Academic literature on the topic 'Artist atelier'
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Journal articles on the topic "Artist atelier"
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Cunha, Eduardo Vieira da. "O atelier transparente, ou uma metáfora para a pintura. | The transparente atelier, or a metaphor for painting." PORTO ARTE: Revista de Artes Visuais 22, no. 36 (December 30, 2017): 169. http://dx.doi.org/10.22456/2179-8001.79594.
Full textAbstract:
A luz que atravessa o vidro já aparece representada na descrição do processo pictórico desde os carnets de Leonardo da Vinci. A janela de um atelier adquire esta função da objetiva da câmara clara: a de organizar o espaço, tanto aquele do interior do local de trabalho como o espaço interior da própria tela. A luz entra no atelier/laboratório para formar imagens sobre uma superfície sensível- a superfície da tela da pintura. O atelier transforma-se em um laboratório de revelação do mundo. É ali que as imagens se formam e tomam corpo. As sucessivas etapas continuam com a preparação do fundo branco da pintura, que torna translúcidas as diferentes cores. A tela passa a funcionar também como uma caixa de luz, iluminada do lado oposto, de onde as cores aparecem, por transparência. O artista é apenas um controlador da alquimia do processo: ele desencadeia uma reação catalisando a formação das imagens. Lembrando Proust, o processo de construção em pintura seria um desses “êxtases do tempo”, um efeito disjuntivo, mais topológico do que temporal, da nossa troca de experiência com o meio: a presença desconhecida da luz que atravessa o vidro para se fixar, modelando uma forma, em um fluxo contínuo de energias e tensões.
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The light that passes through the glass is already represented in the description of the pictorial process since the carnets from Leonardo da Vinci. The window of an atelier acquires this function of the lens of the camera lucida: of organizing the space, both that of the interior of the workplace and that of the interior of the space of the canvas itself. The light enters the atelier/laboratory to form images on a sensitive surface - the surface of the canvas. The atelier becomes a development laboratory of the world. It is there that the images are formed and take shape. The successive stages continue with the preparation of the white background of the painting, which makes the different colors translucent. The screen starts to work as a light box, illuminated on its opposite side, from where the colors appear, by the transparency. The artist is just a controller of the alchemy of the process: he triggers a reaction by catalyzing the formation of images. Remembering Proust, the process of construction in painting would be one of these "time ecstasies," a disjunctive effect, more topological than temporal, of our exchange of experiences with the medium: the unknown presence of the light that passes through the glass to fix itself, shaping a figure, on a continuous flow of energies and tensions.
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Aksenova, Galina V. "Art of a Book of D. Stelletsky." Bibliotekovedenie [Russian Journal of Library Science], no. 1 (February 24, 2011): 62–69. http://dx.doi.org/10.25281/0869-608x-2011-0-1-62-69.
Full textAbstract:
Dmitry Stelletsky was a sculptor, a painter, a graphic artist and a glorious representative of the Russian retrospectivism at the end of the XIXth — the first quarter of the XXth century that paid his attention to the art of manuscript book. The paper examines one of the most important aspects of his work such as book graphics which received positive enthusiastic reviews of artists and art critics. The papere shows the artist’s career from the studying at the Higher Art School of the Arts Academy and his work in the M.K. Tenisheva atelier till the painting of the church of the Trinity-St Sergius monastery in Paris and the creating of the manuscript masterpiece called «The Lay of Igor’s Warfare».In his book graphic works Dmitry Stelletsky was able to achieve as close as possible to the traditions of ancient Russian art and to revive the old Russian book tradition of compositionally stylistic unity of letters, ornaments and illustrations.
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Popovska, Nataša. "Life of the painting after death of the artist." Kultura, no. 170-171 (2021): 204–18. http://dx.doi.org/10.5937/kultura2171204p.
Full textAbstract:
Following the path of the painting after the departure of Petar Lubarda, one of our most prominent art figures, we are faced with the question to what extent we have fulfilled our task to protect the cultural property that was left-donated-to us. Processing the data from the most extensive register in the documentation of the Faculty of Fine Arts, with a multitude of actual and sensationalist titles that follow the life of his paintings, we have learnt about the formation of a rich collection donated by the artist's wife, Vera Lubarda, to the City of Belgrade, about the opening of the Atelier of Petar Lubarda and, shortly afterwards, its closing and falling into oblivion. However, in the light of one century from the birth of our esteemed artist, a need arose for retrospective exhibitions, which have, along with marking the jubilee and forming the Legacy of Petar Lubarda, to some extent corrected the decades of neglect by the expert public and the responsible cultural institutions. With an objective approach to the preserved data recorded by numerous art historians, critics and journalists, which are kept in the Petar Lubarda files, the paper presents the most current events about the life of his paintings in the period from the artist's death to the present day
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Cobo-Piñero, Rocío. "Beyond Literature: Toni Morrison’s Musical and Visual Legacy For Black Women Artists." Feminismo/s, no. 40 (July 15, 2022): 27. http://dx.doi.org/10.14198/fem.2022.40.02.
Full textAbstract:
The aim of this article is to analyze Toni Morrison’s understudied influence on music and visual art. In 1994 she established the Atelier Program in Princeton University as an interdisciplinary arts program that supported and nurtured multifaceted collaborations between artists and students from different disciplines. Moreover, her oeuvre shows her craft in a number of literary and artistic spheres that include writing novels, short stories, children’s books, literary criticism, song cycles and the script for a musical and a play. Keeping in mind Morrison’s multidimensional engagement with literature and the other arts, the first half of the article delves into the contemporary musical responses to the writer, placing special emphasis on black women musicians such as rapper Akua Naru, neo-soul vocalist India Arie, and singer and songwriter Janelle Monáe. Morrison’s intersectional representations of gender and race relations across the history of the U.S. have similarly inspired visual artists. The second half of the article explores the visual creations by U.S. black women artists Kara Walker, Lorna Simpson and Amy Sherald. Morrison’s manifold articulations of blackness and womanhood similarly resonate on the other side of the Atlantic through the work of Lubaina Himid, the first black British artist to win the prestigious Turner Prize in 2017.
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Soudavar, Abolala. "The Patronage of the Vizier Mirza Salman." Muqarnas Online 30, no. 1 (January 31, 2014): 213–34. http://dx.doi.org/10.1163/22118993-0301p0010.
Full textAbstract:
While previously published manuscripts hinted at Mirza Salman's interest in such works, two recently discovered manuscripts better show the full extent of the vizier's patronage. They reveal how his early association with Sultan Ibrahim Mirza had already induced him to emulate his prince in commissioning illustrated manuscripts, albeit on a more modest scale—and how he quickly decided to step into the shoes of Ibrahim Mirza and act as a true mirza, as soon as he established his supremacy in the chaotic political arena following Shah Ismaʿil II’s death. He thus commissioned artists from the late prince's library-atelier to prepare a series of manuscripts, the most important of which was a copy of the Būstān in which every illustration reflected a significant episode in the vizier's rapid rise to power. In so doing, he found a suitable accomplice in the person of the artist Muhammadi, who could dazzle him not only with his paintings but with his witty selection of texts and creative imagination for producing multilayered illustrations.
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GREY, THOMAS. "Wagner and the ‘Makart Style’." Cambridge Opera Journal 25, no. 3 (November 2013): 225–60. http://dx.doi.org/10.1017/s0954586713000116.
Full textAbstract:
AbstractThe visual artist most commonly linked with the name of Richard Wagner from the 1870s to the early twentieth century was the now relatively little-known Viennese painter Hans Makart (1844–84). Makart's Viennese atelier – no less than his sumptuous history paintings, ‘bacchanals’, society portraits and multi-media design-projects (notably a lavish 1879 historical pageant celebrating the Hapsburg monarchy) – defined an influential visual and stylistic idiom for the early fin-de-siècle. The style is recognisable in the salon at villa Wahnfried, in Paul Joukowsky's set designs for the first Parsifal, and arguably, in aspects of Wagner's music itself. Like most artists of the era, Makart occasionally depicted Wagnerian motifs, but his affinity with the composer was recognised as a matter of style and technique. Two breakthrough works from around 1868 in triptych form, Moderne Amoretten (Modern Cupids) and Der Pest in Florenz (The Plague in Florence), suggest thematic and conceptual parallels with Tannhäuser and Tristan und Isolde, respectively. Makart's Renaissance history paintings and the 1879 Vienna Festzug stage national history as a collective aesthetic experience in the manner of Die Meistersinger. A ubiquitous theme in comparisons of artist and composer is the role of colour (visual, harmonic and timbral), raised to a quasi-autonomous force that dominates composition and ‘idea’. Makart's resistance to conventions of visual narrative, as read by contemporary critics, recalls Wagner's resistance to conventional melodic periodicity.This article investigates the cultural and technical sources of Makart's appeal in the later nineteenth century and traces the comparison of Makart's and Wagner's styles as a critical topos. The disappearance of Makart and his ‘style’ from modern critical consciousness, I argue, mirrors a cultural Amnesia regarding features central to Wagner's irresistible fascination for his contemporaries.
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Cardoso, Angela Maria Gonçalves. "Pablo Palazuelo e Victoria Vesna. Arte e Ciência, Laboratório de Formas." História da Ciência e Ensino: construindo interfaces 21 (July 6, 2020): 32–47. http://dx.doi.org/10.23925/2178-2911.2020v21p32-47.
Full textAbstract:
ResumoA exposição retrospetiva PABLO PALAZUELO Proceso de Trabajo. MACB-5-12-06 a 18-2-07; e a conferência (ln) Tangibles: Nanopercepció i Mon Quantic. Vitoria Vesna, David Peat, CCCB- 24-3- 07, criam uma perspetiva da relação Arte-Ciência-Tecnologia. Essa perspetiva é aqui apresentada nos argumentos evidenciados pela obra deste artista e desta nanocientista. A obra, na sua função figurativa emergente, flui entre dois tempos: o da vida de Palazuelo (Madrid, 1915-2007) e Vesna (Washington D.C.,1960). Estas figurações materializam-se através da pintura e escultura em PaIazueIo e em instalações interativas, ambientes digitais virtuais, performances polisensoriais, em Vesna. Palazuelo, em 1976, falava deste plano de interceções do seguinte modo: "La ciencia penetra cada vez más profundamente en eI misterio de Ia materia formada, y el arte puede hacerlo también por sus propios medios, buscando allí otras cosas que aún no han sido reveladas." Este "tête a tête", conquista um espaço introdutório para a criação de obras unidas numa temática: a Mandala. O trabalho de atelier do pintor Palazuelo (Madrid, 1915-2007) e a obra nanomandala realizada pelos monges tibetanos de Gaden Kangtsen - County Museum de L.A. e Picolab.UCLA. A transição entre imagens de grãos de areia que revelam ondas padrão aparecendo a uma escala nanométrica, é evidente na referência formal e concetual na obra de Palazuelo. Assim sendo, as formas na matéria emergem seja pela via de atelier ou pela via de laboratório.Palavras-chave: Arte-Ciência, Laboratório, Linguagem Gráfica AbstractThe retrospective exhibition PABLO PALAZUELO Proceso de Trabajo. MACB-5-12-06 a 18-2-07; and the conference (ln) Tangibles: Nanopercepció i Mon Quantic. Vitoria Vesna, David Peat, CCCB24-3-07, create a perspective of the Art-Science-Technology relationship. This perspective is presented here in the arguments evidenced by the work of this artist and this nanocientist. The work, in its emergent figurative function, flows between two times: that of the life of Palazuelo (Madrid, 1915-2007) and Vesna (Washington D.C., 1960). These figurations materialize through the painting and sculpture in PaIazueIo and in interactive installations, digital virtual environments, polysensorial performances, in Vesna. Palazuelo, in 1976, spoke of this plan of interceptions as follows: "La ciencia penetra cada vez más profundamente en eI misterio de Ia materia formada, y el arte puede hacerlo también por sus propios medios, buscando allí otras cosas que aún no han sido reveladas."This "tête a tête", conquers an introductory space for the creation of works united in a theme: Mandala. The studio work of the painter Palazuelo (Madrid, 1915-2007) and the nanomandala work by the Tibetan monks of Gaden Kangtsen - County Museum of L.A. and Picolab.UCLA. The transition between images of sand grains that reveal standard waves appearing on a nanoscale scale is evident in the formal and concetual reference in Palazuelo's work. Thus, the forms in matter emerge either by atelier or by laboratory.Keywords: Art-Science, Laboratory, Graphic Language
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Kudelska, Dorota. "Malczewski and Vienna: New Facts." Roczniki Humanistyczne 67, no. 4 SELECTED PAPERS IN ENGLISH (October 30, 2019): 151–87. http://dx.doi.org/10.18290/rh.2019.68.4-7en.
Full textAbstract:
The Polish version of the article was published in Roczniki Humanistyczne vol. 65, issue 4 (2017).
The article presents, apart from the well-known facts concerning Malczewski’s connections with Viennese institutions and art circles, unknown archive materials, including: 1. letters exchanged between the artist and Juliusz Twardowski (a ministerial official) regarding the lease of a workshop at the Prater district of Vienna (letters were written between 1900–1913 and in 1925); 2. photographic documentation (19 items from the years 1890–1911) of the XXXIX. Ausstellung der Vereinigung Bildender Künstler Österreichs Secession in Vienna that featured 40 paintings by Malczewski and the sculpture Procession to Wawel by Wacław Szymanowski. The manuscripts indicate that Malczewski kept a secret atelier abroad and he most definitely worked there (it was either during one prolonged period, or two periods each lasting a few years). It contradicts the naïve opinions that Malczewski, being a patriot, could not stand separation from his homeland.
Photographs with dates and signatures complete the information from the catalogue; they allow for the matching of the ambiguous titles with photographs, and consequently help to identify the paintings shown at the exhibition. Some paintings presented in the photos are not known today, therefore the photographs constitute valuable iconographic material. The documents prove, for instance, that Spring. Landscape with Tobias (1904) was presented in Vienna. It is startling that the painting’s synthetic form was not acknowledged by the critics in Vienna. Just after the World War I, Malczewski wrote a letter to the President of the Wiener Secession in which he stated that the war had not been beneficial to any of the martyred and agitated nations and he had hoped for cooperation between the artists in the time of peace that would not be shaped by national interests or politics.
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Jakubowski, Bartosz. "Dwór i zbiory Michała Pawlikowskiego w Medyce." Rocznik Przemyski. Literatura i Język 58, no. 2 (26) (December 30, 2022): 117–60. http://dx.doi.org/10.4467/24497363rplj.22.005.17070.
Full textAbstract:
The manor and collections of Michał Pawlikowski in Medyka In 1809 Józef Benedykt Pawlikowski bought a landed estate in Medyka near Przemyśl from Wincenty Głogowski. Since then until 1939 Medyka remained in the hands of successive members of the Pawlikowski family, who made it their family hearth and main administrative centre of their large estate. Under the Pawlikowskis Medyka was not only a prosperous estate but also an important culture centre. The Medyka manor played an exceptional role between the wars, when it was a renowned literary centre and a painter’s atelier. Michał Pawlikowski (1887–1970), the last owner of Medyka, built a new manor between 1920 and 1927, where he ran a private publishing house called “Biblioteka Medycka” (The Medyka Library). The atmosphere of the place attracted representatives of the cultural elite of the period, famous politicians, outstanding scholars, army officers and clergy. The invaluable archival material and works of art accumulated in the manor reflected his archivist and collector’s passions. This paper presents Michał Pawlikowski as the last owner of the Medyka manor and also as an art collector and patron of the arts. The text discusses the development of the manor in Medyka with special attention paid to architectural achievements of particular members of the Pawlikowski family. The paper also describes at length the residence erected by Michał after the First World War, its architecture and the invaluable collections accumulated inside it, including the legacy of artist Artur Grottger and manuscripts of eminent Polish poets.
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Cargnin Facco, Marta Lucia. "Reflexões sobre o ateliê como lugar/espaço em processos de criação em Artes Visuais." Revista Digital do LAV 10, no. 2 (August 25, 2017): 213. http://dx.doi.org/10.5902/1983734826890.
Full textAbstract:
ResumoEste artigo[1] tem por objetivo refletir sobre o ateliê como lugar/espaço em processos de criação em Artes Visuais, bem como sua relevância na construção intelectual, crítica e reflexiva do artista. Busca-se, assim, possibilidade de compreensão do que seria esse ateliê nas Artes Visuais, sua conceitualização, finalidade e espaço/tempo para a construção de um ser/estar artista em meio ao processo criativo. Nessa perspectiva, propõe-se transitar por ateliês de artistas, em especial, o ateliê de William Kentridge, onde se aponta para a presença dos objetos inseridos neste contexto, investigando a cadeira como possível impulsionadora nos processos cognitivos de criação. Como desdobramento para este estudo, pretende-se também investigar os conceitos de espaço e lugar, assim como a dialética entre a poética e a estética nos processos de criação, ancorando-se nos estudos de René Passeron (1997) e Luigi Pareyson (2001), que neste momento somente serão adotados para elucidar o início da pesquisa. Enviado em: 28 de abril de 2017.Aprovado em: 05 de maio de 2017.
Dissertations / Theses on the topic "Artist atelier"
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Dräxlerová, Laura. "Jaroslavice – sídlo v krajině." Master's thesis, Vysoké učení technické v Brně. Fakulta architektury, 2018. http://www.nusl.cz/ntk/nusl-377206.
Full textAbstract:
The project of Cultural hub for Jaroslavice village is based on the rich history of this small borderline area. It is aiming on improving the current state of the region by connecting it into the cultural net and coordinating creative project within the area. It focuses on attracting foreing artists and connecting them with local community as well as coworking with art schools. It provides workshops and courses for local people and targets children and young people for developing their relationship to culture and creativity, The most attractive part of the project is the „Laboratory of Light“. It is composed from 8 different light situations for artist to train their skills.
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Figueiredo, Flora Sipahi Pires Martins [UNESP]. "Atelieristas: da célula atelier ao corpo atelier." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2015. http://hdl.handle.net/11449/128053.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2015-06-30. Added 1 bitstream(s) on 2015-10-06T13:19:03Z : No. of bitstreams: 1
000849661.pdf: 6738359 bytes, checksum: 1802c39eb3491b81afd1287720a4d7ca (MD5)Esta pesquisa trata da investigação das características e possibilidades da função das atelieristas, arte/educadoras que atuam na Educação Fundamental I da Escola Viva desde o ano de 2009. As práticas das atelieristas e os pressupostos conceituais acerca desta função apresentam pontos de intersecção com a experiência da Edu cação Infantil da Escola Viva (fundada em 1974 como o Atelier: Arte Expressão), bem como com a experiência das escolas municipais de Reggio Emilia, de maneira que se procura situar histórica e teoricamente neste trabalho as concepções que nortearam a criação desta função na Educação Fundamental da instituição. Além disso, é a partir das experiências das próprias atelieristas e da observação participante que a pesquisa busca evidenciar os contornos que definem esta função. Há, portanto, no trabalho, diferentes matrizes (histórica, teórica e empírica) que se articulam para evidenciar a complexidade do papel destas arte/educadoras na Escola Viva. Dessa forma, os procedimentos utilizados para a coleta de dados foram a análise documental, a realização de entrevistas, a realização de um grupo focal e a observação participante. Ao longo da análise desta função foram destacados aspectos como: a valorização das práticas de atelier na instituição; a realização de projetos que integram e articulam diferentes áreas do conhecimento à área de artes; a realização de projetos que levam em conta os interesses e questões apresentados pelos diferentes grupos de alunos; e o deslocamento das práticas de atelier por variados espaços do segmento da Educação Fundamental I da Escola Viva
Esta investigación aborda las características y posibilidades de la función de las talleristas, arte/educadoras que trabajan en la Educación Primaria de la Escola Viva desde 2009. Las prácticas de talleristas y supuestos conceptuales acerca de esta función tienen puntos de intersección con la experiencia de la Educación Infantil de la Escola Viva (fundada en 1974 como el Atelier: Arte Expressão), y tambíén con la experiencia de las escuelas municipales de Reggio Emilia; así que se busca situar histórica y teóricamente en este trabajo, las concepciones que guiaron la creación de esta función en la Educación Primaria de la instituición. Además, es a partir de las experiencias de los propios talleristas y de la observación participante que la investigación busca resaltar los contornos que definen esta función. Hay, pues, en el trabajo, diferentes matrices (histórica, teórica y empírica) que se articulan para mostrar la complejidad de la función de estas arte/educadoras en la Escola Viva. Por lo tanto, los procedimientos utilizados para la recolección de datos fueron el análisis de documentos, entrevistas, la realización de un grupo focal y la observación participante. A lo largo del análisis de esta función se destacaron aspectos como: la apreciación de las prácticas de taller en la institución; la realización de proyectos que integren y articulen las diferentes áreas de conocimiento con la area artes; la realización de proyectos que tengan en cuenta los intereses y temas que emergen em diferentes grupos de estudiantes; y el desplazamiento de las prácticas de taller para diversas áreas de lo segmento de Educación Primaria I de la Escola Viva
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Figueiredo, Flora Sipahi Pires Martins 1984. "Atelieristas : da célula atelier ao corpo atelier /." São Paulo, 2015. http://hdl.handle.net/11449/128053.
Full textAbstract:
Orientador: Rita Luciana Berti BredariolliBanca: Rejane Coutinho
Banca: Sumaya Mattar
Resumo: Esta pesquisa trata da investigação das características e possibilidades da função das "atelieristas", arte/educadoras que atuam na Educação Fundamental I da Escola Viva desde o ano de 2009. As práticas das atelieristas e os pressupostos conceituais acerca desta função apresentam pontos de intersecção com a experiência da Edu cação Infantil da Escola Viva (fundada em 1974 como o Atelier: Arte Expressão), bem como com a experiência das escolas municipais de Reggio Emilia, de maneira que se procura situar histórica e teoricamente neste trabalho as concepções que nortearam a criação desta função na Educação Fundamental da instituição. Além disso, é a partir das experiências das próprias atelieristas e da observação participante que a pesquisa busca evidenciar os contornos que definem esta função. Há, portanto, no trabalho, diferentes matrizes (histórica, teórica e empírica) que se articulam para evidenciar a complexidade do papel destas arte/educadoras na Escola Viva. Dessa forma, os procedimentos utilizados para a coleta de dados foram a análise documental, a realização de entrevistas, a realização de um "grupo focal" e a observação participante. Ao longo da análise desta função foram destacados aspectos como: a valorização das práticas de atelier na instituição; a realização de projetos que integram e articulam diferentes áreas do conhecimento à área de artes; a realização de projetos que levam em conta os interesses e questões apresentados pelos diferentes grupos de alunos; e o deslocamento das práticas de atelier por variados espaços do segmento da Educação Fundamental I da Escola Viva
Resumen: Esta investigación aborda las características y posibilidades de la función de las talleristas, arte/educadoras que trabajan en la Educación Primaria de la Escola Viva desde 2009. Las prácticas de talleristas y supuestos conceptuales acerca de esta función tienen puntos de intersección con la experiencia de la Educación Infantil de la Escola Viva (fundada en 1974 como el Atelier: Arte Expressão), y tambíén con la experiencia de las escuelas municipales de Reggio Emilia; así que se busca situar histórica y teóricamente en este trabajo, las concepciones que guiaron la creación de esta función en la Educación Primaria de la instituición. Además, es a partir de las experiencias de los propios talleristas y de la observación participante que la investigación busca resaltar los contornos que definen esta función. Hay, pues, en el trabajo, diferentes matrices (histórica, teórica y empírica) que se articulan para mostrar la complejidad de la función de estas arte/educadoras en la Escola Viva. Por lo tanto, los procedimientos utilizados para la recolección de datos fueron el análisis de documentos, entrevistas, la realización de un "grupo focal" y la observación participante. A lo largo del análisis de esta función se destacaron aspectos como: la apreciación de las prácticas de taller en la institución; la realización de proyectos que integren y articulen las diferentes áreas de conocimiento con la area artes; la realización de proyectos que tengan en cuenta los intereses y temas que emergen em diferentes grupos de estudiantes; y el desplazamiento de las prácticas de taller para diversas áreas de lo segmento de Educación Primaria I de la Escola Viva
Mestre
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Secco, Cappelli Ilaria del. "L'Atelier Lacourière-Frélaut un laboratorio di incisione : artisti ed editori a Montmartre 1929-1980 /." Firenze : I. Del Secco Cappelli, 1992. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb356473593.
Full text
5
Thomazoni, Andresa Ribeiro. "Quando o computador se torna atelier de criação artística. Liana Timm : vida de artista e artista da vida." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2014. http://hdl.handle.net/10183/108581.
Full textAbstract:
A presente tese foi desenvolvida no Programa de Pós-Graduação Informática na Educação, inserindo-se na linha de pesquisa “Interfaces digitais em educação, arte, linguagem e cognição”. Trata-se de uma pesquisa interdisciplinar que buscou tramar um diálogo entre arte e tecnologia. Mais especificamente, foi realizada uma investigação a respeito da imagem digital, entendendo-a como produzida em um agenciamento maquínico entre computador, considerado como atelier, e o corpo-artista. Desta paisagem, a investigação sobre a imagem digital buscou explorar as possibilidades de indeterminação na imagem, ou seja, suas possibilidades de criação e invenção, numa espécie de escavação até visibilizar o pixel, como o menor elemento da imagem. Metodologicamente realizou-se uma cartografia, escolhendo-se os trabalhos de imagens digitais realizados pela artista gaúcha Liana Timm. Tomou-se Liana como uma personagem estética e suas obras como disparadoras da problematização sobre imagens digitais produzidas no embate criacionista com o computador-atelier. Buscamos, dessa forma, abrir outros espaços para problematizar a imagem digital e suas possíveis conexões, bem como afirmar o computador como uma potência para fomentar maquinismos produtores da diferença e invenção.The present thesis was developed in the Computer in Education Postgraduate Program, as part of the "Digital interfaces in education, art, language and cognition" line of research. This is an interdisciplinary research that sought to weave a dialogue between art and technology. More specifically, an investigation was carried out regarding the digital image, comprising it as produced by a machinic assemblage between the computer considered as a workshop and the body-artist. From this landscape, the research on digital image sought to explore the possibilities of indeterminacy in the image, ie, its creation and invention possibilities, a kind of digging done to show the pixel as the smallest element of the image. Methodologically, it was done a cartography, picking up the pieces of digital images made by Brazilian artist, Liana Timm. We took Liana as an aesthetic character and her works as the trigger of the problematization about the digital images produced in a creationist clash with the computer-workshop. We seek, therefore, to open up other spaces to discuss the digital image and its possible connections as well as to firm the computer as a potency to foment machinisms producers of difference and invention.
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CALIPARI, Jessica. "La rappresentazione dell’atelier d’artista in Italia nel XIX secolo." Doctoral thesis, Scuola Normale Superiore, 2019. http://hdl.handle.net/11384/106404.
Full text
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Mazurová, Lenka. "Multifunkční kulturní centrum "Creative City" Brno." Master's thesis, Vysoké učení technické v Brně. Fakulta stavební, 2015. http://www.nusl.cz/ntk/nusl-394024.
Full textAbstract:
The aim of the Master thesis project is a reconstruction of former prison in Soudní street in Brno. The current building is a historical construction from 18th century and contains chapel. This building has an extension, which closes the block from the Bratislavská street. The prison has square layout with two inside yards and one yards between prison and the extension. The design contains new usage of the current spaces with extension of new floors on the prison building, demolition of the current extension from the Cejl street and construction of new building on created new space. On the current building is designed two floor structure from the Soudní street, the rest of the building has one floor. New administrative construction is connected with the old building by a bridge. The main purpose of new creative centre are spaces for artists, painters, architects, alternative actors, newspaper publishers, starting businessmen and other functions that relates to operation of the building. Other functions are living, permanent and temporary, atelier for public and cooking institute.
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Santos, Liliane Pires dos [UNESP]. "O ambiente do artista. O ateliê e seus guardados." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2009. http://hdl.handle.net/11449/86958.
Full textAbstract:
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santos_lp_me_ia.pdf: 2506316 bytes, checksum: 5f7499c655be0e21cabb083ec52115a7 (MD5)Universidade Estadual Paulista (UNESP)
O ateliê é conhecido como o lugar de produção do artista e onde suas indagações são materializadas, pode ser um espaço construído e pensado para isto ou ser improvisado em algum canto, mas é resumidamente um lugar onde o fazer ocorre mesmo em pensamentos que lá fluem. Este ambiente de criação está repleto de objetos escolhidos pelo artista que coexistem e o torna propício a criação, um lugar cheio de memórias e escolhas estéticas e o que talvez fique depois da obra e do artista. Esta pesquisa investiga os guardados do ateliê, como são eleitos e quais são suas influências na formação deste ambiente que se transforma com a arte, assim como tem o poder de transformação no artista e obra. O interesse é abrir estes espaços a novos olhares, investigar suas ações e buscas e como o lugar conta sobre a obra do artista e suas escolhas
The studio is known as the place of production of artist and where your key questions can be materialized. Can be a space built and thought to this, some may be improvised, but briefly corner is a place where do occurs even in thoughts that flows. This authoring environment is full of objects chosen by artist who co-exist and makes it conducive to creating a place full of memories and aesthetic choices and what might be after work and artist. This research investigates the object of the studio, as they are elected and what are your influences on training environment transforms with art, as well as it has the power of transformation in the artist. The interest is open these spaces to new sights, investigate their actions and searches and how the place on the work of artist and your choices
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Santos, Liliane Pires dos 1971. "O ambiente do artista. O ateliê e seus guardados /." São Paulo : [s.n.], 2009. http://hdl.handle.net/11449/86958.
Full textAbstract:
Orientador: Pelópidas Cyprinio de OliveiraBanca: Clice de Toledo Sanjar Mazzili
Banca: Sergio Regis Moreira Martins
Resumo: O ateliê é conhecido como o lugar de produção do artista e onde suas indagações são materializadas, pode ser um espaço construído e pensado para isto ou ser improvisado em algum canto, mas é resumidamente um lugar onde o fazer ocorre mesmo em pensamentos que lá fluem. Este ambiente de criação está repleto de objetos escolhidos pelo artista que coexistem e o torna propício a criação, um lugar cheio de memórias e escolhas estéticas e o que talvez fique depois da obra e do artista. Esta pesquisa investiga os guardados do ateliê, como são eleitos e quais são suas influências na formação deste ambiente que se transforma com a arte, assim como tem o poder de transformação no artista e obra. O interesse é abrir estes espaços a novos olhares, investigar suas ações e buscas e como o lugar conta sobre a obra do artista e suas escolhas
Abstract: The studio is known as the place of production of artist and where your key questions can be materialized. Can be a space built and thought to this, some may be improvised, but briefly corner is a place where do occurs even in thoughts that flows. This authoring environment is full of objects chosen by artist who co-exist and makes it conducive to creating a place full of memories and aesthetic choices and what might be after work and artist. This research investigates the object of the studio, as they are elected and what are your influences on training environment transforms with art, as well as it has the power of transformation in the artist. The interest is open these spaces to new sights, investigate their actions and searches and how the place on the work of artist and your choices
Mestre
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Teles, Sílvia Maria Brandão. "José Cláudio da Silva: um resgate do trabalho desenvolvido durante as atividades do Atelier Coletivo - 1952 a 1957." Universidade Federal da Paraíba, 2013. http://tede.biblioteca.ufpb.br:8080/handle/tede/3892.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2013-07-18Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
The consolidation of modern aesthetics in the city of Recife, Pernambuco State, occurred through discussions and positions on the ideas proposed by modernism, had been discussed earlier the same week of 1922. Research and studies conducted by sociologist Gilberto Freyre, since the early 1920s, proposed a gaze directed to the artistic aspects more regional valorize local characteristics. In contrast, the journalist Joaquim Inojosa brought questions that reinforced the acceptance of the modernist ideal start in Sao Paulo. Such discussions lasted for decades to come, influencing artists and intellectuals. Our work aims to investigate the production of artist José Cláudio, specifically between the years 1952 to 1957, during the term of a common work, called Atelier Collective, extension of the Society of Modern Art in Recife - space, where such reflections were being discussed. The research develops from a redemption of primary sources such as documents the artist, semi-structured interviews with him and some artists who were present at that time. The production of José Cláudio period highlighted was identified and cataloged, and analytical reading based on historical events, proposed by historian Michael Baxandall concludes our work. We observed that the work of José Cláudio presents a path marked by the achievement of his artistic identity, allowing it to several challenging experiences and conflicting, individual and collective.
O processo de consolidação da estética moderna na cidade do Recife e no Estado de Pernambuco, ocorrido por meio de discussões e posicionamentos acerca das ideias propostas pelo modernismo, vinha sendo discutido antes mesmo da semana de 1922. Pesquisas e estudos realizados pelo sociólogo Gilberto Freyre, desde o início da década de 1920, propuseram um olhar direcionado para aspectos artísticos mais regionais que valorizassem as características locais. Em contrapartida, o jornalista Joaquim Inojosa trouxe questionamentos que reforçavam a aceitação do ideal modernista iniciado em São Paulo. Tais discussões perduraram nas décadas seguintes, influenciando artistas e intelectuais. O nosso trabalho se propõe a investigar a produção do artista José Cláudio, especificamente entre os anos de 1952 a 1957, durante a vigência de um espaço comum de trabalho, denominado Atelier Coletivo, extensão da Sociedade de Arte Moderna do Recife espaço, onde tais reflexões vinham sendo discutidas. A investigação desenvolve-se a partir de um resgate de fontes primárias, tais como documentos do artista, entrevistas semiestruturadas realizadas com ele e com alguns artistas que estiveram presentes naquele período. A produção de José Cláudio do período destacado foi identificada e catalogada, e uma leitura analítica baseada em acontecimentos históricos, proposta pelo historiador Michael Baxandall, finaliza o nosso trabalho. Observamos que a obra de José Cláudio apresenta um caminho marcado pela conquista de sua identidade artística, se permitindo à várias experiências desafiadoras e conflitantes, coletivas e individuais.
Books on the topic "Artist atelier"
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Martin, Stather, Ewenz Gabriele Lieselotte, and Mannheimer Kunstverein, eds. Heribert C. Ottersbach: Künstlers Atelier. Köln: Wienand, 2002.
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Renoir, Auguste. Renoir's atelier =: L'atelier de Renoir. San Francisco: A. Wofsy Fine Arts, 1989.
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Kapelle, Jeroen. Tuin, thee en atelier: Schildersechtpaar Jan Kleintjes en Hedwig Kleintjes-van Osselen. Zutphen: Walburg Pers, 1999.
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Niemeyer, Oscar. Oscar Niemeyer: 10--100 produção contemporânea, 1996-2006 : Atelier FINEP. Rio de Janeiro: Eventual, 2007.
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5
Waber, Linde. Atelier. Wien: Amt der NÖ Landesregierung, Abteilung III/2, Kulturabteilung, 1987.
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Michel, Sima, and Fischer Kuno, eds. Michel Sima: Künstler im Atelier. Bern: Benteli, 2008.
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Allemeersch, Simon. "The Inside and Outside of High-Rise Social Housing: The Broken Institution." In The Urban Book Series, 109–25. Cham: Springer International Publishing, 2022. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-031-19748-2_8.
Full textAbstract:
AbstractThis article is based on an ethnographic report of a long-term artistic workplace in the inside world of a social high-rise ensemble. The communal ‘atelier’ functioned as a repair workshop (Allemeersch et al. 2014) concerned with re-negotiating the relation and knowledge between the inside and outside world. Through a synchronic ethnographic report on the inside world of the housing ensemble, this article aims to characterize the lived citizenship (Warming and Fahnøe 2017) of residents, formal and informal, based upon the opposition between formal and informal order (Goffman 1966; Scott 1998), the notion of ‘underlife’ (Goffman 1963/1996) and hidden and public transcripts (Scott 1990). As the deserted stronghold of a previously ‘pillarized’ welfare state, this article pictures an inside world that is unbalanced between formal and informal order, and lacking the latter (Scott 1998). This results in a social closure between the inside and outside world, and the loss of self of residents. Essentially, residents are caught in the double bind between isolation and social closure (Wacquant 2008) on the one hand, and the loss of façade (Goffman 1959/2019) on the other. Without a qualitative understanding of the inside world of high-rise social housing the outside world institutions act without any knowledge of ‘the community that many residents were able to create in such adverse conditions’ (Goetz 2011, p. 270), and the difficult relation these residents have developed towards their own environment and housing, state intervention and the public services (Wacquant 2008).
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Çelik Uğuz, Sabriye. "Ayvalik an as Art Route for Tourism Guides Within the Frame of Art Tourism." In Cases on Tour Guide Practices for Alternative Tourism, 240–56. IGI Global, 2020. http://dx.doi.org/10.4018/978-1-7998-3725-1.ch013.
Full textAbstract:
Art is the most important element that directs people to a destination and gives them an original experience in a developing and changing understanding of tourism. Art tourism motivates people to travel, facilitate communication with different cultures, enhance social pride, and contribute significantly to the region's economy. Regions with artistic and touristic attractions are active with art tourism, and they have an art destination brand. In this study, Ayvalik's potential for art tourism is investigated. At the same time, art events, art venues, and artist atelier/studio in Ayvalik are presented with numerical and visual examples. Ayvalik is developed as a new art route within the framework of art tourism and offers various suggestions for its tourist guides.
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"The Agora, or the Artist’s Atelier." In House of Taswir, 171–72. Wilhelm Fink Verlag, 2014. http://dx.doi.org/10.30965/9783846755778_055.
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MITSOPOULOU, Christina, and POLYCHRONOPOULOU Olga. "THE ARCHIVE AND ATELIER OF THE GILLIÉRON ARTISTS:." In MNHMH / MNEME. Past and Memory in the Aegean Bronze Age, 725–29. Peeters Publishers, 2019. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctv1q26q48.89.
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Weyl, Christina. "Innovative Etchings: Louise Nevelson at Atelier 17." In American Women Artists, 1935–1970, 127–44. Routledge, 2017. http://dx.doi.org/10.4324/9781315097329-11.
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"W atelier artysty. Pracownie malarzy łódzkich 1890–1939." In Acta Artis. Studia ofiarowane Profesor Wandzie Nowakowskiej. Wydawnictwo Uniwersytetu Łódzkiego, 2016. http://dx.doi.org/10.18778/8088-239-3.16.
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Totten, Christopher. "Moving Forward by Looking Back." In Advances in Multimedia and Interactive Technologies, 162–87. IGI Global, 2016. http://dx.doi.org/10.4018/978-1-5225-0477-1.ch010.
Full textAbstract:
This chapter explores art history to establish parallels between the current state of the game art field and historical art and architectural periods. In doing so, it proposes methods for both making and studying games that subvert the popular analysis trends of game art that are typically based on the history of game graphics and technology. The chapter will then demonstrate the use of art and design history in game development by discussing the Atelier Games project, which utilizes the styles and techniques of established artists and art movements to explore the viability of classic methods for the production of game art and game mechanics.
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PORCHER, Titaua. "Réécriture et mise en scène de mythes en Licence de Lettres." In Théâtre Mythologique, 109–20. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.4772.
Full textAbstract:
Cet article aborde les processus et les travaux de réécriture et de mise en scène de mythes au cours d'« ateliers théâtre » destinés aux étudiants de 3ème année de licence Lettres et Arts à l’Université de la Polynésie française.
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"From Paris to London: Australians in Ateliers, Clubs and Societies." In Identity, Community and Australian Artists, 1890–1914. Bloomsbury Visual Arts, 2019. http://dx.doi.org/10.5040/9781501332876.ch-003.
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Marcus, George E. "Variations in the Ways that Collaborations Surround and Effect Ethnographic Research Projects." In Collaborative Anthropology Today, 75–81. Cornell University Press, 2021. http://dx.doi.org/10.7591/cornell/9781501753343.003.0005.
Full textAbstract:
This chapter describes experiences in collaborative projects through the 1990s and from 2009 to 2010 that have made an impression about how ethnographic work builds collaborative contexts. It provides a commentary on the perspective in collaborations with Doug Holmes, who co-authored an account on sustained collaborative friendship, and Keith Murphy, who tried to introduce a design-influenced pedagogical form that teaches the model of ethnographic research in a collaborative form. It also talks about the collaboration with Luke Cantarella and Christine Hegel on the atelier model of artistic collaboration across ethnographic projects based on scenic studio design and workshop methods. The chapter explores the heightened assessments of change that was brought on by the self-consciousness in the 1990s. It mentions a series of annuals by the University of Chicago Press on recruiting those with specific ethnographic experience to document change.
Conference papers on the topic "Artist atelier"
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Felisberto de Oliveira Filho, Rosalvo. "A PRESENÇA DAS MULHERES ARTISTAS NO ATELIER COLETIVO." In 30º Encontro Nacional da ANPAP - (RE)EXISTÊNCIAS. ,: Even3, 2022. http://dx.doi.org/10.29327/30enanpap2021.371957.
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2
Ribeiro, Marília Andrés, and André Melo Mendes. "O ateliê do artista Arlindo Daibert." In 1º Congresso Internacional de Intermidialidade 2014. São Paulo: Editora Edgard Blücher, 2015. http://dx.doi.org/10.5151/phypro-intermidialidade2014-009.
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3
Nicolich, Natália dos Santos. "Um canto de ateliê: questões de abordagem e compreensão das pinturas de ateliê sem o artista entre 1883 e 1926." In Encontro de História da Arte. Universidade Estadual de Campinas, 2019. http://dx.doi.org/10.20396/eha.vi14.3385.
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4
Maria Fonseca Bohns, Neiva. "Arte para fugir da morte: mulheres artistas no período da Gripe Espanhola no Brasil." In Colóquio do Comitê Brasileiro de História da Arte. Comitê Brasileiro de História da Arte, 2021. http://dx.doi.org/10.54575/cbha.40.05.
Full textAbstract:
Este trabalho investiga a produção artística de algumas mulheres no período da crise sanitária que ficou conhecida como Gripe Espanhola, no início do século XX, no Brasil. Foram analisados, a partir do material historiográfico disponível, os casos das artistas Julieta de França (1870-1951), Nicolina Vaz (1874-1941), Anita Malfatti (1889-1964), Tarsila do Amaral (1885-1973), Georgina de Albuquerque (1885-1962) e Angelina Agostini (1888-1973). O foco do estudo incidiu sobre as interrupções ou continuidades das atividades artísticas no período estudado, tão atípico, em função do necessário isolamento social, e sobre as possíveis consequências para suas carreiras individuais. Neste sentido, o trabalho discute as desigualdades sociais e de gênero, sublinhando a importância do “ateliê como refúgio” e como lugar de segurança em períodos de crise sanitária.
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Berselli, Silvia. "Une correspondance architecturale: Ionel Schein "enfant" de Le Corbusier." In LC2015 - Le Corbusier, 50 years later. Valencia: Universitat Politècnica València, 2015. http://dx.doi.org/10.4995/lc2015.2015.1042.
Full textAbstract:
Résumé: Pour la génération d’architectes, tels Ionel Schein, qui se forment à Paris après la guerre, Le Corbusier représente le seul antidote à l’académisme “bozartien”. La filiation corbuséenne se fait d’abord en clandestinité, à travers les livres et les projets, puis avec le contact direct ou par lettre, et représente un bassin inépuisable pour l’éducation permanente des jeunes à l’architecture. Les rencontres et la correspondance, ponctuée de divertissements intellectuels, permettent à Schein d’absorber le lexique corbuséen comme une nouvelle langue maternelle, jusqu’à la formation de son propre vocabulaire d’architecture. A la mort du maître, contré pendant toute sa vie par les institutions, Schein est dégoûté par la suite grotesque d’honneurs posthumes mise en scène : sa fidélité au message de Le Corbusier survit aux apparences et dans ses obituaires sans couronnes de lauriers on trouve le sens profond d’un héritage tant discuté et imposant. Resumen: Para la generación de arquitectos que, como Ionel Schein, se forman en París después de la guerra, Le Corbusier es el único antídoto contra el academicismo de la Escuela de Bellas Artes. La filiación corbuseana se hace primero clandestinamente, a través de los libros y de los proyectos, y en seguida con el contacto directo o por carta, y representa una reserva inagotable por la educación de los jóvenes a la arquitectura. Las reuniones y la correspondencia, punteada de entretenimientos intelectuales, permiten a Schein de absorber el léxico corbuseano como una nueva lengua materna, hasta la formación de su propio vocabulario arquitectónico. A la muerte del maestro, Schein crítica duramente la serie grotesca de honores póstumos enscenada por las instituciones que lo obstaculizaron por toda su vida. Su fidelidad al mensaje de Le Corbusier sobrevive a las apariencias y en sus obituarios sin coronas de laurel se encuentra el significado más profundo de un legado tan discutido e imponente. Mots clés: Ionel Schein; Claude Parent; Atelier 35 rue de Sèvres; Scuola CIAM Venezia 1952; CIAM IX 1953; correspondance.Palabras clave: Ionel Schein; Claude Parent; Atelier 35 rue de Sèvres; Escuela CIAM Venecia 1952; CIAM IX 1953; correspondencia. DOI: http://dx.doi.org/10.4995/LC2015.2015.1042
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Dumont d'Ayot, Catherine. "Machines à exposer." In LC2015 - Le Corbusier, 50 years later. Valencia: Universitat Politècnica València, 2015. http://dx.doi.org/10.4995/lc2015.2015.1025.
Full textAbstract:
Résumé: Ateliers d’artistes, appartements et villas de collectionneurs, pavillons, scénographies et musées : l’exposition est un fil rouge de l’œuvre de Le Corbusier. Le rapport que l’homme entretient à l’œuvre d’art et les modalités de ce rapport sont des éléments fondateurs de son architecture et occupent une position primordiale dans sa vision de la ville. De la ziggourat du Musée mondial en 1929, jusqu’aux projets des années 1960 comme le Centre d’Art international à Erlenbach ou le Musée du XXe siècle pour Nanterre, les musées sont des pièces incontournables des ses grands plans d’urbanisme. Les projets de musées et de pavillons d’exposition entre 1929 et 1965 et les concepts des différentes expositions qu’il organise évoluent en parallèle de sa manière d’envisager le rapport à l’œuvre, que ce soit celui de l’artiste, du spectateur initié ou du novice. Les esquisses préparatoires des différents projets de musées et de pavillons retracent cette évolution. La critique du projet du Mundaneum par Karel Teige assume un rôle clé dans la transformation décisive du concept du musée qui a lieu entre le Musée Mondial en 1929 et le projet de Le Corbusier pour le Musée à croissance illimitée en 1930. C’est un changement séminal qui est décisif pour les projets futurs. L’architecture et la relation à l’œuvre d’art ne sont plus déterminées par le recours à une forme, mais par un mécanisme fonctionnel et organique: la croissance, à la fois image et symbole de l’évolution positiviste de l’humanité. Abstract: Exhibitions, museums, pavilions, artist ateliers, apartments and collectors’ villas: exposition runs like a red thread through Le Corbusier’s work. Man’s relationship to art is a fundamental element of architectural dispositifs. Art influences his vision of society as a whole, and museums are central to his major urban plans, from the ziggurat of the Musée Mondial in Geneva, to the museums in Ahmadabad, Tokyo or Chandigarh, to projects he realized in the late 1960s, such as the Museum of the 20th Century in Nanterre. The evolution of museum design between 1929 and 1965 and of the concepts Le Corbusier developed for the different exhibitions of his own œuvre are in keeping with his way of understanding the relationship to works of art, whether by the artist, a knowledgeable public or those encountering art for the first time. The sketches for the different museums and pavilions retrace this evolution. Karel Teige’s critique of the Mundaneum project assumes a key role in the transformation of the museum concept that occurred between the Musée Mondial of 1929 and Le Corbusier’s first designs for a Museum with Unlimited Growth in 1930. The architecture and the place for art in society are no longer determined by the use of a form but through a functional mechanism. Growth is understood as an image of the positive evolution of mankind. This seminal change is a key to the later projects.Mots clés: musée, exposition, fonctionnalisme. Keywords: museum, exhibition, functionalism. DOI: http://dx.doi.org/10.4995/LC2015.2015.1025
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Jiménez Caballero, Inmaculada. "Charles-Edouard Jeanneret miembro de l´OEUVRE." In LC2015 - Le Corbusier, 50 years later. Valencia: Universitat Politècnica València, 2015. http://dx.doi.org/10.4995/lc2015.2015.634.
Full textAbstract:
Resumen: Esta investigacióvn presenta la influencia en Charles-Edouard Jeanneret de su maestro Charles L´Eplattenier a través de dos instituciones: l´École d´Art de La Chaux-de-Fonds donde ambas figuras se encontraron y la asociación de la Suiza francófona l´OEUVRE, en la que los dos coincidieron también un breve espacio de tiempo en la misma época. La actividad en ambas instituciones representa la doble vertiente de un único proyecto para reformar los procesos artísticos ligados a los oficios artesanales; el propósito era incorporar al producto industrial producido en serie el valor añadido de su calidad artística, siguiendo el ejemplo de la Werkbund alemana. Para tal fin era necesario llevar a cabo una profunda reforma en el programa de enseñanza de dibujo en l´École d´Art, y desarrollar a la vez, una serie de acciones que permitieran visualizar los logros alcanzados. Su estrategia estaba apoyada en dos pilares: formación y propaganda. La presente investigación detalla de que manera Jeanneret participó en este proyecto a través de su intervención tanto en l´École d´Art y las nuevas estructuras para renovar la enseñanza del dibujo, como en la asociación l¨OEUVRE y sus distintos proyectos, A través de estas iniciativas encontramos el origen de algunos temas a los que Le Corbusier dedicará su atención; identificamos personajes que jugarán un papel importante en distintos momentos de su vida o proyectos y artículos que anunciarán propuestas teóricas y prácticas de sus trabajos posteriores. Abstract: This research presents the influence in Charles-Edouard Jeanneret of his master Charles L'Eplattenier in the context of two institutions. On one hand ´École d´Art de La Chaux-de-Fonds, where both figures met and where they established a first line of common work; and on the other hand, the association from the french-speaking Switzerland called l'Oeuvre, in which both briefly met. The activity in both institutions had the same goal and was in reality a single project: the reform of artistic processes bounded to the craft trades to provide the mass-produced industrial goods with the added value of artistic quality, following the example of the Deutscher Werkbund. In order to do this, it was necessary to carry out a profound reform of the drawing education program of l´Ecole d´Art and develop a series of propaganda actions allowing to visualize its achievements. Thus, the strategy was based on two pillars: education and propaganda. This research details how Jeanneret contributed to this project through his involvement in both, l´École d´Art’s renovation of drawing education and the Association l'Oeuvre’s various projects. Through them we discover the origin of some of the subjects that Le Corbusier will devote its attention to, characters that will play an important role in different moments of his life, or projects and articles that announce theoretical proposals or practices of his subsequent work. Palabras clave: Cours Supérieur; Nouvelle Section; Ateliers d´Art Réunis; L´OEUVRE. Keywords: Cours Supérieur; Nouvelle Section; Ateliers d´Art Réunis; L´OEUVRE. DOI: http://dx.doi.org/10.4995/LC2015.2015.634
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Sempere i Soler, Josep Francesc. ""Memorial National de Gurs. 1994"." In III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales :: ANIAV 2017 :: GLOCAL. Valencia: Universitat Politècnica València, 2017. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2017.5879.
Full textAbstract:
El propósito del trabajo es dar a conocer la existencia de este campo denominado de internamiento en el Béarn, desde los años 1939 a 1945. En concreto en la población de Gurs, un pequeño pueblo, en el Pirineo Atlántico francés. Y del Memorial obra de Dani Karavan. Tras la derrota militar del ejército republicano se produce un exilio masivo - se cifra en medio millón de personas tras la caída de Barcelona el 26 de enero de 1939-, del ejército y población de la IIª República. El gobierno francés crea esta suerte de campos de internamiento. El de Gurs fue el más grande y encerró a los que consideraban indeseables: republicanos procedentes de España, brigadistas internacionales, aviadores republicanos. Refugiados de la Europa Central y sin papeles, comunistas y resistentes franceses, gitanos y judíos extranjeros. En esta landa inhóspita permanecieron encerrados 60.550 hombres, mujeres y niños. Muchos descansan en los dos cementerios adjuntos al antiguo campo (en uno los republicanos, brigadistas, otros presos y el otro es el cementerio judío). Decidí realizar esta investigación en el terreno y hablando con supervivientes del campo, residentes en pueblos cercanos, para que los jóvenes europeos puedan tener conocimiento de que la Segunda Guerra Mundial comenzó en 1936, aunque no aparezca en ningún libro de historia. El gobierno francés tras años de intentar hacer desaparecer cualquier vestigio del mismo y ante la presión de los ciudadanos del Béarn, de la “Amicale du camp de Gurs”, asociaciones judías y otras muchas organizaciones y personalidades, paralizaron la destrucción completa de los restos del antiguo campo y encargaron al artista israelí Dani Karavan - uno de los artistas de “Land Art” vivos más reconocidos -, la construcción de este Memorial (existen tres en toda Francia), se inaugura el 14 de octubre de 1994. Al estar realizando la tesis sobre la obra y persona de Dani Karavan, acudí - en octubre de 2011- , al igual que a otros países y lugares donde tiene emplazadas obras ( Alemania, España, Francia, Italia, Israel,..), para realizar fotografías, filmaciones, dibujos, apuntes, obtener información de los ayuntamientos e ir recabando información para la tesis. Descubrí el lugar y recordé las palabras del artista: “Cuando trabajo en un nuevo emplazamiento trato con aspectos visibles e invisibles, con materiales sensibles, con memorias y con mi propio estado de conciencia y conocimiento histórico” . Tal fue el impacto, que pasé unos días consternado y más conforme oía relatos de supervivientes y leía sobre el campo y el trabajo de Dani Karavan, ante el ofrecimiento de realizar la obra y descubrir la realidad de lo sucedido. En enero acudí al “atelier” de Dani en París (ahora reside en Tel Aviv, pero venía a Europa unos días por compromisos ), hablé con el maestro el día 21/01/2017 y realicé unas fotografías tipo retrato, tras la entrevista. Detrás de él , en la pared, había unos fotos de este “Memorial National de Gurs".http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5879
9
Granados González, Jerónimo. "Captando la mirada. Publicidad y reclamo en el espacio expositivo de Le Corbusier." In LC2015 - Le Corbusier, 50 years later. Valencia: Universitat Politècnica València, 2015. http://dx.doi.org/10.4995/lc2015.2015.699.
Full textAbstract:
Resumen: Dentro de la obra de Le Corbusier, el espacio expositivo fue un tema ampliamente desarrollado. La idea de generar un prototipo teórico de museo, por ejemplo, fue recurrente a lo largo de toda su obra, como una idea latente, en gestación, a la espera del momento para ser llevada a la realidad de la construcción. En el caso concreto del museo de crecimiento ilimitado, desarrollado teóricamente a lo largo de la década de 1930, los pocos ejemplos construidos son ejecutados a partir de los años cincuenta. Al realizar una compilación de los ejemplos de espacios expositivos proyectados por Le Corbusier, siguiendo líneas tipológicas similares, en donde se incluyan no solo museos, sino también, pabellones y salas de exposición, montajes expositivos e, incluso, propuestas comerciales (donde lo expuesto es una mercancía), se constata que el número total de obras supera las ochenta, abarcando proyectos desde 1910 (la sala de exposiciones del Taller de artistas) hasta la muerte de Le Corbusier en 1965, con el último ejemplo proyectado: el museo del siglo XX en Nanterre. A la hora de analizar las distintas estrategias proyectuales empleadas por el maestro a la hora de enfocar la arquitectura expositiva, un punto interesante es el reclamo publicitario, la propaganda y la captación del interés de los visitantes, la relación con el diseño gráfico y la publicidad, el empleo del color, el grafismo o la cartelería. Todos estos aspectos son especialmente relevantes en el caso de pabellones de exposición y pabellones para marcas comerciales. Abstract: Within the work of Le Corbusier, the exhibition space was a theme widely developed. For example, the idea of a theoretical prototype of the museum was recurrent throughout his work, as a latent idea, waiting for the time to be taken to the reality of construction. In the case of the museum of unlimited growth, theoretically developed throughout the 1930s, the few built examples are executed from the fifties. In carrying out a compilation of examples of exhibition spaces designed by Le Corbusier, following similar typological lines, where not only museums but also pavilions, exhibition halls, expositions and even commercial proposals are included, we find that the total number of works exceeds eighty, covering projects since 1910 (the exhibition hall of the Ateliers d’Artistes) to the death of Le Corbusier in 1965, with the final example: the Museum of the 20th Century in Nanterre. When analyzing the different design strategies employed by the Master at the exhibition architecture, an interesting point is the study of advertising, propaganda (attracting the interest of visitors), the relationship with graphic design, and the use of color, graphics and signage. All these aspects are especially relevant in the case of exhibition halls and pavilions for trademarks. Palabras clave: pabellones; exposiciones; museos; publicidad. Keywords: pavilions; exhibitions; museums; advertising. DOI: http://dx.doi.org/10.4995/LC2015.2015.699
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Andrade, Max Lira Veras Xavier de, Cristiana Maria Sobral Griz, and Edwin Vidal. "Diagnóstico da grade curricular no curso de arquitetura e urbanismo da UFPE para inserção do BIM." In IV ENCONTRO NACIONAL SOBRE O ENSINO DE BIM. ANTAC, 2022. http://dx.doi.org/10.46421/enebim.v4i00.1893.
Full textAbstract:
Este artigo apresenta uma das ações desenvolvidas pela Célula BIM UFPE. As células BIM são resultado de um edital lançado pelo Ministério da Economia que apresentava como uma de suas sub-metas a “Proposta e instalação de Célula BIM em Instituição de Ensino Superior (IES) visando estimular o desenvolvimento e aplicação de novas tecnologias relacionadas ao Building Information Modeling (BIM)” (Brasil. Ministério da Economia, 2019). O BIM é entendido como um conjunto de políticas, processos e tecnologias que visam produzir, comunicar e analisar a informação da construção. Representando a expressão da inovação na indústria da construção civil, o BIM é tido como um novo conceito em projetos de Arquitetura e Engenharia. Para cursos de graduação nessas áreas, a adoção do BIM é de fundamental importância para a ampliação das competências BIM no setor da Construção Civil (Delatori, 2014). Entretanto, a adequada incorporação dos conteúdos BIM em cursos de graduação deve ser precedida de ações preliminares (BÖES; BARROS; LIMA, 2021), sendo o diagnóstico do projeto pedagógico e, em particular, da matriz curricular, uma delas. Nesse sentido, o objetivo deste artigo é apresentar o resultado de um diagnóstico da grade curricular no curso de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Federal de Pernambuco. Este tem como propósito avaliar em que medida os conteúdos BIM podem ser incorporados nas disciplinas do curso.
A análise do Projeto Pedagógico Curricular (PPC) observou a capacidade de incorporar atividades interdisciplinares e práticas pedagógicas e tecnológicas compatíveis com o BIM. A matriz curricular foi analisada tendo por base a metodologia desenvolvida por Checcucci e Amorim (2014), criada para a avaliação de cursos de engenharia civil. Esta foi adaptada por Lima et al (2020) para os cursos de arquitetura e urbanismo. Conforme a metodologia, analisa-se a ementa dos componentes curriculares, classificados segundo os seus conteúdos, conforme as diretrizes nacionais (MINISTÉRIO DA EDUCAÇÃO, 2006). Cada grupo é identificado pelo nível de interface entre o componente curricular e o conteúdo BIM, representados em uma escala cromática: clara, caso não haja interface; média caso a interface não seja tão explícita; escura, caso a interface seja forte. O PPC do curso de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Federal de Pernambuco (UFPE) propõe um sistema próprio de classificação e enquadramento das matérias: a) disciplinas instrumentais, referem-se àquelas que apresentam meios e instrumentos práticos para o adequado desenvolvimento de projetos; b) conceituais, as que apresentam, contextualizam e discutem as ideias que instruem as tomadas de decisão; e c) integrativas, as que integram, por meio de problemas de projeto, os conteúdos teórico-práticos necessários ao ato de projetar. Sendo assim, camadas analíticas complementares àquelas adotadas pelos autores citados foram introduzidas para contemplar tais especificidades.
O PPC, por sua concepção estrutural integrativa, mostrou-se compatível com os pressupostos do BIM, pois o conteúdo e os métodos ministrados no curso fornece condições para a implementação de estratégias BIM nas escalas arquitetônica, urbana e paisagística. A matriz curricular do curso de Arquitetura e Urbanismo é extensa, possuindo 173 disciplinas. Isso acontece porque diversas disciplinas possuem uma carga horária que pode ser considerada pequena, de 15 e 30 horas. Dentre as disciplinas oferecidas, verificou-se que 26,01% das disciplinas obrigatórias e 28,73% das eletivas são compatíveis com a inserção de conteúdos BIM. Apesar dessa inserção poder acontecer, de maneira mais teórica, desde o primeiro ano do curso, a maioria delas são oferecidas no segundo e terceiro ano. Em relação às categorias, as disciplinas integrativas e instrumentais são as que mais permitem a inserção do ensino do BIM, sem que seja necessária uma grande alteração das ementas. Diante disso, a inserção do conteúdo BIM na matriz curricular do curso aponta majoritariamente para as disciplinas integrativas e instrumentais. A convergência de conteúdos e métodos no ateliê de projetos, que integra as escalas arquitetônica, urbana e paisagística, estabelece as condições fundamentais para a implementação BIM. Soma-se a isso o fato de que as disciplinas eletivas instrumentais de cada semestre do curso servem de suporte para o desenvolvimento do projeto da disciplina integrativa. A oferta de disciplinas com conteúdo e cargas horárias mínimas, associadas ao uso das pedagogias de aprendizagem baseada em problemas e da sala invertida, criam, em princípio, o ambiente próprio para o aprendizado BIM. No entanto, se matérias e disciplinas apresentam clara interface com o ensino de BIM, sua carga horária, seu enquadramento e sequenciamento no curso podem dificultar o seu ministério.
Assim, se por um lado, os conteúdos específicos associados aos problemas-chave dos anos letivos do curso (reabilitação, renovação, expansão e conservação urbanas) contribuem para a lógica integradora, por outro lado, algumas disciplinas carecem de cargas horárias suficientes para o ministério dos conteúdos. Além disso, a análise dos componentes curriculares à luz da sua interface com os conteúdos específicos associados ao ensino de BIM, revelou a necessidade de serem incluídas camadas analíticas complementares àquelas adotadas pelos referidos autores. Por exemplo, matérias e disciplinas podem ter clara interface com o ensino de BIM, no entanto, questões de enquadramento e sequenciamento no curso podem dificultar ou mesmo impossibilitar o seu ministério, como também as condições.