very important for the technological development of the current Graphic Industry.
A relação entre o trabalho do artista e o desenvolvimento da técnica de litografia, inventada por Aloys Senefelder, em 1795, apresentam-se nas várias maneiras encontradas pelos gravadores profissionais e artistas da época, para produzir uma forma de impressão com qualidade e fidelidade. Assim, a evolução da litografia com a introdução de procedimentos fotográficos para a obtenção da forma de impressão (a pedra litográfica), bem como a conseqüente melhoria da qualidade visual dos impressos em relação à reprodução do original de referência, é um fato visível no decorrer do trabalho. O breve confronto de Chéret e Lautrec demonstra, de certa forma, o enfrentamento de duas maneiras de produzir uma forma litográfica. Chéret, extremamente técnico na elaboração dos desenhos e dos textos que compunham o projeto, tornou-se a referência do Cartaz Publicitário na história da comunicação. Lautrec, em busca da valorização do gestual do artista, produziu com espontaneidade suas formas de impressão e é o modelo da atuação do artista plástico na produção de trabalhos comerciais de grande impacto comunicacional. Acredita-se, o envolvimento dos artistas com o desenvolvimento de um sistema de impressão da Indústria Gráfica, possa suscitar estudos sobre as reais possibilidades dos processos gráficos. Percebe-se, no transcorrer da história dos movimentos de artes plásticas, que a visão do artista gráfico ou designer foi muito importante para o desenvolvimento tecnológico da Indústria Gráfica atual.

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Álvarez, Font Mónica. "Estructuras mandálicas. Diagramas del saber y su aplicación en las pedagogías y procesos de la creación." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/376699.

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Abstract:

Esta investigación es consecuencia de dos intereses complementarios; el ejercicio de la creatividad a través de la práctica artística y la sensibilización con la urgente necesidad del desarrollo integral del ser humano. Todo ello confluye en el mándala; una imagen surgida de la creación y para la creación, una imagen estética a la vez totalizadora la cual organiza un determinado saber en torno a un núcleo fundamental. El mándala en su uso actual no tradicional puede tener, en primera instancia, fines lúdicos así como de procurar estados de introspección y relajación, lo que favorece a otro nivel, el autoconocimiento, con la consecuente concienciación transpersonal, ya que la operatividad mandálica puede ofrecer un lugar de encuentro y aumento de la dimensión espiritual imprescindible en el enfoque holístico. La investigación toma las estructuras mandálicas como objeto de estudio, indagando el origen y la fenomenología derivadas del mándala cultural indo tibetano. Se atiende también a las manifestaciones mandálicas de otras tradiciones como imagen portadora de orden y consecuente saber, poniendo en evidencia la naturaleza transcultural y atemporal del mándala. También se exploran inevitablemente las estructuras y patrones mandálicos tan presentes en la naturaleza en los cuales podemos encontrar el mismo modelo de orden que sostiene la gran variedad de mándalas culturales. Por otra parte se aborda el uso contemporáneo de las estructuras mandálicas con funciones psicoanalíticas al tratarse de una imagen integradora de los diferentes fragmentos de la interioridad humana; ya sea de tipo emocional, intelectual y espiritual, con su consecuente función sanadora. Finalmente se contemplan diferentes manifestaciones mandálicas significativas dentro del ámbito de la creación artística. Todo ello con la finalidad de reevaluar la operatividad de estas estructuras, dilucidando sus principios activos implicados tanto a nivel geométrico como simbólico, con la intención de extraer conclusiones de sentido para su aplicación en las diferentes pedagogías, especialmente la de los procesos creativos, la cual estimo a su vez un medio de autoconocimiento y terapia. La investigación está respaldada avivadamente por el trabajo de campo, el cual llevo a cabo cotidianamente en el ámbito de la pedagogía de las artes plásticas, por extensión pedagogía de la interioridad del educando, aplicando la versatilidad de la estructura y operatividad mandálica para facilitar los procesos creativos. Las aplicaciones pedagógicas con estructura mandálica que presento surgen dentro del ámbito de las Bellas Artes pero son adaptables y extensibles a otras disciplinas, puesto que la creatividad y el autoconocimiento son componentes transversales a todas ellas. Estas propuestas didácticas son fruto del estudio de la estructura mandálica en sus diferentes ámbitos; indo budista, psicoanalítico, natural, diagramas del saber proto-científico, con la finalidad de promover la integración y la armonía del individuo desde su temprana infancia hasta la vida adulta, activando el reconocimiento de su propia interioridad a través de la práctica de la pintura mandálica, la cual considero un valioso recurso dentro del marco de la pedagogía holística ya que su versatilidad alcanza todas las áreas de la constitución humana. En todo este trabajo subyace la convicción de; que el cambio y mejora de una sociedad primero pasa por el individuo, que las pedagogías y la educación son factores transformadores que moldean la sociedad, según el enfoque de éstas se obtendrán un tipo de sociedad más escindida o más íntegra, que en la estructura y operatividad mandálica encontramos un modelo de orden valioso para vehiculizar la pedagogía holística o integral.
This research is the result of two complementary interests; The exercise of creativity through artistic practice and awareness of the urgent need of comprehensive development of the human being. All this comes together in the mandala; a picture emerged from creation and to create a totalizing aesthetic image which organizes a certain knowledge around a fundamental nucleus. The mandala in its nontraditional contemporary use may, in the first instance, have,ludic states as well as introspection and relaxation purposes, which favors in another level the self-knowledge, with the consequent transpersonal awareness, since the mandalic operability can offer a meeting point and an increase in the essential spiritual dimension in the holistic approach. The research takes mandalic structures as objects of study, investigating the origin and phenomenology derived from cultural Indo-Tibetan mandala. It also serves the mandalic manifestations of other traditions as image conveyor of order and consistent knowledge, highlighting the transcultural and timeless nature of the mandala. Inevitably they explore mandalic patterns and structures so present in nature in which we can find the same model of order that holds many cultural mandalas. Moreover, the contemporary use of psychoanalytic structures with mandalic functions to be an inclusive picture of the different fragments of human interiority is delt with, either emotional, intellectual and spiritual type, with its consequent healing function. Finally different mandalic significant events within the field of artistic creation are considered. All this in order to assess the operation of these structures, elucidating its active ingredients involved both at geometric and symbolic level, with the intention of drawing meaningful conclusions for application in different pedagogies, especially that of the creative process, which in turn I consider a means of self therapy. The research is supported by the fieldwork, which I carry out every day in the field of visual arts education, by extension pedagogy of interiority of the student, using the versatility of the structure and mandalic operatinal capacity to facilitate creative processes. Pedagogical applications with mandalic structures that I present, arise within the scope of the Fine Arts but are adaptable and extensible to other disciplines, since creativity and self-knowledge are transversal to all components. These educational proposals are the result of the study of the mandalic structure in different areas; Buddhist, psychoanalytic, natural, diagrams proto-scientific knowledge, in order to promote integration and harmony of the individual from early childhood to adulthood, enabling the recognition of their own interiority through the practice of mandalic painting, which I consider a valuable resource within the framework of holistic education as their versatility reaches all areas of the human constitution. The underlying conviction in all this work that change and improvement of a society come first through the individual, that pedagogies and education are transforming factors that shape society , according to such an approach a more divided or more close kind of society will be reached,then in the structure and mandalic operation we find a valuable model to convey a holistic pedagogy or an integral education.

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Brunelli, Silvana. "Diálogo entre as artes plásticas e a publicidade no Brasil." Universidade de São Paulo, 2007. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27131/tde-30062007-150637/.

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Abstract:

A participação dos artistas plásticos e gráficos na publicidade brasileira, mais especificamente na comercial de produtos e empreendimentos, entre as décadas de 1920-1940 constitui o núcleo de investigação desta tese. Se historicamente as artes plásticas e a publicidade internacionais sempre mantiveram relações estreitas e até mesmo conflituosas, indagou-se como teriam se comportado entre si esses dois campos profissionais no Brasil quando da passagem da nossa publicidade amadora para aquela moderna, impregnada, sobretudo, pelos métodos das agências norte-americanas atuantes no eixo Rio-São Paulo. A partir de um exame atento do mercado de trabalho dos diversos profissionais considerados, procurou-se entender as motivações que os levaram a produzir peças publicitárias, o que por sua vez direcionou o estudo ao questionamento das hierarquias artísticas, pois a relação entre a arte e a publicidade prolonga o consagrado debate em torno das artes mecânicas e liberais, e, por conseguinte as disputas entre arte maior e arte menor, entre arte pura, desinteressada e livre e arte comprometida, dentre outras tipologias usuais. Concomitantemente, averigou-se como a passagem e mesmo a convivência de um sistema acadêmico com um moderno, que se constituiu a partir dos anos 1920, alterou, ou melhor, conformou o campo artístico brasileiro. Frente a esses impasses, recorreu-se a algumas proposições teóricas mais atuais, que ao transferirem o foco problemático do campo artístico para o estético, atenuaram os questionamentos como também permitiram maior flexibilidade de análises. Nos exames formais das peças publicitárias, selecionadas em função de suas representatividades dentro do conjunto, defendeu-se a tese de que houve momentos em que a produção de cartazes e anúncios comerciais, este em maior número, aproximou-se de uma linguagem artística moderna, a exemplo dos projetos comerciais do artista Fulvio Pennacchi, que pertencem à coleção do Instituto Moreira Salles. E, na busca desses momentos estéticos modernos, procurou-se não enxertar e tão somente verificar correspondências com os moldes europeus, ao contrário, isso permitiu o conhecimento da nossa realidade, da modernidade artística que nos foi possível edificar, tendo em conta as variantes que o decorrer dos anos lhe agregou. Este posicionamento, em contrapartida, de forma alguma pôde desprezar o fato da história da propaganda brasileira ter fortes e ricas ligações com os modelos estrangeiros, portanto, impôs-se às análises iconográficas a tarefa de também investigar o quanto a nossa produção foi ou não uma reelaboração particular dos exemplos da arte publicitária em circulação. A interdisciplinaridade foi uma constante neste estudo pelo entrelaçamento de informações originárias de vários campos do conhecimento, sem a qual a pesquisa não teria êxito.
The role of the plastic and graphical artists in the Brazilian commercial advertising of products and enterprises, between the decades of 1920 and 1940, is the core of investigation of this thesis. Historically, plastic arts and advertising always kept narrow and even tough relationships in the international panorama. Therefore, in this work we have inquired the behavior of these two professional fields in Brazil as we pass from an amateur to a modern advertising. The latter has been influenced by the North-American advertising agencies from Rio de Janeiro and São Paulo. From a painstaking analysis of the labor market of several professionals in the plastic arts field, we have tried to understand the reasons that had taken them to produce advertisement materials. This has led us to investigate artistic hierarchies, since the relationship between art and advertising only emphasizes the old debate around mechanical and liberal arts, minor and major arts, pure and compromised arts, amongst other usual typologies. At the same time we investigated how the coexistence of an academic system and a modern one, established in the years of 1920, molded the Brazilian artistic field. Due to these impasses it was necessary to use some modern theoretical propositions that shifted the subject from the artistic to the aesthetic field, reducing doubts and allowing for a more flexible analysis. In the critical analysis of the selected advertisement materials, we looked for instances where the posters and commercial advertisements, the latter bigger in number, approached a more modern artistic language, such as the commercial projects of the artist Fulvio Pennacchi, that belong to the collection of the Instituto Moreira Salles. In pursuit of these modern aesthetic instances we have not tried only to find similarities with the European patterns but made an effort to understand our reality and the artistic modernity we were able to produce at that time. We did not deny the strong link between the Brazilian and the international advertising, therefore, in our iconographic analysis, we have investigated to what degree our advertisement productions were just reelaborations of the current advertisement art in circulation. In this thesis the interdisciplinarity played a major role due to the crossing of information from many areas of knowledge and, without it, our research would not be possible.

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Andriani, André Guilles Troysi de Campos 1980. "A atuação da FUNARTE através do INAP no desenvolvimento cultural da arte brasileira contemporânea nas décadas de 70 e 80 e interações políticas com a ABAPP." [s.n.], 2010. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284913.

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Abstract:

Orientador: Marco Antonio Alves do Valle
Made available in DSpace on 2018-08-16T23:47:57Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Andriani, Andre Guilles Troysi de Campos_M.pdf: 2648130 bytes, checksum: fbd0ab5d88a2ec8acd7031d37f2a923e (MD5) Previous issue date: 2010
Resumo: Esta pesquisa teve como objetivo primordial levantar e apontar a importância da Fundação Nacional de Artes (FUNARTE) através do Instituto Nacional de Artes Plásticas (INAP), no desenvolvimento de uma política cultural para as artes plásticas, abrangente e democrática, jamais vista na história do Brasil até então. Demonstramos aqui a relevância do INAP no desenvolvimento cultural da arte brasileira contemporânea nas décadas de 70 e 80 e suas interações com a sociedade civil, em especial com a Associação Brasileira de Artistas Plásticos Profissionais (ABAPP), destacando as principais personalidades destas instituições que influenciaram o panorama das artes plásticas no Brasil através de projetos, debates e embates. Para concretizar esta pesquisa foram necessárias diversas viagens à cidade do Rio de Janeiro, onde foram feitos levantamentos de documentos no Centro de Documentação da FUNARTE (CEDOC), arquivos particulares e intensa pesquisa em jornais e revistas do período. Também foram registradas, nove horas e meia de entrevistas, com ex-diretores do INAP, ex-presidentes da ABAPP e artistas plásticos. Com todos os dados obtidos e confrontados, acreditamos ter conseguido demonstrar o pioneirismo da FUNARTE ao implantar uma política cultural que abarcava as novas linguagens de artes plásticas que não usufruíam os espaços públicos naquele momento e no intenso esforço de levar a atuação da instituição aos estados da Federação menos favorecidos em políticas públicas culturais. Foi também destacada a importância da ABAPP no pólo oposto deste processo, não como simples opositora, mas como provedora de propostas políticas e artísticas, com reivindicações próprias e inovadoras, proporcionando autonomia aos artistas plásticos durante o período de regime militar (1964- 1986). Concluiu-se que a FUNARTE e o INAP foram positivamente confrontados pela ABAPP e tiveram em seus quadros, profissionais competentes que trabalharam para descentralizar as ações do INAP do eixo Rio/São Paulo. Atuaram dentro do possível, combatendo as barreiras geográficas, econômicas e ideológicas do mercado de arte brasileiro dos anos 70, que haviam se infiltrado nos museus, galerias e salões públicos. Infelizmente o fechamento da FUNARTE durante o governo Collor de Mello em 1999, desincumbiu o Estado para com a cultura no Brasil de forma direta e provocou uma desestruturação geral nas artes plásticas, principalmente em ações para o jovem artista. O apoio estatal às artes plásticas foi transferido aos descontos via Lei Rouanet o que confluí para as idéias do Estado mínimo neoliberal, delegando aos departamentos de marketing dos patrocinadores, importantes decisões que têm se mostrado injustas socialmente. Atualmente vemos a tentativa do restabelecimento de um lugar legítimo para a FUNARTE e esperamos que esta retorne ativa através do atual CEAV (Centro de Artes Visuais da FUNARTE), deixando de ter um papel apenas burocrático e assumindo uma atuação efetiva e direta na cultura das artes plásticas, seguindo o exemplo pioneiro do antigo INAP, e se possível atingindo patamares superiores de excelência, proporcionais ao panorama atual
Abstract: The main purpose of this study was to investigate the importance of the National Foundation for the Arts (Fundação Nacional de Artes - FUNARTE) through the actions of the National Institute for the Fine Arts (Instituto Nacional de Artes Plásticas - INAP) in designing a cultural policy for the fine arts in Brazil. We demonstrate the relevance of INAP in the cultural development of contemporary Brazilian art in the 1970's and 80's as well as the Institute's interactions with the civil society, especially with the Brazilian Association of Fine Arts Professionals (Associação Brasileira de Artistas Plásticos Profissionais - ABAPP). Those institutions were also studied by focusing on their participants, especially the ones who most influenced the fine arts scenario in Brazil, eitherby means of projects, debates or clashes of ideas. The data for this research was collected from documents at the FUNARTE Documentation Center (CEDOC) in Rio de Janeiro; private archives; newspapers and magazines from the period; and a 9-and-a-half-hour video produced for this research, featuring interviews carried out with former directors of INAP, former presidents of ABAPP and fine artists. The data were collected and confronted by using historic and comparative methods; we believe they indicate the innovative role played by FUNARTE at designing and implementing a cultural policy that disseminated the new languages of fine arts in the foundation's projects and venues. The data also points to the foundations' great effort to promote its policy in the states of the Federation that had been least benefitted by earlier cultural public policies. The importance of ABAPP emerges in the opposite pole of this process, not simply as an opponent, but also as the promoter of political and artistic proposals, with singular and innovative demands that fostered autonomy among fine artists during the military regime (1964-1986). The results allow us to conclude that FUNARTE and INAP were positively challenged by ABAPP and that their members were competent professionals that worked to decentralize the actions of INAP from the Rio/São Paulo axis. Such professionals acted with all available means to overcome the geographical, economic and ideological barriers of the Brazilian art market of the 1970's, which had insidiously dominated museums, art galleries and public salons. Unfortunately, the closing down of FUNARTE during the presidency of Fernando Collor de Mello in 1999 broke the State free from its commitment with Brazilian culture and triggered an overall disarticulation of the fine arts, with a consequent democratic recess. FUNARTE is presently trying to reestablish it own legitimate role. We hope the foundation accomplishes this goal by the actions of the FUNARTE Center for the Visual Arts (Centro de Artes Visuais da Funarte - CEAV), leaving behind its bureaucratic praxis and assuming a more direct and effective role in the culture of fine arts, not only following the pioneer example of INAP but also excelling in terms of the challenges that face the present social scenario
Artes Visuais
Mestre em Artes

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Silva, Karina Beringuy da. "Waltercio Caldas: os desafios de uma leitura sobre um artista plástico brasileiro em construção." Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2011. http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=6029.

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Abstract:

Waltercio Caldas é um dos artistas mais controversos da História da Arte no Brasil. Insere-se na própria história da arte, bem como cria as bases para uma produção historiográfica, na qual a busca da formação da identidade nacional é um objetivo a ser atingido. Releituras de obras clássicas, novas propostas de olhar as obras de arte, o diálogo com as formas e espaços são algumas das tendências apresentadas por Caldas desde sua exposição inaugural no inicio da década de 70 do século passado. O grande momento de Caldas é o livro quadro Los Velásquez. Onde o artista desconstrói o celebre quadro Las Meninas, de Velásquez. Expondo o visível e o invisível, propõe uma nova dimensão para com os espaços e limites da arte. Este trabalho visa buscar um panorama da trajetória de Waltercio Caldas e estabelecer as relações entre este e a História da Arte, para então buscar a identidade do artista por trás da obra
Waltercio Caldas is one of the most controversial artists in the history of art in Brazil. He is part of the History of Art, as well as laying the groundwork for a historical production, in which the search for the formation of national identity is a goal to be reached. Re-interpretations of classics, new proposals to look at works of art, the dialogue with the forms and spaces are some of the trends presented by Caldas since its inaugural exhibition in the early 70s of last century. The highlight of the book is de Caldas - Los Velazquez framework. Where the artist deconstructs the famous painting Las Meninas by Velazquez. Exposing the visible and invisible proposing a new dimension to the spaces and boundaries of art. This work aims to get an overview of the trajectory of Waltercio Caldas and establish relations with History of Arts and to then seek the identity of the artist behind the work

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Sotomayor, Yana Tamayo. "Utopia e construção : melancolia e sobrevivência na arte contemporânea brasileira." reponame:Repositório Institucional da UnB, 2009. http://repositorio.unb.br/handle/10482/4281.

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Abstract:

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2009.
Submitted by Jaqueline Ferreira de Souza (jaquefs.braz@gmail.com) on 2010-03-18T14:08:14Z No. of bitstreams: 1 2009_YanaTomayoSotomayor.pdf: 14040273 bytes, checksum: e62e64f80d378a5251a8f9fcbbe30a57 (MD5)
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O presente trabalho busca encontrar na arte contemporânea brasileira a relação entre a ascensão das ideologias artísticas construtivas e os desvios sofridos pelas premissas modernas ligadas ao programa desenvolvimentista dos anos 50 e 60 no Brasil. A partir das análises que vinculam as artes plásticas à arquitetura e à política desenvolvimentista, essa dissertação busca acessar alguns dos discursos plásticos contemporâneos brasileiros que possuem uma herança utópica e construtiva. As obras da artista mineira Rivane Neuenschwander e do baiano Marcos Reis Peixoto, Marepe, são analisadas sob a luz da obra pós-1964 de Hélio Oiticica e de suas proposições programáticas para a arte, como uma continuidade do projeto construtivo iniciado na década de 50 no Brasil. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT
This paper attempts to find, within contemporary Brazilian art, the relationship between the rise of constructive artistic ideologies and the deviations suffered by the modern assumptions associated to the developmental program of the 50s and 60s. From the analysis binding the fine arts to architecture, to the political developmental program, this dissertation attain to some of the Brazilian contemporary artistic discourses that have an utopian and constructive inheritance. The work of Rivane Neuenschwander, from Minas Gerais and of Marepe, Marcos Reis Peixoto from Bahia, are analyzed as a continuity of the constructive project initiated in Brazil in the 50, under the light the post-1964 Hélio Oiticica s work and his programmatic propositions for art.

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Mattos, Patricia Laus. "Ilusão e delírio em pintura:injunções teóricas sobre um pensamento plástico." Universidade do Estado de Santa Catarina, 2007. http://tede.udesc.br/handle/handle/733.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 capa.pdf: 85689 bytes, checksum: 3d193677a2f786c82fa4a98bafb19c00 (MD5) Previous issue date: 2007-11-22
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Esta dissertação toma como ponto de partida um conjunto de trabalhos plásticos que fiz entre os anos de 2005 e 2007. A partir deles desdobram-se interlocuções teóricas que relacionam a pintura através de diálogos com a história da arte, a filosofia e a psicanálise. No primeiro capítulo abordo a relação da pintura com as lentes, sejam elas vidros burilados ou naturais, comparando-as ao olho. Na relação particular que estabeleço com a câmara obscura e a máquina fotográfica, associando-as ainda ao olho humano, reconheço tanto nos procedimentos do fotógrafo, como nos procedimentos do pintor, o artifício do véu e, portanto, os artifícios da ilusão. No segundo capítulo, as lentes expostas num ambiente especialmente preparado para recebê-las aparecem como ciladas ao espectador ao prometer revelações, mas obliterar todos os movimentos que poderiam refazer o percurso daquilo que um dia foi visto. Abordo, ainda, a relação entre olho e olhar, considerando a visão como um mecanismo que deflagra delírios ao tentar tocar a imagem, posto que ela só pode ser apreendida como aquilo que escapa e dissipa, portanto, como ausência e distância. No terceiro capítulo abordo a violência deste processo que envolve a ilusão e a perda da certeza no visível e entendo esta violência como um movimento inerente ao humano. Daí a fenda incurável da existência. Contra todo um ideal racional e ocular-centrado criado pelo homem está a violência sem medida a invadir e governar os sentidos, inclusive no ato de abrir e fechar os olhos

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Antunes, Rosana [UNESP]. "Ensino e aprendizagem da arte na escola de samba." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2007. http://hdl.handle.net/11449/86982.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007Bitstream added on 2014-06-13T18:49:21Z : No. of bitstreams: 1 antunes_r_me_ia.pdf: 3020479 bytes, checksum: 4bbef2f57e9e1a0efac409faac9d7eff (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Esta pesquisa tem como proposta compreender o processo de ensino e aprendizagem das artes plásticas no interior de uma escola de samba, destacando aspectos deste processo que se diferenciam do ensino tradicional em situações escolares. O local pesquisado foi o barracão da escola de samba Sociedade Rosas de Ouro e procurei enfocar o processo de ensino e aprendizagem da arte ali estabelecido. Para este estudo, lanço mão também de minha experiência profissional como artista plástica, professora e profissional do carnaval: escultora e pintora nos barracões das escolas de samba de São Paulo desde 1995. Para a realização desta pesquisa, participei do processo de criação e confecção dos carros alegóricos para o desfile do carnaval paulistano de 2006 na escola de samba Sociedade Rosas de Ouro como profissional do carnaval, trabalhando como pintora artística das esculturas e carros alegóricos. Escolhi a Rosas de Ouro por ser uma escola na qual trabalhei em vários processos carnavalescos, e o fato de conhecer e já ter trabalhado diversas vezes com a maioria dos profissionais do barracão desta escola me facilitou muito a pesquisa, pois já existia uma relação de amizade entre nós, já conhecia seus anseios e dificuldades enfrentadas no dia-a-dia de trabalho no barracão. Presenciei e participei todos os dias, das 10:00 h até às 20:00 h, durante o mês de dezembro de 2005 e os meses de janeiro e fevereiro de 2006, do trabalho no barracão e do processo de criação e aprendizagem que se estabeleceu entre o carnavalesco, as equipes de profissionais, assistentes, ajudantes e aprendizes. Destaco como resultados o aprendizado que ocorre com a vivência e convivência entre os especialistas e aprendizes no barracão da escola de samba, das tentativas experimentais do fazer, do praticar, e da improvisação, e a minha trajetória como profissional do carnaval nos barracões das escolas de samba de São Paulo como uma aprendiz da arte.
This research has as proposal to understand the process of education and learning of the plastic arts in the interior of a samba school, being detached aspects of this process that if they differentiate of traditional education in pertaining to school situations. The searched place was the large cabin of the samba school Society Gold Roses and looked for to focus the process of education and learning of the art established there. For this study, throwing hand also of my professional experience as plastic artist, teacher and professional of the carnival: sculptor and painter in the large cabins of the schools of samba of São Paulo since 1995. I chose the Gold Roses for being a school in which I worked in some processes, and the fact to know and already to have worked diverse times with the majority of the professionals of the large cabin of this school facilitated the research very to me, therefore already a relation of friendship between us existed, already it knew its yearnings and difficulties faced in day-by-day of work in the large cabin. I witnessed and I participated every day, of 10:00 h until 20:00 h, during the month of December of 2005 and the months of January and February of 2006, of the work in the large cabin and the process of creation and learning that if established between the teams of professionals, assistants, assistant and apprenticees. I detach as resulted the learning that occur with the experience between the specialists and apprenticees in the large cabin of the samba school, of the experimental attempts of making, of practising, and of the improvisation, and my trajectory as professional of the carnival in the large cabins of the schools of samba of São Paulo as an apprentice of the art.

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Sevilla, Seguí Clara María. "Forma y Consciencia: Fundamentos para una Teoría Yántrica del Dibujo." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2016. http://hdl.handle.net/10251/63259.

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Abstract:

[EN] This PhD in Fine Arts is the introduction to a Yantric Theory of Drawing as a result of researching plastic forms from the universal principles present in perceptive reality. Based on the yantra as an active element in the drawing of a integral mandalic vision, Drawing re-presents a vision of the world based on aesthetic distance, in which the sum and multiplication of all the parts is contemplated from one point of view, a naked eye. This perspective is transdimensional, whereby co-creative man is capable of making his own vision real, enjoying the aesthetic experience through the practice of Art. Art is the fifth element in which contact with Beauty takes place in a disinterested way. This thesis in its Form and Consciousness explores the fundaments of these aesthetic formulations through its most yogic roots in India. We will add a metaphor to such aesthetic formulations and explain them through the voice of the artist, in which the process of transmutation of the matter, the transformation of the Nature into Art takes place. The shilpi yogi is the inspiration and aspiration of the being which indwells the imagery artist who develops images of himself, the imprints of personal consciousness transcended through transpersonal art forms. Its being, its Presence, can be modulated through plasticity, from the purest abstraction to the finest figurative art. This thesis represents a plastic voyage to the very heart of India, in which an artist and a sadhu go hand in hand as a symbolic encounter between indosophy and the sublime plastic representative of the tragedy of duality, sunk in life under the weight of chiaroscuro. Light is the Great Symbolic Metaphor and the primordial object of the mystery of Science. The space of the heart is the fifth plastic element on which we base our Yantric Theory of Drawing. We use this to reintegrate the coherence of Art from all times and places, reinterpreting it from an optimistic historical standpoint. Drawing gives us the power to make this real (maya-magic), through the yantric vision. This thesis is the foundational preface to a way to make real the dream of the imagined, a function which Art, the original inoculant, has had throughout history. Such a possibility of form-function-power is endorsed by the most ancient foundations of civilization: the great symbolic potential which was crystalised in Man, the complex system of ancient times which doesn't respond to limits, but rather to constellations, the tantra, inspiration and aspiration of quantic meta-physics.
[ES] Esta tesis doctoral en Bellas Artes es la introducción de una Teoría Yántrica del Dibujo como resultado de una investigación de la forma plástica desde principios universales presentes en la realidad perceptiva. Basada en el yantra como elemento activo dibujístico de una visión mandálica integral, el Dibujo viene a re-presentar una visión del mundo basada en la distancia estética, en la que la suma y multiplicación de todas las partes es contemplada desde un punto de vista y un ojo genuino, transdimensional, en el que el hombre co-creativo es capaz de realizar su propia visión y disfrutar de la experiencia estética a través de la práctica del Arte. El Arte es el quinto elemento en el que el contacto con la Belleza de modo desinteresado tiene lugar. Esta tesis, como Forma y Consciencia explora los fundamentos de estas formulaciones estéticas, a través de sus raíces más yóguicas, en India. A tales formulaciones estéticas les añadimos una metáfora y las explicamos a través de la voz del artista, en el que se da el proceso de transmutación de la materia, la transformación de la Naturaleza en Arte. El silpi yogui es la inspiración y aspiración del ser que habita en el artista imaginero, quien desarrolla sus propias imágenes o la huella de la consciencia personal que se supera a sí misma a través de la plástica de lo trans-personal. Su ser, solo Presencia, se deja modular en el vehículo plástico desde la más pura abstracción a la más fina figuración. Esta tesis representa un viaje plástico al corazón de la India, en el que van de la mano una artista y un sadhu como encuentro simbólico de la indosofía y el sublime representante plástico de la tragedia de la dualidad, sumido en la vida y el peso del claroscuro. La Luz es la Gran Metáfora simbólica y el objeto de misterio primordial de la Ciencia. El espacio del corazón es el quinto elemento plástico en el que se basa nuestra Teoría Yántrica del Dibujo para reintegrar la coherencia del Arte de todos los tiempos y lugares, desde un punto de vista histórico optimista que está en nuestras manos hacer real (magia-maya), a través de la visión yántrica para el Arte, a que da pie el Dibujo. Esta tesis es el prolegómeno fundacional de una vía de hacer real el sueño de lo imaginado, como ha venido haciendo el Arte como inóculo original a lo largo de la Historia. Tal posibilidad de forma-función-poder está avalada por los más antiguos fundamentos de la civilización, el gran potencial simbólico que fue posible cristalizar en el Hombre, el sistema complejo de la antigüedad que no responde a límites, sino a constelaciones, el tantra, inspiración y aspiración de la meta-física cuántica. CLARA M. SEVILLA SEGUÍ
[CAT] Aquesta tesi doctoral en Belles Arts és la introducció d'una Teoria Iàntrica del Dibuix com a resultat d'una investigació de la forma plàstica des de principis universals presents en la realitat perceptiva. Basada en el iantra com a element actiu del dibuix d'una visió integral del mandala, el Dibuix vindria a re-presentar una visió del món basada en la distància estètica, en què la suma i multiplicació de totes les parts és contemplada des d'un punt de vista i un ull genuí, "transdimensional", en què l'home co-creatiu és capaç de realitzar la pròpia visió i gaudir de l'experiència estètica a través de la pràctica de l'Art. L'Art és el cinquè element en què el contacte amb la Bellesa hi té lloc de forma desinteressada. Aquesta tesi, en tant que Forma i Consciència, explora els fonaments d'aquestes formulacions estètiques mitjançant unes arrels basades en sistema del ioga, pel que fa a l'Índia. A aitals formulacions estètiques els afegim una metàfora, i les expliquem per mitjà de la veu de l'artista, l'individu en qui es produeix el procés de transmutació de la matèria, la transformació de la Natura en Art. El silpi iogui és la inspiració i aspiració de l'ésser que habita en l'artista imaginer, qui desenvolupa les seves pròpies imatges o l'empremta de la consciència personal que se supera a si mateixa a través de la pràctica d'allò trans-personal. El seu ésser, tan sols Presència, es deixa modular en el vehicle plàstic des de la més pura abstracció fins a la figuració més fina. Aquesta tesi representa un viatge plàstic al cor de l'Índia, en què una artista i un sadhu, plegats, conflueixen de manera simbòlica en la indosofia i el sublim representant plàstic de la tragèdia de la dualitat, immers en la vida i el pes del clarobscur. La Llum és la Gran Metàfora simbòlica i l'objecte primordial de la ciència. L'espai del cor és el cinquè element plàstic en què es basa la nostra Teoria Iàntrica del Dibuix, el propòsit del qual consisteix a reintegrar la coherència de l'Art de tots els temps i llocs, des d'un punt de vista històric i optimista, que tenim a les nostres mans convertir en real (màgia-maia) a través de la visió iàntrica per a l'Art, a què dóna peu el Dibuix. Aquesta tesi és el prolegomen fundacional d'una via per tal de materialitzar el somni respecte d'allò imaginat, com ha vingut fent l'Art com a inòcul originari al llarg de la Història. Aquesta possibilitat de forma-funció-poder és avalada pels més antics fonaments de la civilització, el gran potencial simbòlic que fou possible cristal·litzar en la figura de l'Home, el sistema complex de l'antiguitat que no respon a límits, sinó a constel·lacions, el tantra: inspiració i aspiració de la meta-física quàntica.
Sevilla Seguí, CM. (2016). Forma y Consciencia: Fundamentos para una Teoría Yántrica del Dibujo [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63259
TESIS

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Hauri, Romero Daniela Paz. "Licenciada en artes, con mención en artes plásticas." Tesis, Universidad de Chile, 2010. http://www.repositorio.uchile.cl/handle/2250/101497.

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Abstract:

La obtención de un diploma al finalizar la carrera nos posiciona en la sociedad como verdaderos “artistas profesionales”. Seamos buenos o malos, con futuro o sin futuro, con talento o sin él, no importa. Lo esencial es que tenemos un documento para acreditar nuestra condición. “La gran mayoría de los artistas posee un diploma universitario en su especialidad” señala el teórico cubano Gerardo Mosquera en “Copiar el Edén”, analizando lo que ocurre respecto a la institucionalidad del arte chileno. Y es que sucede que ser considerado artista -visual- en nuestro país está condicionado generalmente al haber cursado estudios universitarios.

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Carvalho, Rosa Cristina Maria de 1979. "Atuação do artista plastico no ambiente psiquiatrico : a experiencia do Juqueri na decada de 50." [s.n.], 2008. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284676.

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Abstract:

Orientador: Lucia Helena Reily
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
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Resumo: Esta pesquisa discute a participação dos artistas plásticos Maria Leontina, Clélia Rocha e Moacyr de Vicentis Rocha na formação do Setor de Artes Plásticas dentro do Hospital psiquiátrico de Juqueri, o qual ficou conhecido como Escola Livre de Artes Plásticas em 1956. O estudo de documentos como livros, artigos de jornal, cartas e fotos possibilitaram a identificação e descrição das atividades artísticas nesse setor e a compreensão do diálogo entre saúde e arte promovido dos anos 1930 aos anos 50 pelo médico, intelectual e crítico de arte Osório Thaumaturgo Cesar. As entrevistas realizadas com parentes e amigos do artista Moacyr Rocha e estudiosos do assunto permitiram a construção de uma narrativa sobre a maneira como os artistas compreendiam o trabalho de artes no ambiente hospitalar. Os resultados mostraram a responsabilidade dos artistas na formação do ateliê no espaço hospitalar, pois ao trazerem os materiais mais apropriados para a realização das atividades, ao ensinarem a linguagem do desenho, pintura, gravura, escultura e cerâmica aos alienados, ao instaurarem um espaço expositivo dentro da seção de artes, eles mostraram que a produção dos alienados, incentivada inicialmente por psiquiatras, merecia a atenção e dedicação dos profissionais da arte. Os três artistas focalizados neste estudo reconheceram a importância da experiência de ateliê hospitalar para a sua vida profissional, ao concretizarem a possibilidade de conhecer novos meios de criação artística no espaço do hospital psiquiátrico.
Abstract: This study discusses the participation of the visual artists Maria Leontina, Clélia Rocha and Moacyr de Vicentis Rocha in the Arts Sector inside the Juqueri Psychiatric Hospital, that by 1956 became known as the Escola Livre de Artes Plásticas. This is a documentary study using books, newspaper articles, correspondence and photographs that enabled us to identify and describe the artistic activities that were proposed in this sector. This material also helps us understand how Osório Thaumaturgo César, medical doctor, intellectual and art critic, promoted a dialogue between the fields of art and health from the nineteen thirties through the fifties. Interviews with Moacyr Rochas's relatives and friends and with other researchers studying this period enabled us to build a narrative about how the artists understood the making of art within the hospital context. The results demonstrated the artists' role in the development of the art workshop in the hospital setting. As they brought materials that were more appropriate for visual arts productions, as they taught the patients about the language of drawing, painting, printmaking, sculpture and ceramics, as they established exhibition spaces within the Arts Section, they were able to show that the production of the alienated men and women, which at first had been mainly a concern of psychiatrists, was worth the attention and dedication of arts professionals. The three visual artists focused in this study recognized the importance of the experience of a workshop in the hospital for their professional lives as artists, as they promoted new means of artistic creation within the psychiatric hospital setting.
Mestrado
Mestre em Artes

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Dissertations / Theses on the topic 'Arte plástica'

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