Academic literature on the topic 'Artes escénicas – Investigación – Metodología'

El artículo presenta una propuesta metodológica para el proceso de creación dramatúrgica actoral, que es una fusión de distintas metodologías de práctica escénica, teniendo por base el trabajo práctico de una actriz/dramaturga, apoyándose en postulados teóricos del arte de actor/actriz y en procedimientos de creadores contemporáneos. Tal propuesta, resultado de una investigación cuya metodología presentó características de una investigación práctica en las artes, puede proporcionar a profesionales y estudiantes de las Artes Escénicas instrumentalización para dar voz a sus creaciones y autonomía en sus procesos.

Este artículo presenta una investigación a partir del análisis de la experiencia del taller teatral Afrontando Miedos de la compañía inclusiva Vertebradas Artes Escénicas, dirigida por Laura Suárez, impartido en el Congreso Aletheia: arte, arteterapia, trauma y memoria emocional, para observar y cotejar los resultados de la actividad artística teatral con los recursos paliativos en la superación del trauma. Intenta responder a ¿Cómo ayuda un taller teatral experiencial en la gestión emocional del miedo? y ¿Qué papel juega la inclusión en el proceso? La investigación vincula la importancia del cuerpo, la gestión emocional, el espacio seguro y la conexión con uno mismo y con los demás, en el tratamiento de recuperación, reflejando el resultado de las últimas investigaciones en neurociencia y psiquiatría. Se emplea una metodología fenomenológica de corte cualitativo. El análisis temático correspondiente a los siguientes temas y categorías: el taller de teatro, el cuerpo, la inclusión, el entorno seguro, arteterapia, el cuidado y la gestión emocional del miedo. Las fuentes de información son las encuestas a dieciséis asistentes al taller, la observación participante y entrevistas semiestructuradas realizadas a los tres facilitadores con diversidad funcional. Los resultados responden a los objetivos de la investigación: Es posible gestionar los propios miedos en un taller de teatro inclusivo. Se ha utilizado el cuerpo como fuente de información. La dinámica del taller del Teatro de la experiencia ha facilitado, tanto la relación con las personas del grupo en un marco de inclusión y diversidad, como la conexión con la emoción del miedo en un entorno seguro, canalizándolo expresivamente a través de las artes escénicas. La principal limitación de la investigación es que el análisis corresponde a un solo taller. Se pretende aportar conocimiento sobre la experiencia de profesionales del arteterapia en relación a la gestión emocional del miedo y no se pretende generalizar los datos a otro ámbito distinto.

El presente artículo parte de la idea de que el sistema competencial expuesto en el sistema educativo español se sustenta en una nueva episteme para reproducir unas identidades en coherencia con aquellos que ejercen el poder. A partir de este marco tendremos como objetivo proponer un diseño pedagógico que permita desarrollar identidades emancipadoras desde la narración y la corporalidad mediante las artes escénicas durante la educación secundaria obligatoria. En cuanto a la metodología, nuestra propuesta partirá de las potencialidades del recuerdo, el cual liberaremos de un horizonte veritativo para focalizarlo en cómo la identidad guía el ejercicio del recuerdo, siendo conscientes de que el poder deriva la fragilidad de la memoria hacia la fragilidad de la identidad. Así, nos centraremos en cómo construir mediante la evaluación espacios de intersubjetividad que puedan ser balizas de resistencia a los implusos homogeneizadores de la memoria colectiva. Con tal de hacer efectivos los espacios intersubjetivos utilizaremos la investigación-acción artística como proceso creativo y reflexivo, además expondremos dos ejes temáticos que nos permitan cuestionar nuestra identidad. Por un lado, tendremos el telón de fondo de la IIª República, la guerra civil y el franquismo. Por otro lado, introduciremos un relato ficticio que nos guie por los procesos de normativización de los cuerpos, donde aparecerá como elemento contante la obra The Plague de Robert Gerhard. Nuestra aportación plantea un nuevo horizonte educativo al guiarnos por las artes escénicas en la construcción de posibles tramas intersubjetivas donde desarrollar identidades corporales y narrativas no esperadas.

Reportaje del teatro de sala en la escena pereirana es un trabajo panorámico que reconstruye la memoria histórica del movimiento teatral en Pereira de 1884 a 1990. Se dividen en tres etapas, tanto epistemológicas como estéticas, que buscan configurar lo que ha sido el origen, la evolución y actualidad de esta manifestación artística en la ciudad, entender su genealogía o las influencias artísticas tejidas entre las diferentes agrupaciones del entramado teatral pereirano y la retroalimentación que puede tener el teatro con otros lenguajes como el cine y la televisión.La investigación conjuga la metodología historiográfica con las herramientas periodísticas que permite hilvanar fuentes testimoniales con documentales y relacionar el contexto social, económico y cultural de cada acontecimiento. Su espacio geográfico se delimita a Pereira, pero incluye a Dosquebradas por ser parte del perímetro metropolitano de la ciudad. También se hace alusión a otros municipios del territorio risaraldense, que de una u otra manera entran en conexión con el movimiento teatral pereirano. Así como se analiza el intercambio escénico que los colectivos locales sostienen con ciudades de relevancia en este arte a nivel nacional como: Manizales, Cali, Medellín y Bogotá y su exportación como producto cultural a diferentes partes del mundo.Si bien la pesquisa se centró en documentar el teatro de sala, también se relacionaron las demás manifestaciones escénicas que han tenido lugar en Pereira como: el teatro de calle, el comunitario, el gestual, los títeres, las marionetas, la pantomima, el clown, las artes circenses, entre otras, pues los colectivos teatrales de la ciudad se ha visto obligados a trasmutar de un formato a otro para poder asegurar su subsistencia.

<p class="p1">Resumen</p><p class="p2">La investigación en Arte; y más específicamente, la investigación en Danza performances y Tecnologías de la Información y la Comunicación (TIC) -desde la academia<span class="Apple-converted-space"> </span>local-; es un asunto pendiente. Sus contenidos epistemológicos son aún discutibles, proviniendo durante los últimos años, tanto de las propias prácticas hibridas entre informáticos y artes escénicas (sobre todo referido a la producción de obra) como de políticas y estrategias educativas. Esto lo transforma en un argumento heterogéneo, lo que no siempre contribuye a la claridad del debate.</p><p class="p2">Lo esencial de la cuestión es si existe un fenómeno como la investigación transdisciplinar en danza performances y tecnología; según el cual el proceso de discrepancias metodológicas y materiales -entre lo corporal y lo puramente informático- es en sí mismo una parte primordial del resultado de dicha investigación. Y no, como ocurre generalmente, sea “la obra” el resultado “artístico” esperado.<span class="Apple-converted-space"> </span></p><p class="p3"><span class="s1">Palavras clave:<span class="Apple-converted-space"> </span></span>Corpo. Dança performance tecnológica. Investigação acadêmica. Investigação em arte. Metodologias.</p><p class="p3"> </p><p class="p3">PARA UM PROJETO DE INVESTIGAÇÃO ACADÊMICA NA DANÇA PERFORMANCE TECNOLÓGICA</p><p class="p1"><em>Resumo</em></p><p class="p2"><span class="s2"><em>Pesquisa em Arte, e mais especificamente, a pesquisa em performances de danç</em></span><em>a e tecnologias de informação e comunicação (TIC) - da academia local, é uma questão pendente. Os seus conteúdos epistemológicos que surgiram nos últimos anos, ainda são discutíveis tanto das práticas híbridas entre ciência da computação e as artes cênicas (principalmente referentes à produção de trabalho), quanto das políticas e estratégias educacionais. Isso o transforma em um argumento heterogêneo que nem sempre contribui para a clareza do debate.</em></p><p class="p2"><em>A essência da questão é saber se existe um fenômeno como a pesquisa transdisciplinar em performances de dança e tecnologia segundo a qual o processo de discrepâncias metodológicas e materiais - entre o corpóreo e o puramente informatizado - é, por si só, uma parte primordial do resultado da referida investigação, e não, como costuma acontecer, o resultado “artístico” é “o trabalho” esperado.</em></p><p class="p5"><span class="s1"><em>Palavras-chave:<span class="Apple-converted-space"> </span></em></span><em>Corpo. Dança desempenho tecnológico. Investigação académica. Investigação em arte. Metodologias.</em></p>

En este texto analizamos el papel de la evaluación a partir de la investigación dirigida (ID) en la enseñanza-aprendizaje de la Estética en la carrera de Diseño Escénico. Para ello ubicamos algunas notas como antecedentes de la ID, indagamos en el concepto de formación estética como claves de esta propuesta, y por último, valoramos la aplicación de esta metodología a través de trabajos de jóvenes de dicha carrera. Concluimos con que la implementación de la evaluación como ID permite la fundamentación los trabajos de los estudiantes acorde al entorno cultural y social que los rodea.

El presente número de la revista Investigación Teatral continúa la celebración de nuestro 25 aniversario (1993-2018) con artículos de diversa temática a cargo de colaboradores que respondieron a la convocatoria permanente. Sin habérnoslo propuesto, un 50% de los materiales aquí presentados provienen de autores argentinos y brasileños, además de una colaboración de España; el resto son de México. Esto da testimonio del diálogo que desean entablar nuestros pares iberoamericanos con lectores nacionales, en este caso para reflexionar sobre nuevas formas de ejercer la dramaturgia, crear performances que corporizan la memoria o bien funcionan como vehículos de denuncia, escenificar la parodia en conventos novohispanos y enseñar el arte del maquillaje escénico, entre otros temas abordados en las páginas que siguen.Abrimos con un artículo de Jorge Dubatti, quien nos habla de cómo en la Argentina de la posdictadura se han adaptado obras del repertorio shakespereano, a fin de interrogarse desde la metodología del Teatro Comparado sobre las políticas de la diferencia y la territorialidad implícitas en la recontextualización los “clásicos universales”. Le sigue un trabajo de Malala González, quien indaga acerca de la articulación entre arte y ciudad a partir de dos performances que ponen en escena la memoria sobre la historia cultural de Buenos Aires. Por su parte, el brasileño André Felipe Costa Silva reflexiona sobre el nuevo papel que juegan los dramaturgos –particularmente del ámbito latinoamericano– en una época de teatralidades post-dramáticas y performativas. Luego, Abel Rogelio Terrazas nos mete en una máquina del tiempo para trasladarnos al siglo XVIII y desde allí conocer el fenómeno del coloquio conventual novohispano, realizado por monjas que, en los conventos, lograban montajes llenos de humor y parodia. Regresamos a la actualidad de mano de la investigadora y creadora Anna Albaladejo, quien ofrece un abordaje muy personal del trabajo de dos creadoras valencianas que desde la danza y el teatro performan sus memorias autobiográficas.La sección de testimonios contiene una reflexión de Juliana Welasco, egresada brasileña de la Maestría en Artes Escénicas de la Universidad Veracruzana, sobre las posibilidades que tiene la enseñanza del maquillaje escénico en proyectos de innovación educativa. Por su parte, Itzel Aparicio narra su experiencia como artista y estudiante mexicana en Buenos Aires, en donde realizó un performance de “exhibición etnográfica” para denunciar la violencia que aqueja a su país.La sección de reseñas ofrece noticia crítica de dos nuevas publicaciones y dos inquietantes puestas en escena (una de Brasil y otra presentada en la ciudad de Xalapa). El número cierra con un homenaje in memoriam a Félix Lozano, actor de la Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana, fallecido en mayo del presente año (2018). Félix deja un legado de rigor y dedicación en los muchos montajes que contaron con su presencia a lo largo de tres décadas.Finalmente, damos la bienvenida a Gisel Amezcua y a Carlos Gutiérrez Bracho, quienes con este número inician su labor como coeditores de Investigación Teatral. Gisel tiene experiencia como colaboradora de la Dirección Editorial de la Universidad Veracruzana y la revista Tramoya, mientras que Carlos es doctor en Lenguajes y Manifestaciones Artísticas y Literarias por la Universidad Autónoma de Madrid, también con amplia experiencia editorial, y se ha unido al equipo del Centro de Estudios, Creación y Documentación de las Artes de la UV como investigador interino. Agradecemos la labor realizada por Gloria Luz Godínez como editora de nuestra revista durante los últimos dos años, y le deseamos éxito en sus nuevos proyectos.

A través de las obras -poema, composición musical, puesta en escena, y vestuario y pintura de telón de fondo-, que conforman L’aprés-midi d’un faune, estrenada en mayo de 1912 en París, se propone un experimento de recreación en el ámbito de las Enseñanzas Artísticas Superiores. La finalidad es que esta experiencia provoque la necesidad de acudir a los documentos históricos como punto de partida de la recreación escénica, a desarrollar la vivencia del cuerpo como archivo de memorias, a ser consciente de la necesidad de la apropiación en el repertorio coreográfico y al cuestionamiento de algunos conceptos clave para comprender el repertorio de la danza contemporánea hoy en día y para relacionarlos con la práctica de danza. La metodología utilizada se entronca con la investigación basada en las artes o performativa, que busca en lo procesos pedagógicos comunitarios la experimentación a través de la experiencia fundamentada. Los resultados tienen como eje central transparentar la vivencia de recreación en el aula, el proceso creativo, e ir generando métodos y estrategias narrativas de la experiencia personal y comunitaria.

Desde hace unos años, la universidad argentina empezó a asumir la promoción cultural como una de sus funciones sustantivas, de modo que se hizo necesario pensar formas de relacionarla con la investigación y la formación. Este artículo expone una experiencia de vinculación social en torno a la formación de espectadores, llevada a cabo desde las materias Artes Escénicas I y II de la licenciatura en Cultura y Lenguajes Artísticos de la Universidad Nacional de General Sarmiento (UNGS). Se enfoca principalmente en cómo la innovación pedagógica se desplaza hacia una innovación social que involucra el trabajo de estudiantes, graduados, docentes y no docentes de la universidad. Analiza, además, conceptos alrededor de la formación de espectadores y de la relación entre educación superior y acceso a la(s) cultura(s).

En 2018 conmemoramos 25 años de la creación de la revista Investigación Teatral, que inicialmente llevaba el subtítulo “Anuario de la Asociación Mexicana de Investigación Teatral” (AMIT). Esto representó un paso decisivo hacia la consolidación de los estudios teatrales en México, ya que con los congresos anuales de la AMIT y con la revista, los investigadores nacionales ahora teníamos foros para poner a discusión nuestros trabajos con colegas de otras disciplinas y diversos países. El primer número se editó en 1993, pero logró imprimirse hasta dos años después. Los artículos de ese número inaugural, presentado por Domingo Adame y Octavio Rivera, abordan desde el paradigma aristotélico de la representación (José Ramón Alcántara) hasta la necesidad de crear un aparato crítico para analizar el arte corporal del performance (Gabriel Weisz). Por su parte, Armando Partida escribe sobre la comedia soviética de los años 1920, Elka Fediuk sobre la formación actoral, Domingo Adame sobre la posmodernidad frente al teatro, y Fernando Carlos Vevia sobre Bertolt Brecht; trabajos todos ellos presentados en el primer Congreso de la AMIT hace también un cuarto de siglo. En 2002, Investigación Teatral logró regularidad semestral al ser acogida por la Facultad de Teatro de la Universidad Veracruzana, en donde continuó su misión de divulgar trabajos inéditos de investigadores nacionales y extranjeros.A partir de 2011, cuando se inaugura su segunda época, la revista comenzó a editarse en instalaciones del ahora Centro de Estudios, Creación y Documentación de las Artes (CECDA) de la UV, y en 2014 apareció en su versión electrónica, que hoy rebasa las 12 mil consultas. Además, Investigación Teatral pasó a convertirse en una revista arbitrada mediante rigurosos dictámenes de pares, miembros de nuestro Consejo Asesor, la AMIT, del Centro Nacional de Investigación Teatral “Rodolfo Usigli” (CITRU), y de universidades de todo el mundo. Además, su nuevo subtítulo (“Revista de artes escénicas y performatividad”) abre su campo temático a otras disciplinas de las artes escénicas, así como a fenómenos de performatividad cultural. El número que presentamos ahora es ejemplo de dicha apertura, con un dossier sobre performatividad, imagen y etnografía, coordinado por Rodrigo Parrini y Hortensia Moreno, colegas formados en la antropología y los estudios de género. La diversidad de los textos que nos llegan refleja a su vez las transformaciones que han venido presentando las artes escénicas durante el siglo XXI, cada vez más entretejidas con procedimientos interdisciplinarios, e interesadas en problemáticas de orden ético, social y político. Hoy por hoy, Investigación Teatral continúa siendo la única revista de su tipo a nivel nacional, y sus contenidos se enriquecen con colaboraciones de una nueva generación de investigadores egresados de posgrados como la Maestría en Artes Escénicas de la Universidad Veracruzana, que en 2018 cumple 10 años. Cerramos esta presentación agradeciendo al CITRU su interés por iniciar una nueva etapa de colaboración con Investigación Teatral, a fin de garantizar la continuidad de este proyecto.

Esta investigación se fundamenta en la corporización (embodiment) como forma de producir conocimiento que permite reflexionar sobre las maneras en que los performers construyen el espacio con otros dentro de un contexto de improvisación escénica. Dicho contexto es abordado desde las experiencias de ceder (yielding) en Body-Mind Centering, en interacción con la danza Contacto Improvisación. El soporte metodológico de esta tesis es un laboratorio de investigación práctica con ejercicios reflexivos entre el diálogo somático y cognitivo, cuyo propósito es acercarse a una comprensión de la consciencia que el performer desarrolla del espacio o entorno en el cual se relaciona consigo mismo y otros. Es a lo largo del laboratorio que esta consciencia del espacio relacional se gesta, desde la experiencia del tacto y el tratamiento del ceder, abriendo preguntas en torno a cómo se percibe el performer en la improvisación. Las experiencias escénicas presentadas al público se llaman “Ceder, sesiones de danza e improvisación”.
Tesis

Plantilla para elaborar Trabajo de investigación de Artes Escénicas para la obtención del grado de bachiller en Artes Escénicas. Programa Académico de Artes Escénicas. Facultad de Artes Contemporánea. Universidad Peruana de Ciencias Aplicadas.

Actriz
NO AUTORIZADA
La presente investigación en formato de memoria, contiene escrita mi experiencia de dos procesos creativos y formativos guiado por el profesor y director Raúl Osorio, uno durante los años 2014, dentro del contexto universitario como profesor de la cátedra de Movimiento III, y el otro en el año 2015, dentro del contexto del Proyecto Bicentenario de Creación TEI desarrollado por el Departamento de teatro de la universidad de Chile (DETUCH). Este proceso de creación fue desarrollado en formato de laboratorio escénico, y se llevó a cabo en las independencias del Teatro Nacional Chileno (TNCH), a partir de la obra La Ópera de tres Centavos de Bertolt Brecht. Es importante señalar en este punto, que dicha obra fue utilizada como pre-texto para la creación, y no como soporte principal como veremos más adelante, ya que este proceso de laboratorio escénico hizo hincapié, precisamente, en la exploración de modos como instancias creativas, apuntadas a privilegiar aspectos del aprendizaje del oficio del actor/actriz, y no a la realización escénica como fin. Para el proceso de escritura y elaboración de la memoria, me apoyé en mis bitácoras o diario de prácticas de ambos procesos, y sobre esta base intenté posteriormente evaluar, reconocer y destacar su valor formativo, además de ir observando con distancia la forma en la que Raúl Osorio nos trasmitió estos saberes, rememorando algunas etapas de dicho trabajo y recordando la manera en que descubrí los elementos de su metodología y la presencia de esos referentes, en mi futuro tejido dramatúrgico como actriz. La memoria que presentamos a continuación, comienza introduciendo brevemente los principales referentes e influencias metodológicas en el trabajo de Raúl Osorio, como lo fueron Jerzy Groowski y Eugenio barba, además se comenta el procedimiento durante laboratorio escénico del año 2015. En el segundo capítulo nos adentramos en los Principios teóricos que definen el sistema de trabajo desarrollado por Osorio, y que pasarían a construir una especie de columna vertebral en su metodología. Luego, en el tercer capítulo hay una descripción y un análisis de los materiales personales recolectados por la actriz, en base a su creatividad y a la metodología de la observación trasmitida por Osorio, y que se utilizaron para la posterior elaboración y creación de su personaje “Jenny” de la Opera de tres centavos. Finalmente, las conclusiones y reflexiones del proceso creativo y formativo, titulado; Tejido dramatúrgico como actriz.

Actor
No autorizada la publicación del texto completo.
La siguiente investigación recupera, a partir del diálogo directo, la expresión viva del trabajo artístico y pedagógico desarrollado por Raúl Osorio a partir de las preguntas que, como egresado de la carrera de Actuación Teatral, le hiciera en torno al sistema de interpretación escénica que define su propuesta metodológica. Dicha expresión la pude conocer de manera directa a partir de mi experiencia académica, la que se vio reflejada en dos semestres de trabajo en las asignaturas de Actuación II y Taller Integrado III (Egreso). La memoria que a continuación presentamos, comienza introduciendo de manera sucinta pasajes correspondientes al primer periodo de formación de Osorio en la Universidad Católica, junto a sus incursiones paralelas en la pantomima y la danza. En ese contexto de formación, se destacan las figuras de Enrique Noisvander, Jaime Schneider, Germán Silva y particularmente la de Fernando Colina. Luego, se presenta una breve reseña de sus primeros trabajos de investigación y creación escénica en El Taller de Investigación Teatral TIT (1976–1980), para finalizar comentando sus experiencias formativas fuera del país: Actors Studios y Odin Teatret –principalmente-, deteniéndonos en mayor medida en su encuentro con Eugenio Barba. En el segundo capítulo, nos adentramos en el sistema de trabajo actoral desarrollado por Osorio: Principios Fundacionales y Método de Partituras, haciendo hincapié en el esfuerzo que Osorio hace por otorgar un carácter científico y sistematizado al problema de la actuación teatral, a partir de las diversas partituras que conforman el trabajo del intérprete: Partitura del Texto, Partitura de Acciones Físicas, Partitura Vocal y Partitura Emocional. Toda esta revisión es comprendida a partir de un principio orientador: el principio de Interdependencia. Finalmente, veremos la concepción pedagógica con que Osorio intenta plasmar su método, analizando los tres puntos esenciales que configuran –a mi entender- esta visión de trabajo: Rechazo, Desarrollo de los Sentidos y Vía Negativa, para de esta manera comprender en gran medida, y desde diversos ángulos, la visión metodológica que Osorio formula para el trabajo del actor.
01 abril de 2019

Esta tesis presenta un enfoque de investigación colaborativa sobre la práctica con un Colectivo de jóvenes. La experiencia se desarrolla en un contexto de Laboratorio en artes escénicas en la ciudad de Montevideo. Esta investigación pone énfasis en la indagación de la construcción de los sentidos de la corporealidad. La reflexividad, es la clave para articular las narrativas visuales con las escénicas, mediadas por la perspectiva de la filosofía de la diferencia, los aportes del sicoanálisis a las prácticas pedagógicas y los estudios de visualidad.
This thesis presents a collaborative research approach to practice, with a Youth Collective. The experience is developed in a context of the Performing Arts Laboratory in the city of Monte- video. This research places emphasis on the investigation of the construction of the senses of corporeality. Reflexivity is the key to articulate the visual narratives with the scenic narratives, mediated by the perspective of the philosophy of difference, the contributions of psychoanaly- sis to pedagogical practices and visual studies.

Estudio que se propone abordar la problemática del entrenamiento de la escucha actoral utilizando como base la metodología propuesta por el director británico Declan Donnellan complementada con el estudio de los procesos cognitivos de percepción, atención, propiocepción, mezcla conceptual y empatía desde la perspectiva de la embodied cognition. La investigación describe el proceso realizado en un laboratorio de entrenamiento actoral desarrollado a lo largo de siete sesiones de trabajo. El objetivo principal del mismo es dotar al actor en formación con nociones básicas sobre el análisis y discusión teórica contemporánea sobre la aplicación del conocimiento de los procesos cognitivos antes descritos al campo de la actuación (Blair, 2017; Escalera, 2005; Falletti, 2010; Galagher et al., 2014; Iacoboni, 2009; Kemp, 2010; Lutterbie, 2011; Zarrilli, 2008) en diálogo con la metodología de Declan Donnellan propuesta en su texto El actor y la diana (2004) con la finalidad de que los participantes puedan describir y discutir su experiencia en la escucha en el escenario con sus pares y puedan mejorar su desempeño. Hacia el final de la investigación las conclusiones apuntan a resaltar una relación de equivalencia entre los postulados de Donnellan con respecto a la escucha y los conceptos teóricos desarrollados por las ciencias cognitivas trabajados a través de la puesta en práctica de los ejercicios realizados en el laboratorio. La relación que se estableció entre el contenido propuesto en la metodología de las dianas, el bagaje teórico propuesto por los diversos autores y la experiencia individual de cada participante se respaldan retroactivamente.
Tesis

En la presente investigación se ponen a prueba herramientas performáticas como un medio para resignificar una experiencia autobiográfica cardinal, es decir, una situación o una etapa crucial en el desarrollo de la vida de la persona que es materia de aflicción. En cuanto a las herramientas performáticas estas son entendidas como características del juego, la memoria, la performance, el convivio y el ritual. Acorde con ello, la performer de forma voluntaria se enfrenta a la experiencia autobiográfica cardinal a través de un proceso creativo elaborado en forma de ritual, pues constará de las tres fases asignadas por Van Gennep y Turner, en el cual la recrea, deconstruye y reorganiza. Así mismo, estas fases se desarrollan mediante un laboratorio y una puesta en escena que he creado en base a la experiencia a enfrentar. De esta forma, la presente investigación utiliza una metodología inédita que consta en rememorar y reconstruir la etapa en la cual tuve anorexia con el objetivo de transformar sus significados de manera positiva; por ello, considero que este es un primer paso para dar a conocer el carácter transformador a nivel personal de las herramientas performáticas.
Tesis

[EN] SUMMARY Title: The Plural Body. Integrated Dance and Inclusion. A renewal of the look Submitted by MARIA LUISA BRUGAROLAS ALARCON Directed by GEMA HOYAS FRONTERA This research deals with theory and practice of inclusion of people with functional diversity in dance creative processes and the role it represents in the changing aesthetic paradigm of contemporary art. From a critical, artistic, social and cultural perspective our purpose is to demonstrate how the access of people with disabilities to the professional world of theatre and dance brings a renewal to contemporary art, thus the rethinking of body image and the diversity of identities represented. We developed three broad objectives: to connect the importance our culture gives to the body as a place of control and legitimizing instrument of power with the absence of bodies with disabilities in the artistic discourse; to analyse how the inclusion of bodies traditionally known as unable in the Performing Arts can undermine the normalising role they have regarding the body models; and to demonstrate how the Integrated Dance, with the participation of people with and without disabilities from an inclusive paradigm, can cooperate in the deconstruction of a uniform body standard and offer a new vision of the Performing Arts. In our interdisciplinary methodology, different areas of knowledge are used from a critical approach: Visual Arts, Dance, Education, Philosophy and Aesthetics, Sociology and Cultural Studies. This research is theoretical, biographical with empirical work, using dialectical tools from a qualitative approach and the action-research model. As our main conclusions, we highlight the location of Integrated Dance as an Inclusive Art, showing how it has pioneered good practices that encourage the inclusive model in the Arts and Education fields. We have placed Integrated Dance in the expanded field of Art, on the basis of the displacement of Contemporary Art, the performative dimension of Art and the fluid identities paradigm. It is an artistic practice that nourish itself from a conscious construction of reality through the practice of difference, away from therapy or exclusively social spheres. We have established that there is a direct relation between learning processes and artistic work, introducing Improvisation, Contact-Improvisation and Somatic Education as inclusive methodologies applied to Integrated Dance, allowing diverse people to be a part in the learning processes, strengthen each person skills and developing new ones with the support of group diversity. New interdependent skills are created this way, widening the artistic discourse richness, offering performances that show fluid identities and making of dance a space for transformation. We have analysed several artists and companies, verifying that not all the Integrated Dance productions contribute to deconstruct the classic and standardised models of human body. We have come to the conclusion that artists that use difference and inclusive methodologies, transforming their reality trough a performative gesture, create a type of dance capable of destabilize the idea of people and bodies as a fixed place. And from there we argue about the necessity of an artistic public education within inclusive systems that allow people with functional diversity to engage in the study of dance and Performing Arts. Keywords: Integrated Dance, Inclusive Dance, Diversity, Performing Arts, Identity, Disability, Contact-Improvisation, Somatic Movement.
[ES] RESUMEN Titulo El Cuerpo Plural. Danza Integrada en la Inclusión. Una renovación de la mirada. Presentada por MARIA LUISA BRUGAROLAS ALARCÓN Dirigida por GEMA HOYAS FRONTERA Esta investigación versa sobre la teoría y la práctica de la inclusión de personas con diversidad en el ámbito de la creación en danza y el cambio de paradigma estético que ello representa en el arte actual. Desde un análisis crítico, artístico, social y cultural, nuestro propósito es demostrar cómo la entrada de personas con diversidad funcional en el mundo profesional de la escena y la danza, aporta una renovación al arte contemporáneo, tanto por el replanteamiento de la imagen del cuerpo como por la diversidad de las identidades representadas. Así desarrollamos tres objetivos generales: conectar la importancia que nuestra cultura otorga al cuerpo como lugar de control e instrumento legitimador del poder con la ausencia de cuerpos con diversidad funcional en los discursos artísticos; analizar cómo la inclusión en las artes escénicas de cuerpos tradicionalmente nombrados discapaces puede subvertir el carácter normalizador y sublimatorio que éstas han tenido con respecto a los modelos de cuerpo y demostrar cómo la Danza Integrada en la que participan personas con y sin diversidad funcional, desde un paradigma inclusivo, colabora en la deconstrucción del cuerpo homogéneo y en la renovación de la mirada sobre el arte escénico. Para ello seguimos una metodología de carácter interdisciplinar donde los ámbitos de conocimiento utilizados, desde un enfoque crítico, son: Artes Visuales, Danza, Educación, Filosofía y Estética, Sociología y Estudios Culturales. Es una investigación teórico-biográfica de carácter empírico, en la que se emplean herramientas dialécticas, desde una aproximación cualitativa, utilizando el método investigación-acción. Como resultados destacamos la localización de la Danza Integrada dentro de las Artes Inclusivas, demostrando cómo ha sido pionera en las prácticas que activan los modelos de inclusión en el ámbito artístico y educativo. Hemos inscrito la Danza Integrada en el campo expandido del arte a partir del descentramiento de las prácticas artísticas, en la dimensión performativa del arte y en el paradigma de identidades móviles, situándola como una práctica artística que nutre sus producciones desde un acto consciente de construir la realidad a través del ejercicio de la diferencia, alejándola de los ámbitos terapéuticos o exclusivamente sociales. Hemos constatado que los procesos formativos van en directa relación con la obra, presentando la Improvisación, Contact Improvisación, y la Educación Somática como metodologías inclusivas que aplicadas en la Danza Integrada dan cabida en los procesos de aprendizaje a personas muy diferentes, potenciando al máximo las capacidades de cada una y desarrollando otras nuevas que se derivan de la heterogeneidad de los grupos. Se crean así nuevas capacidades interdependientes, ampliando la riqueza del discurso artístico, ofreciendo creaciones escénicas que muestran identidades en flujo y haciendo de la danza un espacio de transformación. Hemos analizado varios artistas y compañías, constatando que no toda la producción realizada en Danza Inclusiva/Integrada ayuda a deconstruir los modelos clásicos y homogéneos del cuerpo. Concluimos que los artistas que desde metodologías inclusivas utilizan los marcadores de la diferencia para crear, transformando su realidad en un gesto performativo, son productores de una danza capaz de desestabilizar las miradas que confinan al cuerpo y a las personas en lugares fijos. Y desde aquí planteamos la necesidad de una educación pública de las artes en sistemas inclusivos que permita a las personas con diversidad optar al estudio de la danza y artes escénicas. Palabras clave: Danza Integrada, Danza Inclusiva, Diversidad, Artes Escénicas, Identidad, Discapacidad, Contact Improvisaci
[CAT] RESUM (Valencià) Títol:El Cos Plural. Dansa Integrada en la Inclusió. Una renovació de la mirada. Presentada per: MARIA LUISA BRUGAROLAS ALARCON Dirigida per: GEMA HOYAS FRONTERA Aquesta recerca versa sobre la teoria i la pràctica de la inclusió de persones amb diversitat en l'àmbit de la creació en dansa i el canvi de paradigma estètic que això representa en l'art actual. Des d'una anàlisi crítica, artístic, social i cultural, el nostre propòsit és demostrar com l'entrada de persones amb diversitat funcional al món professional de l'escena i la dansa, aporta una renovació a l'art contemporani, tant pel replantejament de la imatge del cos com per la diversitat de les identitats representades. Així desenvolupem tres objectius generals: connectar la importància que nostra cultura atorga al cos com a lloc de control i instrument legitimador del poder amb l'absència de cossos amb diversitat funcional en els discursos artístics; analitzar com la inclusió de cossos tradicionalment nomenats discapacitats en les arts escèniques pot subvertir el caràcter normalitzador i sublimatori que aquestes han tingut pel que fa als models de cos; i demostrar com la Dansa Integrada en la qual participen persones amb i sense diversitat funcional, des d'un paradigma inclusiu, col·labora en la deconstrucció del cos homogeni i en la renovació de la mirada sobre l'art escènic. Per a això seguim una metodologia de caràcter interdisciplinari on els àmbits de coneixement utilitzats, des d'un enfocament crític, són: Arts Visuals, Dansa, Educació, Filosofia i Estètica, Sociologia i Estudis Culturals. És una recerca teòric-biogràfica de caràcter empíric, en la qual s'empren les eines dialèctiques, des d'una aproximació qualitativa, utilitzant el mètode recerca-acció. Com a resultats destaquem la localització de la Dansa Integrada dins de les Arts Inclusives, demostrant com ha estat pionera en les pràctiques que activen els models d'inclusió en l'àmbit artístic i educatiu. Hem inscrit la Dansa Integrada en el camp expandit de l'art a partir del descentrament de les pràctiques artístiques, en la dimensió performativa de l'art i en el paradigma d'identitats mòbils, situant-la com una pràctica artística que nodreix les seves produccions des d'un acte conscient de construir la realitat a través de l'exercici de la diferència, allunyant-la dels àmbits terapèutics o exclusivament socials. Hem constatat que els processos formatius van en directa relació amb l'obra, presentant la Improvisació, Contact Improvisació, i l'Educació Somàtica com a metodologies inclusives que aplicades en la Dansa Integrada donen cabuda en els processos d'aprenentatge a persones molt diferents, potenciant al màxim les capacitats de cadascuna i desenvolupant altres noves que es deriven de l'heterogeneïtat dels grups. Es creen així noves capacitats interdependents, ampliant la riquesa del discurs artístic, oferint creacions escèniques amb identitats en flux i fent de la dansa un espai de transformació. Hem analitzat diversos artistes i companyies, constatant que no tota la producció realitzada en Dansa Inclusiva/Integrada ajuda a deconstruir els models clàssics i homogenis del cos. Concloem que els artistes que des de metodologies inclusives utilitzen els marcadors de la diferència per crear, transformant la seva realitat en un gest performativo, són productors d'una dansa capaç de desestabilitzar les mirades que confinen al cos i a les persones en llocs fixos. I des d'aquí plantegem la necessitat d'una educació pública de les arts en sistemes inclusius que permeti a les persones amb diversitat optar a l'estudi de la dansa i arts escèniques. Paraules clau: Dansa Integrada, Dansa Inclusiva, Diversitat, Arts Escèniques, Identitat, Discapacitat, Contact Improvisació, Moviment Somàtic.
Brugarolas Alarcón, ML. (2016). El cuerpo plural. Danza integrada en la inclusión. Una renovación de la mirada [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/62203
TESIS
Premiado

Ma recherche tend à répondre à des questionnements ayant émergé durant ma pratique de la danse flamenco, depuis ma posture d’étudiante, d’interprète, de chorégraphe, puis de pédagogue. À travers la restitution d’une itinérance sensible entre Lyon, Séville, Madrid et la Chine, j’interroge dans cette thèse ce qui fait flamenco, réévaluant par une méthode déconstructiviste certains discours et gestes qui tendraient à définir ce qui fait centre (poncifs/vérités établies/stéréotypes) dans le flamenco, tout en créant une dialectique avec d’autres figures faisant, elles, d’apparents écarts. Sur ce second point, j’approfondis dans ma recherche plus spécifiquement l’approche flamenco empirique, qu’a élaborée Juan Carlos Lérida au cours de sa trajectoire artistique, afin de rendre compte de la façon dont certaines figures, à la marge du discours dominant dans le flamenco, interrogent l’élasticité des pourtours définitionnels de cette expression artistique. Mon cheminement pratique et théorique avec Juan Carlos Lérida m’a conduit à expérimenter une approche archéologique du geste flamenco en recherche-création, visant à interroger la dynamique de construction de la forme flamenco (identification de survivances formelles, pathos de la fête, poétique de la spirale) sur le plan diachronique et synchronique, mais aussi à m’ouvrir au « palimpseste » comme outil épistémologique. La démarche méthodologique investie pour mener la poétique exploratoire, dont cette thèse rend compte, en plus de l’exercice analytique, critique, s’est également employée à élaborer des objets-créations (performances, vidéos documentaire, vidéodanses, photographies) émanant de champs de compétences croisées afin de défendre une constitution heuristique des savoirs, grâce aux études des processus de création et la mise en réflexivité de l’expérience
My research aims to answer questions that arose from practicing flamenco, initially as a student, then as an interpreter and choreographer and eventually as a teacher. After gathering insightful experiences from Seville, Madrid and China, my thesis addresses the question “what is flamenco?”. Via a deconstructionist method, this study re-evaluates some of the conceptions and body language that tend to define what is central to flamenco (clichés / established truths / stereotypes), while analysing the dialectics of figures who clearly deviate from these central ideas. Thus, my research explores in greater depth and more specifically the empirical approach developed by Juan Carlos Lérida during his artistic career, for a better understanding of how figures straying from the dominant conception of flamenco, test the elasticity of the outer limits of this artistic expression. My practical and theory-based exploration with Juan Carlos Lérida led me to experiment with an archaeological approach to research-creation in flamenco dance, that aimed to analyse the way flamenco expression has developed (identification of the survival of forms, the festive pathos, the poetics of the spiral movement) from both a diachronic and synchronic perspective, but also to embrace the “palimpsest” as an epistemological tool. The methodological approach that led to the exploration of poetics described in this work, along with the analytical and critical exercises, also incited a range of multi-disciplinary creative projects (performances, video documentaries, dance videos, photographs) that defend the heuristic method of gathering knowledge via studying creation processes and reflecting on experiences
Este trabajo pretende responder a ciertas cuestiones que me surgieron en la práctica del baile flamenco siendo estudiante, intérprete, coreógrafa y pedagoga. A través de una restitución de un itinerario sensitivo entre Lyon, Sevilla, Madrid y China, analizo en esta tesis lo que hace que algo sea flamenco reevaluando, mediante un método deconstructivista, ciertos discursos y gestos que buscan definir lo central (tópicos, verdades establecidas, estereotipos) en el flamenco, creando una dialéctica con otras figuras que aparentemente discrepan. En este segundo punto, profundizo en mi investigación más concretamente en la aproximación flamenco-empírica elaborada por Juan Carlos Lérida a lo largo de su trayectoria artística, con el fin de demostrar en que manera ciertas formas al margen del discurso flamenco dominante cuestionan la ductilidad de la definición de esta forma artística. Mi andadura práctico-teórica con Juan Carlos Lérida me ha permitido experimentar una aproximación arqueológica respecto al gesto flamenco en un proceso de investigación-creación con vistas a analizar la dinámica de la forma flamenca (identificación de vestigios formales, pathos de la fiesta, poética de la espiral) desde un punto de vista diacrónico y sincrónico, posibilitando al mismo tiempo a abrirme al “palimpsesto” como herramienta epistemológica. La metodología usada para llevar la poética exploradora expuesta en esta tesis también se ha empleado, además del ejercicio analítico, crítico, para elaborar objetos-creaciones (performances, documentales, video-danza, fotografía) resultantes de campos de competencia cruzados con el fin de defender una constitución heurística de los conocimientos gracias al estudio de los procesos de creación y la reflexión acerca de la experiencia

El presente catálogo y los ensayos críticos que lo acompañan son resultado del trabajo de investigación de un grupo de docentes y estudiantes avanzados, integrantes del Instituto del Historia de Arte Argentino y Americano (IHAAA), de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. La investigación básica que da cuerpo a los textos y fichas de artistas presentados se enmarcó en dos proyectos de investigación del Programa de Incentivos a docentes investigadores de las Universidades Nacionales del Ministerio de Educación de la Nación. Dichos proyectos se desarrollaron durante los años 2015 al 2018 y tuvieron como objetivo general poner en valor la colección de arte que posee la Facultad, generando conocimientos para su valoración historiográfica y propuestas para su conservación, en tanto bienes culturales. Las obras de la colección de la Facultad de Bellas Artes están estimadas como bienes culturales de la institución y en tanto tal, destinatarias de acciones de valoración, preservación y comunicación de ese patrimonio. La excepcionalidad de su existencia física y su apariencia estética se descubre plenamente cuando se produce su más correcta interpretación y estimación dentro de su contexto o entorno integrado. Por ello la investigación de estos bienes resulta indispensable. La obra de arte puede calibrarse adecuadamente solo mediante enfoques históricos debidamente encauzados. De modo que su estudio documental, técnico, científico e histórico se impone para alcanzar su mayor conocimiento, interpretación, valoración y comunicación sociocultural. Para alcanzar ese objetivo, confluyeron en esta investigación los aportes de la museología y de la historia del arte. La museología contribuye con una metodología conveniente, criterios y planteamientos rigurosos y constatados. Dentro de lo que se refiere a la catalogación, esta operación necesaria posibilita las acciones de identificación, reconocimiento y registro de la información asociada al objeto. Aplicar una metodología rigurosa forma parte de los compromisos internos que los conservadores de museos despliegan ante la propia colección. Investigar y conocer científicamente las obras permite catalogarlas con precisión y difundirlas con seguridad y garantía. El estudio de las obras exige inicialmente un abordaje material y técnico que a partir de su objetualidad y la investigación preliminar proporciona información para determinar sus aspectos técnicos, conceptuales, iconográficos, etc. Esta primera etapa de aproximación a los bienes interesa para lograr la documentación de los objetos. Precisamente, el objetivo de la documentación es recuperar información. Al documentar (a través de técnicas llamadas documentales tales como coleccionar, ordenar, clasificar, seleccionar, recuperar y difundir) se hace accesible el contenido de las fuentes de conocimiento. Como conjunto, la documentación, incluye una serie de documentos, empezando en los propios fondos o patrimonio del museo y todo lo que se genera en torno a ellos. Es un proceso que afecta al tratamiento documental de las etapas de la vida de los fondos en los museos. En tanto conjunto y proceso la documentación no es algo fragmentable y se estructura como un sistema. En una segunda etapa los aportes de la historia del arte permiten orientan en la investigación de las obras para conocerlas en el ámbito de su especialidad. A partir de ello se produce conocimiento específico para la confección de catálogos y textos críticos sobre los fondos. En ese sentido la historia del arte puede desempeñar un rol fundamental en la puesta en valor de los bienes patrimoniales y en la transferencia de conocimientos para el beneficio social. Desarrollando la necesaria e importante relación entre los resultados de sus investigaciones y las formas y posibilidades de conservación de los bienes culturales, generando un conocimiento construido para el reconocimiento de un patrimonio compartido. De modo que, para la integral y completa valoración de los bienes que lo componen es relevante la investigación que realiza la historia del arte de los distintos materiales, técnicas, oficios y trabajos condensados en la obra de arte y relacionados con sus contextos de producción y sentido social. La indagación y caracterización formal, compositiva y estilística de las obras complementa los estudios históricos y permite completar la información acerca de las obras. En tanto documento histórico la obra de arte es un bien elocuente del que pueden extraerse numerosas y complementarias informaciones sobre la época a la que pertenece, la concepción del arte en esa fase de la historia; las relaciones sociales que dan emergencia a ese tipo particular de producción artística; el rol y posición del artista o colectivo que produjo la obra; la organización del trabajo de taller, los materiales de elaboración y su estado tecnológico; la circulación de significados y sentidos simbólicos que la atraviesan; las funciones pedagógicas que desplegaron las obras en su rol social, etc. Pero también el estudio a partir del abordaje de la historia del arte permite avanzar sobre el conocimiento de los acontecimientos que han acompañado a la propia obra de arte desde su producción hasta su presente como bien patrimonial de valor artístico. Haciendo evidente los cambios en los sentidos simbólicos del arte y cómo las creencias, las normativas y los usos modifican a los bienes artísticos con el paso del tiempo. Particularmente las obras de arte, dentro del conjunto de bienes culturales adquieren una peculiar relevancia debido a su doble naturaleza. Por un lado, son “documento histórico” al igual que cualquier otro patrimonio cultural de la sociedad, pero por otro lado se puede hablar del valor estético o el efecto estético que deviene de su condición de ser un objeto artístico. El estudio de la colección que concluyó en este catálogo se abocó inicialmente a obtener información básica y a realizar su registro y fichaje. Esta primera etapa de la investigación, permitió luego consolidar un conocimiento histórico artístico sobre las obras, a profundizarlo en el marco de la espacialidad de la historia del arte y a valorarlo desde una perspectiva historiográfica.

La Cátedra de Metodología de la Investigación de la Facultad de Bellas Artes tiene sus fundamentos en la escuela metodológica fundada en nuestro país por el Prof. Dr. Juan Samaja, su pensamiento enraizado en el modelo de la complejidad nos permite diferenciar varias dimensiones en el proceso de investigación, cuestión que posibilita operacionalizar el problema planteado en torno a la pregunta sobre el estatuto de la investigación artística. Consideramos que es responsabilidad de la Cátedra ahondar en estos debates, estudiar el quehacer de la investigación en arte, aportar nuestra visión y contribuir a esclarecer los diferentes planos en los que se despliega el problema, introducir a los alumnos en los aspectos o dimensiones relevantes a analizar en eso que se sintetiza en el sintagma Metodología de la Investigación en Arte. Este libro no reemplaza bibliografía sugerida en el programa, lo pensamos como un aporte que pretende ayudar a explicitar a los alumnos aspectos teóricos referidos al campo de la investigación artística que en los textos propuestos pueden resultarles abstractos o generales.

Este libro condensa trabajos de investigación y debates que se desarrollaron a lo largo de años en la cátedra de Historia del Diseño Industrial en la Facultad de Bellas Artes de la UNLP. Los capítulos muestran narraciones alternativas a las historias tradicionales de la disciplina y describen las nuevas prácticas que revierten la concepción canónica del proyecto de diseño. Se tratan temas referidos a la historia de los enunciados discursivos, las estéticas, tecnologías y formas de exposición, atendiendo cuestiones de metodología y gestión del diseño industrial. En todos ellos prevalece una preocupación por enmarcar la tarea proyectual en una perspectiva ético-política, con un abordaje crítico de los presupuestos historiográficos subyacentes en los programas académicos formativos. Dirigido a estudiantes, docentes e investigadores del diseño como de disciplinas conexas, ya que se tratan temas comunes a la Historia de la Arquitectura y del Diseño Gráfico.

Este libro de prácticas de audioperceptiva es el producto de años de trabajo durante los cuales, quienes participamos de su escritura hemos compartido innumerables discusiones acerca de nuestra tarea cotidiana en el aula universitaria. Nuestras ideas se han nutrido también de los permanentes intercambios con colegas del área, en particular de las cátedras de Educación Auditiva 1 y 2, y Metodología de las Asignaturas Profesionales, a quienes agradecemos por sus aportes en las discusiones sostenidas en este tiempo. La elaboración de las ideas aquí plasmadas en las modalidades de práctica que se presentan, se han configurado también a partir de los aportes del trabajo de investigación que los autores del libro realizan cotidianamente en el ámbito de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. Agradecemos también a los docentes, pasantes y adscriptos que durante este tiempo han integrado las Cátedras de Audioperceptiva 1 y 2, quienes con su entusiasmo alimentaron el espíritu constructivo del proyecto de cátedra. Finalmente nuestro más profundo agradecimiento a las numerosas cohortes de estudiantes que han pasado por el aula universitaria, que constituyen la fuente más genuina para formular preguntas, generar hipótesis, responder interrogantes, reconsiderar estrategias, en síntesis, que son la razón de a quien dirigir los esfuerzos de este libro.

La teatralización como metodología de enseñanza es una gran desconocida en la educación superior. Su utilización para trabajar competencias transversales puede resultar especialmente útil por el carácter cooperativo intrínseco al propio teatro y las temáticas y disciplinas que pueden beneficiarse de ella deben ser adecuadamente valoradas por los docentes. Presentamos una actividad en grupos tutorizados, centrada en enfermedades raras con causa genética conocida, en la que el teatro sirve como eje motivador para recabar la información y organizarla creando un hilo argumental. Palabras clave: teatro, MABAE (metodología de aprendizaje basado en artes escénicas), motivación intrínseca, enfermedades raras

Las últimas décadas del siglo XX fueron escenario de innúmeras transformaciones a nivel epistémico (Khun, Feyerabend, Latour). En este contexto surgen un conjunto de investigaciones que cuestionan la posibilidad y naturaleza de la relación entre Arte y Ciencia. Desde aquellos que las colocan en oposición, como aquellos que defienden el desarrollo de una "tercera cultura" (Brockman) capaz de integrar el campo tecno-científico con el campo de las Humanidades y las Artes.Esto ha generado una serie de espacios interdisciplinares donde investigadores de diferentes procedencias colaboran entre sí, como el Science-Art-Philosophy Lab del CFCUL, donde se enmarca esta investigación.Con el objetivo de identificar y cuestionar tanto las articulaciones y complementariedades como los distanciamientos entre Arte y Ciencia, nos centraremos en una de las zonas fundamentales de intersección entre ambas, cuyo estudio ha captado gran atención en los años recientes: se trata del estudio de la imagen como dispositivo de producción de conocimiento en las distintas áreas disciplinares.La presente propuesta pretende proporcionar una clave metodológica para la investigación de esta relación entre campos de saber en la actualidad, centrándonos en el estudio de las posibilidades cognitivas de la imagen y en su papel en la construcción del pensamiento. Entraremos en el tema a través de un proyecto en curso en la Universidad de Lisboa, el Center for Image in Science and Art. CISA_UL es un archivo abierto que cuenta con cientos de imágenes de artistas y científicos internacionales, constituido con el propósito de tornar posible la producción de taxonomías que ayuden a comparar imágenes científicas y artísticas, exponiendo sus afinidades y diferencias. Pero su objetivo principal, es testar una metodología artística de investigación (como es la confección de archivos de imágenes con fines alternativos al meramente documental) para profundizar en las relaciones complejas que pueden darse entre Arte y Ciencia.

Esta comunicación está dirigida a la exploración de una posible metodología del proceso creativo, y forma parte de un trabajo de investigación más amplio llevado a cabo en el marco del Máster de Investigación en Arte y Creación de la Universidad Complutense de Madrid. La hipótesis que se pretende demostrar es que es posible definir una metodología de la creación artística a partir del contraste entre una serie de casos de estudio y la reflexión de los artistas sobre su propio proceso creativo. A dicho proceso se atribuye una alta carga de intuición. Esta suposición será aquí rebatida como idea ligada al mito del genio creador y defendida en los términos que definen la idea de investigación dentro del ámbito académico. Para tal fin, comenzaremos utilizando una entrevista realizada a la artista Soledad Sevilla, cuya obra se caracteriza por la importancia de la especificidad del contexto expositivo. Partiendo de la base de la ausencia de una terminología establecida para definir qué significa la investigación en la creación artística, la entrevista se contrastará con otra realizada en el contexto del proyecto Grid_Spinoza a la bióloga Cristina Pujades. El objetivo es mostrar algunas de las diferencias y convergencias en los dos tipos de investigación, artístico y científico, para, en la medida de lo posible, clarificar y matizar los procesos y terminología específicos de ambos. Habiendo encontrado términos análogos en los dos campos, creemos que es posible validar desde una perspectiva académica la investigación artística. Con ello, se espera poder llegar a conclusiones en torno a la especificidad de dicha investigación para darle cabida dentro del formato y las convenciones de lo que se ha venido entendiendo como contexto académico, y, por tanto y únicamente, de las prácticas investigadoras de las disciplinas científicas.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.4789

El máster universitario en Bellas Artes es un paso previo para el estudiante que tiene previsto realizar una Tesis Doctoral. Por este motivo, sus programas incorporan una asignatura obligatoria cuyo objetivo es la adquisición de competencias relacionadas con la investigación. Una de las dificultades que encuentran los estudiantes de esta materia es localizar y seleccionar fuentes bibliográficas de calidad en las que basar su investigación teórica. En el presente trabajo resumimos nuestra propuesta de innovación docente, consistente en la elaboración y publicación en acceso abierto de cuatro video tutoriales sobre sendos catálogos de fuentes de datos bibliográficos. El acceso a estos videos por parte del estudiante de la asignatura de máster “Metodología e investigación en Bellas Artes” permite la aplicación de la metodología docente “flipped classroom” y favorece el aprendizaje autónomo. De este modo, las horas presenciales son aprovechadas para la orientación personalizada por parte del profesor.

El trabajo presenta las relaciones que establece la tecnología deaplicación robótica, particularmente en el ambiente que compete a laspropuestas plásticas en un país en vías de desarrollo como México. Seexponen las características propias de los procesos creativos que implicanel manejo de tecnologías emergentes de producción de en comparación conlos productos producidos por símiles internacionales. Se muestran algunosde los resultados obtenidos en el concurso ROBOCUP en el cual se haparticipado, contando con la colaboración de la Facultad de Ingeniería dela UNAM y la Facultad de Artes y Diseño de la misma casa de estudios. Esposible resaltar que ante los recursos limitados con los que contamos, soloentendido como característica local y no limitación, nos enfrentamos acaracterísticas internacionales donde el concepto tecnológico toma otrosderroteros. Toma la forma de análisis comparativo en algún momento, con laintención de mostrar una estrategia de trabajo local tomando en cuenta losestándares internacionales. La técnica como nutriente esencial por el proceso empírico que le caracteríza, más allá de lo que podría interpretarse como un frio proceso práctico, está la carga simbólica que le acompaña y que en ese estado sirve de plataforma para la propuesta artística. Acción e intención forman un todo indisoluble y es ahí donde se encuentran el arte y la ingeniería “Si la técnica es fundamentalmente (ontológicamente) un conjunto de decisiones que se manifiestan necesaria y empíricamente en una práctica, entonces la filosofía de la técnica es en su base una filosofía de la acción, y más específicamente una filosofía de acción intencional.”[1] Con ésta idea la Facultad de Artes y Diseño y la Facultad de Ingeniería de la UNAM nos hemos dado a la tarea de explorar las posibilidades plásticas de la robótica en un proyecto llamado “Desarrollo de técnicas de la robótica aplicadas a las artes escénicas y visuales” con apoyo económico para la investigación de la misma institución y del cual se mostrarán avances materiales y el proceso conceptual que ha acompañado al proyecto. [1] Fisher, Jaime. El hombre y la técnica. Hacia una filosofía política de la ciencia y la tecnología. Ed UNAM. 2010. México. pp 45

La investigación y obra Ex-Hulming the Past, está enfocada en la creación de nuevas narrativas que no hicieron parte de la historia oficial del barrio Hulme ubicado en Manchester durante el periodo de 1972 y 1996. Usando la memoria como materia prima, la investigación articula diferentes tipos de archivos y material audiovisual, haciéndolos dialogar entre ellos al utilizar diversos elementos para representar un pasado común. Esta investigación explora la posibilidades que brinda el ámbito visual, para desentrañar las experiencias y las representaciones de lo que llamamos memoria. En este proceso investigativo se revela el innegable valor agregado que el audiovisual brinda como catalizador, conductor y productor, a un tema tan complejo y amplio como es la memoria. El trabajo investigativo es bastante amplio, sin embargo un punto de inflexión asume una reflexión sobre la imagen construida desde la memoria, que es precedida o antecedida de imágenes fijas. Esta reflexión se desarrolla bajo las bases de que la memoria es una ficción hecha por la experiencia humana, un proceso subjetivo originado por los eventos vividos y por la lectura y relectura de los intervalos entre imágenes como punto de bifurcación. El esfuerzo de reconstruir las imágenes entre imágenes y rescatar los fotogramas entre ellas. La instalación producto de esta investigación, busca ser un catalizador de relatos y memoria en un espacio abierto para el diálogo y momentos de identificación con el público. Se trata de una instalación de vídeos y material gráfico cuyo ensamblaje deja ver cómo la memoria encuentra sus grietas, su naturaleza fragmentaria y se conecta con la ficción.

La presente propuesta de comunicación gira entorno al indumento como generador de polisemias en la obra de Ulrike Ottinger. A través del vestuario de su obra Ticket of No Return (1979)queremos defender la siguiente hipótesis: la relevancia del vestido como elemento analítico y constructor en las plasticidades contemporáneas. La extensa filmografía de esta cineasta feminista y experimental así lo ejemplifica y da fiel muestra de cómo la vestimenta aporta un lenguaje capaz de simbolizar la metonimia del discurso audiovisual. En Ticket of No Return Ottinger transita, como lo volverá a hacer en otras de sus obras, por la idea del estado capitalista (como entelequia controladora-paternalista), por el culto al alcohol (como la embriaguez narcótica implícita en la sociedad de consumo) y por la noción del viaje (como el origen de la procesión). Y estos tres pilares se construyen ampliamente gracias al vestuario ideado y confeccionado por Tabea Blumenshein, protagonista a su vez de la cinta y que da vida a She, una alcohólica transeúnte del Berlín proto-neoliberal. La suntuosa artificialidad del vestuario de Blumenshein contrapone la silueta onto-capistalista que Dior acuñara en la década de los 50 como New Look, decálogo del sometimiento femenino a unas formas patriarcales y moralizantes, frente a un mordaz decadentismo propulsado por el exceso y la autodestrucción de una advenediza época de sensacionalistas, moralistas, depravad@s y ególatras desquiciad@s. En conclusión, Ticket of No Returnsupone un excelente ejemplo para despejar la [n] propuesta por el congreso, es decir, para visibilizar la capacidad semiótica del traje, su locuacidad visual y su capacidad constructora. Con ello pretendemos dignificar al vestuario, integrándolo en el discurso crítico, académico y artístico, revindicando a su vez su lugar en las producciones audiovisuales, las artes escénicas y el arte performativo.

El Aprendizaje Basado en Proyectos (ABP) es un método de enseñanza caracterizado por la resolución de un problema real utilizando conocimientos interdisciplinares. Proponemos el diseño de un ABP en la asignatura “Metodología e Investigación en Bellas Artes” del Máster Universitario en Producción y Gestión Artística impartido en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Murcia. El objeto es el desarrollo de un congreso on-line y el objetivo dotar a los estudiantes de postgrado de las herramientas y habilidades para difundir sus resultados de investigación al resto de la comunidad científica. Cada estudiante presenta una video comunicación (rol de investigador), evalúa dos propuestas anónimas (rol de revisor) e interactúa a través de los foros de discusión. Concluimos que los resultados satisfactorios de la evaluación inicial prospectiva y de la autoevaluación final son un buen indicador de la consecución del objetivo planteado en este estudio.

Este artículo propone una reflexión acerca de los métodos de creación de la imagen desde dos proyectos artísticos: el primero consiste en una serie de trabajos desarrollados en Feira de Santana y Salvador de Bahía, en el Nordeste de Brasil; y el segundo en otra serie que tuvo lugar en los barrios de Benimaclet y Cabanyal, con sede en Valencia, en la costa mediterránea de España, durante una Estancia Doctoral en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia. Estos dos "lugares" - en Brasil y España - forman pilares importantes para que se pueda suponer, inferir y analizar los resultados. Los dos experimentos son esenciales en la orientación de la obra en su conjunto, con la delimitación de un corpus epistemológico y la definición de los procedimientos adoptados en su naturaleza y validez. Para desarrollar la investigación contenida en estos proyectos, la metodología adoptada buscó apoyo en la ciencia y la filosofía de la creación que, según Passeron tiene como objeto la realización creativa. El recorte adoptado enfoca el desplazamiento de la imagen fotográfica del ámbito privado al público, introducida en el espacio urbano cómo intervenciones artísticas, en formatos grandes. La redefinición del espacio, a través de la imagen fotográfica, se constituye desde la carga semántica de las imágenes desplazadas; toma la arquitectura como lugar, la calle como un espacio para una experiencia artística y la ciudad como un campo poético. Por lo tanto, la experiencia artística sugiere diferentes maneras de hablar de un lugar en particular, su cultura, su entorno y su historia, a través de imágenes que se han desviado de sus contextos originales.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5682

La pérdida paulatina de los rituales de muerte en las sociedades occidentales y occidentalizadas en la actualidad, obedece a una alianza colonial-capitalista que prima a nivel mundial y busca la destrucción de las epistemologías locales a la vez que alimenta un modelo civilizatorio. Ante este panorama nos preguntamos por la importancia de la función ritual. Si resulta necesaria la conservación, resignificación o construcción de rituales capaces de satisfacer la necesidad terapéutica de las personas en duelo y si es que estos rituales pueden llegar a ser una manifestación de resistencia ante la voraz globalización. Basándonos en los estudios sobre performance, analizaremos una serie de performances (culturales y artísticos) realizados entre 2012 y 2018 en torno a una muerte particular: La muerte de mi padre. Dicho análisis explorará distintos puntos de interés dentro de los performances, tales como: El proceso creativo y/o constitutivo, el contexto histórico y cultural en el que se enraízan y manifiestan, la riqueza simbólica y estética que poseen, los alcances espirituales y/o terapéuticos, así como las repercusiones sociales y políticas que tienen. El presente trabajo partirá de la metodología autoetnográfica que nos ayudará a establecer como punto de partida la mirada propia sumergida en un contexto particular, entendiendo lo íntimo como hecho político y viceversa. Así, delimitaremos nuestra problemática a la vez que entenderemos cada muerte como una vivencia particular que no puede generalizarse, ya que dentro de ella existe toda una complejidad de factores que la sostienen. Todo ello nos llevará a entender a la memoria y la ritualidad como una necesidad personal y como resistencia cultural.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5752