Dissertations / Theses: 'Arte y simbolismo budista'

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Sciuto, Bruno [UNESP]. "Filosofia budista, arte, educação e valor: a experiência do Núcleo de Arte Educação do Programa Ação educativa Makiguti." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2012. http://hdl.handle.net/11449/86829.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:26Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-08-31Bitstream added on 2014-06-13T20:09:32Z : No. of bitstreams: 1 sciuto_b_me_ia.pdf: 558225 bytes, checksum: 7dc2aee3fb682e1e7b6fbd6c884cbe17 (MD5)
Universidade Estadual Paulista (UNESP)
Neste trabalho tratei de escrever e analisar a história do núcleo de arte/educação do Projeto Makiguti em Ação, entendendo-o como parte integrante de minha própria história. Através de informações, documentos e da memória de voluntários do projeto, essa história foi sendo construída. Pela sua analise, pretendi responder a algumas dúvidas e inquietações, geradas durante a minha participação no projeto. Quais são as relações existentes entre a arte e o artesanato? Como se caracteriza uma prática educacional que visa à criação de valores humanos? Qual a contribuição da filosofia budista para esse fazer educacional? Essas são algumas questões discutidas nessa dissertação. O núcleo nasceu, desenvolveu-se e por fim foi dissolvido em 2009, dentro do contexto de um programa educacional gerido pela Coordenadoria Educacional da Associação Brasil Soka Gakkai internacional (BSGI). Uma associação de leigos, praticantes do Budismo de Nitiren Daishonin, que tem como metas a paz, a cultura e a educação. Para o núcleo de arte/educação, a ligação entre filosofia budista, arte e educação, além de necessária, é indissolúvel de sua própria existência. Assim como para mim não é possível conceber uma educação, sem a criação de valores humanos, a despeito de reconhecer os mistérios envolvidos nessa difícil construção
In this work I could write and analyze the history of art and education nucleus from Makiguti in Action project that is part of my own history. This history was built through documents, informations, and project volunteers‘ memories. Analyzing it I could answer some doubts and concerns that had been grown in my mind during my participation in this project such as: What are the relations between art and craft? How is characterized an educational practice that aims the creation of human values? What is the contribution of Buddhist philosophy to make this education practice? These are some issues discussed in this dissertation. The nucleus was born, was developed and finally was dissolved in 2009, in the context of an educational program managed by the Educational Coordination from the association Brazilian Soka Gakkai International (BSGI) that is an association of lay practitioners of Nitiren Daishonin Buddhism, which the goals are peace, culture and education. From the of art and education Makiguti nucleus‘ point of view the connection between the buddhist philosophy and art / education it is necessary and inseparable from its own existence. In my opinion it is not possible to conceive an education without the creation of human values, despite the fact that there are lots of mysteries involving this difficult construction

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Sciuto, Bruno. "Filosofia budista, arte, educação e valor : a experiência do Núcleo de Arte Educação do Programa "Ação educativa Makiguti" /." São Paulo : [s.n.], 2012. http://hdl.handle.net/11449/86829.

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Abstract:

Orientador: Luiza Helena da Silva Christov
Banca: Rita de Cássia Franco de Souza Antunes
Banca: Eliane Bambini Gorgueira Bruno
Resumo: Neste trabalho tratei de escrever e analisar a história do núcleo de arte/educação do Projeto Makiguti em Ação, entendendo-o como parte integrante de minha própria história. Através de informações, documentos e da memória de voluntários do projeto, essa história foi sendo construída. Pela sua analise, pretendi responder a algumas dúvidas e inquietações, geradas durante a minha participação no projeto. Quais são as relações existentes entre a arte e o artesanato? Como se caracteriza uma prática educacional que visa à criação de valores humanos? Qual a contribuição da filosofia budista para esse fazer educacional? Essas são algumas questões discutidas nessa dissertação. O núcleo nasceu, desenvolveu-se e por fim foi dissolvido em 2009, dentro do contexto de um programa educacional gerido pela Coordenadoria Educacional da Associação Brasil Soka Gakkai internacional (BSGI). Uma associação de leigos, praticantes do Budismo de Nitiren Daishonin, que tem como metas a paz, a cultura e a educação. Para o núcleo de arte/educação, a ligação entre filosofia budista, arte e educação, além de necessária, é indissolúvel de sua própria existência. Assim como para mim não é possível conceber uma educação, sem a criação de valores humanos, a despeito de reconhecer os mistérios envolvidos nessa difícil construção
Abstract: In this work I could write and analyze the history of art and education nucleus from Makiguti in Action project that is part of my own history. This history was built through documents, informations, and project volunteers' memories. Analyzing it I could answer some doubts and concerns that had been grown in my mind during my participation in this project such as: What are the relations between art and craft? How is characterized an educational practice that aims the creation of human values? What is the contribution of Buddhist philosophy to make this education practice? These are some issues discussed in this dissertation. The nucleus was born, was developed and finally was dissolved in 2009, in the context of an educational program managed by the Educational Coordination from the association Brazilian Soka Gakkai International (BSGI) that is an association of lay practitioners of Nitiren Daishonin Buddhism, which the goals are peace, culture and education. From the of art and education Makiguti nucleus' point of view the connection between the buddhist philosophy and art / education it is necessary and inseparable from its own existence. In my opinion it is not possible to conceive an education without the creation of human values, despite the fact that there are lots of mysteries involving this difficult construction
Mestre

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Chamas, Fernando Carlos. "A escultura budista japonesa até o período Fujiwara (552 -1185): a arte da iluminação." Universidade de São Paulo, 2006. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8157/tde-09112007-150941/.

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Abstract:

O budismo, como o xintoísmo, é um dos alicerces religiosos da sociedade japonesa. Sua grande propagação no Japão dependeu muito da importação e enorme produção de imagens budistas que não se restringem apenas a representações do buda histórico. Por aproximadamente treze séculos, o estilo das estátuas búdicas passou por transformações que buscavam um estilo próprio japonês, atingindo o seu auge no período Heian (794~1185). Este trabalho é uma apresentação dessas transformações estilísticas e segue uma metodologia que visa a cercar o objeto \"escultura budista japonesa\" em todos os seus ângulos, a saber, abrangendo templos, técnicas e materiais, sua relação com a história do Japão, as doutrinas budista e xintoísta e a categoria das imagens.
Buddhism is one of the religious pillars of Japanese society together with Shintoism. The large Buddhist propagation on Japan depended very much on the importation and the big production of Buddhist statues which were not only representations of the historic Buddha. For about thirteen centuries, the statues style suffered changes that searched for a proper Japanese style and attained its peak on Heian period. This work is a presentation of those stylistics changes and follows a methodology that intends to approach the object \"Japanese Buddhist sculpture\" from all angles, which is to say, it comprehends temples, techniques and raw materials, its relation with Japanese history, Buddhist and Shintoist preachings and image categories.

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Vieira, Edna Elza. "Simbolismo e reelaboração na cultura material dos Xokleng." Florianópolis, SC, 2004. http://repositorio.ufsc.br/xmlui/handle/123456789/87682.

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Abstract:

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Filosofia e Ciências Humanas. Programa de Pós-Graduação em História
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Wiesse, Rebagliati Juan Pablo. "El símbolo de la espiral en el arte como forma recurrente en visiones y ritos ancestrales." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.12404/15463.

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Bortulucce, Vanessa Beatriz. "Do simbolismo ao futurismo : o desenho na obra de Umberto Boccioni." [s.n.], 2005. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/279877.

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Abstract:

Orientador: Nelson Alfredo Aguilar
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-05T04:29:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bortulucce_VanessaBeatriz_D.pdf: 47004914 bytes, checksum: 4a958d3a9a2ade153124b4a6e962c118 (MD5) Previous issue date: 2005
Resumo: A proposta desta tese é realizar uma compreensão das obras do período futurista de Umberto Boccioni (1882-1916) a partir de um estudo da trajetória estética de seus desenhos, identificando as diversas influências sofridas pelo artista. Procuraremos estudar os diversos momentos do desenho e da obra gráfica do artista, reconhecendo as influências que nortearam seus estudos sobre a concepção da forma plástica, permitindo uma compreensão mais apurada da poética de Boccioni. A presença da Antigüidade clássica, do Renascimento italiano, do Art Nouveau, do Expressionismo e do Simbolismo nos desenhos de Boccioni nos permitirá identificar a amplitude de sua estética, bem como reconhecer, na fase futurista do artista, o amadurecimento de muitos conceitos e idéias que surgiram em seus desenhos, como a preocupação com a linha, o espaço, a luz, o ambiente, e principalmente, o estudo e a apreensão do movimento humano
Abstract: The main objective of this thesis is to built a comprehension upon the futurist works of Umberto Boccioni (1882-1916) starting from a study of his aesthetical trajectory impressed on his drawings. We want to identify the several influences captured by the artist, studying specific moments of these works, recongnizing then the influences that conducted his studies about the conception of the plastic form. This study intends to establish the basis for a more acurate perception of Boccioni¿s aesthetic. The presence of classic Antiquity, Italian Renascence, Art Nouveau, Expressionism and Simbolism in Boccioni¿s drawings will permit the identification of their complexity and amplitude, as well to recognize, in his futurist phase, the maturing of many concepts and ideas that were born in these drawings, for example, the theories about line, space, light, environment, and mainly, the study and representation of the human movement
Doutorado
Politica, Memoria e Cidade
Doutor em História Social

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Fan, Zhongpu. "Arquiteturas cristã e budista no período Gótico: estudo comparativo." Master's thesis, Universidade de Aveiro, 2016. http://hdl.handle.net/10773/22162.

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Abstract:

Mestrado em Línguas, Literaturas e Culturas
O texto foca-se nas espiritualidades cristã e budista, estudadas mediante a análise da arquitetura cristã do estilo gótico e da arquitetura budista das dinastias Tang e Song. O estudo coloca em paralelo o desenvolvimento da religião e da arquitetura, destacando o contexto histórico, as dimensões material e imaterial da arquitectura e as concepções e regras de vida dos praticantes. As práticas monacais cristã e budista dão uma ideia mais profunda das diferenças entre as duas religiões e entre as culturas ocidental e oriental.
The text focus on the comparation between catholic spirit and buddhist spirit. Is used comparative study about the architectures in the representative time: catholic architecture of gothic style; buddhist architecture of dinasty Tang and dinasty Song. The study is finished in many aspects: development of religion and its architecture, historical background, material part and imaterial part of architecture. Every character showed in architectures presents believers’ preferences and concepts. The actual concepts of believers are different from the written ones. Therefore, the result of this study helps us understand these two religions better, and know more about the difference between western culture and eastern culture.

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Azevedo, Júnior Ivânio Lopes de. "Simbolismo e crítica: a experiência musical e suas interpretações." reponame:Repositório Institucional da UFC, 2015. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/22776.

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Abstract:

AZEVEDO JUNIOR, Ivanildo Lopes de. Simbolismo e crítica: a experiência musical e suas interpretações. 2015. 134f. – Tese (Doutorado) Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Educação Brasileira, Fortaleza (CE), 2015.
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Rejected by Gustavo Daher (gdaherufc@hotmail.com), reason: on 2017-05-17T17:58:10Z (GMT)
Submitted by Gustavo Daher (gdaherufc@hotmail.com) on 2017-05-17T18:00:28Z No. of bitstreams: 1 2015_tese_ilazevedojunior.pdf: 960955 bytes, checksum: ca0f45db9cd68728eef03eca1d216046 (MD5)
Approved for entry into archive by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2017-05-18T12:05:11Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_tese_ilazevedojunior.pdf: 960955 bytes, checksum: ca0f45db9cd68728eef03eca1d216046 (MD5)
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The thesis consists of the construction and analysis of a debate about the notion of musical experience. Are regimented theses and arguments in order to present and discuss the development of two possible interpretations, about the experience with music. The first called symbolic-transcendental. In light of the philosophy of Ernst Cassirer and Susanne Langer, which employs such an idealistic reading of the musical experience while understanding the music as a logical expression of the universal forms of human feelings. In the second interpretation, built in the material scope of a critical theory of society, especially in the version embodied in the philosophy of Theodor Adorno, the listening experience is fundamentally understood as a social phenomenon. The Adornian Critical Theory seeks to show that music is, among other things, a possible way of presenting the social determinations. After presenting the basic aspects of the two interpretations, their similarities and differences will be confronted in order to be a debate about the musical experience.
A tese consiste na construção e análise de um debate acerca da noção de experiência musical. São arregimentados teses e argumentos no intuito de apresentar e discutir a elaboração de duas interpretações possíveis sobre a experiência com a música. A primeira delas chamamos de simbólico-transcendental. À luz das filosofias de Ernst Cassirer e Susanne Langer, tal interpretação desenvolve uma leitura idealista da experiência musical enquanto compreende a música como expressão lógica das formas universais dos sentimentos humanos. Na segunda interpretação, construída no escopo materialista de uma Teoria Crítica da sociedade, especialmente na versão encarnada na filosofia de Theodor Adorno, a experiência musical é entendida fundamentalmente enquanto fenômeno social. A crítica adorniana procura mostrar que a música é, dentre outras coisas, um modo possível de apresentação das determinações sociais. Após a apresentação dos aspectos básicos das duas interpretações, suas semelhanças e divergências serão confrontadas, de modo a constituir um debate sobre a experiência musical.

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Arellano, Galgani Patricia Ivette. "Poética de la trascendencia y operatividad barroca — análisis estético de la doble dimensión de Cristo." Tesis, Universidad de Chile, 2011. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/101547.

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Abstract:

El ánimo de esta investigación es de largo aliento, de carácter preliminar, con conclusiones abiertas o inacabadas. Intenta notificar cierto contexto en que vivimos, remitiendo el asunto a la esfera representacional. Este problema trabajará sobre la doble naturaleza de la persona de Cristo referida en sus representaciones. Debido al carácter universal de Cristo, es que lo natural y lo sobrenatural coinciden y permean, así su presencia adquiere un marcado acento ingrávido respecto a la particularidad de lo cotidiano. Desmenucemos esta suerte de fórmula. En primer término, tanto la universalidad y la ingravidez derivan del relato que se conforma en torno a Cristo, un relato que no está exento de polémicas y consecuencias, como veremos más adelante. En segundo término, este relato introduce, en su propia narración, un grado ficcional importante.Advertimos esto al saber que el cristianismo es la historia de la encarnación de Dios y del suplicio de su cuerpo humanizado, de Cristo, y es en Él que se da un modo particular de ser: la mezcla y tensión entre lo natural y lo sobrenatural. La dilucidación de este problema se efectuará en dos ámbitos: el primero referido a la dualidad de Cristo con énfasis en la ingravidez de su corporalidad, trabajada en dos sentidos: el primero tiene que ver con la búsqueda de la trascendencia de la materia desde lo sublime, son escenas que apelan a cierta receptividad de la obra por parte del espectador, y tiene que ver con la generación de cierto ánimo más que con condiciones particulares de la obra; la segunda guarda relación con la obtención de la trascendencia por medio del suplicio de la carne, es un espectáculo que rebosa la particularidad del cuerpo de Cristo. Este primer ámbito lo llamamos Poética de la trascendencia, con sus dos ramificaciones: la escena sublime y la escena grotesca. Se trabajará con ideas de Kant, Lyotard, Kristeva y Hegel, analizando tanto pinturas como películas. El segundo ámbito refiere al trabajo representacional de la doble dimensión de Cristo desde el desmonte de la representabilidad de la figura de Cristo, analizado desde dos frentes: el primero tiene que ver con el desarme efectuado por el arte crítico modernista hacia la estructura de todo metarelato, mientras que el segundo guarda relación con lo que queda por fuera de este desarme del metarelato cristiano. Este segundo ámbito lo denominamos Operatividad barroca, con sus dos aristas: la escena irónica y la escena obscena. Se trabajará con conceptos desarrollados por Barthes, Deleuze y Derrida, analizando pinturas, obra de teatro y películas. Es necesario, antes que todo, analizar los factores históricos-religiosos y la problemática estética particular, especialmente la referida a la diferencia entre la representación clásica y la cristiana. Los dos capítulos siguientes se encargarán de esto.

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Matos, Sonia Missagia. "Artefatos de Genero na arte de barro." [s.n.], 1998. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/280701.

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Abstract:

Orientador: Maria Suely Kofes
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas
Made available in DSpace on 2018-07-25T18:16:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Matos_SoniaMissagia_D.pdf: 32610292 bytes, checksum: 5a00df7a75e3e9028ce54447c0103043 (MD5) Previous issue date: 1998
Resumo: Este é um estudo sobre gênero na produção artística de peças de cerâmica, em algumas comunidades de artesãos do Vale do Jequitinhonha, situado no Noroeste do Estado de Minas Gerais, Brasil. O Vale do Jequitinhonha é conhecido por manter uma forte tradição na Arte do Barro. Na região, tradicionalmente, apenas as mulheres chamadas "paneleiras" praticavam esse oficio que era transmitido de mãe para filha. Essa produção costumava ser vendida, ou trocada, nas feiras e mercados regionais. Nos anos 70 a Codevale, uma agência de desenvolvimento rural que atuava sob orientação do Governo brasileiro, contratou algumas dessas "paneleiras" para ensinar a arte da cerâmica e passou a comprar toda a produção dos artistas e a colocá-la no mercado mais amplo dos grandes centros urbanos. O desenvolvimento alterou o contexto no qual a arte do bano era produzida e vendida. O impacto se fez sentir, além de nos artefatos produzidos que passaram a incorporar elementos até então estranhos à cultura local, também nas relações sociais. Assim que a arte do barro se tornou uma fonte alternativa de renda, vários homens decidiram entrar para o ofício. Mas a tradição permanece e a arte do barro ainda é um ofício considerado feminino. A entrada de homens na arte do barro tem provocado reelaborações de no sistema simbólico de gênero. Através das histórias de vida dos ceramistas se pode detectar que no universo no qual eles vivem e interagem, a dicotomia masculino-feminino é uma metáfora de poder, de base sexual, para determinar lugares e capacidade de ação para homens e mulheres. Mas, mesmo em lugares assim vemos que essas metáforas não podem ser sobrepostas a homens e mulheres concretos. A vida cotidiana mostra que as pessoas se movimentam entre categorizações masculinizantes e feminilizantes. Aqueles que estão fazendo tal movimento são vistos como se suas ações não contivessem estereótipos de gênero, mas é justamente nesse ponto, onde o modelo de referência é mudado que se pode detectar gênero, não como corporificações fixas, mas como algo em permanente construção. Foi buscando sujeitos concretos, e também ações, artefatos, categorizações, ou seja, mantendo gênero com a referência sexual, mas desnaturalizando sexo que esta pesquisa procurou entender o modo através do qual o simbolismo de gênero estrutura conceitos e relações naquelas comunidades. Através do discurso dos ceramistas se pode observar que gênero funciona em ressonância com várias outras expressões que organizam as experiências diárias daquelas comunidades para produzir a sensibilidade na qual a arte do barro é formada. Como símbolos os artefatos de barro adquirem seus referentes na dinâmica das experiências cotidianas daquelas comunidades e nas experiências de seus criadores. Naqueles artefatos se pode ver que os corpos gendered são performativos, no sentido de que a identidade aparente deles são 'fabricações' manufaturadas e sustentadas por símbolos que estão na superfície desses corpos, e por outros meios dicursivos. Apesar de transmitida por mulheres e ação feminina, a arte do barro tem incorporado valores de masculinidade, sendo que os homens ao se aproximarem de um ofício tradicionalmente feminino passaram a retirar dele recursos simbólicos de representação de masculinidade
Abstract: This is a gender study on the artistic production of ceramic in some of the communities that produced clay art in the Valley of Jequitinhonha's River, in the Northeastern of Minas Gerais, Brazil. This region is well known for preserving a tradition in ceramic art. Traditionally only women, who were called 'potters', produced this kind of craft, which pratice used to be taught from mothers to daugthers. All the production used to be sold or exchanged in local markets or fairs. Date to the 1970s that the rural development agency, called Codevale, under the auspices of the Brazilian government, asked some of these "potters" to teach ceramic art in many of those communities. Codevale started purchasing all the artifacts produced by the artists and placing them in larger markets in urban areas. The development altered the context in which clay art was produced and sold. This impact was felt not only in clay artifacts that incorporated elements that were strange to the local culture, but also in the social relations. As clay art was turned in an alternative source of income men decided to produce ceramic artifacts. But the tradition has remained and it is still considered a feminine task. The entering of men in clay art has caused many reelaborations on gender. By the stories of ceramists' life one can detect that, in the universe in which they live and interact the dichotomy maleness and femaleness is a strong metaphor to determine places and competence of social actions for men and women. But even in places like those one can see that these metaphors can not be overlaid to real men and women. Daily life shows people shifting from a maleness to femaleness reference and vice versa. By the discourses of the ceramists one can also observe that gender functions in resonance with many others expressions that organize the daily experiences of that communities to produce the sensibility in which clay art is formed. And as symbols, the clay artifacts acquire their referents in the dynamic of the daily experiences of those communities and in the experiences of each one of their creators. One can see that in those artifacts the gendered bodies are performatives, in the sense that the identity they claim to be, are 'fabrications' manufactured and sustained through signs that are in their surface and in other discursive means. It was searching for real subjects, and also searching for actions, artifacts, categorizations, in other words, keeping gender in a sexual reference but, denaturalizing sex, that this study looks for the way by which the symbolism of gender frames conceptions and relations in those comunities. Although transmitted by women and by feminine action clay art has been incorporating incorporate maleness values. And at the same time the approaching of men to made possible to them to take off from a specific feminine craft meanings of maleness representation
Doutorado
Doutor em Antropologia Social

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Florián, Mariño Carmen Fabiola. "El arte de Jose María Eguren: poesía y pintura – límites de lo inimaginado." Master's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2018. https://hdl.handle.net/20.500.12672/10434.

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Abstract:

Abarca las principales figuras y símbolos de la poesía de José María Eguren, que también se ven reflejadas en sus pinturas, acuarelas y óleos conservados en la actualidad en la Biblioteca Nacional del Perú, con el nombre de Colección Eguren. Con este estudio se descubrirán incógnitas y se hallarán algunas respuestas que vinculen su poesía con su pintura; más allá de esto, el inimaginable poder de la palabra y la creación; y por otro lado el color y la expresión artística figurativa y pictórica del autor que estudiaremos. Realiza una observación generalizada de la persona que fue Euguren, con alcances biográficos y detalles que hemos obtenido en esta investigación, como producto de la revisión hecha de los objetos donados por su sobrina nieta, Doña Teresa Berninzon Eguren de De Abreu, además de lo publicado por diferentes estudiosos de su poesía. Se aborda la poesía de Eguren en sí, clarificando las influencias que tuvo y las que alcancemos a conocer; de igual manera se entra someramente en su temática, y el respaldo de un breve análisis de sus figuras para amparar nuestra hipótesis de la conexión exclusiva entre su poesía y su pintura. Se revisan las notas que relacionen y teoricen la presentación de nuestro problema, ingresando al conocimiento de la écfrasis en su poesía, para relacionarla con su pintura; la cual veremos en diez de sus poemas: Las Torres, (Simbólicas, 1911); Syhna La Blanca (Simbólicas, 1911); La Niña de la Lámpara Azul. (La canción de las figuras, 1916); Nocturno. (La canción de las figuras, 1916); La muerte del árbol (La canción de las figuras, 1916); Elegía al mar (La canción de las figuras, 1916); Las Niñas de Luz (La canción de las figuras, 1916); Fantasía (La canción de las figuras, 1916); Los Sueños (La canción de las figuras, 1916) y por último El Andarín de la Noche (La canción de las figuras, 1916). Se constrasta todo ello en sus palabras con los colores y lo mostrado en las pinturas.
Tesis

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Cárdenas, Rodriguez Adolfo. "El panoptikón 2.0 : redes sociales en la representación del espacio interior de la pintura contemporánea." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2014. http://tesis.pucp.edu.pe/repositorio/handle/123456789/5754.

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Abstract:

Esta tesis es una investigación visual que busca reconocer el impacto de las redes sociales en la representación del espacio interior del sujeto en la pintura contemporánea, para elaborar una reflexión acerca de las diferencias que se manifiestan sobre el plano figurativo en la actualidad. En este contexto la representación del espacio interior como género pictórico se origina en el s. XVII, cuya historia narra a la fecha la mirada entrañada de un observador incansable sobre la intimidad del individuo. Situación que se identifica hoy en día con el hábito de un observador interesado en consumir intimidad ajena, a través del uso de las redes sociales que han facilitado y naturalizado su exhibición cada vez hoy más en el mundo (Facebook). Si esta realidad viene afectando la naturaleza de las relaciones humanas expresado en sus diferentes manifestaciones artísticas, ¿qué cambios viene creando en la representación espacial pictórica de hoy? ¿O será que dicha exhibición -motivada por las redes sociales- esté generando plásticamente ya alguna nueva representación del espacio interior? Este fenómeno actual nos lleva a suponer un cambio o desplazamiento de las formas de representación espacial contemporáneas frente a las tradicionales, descubriéndose mediante un análisis visual critico/comparativo de dos modelos de representación espacial, el tradicional s. XVII-XIX frente a la hipótesis de un modelo contemporáneo -en movimiento- s. XX-XXI visto desde un contexto histórico-temático. Este cuestionamiento tiene como propósito reflexionar sobre el problema o la situación de la representación del "espacio" en medio de esta coyuntura mediática que avasalla nuestra vida cotidiana, acaso importante debido a su ausencia en la reflexión contemporánea. Nos aproximamos así desde un interés generacional, más que encontrar soluciones nos preguntarnos para armar una perspectiva de hacer ver sus dinámicas en el contexto actual.
Tesis

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Castillo, Silva Daniela. "Estudio iconográfico de la serie de pintura quiteña colonial de Alabado — relación imagen y texto como instrumento mnemotécnico." Tesis, Universidad de Chile, 2011. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/101553.

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Abstract:

Esta investigación se centra en demostrar que el programa iconográfico de la serie de pintura quiteña colonial conocida como El Alabado, custodiada en el Monasterio de la Santísima Trinidad ubicado en Santiago, se encuentra en estrecha relación con la oración que se despliega a lo largo de los once lienzos que la componen construyendo un pensado, original y necesario sistema mnemotécnico. Primeramente, se sitúa el contexto histórico al que pertenecen los cuadros a partir de la historiografía latinoamericana y local que se ha ocupado de la pintura colonial –sobre todo quiteña- y el desarrollo de ésta a lo largo del tiempo. A continuación, se aborda la historia y desarrollo del Arte de la Memoria y su introducción en el Nuevo Mundo como herramienta doctrinal, además de tratar la imagen como sistema mixto de comunicación. Finalmente se realiza el análisis iconográfico de la serie estudiada, además de adentrarnos en la procedencia de la oración y la importancia que mantuvo durante la colonia la defensa de la Eucaristía y la virginidad de María, pasando por la relación existente con la serie realizada por Miguel de Santiago y su posible autoría. Concluyendo que el Alabado es un premeditado, innovador y elaborado sistema iconográfico utilizado como un aparato mnemotécnico específico que conjuga la imagen y la palabra para instar a la meditación piadosa

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Rivera, Delgado Perla. "El barroco en Chile. De la dispersión a la unidad: La configuración del dispositivo barroco mediante el estudio de la serie de cuadros de la Vida de San Francisco (1647-1730)." Tesis, Universidad de Chile, 2008. http://www.repositorio.uchile.cl/handle/2250/109783.

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Abstract:

El Barroco como estilo de arte ha generado una prolífera producción historiográfica bajo la mirada de la Historia del Arte y la Crítica Literaria, sin embargo, con la inclusión de nuevos marcos metodológicos, algunos autores como Sarduy, D’ors, Benjamin, Maravall, entre otros, han atisbado en esos trabajos, conceptos, valores, formas y prácticas comunes cuyas formas artísticas no serían sino una proyección alegórica de lo que los sujetos vivieron a fines de la Edad Media y el Renacimiento. En una Europa trastocada por disputas filosóficas, hallazgo de nuevos territorios, y reformas religiosas, el descubrimiento de América constituyó la inserción de un nuevo actor en la historia que, siendo el blanco de la sistematización que supuso el reordenamiento europeo, a saber, el dispositivo barroco, se habría posicionado no sólo como un sujeto receptor de las prácticas de poder español, sino como un sujeto activo que en una gradual constitución de su identidad, aprehendió los elementos de este barroco-híbrido-europeo para conferirle su propio sello, un barroco americano mestizo. El deslizamiento de límites entre la imposición de la cultura europea y la creación de una nueva identidad americana, sólo habría sido posible por la existencia de un imaginario mestizo-híbrido eclosionado a partir de estas nuevas realidades y puede ser detectado en la pintura, para nuestro caso, La Serie de Cuadros sobre la vida de San Francisco, pues su materialidad y composición revelaría la presencia de dicho imaginario en tanto que emisor y receptor encontrarían ahí su espacio de pugna y encuentro.

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Villegas, Candia Carol. "Representación icónica de la Virgen María en la obra de Francisco Zurbarán y Bartolomé Esteban Murillo." Tesis, Universidad de Chile, 2010. http://www.repositorio.uchile.cl/handle/2250/101303.

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Rodríguez, Ariza Jorge. "El simbolismo de la virgen negra. Aproximación a una construcción cultural." Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2019. http://hdl.handle.net/10803/669936.

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Abstract:

La tesis investiga el fenómeno de las vírgenes negras tratándolo desde el punto de vista de la simbología y la historia del arte pero en concordancia con otras disciplinas que permiten una lectura más amplia de la cuestión, como la himnografía, la restauración artística, la antropología, etc. La primera parte de la tesis efectúa un recorrido a través de todas las hipótesis que han intentado explicar el fenómeno: Las hipótesis empiristas, que solo muestran interés en los aspectos materiales de las tallas; las hipótesis filopaganas, que ven en las vírgenes negras una pervivencia de antiguos cultos precristianos; hipótesis bíblicas, donde se acude a la figura de la amada del Cantar de los cantares para justificar el color negro de las imágenes de la Virgen; hipótesis universalistas, que buscan conciliar las dos anteriores bajo la idea de la existencia de una unidad trascendente de todas religiones, etc. Más allá de esta polarizada discusión - en la cual solo se admite que la virgen negra sea un modelo iconográfico original o bien un mero accidente físico-químico - parece que la interpretación del color negro de las carnaciones de estas tallas debe buscarse en su aparición progresiva y la reflexión religiosa-espiritual que de ella se efectúa. Es decir, el proceso de ennegrecimiento posee un valor simbólico y por ello se dice que la virgen negra, tal y como es conocido en nuestro tiempo, es una “construcción cultural”. Por esta razón se debería poner en duda la restauración de estas tallas que, en muchos casos, ha consistido en devolver a la pieza el color blanco original, borrando así las huellas de su devoción y sus diferentes significados. Esto es necesario en tanto que, aún hoy, las vírgenes negras no sólo continúan vehiculando la devoción de muchos cristianos, sino que además han devenido en nuestra época postmoderna un motivo de reflexión artística, cultural y espiritual para personas de múltiples perfiles, tal y como se muestra en el último capítulo de la primera parte. Como un case study de toda esta interpretación, en la segunda parte de la tesis se propone la catalogación de los ejemplos de vírgenes negras conservados en Catalunya, que suman en total una veintena. En el catálogo se estudian tanto los aspectos materiales, históricos y artísticos como los mitopoyéticos. Éstos últimos son, justamente, los que confieren verdadero valor a la pieza y la convierten en un ejemplo de virgen negra, pues ésta no depende tanto de su aspecto material como de la consideración simbólica de ese color negro en su culto e himnografía. A fin de hacer comprensibles todos los elementos simbólicos de esa mitopoiesis que configuran la metahistoria de las vírgenes negras de catálogo, se ha confeccionado un diccionario de símbolos marianos, el cual constituye la tercera y última parte de la tesis. En él se conjugan textos de la patrística, de la teología medieval y moderna con obras de simbólogos contemporáneos, tanto de la rama de la historia de las religiones, el psicoanálisis y el hermetismo.
This thesis investigates the phenomenon of black virgins from the point of view of symbology and art history but in accordance with other disciplines that allow a wider reading of the issue, such as hymnnography, artistic restoration, anthropology, etc. In the first part of this thesis we expose all the hypotheses that try to explain the phenomenon: The empirical ones, which only care about the material aspects of the sculptures; the philo-pagan hypotheses, which see in the black virgins a survival of ancient pre-Christian cults; Biblical hypotheses, where the figure of the beloved of the Song of Songs is used to justify the black colour of the images of the Virgin; Universalist hypotheses, which seek to reconcile the previous two under the idea of the existence of a transcendent unity of all religions, etc. Beyond this polarized discussion - in which it is only admitted that the black virgin is an original iconographic model or a simple physical-chemical accident - it seems that the interpretation of the black colour of the carnations of these wooden statues should be sought in their progressive appearance and the religious-spiritual reflection that is made of it. That is, the blackening process has a symbolic value and therefore it is said that the black virgin, as it is known in our time, is a “cultural construct”. For this reason, the restoration of these sculptures, which, in many cases, has consisted in returning the original white colour to the piece, thus erasing the traces of their devotion and their different meanings. This is necessary while, even today, the black virgins not only continue to convey the devotion of many christians, but also have become in our postmodern era a motive of artistic, cultural and spiritual reflection for people of multiple profiles, such as It is shown in the last chapter of the first part. As a case study of all this interpretation, the second part of the thesis proposes the cataloguing of the examples of black virgins preserved in Catalonia, which total add twenty pieces. The material, historical and artistic aspects as well as the mitopoietic aspects are studied in the catalogue. The last ones are, precisely, which give the very value to the piece and make it a model of black Virgin’s images, since they do not depend so much on its material aspect but on the symbolic consideration of that black colour in its cult and hymnology. In order to make all the symbolic elements of that mitopoiesis that make up the meta-history of black virgins of the catalogue understandable, a dictionary of Marian symbols has been prepared, which constitutes the third and last part of the thesis. It combines texts of patristics, medieval and modern theology with works on symbology by contemporary scholars both from the branch of the history of religions, psychoanalysis and hermeticism.

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Hitner, Sandra Daige Antunes Correa. "Jheronimus Bosch e "As tentações de Santo Antão" : Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand-MASP." [s.n.], 1998. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284155.

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Abstract:

Orientador: Jose Roberto Teixeira Leite
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-07-24T06:38:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Hitner_SandraDaigeAntunesCorrea_M.pdf: 28836640 bytes, checksum: 2c73157ff280f193651eafe239ded4b7 (MD5) Previous issue date: 1998
Resumo: No informado
Abstract: Not informed.
Mestrado
Mestre em Artes

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Verde, Márquez Georgina Antonieta. "El cóndor en la obra de Julia Codesido." Bachelor's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2015. https://hdl.handle.net/20.500.12672/9263.

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Abstract:

El documento digital no refiere asesor
Publicación a texto completo no autorizada por el autor
Realiza un estudio sobre la obra de Julia Codesido, para reconocer su aporte al arte peruano del siglo XX, referido específicamente, al tema del cóndor, lo que conlleva a analizar de manera minuciosa, las seis obras que la artista plasmó sobre la majestuosa ave, indispensable para mantener el equilibrio biológico del ecosistema. El interés para investigar sobre el cóndor en la obra de Julia Codesido, fue conocer con detalle, un aspecto del trabajo artístico de la pintora, así como precisar y descubrir la relevancia de esta ave, ligada desde épocas pretéritas a la cultura peruana.
Tesis

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Coutinho, Carlos Luciano Silva. "Arquitetura mítica." reponame:Repositório Institucional da UnB, 2010. http://repositorio.unb.br/handle/10482/7019.

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Abstract:

Dissertação (mestrado)-Universidade de Brasília, Faculdade de Arquitetura e Urbanismo, 2010.
Submitted by Shayane Marques Zica (marquacizh@uol.com.br) on 2011-03-03T19:36:48Z No. of bitstreams: 1 2010_CarlosLucianoSilvaCoutinho.pdf: 5860181 bytes, checksum: 30ec7b2ecddccc3139862abb31704da0 (MD5)
Approved for entry into archive by Luanna Maia(luanna@bce.unb.br) on 2011-03-04T15:41:49Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2010_CarlosLucianoSilvaCoutinho.pdf: 5860181 bytes, checksum: 30ec7b2ecddccc3139862abb31704da0 (MD5)
Made available in DSpace on 2011-03-04T15:41:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2010_CarlosLucianoSilvaCoutinho.pdf: 5860181 bytes, checksum: 30ec7b2ecddccc3139862abb31704da0 (MD5)
Pretende-se discutir, neste trabalho, em que medida a mitologia, enquanto estrutura mental, teria sido base para a elaboração de espaços sacralizados, e estes, por sua vez, portadores de significações psíquicas que contribuiriam para o fortalecimento de determinadas posturas filosóficas. Nesse sentido, tanto a literatura quanto a arquitetura serão analisadas como mantenedoras de princípios do entendimento humano acerca de si mesmo no cosmos (re)organizado por suas estruturas profundas. Será indispensável, nesse processo, uma linha comparatística de semiótica da cultura, para se observar convergências e divergências entre mitos distintos no decorrer da história humana, para, com isso, buscar compreender alguns comportamentos causados por tais crenças na vida presente de um fiel. _______________________________________________________________________________ ABSTRACT
It is discussed, in this work, to what extent mythology, as mental structure, would have been the basis for the development of sacred spaces, and these would have psychic meanings which have contributed to the strengthening of certain philosophical attitudes. In this sense, both literature and architecture will be analyzed as maintainers of principles of human understanding about themselves in the cosmos, (re) organized by their deep structures. In this process, it will be indispensable a comparative line of cultural semiotics, to observe similarities and differences among various myths throughout human history, in order to try to understand some behaviors caused by such beliefs in the present life of a believer.

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GAETANO, ELIA SIDDHARTA. "PLINIO NOMELLINI 1866-1943. ICONOGRAFIE DEL LAVORO. DAL REALISMO SOCIALE AL SIMBOLISMO 1885-1908." Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2021. http://hdl.handle.net/10280/97172.

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Abstract:

Il presente studio intende proporre una rilettura originale della pittura di Nomellini, fondata su un percorso critico incentrato sulle iconografie del lavoro. Tale analisi è limitata cronologicamente alla prima fase della sua attività: dagli esordi fiorentini, intorno al 1886, alle partecipazioni alla Biennale di Venezia nelle edizioni del 1907 e del 1909. Si intende così definire un ideale catalogo delle opere dedicate al tema del lavoro capace di ripercorrere e di precisare quell’evoluzione estetico-ideologica già messa in luce da Ragghianti, che aveva portato diversi artisti inizialmente ispirati a ideali sociali umanitaristi dapprima verso una «significazione idealista» di carattere dannunziano e poi all’adesione a un mitografismo nazionalista e «immaginifico». Uno sviluppo che nel caso di Nomellini parte da dipinti che ritraggono i contadini della Maremma secondo una prospettiva sociale umanitaria e con uno stile ancora in bilico tra il naturalismo e la rappresentazione di un nuovo senso della luce, e che trova un provvisorio punto d’arrivo nelle tele genovesi di dichiarata critica sociale, realizzate con la tecnica divisionista. Se la svolta simbolista di Nomellini comporta anche la scomparsa del tema del lavoro dalla sua pittura, l’iconografia del lavoro si ripresenta nuovamente nella produzione nomelliniana del primo decennio del Novecento, trasfigurata però da una nuova prospettiva ideologica tesa a una mitizzazione nazionalista del mondo del lavoro e dei lavoratori e affrontata con un divisionismo ormai maturo.
The present study intends to propose an original reinterpretation of Nomellini's painting, based on a critical path centered on the iconographies of work. This analysis is chronologically limited to the first phase of his activity: from the Florentine beginnings, around 1886, to the participations in the Venice Biennale in the 1907 and 1909 editions. Thus we intend to define an ideal catalog of works dedicated to the theme of work capable of retrace and clarify that aesthetic-ideological evolution already highlighted by Ragghianti, which had led several artists initially inspired by humanitarian social ideals, first towards an "idealist signification" of a D'Annunzian character and then adherence to a nationalist and "imaginative mythography ". A development that in Nomellini's case starts from paintings that portray the peasants of the Maremma according to a humanitarian social perspective and with a style still poised between naturalism and the representation of a new sense of light, and which finds a provisional point of arrival in the Genoese canvases of declared social criticism, made with the pointillist technique. If Nomellini's symbolist turning point also entails the disappearance of the theme of work from his painting, the iconography of work reappears again in Nomellini's production of the first decade of the twentieth century, transfigured, however, by a new ideological perspective aimed at a nationalist mythization of the world of work and workers and faced with a mature divisionism.

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Bogoni, Roberta. "Joan Miró 1922-1942. Interpretación del simbolismo místico de la obra mironiana surrealista." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2016. http://hdl.handle.net/10803/398392.

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Abstract:

La presente tesis expone los resultados de investigación sobre el contenido y simbolismo místicos de la obra mironiana a partir de la detección y la interpretación de los símbolos y códigos de símbolos de rasgo metafísico, religioso, espiritual y mítico del periodo comprendido entre 1922 y 1942. Este periodo cronológico, que toma como punto de partida las interpretaciones del primer cuadro con contenido místico, La masía, involucra las fases de constitución, desarrollo y consolidación de los símbolos y los códigos de símbolos seleccionados, cerrando un ciclo evolutivo cuyo patrones establecidos se instauran definitivamente en la obra mironiana en las décadas posteriores con reiteraciones simbólicas que no manifiestan ulteriores evoluciones desde el punto de vista iconográfico y semiótico. El origen de la tesis se encuentra en la relevancia de algunos resultados de investigación previos, propuestos en la tesis de licenciatura Los dibujos surrealistas de Joan Miró de los años veinte, y en la tesis de Máster La interpretación del simbolismo místico de la obra surrealista de Joan Miró derivados de la oportunidad de efectuar una prolongada investigación en el archivo de la Fundación Joan Miró de Barcelona. Los primeros enfoques en la contextualización y la relación entre las obras mironianas y sus símbolos, han puesto en relieve la naturaleza mística y espiritual de los contenidos y elementos analizados brindando la posibilidad de un análisis interpretativo de la obra de Miró en varios niveles y abriendo camino hacia la indagación del tema místico, en el que hasta ahora se había parcialmente ahondado gracias a las intuiciones de los especialistas a los que se hace referencia en el trabajo. La primera parte de la tesis presenta la reinterpretación del lienzo Paisaje catalán, en el cual, tras la aplicación de un método nombrado de “dislocación de elementos”, se ha detectado un sistema de signos que revela el rasgo espiritual del cuadro y fundamenta nuevas relaciones con los lienzos a este directamente vinculados: La masía y Tierra labrada. El simbolismo místico mironiano expresa conceptos abstractos elaborados plásticamente por Miró, como la condición de libertad del ser, los vínculos entre la realidad tangible e intangible, los movimientos de transición entre estas dos realidades y elevación espiritual experimentados por los seres de la obra y perseguidos por el mismo artista. La interpretación de determinados símbolos, códigos y contenidos místicos y el estudio de sus evoluciones semánticas y formales, determinadas por los procesos de síntesis, asociación, fusión, integración y mutación aplicados por el pintor, están en todo momento respaldados por los hallazgos derivados de la investigación de archivo, los datos de las fuentes secundarias, las declaraciones del artista y sus fuentes de inspiración místico-religiosas, tanto intelectuales como iconográficas y literarias. Vista su relevancia y la cantidad de resultados de investigación inéditos, a las fuentes de inspiración del artista de ámbito literario se ha dedicado el último capítulo. En él se certifica como la vertiente mística indagada no solo concierne al simbolismo y a la obra de Miró sino a la intencionalidad expresiva y al proceso artístico del pintor catalán, comparados, hasta por sus propios contemporáneos, a los de un asceta y un místico.
The present dissertation expounds the research results on the mystic contents and symbolism in Miró's work, based on the detection and interpretation of the symbols and symbol codes of metaphysical, religious, spiritual and mythical traits in the period between 1922 and 1942. This chronological period, which takes as a starting-point the interpretations of the first painting with mystic content, La Masía, involves the phases of constitution, development and consolidation of the selected symbols and symbol codes, completing an evolutionary cycle, whose established models are definitely installed in Miró's work of the later decades, reiterating symbols that do not manifest any further evolution from the iconographic or semiotic point of view.This dissertation started from the relevance of certain results in previous investigation, that were exposed in the licenciate thesis entitled: I disegni surrealisti di Joan Miró degli anni venti (Miro’s Surrealistic Drawings of the 1920s), and in the Master thesis La interpretación del simbolismo místico de la obra surrealista de Joan Miró (The Interpretation of Mystic Symbolism in Joan Miro’s Surrealistic Work). Both are the result of the opportunity to carry out an exhaustive investigation in the archives of the Fundación Joan Miró in Barcelona. Initial focusing on the contextualization and the relation between Miró's work and its symbols have clearly highlighted the mystical and spiritual nature of the contents and elements analyzed, thus offering the possibility of an interpretation of Miró's work on various levels, and thereby leading to research into the topic of mysticism, which up to now has partly been dealt with thanks to the insights of specialists which are referred in this dissertation.The first part of this thesis exposes a reinterpretation of Paisaje catalán canvas, in which, after the application of a method named “dislocation of the elements”, a system of signs that has been detected and that reveals the spiritual features of the painting and substantiates new connections with paintings that are directly linked to it: La masía and Tierra labrada.Miró's mystical symbolism expresses abstract concepts that he elaborated plastically, such as the condition of freedom of any being, the links between the tangible and intangible reality, the movements of transition between these two realities and the spiritual elevation experienced by the beings portrayed in the work and pursued by the author himself. The interpretation of determined mystical symbols, codes and contents and the study of their semantic and formal evolution, determined by the processes of synthesis, association, fusion, integration and mutation applied by the painter, are at any moment backed by findings derived from the archival research, secondary sources data, the artist's statements and his sources of mystical-religious inspiration, intellectual and iconographic as well as literary.Considering the relevance and the amount of unpublished research results, the final chapter has been dedicated to the sources of the artist's inspiration in the context of literature. In this chapter is testified how the mystical aspect not only concerns symbolism and Miró's work, but also the Catalan painter's purposes of expression and his artistic process, which have been compared, even by his contemporaries, to those of an ascetic and mystical character.

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Díaz, Suárez Claudia Mónica. "Hilario Mendivil: tradiciones y aportes a la imaginería religiosa popular." Bachelor's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2013. https://hdl.handle.net/20.500.12672/12332.

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Abstract:

Publicación a texto completo no autorizada por el autor
El documento digital no refiere asesor
Pretende ar a conocer la vasta obra artística de Hilario Mendivil, para así lograr el reconocimiento de un artista notable de la imaginería religiosa popular determinar los antecedentes artísticos que influyeron en su obra. Busca dar a conocer al artista popular que cuenta con una herencia artística familiar, se destacó su participación en actividades culturales, y se mencionó al histórico barrio de San Blas. Expone las tradiciones de la imaginería que deviene del arte colonial que fueron fuentes para Hilario, así como la técnica de la imaginería, se explicó acerca de la tradición cusqueña y en ella se destacó a la Feria del Santuranticuy. Muestra los aportes a la imaginería religiosa a través de los aspectos técnicos y estilísticos del artista; el código visual de las obras se describió en un orden temático, mostrando en cada una de ellas la calidad expresionista; se presentó algo inédito que son las obras firmadas por el artista.
Tesis

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Delgadillo, Cabanillas Virgilio Freddy. "Los Arboles de la vida y de la muerte y la escala mística en la pintura virreinal." Universidad Nacional Mayor de San Marcos. Programa Cybertesis PERÚ, 2010. http://www.cybertesis.edu.pe/sisbib/2010/cabanillas_dv/html/index-frames.html.

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Anjos, Paola Maria Felipe dos. "Cecilia Meireles : o modernismo em tom maior." [s.n.], 1996. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/270341.

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Abstract:

Orientador: Berta Waldman
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Estudos da Linguagem
Made available in DSpace on 2018-07-21T08:22:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Anjos_PaolaMariaFelipedos_M.pdf: 7605579 bytes, checksum: 8be90a6011d281aa865c11878688a8c1 (MD5) Previous issue date: 1996
Resumo: A dissertação apresentada é um estudo do livro Viagem de Cecília Meireles, sob o aspecto da intersecção das raízes simbolistas da autora com o Movimento Modernista, que situa sua obra em um lugar intervalar no contexto literário brasileiro. No encontro das duas tendências mencionadas, observamos uma sensível alteração em seu diálogo com a tradição literária, sobretudo com o Simbolismo. A postura imitativa de padrões estéticos que caracterizava suas obras anteriores transforma-se, em Viagem, em .aprofundada pesquisa no campo da lírica, livre da forma fixa. Por outro lado, a obra acima referida, deixa entrever marcas do Movimento Modernista na expressão da espiritual idade da poeta, que passa a pender para o plano material. A busca da ascese simbolista é substituída por um mergulho no conflito espiritual decorrente do momento voltado para o plano material em que surge essa obra, representado pela incorporação, no âmbito da literatura, de problemas concretos da realidade brasileira, deslocando o enfoque espiritualista até então vigente. Esse movimento propiciou à poesia de Cecília Meireles uma abertura para a manifestação do plano físico em sua obra, criando um espaço para uma maior aproximação com as questões de seu tempo
Abstract: Not informed.
Mestrado
Mestre em Teoria Literaria

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Seyssel, Ricardo. "Um estudo histórico perceptual : a bandeira brasileira sem o Brasil /." São Paulo, 2006. http://hdl.handle.net/11449/99855.

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Abstract:

Orientador: Claudete Ribeiro
Resumo: Este trabalho tem por meta verificar problemas objetivos e subjetivos na concepção e definição da bandeira nacional brasileira e como isto pode afetar ou não, intelectual e culturalmente, os brasileiros. Afora as dificuldades de sua reprodução/manufatura correta, dada sua forma com minúcias - por exemplo: a colocação e tamanho das estrelas, a inclinação exata da faixa branca central e a correta tonalidade do azul -, nossa bandeira certamente apresenta falhas tanto de design e aspectos simbólicos quanto de comunicação e psico-sóciocultural. Esta dissertação pretende determinar o porquê desses problemas, de onde surgiram, como possivelmente afetam as pessoas em geral e oferece uma das possíveis soluções, neste caso uma que pode ser considerada a mais simples. Desta forma, modificando somente um dos elementos básicos do design, a bandeira brasileira ganharia um grande e verdadeiro significado, aproximando-se da sinonímia brasil e da cor brasil e do que a nacionalidade brasil pode significar.
Abstract: The aim of this work is to verify the objective and subjective problems related to the conception and definition of the Brazilian National flag, and how this may affect or not, intellectual and cultural roots of the Brazilian people. Regardless the difficulties in its correct reproducing/manufacturing, for having stamped some details - for instance: the size and the position of the stars, the exact inclination of the central white stripe, the correct blue tone -, surely our flag shows failures both in design and in symbolic, communication and psycho-sociocultural aspects. This dissertation intends to point out the reasons for the referred problems, where they come from, in what way they may influence people in general and offers one suggestion that could correspond to the one of the possible solutions, in this case the one which could be considered the simplest one. Thus, by modifying only one of the basic elements of the design, the Brazilians flag would get a greater and real meaning, getting closer to what the word 'brazil', the colour 'brazil' and the Brazilian nationality can mean.
Mestre

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Alegría, Sabogal José Gabriel. "La imagen del sol que muere." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2017. http://tesis.pucp.edu.pe/repositorio/handle/123456789/12005.

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Abstract:

Esta investigación es un trabajo teórico que busca sustentar una serie pictórica realizada como proyecto universitario de tesis. El orden en el cual los ejes temáticos se irán tratando, busca ir de lo visual hacia lo teórico: a la hora de tratar las obras, la metodología a usarse abordará primero los aspectos netamente visibles e irá progresando hacia los contenidos y motivaciones detrás de las obras. Por consiguiente, la sucesión de temas será: 1. Figuración. 2. Anacronismo y símbolos 3. Lo terrible en la obra de arte El lenguaje empleado es figurativo. Es por ello importante determinar las condiciones y características de la figuración. La narrativa del proyecto es simbólica. Por ello se emprenderá una categorización y estudio de los símbolos internos al proyecto para esclarecer su contenido. Para este objetivo se empleará la perspectiva junguiana. El hecho de que la narrativa del proyecto sea simbólica consiste en sí mismo un anacronismo, al carecer el hombre moderno de las unidades culturales que permitían dicho lenguaje. El anacronismo será por lo tanto otro de los temas tratados. Las temáticas relacionadas a lo terrible y lo sublime afloraron en la obra aquí propuesta de manera no reflexiva. Es por eso que en la última sección, dedicada a lo terrible en la obra de arte, se buscará dar una breve presentación de esta problemática en referentes artísticos tanto como una reflexión personal respecto a la misma.
Tesis

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Cabanillas, Delgadillo Virgilio Freddy. "Los Arboles de la vida y de la muerte y la escala mística en la pintura virreinal." Bachelor's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2010. https://hdl.handle.net/20.500.12672/162.

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Abstract:

Durante el período virreinal de la historia peruana, el arte estuvo principalmente al servicio de la difusión de la fe cristiana. Los templos y conventos de ciudades como Lima, Cusco, Puno, Ayacucho, Arequipa, Cajamarca, Trujillo y Juli, fueron repositorios de multitud de obras en diversos géneros plásticos: escultura, pintura, platería, etc. La producción artística de ese período conforma uno de los conjuntos más ricos del patrimonio cultural del Perú. La investigación que se presenta para obtener el título de magíster en Arte Peruano y Latinoamericano versa sobre un tema específico del arte virreinal: tres cuadros de la Compañía de Jesús, obras de gran complejidad formal e iconográfica, cuyo contenido es de vital importancia para entender varios aspectos de la vida espiritual de los jesuitas de la Lima colonial. Dos de las pinturas conforman un programa, y se encuentran en la antesacristía de la iglesia de San Pedro de Lima. Se titulan Árbol de la vida y sus frutos y Árbol de la muerte y sus frutos. La otra obra estudiada puede denominarse Ascenso del alma hacia Cristo; tanto en sus aspectos formales como en su contenido, tiene una profunda relación con las primeras y se conserva en la capilla de la Penitenciaría del convento jesuita.
Tesis

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Valencia, Vivanco Luis. "Fernando Prats: Una propuesta para el restablecimiento del diálogo entre arte y fe, de un artista chileno contemporáneo." Tesis, Universidad de Chile, 2004. http://www.repositorio.uchile.cl/handle/2250/101375.

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Leite, Beatriz Mori. "O simbolismo do cordeiro na obra pictórica os noivos e os três músicos de Marc Chagall." Universidade Presbiteriana Mackenzie, 2015. http://tede.mackenzie.br/jspui/handle/tede/1933.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:43:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Beatriz Mori Leite.pdf: 11444537 bytes, checksum: e2eb22df6a2e83e22a99a3a667d4ebd9 (MD5) Previous issue date: 2015-02-13
This dissertation presents and analyses the symbol of Marc Chagall The bridegroom and the three musicians", dated in 1972. In this work the symbol is related to the idea of sacrifice as in the part of unconditional love. The analyses of this paint implied in the detailed studies of the artist s life with emphasis in his religious memory. Chagall was born in Russia, Jewish son lived in a traditional Judaic village, in 1887 had begun in the artistic world, in the early 20th century, in 1910, when moved to Paris. His use of symbols allows us to understand more properly his artistic production as well as his personal history. The aim of this study was to identify the relationship between the artist s work of art and the influence he suffered in culture through religious education. Therefore, this research has an interdisciplinary character and fits perfectly in the graduate program of Education, Art and History of Culture at the Mackenzie Presbyterian University. The main references refer to the theories proposed by Jean Paul Ronecker, when referring to the symbolism of the animal in the history of culture and art with contribution of Carl Gustav Jung through the book The man and your symbols . With Theoretical basis in the religious symbolism in the culture, involving Judaism and Christianity were also consulted Anatol Rosenfeld and the Brazilian philosopher Mario Ferreira dos Santos. From a methodological point of view, multiple paths were covered: visits to museums with exhibits of Chagall s works of arts in Brazil and France, as well as interviews with a French artist Jean Claude Pradier and the Brazilian Rabbi Isaac Rabier sharing the same artist Jewish religious line. Interviews were also conducted with Chagall in several stages of his life, acquired in video and audio. It was concluded that in the analysed work, symbolic elements related to Judaism and Christianity, are together as regards to the meanings that refer to human feelings with emphasis in universal love and their relationship with divine love.
Esta dissertação apresenta e analisa o símbolo do cordeiro na obra de Marc Chagall, Os noivos e os três músicos", datado em 1972.Nessa obra, esse símbolo está relacionado à idéia de sacrifício como parte do amor incondicional. A análise dessa pintura implicou no estudo detalhado da vida do artista, com ênfase na sua memória religiosa. Chagall nasceu na Rússia, filho de judeus viveu em uma aldeia tradicionalmente judaica, em 1887 e iniciou-se no mundo artístico no início do século XX, em 1910, quando mudou-se para Paris. O uso que faz dos símbolos permite compreender mais adequadamente sua produção artística, bem como sua trajetória pessoal. O objetivo principal deste estudo foi apontar as relações entre a obra de arte do artista e a influência que sofreu na cultura por meio da educação religiosa. Por isso mesmo, esta pesquisa tem um caráter interdisciplinar e se insere perfeitamente no programa de pós-graduação em Educação, Arte e História da Cultura da Universidade Presbiteriana Mackenzie. As principais referências bibliográficas remetem as teorias propostas por Jean Paul Ronecker, quando se refere ao simbolismo do animal na história da cultura e na arte com as contribuições de Carl Gustav Jung através do livro O homem e seus símbolos. Com base teórica sobre o simbolismo na cultura religiosa, envolvendo o judaísmo e o cristianismo, foram também consultados Anatol Rosenfeld e o filósofo brasileiro Mário Ferreira dos Santos. Do ponto de vista metodológico, vários caminhos foram percorridos: visitas a museus com exposições das obras de arte de Chagall, no Brasil e na França, bem como entrevistas com um artista francês Jean Claude Pradier e o rabino brasileiro Isaac Rabier que compartilha da mesma linha religiosa judaica do artista. Foram também utilizadas entrevistas realizadas com Chagall em diversas fases de sua vida, adquiridas em vídeo e em áudio.Concluiu-se que na obra analisada, elementos simbólicos relacionados ao judaísmo e ao cristianismo, estão juntos no que se refere aos significados que remetem aos sentimentos humanos, com ênfase no amor universal e suas relações com o amor divino.

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Núñez, Alayo Evelyn Mabel. "Memoria colectiva y estructuras simbólicas en el diseño gráfico." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2004. http://tesis.pucp.edu.pe/repositorio/handle/123456789/831.

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Abstract:

Esta investigación plantea una estrategia creativa anclada en la acción simbólica de los signos, para sustentar el acto de creación gráfica y alimentarlo con las representaciones simbólicas de la humanidad y así contribuir a la producción de imágenes que comunican el pensamiento de sí del ser humano, en función de los contextos en los cuales vive. Para ello, la investigación ha enfocado la fenomenología de los símbolos y los distintos niveles en los cuales ésta interviene, con el fin de delimitar significados universales y sus asociaciones formales recurrentes. Durante la exploración de la capacidad de significación simbólica, hemos considerado la tradición simbólica y la búsqueda personal de correspondencias como dos etapas de la investigación, referidos a la documentación y a la creación personal, que –juntas– permitirían hacer funcionar la capacidad reveladora de la imagen simbólica, capaz de proponer la simultaneidad de sentidos y valores de una realidad y darle forma en una imagen gráfica. Se ha sustentado esta propuesta estratégica con una serie de ilustraciones y el relato de sus procesos de creación donde cada imagen se constituye como imagen del mundo. La investigación propone y experimenta una acción simbólica, en una estrategia creativa que se construye en torno a un "propósito cognoscitivo"; lo que da a cada imagen creada la consistencia de un mundo que, si bien puede ser interpretado a través del reconocimiento de las estructuras simbólicas universales, tiene como valor principal la capacidad de ser una expresión única, que desempeñará una serie de funciones en el marco de la comunicación gráfica: una función formativa y cognoscitiva, en el ámbito de lo universal; una función dialógica, con roles mediadores; una función estética, que integra la imagen en un patrimonio artístico cultural; una función comunicativa referencial, que transmite información sobre determinada realidad. Es lo que hemos denominado la "pregnancia simbólica" de una ilustración gráfica, que nos hace llegar al otro con una significación rica en posibilidades exploratorias y expresivas, a la vez que enriquece el acto de comunicación con valores sustantivos para la visión de sí en el mundo del ser humano.
Tesis

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Campos, Hernández Jenny Betsabé, and Hernández Jenny Betsabé Campos. "Iconografía y simbología en las lápidas de párvulos durante el lustro de 1921-1925. Pabellón Santa Irene del Cementerio Presbítero Matías Maestro de Lima." Bachelor's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2017. http://cybertesis.unmsm.edu.pe/handle/cybertesis/6972.

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Abstract:

Publicación a texto completo no autorizada por el autor
Estudia la iconografía y simbología en lápidas de niños, para lo cual se ha tomado como objeto de estudio el pabellón Santa Irene del Cementerio Presbítero Maestro de Lima en el lustro de 1921 a 1925, época que históricamente pertenece a la primera parte del oncenio de Leguía. Demuestra que las lápidas fueron hechas mayoritariamente por escultores anónimos y son de una factura académicamente limitada. Asimismo, que el empleo iconográfico está ligado en su mayoría a asuntos bíblicos. Por otra parte, algunas obras están inspiradas en obras de arte de mayor envergadura. Sostiene que las lápidas de párvulos son obras escultóricas elaboradas por lo general en mármol, realizadas por escultores locales empleando iconografía bíblica.
Tesis

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Villas-Bôas, Alfredo Góes. "Imagem, Imaginário, Arte e Poesia: a transmissão simbólica na cultura; Geraldo Sarno e o documentário sociológico." Instituto de Humanidades, Artes e Ciências - Professor Milton Santos, 2013. http://repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/18202.

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Abstract:

Submitted by Alfredo Villas Boas (villasboasprof@gmail.com) on 2015-11-06T19:13:07Z No. of bitstreams: 1 dissertacao-alfredo-viilas-boas.pdf: 3828184 bytes, checksum: 126e2f547fa03b4623fb450e1f91daa6 (MD5)
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Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado da Bahia - FAPESB
A corrente proposta tem por objetivo tornar perceptível a complexidade dos fenômenos artísticos da produção audiovisual documental no contexto contemporâneo com enfoque na produção cinematográfica de temática sociológica do cineasta Geraldo Sarno, quando da realização de filmes de curta e média metragem tendo como horizonte, expressões da cultura popular sertaneja do Nordeste, suas práxis e processos fundantes do imaginário que acolhe aos sujeitos e lhes cultiva visão de mundo. Demarca-se o período histórico de 1965 – 1971, quando da produção de documentários de Geraldo Sarno em contexto de regime ditatorial militar e de expansão da indústria cultural no Brasil. Explicitar-se-á, em uma abordagem teórica multidisciplinar, que desde a Antiguidade, nas proposições de Platão, a respeito da obra “O Banquete”, quando da designação formal do termo poiésis (poesia), a partir do recurso literário da personagem Diotima, sacerdotisa, figura marginalizada e pouco contemplada nas reflexões críticas, que as representações dos sujeitos antropo-sociais realizadores ao trabalho artístico, na historicidade do Ocidente, são signos de tensões ideológicas que se devolvem historicamente entre disputas de distintas instituições no manejo dos sistemas de significação e figuração para a conservação ou intervenção da ordem. Em crítica da tradição acadêmica centro-européia, procurar-se-á expressar proposições não depreciativas à imagem, ao imaginário, e ao fenômeno tecno-poético das artes figurativas em geral, seus realizadores, e representações sociais do popular, fundamento do simbólico cultural. Para tanto, assume-se a atitude teórica hermenêutica, balizada na antropologia, sociologia, midiologia, filosofia da imagem e da linguagem, história. Os resultados parciais apresentados evocam a interpretação à um cenário de conflituoso jogo de interesses em que o conformismo e a resistência são estratégias de sobrevivência e de articulação de sentido para grupos e indivíduos populares que visam estabelecer para si as convicções que balizam a extensão da realidade em suas crenças. Os sistemas de significação do discurso/texto e de figuração serão enfatizados como meio simbólico para a comunicação e transmissão de idéias e valores ritualizando condutas.
The current proposal aims at making apparent the complexity of the artistic phenomena of documentary audiovisual production in the contemporary context with a focus on film production sociological theme of the filmmaker Geraldo Sarno, upon the realization of short and medium length films, with the horizon, expressions of popular culture backlands of the Northeast, its practice and imagination of the founding process which welcomes the subject and cultivates them worldview. Stands out from the historical period of 1965 - 1971, when the production of documentaries Geraldo Sarno in the context of military dictatorship and expansion of cultural industry in Brazil. The screening of depreciation that academic tradition intended to arts, will explain, in a multidisciplinary theoretical approach, which since ancient times, the propositions of Plato, about the book "The Banquet" at the formal designation of poiesis term (poetry), from the literary device of Diotima character, priestess, marginalized figure and rarely addressed in critical reflections, that the representations of the anthropo-social subjects filmmakers to artwork, the historicity of the West, are signs of ideological tensions that are returned historically dispute between different institutions in the management of systems of meaning and figuring conservation or order intervention. In criticism of the Central European academic tradition, will be made to express not derogatory statements to the image, imaginary, and the techno-poetic phenomenon of figurative arts in general, its directors, and social representations of popular, cultural symbolic foundation. For this, it is assumed the theoretical attitude hermeneutics, buoyed in anthropology, sociology, midiologia, philosophy of image and language, history. Partial results presented evoke the interpretation to a backdrop of conflicting set of interests in which conformism and resistance are survival strategies and direction joint to popular groups and individuals seeking to establish for himself the convictions that guide the extension of reality their beliefs. Meaning systems of speech / text and figuration will be emphasized as a symbolic means of communication and transmission of ideas and values ritualizing conduct.

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Mota, Amanda de Oliveira. "As formas da alma : psicanálise, estética e criação." reponame:Repositório Institucional da UnB, 2018. http://repositorio.unb.br/handle/10482/34170.

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Abstract:

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Psicologia, Programa de Pós-graduação em Psicologia Clínica e Cultura, 2018.
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES).
Este trabalho inscreve-se na tradição psicanalítica e tem como tema a dimensão estética da vida psíquica humana, compreendendo tal dimensão como parte primordial da atividade da psique. Chamamos de dimensão estética todos os aspectos da vida psíquica que se apresentam por meio de formas e/ou de padrões formais. Inclui ritmos corpóreos; aspectos da relação do sujeito com objetos e fenômenos sensoriais, como sons; criação de imagens nos sonhos e brincadeiras infantis, no caso das crianças; aspectos sonoros e poéticos da linguagem; relações do sujeito com os objetos culturais, etc. A partir de observações clínicas da autora desta tese, em interlocução com teorias psicanalíticas que enfatizam tal vértice estético, notou-se que a dimensão estética da vida emocional comparece na clínica psicanalítica, podendo ser um fio condutor central da sustentação do acontecimento clínico. Assim, aspectos não verbais podem ser observados nas comunicações dos pacientes, que comunicam por meio de formas e não de sentidos discursivos. Considerando estes pontos, a partir de três construções de casos clínicos, em contextos diferenciados e variações do setting, este trabalho se propõe a pensar uma mesma questão principal, defendendo que a capacidade do analista de sustentar a comunicação estética presentificada no setting é o que possibilita a transformação das formas da vida emocional do paciente. Antes do desenvolvimento dos casos, contudo, primeiramente é feita uma apresentação inicial do que está sendo chamado de a face estética da psicanálise: os desenvolvimentos presentes nas construções clínicas e teóricas psicanalíticas que envolvem discussões sobre as produções estéticas humanas e as relações da psique com elas, bem como os próprios aspectos estéticos das experiências psíquicas. Esta apresentação é feita com o objetivo principal de reconhecer as construções da tradição psicanalítica sobre o tema, entendendo também que por conta da dimensao estética da vida emocional, o vértice estético da psicanálise é inevitável e inerente a tal dimensão. Na abordagem dos autores, priorizam-se as construções de Freud, dos analistas independentes da Escola Britânica de Psicanálise (especialmente D. W. Winnicott) e seus herdeiros contemporâneos, sendo feita uma breve apresentação das ideias destes autores dentro do campo estético. Há um diálogo também com a filósofa da arte Susanne Langer e com o analista Isaías Mehlson, que desenvolve importantes pensamentos psicanalíticos sobre as formas emocionais e a presentificação delas na clínica. São então desenvolvidas as três construções de casos clínicos, nos capítulos 1 a 3 da tese. Nestes casos, as comunicações estéticas foram observadas como ponto central do trabalho psicanalítico. Os casos analisados acontecem não somente na clínica psicanalítica tradicional, com atendimentos individuais no consultório. É apresentado um caso individual com uma criança, um caso de atendimento em grupo de três crianças que apresentavam sintomas autísticos e uma experiência com oficinas de teatro e cinema em um serviço de saúde mental – um Centro de Atenção Psicossocial II. A partir das elaborações acerca da dimensão estética notada nestes três casos, é feita uma síntese teórica final, no capítulo 4. Nesta síntese, é observado que o sentido estético construído por meio de comunicações não verbais possibilita a constituição do espaço potencial presente na clínica. É percebida também a existência de experiências sensoriais nos casos clínicos, que favoreceram a ligação das angústias que precisavam ser elaboradas a imagens de continência, bem como a criação de experiências integradoras para o self. A partir disto, houve expansão da capacidade simbólica e foram observadas experiências mutativas. Reverberando tais elaborações clínicas, são propostas, em forma de esboço, algumas construções metapsicológicas, que buscam construir pontes entre as noções de sensorialidade, pulsionalidade, sonho, experiência estética e expansão do brincar. Também é apresentada a compreensão de Mehlson sobre as formas expressivas da vida emocional, o que é relacionado às teorias psicanalíticas winnicottianas, bem como à noção de formas da alma. Tal noção é proposta nesta tese para reunir uma série de fenômenos que demonstram o movimento contínuo da psique de busca, criação e encontro de formas que veiculem a vida emocional. As formas da alma se apresentam, assim, como um continuum de experiências psíquicas, das mais simples às mais complexas, em que a vida subjetiva busca criar e encontrar formas no mundo, que dão sentido para o self e suas experiências, bem como para a realidade externa. Tais formas também se presentificam na clínica psicanalítica. Uma vez que é encontrando formas no mundo que a experiência psíquica pode se integrar, se conhecer e se desenvolver, este encontrar de formas é essencial também na clínica, motivo pelo qual a sustentação da comunicação estética é o que permite as experiências de transformações, em psicanálise. Por fim, nas considerações finais, são apresentados os pontos que precisam ser melhor elaborados em trabalhos posteriores e também discute-se um pouco as questões da tese relacionadas com a inscrição do sujeito na cultura contemporânea, defendendo-se a importância da apresentação de experiências estéticas significativas na cultura, como favorecimento para o enriquecimento simbólico.
This work enters in the psychoanalytical tradition and its subject is the aesthetical dimension of the psychic human life, understanding that this dimension is a primordial part of psyche’s activity. We call aesthetical dimension all the aspects of psychic life that present themselves through forms or form patterns. They include corporal rhythms; aspects of the relation of the individual with objects and sensorial phenomena, as sounds; creation of images in dreams and children playing; voiced and poetic aspects of the language; relations of the individual with cultural objects, etc. From clinical observations of the author of this thesis, dialoguing with psychoanalytical theories that emphasize this aesthetical vertex, it was noticed that the aesthetical dimension of emotional life is present in the psychoanalytical clinic and it can be the central thread to hold the clinical happening. We observe non-verbal aspects in the patient’s communication that communicate through forms and not discursive meanings. Considering these points, from the construction of three clinical cases, in different contexts and variations of settings, this work proposes to think one main question, defending that the analyst capacity to hold the aesthetical communication present in the clinical setting is what enables the transformation of the forms of the patient’s emotional life. Before the developing of the cases, however, first it is made an initial presentation of what is being called the psychoanalysis aesthetical face: developments present in the theoretical and clinical psychoanalytical constructions, that involves discussions about the human aesthetical productions and the relationship of the psyque with them, as well the aesthetical aspects of the psychic experiences. This presentation is made with the main objective of recognizing the constructions of the psychoanalytic tradition about the subject, understanding that because of the aesthetical dimension of the emotional life, the aesthetical vertex of psychoanalysis is inevitable and inherent of this dimension. About the authors used in this work, we priorize the constructions made by Freud, the independent analysts of the Britanic School of Psychoanalysis (specially D. W. Winnicott) and his contemporary heirs, and it is made a brief presentation of these authors ideas in the aesthetical field. There is also a dialogue with Susanne Langer, an art philosopher, and the analyst Isaias Mehlson, that develops important psychoanalytical thoughts about the emotional shapes and their presence in the clinic. It is developed three clinical cases constructions, in the chapters 1 to 3 of the thesis. In this cases, the aesthetical communications were observed as a central point of the psychoanalytical work. They happen not only in the traditional psychoanalytical setting, with individual sessions in the clinic. It is presented one individual case with a child, one grupal case with three children that presented autistic symptoms and one experience with theater and cinema workshops in a Brazilian public mental health service, Centro de Atenção Psicossocial II. From the elaborations about the aesthetical dimension presented in the three cases, it is made a final theoretical synthesis, in chapter 4. In this synthesis, it is observed that the aesthetical sense developed in nonverbal communications enables the constitution of the potential space present in the clinic. It is also noticed the existence of sensorial experiences in the clinical cases, that favored the linkage of the anguish that needed to be elaborated to continence images, as well as the creation of integrative experiences to the self. From these, there was an expansion of the symbolic capacity and it was observed mutative experiences. Reverberating these clinical elaborations, it is proposed, as an sketch, some metapsychological constructions, that search for building bridges between the notions of sensitivity, impulses, dream, aesthetical experience and expansion of playing. It is also presented the Mehlson’s comprehension of the expressive forms of emotional life, what is related to the Winnicott’s psychoanalytical theories, as well as the notion of forms of the soul. This notion is proposed in this thesis as a continuum of psychic experiences, from the most simple to the most complex, in which the subjective life searches for creating and finding forms in the world, that give sense to the self and its experiences, as well as to the external reality. These forms are also present in the psychoanalytical clinic. Once it is by finding forms in the world that the psychic experience can integrate, know and develop itself, this finding of forms in essential to the clinical experience as well. This is the reason why this holding of the aesthetical experience is what enables the transformation experiences in psychoanalysis. By the end, in the final considerations, it is presented the points that need to be better developed and also is and also it is discussed a few about the relation of the questions presented in the thesis with the relationship of the subject with the contemporary culture.

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Vásquez, Héctor Andrés Briones. "A cena como saber da perda: traços alegóricos e políticos no teatro latino -americano contemporâneo." reponame:Repositório Institucional da UFBA, 2013. http://www.repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/9441.

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Abstract:

204 f.
Submitted by Cynthia Nascimento (cyngabe@ufba.br) on 2013-03-07T14:30:15Z No. of bitstreams: 1 Hector andres Briones Vasquez.pdf: 3256011 bytes, checksum: 3ecd2c18cf1464d312fcac5a125248c0 (MD5)
Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães(ednaide@ufba.br) on 2013-04-05T14:48:23Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Hector andres Briones Vasquez.pdf: 3256011 bytes, checksum: 3ecd2c18cf1464d312fcac5a125248c0 (MD5)
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A presente pesquisa reflete sobre o fluxo teatral latino-americano, chamado aqui ‘da virada’,que vai se diferenciar do teatro latino-americano de esquerda, que o antecedeu. Este último, muito importante nas décadas de 1960 e 1970, teve seu eixo na luta de classes e na promoção e defesa de um projeto utópico de sociedade, anulado, em sua maior parte, pelas ditaduras que assolaram o continente nas décadas de 1960 a 1980. Abandonado em meados dos anos de 1980, sua apelação política direta começará a dar lugar a outras nuances artísticas no teatro contemporâneo do continente, operando com óticas mais subjetivas, intimistas e tratando de articular o social, o histórico e o contingente em um âmbito cênico que vai deslocar seu sentido político doutrinário. Surgem espetáculos que dão especial atenção a composição espacial e sonora da cena, à corporeidade dos intérpretes, ao trabalho da imagem no palco, o que vai possibilitar pensar nos alcances poéticos e políticos da sua teatralidade. Um olhar a partir da alegoria permitirá dar visibilidade a esses alcances, a teoria do alegórico de Walter Benjamin se torna chave para pensar na cena e na sua materialidade, sendo a base teórica desta pesquisa. O que se indaga aqui é como o teatro latino-americano contemporâneo ‘da virada’ se lança em uma viagem à teatralidade, gerando cenas cujo status crítico tangencia, sobretudo, nosso tempo democrático neoliberal, radiografando o que nele há de perda.
Universidade Federal da Bahia. Escola de Dança/ Escola de Teatro. Salvador-Ba, 2011.

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Campos, Hernández Jenny Betsabé. "Iconografía y simbología en las lápidas de párvulos durante el lustro de 1921-1925. Pabellón Santa Irene del Cementerio Presbítero Matías Maestro de Lima." Bachelor's thesis, Universidad Nacional Mayor de San Marcos, 2017. https://hdl.handle.net/20.500.12672/6972.

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Abstract:

Publicación a texto completo no autorizada por el autor
Estudia la iconografía y simbología en lápidas de niños, para lo cual se ha tomado como objeto de estudio el pabellón Santa Irene del Cementerio Presbítero Maestro de Lima en el lustro de 1921 a 1925, época que históricamente pertenece a la primera parte del oncenio de Leguía. Demuestra que las lápidas fueron hechas mayoritariamente por escultores anónimos y son de una factura académicamente limitada. Asimismo, que el empleo iconográfico está ligado en su mayoría a asuntos bíblicos. Por otra parte, algunas obras están inspiradas en obras de arte de mayor envergadura. Sostiene que las lápidas de párvulos son obras escultóricas elaboradas por lo general en mármol, realizadas por escultores locales empleando iconografía bíblica.
Tesis

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Barboza, Lívia Krassuski [UNESP]. "A santa, a prostituta e a amante infeliz: as imagens simbólicas do feminino de Edvard Munch, sob abordagem da psicologia analítica de C.G. Jung." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2009. http://hdl.handle.net/11449/86893.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2009-08-21Bitstream added on 2014-06-13T18:49:09Z : No. of bitstreams: 1 barboza_lk_me_ia.pdf: 643339 bytes, checksum: 29ec35c91aab300cc909f6a6e7bd63ad (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Tendo por principal referencial teórico os conceitos de Carl Gustav Jung (1875-1961) sobre os arquétipos e o inconsciente coletivo, neste trabalho proponho-me mostrar como o conteúdo simbólico universal se manifesta na expressão artística individual do pintor norueguês Edvard Munch (1863-1944). Coloco em foco imagens que retratam a mulher e as relações afetivas entre o homem e a mulher que o artista produziu na segunda fase de sua carreira, entre 1889 e 1908. Não obstante referirem-se à visão pessoal do artista, revelam simultaneamente a “nova mulher” que emergia na sociedade de seu tempo. Desta forma, ao contextualizar a produção artística de Munch e analisar seu conteúdo simbólico, proponho-me mostrar como a obra de arte pode expressar, muito além dos conflitos particulares de seu autor, o espírito da época em que foi criada, mediante temas universais.
Having as main theoretic reference the concepts of Carl Gustav Jung (1875-1961) on the archetypes and the collective unconscious, in this work I propose to demonstrate how the universal symbolic tenor is manifested in the individual artistic expression of the Norwegian painter Edvard Munch (1863- 1944). I put into perspective images that portray the woman and the relations of affection between man and woman, that the artist produced in the second phase of his career, between 1889 and 1908. Notwithstanding those refer to the personal view of the artist, they simultaneously bring forth the “new woman” that emerged in the society then. Thus, in contextualizing Munch´s artistic production and analyzing its symbolic content, I propose to show how the work of art can express, far beyond the private conflicts and idiosyncrasies of its author, the spirit of the time in which it was created, through universal themes.

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Luciano, Kelli Mesquita. "Referências históricas e o realismo mágico em Il barone rampante, de Italo Calvino /." Araraquara, 2012. http://hdl.handle.net/11449/91522.

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Abstract:

Orientador: Claudia Fernanda de Campos Mauro
Banca: Karin Volobuef
Banca: Adriana Lins Precioso
Resumo: Esta Dissertação objetiva a análise do romance "Il barone rampante", que faz parte da trilogia I Nostri Antenati (1950-1960), em que também estão reunidos os romances "Il visconte dimezzato" e "Il cavaliere inesistente", de Italo Calvino (1923-1985). Buscamos analisar num primeiro momento, alguns fatores que influenciaram a escrita calviniana, como os movimentos de Resistência na Itália, que visavam lutar contra as atrocidades da Primeira e da Segunda Guerra Mundial e do fascismo, como também algumas características da estrutura da fábula, que podem ser identificadas no romance estudado, a partir das atitudes de benfeitor de Cosme que o qualificam como um herói, pois passa por diversas dificuldades e lutas em favor do bem comum de todos. Na segunda parte da Dissertação, evidenciamos algumas referências históricas feitas à Revolução Francesa e ao Iluminismo e seus pontos de intersecção com o contexto histórico, em que Calvino viveu período, que envolveu Guerras e movimentos de grande repercussão e repressão como: o fascismo, o nazismo e o socialismo; menções de espaços reais e de Instituições históricas e de referências a figuras históricas como: Napoleão Bonaparte, Rousseau, Diderot, entre outros. No final da Dissertação, apontamos certas características que aproximam Il barone rampante a variedade do realismo mágico metafísico, como, por exemplo, a decisão do protagonista, Cosme de morar sobre as árvores, entre outros eventos. Além disso, comentamos algumas significações alegóricas em relação ao contexto histórico da narrativa, que remete na realidade ao século XX, época em que Calvino viveu e sobre a alegoria do intelectual Cosme a partir da sua mudança de ponto de vista sobre as árvores, que induzem a reflexão pela necessidade da valorização da educação e pela... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)
Abstract: This thesis aims to analyze the novel "Il barone rampante," which is part of the trilogy I nostri Antenati (1950-1960), who are also gathered in the novels "Il visconte dimezzato" and "Il cavaliere inesistente" by Italo Calvino (1923-1985).We analyze at first, some factors that influenced the writing calviniana, as movements of Resistance in Italy, aimed at fighting against the atrocities of the First and Second World War and fascism, but also some characteristics of the structure of the fable, which can be study identified the novel, from the attitudes of benefactor of Cosme which qualify as a hero, which goes through many hardships and struggles in favor of good all in common. In the second part of the dissertation, we noted some historical references made in the novel, about the French Revolution and the Enlightenment and their points of intersection with the historical context in which Calvino lived, involving wars and movements of great impact and repression as fascism, nazism and socialism; terms of actual areas and historical institutions and references to historical figures as Napoleon, Rousseau, Diderot, and others. At the end of the dissertation, we point out certain features that bring Il barone rampante variety of metaphysical magic realism, for example, the decision of the protagonist, Cosme living on trees, and other events. In addition, we discuss some allegorical meanings in relation to the historical context of the narrative which actually refers to the twentieth century, a period in which Calvin lived and about allegory of the intellectual Cosme from his change of view on the trees, which lead to reflection by need for enhancement of education and the maintenance of hope in human progress and technology to living in a more just and egalitarian society. Finally, we comment on symbolic elements such as tree space ... (Complete abstract click electronic access below)
Mestre

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Saenz, Tapia Adriana Carolina. "Línea de tierra y los falsos monumentos : el fenecer de una nación frente a su bicentenario." Bachelor's thesis, Pontificia Universidad Católica del Perú, 2021. http://hdl.handle.net/20.500.12404/19811.

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Abstract:

Esta tesis presenta el proyecto artístico Un Reflejo Del Cuerpo Peruano Agonizante que conforma los proyectos de video instalación: Ars Corona Moriendi y En Silencio Gimió El Grito Sagrado: Libertad Nunca, En Mis Tierras Nunca. A partir de ello, planteamos la hipótesis de que existe un problema desde los representantes máximos del Estado para poder proteger y preservar la vida humana de manera digna, equitativa y justa a nivel nacional, situación que desemboca en una muerte indigna e innecesaria. Adicionalmente, nos centramos, también, en la dificultad de una posible construcción identitaria como una sociedad peruana unificada. Esta situación, de falta de representatividad, se ve reflejada en uno los símbolos más importantes de la celebración del centenario de independencia del Perú, el monumento conmemorativo republicano al libertador Don José de San Martín. Esto último nos permitió profundizar y conectar con aspectos indispensables que conforma la historia de la escultura, los monumentos. Abordamos la problemática bajo un breve recuento histórico sobre el desarrollo social del Perú desde el periodo de su independencia, pasando por el centenario para llegar al bicentenario, recuento histórico a razón de la crisis sanitaria por SARS-CoV-2. Esta investigación presenta los objetivos a modo de preguntas, ya que no solo buscarán ser abordadas teóricamente sino, también, por medio de la praxis artística: ¿Quiénes son las verdaderas víctimas del proceso de consolidación de la República del Perú? ¿De qué manera la realidad social peruana es definida por la muerte? ¿Cómo ello puede ser traducido al campo del arte? Por ende, buscamos la revaloración de la historia que nos constituye como república y la historia del declive de los monumentos que constituye al desarrollo del ámbito escultórico del arte.
This thesis presents the artistic project A Reflection Of The Agonizing Peruvian Body that conforms the video installation projects: Ars Corona Moriendi and En Silencio Gimió El Grito Sagrado: Libertad Nunca, En Mis Tierras Nunca (In Silence Moaned The Sacred Cry: Freedom Never, In My Lands Never). Therefore, the hypothesis is that exists a problem from the highest representatives of the State to be able to protect and preserve human life in a dignified, equitable and fair way at a national level, a situation which leads to an undignified and unnecessary death. Additionally, we also focus on the difficulty of a possible construction of identity as a unified Peruvian society. This situation of lack of representativeness is reflected in one of the most important symbols of the celebration of the centenary of Peru's independence, the Republican commemorative monument to the liberator Don José de San Martín. The latter allowed us to deepen and connect with indispensable aspects that make up the history of sculpture, the monuments. We approached the problem under a brief historical account of the social development of Peru from the period of its independence, passing through the centenary to reach the bicentenary, historical account due to the health crisis caused by SARS-CoV-2. This research presents the objectives as questions, since they will not only seek to be addressed theoretically but also through artistic praxis: Who are the real victims of the process of consolidation of the Republic of Peru? How is the Peruvian social reality defined by death? How can this be translated into the field of art? Therefore, we seek the revaluation of the history that constitutes us as a republic and the history of the decline of the monuments that constitutes the development of the sculptural field of art.

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Júnior, Iron Mendes de Araújo. "O papel das imagens sacras na religiosidade: análise das obras do Museu de Arte Sacra de Pernambuco e igrejas do sítio histórico de Olinda." Universidade Católica de Pernambuco, 2016. http://www.unicap.br/tede//tde_busca/arquivo.php?codArquivo=1244.

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Abstract:

Este trabalho analisa a importância de algumas esculturas sacras, pertencentes ao Museu de Arte Sacra de Pernambuco MASPE, bem como algumas peças de Igrejas do sítio histórico de Olinda, como objetos que resguardam em seus símbolos elementos de relevância para a compreensão histórica da formação religiosa e cultural brasileira. Para tanto, remontamos a formação do catolicismo brasileiro que compõe parte da cultura nacional, através da investigação histórica. Para contextualizarmos o componente histórico recorremos a autores que refletem, sobre a formação do catolicismo e, consequentemente, da Igreja no Brasil, pois para compreendermos as esculturas tivemos que primeiro entender o processo histórico onde as mesmas foram construídas. Após a reconstrução histórica, buscamos analisar os elementos, culturais simbólicos, que sintetizaram os extratos socioculturais e devocionais resplandecente nas peças, tentando, assim, demonstrar a importância desse patrimônio histórico, que compõem parte da identidade cultural brasileira.
This paper analyzes the importance of some sacred sculptures, belonging to the Sacred Art Museum of Pernambuco - MASPE as well as some parts of Olinda's historical site Churches, as objects that shelter in their relevant elements symbols for the historical understanding of religious formation and Brazilian culture. Therefore, we reassemble the formation of Brazilian Catholicism that makes up part of the national culture through historical research. To contextualize the historical component resort to authors who reflect on the formation of Catholicism and, consequently, the Church in Brazil, because to understand the sculptures had to first understand the historical process where they were built. After the historical reconstruction, we analyze the elements, cultural - symbolic, which summarized the socio-cultural and devotional extracts resplendent in pieces, trying to thus demonstrate the importance of this heritage, which make up part of Brazilian cultural identity.

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Jaramillo, Coria Danitza. "La representación femenina en la Iglesia de Parinacota: mujeres indígenas durante el período colonial." Tesis, Universidad de Chile, 2012. http://www.repositorio.uchile.cl/handle/2250/111456.

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Abstract:

Tesis para optar al grado de Magíster en Estudios de Género y Cultura en América Latina
La presente investigación busca constituirse en un acercamiento a cómo pudo operar el adoctrinamiento simbólico durante la colonia, tomando la representación de lo femenino como un eje transversal al momento de definir cómo se rompen articulaciones de complementariedad propias de la cultura andina. Lo femenino comienza a sufrir una modificación en su espacio de existencia, esto se refleja en el observar a la mujer en un estrato inferior (el infierno) respecto de lo masculino. La subyugación de lo femenino es un correlato de la subyugación de todo el cuerpo indígena, la simbólica de un mundo y sus referentes que fueron extirpados de la manera más efectiva, en la mezcla.

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Araújo, Júnior Iron Mendes de. "O papel das imagens sacras na religiosidade: análise das obras do Museu de Arte Sacra de Pernambuco e igrejas do sítio histórico de Olinda." Universidade Católica de Pernambuco, 2016. http://tede2.unicap.br:8080/handle/tede/396.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2017-06-01T18:12:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 iron_mendes_araujo_junior.pdf: 7621341 bytes, checksum: 9b49acecb23f2849136f53d0eb0fc1dd (MD5) Previous issue date: 2016-11-11
This paper analyzes the importance of some sacred sculptures, belonging to the Sacred Art Museum of Pernambuco - MASPE as well as some parts of Olinda's historical site Churches, as objects that shelter in their relevant elements symbols for the historical understanding of religious formation and Brazilian culture. Therefore, we reassemble the formation of Brazilian Catholicism that makes up part of the national culture through historical research. To contextualize the historical component resort to authors who reflect on the formation of Catholicism and, consequently, the Church in Brazil, because to understand the sculptures had to first understand the historical process where they were built. After the historical reconstruction, we analyze the elements, cultural - symbolic, which summarized the socio-cultural and devotional extracts resplendent in pieces, trying to thus demonstrate the importance of this heritage, which make up part of Brazilian cultural identity.
Este trabalho analisa a importância de algumas esculturas sacras, pertencentes ao Museu de Arte Sacra de Pernambuco MASPE, bem como algumas peças de Igrejas do sítio histórico de Olinda, como objetos que resguardam em seus símbolos elementos de relevância para a compreensão histórica da formação religiosa e cultural brasileira. Para tanto, remontamos a formação do catolicismo brasileiro que compõe parte da cultura nacional, através da investigação histórica. Para contextualizarmos o componente histórico recorremos a autores que refletem, sobre a formação do catolicismo e, consequentemente, da Igreja no Brasil, pois para compreendermos as esculturas tivemos que primeiro entender o processo histórico onde as mesmas foram construídas. Após a reconstrução histórica, buscamos analisar os elementos, culturais simbólicos, que sintetizaram os extratos socioculturais e devocionais resplandecente nas peças, tentando, assim, demonstrar a importância desse patrimônio histórico, que compõem parte da identidade cultural brasileira.

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Brunn, Reinhild Margarete von. "Metamorfosis y Desaparición del Vencido. Desde la Subalternidad a la Complementariedad en la Imagen de Santiago Ecuestre en Perú y Bolivia." Tesis, Universidad de Chile, 2009. http://repositorio.uchile.cl/handle/2250/101464.

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Abstract:

En Perú y Bolivia, la figura del vencido en la imagen de Santiago ecuestre es muy poco considerada en el ritual religioso, ni menos en la literatura iconográfica o de historia cultural. En los Andes, la representación del derrotado por el jinete existe en diferentes formas: en el ámbito eclesiástico público son parte de esculturas procesionales y aparecen como moro, inca, indio y moro-indio, mientras, en el espacio hogareño-rural, el vencido desaparece. Allí, el triunfador Santiago se convierte en el patrón del ganado y adopta características del dios andino de rayo y trueno, Illapa. Este dios, en ritos semiclandestinos, se venera hasta hoy en forma de piedras. Mientras el vencido inca siempre guarda dignidad en su representación, el vencido moro, desde su partida de España en el siglo XVI, cambia su aspecto a través de los siglos desde agonizante o mera cabeza degollada a un personaje arrodillado con mira hacia delante. Su vestimenta otomana se iguala paulatinamente al traje del pongo latinoamericano. Existen razones políticas y sociales para las diferentes fases de modificación y los estratos sociales de donde surgieron. En el ámbito de la influencia española clerical, el molde representacional descrito por Francisco Pacheco tuvo vigencia durante varios siglos: arriba un triunfador, Santiago, y abajo un abominable demonio, el moro. Pero, “la Colonia” no es un bloque monolítico: tres acontecimientos profanos incidieron en los cambios de la iconografía religiosa de Santiago matador y sus vencidos: la Conquista, la fundación del Consejo de las Indias y la Independencia. El modelo del Santiago matainca desaparece y cede al matamoros como símbolo del infiel cuando la evangelización cobra más importancia. En el momento cuando la iglesia católica, con el auge del movimiento criollo pierde influencia en el área rural, el moro también desvanece. En la veneración de Illapa, la mayoría de los atributos iconográficos antiguos se han perdido: la serpiente monocéfala, las figurillas de oro y las figuras textiles. Lo que se conserva hasta el día de hoy son las piedras y las bolas de meteoritas. En la imagen de Santiago tan sólo queda alguna huella del polimorfismo de Illapa: la espada como rayo, el ruido de los cascos como trueno, y cuando el ganado lo acompaña se muestra como proveedor la conservación y procreación del ganado, a veces incluyendo la fertilidad en general. Dios Illapa se refugió bajo la figura del apóstol Santiago en el primer siglo después de la Conquista y quedó en su sombra hasta hoy en día, pero su representación como patrono del ganado sólo surge fines del siglo XVII. La reciprocidad entre la deidad andina y el hombre le permite negociar, a pesar del desnivel entre las dos partes. El peso del pecado original disminuye, pero, al mismo tiempo, la vulnerabilidad del hombre y el temor a la venganza por parte de la naturaleza cobra fuerza. Esto se expresa con claridad en los cultos contemporáneos a Santiago-Illapa, que siempre tienen una connotación de temor que es atenuado con ofrendas y “pagos”. En este concepto cíclico de interdependencia mutua el vencido por Santiago como una construcción vertical, autoritaria, totalitaria y excluyente, no tiene par. La subalternidad ideada por los españoles católicos no llega a ser comprendida en una cosmovisión que vive la reciprocidad también en lo metafísico. Sin embargo, la humildad y el respeto, que no hay que confundir con la subalternidad, valores, de los cuales hablan todos los rituales andinos, tienen una base sólida en las sociedades circun-titicaca, y en el momento en que la represión religiosa disminuye, se despliegan con brillo y alegría. La subalternidad, reclamada por la imagen original del santo matador desaparece con el vencido, y el concepto de complementariedad adquiere importancia en la proporción inversa: cuánto más Santiago se acerca al dios andino del rayo e Illapa, el protagonista del culto, el hombre mismo, se comunica con él en forma recíproca, recibiendo y ofrendando, los dos siendo parte de una naturaleza cuyas fuerzas se encuentran dentro y fuera del ser humano, siempre buscando un equilibrio

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Sevilla, Seguí Clara María. "Forma y Consciencia: Fundamentos para una Teoría Yántrica del Dibujo." Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2016. http://hdl.handle.net/10251/63259.

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Abstract:

[EN] This PhD in Fine Arts is the introduction to a Yantric Theory of Drawing as a result of researching plastic forms from the universal principles present in perceptive reality. Based on the yantra as an active element in the drawing of a integral mandalic vision, Drawing re-presents a vision of the world based on aesthetic distance, in which the sum and multiplication of all the parts is contemplated from one point of view, a naked eye. This perspective is transdimensional, whereby co-creative man is capable of making his own vision real, enjoying the aesthetic experience through the practice of Art. Art is the fifth element in which contact with Beauty takes place in a disinterested way. This thesis in its Form and Consciousness explores the fundaments of these aesthetic formulations through its most yogic roots in India. We will add a metaphor to such aesthetic formulations and explain them through the voice of the artist, in which the process of transmutation of the matter, the transformation of the Nature into Art takes place. The shilpi yogi is the inspiration and aspiration of the being which indwells the imagery artist who develops images of himself, the imprints of personal consciousness transcended through transpersonal art forms. Its being, its Presence, can be modulated through plasticity, from the purest abstraction to the finest figurative art. This thesis represents a plastic voyage to the very heart of India, in which an artist and a sadhu go hand in hand as a symbolic encounter between indosophy and the sublime plastic representative of the tragedy of duality, sunk in life under the weight of chiaroscuro. Light is the Great Symbolic Metaphor and the primordial object of the mystery of Science. The space of the heart is the fifth plastic element on which we base our Yantric Theory of Drawing. We use this to reintegrate the coherence of Art from all times and places, reinterpreting it from an optimistic historical standpoint. Drawing gives us the power to make this real (maya-magic), through the yantric vision. This thesis is the foundational preface to a way to make real the dream of the imagined, a function which Art, the original inoculant, has had throughout history. Such a possibility of form-function-power is endorsed by the most ancient foundations of civilization: the great symbolic potential which was crystalised in Man, the complex system of ancient times which doesn't respond to limits, but rather to constellations, the tantra, inspiration and aspiration of quantic meta-physics.
[ES] Esta tesis doctoral en Bellas Artes es la introducción de una Teoría Yántrica del Dibujo como resultado de una investigación de la forma plástica desde principios universales presentes en la realidad perceptiva. Basada en el yantra como elemento activo dibujístico de una visión mandálica integral, el Dibujo viene a re-presentar una visión del mundo basada en la distancia estética, en la que la suma y multiplicación de todas las partes es contemplada desde un punto de vista y un ojo genuino, transdimensional, en el que el hombre co-creativo es capaz de realizar su propia visión y disfrutar de la experiencia estética a través de la práctica del Arte. El Arte es el quinto elemento en el que el contacto con la Belleza de modo desinteresado tiene lugar. Esta tesis, como Forma y Consciencia explora los fundamentos de estas formulaciones estéticas, a través de sus raíces más yóguicas, en India. A tales formulaciones estéticas les añadimos una metáfora y las explicamos a través de la voz del artista, en el que se da el proceso de transmutación de la materia, la transformación de la Naturaleza en Arte. El silpi yogui es la inspiración y aspiración del ser que habita en el artista imaginero, quien desarrolla sus propias imágenes o la huella de la consciencia personal que se supera a sí misma a través de la plástica de lo trans-personal. Su ser, solo Presencia, se deja modular en el vehículo plástico desde la más pura abstracción a la más fina figuración. Esta tesis representa un viaje plástico al corazón de la India, en el que van de la mano una artista y un sadhu como encuentro simbólico de la indosofía y el sublime representante plástico de la tragedia de la dualidad, sumido en la vida y el peso del claroscuro. La Luz es la Gran Metáfora simbólica y el objeto de misterio primordial de la Ciencia. El espacio del corazón es el quinto elemento plástico en el que se basa nuestra Teoría Yántrica del Dibujo para reintegrar la coherencia del Arte de todos los tiempos y lugares, desde un punto de vista histórico optimista que está en nuestras manos hacer real (magia-maya), a través de la visión yántrica para el Arte, a que da pie el Dibujo. Esta tesis es el prolegómeno fundacional de una vía de hacer real el sueño de lo imaginado, como ha venido haciendo el Arte como inóculo original a lo largo de la Historia. Tal posibilidad de forma-función-poder está avalada por los más antiguos fundamentos de la civilización, el gran potencial simbólico que fue posible cristalizar en el Hombre, el sistema complejo de la antigüedad que no responde a límites, sino a constelaciones, el tantra, inspiración y aspiración de la meta-física cuántica. CLARA M. SEVILLA SEGUÍ
[CAT] Aquesta tesi doctoral en Belles Arts és la introducció d'una Teoria Iàntrica del Dibuix com a resultat d'una investigació de la forma plàstica des de principis universals presents en la realitat perceptiva. Basada en el iantra com a element actiu del dibuix d'una visió integral del mandala, el Dibuix vindria a re-presentar una visió del món basada en la distància estètica, en què la suma i multiplicació de totes les parts és contemplada des d'un punt de vista i un ull genuí, "transdimensional", en què l'home co-creatiu és capaç de realitzar la pròpia visió i gaudir de l'experiència estètica a través de la pràctica de l'Art. L'Art és el cinquè element en què el contacte amb la Bellesa hi té lloc de forma desinteressada. Aquesta tesi, en tant que Forma i Consciència, explora els fonaments d'aquestes formulacions estètiques mitjançant unes arrels basades en sistema del ioga, pel que fa a l'Índia. A aitals formulacions estètiques els afegim una metàfora, i les expliquem per mitjà de la veu de l'artista, l'individu en qui es produeix el procés de transmutació de la matèria, la transformació de la Natura en Art. El silpi iogui és la inspiració i aspiració de l'ésser que habita en l'artista imaginer, qui desenvolupa les seves pròpies imatges o l'empremta de la consciència personal que se supera a si mateixa a través de la pràctica d'allò trans-personal. El seu ésser, tan sols Presència, es deixa modular en el vehicle plàstic des de la més pura abstracció fins a la figuració més fina. Aquesta tesi representa un viatge plàstic al cor de l'Índia, en què una artista i un sadhu, plegats, conflueixen de manera simbòlica en la indosofia i el sublim representant plàstic de la tragèdia de la dualitat, immers en la vida i el pes del clarobscur. La Llum és la Gran Metàfora simbòlica i l'objecte primordial de la ciència. L'espai del cor és el cinquè element plàstic en què es basa la nostra Teoria Iàntrica del Dibuix, el propòsit del qual consisteix a reintegrar la coherència de l'Art de tots els temps i llocs, des d'un punt de vista històric i optimista, que tenim a les nostres mans convertir en real (màgia-maia) a través de la visió iàntrica per a l'Art, a què dóna peu el Dibuix. Aquesta tesi és el prolegomen fundacional d'una via per tal de materialitzar el somni respecte d'allò imaginat, com ha vingut fent l'Art com a inòcul originari al llarg de la Història. Aquesta possibilitat de forma-funció-poder és avalada pels més antics fonaments de la civilització, el gran potencial simbòlic que fou possible cristal·litzar en la figura de l'Home, el sistema complex de l'antiguitat que no respon a límits, sinó a constel·lacions, el tantra: inspiració i aspiració de la meta-física quàntica.
Sevilla Seguí, CM. (2016). Forma y Consciencia: Fundamentos para una Teoría Yántrica del Dibujo [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63259
TESIS

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Solanilla, i. Roselló Anna. "L’escenografia simbolista d’Adrià Gual." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2008. http://hdl.handle.net/10803/525836.

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Abstract:

L’escenografia d’Adrià Gual es comença a desenvolupar en el marc dominant d’un plantejament tradicional vuitcentista de pretensions il·lusionistes i solucions il·lustratives. Es tracta d’uns decorats pintats marcats per un fort eclecticisme entre els estils de la pintura de cavallet del postromanticisme (a partir del 1874) i el realisme (a partir del 1890). En aquest context escenogràfic decadent, els decorats només reiteren un sentit de quadre, pintura de gran format a l’escenari. Adrià Gual, com a artista inquiet i vinculat ideològicament i artísticament a les ambicions regeneracionistes del modernisme, se suma a l’objectiu de construir un nou teatre —i, per tant, una nova escenografia— per a una societat catalana moderna. Va ser en aquests moments quan l’escenografia catalana va passar de ser un element de caràcter il·lustratiu a esdevenir un instrument amb més ambició artística en abandonar els efectes d’il·lusió per atribuir-se l’objectiu d’«il·luminar» L’escenografia simbolista és més que l’acte de materialitzar un espai a través d’estructures o pintures. És l’art de la suggestió, de l’evocació d’imaginaris, per mitjà principalment de llenguatges visuals, però sense excloure’n d’altres com el sonor o l’olfactiu. Aquests imaginaris es desenvolupen en diferents nivells d’expressió del missatge visual i espacial: des de «representativament» fins a «simbòlicament» i «abstractament». L’escenografia modernista d’Adrià Gual significa el trencament amb l’escenografia “quadre”, tradicional e il·lustrativa. La seva concepció de la plàstica escènica és l’inici de l’acció poetitzada moderna i expressiva. L’escenografia simbolista d’Adrià Gual mostra una alternança d’estils visuals en els projectes escenogràfics que il·luminen l’opció «situacional» i l’opció «dramàtica» en els primers drames simbolistes, els diferents processos de conceptualització que es defineixen visualment a causa de la «progressió en el tractament del drama íntim», la configuració del «teatre popular» o «l’abandó gradual del component llegendari» vers l’articulació de la «tragèdia moderna». Aquesta evolució dels processos de concepció dramàtica també es relaciona amb la de l’activitat pictòrica d’Adrià Gual quan, d’una banda, la concepció escènica simbolista basada en la narrativa de situacions en ambients quotidians i pròxims esdevé paral·lela a la pintura simbolista d’anatomia naturalista i, de l’altra, el drama simbolista de suggestió i evocació atmosfèrica intenses que té lloc preferentment a l’entorn d’allò llegendari es retroba en la pintura d’estil més sintètic i desenvolupada al voltant de temes mítics i al·legòrics. Adrià Gual va establir els fonaments teòrics, i els nous objectius, de l’escenografia simbolista, desenvolupats entre 1893 i 1895. De vegades l’escenografia serà per a un teatre simbolista d’aparença realista i d’altres, l’escenografia es projectarà com un dispositiu d’estil simbolicodecoratiu (Blanc i Negre, 1894, i Nocturn. Andante morat, 1895). Així, doncs, en la primera escenografia gualiana hi ha la constatació, d’origen naturalista, que el dispositiu és element transcendent i part indissociable del conjunt escènic, idea que se suma a les teories wagnerianes que cerquen assolir un art escènic total. Gràcies també al concepte d’independència de l’escenografia naturalista, d’espai autònom, s’accedeix a comprendre l’escenografia com a veritat única i particular, a articular-se la idea que el dispositiu —ara ja segons el simbolisme— es pot concebre com a atmosfera ideal, de qualitats íntimes i subjectives. Adrià Gual copsa, de l’escenografia naturalista, la transcendència del dispositiu en l’escenificació i, de l’ideari simbolista, la utilitat expressiva. Posteriorment, aprofundint en l’evolució i la diversificació del processos de conceptualització i projecció escenogràfiques, el plantejament simbolista d’Adrià Gual evolucionarà vers una escenografia d’estratègies modernes, en el sentit que, en lloc d’articular idees a partir d’imatges de sentit al·legòric, l’escenògraf utilitzarà estratègies de caràcter metafòric congruents amb l’escenografia d’avantguarda arreu d’Europa. Per tant, l’escenografia d’Adrià Gual, que s’emmarcava en aquests temps i dins del corrent del teatre simbolista, també resol les noves finalitats en l’escenificació moderna i, en conseqüència, esdevé representativa de la renovació de l’escenografia a Catalunya.
The stage design of Adrià Gual is beginning to develop in the dominant framework of a traditional approach of nineteenth century of illusionistic pretensions and illustrative solutions. These are painted scenery marked by a strong eclecticism between the styles of horse painting of Post-Romanticism (as of 1874) and Realism (as of 1890). In this context decadent stage, the scenography reiterates only a sense of painting but Adrià Gual, as an artist that is uneasy and ideologically and artistically linked to the regenerationist ambitions of modernism, adds to the objective of constructing a new theater -and, therefore, a new set design- for a modern Catalan society. It was at this time when the Catalan stage scene became an element of an illustrative nature to become an instrument to express emotions, moods and magic images to the audience. Symbolist scenery is the art of suggestion, the evocation of imaginaries, mainly through visual signs, but without excluding others such as sound or smell. These imaginaries are developed at different levels of expression of the visual and spatial message: from "representatively" to "symbolically" and "abstract". Its conception of the scenography is the beginning of the modern and expressive poetic action. Adrià Gual established the theoretical foundations, and the new objectives, of the symbolist stage scene, developed between 1893 and 1895. Sometimes the stage design will be for a symbolist theater of realistic appearance and others, will be projected as a device of symbolic-decorative style (Blanc i negre, 1894, and Nocturn. Andante morat, 1895). Thanks also to the concept of independence of the naturalist scenography, of autonomous space, it is accessed to understand the scenography as a unique and particular truth, to articulate the idea that the device - now according to the symbolism - is It can be conceived as an ideal atmosphere, of intimate and subjective qualities. Adrià Gual transform the naturalist stage scene, the transcendence of the device in the staging and, of the symbolist ideology, the expressive utility as Edward Gordon Craig or Adolphe Appia.

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Jori, Gomila Josep M. "La representació simbòlica del cos humà: sobre la intuïció, les imatges i d'allò que no és el cos." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 1990. http://hdl.handle.net/10803/585963.

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Abstract:

Hi ha tres preguntes cabdals, com són ¿Què ha de ser aquest treball? i perquè? ¿Què se suposa que ha de validar? i ¿on? i, ¿què ha de tractar? i ¿com? Sembla que a primer cop d’ull, fóra de lloc posar-se aquestes qüestions, més enllà d’un plantejament metodològic, però si els volem donar resposta, la cosa canvia i aleshores la interrogació sobre el propi treball passa a ser part no gens menyspreable del mateix treball. No obstant les tres preguntes són resultant d’una pregunta inicial que tractaria de com abordar el tema i de com dir el que intuïm què volen dir, de fet allò que de dins surt a l’encontre. A la primera qüestió de ¿què ha de ser aquest treball? La primera reacció és buscar antecedents. ¡No n’hi ha! Ens referim, com és lògic, a la tipologia del treball, no tan sols a lla temàtica. Certament no hi ha tradició de tesis doctoral des d’una Facultat de Belles Arts. Això vol dir que aquesta tradició tot just s’acaba d’inaugurar i ho ha fet posant-nos sobre la taula quina és l’especificitat dels seus continguts i la secular qüestió de la teoria i la pràctica, i per extensió l’estranya dicotomia entre tesis teòriques i tesis pràctiques. Com a reflex de qüestions molt més profundes que plantegen quina cosa és l’experiència de l’art, el fenomen de la percepció i l’ontologia de la imatge. En el seu moment ja aprofundíem sobre la qüestió però ja avancem que un discurs sobre alguna cosa, ni que sigui sobre el propi discurs, és sempre teòric. Ara bé, caldrà veure els requisits mínim per accedir a la categoria de discurs i en el cas de Belles Arts, saber quin és el tipus que li escau i, en darrera instància, sobre què ha de tractar, no temàticament, sinó reflexivament. Caldrà veure també sobre quina mena d’equívocs i extrapolacions s’ha consolidat la dicotomia temàtica.

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Monteiro, Ricardo Nogueira de Castro. "O sentido na música: semiotização de estruturas paradigmáticas e sintagmáticas na geração de sentido musical." Universidade de São Paulo, 2002. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8139/tde-06032007-190915/.

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Abstract:

Partindo inicialmente da proposta de se estender a um repertório não-ocidental o corpus do modelo analítico desenvolvido na dissertação de mestrado Análise do discurso musical: uma abordagem semiótica, a tese de doutorado O Sentido na Música: semiotização de estruturas paradigmáticas e sintagmáticas na geração de sentido musical termina por se debruçar sobre as relações semi-simbólicas que organizam e estruturam as diferentes instâncias de produção de sentido na música e na canção. A partir de uma semiotização da métrica greco-latina, desenvolve uma estratégia sintética de abordagem das instâncias rítmica (plano da expressão) e tensiva (plano do conteúdo) na música. A partir da análise comparativa de três versões da canção egípcia ya garat al-wadi, identifica como principais diferenciais entre a música ocidental e árabe-mediterrânea a utilização por parte desta das configurações melismáticas enquanto estratégia de estruturação melódica e o emprego da estruturação intervalar em detrimento do pensamento motívico que caracteriza o idioma musical ocidental. Também a partir daí verifica-se a insuficiência do modelo de aspectualizações modulatórias de Greimas e Fontanille, todas de caráter linear, e propõe-se os fundamentos para um estudo das modulações cíclicas, divididas em circulares (convergentes, associadas ao efeito de sentido de realização) e espirais (divergentes, associadas à potencialização). As modulações cíclicas mostram sua eficiência enquanto ferramentas metodológicas ao serem capazes de abordar sinteticamente fenômenos gerativos comuns tanto à simplicidade da música mântrica quanto à complexidade das grandes composições sinfônicas. Por fim, ao examinar a questão da influência moura sobre a música tradicional nordestina, chega-se a um estudo da semiotização das estruturas rímicas do plano de expressão verbal capaz de subsumir o conjunto de relações semi-simbólicas que organizam e inter-relacionam sincreticamente os planos de expressão e conteúdo das instâncias verbal e musical na canção.
The thesis Meaning in Music: semiotization of paradigmatic and synthagmatic structures in the production of musical sense was firstly conceived as an extension of a previous work, Musical Analysis: a semiotical approach. Its main target was to verify the efficiency of the previously developed model when applied to a non-western repertory. Eventually, the research was redirected towards the study of the semi-symbolic relations which ultimately orchestrate and organize the production of meaning in the various instances of the musical discourse. A new rhythmical approach was developed based on the Greek-roman theory on metric, and its advantages with respect to an orthodox consideration of duration noted in western musical writing were largely proved. The first piece of non-western repertory to be analyzed was the Egyptian song ya garat al-wadi. Three different versions were compared so that the essence of Eastern-Mediterranean music was found, and it was summarized in two main principles: the melismatic organization of melody and the absence of motivical structures were the semiotization of intervals themselves prevails. Also, the propositions on modulatory aspects by Greimas and Fontanille were considered insufficient to deal with the cyclical modulations that are extremely frequent in Eastern music. A new approach on cyclical modulations was thus proposed, discussing its two main possibilities: convergent or circular modulations, associated with the effect of realization, and divergent or spiral modulations, related with greimasian concept of potentialization. Finally, the focus was directed towards the presence of moor influence on Brazilian traditional music. Although consistent historical or analytical proof was not found, the chapter abandoned its previous diachronical approach to dive into a synchronic investigation on the semiotizatin of rhyme and its effects on the semi-symbolic relations which regulate the balance between verbal and musical instances in songs, thus establishing the basis to a new synchretic approach to the study of songs.

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Luciano, Kelli Mesquita [UNESP]. "Referências históricas e o realismo mágico em Il barone rampante, de Italo Calvino." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2012. http://hdl.handle.net/11449/91522.

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Abstract:

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:25:23Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-05-30Bitstream added on 2014-06-13T18:53:19Z : No. of bitstreams: 1 luciano_km_me_arafcl.pdf: 444820 bytes, checksum: 05d26716bd3c4301bbf7211135f7386c (MD5)
Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Esta Dissertação objetiva a análise do romance “Il barone rampante”, que faz parte da trilogia I Nostri Antenati (1950-1960), em que também estão reunidos os romances “Il visconte dimezzato” e “Il cavaliere inesistente”, de Italo Calvino (1923-1985). Buscamos analisar num primeiro momento, alguns fatores que influenciaram a escrita calviniana, como os movimentos de Resistência na Itália, que visavam lutar contra as atrocidades da Primeira e da Segunda Guerra Mundial e do fascismo, como também algumas características da estrutura da fábula, que podem ser identificadas no romance estudado, a partir das atitudes de benfeitor de Cosme que o qualificam como um herói, pois passa por diversas dificuldades e lutas em favor do bem comum de todos. Na segunda parte da Dissertação, evidenciamos algumas referências históricas feitas à Revolução Francesa e ao Iluminismo e seus pontos de intersecção com o contexto histórico, em que Calvino viveu período, que envolveu Guerras e movimentos de grande repercussão e repressão como: o fascismo, o nazismo e o socialismo; menções de espaços reais e de Instituições históricas e de referências a figuras históricas como: Napoleão Bonaparte, Rousseau, Diderot, entre outros. No final da Dissertação, apontamos certas características que aproximam Il barone rampante a variedade do realismo mágico metafísico, como, por exemplo, a decisão do protagonista, Cosme de morar sobre as árvores, entre outros eventos. Além disso, comentamos algumas significações alegóricas em relação ao contexto histórico da narrativa, que remete na realidade ao século XX, época em que Calvino viveu e sobre a alegoria do intelectual Cosme a partir da sua mudança de ponto de vista sobre as árvores, que induzem a reflexão pela necessidade da valorização da educação e pela...
This thesis aims to analyze the novel Il barone rampante, which is part of the trilogy I nostri Antenati (1950-1960), who are also gathered in the novels Il visconte dimezzato and Il cavaliere inesistente by Italo Calvino (1923-1985).We analyze at first, some factors that influenced the writing calviniana, as movements of Resistance in Italy, aimed at fighting against the atrocities of the First and Second World War and fascism, but also some characteristics of the structure of the fable, which can be study identified the novel, from the attitudes of benefactor of Cosme which qualify as a hero, which goes through many hardships and struggles in favor of good all in common. In the second part of the dissertation, we noted some historical references made in the novel, about the French Revolution and the Enlightenment and their points of intersection with the historical context in which Calvino lived, involving wars and movements of great impact and repression as fascism, nazism and socialism; terms of actual areas and historical institutions and references to historical figures as Napoleon, Rousseau, Diderot, and others. At the end of the dissertation, we point out certain features that bring Il barone rampante variety of metaphysical magic realism, for example, the decision of the protagonist, Cosme living on trees, and other events. In addition, we discuss some allegorical meanings in relation to the historical context of the narrative which actually refers to the twentieth century, a period in which Calvin lived and about allegory of the intellectual Cosme from his change of view on the trees, which lead to reflection by need for enhancement of education and the maintenance of hope in human progress and technology to living in a more just and egalitarian society. Finally, we comment on symbolic elements such as tree space ... (Complete abstract click electronic access below)

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DÍAZ, Fredy José Macías. "La caricatura en Honduras: como manifestación artística y su importancia en la crítica socio/política: 1960-1980." Universidade Federal do Pará, 2017. http://repositorio.ufpa.br/jspui/handle/2011/10119.

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Abstract:

Submitted by Rosana Moreira (rosanapsm@outlook.com) on 2018-06-28T17:28:17Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_Caricatura_Honduras_Manifestacion.pdf: 4166565 bytes, checksum: 95d21e942c92cbea61d1cfadb87556a7 (MD5)
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CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
The starting point of this work is to study the development of the caricature as an artistic expression in the local newspapers of the time, making an analysis of the discourse implicit in these cartoons. In a discussion about the importance that this had in the country between the 1960s and 1980s, an attempt will be made to interpret the socio-political context in which the cartoons were created, directly studying what happened in this period of history of the nation, highlighting the role played by the caricature as an element of criticism.
El punto de partida de este trabajo es estudiar el desenvolvimiento de la caricatura como manifestcion artística en los periódicos locales de la epoca, haciendo un análisis del discurso implícito en esas caricaturas. En una discusión sobre la importancia que ésta tuvo en el pais entre las décadas de 1960 y 1980, se hará un intento por interpretar el contexto sócio/político en el que fueron creadas las caricaturas, estudiando directamente lo que aconteció en este período de la historia de la nación, destacando el papel que tuvo la caricatura como elemento de crítica.
Personal, FJMD, Honduras

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Olañeta, Juan Antonio. "La representación de Daniel en el foso de los leones en la escultura de Occidente (ss. XI-XIII). Corpus y estudio iconográfico de la transformación, función y significado de una imagen polivalente." Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2017. http://hdl.handle.net/10803/462294.

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Abstract:

La condena del profeta Daniel al foso de los leones es uno de los pasajes veterotestamentarios más representados en el arte cristiano desde su aparición en las catacumbas. Durante siglos la imagen va modificando algunas de sus características e incorporando nuevos elementos, sin embargo, la postura y gesto del profeta permanecen prácticamente invariables, hasta que en la escultura monumental durante los siglos XI y XII experimentan una notable diversificación de sus variantes y modelos iconográficos. Buena parte de estas mutaciones formales son reflejo de la polisemia alegórica tanto de Daniel como del león, las cuales, además, están detrás de la fortuna que conoce esta imagen en el románico. La abundante utilización de este pasaje veterotestamentario en la escultura monumental románica se inicia en importantes edificios regidos por benedictinos y canónigos, para extenderse, posteriormente por iglesias parroquiales. Las élites de la sociedad civil ven en Daniel, no solo un personaje al que rogar por la salvación del alma, sino también como un elemento de prestigio y un ejemplo de justicia. También es un ejemplo para los miembros de las comunidades monásticas que llevan una vida retirada. La flexibilidad y riqueza simbólica del profeta activa los diferentes sentidos de la lectura tipológica, lo que le permite desempeñar un rol clave en bastantes programas iconográficos. En bastantes de ellos, la condena de Daniel es una imagen que no solo interactúa con los receptores a los que va dirigida, sino con el resto de imágenes del conjunto, con las que establece un dialogo simbólico en el que entran en juego figuras retóricas como los paralelismos y las alegorías. Abordamos todo este estudio teniendo como herramienta fundamental un completo corpus iconográfico que, integrado con sistemas de información geográfica, está diseñado para ofrecer la más completa información sobre las características y evolución de esta polivalente imagen.
The condemnation of the prophet Daniel to the lions’ den is one of the Ancient Testament passages most represented in Christian art since its appearance in the catacombs. For centuries the image has modified some of its characteristics and has incorporated new elements, however, the posture and gesture of the prophet remains practically unchanged, until they experience a remarkable diversification of its variants and iconographic models in monumental sculpture of the eleventh and twelfth centuries. Much of these formal mutations reflect the allegorical polysemy of both Daniel and the lion, which, moreover, are behind the fortune that knows this image in the Romanesque. The abundant use of this Ancient Testament passage in the monumental Romanesque sculpture begins in important buildings governed by Benedictines and canons, to be extended, later by parochial churches. The elites of the civil society see in Daniel, not only a character to beg for the salvation of the soul, but also as an element of prestige and an example of justice. It is also an example for members of monastic communities who lead a retired life. The flexibility and symbolic richness of the prophet activates the different senses of typological reading, which allows him to play a key role in many iconographic programs. In many of them, Daniel's condemnation is an image that not only interacts with the receivers to which it is directed, but with the rest of the images of the ensemble, with which it establishes a symbolic dialogue in which rhetorical figures come into play as Parallels and allegories. We approach this study having as a fundamental tool a complete iconographic corpus that, integrated with geographic information systems, is designed to offer the most complete information about the characteristics and evolution of this polyvalent image.

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Ioshimoto, Lilian Wurzba. "Natureza irreal ou fantástica realidade?: uma reflexão sobre a melancolia religiosa e suas expressões simbólicas na obra de Hieronymus Bosch." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2009. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/2124.

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Made available in DSpace on 2016-04-25T19:21:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lilian Wurzba Ioshimoto.pdf: 23831056 bytes, checksum: 6472c63b8fcf38f92ba1b90cfc696173 (MD5) Previous issue date: 2009-10-29
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This research deals with religious melancholy and its symbolical expressions in the Hieronymus Bosch s pictorial work. Starting from Robert Burton s definition, it investigates the appropriateness of the concept of religious melancholy as a description of the paradox of human condition. Going all the way from the first definitions of the phenomenon, in the Hippocratic corpus or in philosophy, through its presence in medieval theology, until reaching as far as modern psychiatry, it claims, based on the categories of Carl Gustav Jung analytical psychology, that it can be best understood as a symbol expressing the soul s most typical process, a psychic state representative of the duality of human existence, rather than as mere pathology. Severed from its original ontological state of identify to become something a being in time and space, the soul must recognize itself as fragment of what is real rather than as an unreal whole; it must accept that it is a creature, not the creator. This process, going as it were beyond rational grasp (since it is representative of the relation of the I with the depths of the psyche), can only translate into images, from the sublime and incomprehensible to the perverse and grotesque. Fantastic images like the ones found in the figurative universe of Bosch s work, which, apart from its open satirical and pedagogical purpose, displays not the fear of death or man s lack of foundation, but the on-going tension between the I, the world and God the angst of living. The present work is, thus, a symbolic analysis of Hieronymus Bosch based on the many commentators of his ground-breaking body of work, on the theoretical views on melancholy developed throughought history and Jungian concepts, with the purpose of identifying religious melancholy in Bosch s labyrinthic landscapes as an essential feature of the human condition
Esta pesquisa aborda a melancolia religiosa e suas expressões simbólicas na obra pictórica de Hieronymus Bosch. A partir da definição de Robert Burton, investiga a pertinência do conceito de melancolia religiosa como descrição da paradoxal condição humana. Percorrendo desde suas primeiras definições, na medicina hipocrática ou na filosofia, passando pela teologia medieval, até a psiquiatria moderna, e apoiada nos aportes da psicologia analítica de Carl Gustav Jung, verifica que, para além de uma patologia, pode-se entendê-la como um símbolo que expressa o processo típico da alma, um estado psíquico que marca a dualidade da existência humana: separada de sua identidade ontológica, para se tornar realidade no tempo e no espaço, deve-se reconhecer como um fragmento real e não um todo irreal, deve aceitar que é criatura e não Criador. Tal processo, ultrapassando a compreensão racional, pois significa a relação do eu com as profundezas abissais da psique, só pode ser traduzido em imagens que vão desde o sublime e incompreensível até o perverso e grotesco. Imagens fantásticas como as encontradas na trama figurativa da obra bosquiana que, ademais de uma sátira ou predicação, revela não o medo da morte ou a falta de fundamento do homem, mas a permanente tensão eu-mundo-Deus, a angústia de viver. Este trabalho, assim, configura-se como uma análise simbólica das pinturas de Hieronymus Bosch, apoiado em seus comentadores, nas teorias sobre melancolia desenvolvidas ao longo da história e no referencial junguiano, com o objetivo de identificar, nas paisagens labirínticas bosquianas, a melancolia religiosa, característica essencial do humano

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Dissertations / Theses on the topic 'Arte y simbolismo budista'

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