Academic literature on the topic 'Arte y simbolismo budista'

Os chamados ídolos de pedra amazônicos, apesar de conhecidos há mais de cem anos, constituem uma categoria de artefatos indígenas sem contexto arqueológico, histórico ou etnográfico. Este artigo apresenta uma primeira análise formal das peças conhecidas e algumas hipóteses sobre a sua função e finalidade. O estilo, os motivos simbólicos e o detalhe funcional de pares de furos idênticos em todos os exemplares sugerem que eles eram parte do instrumental usado nos rituais xamânicos de inalação do paricá e de outras substâncias alucinógenas.

O propósito deste artigo é a interseção (interação) do mito e da religião com a arte, como um celeiro dos verdadeiros símbolos da humanidade. Na concepção de Cassirer, o homem é "um animal simbólico", não apenas o "animal racional" de Aristóteles, pois antes de raciocinar e concatenar idéias em linguagem articulada, o homem gesticula, chora, ri, dança, caminha, canta, come, caça, cozinha, tece, dorme, ama, isto é, atua no mundo, instituindo o que Lévy-Strauss conceituou como o primado da "pré-semiótica". Por esta razão, o estudo dos símbolos das sociedades primitivas é fundamental para a compreensão não só do homem como um ser existencial, ético e estético, mas também das relações que o homem tece com o mundo.

ResumoTendo por campo de investigação o Festival da América do Sul Pantanal (FASP) em 2018, na cidade de Corumbá (Brasil), objetiva-se identificar a materialidade e conceitos que permeiam as manifestações artísticas bidimensionais nesta região de fronteira, a partir da percepção de artistas da Bolívia. A pesquisa se organizou em duas fases: na primeira foi realizado um levantamento em plataformas online de produções acadêmicas em artes visuais, com foco no trabalho bidimensional, utilizando os descritores “arte popular” e “estética latina” resultando em três artigos. Na segunda fase foram selecionados dois trabalhos de uma artista da Bolívia, participante da mostra “Conexão Santa Cruz”, realizada durante o FASP 2018, que foram analisados em seus níveis representacional e simbólico. Pela interpretação das imagens foi possível construir uma leitura sobre a perspectiva da artista a respeito de suas condições culturais dentro da ordenação social em que se encontra situada.Palavras-chave: Artes Visuais. Arte Popular. Arte Regional. América Latina. Representation and symbolism: visual arts on the Brazil/Bolivia frontierAbstractHaving as research field the Festival da América do Sul Pantanal (FASP) in 2018, in the city of Corumbá (Brazil), the objective is to identify the materiality and concepts that permeate the two-dimensional artistic manifestations in this border region, from the perception of artists from Bolivia. The research was organized in two phases: in the first, a survey was carried out on online platforms of academic productions in visual arts, focusing on two-dimensional work, using the descriptors “arte popular” and “estética latina” resulting in three articles. In the second phase, two works were selected by an artist from Bolivia, participating in the exhibition “Conexão Santa Cruz”, held during FASP 2018, which were analyzed at their representational and symbolic levels. Through the interpretation of the images, it was possible to construct a reading on the artist’s perspective regarding her cultural conditions within the social order in which she is located.Keywords: Visual Arts. Folk Art. Regional Art. Latin America.Representación y simbolismo: artes visuales en la frontera de Brasil/BoliviaResumenTeniendo como campo de investigación el Festival de Sudamérica Pantanal (FASP) en 2018, en la ciudad de Corumbá (Brasil), el objetivo es identificar la materialidad y conceptos que permean las manifestaciones artísticas bidimensionales en esta región fronteriza, desde la percepción de artistas de Bolivia. La investigación se organizó en dos fases: en la primera, se realizó una encuesta en plataformas online de producciones académicas en artes visuales, con foco en el trabajo bidimensional, utilizando los descriptores “arte popular” y “estética latina” dando como resultado tres artículos. En la segunda fase, dos obras fueron seleccionadas por un artista de Bolivia, participante de la exposición “Conexão Santa Cruz”, realizada durante FASP 2018, que fueron analizadas en sus niveles representativos y simbólicos. A través de la interpretación de las imágenes, fue posible construir una lectura sobre la perspectiva de la artista sobre sus condiciones culturales dentro del orden social en el que se ubica.Palabras clave: Artes Visuales. Arte Popular. Arte Regional. América Latina.

O artigo, metodologicamente pautado numa análise bibliográfica, apresenta como o filósofo e teólogo Romano Guardini (1885-1968) compreendeu a noção de símbolo. Para tanto, percorre os textos “O espírito da liturgia”, “Os sentidos e o conhecimento religioso” e “O fim dos tempos modernos”. Autor de uma obra ao mesmo tempo vasta e permeada de uma profunda unidade, Guardini trabalhou no horizonte de uma fenomenologia simbólica atenta à dimensão intersubjetiva do conhecimento, oferecendo uma visão que recusa o dualismo e apontando o caminho da percepção do espiritual sempre e apenas através do material. Com isso, o simbólico emerge como um traço que caracteriza um novo momento para o ser humano, com a falência da modernidade. A contribuição de Guardini sobre o tema abre perspectivas para os campos da fenomenologia da experiência religiosa, da teologia fundamental e da teologia da liturgia, bem como dialoga com a antropologia, a arte, a educação e a ecologia.

George Bacovia é um importante poeta romeno, inicialmente classificado pela crítica literária no movimento simbolista. O presente trabalho busca trazer à tona as influências da poética decadente na poesia de Bacovia, no intuito de fazer um contraponto à sua tradicional vinculação ao simbolismo. Em especial, destaca-se a presença da poesia decadente francesa na obra do poeta romeno.

Este artículo se configura a partir de lo fecundo que resulta la distinción de Susanne Langer (EE.UU. 1895-1985) en torno a la posibilidad de un simbolismo no discursivo. Más allá de la comunicación como articulador de sentido, hay otras formas no discursivas que permiten una simbolización significante; estas son el mito, el rito, el sueño y el arte. De una forma introductoria, abordamos el simbolismo no-discursivo como un campo abierto de significación, desde donde es posible acceder a la expresión y la significación más allá del lenguaje discursivo. En este rescate, la metáfora aparece como un elemento dotado de riqueza y proyección epistemológica. El objetivo de este artículo es demarcar la idea de un simbolismo no discursivo para ampliar la idea de mente en los paradigmas epistemológicos vigentes. Como metodología, se presentan premisas filosóficas para construir un argumento que valide un simbolismo no discursivo con su propia legitimidad y deriva teórica.

A Fenomenologia do Espírito de Hegel não é ainda o lugar específico da posição de sua filosofia da arte propriamente dita. Entretanto, é possível compreender a relação sistemática entre alguns conceitos fundamentais desta obra de 1807 e a concepção hegeliana de arte da maturidade. A partir desta relação, destacaremos em nossa interpretação três diferentes e complementares teses: 1. Da obra de arte como produto ideal do trabalho do espírito (Geist); 2. Do simbolismo da religião natural como produto do trabalho do artesão à beleza da religião da arte; 3. Da necessidade do oráculo à subjetividade concreta do ator de teatro.

Este ensaio pretende refletir sobre alguns processos de tradução de obras picturais transpostas para textos críticos e literários. O processo de transposição escrita da pintura será examinado segundo uma análise do discurso sobre arte produzido pelo escritor e crítico brasileiro Gonzaga Duque (1863-1911) e pelo romancista e também crítico de arte francês Joris-Karl Huysmans (1848-1907). O objetivo é o de mapear, através de obras dos pintores Matthias Grünewald (1470-1528) e Félicien Rops (1833-1898), alguns modos de transferência entre a arte pictórica e os textos críticos e literários, tomando-se por base, sobretudo, os estudos de Françoise Lucbert.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:26Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-08-31Bitstream added on 2014-06-13T20:09:32Z : No. of bitstreams: 1 sciuto_b_me_ia.pdf: 558225 bytes, checksum: 7dc2aee3fb682e1e7b6fbd6c884cbe17 (MD5)
Universidade Estadual Paulista (UNESP)
Neste trabalho tratei de escrever e analisar a história do núcleo de arte/educação do Projeto Makiguti em Ação, entendendo-o como parte integrante de minha própria história. Através de informações, documentos e da memória de voluntários do projeto, essa história foi sendo construída. Pela sua analise, pretendi responder a algumas dúvidas e inquietações, geradas durante a minha participação no projeto. Quais são as relações existentes entre a arte e o artesanato? Como se caracteriza uma prática educacional que visa à criação de valores humanos? Qual a contribuição da filosofia budista para esse fazer educacional? Essas são algumas questões discutidas nessa dissertação. O núcleo nasceu, desenvolveu-se e por fim foi dissolvido em 2009, dentro do contexto de um programa educacional gerido pela Coordenadoria Educacional da Associação Brasil Soka Gakkai internacional (BSGI). Uma associação de leigos, praticantes do Budismo de Nitiren Daishonin, que tem como metas a paz, a cultura e a educação. Para o núcleo de arte/educação, a ligação entre filosofia budista, arte e educação, além de necessária, é indissolúvel de sua própria existência. Assim como para mim não é possível conceber uma educação, sem a criação de valores humanos, a despeito de reconhecer os mistérios envolvidos nessa difícil construção
In this work I could write and analyze the history of art and education nucleus from Makiguti in Action project that is part of my own history. This history was built through documents, informations, and project volunteers‘ memories. Analyzing it I could answer some doubts and concerns that had been grown in my mind during my participation in this project such as: What are the relations between art and craft? How is characterized an educational practice that aims the creation of human values? What is the contribution of Buddhist philosophy to make this education practice? These are some issues discussed in this dissertation. The nucleus was born, was developed and finally was dissolved in 2009, in the context of an educational program managed by the Educational Coordination from the association Brazilian Soka Gakkai International (BSGI) that is an association of lay practitioners of Nitiren Daishonin Buddhism, which the goals are peace, culture and education. From the of art and education Makiguti nucleus‘ point of view the connection between the buddhist philosophy and art / education it is necessary and inseparable from its own existence. In my opinion it is not possible to conceive an education without the creation of human values, despite the fact that there are lots of mysteries involving this difficult construction

Orientador: Luiza Helena da Silva Christov
Banca: Rita de Cássia Franco de Souza Antunes
Banca: Eliane Bambini Gorgueira Bruno
Resumo: Neste trabalho tratei de escrever e analisar a história do núcleo de arte/educação do Projeto Makiguti em Ação, entendendo-o como parte integrante de minha própria história. Através de informações, documentos e da memória de voluntários do projeto, essa história foi sendo construída. Pela sua analise, pretendi responder a algumas dúvidas e inquietações, geradas durante a minha participação no projeto. Quais são as relações existentes entre a arte e o artesanato? Como se caracteriza uma prática educacional que visa à criação de valores humanos? Qual a contribuição da filosofia budista para esse fazer educacional? Essas são algumas questões discutidas nessa dissertação. O núcleo nasceu, desenvolveu-se e por fim foi dissolvido em 2009, dentro do contexto de um programa educacional gerido pela Coordenadoria Educacional da Associação Brasil Soka Gakkai internacional (BSGI). Uma associação de leigos, praticantes do Budismo de Nitiren Daishonin, que tem como metas a paz, a cultura e a educação. Para o núcleo de arte/educação, a ligação entre filosofia budista, arte e educação, além de necessária, é indissolúvel de sua própria existência. Assim como para mim não é possível conceber uma educação, sem a criação de valores humanos, a despeito de reconhecer os mistérios envolvidos nessa difícil construção
Abstract: In this work I could write and analyze the history of art and education nucleus from Makiguti in Action project that is part of my own history. This history was built through documents, informations, and project volunteers' memories. Analyzing it I could answer some doubts and concerns that had been grown in my mind during my participation in this project such as: What are the relations between art and craft? How is characterized an educational practice that aims the creation of human values? What is the contribution of Buddhist philosophy to make this education practice? These are some issues discussed in this dissertation. The nucleus was born, was developed and finally was dissolved in 2009, in the context of an educational program managed by the Educational Coordination from the association Brazilian Soka Gakkai International (BSGI) that is an association of lay practitioners of Nitiren Daishonin Buddhism, which the goals are peace, culture and education. From the of art and education Makiguti nucleus' point of view the connection between the buddhist philosophy and art / education it is necessary and inseparable from its own existence. In my opinion it is not possible to conceive an education without the creation of human values, despite the fact that there are lots of mysteries involving this difficult construction
Mestre

O budismo, como o xintoísmo, é um dos alicerces religiosos da sociedade japonesa. Sua grande propagação no Japão dependeu muito da importação e enorme produção de imagens budistas que não se restringem apenas a representações do buda histórico. Por aproximadamente treze séculos, o estilo das estátuas búdicas passou por transformações que buscavam um estilo próprio japonês, atingindo o seu auge no período Heian (794~1185). Este trabalho é uma apresentação dessas transformações estilísticas e segue uma metodologia que visa a cercar o objeto \"escultura budista japonesa\" em todos os seus ângulos, a saber, abrangendo templos, técnicas e materiais, sua relação com a história do Japão, as doutrinas budista e xintoísta e a categoria das imagens.
Buddhism is one of the religious pillars of Japanese society together with Shintoism. The large Buddhist propagation on Japan depended very much on the importation and the big production of Buddhist statues which were not only representations of the historic Buddha. For about thirteen centuries, the statues style suffered changes that searched for a proper Japanese style and attained its peak on Heian period. This work is a presentation of those stylistics changes and follows a methodology that intends to approach the object \"Japanese Buddhist sculpture\" from all angles, which is to say, it comprehends temples, techniques and raw materials, its relation with Japanese history, Buddhist and Shintoist preachings and image categories.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas. Programa de Pós-Graduação em História
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Orientador: Nelson Alfredo Aguilar
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
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Resumo: A proposta desta tese é realizar uma compreensão das obras do período futurista de Umberto Boccioni (1882-1916) a partir de um estudo da trajetória estética de seus desenhos, identificando as diversas influências sofridas pelo artista. Procuraremos estudar os diversos momentos do desenho e da obra gráfica do artista, reconhecendo as influências que nortearam seus estudos sobre a concepção da forma plástica, permitindo uma compreensão mais apurada da poética de Boccioni. A presença da Antigüidade clássica, do Renascimento italiano, do Art Nouveau, do Expressionismo e do Simbolismo nos desenhos de Boccioni nos permitirá identificar a amplitude de sua estética, bem como reconhecer, na fase futurista do artista, o amadurecimento de muitos conceitos e idéias que surgiram em seus desenhos, como a preocupação com a linha, o espaço, a luz, o ambiente, e principalmente, o estudo e a apreensão do movimento humano
Abstract: The main objective of this thesis is to built a comprehension upon the futurist works of Umberto Boccioni (1882-1916) starting from a study of his aesthetical trajectory impressed on his drawings. We want to identify the several influences captured by the artist, studying specific moments of these works, recongnizing then the influences that conducted his studies about the conception of the plastic form. This study intends to establish the basis for a more acurate perception of Boccioni¿s aesthetic. The presence of classic Antiquity, Italian Renascence, Art Nouveau, Expressionism and Simbolism in Boccioni¿s drawings will permit the identification of their complexity and amplitude, as well to recognize, in his futurist phase, the maturing of many concepts and ideas that were born in these drawings, for example, the theories about line, space, light, environment, and mainly, the study and representation of the human movement
Doutorado
Politica, Memoria e Cidade
Doutor em História Social

Mestrado em Línguas, Literaturas e Culturas
O texto foca-se nas espiritualidades cristã e budista, estudadas mediante a análise da arquitetura cristã do estilo gótico e da arquitetura budista das dinastias Tang e Song. O estudo coloca em paralelo o desenvolvimento da religião e da arquitetura, destacando o contexto histórico, as dimensões material e imaterial da arquitectura e as concepções e regras de vida dos praticantes. As práticas monacais cristã e budista dão uma ideia mais profunda das diferenças entre as duas religiões e entre as culturas ocidental e oriental.
The text focus on the comparation between catholic spirit and buddhist spirit. Is used comparative study about the architectures in the representative time: catholic architecture of gothic style; buddhist architecture of dinasty Tang and dinasty Song. The study is finished in many aspects: development of religion and its architecture, historical background, material part and imaterial part of architecture. Every character showed in architectures presents believers’ preferences and concepts. The actual concepts of believers are different from the written ones. Therefore, the result of this study helps us understand these two religions better, and know more about the difference between western culture and eastern culture.

AZEVEDO JUNIOR, Ivanildo Lopes de. Simbolismo e crítica: a experiência musical e suas interpretações. 2015. 134f. – Tese (Doutorado) Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Educação Brasileira, Fortaleza (CE), 2015.
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Rejected by Gustavo Daher (gdaherufc@hotmail.com), reason: on 2017-05-17T17:58:10Z (GMT)
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The thesis consists of the construction and analysis of a debate about the notion of musical experience. Are regimented theses and arguments in order to present and discuss the development of two possible interpretations, about the experience with music. The first called symbolic-transcendental. In light of the philosophy of Ernst Cassirer and Susanne Langer, which employs such an idealistic reading of the musical experience while understanding the music as a logical expression of the universal forms of human feelings. In the second interpretation, built in the material scope of a critical theory of society, especially in the version embodied in the philosophy of Theodor Adorno, the listening experience is fundamentally understood as a social phenomenon. The Adornian Critical Theory seeks to show that music is, among other things, a possible way of presenting the social determinations. After presenting the basic aspects of the two interpretations, their similarities and differences will be confronted in order to be a debate about the musical experience.
A tese consiste na construção e análise de um debate acerca da noção de experiência musical. São arregimentados teses e argumentos no intuito de apresentar e discutir a elaboração de duas interpretações possíveis sobre a experiência com a música. A primeira delas chamamos de simbólico-transcendental. À luz das filosofias de Ernst Cassirer e Susanne Langer, tal interpretação desenvolve uma leitura idealista da experiência musical enquanto compreende a música como expressão lógica das formas universais dos sentimentos humanos. Na segunda interpretação, construída no escopo materialista de uma Teoria Crítica da sociedade, especialmente na versão encarnada na filosofia de Theodor Adorno, a experiência musical é entendida fundamentalmente enquanto fenômeno social. A crítica adorniana procura mostrar que a música é, dentre outras coisas, um modo possível de apresentação das determinações sociais. Após a apresentação dos aspectos básicos das duas interpretações, suas semelhanças e divergências serão confrontadas, de modo a constituir um debate sobre a experiência musical.

El ánimo de esta investigación es de largo aliento, de carácter preliminar, con conclusiones abiertas o inacabadas. Intenta notificar cierto contexto en que vivimos, remitiendo el asunto a la esfera representacional. Este problema trabajará sobre la doble naturaleza de la persona de Cristo referida en sus representaciones. Debido al carácter universal de Cristo, es que lo natural y lo sobrenatural coinciden y permean, así su presencia adquiere un marcado acento ingrávido respecto a la particularidad de lo cotidiano. Desmenucemos esta suerte de fórmula. En primer término, tanto la universalidad y la ingravidez derivan del relato que se conforma en torno a Cristo, un relato que no está exento de polémicas y consecuencias, como veremos más adelante. En segundo término, este relato introduce, en su propia narración, un grado ficcional importante.Advertimos esto al saber que el cristianismo es la historia de la encarnación de Dios y del suplicio de su cuerpo humanizado, de Cristo, y es en Él que se da un modo particular de ser: la mezcla y tensión entre lo natural y lo sobrenatural. La dilucidación de este problema se efectuará en dos ámbitos: el primero referido a la dualidad de Cristo con énfasis en la ingravidez de su corporalidad, trabajada en dos sentidos: el primero tiene que ver con la búsqueda de la trascendencia de la materia desde lo sublime, son escenas que apelan a cierta receptividad de la obra por parte del espectador, y tiene que ver con la generación de cierto ánimo más que con condiciones particulares de la obra; la segunda guarda relación con la obtención de la trascendencia por medio del suplicio de la carne, es un espectáculo que rebosa la particularidad del cuerpo de Cristo. Este primer ámbito lo llamamos Poética de la trascendencia, con sus dos ramificaciones: la escena sublime y la escena grotesca. Se trabajará con ideas de Kant, Lyotard, Kristeva y Hegel, analizando tanto pinturas como películas. El segundo ámbito refiere al trabajo representacional de la doble dimensión de Cristo desde el desmonte de la representabilidad de la figura de Cristo, analizado desde dos frentes: el primero tiene que ver con el desarme efectuado por el arte crítico modernista hacia la estructura de todo metarelato, mientras que el segundo guarda relación con lo que queda por fuera de este desarme del metarelato cristiano. Este segundo ámbito lo denominamos Operatividad barroca, con sus dos aristas: la escena irónica y la escena obscena. Se trabajará con conceptos desarrollados por Barthes, Deleuze y Derrida, analizando pinturas, obra de teatro y películas. Es necesario, antes que todo, analizar los factores históricos-religiosos y la problemática estética particular, especialmente la referida a la diferencia entre la representación clásica y la cristiana. Los dos capítulos siguientes se encargarán de esto.

Orientador: Maria Suely Kofes
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-07-25T18:16:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Matos_SoniaMissagia_D.pdf: 32610292 bytes, checksum: 5a00df7a75e3e9028ce54447c0103043 (MD5) Previous issue date: 1998
Resumo: Este é um estudo sobre gênero na produção artística de peças de cerâmica, em algumas comunidades de artesãos do Vale do Jequitinhonha, situado no Noroeste do Estado de Minas Gerais, Brasil. O Vale do Jequitinhonha é conhecido por manter uma forte tradição na Arte do Barro. Na região, tradicionalmente, apenas as mulheres chamadas "paneleiras" praticavam esse oficio que era transmitido de mãe para filha. Essa produção costumava ser vendida, ou trocada, nas feiras e mercados regionais. Nos anos 70 a Codevale, uma agência de desenvolvimento rural que atuava sob orientação do Governo brasileiro, contratou algumas dessas "paneleiras" para ensinar a arte da cerâmica e passou a comprar toda a produção dos artistas e a colocá-la no mercado mais amplo dos grandes centros urbanos. O desenvolvimento alterou o contexto no qual a arte do bano era produzida e vendida. O impacto se fez sentir, além de nos artefatos produzidos que passaram a incorporar elementos até então estranhos à cultura local, também nas relações sociais. Assim que a arte do barro se tornou uma fonte alternativa de renda, vários homens decidiram entrar para o ofício. Mas a tradição permanece e a arte do barro ainda é um ofício considerado feminino. A entrada de homens na arte do barro tem provocado reelaborações de no sistema simbólico de gênero. Através das histórias de vida dos ceramistas se pode detectar que no universo no qual eles vivem e interagem, a dicotomia masculino-feminino é uma metáfora de poder, de base sexual, para determinar lugares e capacidade de ação para homens e mulheres. Mas, mesmo em lugares assim vemos que essas metáforas não podem ser sobrepostas a homens e mulheres concretos. A vida cotidiana mostra que as pessoas se movimentam entre categorizações masculinizantes e feminilizantes. Aqueles que estão fazendo tal movimento são vistos como se suas ações não contivessem estereótipos de gênero, mas é justamente nesse ponto, onde o modelo de referência é mudado que se pode detectar gênero, não como corporificações fixas, mas como algo em permanente construção. Foi buscando sujeitos concretos, e também ações, artefatos, categorizações, ou seja, mantendo gênero com a referência sexual, mas desnaturalizando sexo que esta pesquisa procurou entender o modo através do qual o simbolismo de gênero estrutura conceitos e relações naquelas comunidades. Através do discurso dos ceramistas se pode observar que gênero funciona em ressonância com várias outras expressões que organizam as experiências diárias daquelas comunidades para produzir a sensibilidade na qual a arte do barro é formada. Como símbolos os artefatos de barro adquirem seus referentes na dinâmica das experiências cotidianas daquelas comunidades e nas experiências de seus criadores. Naqueles artefatos se pode ver que os corpos gendered são performativos, no sentido de que a identidade aparente deles são 'fabricações' manufaturadas e sustentadas por símbolos que estão na superfície desses corpos, e por outros meios dicursivos. Apesar de transmitida por mulheres e ação feminina, a arte do barro tem incorporado valores de masculinidade, sendo que os homens ao se aproximarem de um ofício tradicionalmente feminino passaram a retirar dele recursos simbólicos de representação de masculinidade
Abstract: This is a gender study on the artistic production of ceramic in some of the communities that produced clay art in the Valley of Jequitinhonha's River, in the Northeastern of Minas Gerais, Brazil. This region is well known for preserving a tradition in ceramic art. Traditionally only women, who were called 'potters', produced this kind of craft, which pratice used to be taught from mothers to daugthers. All the production used to be sold or exchanged in local markets or fairs. Date to the 1970s that the rural development agency, called Codevale, under the auspices of the Brazilian government, asked some of these "potters" to teach ceramic art in many of those communities. Codevale started purchasing all the artifacts produced by the artists and placing them in larger markets in urban areas. The development altered the context in which clay art was produced and sold. This impact was felt not only in clay artifacts that incorporated elements that were strange to the local culture, but also in the social relations. As clay art was turned in an alternative source of income men decided to produce ceramic artifacts. But the tradition has remained and it is still considered a feminine task. The entering of men in clay art has caused many reelaborations on gender. By the stories of ceramists' life one can detect that, in the universe in which they live and interact the dichotomy maleness and femaleness is a strong metaphor to determine places and competence of social actions for men and women. But even in places like those one can see that these metaphors can not be overlaid to real men and women. Daily life shows people shifting from a maleness to femaleness reference and vice versa. By the discourses of the ceramists one can also observe that gender functions in resonance with many others expressions that organize the daily experiences of that communities to produce the sensibility in which clay art is formed. And as symbols, the clay artifacts acquire their referents in the dynamic of the daily experiences of those communities and in the experiences of each one of their creators. One can see that in those artifacts the gendered bodies are performatives, in the sense that the identity they claim to be, are 'fabrications' manufactured and sustained through signs that are in their surface and in other discursive means. It was searching for real subjects, and also searching for actions, artifacts, categorizations, in other words, keeping gender in a sexual reference but, denaturalizing sex, that this study looks for the way by which the symbolism of gender frames conceptions and relations in those comunities. Although transmitted by women and by feminine action clay art has been incorporating incorporate maleness values. And at the same time the approaching of men to made possible to them to take off from a specific feminine craft meanings of maleness representation
Doutorado
Doutor em Antropologia Social