Academic literature on the topic 'Artes do espetáculo - Europa'
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Journal articles on the topic "Artes do espetáculo - Europa"
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Repertório, Teatro &. Dança Periódico. "GIPE-CIT canta Padilla [Armindo Bião]." REPERTÓRIO, no. 12 (July 20, 2012): 55. http://dx.doi.org/10.9771/r.v0i12.4346.
Full textAbstract:
texto teatral, elaborado no curso do semestre letivo 2008.2, da Universidade Federal da Bahia, como parte do programa da disciplina TEA 507 Tópicos Especiais em Artes Cênicas, Turma 01, <strong>Objetos e corpus de pesquisa em artes do espetáculo/ etnocenologia</strong> e como produto parcial do projeto de pesquisa <strong>Mulheres por um fio: inferno, purgatório e paraíso no Atlântico Negro</strong>, financiado pelo CNPq com bolsa de produtividade em pesquisa para o período de março de 2008 a fevereiro de 2011, para ser lido em público como atividade de extensão correlata, tendo como tema a personagem histórica espanhola Doña María de Padilla, que se transforma em personagem mítica do romanceiro espanhol e dos inquéritos da inquisição ibérica, personagem teatral na Europa e, finalmente,em entidade da um banda brasileira.
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Costa, Bruno, and Luis Miguel Lopes Teixeira. "PROJETOS ARTÍSTICOS NO DOMÍNIO DAS ARTES DE RUA NA EUROPA." Revista Gestão e Desenvolvimento 16, no. 2 (May 28, 2019): 211. http://dx.doi.org/10.25112/rgd.v16i2.1934.
Full textAbstract:
A compreensão da atual realidade europeia no contexto da criação artística para o espaço público revela uma pertinência acrescida numa altura em que novos domínios da criação artística conquistam espaço na agenda europeia. Com o desenrolar deste estudo, pretendeu-se verificar e contextualizar uma nova realidade europeia no contexto da promoção e difusão de artistas e espetáculos, com impacto, ainda, ao nível da criação. As novas orientações rumo à perspetiva transnacional levam a uma tendência de criação de redes e parcerias, mas qual o papel das redes? Com recurso à compilação bibliográfica, pretendeu-se reunir as condições necessárias para a compressão do estado da arte e da criação artística para o espaço público.Palavras-chave: Artes de Rua. Artes Performativas. Redes Internacionais.ABSTRACTUnderstanding the current European reality in the field of artistic creation for the public space is becoming more pertinent at a time when new areas of artistic creation are gaining space in the European agenda. With the development of this study, it was intended to verify and contextualize a new European reality in the domains of promotion and diffusion of artists and performances, with impact, at the creation level. The new orientations towards the transnational perspective lead to a trend to create networks and partnerships, but what is the role of networks today? By bibliographical compilation, it was intended to gather the necessary information for the understanding of the state of art from artistic creation to public space.Keywords: Outdoor arts. Performing arts. International networks.
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Gonçalves, Jean Carlos, and Dick McCaw. "Bakhtin e as artes do espetáculo." Bakhtiniana: Revista de Estudos do Discurso 14, no. 3 (September 2019): 5–14. http://dx.doi.org/10.1590/2176-457343919.
Full text
4
Soares, Pedro António. "A DIREÇÃO DE CENA, UM CARGO DE SUBTILEZA ARTÍSTICA." Revista Europeia de Estudos Artisticos 2, no. 3 (September 30, 2011): 15–24. http://dx.doi.org/10.37334/eras.v2i3.36.
Full textAbstract:
O artigo propõe-se apresentar qual o papel do diretor de cena: um cargo muito discreto nas artes do espetáculo que de certa forma tem vindo a revolucionar de forma subtil o teatro português. Tem como objetivo dar a conhecer uma actividade desconhecida, mesmo para muitos dos que trabalham nas artes do espetáculo, com funções estruturantes para a realização teatral, criando novas metodologias e aproximações criativas ao espetáculo, que se tornou mais complexo e exigente nos últimos anos.
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Pradier, Jean-Marie. "O Etnocentrismo Nominal e as Artes do Espetáculo Vivo." Revista Brasileira de Estudos da Presença 2, no. 1 (June 2012): 16–41. http://dx.doi.org/10.1590/2237-266023759.
Full textAbstract:
RESUMO Este texto apresenta as práticas espetaculares humanas a partir de seu estatuto diverso e diversificado, designadas por uma denominação original que lhe é própria. Discutem-se tais lexemas como valor de patronímico identitário. Discute-se o etnocentrismo nominal como uma tendência difundida em diferentes meios - inclusive acadêmicos - e que consiste em substituir o termo original por uma tradução analógica. Mostra-se como tal operação, exercida pelas línguas dominantes, faz adotar termos como teatro e tragédia como qualificativos para valorizar as práticas consideradas como menores. Criticam-se tais etnocentrismos, apresentando-se argumentos da literatura, da linguística e de outros campos de saber.
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Grimaldi Figueredo, Henrique. "Performar o risco." Conceição/Conception 9 (November 20, 2020): e020010. http://dx.doi.org/10.20396/conce.v9i00.8659720.
Full textAbstract:
Este artigo discorre sobre a criação híbrida do designer britânico Alexander McQueen a partir de seus aspectos relacionais com as artes do espetáculo e artes performáticas. Partindo dessa noção expandida, discutimos como o imaginário social do risco é apropriado como matéria plástica na criação de alguns de seus desfiles-performances ao longo dos anos 1990 e 2000.
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Martins, Larissa Hobi. "A audiodescrição e os elementos visuais do espetáculo." Educação e Fronteiras 10, no. 28 (November 22, 2020): 77–89. http://dx.doi.org/10.30612/eduf.v10i28.13024.
Full textAbstract:
A audiodescrição (AD) é um recurso que vem paulatinamente sendo estudado, pesquisado e operacionalizado em uma perspectiva da inclusão cultural, proporcionando o acesso e a fruição de pessoas com deficiência a diversos produtos/espaços culturais. Partindo do pressuposto de que o teatro, a dança, as artes visuais, o cinema, o circo, a performance, os programas televisivos, dentre outros bens/produtos culturais são bens aos quais todos devem ter acesso; e das questões: como determinar quais os elementos que devem ser priorizados? O que manter e o que suprimir em detrimento do tempo? Qual a função estética desses elementos audiodescritos e como descrevê-los?; propomos refletir sobre os elementos visuais do espetáculo, suas funções e possibilidades de traduzi-los verbalmente, ampliando dessa forma o entendimento da narrativa por pessoas com deficiência visual. Propomos assim, notas para descrição dos elementos visuais do espetáculo, os tornando verbais, valendo-se de teóricos das artes da cena e levando em consideração os elementos constituintes da cena, sua multiplicidade e complexidade.
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Otani, Daves. "Boa companhia e a composição de Primus: “encontros” que geram procedimentos criativos." Pitágoras 500 3, no. 1 (April 29, 2013): 77–87. http://dx.doi.org/10.20396/pita.v3i1.8634737.
Full textAbstract:
O artigo fala sobre o acaso como elemento determinante na condução do processo de construção do espetáculo Primus, da Boa Companhia, a atitude criativa do grupo e como sua história proporciona que “encontros casuais” gerem formas de proceder perante o texto literário de Franz Kafka (Comunicado a uma academia), que inspira o espetáculo. Como exemplo, o autor fala como a capoeira foi integrada ao espetáculo em decorrência da história do grupo na Unicamp, da história da capoeira no Departamento de Artes Cênicas, onde se formou o grupo, e da postura da diretora artística e da companhia de repertório, que agregam elementos baseados em “encontros casuais”.
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Berté, Odailso. "DANZA LA VIDA: NARRATIVAS DE UM PROCESSO CRIATIVO COM IMAGENS DE FRIDA KAHLO." Revista Brasileira de Pesquisa (Auto)biográfica 2, no. 4 (April 29, 2017): 19. http://dx.doi.org/10.31892/rbpab2525-426x.2017.v2.n4.p19-40.
Full textAbstract:
O objetivo deste artigo é realizar um estudo sobre o processo criativo do espetáculo e intervenção de dança FeridaCalo (2016), baseado em imagens da pintora mexicana Frida Kahlo. Os modos de uso de imagens nesse processo criativo possibilitam reflexões sobre o poder performativo das imagens e a possibilidade de refuncionalização das imagens para a construção de conhecimentos no ensino de artes. Narrativas de experiências e análises de imagens são os procedimentos metodológicos que viabilizam esta reflexão. Nesse sentido, apontam-se caminhos para a criação artística e o ensino de artes na contemporaneidade, entrelaçando as artes, experiências, narrativas e imagens de diferentes corpos e contextos.
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Carvalho, Thainá Maria Silva, and Laura Pronsato. "Interações entre dança e tecnologia: um estudo prático-teórico sobre a dança mediada por dispositivos tecnológicos." Palíndromo 12, no. 26 (January 1, 2020): 110–24. http://dx.doi.org/10.5965/2175234612262020110.
Full textAbstract:
O presente estudo tem como objetivo apresentar os resultados de uma pesquisa prático-teórica acerca da dança na cultura digital, propondo a experiência de criação em dança e tecnologia. Com o intuito de compreender as especificidades de criação da área, foram desenvolvidas pesquisas bibliográficas a partir de Ivani Santana e Isabel Maria de Cavadas Valverde, bem como pesquisa com softwares e aplicativos para smartphones, resultando no espetáculo ‘Trilha’. A partir dos aspectos apontados por tais autoras este estudo faz uma análise sobre a criação do espetáculo e apresenta reflexões acerca das poéticas tecnológicas utilizadas pelo mesmo. Compreende-se que o carácter prático-teórica aliado a produção de um espetáculo auxilia no alargamento das maneiras de recepção de um estudo acadêmico em artes, assim como amplia os lugares de discussão e alcance da temática.
Dissertations / Theses on the topic "Artes do espetáculo - Europa"
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Farinha, Cristina Celeste da Costa Oliveira Santos. "Bound to mobility : the building up of a performing arts community in the European Union." Tese, Porto : [Edição do Autor], 2012. http://aleph.letras.up.pt/F?func=find-b&find_code=SYS&request=000217276.
Full textAbstract:
The EU promotes mobility as part of its mission to raise citizens' involvement in the integration process, in conjunction with single market growth and employment targets. Yet data shows that intra-EU mobility remains low. Administrative and legal barriers are assumed to hinder the freedom of movement of persons. Within the misfield, performing artists, in particular, have been commonly associated to mobility throughout times since their activities are less regulated within national and organisational frameworks thus more flexible and adaptable to different places and partners. However, even apparently best suited, performing artists face many obstacles when working across borders in addition to their already vulnerable social condition. This research proposes an exploration beyond legal-administrative obstacles to mobility for the case of performing artists in the EU. Within a qualitative postulate and grounded theory driven methodology it investigates mobility as the potential to work across different established categories be those of languages, countries, disciplines and cultures, consubstantiated in institutional and individual aspirations and competences. Through analysis of a set of semi-structured interviews to artists and other professionals working in the performing arts in the EU it assesses empirically how aspirations and competences for mobility shape artistic practices and profiles as well as contributes to develop communities of interests at EU level. The emerging and fragile sector's organisation and action responds to the intricate demands imposed by intensified mobility aspirations that turned into a feature of performing arts market. Yet access to mobility relies on resources held by individuals and their organisations but also on societies as a whole to constitute adequate environments for these resources to flourish.
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Farinha, Cristina Celeste da Costa Oliveira Santos. "Bound to mobility : the building up of a performing arts community in the European Union." Doctoral thesis, Porto : [Edição do Autor], 2012. http://hdl.handle.net/10216/64538.
Full textAbstract:
The EU promotes mobility as part of its mission to raise citizens' involvement in the integration process, in conjunction with single market growth and employment targets. Yet data shows that intra-EU mobility remains low. Administrative and legal barriers are assumed to hinder the freedom of movement of persons. Within the misfield, performing artists, in particular, have been commonly associated to mobility throughout times since their activities are less regulated within national and organisational frameworks thus more flexible and adaptable to different places and partners. However, even apparently best suited, performing artists face many obstacles when working across borders in addition to their already vulnerable social condition. This research proposes an exploration beyond legal-administrative obstacles to mobility for the case of performing artists in the EU. Within a qualitative postulate and grounded theory driven methodology it investigates mobility as the potential to work across different established categories be those of languages, countries, disciplines and cultures, consubstantiated in institutional and individual aspirations and competences. Through analysis of a set of semi-structured interviews to artists and other professionals working in the performing arts in the EU it assesses empirically how aspirations and competences for mobility shape artistic practices and profiles as well as contributes to develop communities of interests at EU level. The emerging and fragile sector's organisation and action responds to the intricate demands imposed by intensified mobility aspirations that turned into a feature of performing arts market. Yet access to mobility relies on resources held by individuals and their organisations but also on societies as a whole to constitute adequate environments for these resources to flourish.
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Dias, Edinilson Mota. "Escorial Revisitado: Análise do Espetáculo à Luz do Grotesco." Escola de Teatro da UFBA, 2013. http://repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/14485.
Full textAbstract:
Submitted by Edinilson Dias (nilsinho67@hotmail.com) on 2014-01-24T11:50:41Z
No. of bitstreams: 1
Escorial Revisitado Digital.pdf: 2361577 bytes, checksum: f343e61230a07aae9e2b00e387f3e2f0 (MD5)Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2014-01-28T12:49:56Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Escorial Revisitado Digital.pdf: 2361577 bytes, checksum: f343e61230a07aae9e2b00e387f3e2f0 (MD5)
Made available in DSpace on 2014-01-28T12:49:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Escorial Revisitado Digital.pdf: 2361577 bytes, checksum: f343e61230a07aae9e2b00e387f3e2f0 (MD5)
Universidade Federal da Bahia
DIAS, Edinilson Mota. Escorial Revisitado: análise do espetáculo à luz do grotesco. 150 f. il. 2013. Dissertação (Mestrado) – Programa de Pós Graduação em Artes Cênicas, Universidade Federal da Bahia, Salvador, 2013. RESUMO Essa dissertação tem o objetivo de examinar o processo de encenação e reencenação do espetáculo teatral Escorial, realizado pelo Núcleo Criaturas Cênicas, tendo como viés analítico a estética do grotesco. A montagem é baseada no texto homônimo do belga Michel de Ghelderode e estreou em 2002, em Salvador, Bahia. O trabalho adota uma forma investigativa, apoiando-se na teoria e prática das artes cênicas e contempla um levantamento bibliográfico sobre o grotesco, com destaque para teorias, conceitos, aplicações e presença nas várias obras artísticas e em diversos períodos da história da arte. A pesquisa se baseou nos elementos que constituíram a encenação, que continua sua trajetória em eventuais apresentações em temporadas, mostras e festivais, e surgiu a partir da constatação que o grotesco estava presente na encenação de forma intuitiva. O fato de o espetáculo continuar atuante foi de grande importância para a realização deste trabalho, pois permitiu reconstituí-lo em todos seus detalhes, reapresentá-lo e examiná-lo, sob observação direta e olhar do pesquisador. Isto possibilitou a recriação da montagem, com o emprego intencional de aspectos ligados ao grotesco, e assim foi possível observar e analisar como seria a encenação a partir desta nova ótica. A pesquisa revelou que o grotesco pode se tornar uma via operativa da construção cênica nas mãos dos encenadores, utilizado para enfatizar determinados aspectos de uma montagem teatral, dialogando com elementos derivados ou reelaborados a partir dos princípios recorrentes que constituem a estética em foco. Palavras Chave: Encenação. Grotesco. Dramaturgia. Artes Cênicas.
DIAS, Edinilson Mota. Escorial Revisited: analysis in the light of the grotesque spectacle. 150 f. il. In 2013. Thesis (Master) - Graduate Program in Theatre Arts, Federal University of Bahia, Salvador, 2013. ABSTRACT This dissertation aims to examine the process of mise-en scène and restaging of Escorial, Michel de Ghelderode, conducted by the Núcleo Criaturas Cênicas, with the analytical bias aesthetics of the grotesque. The assembly is based on the eponymous text Belgian Michel Ghelderode and debuted in 2002 in Salvador, Bahia. The dissertation adopts an investigative manner, relying on the theory and practice of the performing arts and has a bibliography on the grotesque, with emphasis on theories, concepts, applications and presence in various artistic works and in various periods of art history. The research was based on the elements that constitute the scenario, which continues its path in any seasons presentations, shows and festivals, and arose from the observation that the grotesque was present in the mise-en scène intuitively. The fact that the show continue acting was of great importance to this work, because it allowed reconstitute it in all its details, resubmit it and examine it under direct observation and the gaze of the researcher. This allowed for the recreation of the assembly, with the use of intentional aspects to the grotesque, and so it was possible to observe and analyze how the mise-en scène would be from this new perspective. The research revealed that the grotesque can become an operative via the scenic construction in the hands of a director, used to emphasize certain aspects of a stage production; you can talk to or reworked elements derived from the principles that constitute recurring aesthetics in focus. Keywords: Staging. Grotesque. Dramaturgy. Performing Arts.
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Dip, Nerina Raquel. "Espetáculo solo, fraguimentação da noção de grupo e a contemporaneidade." Universidade do Estado de Santa Catarina, 2005. http://tede.udesc.br/handle/handle/1308.
Full textAbstract:
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NERINA DISSERTACAO.pdf: 717280 bytes, checksum: 8f1527625d6a435edc616fc1c2b89e90 (MD5)
Previous issue date: 2005-05-01Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Este texto busca refletir sobre o espetáculo solo e como as diferentes concepções de sujeito e sociedade se encontram de forma implícita nesta modalidade cênica.O corpo do texto foi organizado em três capítulos. No capítulo primeiro, elaboro uma definição do espetáculo solo com o propósito de contrapô-lo ao monólogo para delimitar as características do fenômeno estudado e analisar seus traços distintivos. No capítulo segundo, analiso a relação entre o indivíduo e a sociedade na criação teatral contemporânea. Examino como o treinamento atorial, que foi uma prática coletiva, se transformou, em alguns casos, numa atividade solitária. De igual modo, estudo a prática grupal de produção vigente, no começo da segunda metade do século passado, para compreender a posterior aparição dos espetáculos de um intérprete. Finalmente, pesquiso acerca dos traços autobiográficos que possam estar presentes nos espetáculos de um só intérprete, com a intenção de produzir um discurso não hegemônico e uma relação direta com o espectador. No capítulo terceiro observo a produção dos espetáculos solos na pós-modernidade, ao lado de outras manifestações culturais que expressam o neoindividualismo. Confronto a produção teatral com outras produções que aparecem como que orientadas a satisfazer o bem-estar individual e não o bem comum. Neste mesmo capítulo, trabalho sobre as contradições que se exprimem no solo, por tratar-se de um produto cultural da pós-modernidade. O solo é um discurso artístico e também um ato de comunicação que aparece numa sociedade onde as iniciativas coletivas estão em crise; ele não expressa apenas neoindividualismo, mas uma vontade de expor o corpo e de se vincular com o coletivo.
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Amaro, André de Borba. "O espetáculo cênico e o espírito caleidoscópico." reponame:Repositório Institucional da UnB, 2010. http://repositorio.unb.br/handle/10482/7985.
Full textAbstract:
Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, 2010.Submitted by Shayane Marques Zica (marquacizh@uol.com.br) on 2011-02-25T20:39:37Z No. of bitstreams: 1 2010_AndredeBorbaAmaro.pdf: 27420802 bytes, checksum: 79b9b8f876d6c027e2779da23cbb8433 (MD5)
Rejected by Daniel Ribeiro(daniel@bce.unb.br), reason: O arquivo pdf nao abre, diz estar danificado on 2011-03-19T19:57:08Z (GMT)
Submitted by Shayane Marques Zica (marquacizh@uol.com.br) on 2011-04-12T14:27:08Z No. of bitstreams: 1 2010_AndredeBorbaAmaro.pdf: 27420802 bytes, checksum: 79b9b8f876d6c027e2779da23cbb8433 (MD5)
Rejected by Daniel Ribeiro(daniel@bce.unb.br), reason: Arquivo PDF danificado. on 2011-04-20T01:00:54Z (GMT)
Submitted by Shayane Marques Zica (marquacizh@uol.com.br) on 2011-05-09T17:17:41Z No. of bitstreams: 1 2010_AndredeBorbaAmaro.pdf: 27420802 bytes, checksum: 79b9b8f876d6c027e2779da23cbb8433 (MD5)
Approved for entry into archive by Raquel Viana(tempestade_b@hotmail.com) on 2011-05-24T12:51:38Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2010_AndredeBorbaAmaro.pdf: 27420802 bytes, checksum: 79b9b8f876d6c027e2779da23cbb8433 (MD5)
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Esta pesquisa visa identificar a presença do espírito caleidoscópico no Teatro e suas ressonâncias estéticas na obra teatral contemporânea, a partir da análise do brinquedo óptico inventado em 1816 pelo físico escocês David Brewster, dos princípios que governam sua dinâmica interna e de algumas encenações desenvolvidas no século XX até a atualidade. Também busca observar a ocorrência de um redirecionamento do olhar ante as performances desenvolvidas pelas formas teatrais caleidoscópicas. Por fim, apresenta o processo de elaboração do projeto (Escavações) No Jardim de Mônica, uma experiência teatral caleidoscópica que consistiu na realização de quatro montagens cênicas inspiradas na peça No Jardim de Mônica, da peruana Sara Joffré. _______________________________________________________________________________ ABSTRACT
This research aims at identifying the presence of the kaleidoscopic spirit in the Theatre and how it aesthetically resonates in contemporary theatrics. The research starting point is the analysis of the optical toy invented by the Scottish physicist David Brewster, the principles governing its internal dynamics and some staging performances developed from the 20th century until now. It also tries to observe the occurrence of a redirecting of one's glance before performances developed by kaleidoscopic theatrical forms. Finally, it presents the elaboration of project (Escavações) No Jardim de Monica, a kaleidoscopic theatrical experience which consisted of the realization of four plays inspired by No Jardim de Monica by the Peruvian playwright Sara Joffré.
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Hargreaves, Lisa Minari. "O espetáculo do açúcar : banquetes, artes e artefatos (século XVI)." reponame:Repositório Institucional da UnB, 2013. http://repositorio.unb.br/handle/10482/13825.
Full textAbstract:
Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2013.Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2013-08-01T15:34:22Z No. of bitstreams: 1 2013_LisaMinariHargreaves.pdf: 7584805 bytes, checksum: c83e493cfdf95dc4132b6e11b4d6fb77 (MD5)
Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-08-02T14:01:55Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_LisaMinariHargreaves.pdf: 7584805 bytes, checksum: c83e493cfdf95dc4132b6e11b4d6fb77 (MD5)
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O tema desta tese é o estudo do açúcar e do banquete na história da arte no século XVI. A pesquisa realizada revelou a consolidação da função estética do açúcar, apontando para a criação de um espaço alimentar espetacular, que adotava o processo civilizatório à mesa como estratégia de distinção social. O banquete dos artefatos em açúcar materializava, assim, uma densa e ampla narrativa que instruía pedagogicamente os convidados a respeito de um passado que era continuamente reatualizado. Sob essa perspectiva, o papel dos artistas renascentistas tornou-se essencial, já que possibilitou a transformação dos artefatos comestíveis de açúcar em objetos de arte, legitimando seu significado nas mesas da corte e propiciando um tipo de produção que distinguia o indivíduo socialmente. A inspiração teórica inicial deve-se, assim, ao pensamento de Norbert Elias (O processo civilizador, 1994). Ao tomar a pintura renascentista como documento, por excelência, para demonstrar a função do alimento, e em especial da estética do açúcar, no processo civilizador, tornou-se necessário respaldar a análise iconográfica das obras de arte As bodas de Caná, de Paolo Veronese, A refeição de açúcar por ocasião do casamento de Johann Wilhelm, de Franz Hogenberg, e O banquete de açúcar na salle enchantée, em Binche, de artista anônimo, em Pierre Francastel, Erwin Panofsky e Aby Warburg. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT
The theme of this thesis is the study of the sugar and the banquet in history of arte on the sixteenth century. The research revealed the esthetic consolidation of the function of sugar, pointing towards the creation of a spectacular space for food, which brought the civilization process to the table, as a strategy of social distinction. Thus the feast of the artifacts in sugar materialized a dense and extensive narrative that pedagogically instructed the guests about a past that was continually being updated. In this context, the role of the Renaissance artists became essential since it enabled the transformation of sugar artifacts into objects of art, legitimizing its meaning at the tables of the court and providing a type of production that distinguished the individual socially. The initial theoretical inspiration is due to the thoughts of Norbert Elias (Theory of civilizing processes, 1994). Taking a Renaissance painting as a document of excellence to demonstrate the function of food, especially aesthetic of sugar, in the civilizing process, it became necessary to support the iconographic analysis of the works of art “The wedding at Cana”, by Paolo Veronese, “The sugar meal on the occasion of the wedding of Johann Wilhelm”, by Franz Hogenberg, and “The sugar banquet in the enchanted room, in Binche”, by an anonymous artist, in Pierre Francastel, Erwin Panofsky and Aby Warburg.
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Sorima, Roberto Carlos. "O design de Gringo Cardia no espetáculo "Tatyana" de Deborah Colker." Universidade Anhembi Morumbi, 2013. http://sitios.anhembi.br/tedesimplificado/handle/TEDE/1615.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2015-08-18T17:47:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1
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Previous issue date: 2013-03-07Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Esta dissertação analisa os elementos gráfico-visuais do cenário criado por Gringo Cardia para o espetáculo "Tatyana", de Deborah Colker, como forma de exemplificar a importância do design múltiplo de Cardia. O espetáculo foi concebido em 2010 e estreou em 2011, no tetro João Caetano, no Rio de Janeiro. Como metodologia, foram feitas revisão bibliográfica e pesquisa de campo, as quais permitiram abordar de forma minuciosa o trabalho do designer na Companhia de Dança e compreender esse cenário, como resultado do design em contexto interdisciplinar, com ênfase na linguagem visual e um amplo processo criativo compartilhado.
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Rocha, Janaína Marques Ferreira. "Espetáculo jogralesco: o gesto vocal." Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2013. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/14733.
Full textAbstract:
Made available in DSpace on 2016-04-28T19:58:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1
Janaina Marques Ferreira Rocha.pdf: 675098 bytes, checksum: 265e32b3bdc078758619e50e0d556b20 (MD5)
Previous issue date: 2013-10-17Fundação de Amparo a Pesquisa do Estado de São Paulo
Departing from the concept of 'performance' by Paul Zumthor, this work searches, in the occitane narrative of the XIII th century and in the seven galicianportuguese cantigas de amigo by Martin Codax, the voice modulation and the body expressivity in jongleurs, seeking to identify in which way both these genres, narrative poem and lyric poetry, give prior to distintct gestures. In the occitan roman, we analyse - in the perspective of dialogical interventions - the relation of the interpreter with the listeners. In the seven chaints, we mark the using of rhetorical-styllistc resources as support to memory and voice expressivity. In this way, we contextualize the social function of jongleurs, delimiting its space, its habilities and marking its importance as trasnmissors of medieval literary production. As a synthesis of this investigation we reflect about the presence of this tradition in contemporary times through the transcription of Codax's chaints to the dance show "Sem Mim", made by Grupo Corpo
A partir do conceito de performance, segundo Paul Zumthor, buscamos, na narrativa occitana do século XIII, Roman de Flamenca, e nas sete cantigas de amigo galego-portuguesas, do poeta Martin Codax, os elementos que atestam a modulação da voz e a expressividade do corpo dos jograis, procurando identificar como esses dois gêneros, poema narrativo e poesia lírica, priorizam gestualidades distintas. No roman occitano, analisamos, na perspectiva das intervenções dialógicas, a relação do intérprete com os ouvintes. Nas sete cantigas, destacamos a utilização dos recursos retóricoestilísticos como suportes para a memória e expressividade da voz. Nesse sentido, contextualizamos a função social dos jograis, delimitando seu espaço, suas habilidades e ressaltando sua importância como transmissores da produção literária medieval. Como síntese dessa investigação, refletimos sobre a presença dessa tradição na contemporaneidade por meio da transcriação das cantigas de Codax para o espetáculo de dança Sem Mim , realizado pelo Grupo Corpo
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Santolin, Rosane Faraco. "Stanislavski na ópera : procedimentos e técnicas para o cantor-ator e o espetáculo." Universidade do Estado de Santa Catarina, 2013. http://tede.udesc.br/handle/handle/1271.
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Previous issue date: 2013-04-26Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
A presente pesquisa tem o objetivo de apresentar o percurso histórico do encenador Constantin Stanislavski no gênero da ópera e refletir sobre suas ideias e práticas neste ramo. Ele esteve à frente de estúdios de ópera de 1918 a 1938, dirigiu diversas óperas e adaptou o seu ¿sistema¿ para atores, criando um ¿sistema¿ que pode ser considerado como direcionado aos cantores-atores de ópera. No trabalho com a ópera, Stanislavski elaborou o chamado Sistema e Métodos da Arte Criadora, o qual se constitui de uma escada metafórica com sete degraus imaginários nos quais cada cantor-ator deveria subir de forma a atingir o seu próprio círculo criador. Dos degraus, pelo menos os quatro últimos foram elaborados especificamente para os cantores-atores. O tempo-ritmo é um conceito utilizado por Stanislavski em seu ¿sistema¿ tanto para atores quanto para cantores e seu desenvolvimento e aprofundamento em muito se deve ao envolvimento de Stanislavski com a ópera, gênero que teve imensa importância em sua vida artística. Ademais, o seu trabalho com este gênero ainda é muito negligenciado no Brasil e esta dissertação vem contribuir para a bibliografia em português sobre o tema.
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Wachowicz, Fátima. "Embodied: um espetáculo de metáforas dançadas." Escola de Dança, 2005. http://repositorio.ufba.br/ri/handle/ri/27072.
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Submitted by Glauber Assunção Moreira (glauber.a.moreira@gmail.com) on 2018-08-24T18:33:40Z
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O presente trabalho tem como objetivo analisar o espetáculo Embodied, de Cristian Duarte, usando como fundamentação teórica a Embodied Cognitive Science, sobretudo no que se refere ao estudo das metáforas, abordado por George Lakoff e Mark Johnson nas publicações de 1999(Philosophy in the Flesh-The Embodied Mind its Challenge to Western Thought) e 2002 (Metáforas da Vida Cotidiana). Relacionar dança e ciência foi a estratégia utilizada para a análise coreográfica, sobretudo porque o livro Philosophy in the Flesh foi um dos pontos de partida para a construção do espetáculo. Embodied sugere relações com o pensamento científico atual. Os padrões organizativos e estruturais da cena mostram-se conectados com as hipóteses filosóficas apontadas pelos autores Lakoff e Johnson, que propõem a mudança paradigmática sobre a natureza da razão, afirmam o conceito de pensamento metafórico, a incorporação da mente (embodied mind) e sugerem, ainda, que o pensamento, assim como as ações, decorrem do sistema sensório-motor, porém se manifestam de maneiras diferentes. A cognição é o espaço onde o corpo, o ambiente e o cérebro estão acoplados densamente. Desta maneira, a metáfora torna-se uma importante ferramenta cognitiva. Nesta pesquisa, são identificadas três metáforas principais usadas pelos dançarinos durante o espetáculo: o corpo-coisa, o corpo-embate e o corpo-pornô. Observa-se que tais metáforas se estabelecem através de manipulações entre um corpo e outro, do campo de forças criado entre os corpos dos dançarinos, caracterizado por relações de polarização, relações diádicas e vetores de ação de movimento que não tem necessariamente continuidade de um corpo para o outro. As metáforas dançadas apontadas na pesquisa atuam o tempo todo durante o espetáculo e se estruturam nos conceitos de experiências e julgamentos subjetivos dos intérpretes. Observa-se que os dançarinos estão sugerindo metáforas como estratégias de pensamento e ação e que eles atuam como agentes metafóricos que compreendem e experimentam uma coisa em relação à outra. A análise buscou examinar possibilidades de relações entre os conhecimentos artísticos e científicos por acreditar serem sutis as interfaces entre essas duas áreas de conhecimento.
This research work aims to analyse the Embodied performance from Cristian Duarte, by using the theoretical foundation of the Embodied Cognitive Science for the study of the metaphors, which have previously been proposed by George Lakoff and Mark Johnson in their publications in 1999 (Philosophy in the Flesh-The Embodied Mind its Challenge to Western Thought) and 2002 (Methaphors we live by). The initiative to carry out a choreographic analysis based on the relationship between dance and science was undertaken in view of the fact that the book Philosophy in the Flesh was one of the starting points for the creation of the performance. Essentially, Embodied suggests relationships between the performance and the current scientific thinking on cognition. Moreover, the organisational and structural patterns of the scenes can be considered connected to the philosophical hypothesis pointed out by the authors, Lakoff and Johnson, who have proposed a paradigm change in the nature of reasoning by surrounding the metaphor concept of thinking with the incorporation of the mind (embodied mind). They suggest that thoughts, as well as actions are produced by the sensory motor system, but manifested in different ways. Cognition is the space where the body, its surroundings, and the mind are tightly joined together. Therefore, the metaphor becomes an important cognitive instrument. In this research work, three main metaphors are used to represent the ballet dancers during the Embodied performance. They are body-thing, body-collision, and body-porno. The research has revealed that the collisions between bodies, and the force field created by them, establish the metaphors that are characterised by polarised relations of actions, which do not necessarily demonstrate continuity from one body to another. In addition, the three metaphors identified in this research, are put into action at every point in time of the performance. They are structured on the basis of the experiences and subjective judgements of the interpreters. Finally, this research demonstrates that the ballet dancers are applying these metaphors as strategies of thoughts and actions. They actually perform as metaphor agents who understand and experiment one thing in relation to another. In conclusion, this analysis has shown the possible relationship between artistic and scientific knowledge, since the interfaces between these two realms of knowledge are analogous.
Books on the topic "Artes do espetáculo - Europa"
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Bião, Armindo, and Adailton Santos. Artes do corpo e do espetáculo: Questões de etnocenologia. Salvador, Bahia: P&A Gráfica e Editora, 2007.
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Semenzato, Camillo. Arte en Europa hacia 1492: Pintura, escultura, arquitectura, artes aplicadas. Madrid: Grupo Anaya, 1992.
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El arte de la tapicería en la Europa del Renacimiento: I seminario internacional sobre tapicería y artes textiles, Lleida, 16-18 de septiembre = L'art de la tapisseria a l'Europa del Renaixement : i seminari internacional sobre tapisseria i arts tèxtils. Madrid: Centre d'Art d'Època Moderna, 2012.
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Estudos teatrais, GT historia das artes do espetáculo - ABRACE - 2009. UDESC, 2009.
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Jacques, Thuillier, Arizzoli-Clémentel Pierre, and Gruber Alain Charles, eds. Las artes decorativas en Europa. Madrid: Espasa Calpe, 2000.
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Semenzato, Camillo. Arte En Europa Hacia 1492: Pintura, Escultura, Arquitectura, Artes Aplicadas. Anaya Publishers, 1993.
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Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca. and Universidad de Guadalajara. Museo de las Artes., eds. 200 años, 200 obras: Selección gráfica de Europa y de América. Guadalajara, Jalisco: Universidad de Guadalajara, 1995.
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Ria, Jansen-Sieben, and Archives générales du Royaume (Belgium), eds. Artes mechanicae en Europe médiévale: Actes du colloque du 15 octobre 1987 = Artes mechanicae in middeleeuws Europa : handelingen van het colloquium van 15 oktober 1987. Brussels: [Archives et bibliothèques de Belgique = Archief- en Bibliotheekwezen in België], 1989.
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20 años de la Academia Europea de Ciencias y Artes: Europa como aspiración y como tarea. Madrid: Academia Europea de Ciencias y Artes, 2014.
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Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca. and Universidad de Guadalajara. Museo de las Artes., eds. 200 años, 200 obras: Selección gráfica de Europa y de América : colección del Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, marzo-mayo, 1995. [Guadalajara, Jalisco, México]: Museo de las Artes, 1995.
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Kurze, Dietrich. "Lob und Tadel der artes mechanicae unter besonderer Berücksichtigung des Speculum vite humane des Rodrigo Sánchez de Arévalo (1467) - mit drei Anhängen." In Handwerk in Europa, edited by Knut Schulz, 109–54. Berlin, Boston: De Gruyter Oldenbourg, 1999. http://dx.doi.org/10.1524/9783486594423-009.
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2
Fried, Johannes. "Karl der Große, die Artes liberales und die karolingische Renaissance." In Karl der Grosse und sein Nachwirken. 1200 Jahre Kultur und Wissenschaft in Europa, 25–43. Turnhout: Brepols Publishers, 1997. http://dx.doi.org/10.1484/m.sths-eb.4.2017003.
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3
Santos, Milena Pereira dos. "QUEM ESSE ESPETÁCULO PENSA QUE VOCÊ É? MODOS DE ENDEREÇAMENTO NO CINEMA E NAS ARTES PRESENCIAIS." In Artes: Propostas e Acessos, 23–31. Atena Editora, 2020. http://dx.doi.org/10.22533/at.ed.9342017092.
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4
SOUZA, Laís Correia Teófilo de, Lucas Francelino de LIMA, Gabriela Gomes dos SANTOS, Jôse Pessoa de LIMA, and Marinalva Pereira de ARAÚJO. "O DISCURSO DO MEDO COMO ESPETÁCULO: RELAÇÕES ENTRE ENUNCIADOS E ENGRENAGENS SOCIAIS." In PESQUISAS EM TEMAS DE LINGUÍSTICA, LETRAS E ARTES. RFB Editora, 2021. http://dx.doi.org/10.46898/rfbe.9786558890263.4.
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Guimarães, Iza Lopes. "PARÓDIA DA CENA DO BALCÃO DE ROMEU E JULIETA NO ESPETÁCULO MÔNICA E CEBOLINHA NO MUNDO DE ROMEU E JULIETA." In REFLEXÕES SOBRE CINEMA, LITERATURA E OUTRAS ARTES:, 399–416. Even3 Publicações, 2021. http://dx.doi.org/10.29327/532420.1-27.
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"Reading instead of Travelling: Nathan Chytraeus’s Variorum in Europa itinerum deliciae." In Artes Apodemicae and Early Modern Travel Culture, 1550-1700, 237–61. BRILL, 2019. http://dx.doi.org/10.1163/9789004401068_012.
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"Imágenes del mundo transarchipiélico novohispano. De las letras y las artes visuales entre Europa y Asia, el Caribe y Japón." In Colonia-Independencia-Revolución, 45–90. Vervuert Verlagsgesellschaft, 2017. http://dx.doi.org/10.31819/9783954875795-003.
Full textConference papers on the topic "Artes do espetáculo - Europa"
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PEREIRA, Patrícia Gomes, and Elaine Cristina Rodrigues de SOUZA. "O espetáculo de dança contemporânea para o público infantil: um processo investigativo de construção colaborativa." In Memória ABRACE XVI - Anais do IX Congresso da Associação Brasileira de Pesquisa e Pós-Graduação em Artes Cênicas. Recife, Brasil: Even3, 2017. http://dx.doi.org/10.29327/14094.1-2.
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Rial Zamudio, Sabela. "Vinculaciones entre arte y terror. La insurgencia vanguardista en la Europa del siglo XX." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.4917.
Full textAbstract:
Cuando Karlheinz Stockhausen valoró los atentados del 11S como "la mayor obra de arte jamás realizada", el escándalo provocado fue mayúsculo. Varios de sus conciertos fueron suspendidos y hasta su propia hija pianista anunció que no volvería a actuar bajo el apellido de su padre. Sin embargo, la vinculación entre arte y terror no resultaba ni mucho menos nueva o descabellada. Ya en 1757, cuando el terror aún estaba por surgir, Edmund Burke definía el concepto de lo sublime como una categoría evocadora de lo oscuro y terrorífico. No es de extrañar que fuese precisamente él quien años después acuñase el término terrorismo en referencia al sistema de higienización implantado en Francia durante la Revolución. Ya en el siglo XX el terrorismo cultural llegó de la mano de la vanguardia artística. Fue a partir de este momento que la destrucción de la moral tradicional, la exaltación de la vida y la lucha contra la monotonía comenzaron a convertirse en reivindicaciones habituales de los movimientos artísticos, que se decantaron por actitudes cada vez más violentas y contundentes como medio para conquistar sus exigencias. Los dadaístas ya habían manifestado su fascinación por los grandes maestros del asesinato cuando Breton visionó el hecho de disparar a ciegas contra la multitud como el acto surrealista más puro. Pero no fue hasta los años sesenta que la influencia de la vanguardia acabó por derivar en notables incursiones en el campo de la verdadera lucha armada. La segunda mitad de este decenio se vio marcada por el estallido de los disturbios y ocupaciones del 68, así como por la progresiva incorporación de la acción directa y el terrorismo político en el seno de una revuelta cultural que no sólo definiría el cambio del paradigma artístico sino también una nueva forma de entender la actividad subversiva.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4917
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Asión Suñer, Ana. "Sinergias y despedidas: el arte audiovisual como reflejo de la emigración española actual a Europa." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5759.
Full textAbstract:
Como consecuencia de una globalización cada vez más acusada, el fenómeno migratorio ha cobrado en los últimos años un especial interés en los diferentes medios. Las aportaciones derivadas de las artes visuales en relación con este tema han sido variadas, con exposiciones como “Artistas Acoge Arte + Inmigración” (Antequera, Málaga; del 12 al 26 de febrero de 2016), “#SIN FILTROS. Miradas al éxodo que Europa no quiere ver” (Matadero Madrid; del 26 de mayo de 2016 al 8 de enero de 2017) o “Somos migrantes” (León; del 16 al 31 de enero de 2017). Sin embargo, el caso concreto de la emigración española a Europa ha adquirido un mayor protagonismo en plataformas audiovisuales (cine y televisión, principalmente, pero también en el videoarte: “Lo inconmensurable”, CentroCentro Madrid, del 29 de abril al 28 de agosto de 2016), las cuales se han hecho eco de una situación cada vez más normalizada y cotidiana. En este caso, el audiovisual se constituye como un medio perfecto en sus diferentes plataformas para la transmisión de estereotipos mantenidos de forma diacrónica, sobre los que hay que bucear para hallar el profundo poso crítico que transmiten hacia las actuales situaciones en Europa.En el ámbito español, la ficción audiovisual (Hermosa juventud, 2014; Perdiendo el Norte, 2015) ha sido y es uno de los principales canales donde se ha visto reflejado esta realidad. Ésta es precisamente la que muchas veces permite poner cara a estas situaciones, actuar como un lienzo donde se plasma una reactualización de las escenas costumbristas que antaño poblaban los cuadros. Ahora la situación es distinta. Las circunstancias han hecho que el escenario cambie, pero no sus protagonistas.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5759
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Chouati, Yassine. "El registro gráfico en la obra del artista árabe expatriado en Europa: recursos y narrativas." In IV Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales. ANIAV 2019. Imagen [N] Visible. Valencia: Universitat Politècnica de València, 2019. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2019.8954.
Full textAbstract:
En esta comunicación pretendemos adentrarnos en el proceso creativo de una serie de artistas árabes de la diáspora, con el propósito de comprender los mecanismos discursivos que emplean en sus trabajos y analizar la relación identitaria existente entre ellos, centrándonos en el análisis de aquellos aspectos comunes que afectan a la construcción de sus discursos artísticos. Concretamente, pretendemos profundizar en cómo la condición identitaria de dichos artistas, indefectiblemente marcada por la experiencia del exilio, ha influido en la construcción de sus respectivas estrategias narrativas y en el uso que hacen de la metáfora como instrumento con el cual tratar problemáticas como la migración, los conflictos identitarios y el racismo, entre otros. Los artistas que emplearemos como ejemplo son creadores arabo-descendientes y expatriados, voluntaria o involuntariamente. Nos referimos concretamente a creadores como, Adel Abidin, Zineb Sedira, Hicham Benohoud, Mounir El Fatmi y Yto Barrada. La obra de estos artistas que trabajan desde la distancia que les proporciona la atalaya europea se clasifica en tres líneas de trabajo -la memoria, el viaje y la identidad-, siendo el registro gráfico su principal medio de observación, captación y reflexión sobre la realidad.
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Sonseca Mas, Yara. "Construir una identidad desde las ruinas de la modernidad. La obra de Amie Siegel." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5813.
Full textAbstract:
Esta comunicación analiza el trabajo de la artista estadounidense Amie Siegel como punto de partida para abordar el concepto de identidad en el mundo globalizado. A modo de caso de estudio, se comentarán algunas de sus obras, principalmente la película Provenance (2013), en la que la artista traza en reverso el camino que los muebles diseñados por Le Corbusier para la ciudad de Chandigarh recorren desde su ubicación original hasta las casas de coleccionistas de diseño en Europa y Estados Unidos. Tanto en esta película, como en la recientemente producida, Double Negative (2015), y en una sus primeras instalaciones, como Berlin Remake (2005), Siegel aborda el tema de la ruina moderna y su transformación en la era de la globalización. Dicha transformación afecta directamente a la construcción de las identidades, siendo este el tema esencial que, a mi juicio, conecta toda su obra. Como comisaria de su única exposición retrospectiva hasta la fecha, Amie Siegel. Double Negative, presentada en 2016 en el Museo Villa Stuck de Múnich, he tenido la oportunidad de profundizar en su trabajo y, mediante mi participación en este congreso, desearía poder llevar este ejercicio un paso más allá, compartiendo mis reflexiones con otros autores para abrir nuevos caminos en la investigación de estas cuestiones.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5813
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Sempere i Soler, Josep Francesc. ""Memorial National de Gurs. 1994"." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5879.
Full textAbstract:
El propósito del trabajo es dar a conocer la existencia de este campo denominado de internamiento en el Béarn, desde los años 1939 a 1945. En concreto en la población de Gurs, un pequeño pueblo, en el Pirineo Atlántico francés. Y del Memorial obra de Dani Karavan. Tras la derrota militar del ejército republicano se produce un exilio masivo - se cifra en medio millón de personas tras la caída de Barcelona el 26 de enero de 1939-, del ejército y población de la IIª República. El gobierno francés crea esta suerte de campos de internamiento. El de Gurs fue el más grande y encerró a los que consideraban indeseables: republicanos procedentes de España, brigadistas internacionales, aviadores republicanos. Refugiados de la Europa Central y sin papeles, comunistas y resistentes franceses, gitanos y judíos extranjeros. En esta landa inhóspita permanecieron encerrados 60.550 hombres, mujeres y niños. Muchos descansan en los dos cementerios adjuntos al antiguo campo (en uno los republicanos, brigadistas, otros presos y el otro es el cementerio judío). Decidí realizar esta investigación en el terreno y hablando con supervivientes del campo, residentes en pueblos cercanos, para que los jóvenes europeos puedan tener conocimiento de que la Segunda Guerra Mundial comenzó en 1936, aunque no aparezca en ningún libro de historia. El gobierno francés tras años de intentar hacer desaparecer cualquier vestigio del mismo y ante la presión de los ciudadanos del Béarn, de la “Amicale du camp de Gurs”, asociaciones judías y otras muchas organizaciones y personalidades, paralizaron la destrucción completa de los restos del antiguo campo y encargaron al artista israelí Dani Karavan - uno de los artistas de “Land Art” vivos más reconocidos -, la construcción de este Memorial (existen tres en toda Francia), se inaugura el 14 de octubre de 1994. Al estar realizando la tesis sobre la obra y persona de Dani Karavan, acudí - en octubre de 2011- , al igual que a otros países y lugares donde tiene emplazadas obras ( Alemania, España, Francia, Italia, Israel,..), para realizar fotografías, filmaciones, dibujos, apuntes, obtener información de los ayuntamientos e ir recabando información para la tesis. Descubrí el lugar y recordé las palabras del artista: “Cuando trabajo en un nuevo emplazamiento trato con aspectos visibles e invisibles, con materiales sensibles, con memorias y con mi propio estado de conciencia y conocimiento histórico” . Tal fue el impacto, que pasé unos días consternado y más conforme oía relatos de supervivientes y leía sobre el campo y el trabajo de Dani Karavan, ante el ofrecimiento de realizar la obra y descubrir la realidad de lo sucedido. En enero acudí al “atelier” de Dani en París (ahora reside en Tel Aviv, pero venía a Europa unos días por compromisos ), hablé con el maestro el día 21/01/2017 y realicé unas fotografías tipo retrato, tras la entrevista. Detrás de él , en la pared, había unos fotos de este “Memorial National de Gurs".http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5879
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Martínez Arroyo, Emilio José, Trinidad Gracia Bensa, Francisco Giner Martínez, and Carlos García Miragall. "Producción de sentido y proceso de trabajo en el videomapping kavafisVives." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.6339.
Full textAbstract:
KavafisVives es una producción audiovisual que fue proyectada en octubre de 2016 en el Claustro del Centro Cultural La Nau, en Valencia, con motivo de las actividades paralelas realizadas en el evento Mostra viva del Mediterrani 2016: cultura i conflictes del Mediterrani. Realizado por el grupo de investigación Laboratorio de Luz de la UPV dentro del proyecto de investigación “Pantallas mutantes” financiado por MINECO HAR2103-47778R. El proyecto parte de una interpretación del tema “cultura i conflictes del Mediterrani”, que intenta conectar las raíces de la cultura del Mediterráneo, con la emergencia del momento actual y el propio lugar físico sobre el que se proyectará este audiovisual. A partir de la obra poética de Constantino Kavafis que aborda el viaje y el mar como lugar de encuentro, separación, perdida y vida, desde de la subjetividad vital, intentamos generar un discurso de las recientes crisis de refugiados que intentan cruzar ese mismo mar hasta Europa, huyendo de la barbarie hacia un futuro posible. La proyección se realiza en el Claustro del Centro Cultural La Nau, en Valencia, en cuyo centro se encuentra la estatura de Lluis Vives, humanista cuya integridad intelectual y obra están vinculadas a los mejores virtudes del espíritu europeísta. KavafisVives es un vídeo mapping realizado por un grupo de artistas interdisciplinar cuya premisa inicial era la de crear una narrativa alejada del tono espectacular de algunas producciones de vídeo mapping, que mantenga un tono de sobriedad que permita aproximarse con respeto a la situación actual, desde la reflexión del discurso europeísta de Lluis Vives y de la subjetividad poética de Constantino Kavafis.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.6339
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Flores Flores, Nallely Natali. "Relación entre la revista literaria estridentista Horizonte y la primera generación del muralismo." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.4841.
Full textAbstract:
En el presente trabajo se pretende establecer un puente entre dos de los movimientos artísticos del México posrevolucionario, mismos que representan una parte del proyecto hegemónico de tal periodo. Dicho puente va de lo visual a lo escrito, a través del muralismo y el estridentismo, o viceversa. Lo anterior, gracias a que uno de los productos estridentistas más notables, la revista Horizonte (1926-1927), contiene imágenes tomadas de los muralistas de la primera generación. Es así que logran unirse dos textos artísticos de distinta naturaleza para delinear someramente un discurso dado por el Estado a través de los artistas y escritores, un discurso que habla del contexto sociocultural de los veinte en México pero también de la marcada influencia ideológica tanto de Latinoamérica como de Europa; e, incluso, de la situación política añeja que se vive actualmente en el país.Se realiza, entonces, una selección de textos de la revista Horizonte - aquellos que se acompañan con las imágenes mencionadas - para analizarse de manera conjunta a las imágenes que les acompañan. De tal selección deriva un análisis en el que se piensan como signos tanto los códigos escritos como visuales. Tal análisis se rige por categorías que cuestionan a quién escribe, a quién se escribe, desde qué perspectiva se hace y, en algunos casos, también a los objetos que rigen el discurso. Es decir, cuestionan al enunciador, el enunciatario, el espacio, el tiempo y los objetos que intervienen, en caso de hacerlo. Con tales cuestionamientos es que se vuelve posible hablar de ciertos aspectos ideológicos, que aparecen como constantes, entre los dos movimientos que se estudian.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4841
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Siso Monter, Montserrat. "Marga Clark la última Roësset. Arte a través del tiempo y de las fronteras." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5677.
Full textAbstract:
La fotógrafa Marga Clark, última descendiente de la saga familiar Roësset, donde destacan las artistas femeninas, es una poeta y fotógrafa que combina ambas disciplinas en su obra, la misma, destaca por un lirismo único, que traspasa fronteras y unifica sentimientos en un mundo globalizado. Resultando ser un claro exponente de la plástica artística actual. En la comunicación que propongo, pretendo realizar un recorrido por sus cuarenta años de trayectoria profesional y sus tres etapas más destacadas, analizando la evolución de su realización artística.Marga Clark ha publicado varios libros de sus obras, el primero de ellos, Static Movement/Movimiento Estático, fue adquirido por el MOMA de Nueva York con el fin de ser vendido en su librería. En 1991 publica Impresiones Fotográficas, un libro ensayo sobre el lenguaje fotográfico. Esta artista colabora con diversos medios de comunicación desde la década de los 80 como reportera gráfica, entre ellos La Vanguardia o El País.A lo largo de su carrera ha expuesto su obra fotográfica en numerosas exposiciones, tanto individuales como colectivas en América y Europa. En estos momentos se puede apreciar su exposición retrospectiva Marga Clark, Cosmología (1976-2016) en la Fundación Antonio Pérez, y en el Museo de la Fotografía de Huete, Cuenca. Por otro lado, cabe destacar que su obra se puede encontrar de modo permanente en colecciones como la del Museo de Brooklyn de Nueva York, la Biblioteca Nacional de Paris, el Museo Español de Arte Contemporáneo de Madrid, la Col.lecció Testimoni de la Caixa de Barcelona, la Sociedad Estatal para Exposiciones Internacionales, la Fundación Telefónica o la Colección Helga de Alvear, entre otras.Se puede decir que esta fotógrafa-poeta destaca por su obra, que une países y los interrelaciona, a la vez que unifica de manera magistral fotografía y poesía.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5677
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Escribano Belmar, Beatriz. "El rol de la globalización tecnológica en el desarrollo de las prácticas artísticas ligadas a la xerografía." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5876.
Full textAbstract:
La década de los años 60 tiene especial relevancia no sólo a nivel político, económico y social, sino que alcanzan el mercado dos tecnologías automáticas de/para la imagen que revolucionarán el contexto artístico: el Personal Computer en 1964 y la cámara de video Portapack en 1967. Mientras el consumo y los medios masivos comenzaban a ser factores fundamentales, otros artistas empezaban a sentirse atraídos hacia una tecnología recientemente surgida, que encontraron en universidades, oficinas o copy shops; y que supuso una auténtica revolución, sobre todo, por su instantaneidad a nivel procesual y de resultado. Era la máquina automática de multirreproducción gráfica o fotocopiadora, que había llegado al mercado en 1959 con el modelo Xerox 914.La globalización en el arte es inminente y, cuando hay tecnología participando, la relación entre lo local y lo global se hace totalmente dependiente. Como tecnología ligada al mercado, la fotocopiadora, que comenzó como producto de la compañía Xerox, estableció una configuración geográfica empezando su comercialización en los años 60 en EE.UU., llegando a Europa durante los años 70; y fue a partir de los 80, al perder los derechos de patente, cuando otras empresas comenzaron a extender su oferta. Además, su elevado precio hizo a los artistas depender del mecenazgo de las empresas para la investigación personal, determinando geográficamente el desarrollo de las prácticas artísticas con la fotocopiadora.Se codificaron, así, los contextos donde esta tecnología fue utilizada artísticamente, siendo influenciadas las creaciones por las disciplinas y movimientos artísticos con más peso en cada país. El objetivo será determinar cómo la globalización y comercialización tecnológica han influido en el desarrollo de diversas prácticas artísticas, no sólo mediatizándolas y evolucionando con su desarrollo, sino diseñando su cartografía artística. http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5876