Dissertations / Theses on the topic 'Artist atelier'

The project of Cultural hub for Jaroslavice village is based on the rich history of this small borderline area. It is aiming on improving the current state of the region by connecting it into the cultural net and coordinating creative project within the area. It focuses on attracting foreing artists and connecting them with local community as well as coworking with art schools. It provides workshops and courses for local people and targets children and young people for developing their relationship to culture and creativity, The most attractive part of the project is the „Laboratory of Light“. It is composed from 8 different light situations for artist to train their skills.

Made available in DSpace on 2015-10-06T13:03:02Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-06-30. Added 1 bitstream(s) on 2015-10-06T13:19:03Z : No. of bitstreams: 1 000849661.pdf: 6738359 bytes, checksum: 1802c39eb3491b81afd1287720a4d7ca (MD5)
Esta pesquisa trata da investigação das características e possibilidades da função das atelieristas, arte/educadoras que atuam na Educação Fundamental I da Escola Viva desde o ano de 2009. As práticas das atelieristas e os pressupostos conceituais acerca desta função apresentam pontos de intersecção com a experiência da Edu cação Infantil da Escola Viva (fundada em 1974 como o Atelier: Arte Expressão), bem como com a experiência das escolas municipais de Reggio Emilia, de maneira que se procura situar histórica e teoricamente neste trabalho as concepções que nortearam a criação desta função na Educação Fundamental da instituição. Além disso, é a partir das experiências das próprias atelieristas e da observação participante que a pesquisa busca evidenciar os contornos que definem esta função. Há, portanto, no trabalho, diferentes matrizes (histórica, teórica e empírica) que se articulam para evidenciar a complexidade do papel destas arte/educadoras na Escola Viva. Dessa forma, os procedimentos utilizados para a coleta de dados foram a análise documental, a realização de entrevistas, a realização de um grupo focal e a observação participante. Ao longo da análise desta função foram destacados aspectos como: a valorização das práticas de atelier na instituição; a realização de projetos que integram e articulam diferentes áreas do conhecimento à área de artes; a realização de projetos que levam em conta os interesses e questões apresentados pelos diferentes grupos de alunos; e o deslocamento das práticas de atelier por variados espaços do segmento da Educação Fundamental I da Escola Viva
Esta investigación aborda las características y posibilidades de la función de las talleristas, arte/educadoras que trabajan en la Educación Primaria de la Escola Viva desde 2009. Las prácticas de talleristas y supuestos conceptuales acerca de esta función tienen puntos de intersección con la experiencia de la Educación Infantil de la Escola Viva (fundada en 1974 como el Atelier: Arte Expressão), y tambíén con la experiencia de las escuelas municipales de Reggio Emilia; así que se busca situar histórica y teóricamente en este trabajo, las concepciones que guiaron la creación de esta función en la Educación Primaria de la instituición. Además, es a partir de las experiencias de los propios talleristas y de la observación participante que la investigación busca resaltar los contornos que definen esta función. Hay, pues, en el trabajo, diferentes matrices (histórica, teórica y empírica) que se articulan para mostrar la complejidad de la función de estas arte/educadoras en la Escola Viva. Por lo tanto, los procedimientos utilizados para la recolección de datos fueron el análisis de documentos, entrevistas, la realización de un grupo focal y la observación participante. A lo largo del análisis de esta función se destacaron aspectos como: la apreciación de las prácticas de taller en la institución; la realización de proyectos que integren y articulen las diferentes áreas de conocimiento con la area artes; la realización de proyectos que tengan en cuenta los intereses y temas que emergen em diferentes grupos de estudiantes; y el desplazamiento de las prácticas de taller para diversas áreas de lo segmento de Educación Primaria I de la Escola Viva

Orientador: Rita Luciana Berti Bredariolli
Banca: Rejane Coutinho
Banca: Sumaya Mattar
Resumo: Esta pesquisa trata da investigação das características e possibilidades da função das "atelieristas", arte/educadoras que atuam na Educação Fundamental I da Escola Viva desde o ano de 2009. As práticas das atelieristas e os pressupostos conceituais acerca desta função apresentam pontos de intersecção com a experiência da Edu cação Infantil da Escola Viva (fundada em 1974 como o Atelier: Arte Expressão), bem como com a experiência das escolas municipais de Reggio Emilia, de maneira que se procura situar histórica e teoricamente neste trabalho as concepções que nortearam a criação desta função na Educação Fundamental da instituição. Além disso, é a partir das experiências das próprias atelieristas e da observação participante que a pesquisa busca evidenciar os contornos que definem esta função. Há, portanto, no trabalho, diferentes matrizes (histórica, teórica e empírica) que se articulam para evidenciar a complexidade do papel destas arte/educadoras na Escola Viva. Dessa forma, os procedimentos utilizados para a coleta de dados foram a análise documental, a realização de entrevistas, a realização de um "grupo focal" e a observação participante. Ao longo da análise desta função foram destacados aspectos como: a valorização das práticas de atelier na instituição; a realização de projetos que integram e articulam diferentes áreas do conhecimento à área de artes; a realização de projetos que levam em conta os interesses e questões apresentados pelos diferentes grupos de alunos; e o deslocamento das práticas de atelier por variados espaços do segmento da Educação Fundamental I da Escola Viva
Resumen: Esta investigación aborda las características y posibilidades de la función de las talleristas, arte/educadoras que trabajan en la Educación Primaria de la Escola Viva desde 2009. Las prácticas de talleristas y supuestos conceptuales acerca de esta función tienen puntos de intersección con la experiencia de la Educación Infantil de la Escola Viva (fundada en 1974 como el Atelier: Arte Expressão), y tambíén con la experiencia de las escuelas municipales de Reggio Emilia; así que se busca situar histórica y teóricamente en este trabajo, las concepciones que guiaron la creación de esta función en la Educación Primaria de la instituición. Además, es a partir de las experiencias de los propios talleristas y de la observación participante que la investigación busca resaltar los contornos que definen esta función. Hay, pues, en el trabajo, diferentes matrices (histórica, teórica y empírica) que se articulan para mostrar la complejidad de la función de estas arte/educadoras en la Escola Viva. Por lo tanto, los procedimientos utilizados para la recolección de datos fueron el análisis de documentos, entrevistas, la realización de un "grupo focal" y la observación participante. A lo largo del análisis de esta función se destacaron aspectos como: la apreciación de las prácticas de taller en la institución; la realización de proyectos que integren y articulen las diferentes áreas de conocimiento con la area artes; la realización de proyectos que tengan en cuenta los intereses y temas que emergen em diferentes grupos de estudiantes; y el desplazamiento de las prácticas de taller para diversas áreas de lo segmento de Educación Primaria I de la Escola Viva
Mestre

A presente tese foi desenvolvida no Programa de Pós-Graduação Informática na Educação, inserindo-se na linha de pesquisa “Interfaces digitais em educação, arte, linguagem e cognição”. Trata-se de uma pesquisa interdisciplinar que buscou tramar um diálogo entre arte e tecnologia. Mais especificamente, foi realizada uma investigação a respeito da imagem digital, entendendo-a como produzida em um agenciamento maquínico entre computador, considerado como atelier, e o corpo-artista. Desta paisagem, a investigação sobre a imagem digital buscou explorar as possibilidades de indeterminação na imagem, ou seja, suas possibilidades de criação e invenção, numa espécie de escavação até visibilizar o pixel, como o menor elemento da imagem. Metodologicamente realizou-se uma cartografia, escolhendo-se os trabalhos de imagens digitais realizados pela artista gaúcha Liana Timm. Tomou-se Liana como uma personagem estética e suas obras como disparadoras da problematização sobre imagens digitais produzidas no embate criacionista com o computador-atelier. Buscamos, dessa forma, abrir outros espaços para problematizar a imagem digital e suas possíveis conexões, bem como afirmar o computador como uma potência para fomentar maquinismos produtores da diferença e invenção.
The present thesis was developed in the Computer in Education Postgraduate Program, as part of the "Digital interfaces in education, art, language and cognition" line of research. This is an interdisciplinary research that sought to weave a dialogue between art and technology. More specifically, an investigation was carried out regarding the digital image, comprising it as produced by a machinic assemblage between the computer considered as a workshop and the body-artist. From this landscape, the research on digital image sought to explore the possibilities of indeterminacy in the image, ie, its creation and invention possibilities, a kind of digging done to show the pixel as the smallest element of the image. Methodologically, it was done a cartography, picking up the pieces of digital images made by Brazilian artist, Liana Timm. We took Liana as an aesthetic character and her works as the trigger of the problematization about the digital images produced in a creationist clash with the computer-workshop. We seek, therefore, to open up other spaces to discuss the digital image and its possible connections as well as to firm the computer as a potency to foment machinisms producers of difference and invention.

The aim of the Master thesis project is a reconstruction of former prison in Soudní street in Brno. The current building is a historical construction from 18th century and contains chapel. This building has an extension, which closes the block from the Bratislavská street. The prison has square layout with two inside yards and one yards between prison and the extension. The design contains new usage of the current spaces with extension of new floors on the prison building, demolition of the current extension from the Cejl street and construction of new building on created new space. On the current building is designed two floor structure from the Soudní street, the rest of the building has one floor. New administrative construction is connected with the old building by a bridge. The main purpose of new creative centre are spaces for artists, painters, architects, alternative actors, newspaper publishers, starting businessmen and other functions that relates to operation of the building. Other functions are living, permanent and temporary, atelier for public and cooking institute.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2009-11-06Bitstream added on 2014-06-13T18:49:19Z : No. of bitstreams: 1 santos_lp_me_ia.pdf: 2506316 bytes, checksum: 5f7499c655be0e21cabb083ec52115a7 (MD5)
Universidade Estadual Paulista (UNESP)
O ateliê é conhecido como o lugar de produção do artista e onde suas indagações são materializadas, pode ser um espaço construído e pensado para isto ou ser improvisado em algum canto, mas é resumidamente um lugar onde o fazer ocorre mesmo em pensamentos que lá fluem. Este ambiente de criação está repleto de objetos escolhidos pelo artista que coexistem e o torna propício a criação, um lugar cheio de memórias e escolhas estéticas e o que talvez fique depois da obra e do artista. Esta pesquisa investiga os guardados do ateliê, como são eleitos e quais são suas influências na formação deste ambiente que se transforma com a arte, assim como tem o poder de transformação no artista e obra. O interesse é abrir estes espaços a novos olhares, investigar suas ações e buscas e como o lugar conta sobre a obra do artista e suas escolhas
The studio is known as the place of production of artist and where your key questions can be materialized. Can be a space built and thought to this, some may be improvised, but briefly corner is a place where do occurs even in thoughts that flows. This authoring environment is full of objects chosen by artist who co-exist and makes it conducive to creating a place full of memories and aesthetic choices and what might be after work and artist. This research investigates the object of the studio, as they are elected and what are your influences on training environment transforms with art, as well as it has the power of transformation in the artist. The interest is open these spaces to new sights, investigate their actions and searches and how the place on the work of artist and your choices

Orientador: Pelópidas Cyprinio de Oliveira
Banca: Clice de Toledo Sanjar Mazzili
Banca: Sergio Regis Moreira Martins
Resumo: O ateliê é conhecido como o lugar de produção do artista e onde suas indagações são materializadas, pode ser um espaço construído e pensado para isto ou ser improvisado em algum canto, mas é resumidamente um lugar onde o fazer ocorre mesmo em pensamentos que lá fluem. Este ambiente de criação está repleto de objetos escolhidos pelo artista que coexistem e o torna propício a criação, um lugar cheio de memórias e escolhas estéticas e o que talvez fique depois da obra e do artista. Esta pesquisa investiga os guardados do ateliê, como são eleitos e quais são suas influências na formação deste ambiente que se transforma com a arte, assim como tem o poder de transformação no artista e obra. O interesse é abrir estes espaços a novos olhares, investigar suas ações e buscas e como o lugar conta sobre a obra do artista e suas escolhas
Abstract: The studio is known as the place of production of artist and where your key questions can be materialized. Can be a space built and thought to this, some may be improvised, but briefly corner is a place where do occurs even in thoughts that flows. This authoring environment is full of objects chosen by artist who co-exist and makes it conducive to creating a place full of memories and aesthetic choices and what might be after work and artist. This research investigates the object of the studio, as they are elected and what are your influences on training environment transforms with art, as well as it has the power of transformation in the artist. The interest is open these spaces to new sights, investigate their actions and searches and how the place on the work of artist and your choices
Mestre

Made available in DSpace on 2015-04-16T15:18:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 5087346 bytes, checksum: 0c2a32bb243b5c4761110708f98728a0 (MD5) Previous issue date: 2013-07-18
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
The consolidation of modern aesthetics in the city of Recife, Pernambuco State, occurred through discussions and positions on the ideas proposed by modernism, had been discussed earlier the same week of 1922. Research and studies conducted by sociologist Gilberto Freyre, since the early 1920s, proposed a gaze directed to the artistic aspects more regional valorize local characteristics. In contrast, the journalist Joaquim Inojosa brought questions that reinforced the acceptance of the modernist ideal start in Sao Paulo. Such discussions lasted for decades to come, influencing artists and intellectuals. Our work aims to investigate the production of artist José Cláudio, specifically between the years 1952 to 1957, during the term of a common work, called Atelier Collective, extension of the Society of Modern Art in Recife - space, where such reflections were being discussed. The research develops from a redemption of primary sources such as documents the artist, semi-structured interviews with him and some artists who were present at that time. The production of José Cláudio period highlighted was identified and cataloged, and analytical reading based on historical events, proposed by historian Michael Baxandall concludes our work. We observed that the work of José Cláudio presents a path marked by the achievement of his artistic identity, allowing it to several challenging experiences and conflicting, individual and collective.
O processo de consolidação da estética moderna na cidade do Recife e no Estado de Pernambuco, ocorrido por meio de discussões e posicionamentos acerca das ideias propostas pelo modernismo, vinha sendo discutido antes mesmo da semana de 1922. Pesquisas e estudos realizados pelo sociólogo Gilberto Freyre, desde o início da década de 1920, propuseram um olhar direcionado para aspectos artísticos mais regionais que valorizassem as características locais. Em contrapartida, o jornalista Joaquim Inojosa trouxe questionamentos que reforçavam a aceitação do ideal modernista iniciado em São Paulo. Tais discussões perduraram nas décadas seguintes, influenciando artistas e intelectuais. O nosso trabalho se propõe a investigar a produção do artista José Cláudio, especificamente entre os anos de 1952 a 1957, durante a vigência de um espaço comum de trabalho, denominado Atelier Coletivo, extensão da Sociedade de Arte Moderna do Recife espaço, onde tais reflexões vinham sendo discutidas. A investigação desenvolve-se a partir de um resgate de fontes primárias, tais como documentos do artista, entrevistas semiestruturadas realizadas com ele e com alguns artistas que estiveram presentes naquele período. A produção de José Cláudio do período destacado foi identificada e catalogada, e uma leitura analítica baseada em acontecimentos históricos, proposta pelo historiador Michael Baxandall, finaliza o nosso trabalho. Observamos que a obra de José Cláudio apresenta um caminho marcado pela conquista de sua identidade artística, se permitindo à várias experiências desafiadoras e conflitantes, coletivas e individuais.

En 2005, mon fils, âgé de 18 mois, gribouille de façon indélébile un de mes tableaux. L'incident me pousse à entreprendre une collaboration picturale avec mes enfants, basée sur nos compétences et spécialités respectives. Les peintures et dessins qui en résultent ne tardent pas à rencontrer des objections théoriques. Il semble que ce travail ne puisse pas être compris sans que son processus d'élaboration soit détaillé et justifié. La réflexion visant à détacher ce travail du sentimentalisme pour le rendre à la sphère esthétique génère 3 questionnements : celui du statut de cette collaboration au regard de pratiques collaboratives repérées dans l'histoire de l'art. Il ressort de l'examen de tableaux du XVIIe siècle que sujet et processus d'élaboration sont étroitement liés ; celui de l'usage que les artistes ont pu faire de leurs enfants : modèles, assistants, matériaux. Il découle de cette enquête, basée sur des entretiens avec des artistes, la notion de « fonction filiale » ; celui du potentiel sémantique de nos productions familiales, considérées comme des associations libres. L'interprétation prend en charge les connotations idéologiques du thème de l'enfance, fondateur de la modernité. À mesure que mes enfants grandissent et font évoluer le travail plastique, l'investigation met en évidence le lien que l'annexion du dessin d'enfant entretient avec les mécanismes de la colonisation. Les résultats permettent d'envisager l'art, non seulement comme un croisement de formes et de significations, mais aussi comme un laboratoire comportemental. La famille-atelier n'est pas qu'une anecdote personnelle, mais bien une nouvelle structuration du travail artistique
In 2005, my 18-months-old son scribbles irreparably on one of my paintings. This is the starting point of a collaborative pictorial process with my children, based on the skills and abilities of each one of us. The resulting paintings and drawings soon raise theoretical reluctance. This body of work seems to need its process being explained and justified to be clearly understood. Three questions are raised by the inquiry, that intend to dissociate this work from mawkishness to bring it to the field of Aesthetics : first, the status of our collaboration has to be compared to other collaborative practices in art history. A study of 17th century paintings shows that subject and creative process are closely linked ; second, several interviews with artists, curators and psychoanalysts lead to the notion of « filial function », which designates the way artists use their children : as sitters, as assistants, or as a material ; last, our family work can be interpreted with regards to the concept of « free association », but also from the ideologically loaded, modernity-related theme of childhood. As my children grow up and bring about changes in our art, the study clearly shows the connexion between the appropriation of children's drawings and the mechanism of colonization. The results allow to see art not only as a crossing of shapes and meaning, but also as a behavioral tank. Far from the anecdotal, the family studio truly shows a new way of structuring art-related labor

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:30Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-12-16Bitstream added on 2014-06-13T18:49:24Z : No. of bitstreams: 1 matta_cm_me_ia_prot.pdf: 71274422 bytes, checksum: ab214ea92965bb5a6697314d1ceb78fc (MD5)
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
O trabalho demonstrou a importância do estudo dos processos e procedimentos artísticos de artistas-cineastas em conjunto com um ambiente desenvolvido pelos próprios artistas-cineastas ao mesmo tempo em que ele o habitava e experimentava. Este ambiente foi onde este artista-cineasta pôde fazer experimentações e, pela via mais empírica, discutir, analisar e encontrar soluções de algum pensamento ou sentimento que ele estivesse desenvolvendo ou procurando, sentindo ou analisando. Enquanto os artistas-cineasta desenvolviam seus trabalhos dentro do ateliê, eu desenvolvia e ao mesmo tempo as minhas pesquisas dentro do mesmo ateliê. O ambiente que estávamos habitando estava sendo modificado juntamente com nossos pensamentos, reflexões e descobertas, criando um círculo de desenvolvimento, um trabalho cíclico. Parti antecipadamente, do pensamento de que seria necessário um ambiente específico e facilitador onde o artista-cineasta pudesse trabalhar seus conceitos criativos de artes visuais em duas e três dimensões para utilização específica de artes em cinema. O intuito era analisar e promover um ambiente para que este servisse para suporte para os estudos de artistas-cineastas, sendo utilizado e organizado como um laboratório de experimentação do artista-cineasta espécificamente para seus estudos na captura das imagens tanto cinéticas como estáticas. Ainda apresentei projetos de elaboração, aplicação e avaliação de situações e protótipos (artefatos) que de alguma maneira melhoraram a qualidade e a capacidade do estudo naquele momento específico, para aquele caso específico. Os projetos destes protótipos também facilitaram a análise do processo criativo de Artistas-Cineastas dentro de um Ateliê-Laboratório e como a utilização do processo criativo pode ser...
The work aimed to demonstrate the importance of studying the process and procedures of artists, artistic directors in conjunction with an environment developed by the artist himself at the same time that he lived and experienced. This environment is where this artist was able to do research and experimentation, through more empirical, discuss, analyze and find solutions to some thought or looking, feeling and looking. While the artists developed their work in the studio, I developed while my research within the same studio. The environment we were living was being modified along with our throughts, insights and discoveries, creating a circle of development, a cyclical work. I left early, thinking that would require a specific environment where the artist and facilitator could work their creative concepts of visual art in two and three dimensions for the specific use of arts in film. The aim was to analyze and promote and environment that would serve as a support for studies of artists, filmmakers, and is used and organized as a laboratory for experimentation of the artist specifically for their studies in the capture for both kinetic and static images. Also presented projects development, implementation and evaluation of situations and prototypes (artifacts) that somehow improved the quality and capacity of the study at that particular moment, for that specific case. The designs of these prototypes have also facilitated the analysis of the creative process of artists, filmmakers within a studio-laboratory and the use of the creative process can be reversed in equipment and environments that allow even the largest... (Complete abstract click electronic access below)

Orientador: Pelópidas Cypriano de Oliveira
Banca: Agnaldo Valente G. da Silva
Banca: Rubens E. Monteiro de Toledo
Resumo: O trabalho demonstrou a importância do estudo dos processos e procedimentos artísticos de artistas-cineastas em conjunto com um ambiente desenvolvido pelos próprios artistas-cineastas ao mesmo tempo em que ele o habitava e experimentava. Este ambiente foi onde este artista-cineasta pôde fazer experimentações e, pela via mais empírica, discutir, analisar e encontrar soluções de algum pensamento ou sentimento que ele estivesse desenvolvendo ou procurando, sentindo ou analisando. Enquanto os artistas-cineasta desenvolviam seus trabalhos dentro do ateliê, eu desenvolvia e ao mesmo tempo as minhas pesquisas dentro do mesmo ateliê. O ambiente que estávamos habitando estava sendo modificado juntamente com nossos pensamentos, reflexões e descobertas, criando um círculo de desenvolvimento, um trabalho cíclico. Parti antecipadamente, do pensamento de que seria necessário um ambiente específico e facilitador onde o artista-cineasta pudesse trabalhar seus conceitos criativos de artes visuais em duas e três dimensões para utilização específica de artes em cinema. O intuito era analisar e promover um ambiente para que este servisse para suporte para os estudos de artistas-cineastas, sendo utilizado e organizado como um laboratório de experimentação do artista-cineasta espécificamente para seus estudos na captura das imagens tanto cinéticas como estáticas. Ainda apresentei projetos de elaboração, aplicação e avaliação de situações e protótipos (artefatos) que de alguma maneira melhoraram a qualidade e a capacidade do estudo naquele momento específico, para aquele caso específico. Os projetos destes protótipos também facilitaram a análise do processo criativo de Artistas-Cineastas dentro de um Ateliê-Laboratório e como a utilização do processo criativo pode ser... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)
Abstract: The work aimed to demonstrate the importance of studying the process and procedures of artists, artistic directors in conjunction with an environment developed by the artist himself at the same time that he lived and experienced. This environment is where this artist was able to do research and experimentation, through more empirical, discuss, analyze and find solutions to some thought or looking, feeling and looking. While the artists developed their work in the studio, I developed while my research within the same studio. The environment we were living was being modified along with our throughts, insights and discoveries, creating a circle of development, a cyclical work. I left early, thinking that would require a specific environment where the artist and facilitator could work their creative concepts of visual art in two and three dimensions for the specific use of arts in film. The aim was to analyze and promote and environment that would serve as a support for studies of artists, filmmakers, and is used and organized as a laboratory for experimentation of the artist specifically for their studies in the capture for both kinetic and static images. Also presented projects development, implementation and evaluation of situations and prototypes (artifacts) that somehow improved the quality and capacity of the study at that particular moment, for that specific case. The designs of these prototypes have also facilitated the analysis of the creative process of artists, filmmakers within a studio-laboratory and the use of the creative process can be reversed in equipment and environments that allow even the largest... (Complete abstract click electronic access below)
Mestre

Mestrado em Criação Artística Contemporânea
Esta dissertação levanta um conjunto de questões que se prendem com o artista, com o processo criativo e com o objecto artístico. Dando particular atenção ao atelier como lugar de criação, este estudo conclui que esse espaço é, no seu essencial, o espaço da arte, um território de fronteiras permeáveis, um lugar amoral. Ainda, este estudo conduziu à realização de uma pintura: “The Artist’s Studio”(2007, acrílico s/ tela, 280x120cm). Esta pintura foi apresentada no Auditório do Departamento de Comunicação e Arte da Universidade de Aveiro em 20 de Julho de 2007.
This dissertation raises a set of questions related to the artist, the creative process and the art object. Focusing on the artist’s sudio as the place of creation, this study concludes that the studio is, in its essentials, the site of the art, a territory without boundaries, an amoral place. Moreover, this study made possible the production of a painting: “The Artist’s Studio”(2007, acrylic on canvas, 280x120cm). A painting exhibited at the Auditorium of the Departamento de Comunicação e Arte at Universidade de Aveiro on July the 20th, 2007.

Submitted by Jaqueline Duarte (1157279@mackenzie.br) on 2018-04-16T16:43:57Z No. of bitstreams: 2 Lila Nemirovsky.pdf: 6885141 bytes, checksum: 80f49c6f36de5256bce05079d5cbbbc9 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5)
Approved for entry into archive by Eliana Barboza (eliana.silva1@mackenzie.br) on 2018-04-20T11:07:45Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Lila Nemirovsky.pdf: 6885141 bytes, checksum: 80f49c6f36de5256bce05079d5cbbbc9 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5)
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
El trabajo analiza el proceso creativo de seis artistas contemporáneos especializados en la creación de obras de vidrio, incluyendo a la autora. Fueron seleccionados por su lenguaje artístico original y sensible y por su trayectoria reconocida en el campo del arte. Los cinco artistas fueron entrevistados y una obra representativa de cada uno fue elegida de común acuerdo, para observar el proceso de creación. La investigación se apoya en el modelo sistémico de la creatividad y en el concepto del fluir desarrollado por Csikszentmihalyi. Con el objetivo de comprender la inserción de los artistas seleccionados en el campo del arte contemporáneo en vidrio, se mostraron las instituciones internacionales más importantes en el ámbito, como los museos, escuelas especializadas, galerías de arte y ferias. La dinámica del proceso creativo fue observada en la percepción de los artistas, en el relato de los entrevistados y en el autoanálisis de la autora en la creación de su obra en vidrio. Se elaboraron una serie de preguntas para la entrevista, que buscó investigar inspiraciones, influencias del entorno, tiempos de concepción y producción de la obra, rituales, aceptación del azar, utilización de esbozos y otras formas de registro de las ideas en el transcurso del proceso. Se observó el conocimiento técnico, absorbido por escuelas especializadas o por la tutoría de otro artista, como también desarrollados a través de la experiencia del propio artista, y se reveló el paso a paso de la manufactura de cada obra. Se concluye que el artista trabaja profundamente involucrado en el proceso, fascinado por la creación de las formas y la plasticidad de la materia, como transparencias y brillos, que hacen del vidrio un material expresivo insertado en el campo del arte contemporáneo.
O trabalho analisa o processo criativo de seis artistas contemporâneos especializados na criação de obras em vidro, incluindo a autora. Foram selecionados por sua linguagem artística original e sensível, e por sua trajetória reconhecida no campo da arte. Os cinco artistas foram entrevistados e uma obra representativa de cada foi escolhida em comum acordo, para observação do processo de criação. A pesquisa apoia-se no modelo sistêmico da criatividade e no conceito do flow desenvolvidos por Csikszentmihalyi. Visando compreender a inserção dos artistas selecionados no campo da arte contemporânea em vidro, foram mostradas as instituições internacionais mais importantes no âmbito, consolidadas como os museus e escolas especializadas, galerias e feiras. A dinâmica do processo criativo foi observada na percepção dos artistas, no relato dos entrevistados e na autoanálise da autora na criação de uma obra em vidro. Foi elaborado um roteiro para a entrevista que procurou investigar inspirações, influencias do entorno, tempos de concepção e produção da obra, rituais, aceitação do acaso, utilização de esboços e outras formas de registro das ideias no decorrer do processo. Observou-se o conhecimento técnico, tanto absorvidos em escolas ou pela tutoria de outro artista, quanto desenvolvidos na experiência do próprio artista, e foi revelado o passo a passo da manufatura de cada obra. Conclui-se que o artista trabalha profundamente envolvido no processo, fascinado pela criação das formas e plasticidade da matéria, como transparências e brilhos, que tornam o vidro um material expressivo inserido no campo da arte contemporânea.

Malgré la rareté des sources à Chambéry et dans sa région, les critères d’existence d’un foyer artistique dans la ville et ses alentours au tournant des XVe et XVIe siècles peuvent être réunis. Un important corpus d'une quarantaine de sculptures produit au cours de quelques décennies entre 1480 et 1530 atteste l'activité locale de sculpteurs. L'analyse des œuvres permet de distinguer l'activité de plusieurs ateliers et d'envisager un mode de production. De nombreuses occasions d'échanges entre milieux artistiques chambériens, genevois et septentrionaux peuvent aussi être mises en lumière. Dans cet espace, autour de 1500, la présence d'une clientèle variée et un contexte religieux dynamique ont favorisé le développement d'un langage artistique originale
Despite the paucity of documentary evidence arguing in favour of the existence of much sculpting activity in and near Chambéry, the criteria needed to establish the presence of an artistic hub in the town and its vicinity at the turn of the XV and XVI centuries can be shown. The existence of a large body of sculptures, consistent both in style and iconography, produced over a few decades between 1480 and 1530, is testament to the activity of sculptors in the region. An analysis has led to identifying the activity of various artists' workshops, and to understanding of the way in which these works were produced. Many opportunities for contact between the art worlds of Chambéry, Geneva and Northern countries can also be identified. Within this space, a varied clientele as well as a dynamic religious context have supported the development of an original local artistic production

Orientador: Silvana Barbosa Rubino
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-27T06:19:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Paz_RaissaAlvesColaco_M.pdf: 4624279 bytes, checksum: 14f36d0ad14fea392bf772a1e05f4696 (MD5) Previous issue date: 2015
Resumo: Frequentemente se considera que as décadas de 1940 e 1950 em Recife foram de "efervescência cultural" e de "intenso movimento artístico", tendo como base tanto a grande quantidade de material sobre atividades artísticas que supostamente estariam ocorrendo nessa cidade, quanto o conteúdo dele, o qual em parte advoga explicitamente essa ideia. Contudo, esse procedimento utilizado para "constatar" determinadas experiências deixaram de problematizar quais os sujeitos, grupos e instituições que divulgaram essa ideia. Desse modo, este trabalho procura acompanhar as discussões empreendidas naquele momento sobre as artes plásticas a partir do estudo da trajetória de uma organização que reuniu alguns artistas, o Atelier Coletivo da Sociedade de Arte Moderna do Recife. Nesse intento, alguns temas se mostraram fundamentais para o entendimento daquele cenário: arte moderna, regionalismo nordestino, folclore, educação artística, educação popular, práticas arquivísticas e memória
Abstract: It¿s frequently considered that the decade of 1940 and the decade of 1950 in Recife were of "cultural effervescence" and "intense artistic movement", based upon both the large amount of material about artistic activities supposedly taking place in this city as well as its content, which in part explicitly advocates this idea. However, this procedure utilized to "verify" certain experiences failed to problematize which subjects, groups and institutions disseminated this idea. Thus, this work seeks to follow the discussions undertaken at that moment about the fine arts from the study of the trajectory of an organization that brought together some artists, the Society of Modern Art of Recife¿s Collective Atelier. In this intent, some subjects proved fundamental to the understanding of that scenario: modern art, northwestern regionalism, folklore, artistic education, popular education, archival practices and memory
Mestrado
Politica, Memoria e Cidade
Mestra em História

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Este texto é uma fabulação que cumpre papel de revelar um processo de trabalho em arte ao longo de dois anos. Trata-se de um percurso teórico-poético percorrido a partir da descoberta/invenção de um ateliê de criação em meio a minha residência. Um quadrado de 2x2 metros demarcado por sobreposição = fita amarela. Instaurado em divergentes contextos paisagísticos = casa, quarto de hotel, estúdio de dança, galeria de arte, palco, cidade. Trata de habitar os mesmos friccionando esfera de vivência pessoal e sítio específico de acontecimento. No texto, tem lugar reflexões pessoais a partir do trabalho, articulada a outros artistas (como Lygia Clark, Angel e Klauss Vianna, Antonin Artaud, Yves Klein, Min Tanaka, Tadashi Endo) e teóricos (dentre eles Hannah Arendt e Michel Foucault), compondo diferentes tons de fala produzidos ao longo desse período de trabalho
This essay is a fabulation that presents an art work over two years. It is a theoretical-poetic way, coursed from the discovery/invention of a creation studio inside my residence. A square of 2x2m made by superposition = yellow tape, done in different landscape contexts = house, hotel room, dance studio, art gallery, theater stage, city. The intention is to inhabit it rubbing a sphere of personal experiences and a specific site of happening. In the text, personal reflections take place from the art work, articulated with other artists (as Lygia Clark, Angel e Klauss Vianna, Antonin Artaud, Yves Klein, Min Tanaka, Tadashi Endo) and theorists (Hannah Arendt e Michael Foucault), composing different kinds of speech produced along this work period

À travers la longue et complexe odyssée que traverse l'artiste, depuis la culture grecque antique jusqu'à nous, son atelier se révèle bien plus qu'un espace de travail. S'il est l'endroit où sont réalisées les images religieuses et politiques qui permettent à l'artiste de se distinguer de l'artisan, l?atelier, installé à proximité des cours royales ou du Vatican, devient un indice certes artistique, mais surtout social de son inscription dans la ville et dans la société. L'expulsion des artistes académiciens de la Grande Galerie du Louvre, au début du XIXe siècle finit par libérer l'artiste de ses liens avec l'académie et contribue à l'inscrire différemment dans la ville. Contrainte de s'installer « en ville », l'élite artistique se regroupe dans les quartiers habités par la bourgeoisie d'affaires. Les grands travaux de transformation que le baron Haussmann impose à Paris, déplace les plus démunis de sa population dont les artistes non reconnus. Tandis que la capitale ne cesse d'attirer les artistes étrangers. À la fin du XIXe et au début du XXe siècle, Montmartre et Montparnasse, récemment rattachés à la capitale, concentrent la vie artistique dans des cités improvisées. Inspirée des initiatives philanthropiques menées à l'égard des ouvriers, la Ville de Paris construit à ses portes des logements sociaux destinées aux employés et aux ouvriers entre les deux guerres. La politique de solidarité s'étend aux peintres et aux sculpteurs et elle est renforcée par l'action que le ministère des Affaires Culturelles engage dans les années 1960 auprès des artistes. Cette politique manifeste l'action de l'État-providence en faveur des artistes. La construction d'ateliers-logements dans les nombreux programmes de logements sociaux participe à la rénovation de Paris et de sa banlieue. L'atelier-logement, impliqué dans la ville devient un support de reconnaissance sociale de l'artiste professionnel
Throughout the long and complex odyssey the artist has been traversing from the times of Ancient Greece to the present day his studio has been much more than just a site for work. If for a certain time it had been the place where images for religious and political practices were created allowing the artist to distinguish himself from the craftsman, his studio, located in the proximity of the royal courts or of the Vatican, had become a token of artistic activity but above all of his membership as a citizen of the township and of the society. When in early 19th century the artists, members of the Academy, were expelled from the Grand Gallery of Louvre it signified for them a liberation of their ties with the Academy and opened a new way to be part of the urban milieu. As a consequence, the artists had to settle «in town« the elite of them choosing to find foothold in the neighbourhoods inhabited by the bourgeoisie of business activities. The less fortunate popular strata, including the unrecognized artists, had to move away from the massive transformations of the urban infrastructure imposed by baron Haussman on the city of Paris. At the same time, Paris continued to attract artists from abroad. At the end of the 19th and in the beginning of the 20th century, the newly attached Montmartre and Montparnasse became the favoured neighbourhoods gathering artists living in improvised quarters. Inspired by the philanthropic initiatives benefiting the working population, the City of Paris started constructing between the wars social lodgings for employees and workers at the city's gates. This activity marked by solidarity was extended to include also painters and sculptors. It received new momentum in the 1960's by the Ministry of Culture in form of the actions it undertook in favour of artists. These activities were a concrete expression of the policy of the welfare state promoting the artists. In the housing renovation programmes in Paris and the nearby suburbs the construction of residential studios for artists was included in numerous social housing projects. A residential studio in the urban context became a basis of recognition for the professional artist

Orientador: Jose Roberto Teixeira Leite
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-07-21T13:45:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Mello_ReginaLaraSilveira_M.pdf: 6866045 bytes, checksum: 6773cb2939661d6c54d3677e2e6aa8eb (MD5) Previous issue date: 1996
Resumo: O trabalho conta a história do ateliê pioneiro na fabricação do vitral no Brasil, a Casa Conrado, e registra esta atividade essencialmente artesanal, que se encontra em processo de extinção. Em1874 chega a São Paulo o artesão Conrado Sorgenicht, vindo da Renânia católica, Alemanha. Abre uma pequena oficina onde oferece serviços de pintura de ornamentos, tapeçaria e colocação de vidros para vidraças. São Paulo cresce, a clientela aumenta e o ateliê começa a criar também vitrais. Em1889, é fundada a Casa Conrado, que desenvolveu a atividade do vitral, criando mais de 600 obras espalhadas por todo o Brasil, 144 registradas neste trabalho. Em cem anos de atividade, o ateliê viveu dois períodos áureos, aproximadamente de 1920 a 35, e -de 1950 a 65, quando foram feitos os vitrais mais interessantes. Foi selecionado um grupo representativo de obras, ressaltando aspectos relevantes em cada vitral, como sua implantação no conjunto arquitetõnico e aproximações com a pintura, apontando as principais parcerias dos vitralistas com arquitetos e artistas em cada época. Aanálise destas informações permite o entendimento da artesania do vitral no sentido mais amplo, de como ela se deu no Brasil, e mais especificamente, como foi feita no ateliê Casa Conrado. Ao final explico de forma clara e simples, como se faz um vitral em todas as etapas de sua criação. Apresento uma lista de obras, com alguns dados levantados e confirmados sobre cada uma, e três conjuntos de vitrais com o fichamento completo, o embrião de um Catálogo Geral da Casa Conrado. Este trabalho também deverá apoiar solicitações de tombamento das principais realizações ao Patrimõnio Histórico e Artístico, e contribuir para que este cuidado também seja estendido aos conjuntos arquitetônicos onde o vitral está implantado
Abstract: This work tells the story of pioneer studio of stained glass windows in Brazil, Casa Conrado, and registers this essentially manual activity, which is coming to an end. In 1874, the artisan Conrado Sorgenicht, from the Catholic RhineValley, Germany, arrives in São Paulo. He opens a small studio, where he offers his services in ornamental painting, tapestry and window glass placement. As São Paulo grows, the number of his customers also grows, and he begins to create stained glass windows. In 1889, Casa Conrodo is founded, ond it developed stoined gloss productionin about 600 works all over Brazil,144of which I've catalogated for this work. In one hundred yeors the studio has had two golden periods, approximately from 1920 to 1935, and from 1950 to 1965, when the most interesting stoined gloss windows were made. Here a representative number of such works has been selected. The relevant aspects in each work, as well as its place in architetonic complex and pointing, ond the partnership between stained glass artisons, architects and painters in the different periods hove been pointed out. The onolysis of 011this information leads to an understanding of stained glass window craft in a broader sense, as it took place in Brazil, and, more specifically, in Casa Conrado. At the end, a clear and simple explanation of the different phases of the creation of a stained glass window is given. A list of works with some confirmed data about each of them and three groups of stained glass windows with their complete catalogue, the first items of a General Catalogue of Casa Conrado are also included. This research will also support the request for registering and safeguarding the principal works to the Historical and Artistic Patrimony and contribute that the same care should be given to the present architetonic complexes that present stained glass windows
Mestrado
Mestre em Artes

La thèse a pour objet d’établir le catalogue critique de l’œuvre d’Albrecht Bouts (1451-55 / 1549). Fils de Dirk Bouts (1410-1420 / 1475), peintre officiel de la ville de Louvain, Albrecht et son frère aîné, Dirk le Jeune (1448 / 1491), héritent de l’atelier de peinture à la mort de leur père. L’œuvre de l’aîné reste très controversée, aucun tableau ne pouvant lui être attribué avec conviction. Il en est autrement du puîné, Albrecht, à qui la paternité du Triptyque de l’Assomption de la Vierge des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique peut être donnée avec beaucoup de vraisemblance. Le corpus de son œuvre, établi, en 1925, par Max J. Friedländer et, en 1938, Wolfgang Schöne, autour de ce retable autographe, comprend un nombre important de peintures. Ce catalogue n’a, toutefois, jamais fait l’objet d’une révision par les historiens de l’art. Seules quelques peintures ont été publiées de manière ponctuelle. Devant l’abondance des tableaux attribués au peintre, il convenait donc de réaliser une étude fondamentale afin de distinguer ses propres créations de celles de ses collaborateurs.

La thèse se compose de cinq chapitres. Le premier établit une biographie complète, sélective et chronologique, se basant sur les sources livrées par les archives de la ville de Louvain. Leur interprétation critique renouvelée et enrichie livre ainsi de nombreux arguments pour mieux définir l’individualité d’Albrecht Bouts et justifier le développement de sa carrière.

Le second chapitre concerne l’étude de l’œuvre d’Albrecht Bouts et débute par un examen approfondi de la seule peinture au caractère autographe reconnu, le Triptyque de l’Assomption de la Vierge. L’examen combiné du style et de la technique d’exécution de cette œuvre de maturité du maître permet de mettre en exergue les influences de Dirk Bouts et d’Hugo van der Goes et de définir la personnalité artistique singulière d’Albrecht Bouts. Suite à cette analyse, le catalogue de son œuvre est reconstitué de façon linéaire, depuis sa genèse jusqu’à son terme. Chacune des peintures qui lui sont attribuées est ensuite étudiée de façon chronologique et détaillée, précédée d’une notice technique préliminaire reprenant les données matérielles et bibliographiques, dans le cinquième chapitre consacré au catalogue raisonné.

La révision du corpus de l’œuvre d’Albrecht Bouts est fondée sur un travail d’attribution reposant à la fois sur l’approche stylistique traditionnelle et sur les résultats fournis par les documents de laboratoire. Une importante documentation photographique et technologique des œuvres, dont certaines inédites, a ainsi été rassemblée et sa confrontation constitue un support essentiel à la démonstration.

Le troisième chapitre propose, à partir des hypothèses émises à propos de la biographie et du catalogue des œuvres d’Albrecht Bouts, une analyse de la production de son atelier, particulièrement intense à partir de la première décennie du XVIe siècle. Dans cette partie, l’objectif n’est pas d’établir un exposé circonstancié et complet de chaque peinture abordée, mais plutôt de rassembler des groupes cohérents d’œuvres, également fondés sur une approche combinée du style et de la technique d’exécution. Un même principe de renvoi aux notices dans le catalogue raisonné est adopté.

Enfin, le quatrième chapitre est consacré à la réalisation en série d’œuvres de dévotion privée dans l’atelier du maître. De nombreuses généralités et quelques études ponctuelles ont préparé le terrain, annonçant l’importance de ce phénomène sans, toutefois, en mesurer l’ampleur. C’est pourquoi, nous lui accorderons une investigation la plus exhaustive tant sur les pratiques en vigueur dans l’atelier, que sur l’iconographique et le contexte socio-économique de la création de prototypes par Albrecht, dans la foulée de l’héritage des modèles paternels.

Ainsi, ce travail permettra de mieux cerner la personnalité d’Albrecht Bouts, de retracer son individualité artistique, mais aussi de réévaluer la participation de son atelier, afin de rétablir chacun de ces éléments à leur juste place au sein de la peinture flamande de la fin du XVe siècle et du début du XVIe siècle

The subject of the thesis is to establish a critical catalogue of Albrecht Bouts’ (1451-55/1549) work. Son of Dirk Bouts (1410-1420/1475), official painter to the city of Leuven, Albrecht and his elder brother, Dirk the Younger (1448-1491), inherited their father’s workshop after his death. The work of the elder son, Dirk the Younger, is still a discussed topic since no painting could be attributed to him with certainty. It is quite different for Albrecht who is the likely author of the Tryptich of the Assumption of the Virgin from the Musées royaux des Beaux-Arts of Belgium. The corpus of his work, established in 1925 by Max J. Friedländer and in 1938 by Wolfgang Schöne based on this autograph altarpiece, includes an important number of paintings. This catalogue has however never been revised by art historians since then. Only some paintings have occasionally been published.

Considering the high number of paintings attributed to the master, there was a need to undertake a deeper study in order to distinguish Albrecht Bouts’ own creations from those of his workshop.

The thesis is divided into five chapters. The first one includes a complete, selective and chronological biography of the master, based on the data found in the archives of the city of Leuven. A newly enriched critical interpretation of these documents has allowed a better definition of Albrecht Bouts’s personality and a clearer understanding of the development of his career.

The second chapter is devoted to the study of the master’s work and starts with an in-depth examination of the Tryptich of the Assumption of the Virgin, the only painting recognized as an autograph work. The combined examination of the style and the technical execution of this altarpiece, painted during the mature period of his career, underlines both the influences of Dirk Bouts and Hugo van der Goes and helps to display his original artistic personality.

From there, the catalogue of his work is re-established, in the last chapter, from the very beginning to the end of his working life. In the last chapter devoted to the catalogue, each painting attributed to the master is carefully studied, on a chronological basis and in details, with an introductive technical note giving material as well as bibliographical information.

The review of the corpus of Albrecht Bouts’ work is based on a traditional stylistic approach and on the results given by laboratory documents. An important photographical and technological documentation of his works – some of them unpublished until now- has been gathered. Their comparison brought forward essential arguments on which our demonstration is based.

The third chapter, which builds on the two first ones, consists of an analysis of Albrecht Bouts’ workshop production, which was particularly active at the beginning of the XVIth century. The purpose was not to study thoroughly each painting but to extract coherent groups of works thanks to the same combined examination of style and technique. Like the master’s autograph work, each painting is subject to a careful study in the critical catalogue.

Finally, the fourth chapter is dedicated to the serial production of private devotional works carried out in the master’s workshop. There were already many general writings and some occasional studies on the subject, but none of them really measured the importance of the mass production. We therefore undertook a deep and thorough research on the workshop practices ,on the iconography and on the social-economical context of the realisation of works by Albrecht following the prototypes created by his father.

The thesis contributes to a better knowledge and understanding of the life, the personality and the work of Albrecht Bouts and re-evaluates the participation of his workshop. This will give to each of these elements its proper place in the Flemish Masters Painting of the end of the XVth and the beginning of the XVIth centuries.

Doctorat en Histoire, art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished

Ce projet de recherche a pour objectif de mieux cerner l’émergence des émotions et plus particulièrement de définir et cerner l’émotion esthétique, au sein de l’atelier et lors du processus et de la relation art-thérapeutique. Il s’agit de constater que les émotions, et les émotions esthétiques ressenties, ont des effets art-thérapeutiques sur la personne détenue privée de liberté. Pour ce faire j’ai utilisé une méthodologie comportant plusieurs bases de données. Cette recherche a été réalisée à partir de 50 séances sur une année, dispensées auprès de 19 personnes détenues au sein de deux Maisons Centrales d’un Centre Pénitentiaire de très Haute Sécurité. Le dispositif repose sur une consigne d’atelier, l’expression d’une production artistique, des grilles d’observations, des questionnaires/carnets de bord remplis par les détenus à la fin de chaque séance, l’analyse du contenu des productions graphiques et picturales réalisées par les détenus et des prises de notes. Les résultats permettent de constater l’émergence d’émotions et d’émotions esthétiques ayant des effets art-thérapeutiques tels que ; l’apaisement, le plaisir, la joie et la surprise, mais la colère et la frustration ont aussi pu s’exprimer et s’élaborer afin de se métaboliser c’est-à-dire de se transformer, ce qui est positif
This research project aims to better understand the emergence of emotions and more specifically to define the aesthetic emotion, within the workshop and during the art therapeutic process and the art-therapeutic relationship. It is a matter of noticing that the emotions and the aesthetic emotions felt, and of seeing their therapeutic effects on the detained person deprived of liberty. To do this I used a methodology with several databases. This research was carried out based on 50 sessions over a year given to 19 detainees in two Central Houses of a very High Security Prison. The device is based on a workshop instruction, the expression of an artistic production, observation grids, questionnaires/diaries filled in by each prisoner at the end of each session, analysis of the content of the graphic productions and paintings carried out by prisoners and note-taking. The results reveal the emergence of aesthetic emotions and emotions with art-therapeutic effects; Such as feelings of appeasement, pleasure, joy but also anger and frustration have been expressed and elaborated in order to metabolize, that is to say to be transformed, which is positiv

Contextualiza, fundamenta, descreve e analisa três experiências do projeto de Ateliês de Dramaturgia, caracterizados como espaços de criação de textos curtos, de gêneros diversos, preferencialmente para além da forma dramática, tendo como base a apreciação de obras de artes visuais. A proposta é dirigida a todo e qualquer interessado acima de 12 anos e o material resultante é discutido no grupo com vistas a uma ou várias reescritas e, posteriormente, levado à cena para compartilhamento com o público.
Contextualiza, fundamenta, describe y analiza tres experiencias del proyecto de Ateliers de Dramaturgia, caracterizados como espacios de creación de textos cortos, de géneros diversos, preferentemente para más allá de la forma dramática, teniendo como base la apreciación de obras de artes visuales. La propuesta es direccionada a todo y cualquier interesado mayor de 12 años y el material resultante es discutido en el grupo aspirando a una o varias reescrituras y, posteriormente, llevado a la escena para ser compartido con el público.

Submitted by Silvio Carvalho (silvio14@terra.com.br) on 2016-06-05T18:04:02Z No. of bitstreams: 1 TESE REVISADA 02 09 2015 a noite (1).pdf: 5756796 bytes, checksum: ebc42517df1b153e59c1f763f093b896 (MD5)
Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2016-06-06T12:58:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 TESE REVISADA 02 09 2015 a noite (1).pdf: 5756796 bytes, checksum: ebc42517df1b153e59c1f763f093b896 (MD5)
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UNEB - Bolsa PAC
Neste trabalho, intitulado Construções biográficas pelas canções populares, discute-se a potência das canções em ler marcas inscritas e reescritas na história de muitas vozes e em produzir memórias biográficas. Dividido em três capítulos, privilegia-se, do ponto de vista metológico, a força da canção e as experiências e vivências do autor com o alto-falante, com o seu fazer artístico e, por fim, com o seu trabalho de professor, embora outros autores sejam convidados a participarem do debate. No capítulo inicial, amparando-se em imagens produzidas por compositores da música popular brasileira, discute-se o alto-falante como símbolo das culturas de massa e como “casulo da canção”, produtor de uma estética musical própria, bem como a sua importância na produção de registros nos corpos dos sujeitos, através de uma síntese histórica do rádio, da memória do Serviço de Alto-falante A Voz do Povo e, por fim, das novas feições assumidas pelo alto-falante, tomando como base as mudanças sociais ocorridas no país e as novas tecnológicas eletrônicas. No segundo capítulo, descreve-se e analisa-se todo o processo de construção e apresentação do espetáculo Mar Noturno e a sua implicação com o ato da narrativa, com as canções de alto-falante e com as memórias afetivas do autor, ressaltando o seu caráter performático e autobiográfico. No terceiro capítulo apresenta-se uma proposta metodológica, voltada para a auto-formação e inserção de vozes,que tem como ponto de partida as canções que marcaram as histórias dos sujeitos. A referida proposta, que recebe o nome de Ateliês de performances biográficas pelas canções populares, testada e desenvolvida no Centro de Estudos e Assessoria Pedagógica – CEAP, é discutida através de um amplo painel de depoimentos dos membros da equipe e das próprias canções, que dialoga com vozes de autores diversos. Nos três capítulos, outros teóricos são convidados para participar das discussões. Entre eles, destacam-se José Miguel Wisnik (2004, 1989), Giorgio Agamben (2009), Leonor Arfuch (2010, 2012) e Delory-Momberger (2008, 2010). O primeiro dá suporte às discussões sobre a potência da canção e o seu uso no contexto sóciopolítico-cultural brasileiro. O segundo ampara o debate sobre a canção como dispositivo. O mesmo acontece com Arfuch (2012), quando se discute a ideia de antibiografia. Essa autora contribui, também, juntamente com outros nomes, com as discussões sobre temas pertinentes aos espaços biográficos. Já Delory-Momberger (2008, 2010), além de inspirar a proposta dos ateliês, participa das trocas a respeito da memória biográfica. Quanto às narrativas como ato performático, recorre-se às discussões feitas por Cohen (2011), Zumthor (2010) e Person (1999). Nomes como Foucault (2006, 1992) e Barthes (2005, 1993), entre outros, perpassam essas discussões. Por fim, nas considerações finais, reflete-se sobre o cumprimento dos objetivos e as dificuldades encontradas ao longo do percurso, identificam-se novas demandas, ganhos e achados, e conclui-se com a compreensão de que esta tese trata de um processo, de um exercício quase auto-biográfico, que ultrapassa discussão musical, embora o seu fio condutor seja a potência das canções em produzir novas subjetividades e inserção de vozes.

Orientador: Jose Antonio Resende de Almeida Prado
Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-07-22T01:53:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Valle_RaulThomazOliveirado_D.pdf: 4249430 bytes, checksum: ce61799fd85c25816f6fdc6001ecbe18 (MD5) Previous issue date: 1996
Resumo: Esta tese estuda a aplicação do método eletroacústico na composição instrumental pelo uso do Atelier. Este processo é demonstrado na obra Encadeamento para 05 contrabaixos acústicos amplificados. O Atelier enseja uma interação entre o compositor e os intérpretes, resultando numa nova gestualização sonora
Abstract: The electroacoustic technique applied to instrumental composition through the use of Atelier is studied in this work. Encadeamento, a piece for 05 amplified double basses, is used to demonstrate the process. The Atelier fosters a strong interaction between composer and players resulting in new sound gestures
Doutorado
Doutor em Artes

Submitted by Marta Toyoda (1144061@mackenzie.br) on 2017-03-30T21:29:45Z No. of bitstreams: 2 Simone da Silva Mina.pdf: 5103452 bytes, checksum: 2b255cefb74d1dbc3e57e41314fcd480 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5)
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
The present work discusses the presence of a silence language in fashion elaboration processes, prior to its enrolling in the industrial reproducibility scale, through the work of some creators and the author’s experience with performative installations. The study includes an observation of the studio, as locus of creation, and contributes with points of contact between art and fashion. The art studio goes from the dimension of a space of creation only, to a space of production of presence, revealing that these two areas of the sensible, art and fashion, favor a reflection on the moving of their “frontiers”. The investigation is on the scope of experimentalism, as a site of a reflexive act that unites, in its gesture, aesthetics and poetics, and so to speak, an experiment of micropolitics.
Este trabalho discute a presença de uma linguagem silenciosa nos processos de elaboração da moda antes de sua inscrição na escala de reprodutibilidade industrial, através da obra de alguns criadores e da experiência da autora com instalações performativas. O estudo compreende uma observação do ateliê, como lócus da criação, e a partir disso contribui com possíveis pontos de encontro dessa manifestação entre moda e arte. Neste sentido, o ateliê passa da dimensão de um espaço de criação somente, para um espaço de produção de presença revelando que essas duas áreas do sensível, moda e arte, favorecem uma reflexão sobre o movente de suas “fronteiras”. A investigação delimita-se ao âmbito do experimental, como o local de um fazer reflexivo que une, em seu gesto, estética e poética, e por assim dizer, um experimento de micropolítica.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Arte, 2014.
Submitted by Ana Cristina Barbosa da Silva (annabds@hotmail.com) on 2014-10-07T17:23:33Z No. of bitstreams: 1 2014_IsabelaBarbosaRodrigues.pdf: 2841003 bytes, checksum: a2c3bcb94e41c0f6fd5bf5e406f9f2bb (MD5)
Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2014-10-08T15:08:12Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_IsabelaBarbosaRodrigues.pdf: 2841003 bytes, checksum: a2c3bcb94e41c0f6fd5bf5e406f9f2bb (MD5)
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Trata-se de um trabalho de pesquisa sobre a oferta de Curso de Artes – Licenciatura, oferecido pela modalidade de educação a distância em polos de apoio presencial pela Universidade Aberta do Brasil, cujo objetivo principal é verificar a existência e a qualidade dos Ateliês de Artes nos polos de apoio presencial da Universidade Aberta do Brasil. Especificamente, buscou-se apresentar os referenciais legais sobre o Sistema da Universidade Aberta, a história da arte a partir da Idade Média, averiguar como são atendidas as práticas pedagógicas na modalidade a distância em polos de apoio presencial e se os ateliês possibilitam a experimentação e a pesquisa prático-teórica, investigar se contam com recursos materiais e uma sala especialmente preparada para o desenvolvimento das propostas. A metodologia utilizada foi a pesquisa bibliográfica e documental, qualiquantitativa, e estudo de campo dividida em dois momentos quando a autora foi consultora no projeto de análise da infraestrutura física dos polos de apoio presencial nos anos 2010/2011, na região nordeste, pela Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior, e como professora convidada na Disciplina de Ateliê em Pintura pela Universidade de Brasília, no ano de 2013, em visita aos polos de apoio presencial da região norte. A pesquisa foi desenvolvida em 3 etapas: levantamento dos dados da infraestrutura pedagógica dos polos de apoio presencial; aferição dos dados e discussão dos resultados por meio da análise dos resultados do relatório de consultoria e visita in loco aos polos. O resultado da pesquisa demonstrou que nos 66 polos visitados, verificou-se que os Ateliês de Arte funcionam de forma improvisada e não contam com estruturas adequadas e insumos. Desses, 35% não possuem ateliês, e 15% não continham informações para averiguação. Foi verificado que, quando existem Ateliês, eles são multifuncionais, com as práticas em pintura, escultura, desenho e cerâmica acontecendo todas no mesmo espaço, sendo que esses espaços não são devidamente preparados para tais disciplinas. Concluiu-se que os Polos de Apoio Presencial, mantidos pelos mantenedores pelo Governo ou Municípios, juntamente com o MEC/Capes e as Instituições que ofertam cursos de Artes precisam alinhar-se e juntar esforços para vencer a deficiências encontradas nesta pesquisa. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT
This is a research paper about the current offer of Art Course - Licenciatura, offered as distance education modality supported in learner-support facilities by the Universidade Aberta do Brasil, whose main objective is to assess how they are currently offering pedagogical practices in the art studios. Specifically, we searched to present the theoretical references about the Universidade Aberta do Brasil, the history of art from the Middle Ages, ascertain how pedagogical practices are offered in the learner-support facilities, and if the art studios allow experimentation and practical-theoretical research, we also seek if the art studios are supported with material resources and a classroom specially prepared for the development of the proposals. The methodology was based in bibliographic research, quali-quantitative, and field study divided in two moments when the author was a consultant on the physical infrastructure analysis project in the learner-support facilities in 2010\2011, in the northeast, by the Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior, and as a guest art teacher in the Universidade de Brasília in 2013, visiting the learner-support facilities in north region. The research was carried out in 3 stages: data records of the pedagogical educational infrastructure of the learner-support facilities; benchmarking data and and results discussion by analyzing the results of the consultancy report and in loc visits to the learner-support facilities. The research result demonstrate that in the 66 visited learner-support facilities, it was found that the art studios work in an improvised way and do not have appropriate structures and inputs. From the visited Learner-support Facilities, 35% do not have art studios, and 15% did not contain information for verification. It was found that when there are art studios, they are multifunctional with practices on painting, sculpture, drawing and ceramics all happening in the same space, and these spaces are not properly prepared for such disciplines. It was concluded that the learner-support facilities, maintained by the Government or Municipalities, along with MEC/CAPES and institutions that offer courses in Arts need to align and join forces to overcome the deficiencies found in this study.

Parmi les quartiers qui constituent le 18eme arrondissement (la chapelle, goutte d'or, grandes carrières et Clignancourt ), la moitié ouest des grandes carrières et la moitie est de Clignancourt forment ce qu'on appelle communément "Montmartre" ou "butte Montmartre", occupant le pied, les pentes et le plateau de la colline (limite dans le cadre de notre étude par les rues Caulaincourt, Custine, la place du château-rouge, le boulevard barbes et l'avenue de Douai jusqu'au boulevard de Clichy). Ce périmètre, qui a fait l'objet de notre étude, est en réalité constitue de deux zones : les bas-Montmartre, aux pieds de la colline, qui est celui de la première génération d'artistes installée entre 1871 et 1890; la butte elle-même, c'est à dire les pentes et le plateau de la colline, correspondant au village de Montmartre ou haut-Montmartre, par opposition au Montmartre des boulevards. Ce haut Montmartre est celui de la deuxième génération d'artistes, celle de Picasso, qui s'installe entre 1880 et 1910. Dans ce cadre géographique, nous avons tente de comprendre l'évolution de Montmartre entre 1871 et 1910. Pendant ces quelques quarante années, Montmartre ne cesse de jouer un rôle important : politique dans un premier temps, avec sa participation à la commune, puis intellectuel et artistique, des fin 1871 et jusqu'en 1910, date à laquelle Picasso quitte la butte, ce départ symbolisant un point de rupture dans l'histoire artistique du quartier. L'étude de l'évolution de Montmartre en tant que quartier artistique a permis de répondre aux problèmes suivants : pourquoi les artistes s'installent-ils à Montmartre? Quel est le legs de la commune, ce legs va-t-il survécu a l'écrasement de la commune ou au contraire va-t-il été occulte. Autrement dit, y-a-t-il rupture ou continuité entre le Montmartre communard et le Montmartre artistique? Jusqu'en 1890, les artistes prennent possession du bas-Montmartre en même temps que les établissements de toutes sortes se multiplient : bals, cabarets à attraction et restaurants de nuit. Ces lieux de plaisir, notamment les bals, participent à la création artistique. A partir de 1890, les artistes délaissent le bas-Montmartre pour se retrancher dans un lieu plus paisible, le village au sommet de la butte, répute pour la modicité de ses loyers. Du même coup, ils déplacent les pôles d'attraction artistique, créant de nouveaux foyers, tels le bateau-lavoir ou le lapin agile, prolongeant ainsi l'habitude associative. Les relations entre bas-Montmartre et haut Montmartre demeurent étroites, des flux existant entre les créateurs du village et les promoteurs d'art des boulevards. Chaque zone confirme donc sa spécificité : artistique ou commerciale. En revanche l'esprit qui anime ces deux zones est le même, ne du sang de la commune et caractérise par l'arrogance, la violence, la critique des valeurs traditionnelles et de tout ce qui peut représenter l'autorité.

Le peintre de sappho, peintre de ceramique attique a figures noires de la fin de l'archaisme, doit son nom a une hydrie en technique de six montrant la poetesse sappho. Son corpus a ete etabli par c. H. E. Haspels selon des criteres stylistiques et typologiques, parallelement a celui du peintre de diosphos. Tous deux, entoures de quelques compagnons, decorent differentes formes parmi lesquelles se trouvent surtout des lecythes de memes classes. Depuis haspels, de nombreux vases ont ete ajoutes a ces corpus par j. D. Beazley (qui organisa la relation des deux peintres autour d'un meme potier) puis par divers specialistes. L'etude des figures, des inscriptions, de l'ornementation et de techniques particulieres (technique de six et fond blanc) permet de justifier le corpus du peintre de sappho et d'en definir la personnalite. Le profil de ses vases est replace parmi les formes tournees dans les ateliers contemporains. La typologie des lecythes met en evidence, de plus, le tour de main du potier dont l'evolution, qui coincide avec celle du peintre, permet de conclure a l'existence d'un peintre-potier: l'atelier des peintres de sappho et de diosphos s'articule autour de ces deux artisans polyvalents et auquel s'ajoute un nombre restreint de peintres-potiers, parmi lesquels on identifie les peintre de la classe little-lion et le peintre d'haimon. Mais le peintre de sappho, comme les divers membres de cette echoppe, entretient egalement de multiples relations avec les autres ateliers du quartier des potiers de la fin du vie au second quart du ve siecle. L'utilisation de certaines techniques, formes ou schemas iconographiques particuliers et les rares traces archeologiques connues demontrent la cohesion qui domine le ceramique. Les choix iconographiques du peintre de sappho confirment, en outre. Son parcours entre les peintres de la fin du vie siecle et ceux du debut du ve siecle ; tandis que ses traitements originaux. Son usage des inscriptions et son organisation de l'espace iconique revelent la personnalite d'un artisan aux multiples facettes
The sappho painter, an atticblack-figure painter of the late archaic period, was named after an hydria in six technique with the poetess sappho. C. H. E. Haspels established the corpus, along with that of the diosphos painter, according to style and shapes. Both painters use differents shapes (mainly lekythoi) of same class and share the same workshop with a few other vase painters. Since haspels, several vases have been assigned to these painters, first by j. D. Beazley (who organized the relationship of the two painters and their association with the same potter), and than by other scholars. The study of figures, inscriptions, ornements and of techniques help to build up a corpus of the sappho painter's production. The profile of his vases set among other shapes produced by contemporary. The typology of lekythoi allows to trace the potter's evolution. Which could be related with the development of the painter's style, and shows the existence of a painter-potter. The workshop of the sappho and diosphos painters is built on the two craftsmen and others such as the painters of the little-lion class and the haimon painter. Yet the sappho painter, along with other fellow vase-painters, can be related with the other workshops. The use of specific techniques, shapes, and iconography and the few archaeological evidence show the relations which exist between the craftsmen of the kerameikos. In other words, the iconographical choices of the sappho painter confirm his links with and his place among vase-painters of the end of the vi c. And the beginning of the fifth c. ; his original treatment, his use of inscriptions and organization of the iconic space demonstrate the existence of a craftsman whose personnal style displays many aspects

Em vinte anos de vanguarda russa, entre 1910 e 1930, seus artistas experimentaram diversas linguagens artísticas, do futurismo italiano ao mais vigoroso produtivismo (uma vertente radical de fusão da arte com a vida), em busca da expressão perfeita da modernidade, da realidade por eles vivida e da história em construção no período. Ao concentrar tantos caminhos e esforços em uma só instituição de ensino de artes, estava aberta a passagem para a inovação e a revolução que o VKhUTEMAS/VKhUTEIN operou dentro da história da arte soviética. A Seção de Base com suas disciplinas amplas e integradoras, a abertura pedagógica, as disputas teórico-conceituais, a extensa lista de professores vanguardistas e um ambiente acadêmico de pesquisa e novidades, são as principais conquistas da instituição que dominou a cena artística em Moscou e na União Soviética nos anos de 1920. Uma escola voltada para o futuro, para uma nova vida e um novo mundo.
In a short period of twenty years, between 1910 and 1930, the russian avant-garde artists experiment different kinds of artistic languages, from Italian Futurism to the Productivism, a radical trend in the front of life and art fusion - in the very straight way -, searching for the perfect expression of the modernity, the reality of these times and the making of history in these context. Focusing various ways and efforts in a single institute to teaching arts established a passage to the innovation and revolution how VKhUTEMAS/VKhUTEIN was inside the soviet art history. The Basic Unit, with its extensive and integrative ensemble of classes, the pedagogical aperture, the theoretical conceptual controversies, the wide list of avant-garde teachers and the openly to researches and growth academic environment are the key acquisition of this institute which ruled over the Moscow and Soviet Union artistic scene at the 1920\'s. A school orientated to the future, to the new life and new world.

De Roger Van der Weyden, vers 1435, jusqu'à Balthus, en 1980-1981, les peintres se sont représentés à l'ouvrage dans leur atelier ou dans tout autre lieu intérieur, voire extérieur. A l'origine saint Luc, médecin, évangéliste et premier peintre de l'ère chrétienne selon une tradition émergeant à Byzance au sixième siècle, s'attache à reproduire les traits d'un modèle prestigieux, la Vierge Marie. Au début du seizième siècle Apelle, autrefois peintre officiel d'Alexandre le Grand, accompagne puis remplace Luc dans l'imaginaire des artistes. Il est le plus souvent représenté faisant le portrait de Campaspe, favorite du souverain, que ce dernier offre à l'artiste qui en est tombé profondément amoureux. Dans le sillage de ces deux références, la scène représentant un atelier profane ou un quelconque lieu de pose se renouvelle en permanence jusqu'à la fin du siècle dernier. Au premier degré, elle rend compte d'un simple exercice, parfois coloré de libertinage ou d'érotisme; elle est aussi le théâtre de la vie d'artiste. Au second degré, cette représentation véhicule les pouvoirs de la peinture, soit en évoquant certains sentiments éprouvés par les peintres, soit en manifestant leurs ambitions. En compagnie d'autres éléments valorisants (textes littéraires, autoportraits, allégories, récits de la faveur des Grands, maisons privées prestigieuses, protection des dieux de l'Olympe), l'image de l'atelier du peintre s'affirme donc comme un moyen privilégié pour exalter les talents de l'artiste, l'éminence de son art et plus généralement la gloire du peindre.

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Submitted by Suemi Higuchi (suemi.higuchi@fgv.br) on 2009-05-14T21:03:33Z No. of bitstreams: 1 CPDOC2008JoaoVergaradosSantos.pdf: 5650687 bytes, checksum: 6559365005827e8b14f83c24c01a75bc (MD5)
The institutionalization of artists’ private estates isn’t a recent phenomenon, but this is a process that has been accelerated in the last 30 years. The social transformations brought by the result of the establishment of a global economic order have created new rules in the universe of cultural organizations. This work is the result of a research on institutions that administrate contemporary artists´ estates. The idea was to establish the basis for the constitution of a simila institution – the Ateliê Carlos Vergara. The theme was explored on the basis of interviews with five Brazilian artists and of an analysis of Carlos Vergara´s career and studio. Some issues related to the organization and preservation of the works, to the sustainability of the institutions and to the role of the heirs in the administration of the organizations, as well as the coherence of these initiatives with the principles of the artists are discussed in this text.
A institucionalização de acervos particulares de artistas não é um fenômeno recente, mas esse processo se acelerou nos últimos 30 anos. As transformações sociais decorrentes do estabelecimento de uma ordem econômica globalizada criaram novas regras no universo das organizações culturais. Este trabalho é o resultado de uma pesquisa sobre instituições responsáveis por gerir acervos de artistas contemporâneos realizada com o objetivo de encontrar diretrizes para a constituição de uma iniciativa da mesma ordem: o Ateliê Carlos Vergara. O tema foi examinado com base em entrevistas com cinco artistas plásticos brasileiros e em um levantamento sobre a trajetória de Carlos Vergara e de seu ateliê. Algumas questões relacionadas à organização e à preservação dos acervos, à sustentabilidade das instituições, ao papel dos herdeiros em sua gestão, assim como ao alinhamento dessas iniciativas aos princípios dos artistas, são discutidas neste texto.

This thesis examines the relationship between the three artists' workshops Røde Mor (Red Mother), Folkets Ateljé (The People's Studio) and GRAS, who worked between 1968 and 1975 in Denmark, Sweden and Norway. Røde Mor was from the outset an articulated Communist graphic workshop loosely organised around collective exhibitions. It developed into a highly productive and professionalised group of artists that made posters by commission for political and social movements. Its artists developed a familiar and popular artistic language characterised by imaginative realism and socialist imagery. Folkets Ateljé, which has never been studied before, was a close knit underground group which created quick and immediate responses to concurrent political issues. This group was founded on the example of Atelier Populaire in France and is strongly related to its practices. Within this comparative study it is the group that comes closest to collective practises around 1968 outside Scandinavia, namely the democratic assembly. The silkscreen workshop GRAS stemmed from the idea of economic and artistic freedom, although socially motivated and politically involved, the group never implemented any doctrine for participation. The aim of this transnational study is to reveal common denominators to the three groups' poster art as it was produced in connection with a Scandinavian experience of 1968. By ‘1968' it is meant the period from the late 1960s till the end of the 1970s. It examines the socio-political conditions under which the groups flourished and shows how these groups operated in conjunction with the political environment of 1968. The thesis explores the relationship between political movements and the collective art making process as it appeared in Scandinavia. To present a comprehensible picture of the impact of 1968 on these groups, their artworks, manifestos, and activities outside of the collective space have been discussed. The argument has presented itself that even though these groups had very similar ideological stances, their posters and techniques differ. This has impacted the artists involved to different degrees, yet made it possible to express the same political goals. It is suggested to be linked with the Scandinavian social democracies and common experience of the radicalisation that took place mostly in the aftermath of 1968 proper. By comparing these three groups' it has been uncovered that even with the same socio-political circumstances and ideological stance divergent styles did develop to embrace these issue.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:24:10Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-08-27Bitstream added on 2014-06-13T18:20:21Z : No. of bitstreams: 1 carneiro_lp_me_bauru.pdf: 7221189 bytes, checksum: 8ca7e6b799c28ad506ea8868ef17de05 (MD5)
A presença da ergonomia no desenvolvimento de produtos, a nálise de espaços físicos, na análise das atividades e/ou como ferramenta de melhorias em espaços de trabalho, tem sido de extrema importância, com significativos avanços no sentido de otimizar a relação dos usuários e os espaços de trabalho. Foi com este intuito, que se optou por analisar ergonomicamente um ambiente escolar, amplamente utilizado por alunos de Moda. A presente pesquisa teve por objetivo analisar ergonomicamente os Laboratórios de Desenho e Modelagem da UNIPAR (Universidade Paranaense) Campus de cidade de Cascavel, Paraná. Os procedimentos metodológicos incluíram o levantamento dos temas relacionados à ergonomia e aspectos da moda, onde se registraram a evolução dos ateliês. Para a casuística foram recrutados os sujeitos/alunos do Laboratório de Modelagem e do Laboratório de Desenho da mesma instituição. Foram utilizados os protocolos de Borg e Corlett e Manenica, onde foi possível identificar o nível de percepção de Desconforto, e saber onde os sujeitos/alunos sentiam dores ao utilizarem os Laboratórios de Desenho e Modelagem. O estudo da configuração desses espaços estabelecerá parâmetros para a proposta de um protocolo de avaliação, com intuito de colaborar no projeto de novos laboratórios ou ateliês de moda
The space and furniture of the Design and Modeling Laboratories from fashion courses: Na Ergonomics Analysis. The presence of ergonomics in the product development process, in the analysis of physical spaces and activities and/or as a tool for improvement in work spaces, it has been extremely important, with significant progress towards optimizing the relationship between users and workspaces. It was with this purpose that it was chosen to examine ergonomically a school environment widely used by students of Fashion. This study aimed to analyzed ergonomically the Laboratories of Design and Modeling of UNIPAR (Universidade Paranaense) at the Campus of Cascavel, Paraná. The metodological procedures included literature review of topics related to ergonomics and aspects of fashion, where it recorded the evolution of the workshops. For the sample, it was recruited subjects/students of the Laboratory of Modeling and Design Laboratory at the same institution. This research used the protocols of Borg and the protocols of Corlett and Manenica, where it was possible to identify the perceived level of discomfort, and it was possible to know where the students felt pain when using the Design and Modeling Laboratories. The study of these spaces configuration will established parameters for a proposed evalution protocol, with the purpose to collaborate in the design of new laboratories or fashion workshops

Orientador: José Carlos Plácido da Silva
Banca: Luís Carlos Pascoharelli
Banca: Paulo Kawauchi
Resumo: A presença da ergonomia no desenvolvimento de produtos, a nálise de espaços físicos, na análise das atividades e/ou como ferramenta de melhorias em espaços de trabalho, tem sido de extrema importância, com significativos avanços no sentido de otimizar a relação dos usuários e os espaços de trabalho. Foi com este intuito, que se optou por analisar ergonomicamente um ambiente escolar, amplamente utilizado por alunos de Moda. A presente pesquisa teve por objetivo analisar ergonomicamente os Laboratórios de Desenho e Modelagem da UNIPAR (Universidade Paranaense) Campus de cidade de Cascavel, Paraná. Os procedimentos metodológicos incluíram o levantamento dos temas relacionados à ergonomia e aspectos da moda, onde se registraram a evolução dos ateliês. Para a casuística foram recrutados os sujeitos/alunos do Laboratório de Modelagem e do Laboratório de Desenho da mesma instituição. Foram utilizados os protocolos de Borg e Corlett e Manenica, onde foi possível identificar o nível de percepção de Desconforto, e saber onde os sujeitos/alunos sentiam dores ao utilizarem os Laboratórios de Desenho e Modelagem. O estudo da configuração desses espaços estabelecerá parâmetros para a proposta de um protocolo de avaliação, com intuito de colaborar no projeto de novos laboratórios ou ateliês de moda
Abstract: The space and furniture of the Design and Modeling Laboratories from fashion courses: Na Ergonomics Analysis. The presence of ergonomics in the product development process, in the analysis of physical spaces and activities and/or as a tool for improvement in work spaces, it has been extremely important, with significant progress towards optimizing the relationship between users and workspaces. It was with this purpose that it was chosen to examine ergonomically a school environment widely used by students of Fashion. This study aimed to analyzed ergonomically the Laboratories of Design and Modeling of UNIPAR (Universidade Paranaense) at the Campus of Cascavel, Paraná. The metodological procedures included literature review of topics related to ergonomics and aspects of fashion, where it recorded the evolution of the workshops. For the sample, it was recruited subjects/students of the Laboratory of Modeling and Design Laboratory at the same institution. This research used the protocols of Borg and the protocols of Corlett and Manenica, where it was possible to identify the perceived level of discomfort, and it was possible to know where the students felt pain when using the Design and Modeling Laboratories. The study of these spaces configuration will established parameters for a proposed evalution protocol, with the purpose to collaborate in the design of new laboratories or fashion workshops
Mestre

Made available in DSpace on 2015-08-18T17:47:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Savana Leao Fachone.pdf: 3703038 bytes, checksum: d5f482f9965de7248e05f12848a47ca1 (MD5) Previous issue date: 2012-08-12
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Esta dissertação traz a análise de experiências que vinculam práticas de trabalho e vivências cotidianas, tendo por objeto de estudo o sentido do fazer artesanal na contemporaneidade. Para isso, dois destinos contextos de produção são abordados: o primeiro é o de um artesão ceramista pertencente à cidade de Cuiabá, Mato Grosso. O segundo diz respeito ao trabalho de um designer ceramista com ateliê na cidade de Nova Friburgo, Rio de Janeiro. O estudo traça um paralelo entre artesão e o designer, sinalizando os pontos convergência entre os campos do design e do artesanato, identificando relações híbridas (CANCLINI, 2008), no intuito de articular as informações oriundas de seus processos de produção e verificar questões relacionadas ao desenvolvimento de seus artefatos no processo de fabricação artesanal, a fim de conhecer e entender o sentido do fazer manual nos dias atuais

Orientador: Rogério Adolfo de Moura
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação
Made available in DSpace on 2018-08-20T19:30:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Antolino_AlikSantos_M.pdf: 1333189 bytes, checksum: 124690c8461ad7df58451bb2e6fac5d1 (MD5) Previous issue date: 2012
Resumo: A presente pesquisa tem como propósito estudar as oficinas de arte nas escolas de tempo integral e a formação de seus educadores nas escolas da rede pública estadual da região metropolitana de Campinas, interior de São Paulo. Este projeto viabilizado pela Secretaria Estadual da Educação de São Paulo implantado em 2006 pretende oportunizar aos educandos da rede pública diferentes experiências e conhecimentos por meio de sua maior permanência na escola Com o intuito de entender os procedimentos para a viabilização do projeto levantou-se por meio desta pesquisa documental a historia de diferentes experiências de educação em tempo integral já realizadas no Brasil. Além da análise documental foi utilizada a Legislação que rege as escolas de tempo integral no estado de São Paulo e os documentos advindos após está lei ser colocada em vigor pelos seus governantes. Entrevistas também foram realizadas com personagens que vivenciam esta prática como: três supervisores de ensino; uma PCOP (Professora Coordenadora Oficina Pedagógica) de arte, uma Coordenadora de Oficina Pedagógica de Diretoria de Ensino, uma Coordenadora pedagógica e três Professores atuantes nas oficinas de arte nas escolas de tempo integral. Os dados foram utilizados como referencia da implantação do projeto nas escolas de tempo integral. Na interpretação dos dados se percebe que, tanto para professores e coordenadores são trazidos, por meio das suas falas, os problemas da implementação das escolas de tempo integral como falta de infraestrutura, falta de material ou orientações técnicas. Estes e outros fatos inviabilizaram a concepção de uma escola de tempo integral de qualidade. É necessário debater inicialmente sobre a formação do professor uma vez que será este que atuará tanto na grade comum como nas oficinas. Também se faz necessário debater a concepção do ensino da arte e de oficinas que serão ministradas nestes espaços refletindo sobre a função do ensino da arte, não voltado somente para questões oficineiras, o fazer arte por fazer, mas para conhecimentos e aprendizagens que a arte pode proporcionar e auxiliar no processo educativo deste educando.
Abstract: This research aims to study the art workshops in schools full time and training of their teachers in schools of public schools in the metropolitan region of Campinas, São Paulo. This project made possible by the State Department of Education Sao Paulo implemented in 2006, aims to create opportunities for students from public different experiences and knowledge through their longer stay in school In order to understand the procedures for the feasibility of the project arose through this research documents the history of different experiences of full-time education has made in Brazil. Besides the document analysis was used Legislation governing full-time schools in the state of Sao Paulo and documents arising after the law is to be put in place by their governments. Interviews were also conducted with people who experience this practice as three educational supervisors; a PCOP (Teacher Pedagogical Workshop Coordinator) of art, a Coordinator of Pedagogical Workshop for Board of Education, an educational coordinator and three teachers working in the art workshops in school full time. The data were used as the reference implementation of the project in schools full time. When interpreting the data it is seen that for both teachers and coordinators are brought, through their speeches, the problems of implementing all-day schools as lack of infrastructure, lack of material or technical guidance. These and other facts made it impossible to design a school full-time quality. It is necessary to discuss first on the training of teachers since this will be to act in the grid so common as in the workshops. Also it is necessary to discuss the concept of art education and workshops to be held in these spaces reflecting on the role of art education, not only for back issues oficineiras, do art to make, but for knowledge and learning that art can provide and assist in the educational process of educating.
Mestrado
Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte
Mestre em Educação

Submitted by Automa??o e Estat?stica (sst@bczm.ufrn.br) on 2017-02-02T14:59:56Z No. of bitstreams: 1 JoaoMariaDosSantosDamasceno_DISSERT.pdf: 6715855 bytes, checksum: 8082c40b92b1652976f5b2e6d8b1c01f (MD5)
Approved for entry into archive by Arlan Eloi Leite Silva (eloihistoriador@yahoo.com.br) on 2017-02-09T19:48:02Z (GMT) No. of bitstreams: 1 JoaoMariaDosSantosDamasceno_DISSERT.pdf: 6715855 bytes, checksum: 8082c40b92b1652976f5b2e6d8b1c01f (MD5)
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Esta investiga??o compreende a import?ncia do espa?o de atua??o do professor para o processo de ensino e aprendizagem de arte na sala de aula. Traz depoimentos de professores e artistas que ressaltam o ateli? de arte como espa?o imprescind?vel para a produ??o art?stica. Toma-se como eixos norteadores desta discuss?o exemplos de propostas pedag?gicas como a Escola da Ponte, Pedagogia de Reggio Em?lia e as T?cnicas Freinet, as quais fundamentam-se em ideias que, epistemologicamente, se contrap?em aos modelos tradicionais, tornando-se inovadoras e merecedoras de aten??o para poss?veis reflex?es sobre a situa??o educacional brasileira atual, principalmente no tocante ao ensino de Arte em escolas p?blicas. O trabalho faz refer?ncia a alguns artistas atuantes no Rio Grande do Norte que enfatizam a import?ncia do ateli? de arte como lugar de produ??o de conhecimento. Verifica-se tamb?m a opini?o de alguns alunos do ensino m?dio sobre o que os mesmos pensam a respeito do espa?o que utilizam na escola para a disciplina de Artes Visuais. Parte-se da hip?tese de que o espa?o de produ??o art?stica torna-se um importante articulador no processo de desenvolvimento para o trabalho de alunos numa escola. Sendo, portanto, um recurso significativo no amparo aos objetivos da disciplina. As discuss?es problematizadas refletiram sobre os par?metros e crit?rios educacionais atuais, os quais indicam o quanto a influ?ncia da estrutura f?sica e dos ambientes podem ser determinantes para o ensino-aprendizagem. Tamb?m colaboraram para uma proposta de ateli? de arte explicitada no ?ltimo cap?tulo.
This investigation embraces the importance of the teacher's performance space for Arts teaching and learning process in the classroom. Therefore, the text brings testimonials from teachers and artists who emphasize the art studio as essential for artistic production. The guiding principles of this discussion are examples of pedagogical proposals as the ?Escola da Ponte?, Pedagogy of Reggio Emilia and Freinet techniques, which are based on ideas that, epistemically, counteract the traditional models, becoming innovative and worthy of attention for possible reflections on the current Brazilian educational situation, especially with regard to Arts education in public schools. The paper refers to some artists from Rio Grande do Norte that emphasize the importance of the art studio as a place of knowledge production. There is also the view of some high school students about what they think of the space used in the school subject of Visual Arts. It also assumes that the space of artistic production is fundamental in the process of developing the work of students in school as well as a significant feature in the support to the objectives of the subject. It discusses the gaps, constraints and limitations in the school context in terms of spaces for Visual Arts activities. In addition, the aim is to discuss the subject from current parameters and educational criteria, which indicate how the influence of physical structure and the environment can be determinant in the teaching-learning process. Also contributed to a proposal for art studio explained in the last chapter.

O processo de criação fundamenta esta pesquisa. A vivência entre a paisagem da Praia da Daniela em Florianópolis, Santa Catarina, e o ateliê com a gravura em metal, suas especificidades e possibilidades gráficas, levaram à elaboração deste livro de artista. O que procuro são aproximações entre o estuário vivo e em constante movimento transformador da paisagem da Praia da Daniela com o meu estuário fictício, que segue na busca de um contínuo formar, desafiando o metal, provocando reações e transformações que acontecem em sua materialidade.
This is a practice-based research in which the creative process is at it\'s core. The construction of this artist\'s book is a fruit of the lived experience between two places: the landscape at the Daniela Beach, in Florianopolis, Santa Catarina, Brazil, and the printmaking studio, considering the specificities and graphic possibilities of the Etching technique. What I seek is to interweave the living and transforming estuary in constant movement of the landscape at Daniela Beach, and my own fictitious estuary, which continuously seeks to give form, defying the nature of the metal, provoking reactions and transformations that happen in its materiality.

Orientador: Eduardo Romero de Oliveira
Resumo: As oficinas ferroviárias são as grandes responsáveis pela manutenção das atividades ferroviárias. Seu espaço de trabalho é comparável ao de uma indústria pelas atividades que exerce. No estado de São Paulo, as oficinas da Companhia Paulista, em Jundiaí, tiveram um papel importante na era ferroviária brasileira, e seu espaço funcional foi especialmente projetado para atender uma grande demanda de serviços e modificado ao longo dos anos com o mesmo propósito. O presente trabalho investiga a arquitetura da oficina ferroviária da Companhia Paulista, na cidade de Jundiaí, a fim de compreender seu espaço funcional e tem como objetivos específicos levantar informações sobre as principais oficinas ferroviárias do estado de São Paulo; identificar empresas e profissionais envolvidos com o projeto de construção das oficinas de Jundiaí e como ocorreram essas participações; apurar a relação entre arquitetura e tecnologia a fim de entender se a edificação foi construída de maneira apropriada à atividade industrial da época; se o sistema construtivo da oficina de Jundiaí seguiu algum tratado e diferenças e semelhanças entre a oficina da CPEF de Jundiaí e outras que possuam ligação com nosso objeto de estudo. O procedimento metodológico é de natureza qualitativa e exploratória e utiliza-se de pesquisa bibliográfica e documental como coleta de dados, além da análise visual. Ao final da pesquisa, pode-se compreender diversos fatores mobilizados n... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)
Abstract: Railway workshops are the biggest responsible for the maintenance of railway activities. Their workspace is comparable to that of an industry, for its activities. In Sao Paulo’s state, Companhia Paulista workshops, in Jundiaí, played an important role in the Brazilian railway era, and its functional space was specially designed to meet a high demand for services and was modified over the years for the same purpose. This paper investigates the architecture of the Companhia Paulista railway workshop, in the city of Jundiaí, in order to understand its functional space and has as its specific objectives to gather/raise information about the main railway workshops of the state of São Paulo; identify companies and professionals involved with the construction project of Jundiaí workshops and how these participations occurred; investigate the relationship between architecture and technology in order to understand if the building was built in a appropriate way to the industrial activity of the time; if the building system of the Jundiaí workshop followed any treatise and differences and similarities between the Jundiaí workshop and others that are linked to our object of study. The methodological procedure is qualitative and exploratory and uses bibliographic and documentary research as data collection, in addition to visual analysis. In the end of the research, we can understand several factors mobilized in the execution of the project and construction that resulted in the buil... (Complete abstract click electronic access below)
Mestre

Submitted by Celso Magalhaes (celsomagalhaes@ufrrj.br) on 2018-03-14T14:33:47Z No. of bitstreams: 1 2017 - Geruza Valadares Souza.pdf: 1005345 bytes, checksum: 523605753069c0de09582df153affbb0 (MD5)
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Avec le mouvement de la r?forme des centres psychiatriques de soins psychosociaux qui font la cr?ation d'ateliers importants dispositifs d'accueil des sujets en d?tresse mentale sont cr??s. L'objectif de ce travail est de discuter du fonctionnement de la cr?ation d'ateliers, remettant en question dans quelles conditions les actions constituent ou non un dispositif de promouvoir l'autonomie et l'inclusion sociale dans le domaine de la sant? mentale. Avec la proposition de rechercher des discours / pratiques qui guident une vision de la d?valuation des activit?s manuelles et de domination d'exploitation et la capture subjectivit?s par la production capitaliste imp?ratif, nous adoptons la m?thode g?n?alogique Foucault - qui consiste ? l'analyse historique des connaissances et pratiques - pour enqu?ter sur les conditions de possibilit? qui favorisaient la d?valuation du manuel ? la clinique et la dissociation cons?quente entre cela et faire intellectuel. Notre engagement est de proc?der ? l'analyse du travail comme ontologie, nous trouvons dans les hypoth?ses Arts and Crafts (MAO) ? penser ? d'autres rapports du sujet avec le travail et le faire manuel. Le MAO propose l'appr?ciation du m?tier de fabrication comme une alternative au travail m?canique et st?r?otyp?e de l'?re industrielle qui appauvrit les exp?riences de l'homme dans leurs actions quotidiennes. Nous croyons que la recherche sur les bateaux de fabrication, peut contribuer ? l'analyse de l'utilisation des activit?s manuelles dans la perspective historico-politique de faire manuel comme un dispositif pour favoriser l'autonomie et l'inclusion sociale. Nous comprenons que la recherche sur l'activit? artisanale du travail de conception comme ontologie permettent d'accro?tre la connaissance de la sant? mentale sur la relation de l'homme ? faire aussi bien que contribuer ? une analyse plus puissante sur les faits et gestes des ateliers de cr?ation
Com o movimento da Reforma Psiqui?trica s?o criados os Centros de Aten??o Psicossociais que tomam as oficinas de cria??o como importantes dispositivos de acolhimento dos sujeitos em sofrimento mental. O objetivo deste trabalho ? problematizar o funcionamento das oficinas cria??o, questionando em que condi??es os fazeres constituem ou n?o um dispositivo de promo??o de autonomia e inclus?o social no campo da Sa?de Mental. Com a proposta de pesquisar os discursos/pr?ticas que norteiam uma vis?o de desvaloriza??o das atividades manuais e que operam a domina??o e captura de subjetividades, atrav?s do imperativo capitalista de produ??o, adotamos a metodologia geneal?gica de Foucault ? que consiste na an?lise hist?rica de saberes e pr?ticas ? para investigar as condi??es de possibilidades que promoveram a desvaloriza??o do fazer manual na cl?nica e a consequente dissocia??o entre este e o fazer intelectual. Nossa aposta consiste em realizar a an?lise do trabalho como ontologia, encontramos no Movimento de Artes e Of?cios (MAO) pressupostos para pensar outras rela??es do sujeito com o trabalho e o fazer manual. O MAO prop?e a valoriza??o do fazer artesanal como alternativa ao trabalho mec?nico e estereotipado da ?poca industrial que empobrecia as experi?ncias do homem em suas a??es cotidianas. Acreditamos que a pesquisa sobre o fazer artesanal, possa contribuir para a an?lise do uso das atividades manuais sob a perspectiva hist?rico-pol?tica do fazer manual, como dispositivo que promova a autonomia e inclus?o social. Entendemos que a pesquisa sobre a atividade artesanal a partir da concep??o do trabalho como ontologia, permita ampliar os conhecimentos da Sa?de Mental sobre a rela??o do sujeito com o fazer, assim como contribuir para an?lises mais potentes acerca do fazeres nas oficinas de cria??o.

L’œuvre plurielle de Max Schoendorff (1934-2012) est approchée au regard du lieu de sa création : l’atelier de l’artiste. Ce lieu foisonnant de matériel, d’images, d’objets et de livres est emblématique de sa pensée. Il livre les traces de ses multiples activités. La monographie de l’artiste est fondée sur l’archéologie de ce laboratoire. Formé à la littérature classique,imprégné de culture allemande, rompu à la transgression, Schoendorff s’engage dès le milieu des années 1950 à Lyon aux côtés de Roger Planchon et d’un petit groupe d’intellectuels et de créateurs. Il s’affirme en tant qu’initiateur d’une décentralisation de la culture. Il trouve ensuite dans la peinture matière à se forger son propre langage, nourri de l’imaginairesurréaliste, de Max Ernst, des tourments métamorphiques d’une matière essentiellement organique. Sa pensée singulière s’exprime dans une œuvre protéiforme qui traverse les champs de la peinture, de la gravure, du livre et de la scénographie de spectacle. Libertaire et utopiste quant à ses convictions sociales et politiques, il s’engage en fondant la MAPRA, Maison des arts plastiques Rhône-Alpes, et l’URDLA, Centre international estampe et livre à Villeurbanne
The study of MS’s multivocal work is carried out through an on-site investigation of his workshop. The place, which reflects his philosophy, is full of materials, images, objects, and books. It bears testimony to his numerous activities. Indeed writing a monograph of the artist amounts to performing archeological fieldwork and excavation in his studio. Schoendorff studied classical literature, was well-versed on the subject of German culture, and enjoyed transgressing boundaries. As early as 1950, he was labelled as a committed artist together with RP and a small group of intellectuals and creators/designers from Lyon. Heconsidered himself as the initiator of cultural decentralization. He later devoted himself to painting and managed to create his own artistic language based on the surrealist imaginary world, Max Ernst’s production, and the metamorphic alteration of predominantly organic matter. His personal conception of art is expressed in his protean works which include paintings, engravings, books, and spectatorial scenography. A socio-political libertarian and utopian, he founded the MAPRA (Maison des arts plastiques Rhône-Alpes), the R-A Fine Arts Agency and the URDLA, the International Book and Lithography Centre (Centreinternational estampe et livre) in Villeurbanne

Répondant au caractère « pelegrino » attribué à Luca Signorelli par son contemporain Giovanni Santi, notreréflexion s’articule autour de la triple itinérance du peintre cortonais. La première, fondée sur une géographieartistique, met en jeu commanditaires et collaborateurs entre centres et périphéries et réévalue son imaged’artiste provincial. Il s’agit consécutivement d’établir l’incidence des dévotions locales sur le langage picturalsignorellien, notamment par le biais de la sacra rappresentazione (I). La seconde itinérance, de typeinterdisciplinaire, s’attache à son traitement de la figure humaine et du nu. L’élaboration de sa vision du corpsest confrontée à l’essor contemporain d’une anatomie scientifique et d’une approche expérimentale ou théorique,ainsi qu’à la question des convenances. La sensibilité tactile particulière de Signorelli, sa position dans le débatnaissant du Paragone et les modalités des transferts entre peinture et sculpture sont examinées, tout commel’éventualité d’un passage à l’acte sculptural (II). L’esprit vagabond de Luca, qui s’affirme enfin par uneitinérance temporelle, oscille entre intérêt pour le passé, goût archaïsant et aspiration au renouveau. Sont ainsiétudiés son rapport à l’art antique et sa place entre « seconda e terza età », en spécifiant ses liens avec l’ars novaet les ferments inédits semés. Au-delà des étiquettes de retardataire local ou de précurseur écrasé par un Michel-Ange, cette étude vise à restituer la curiosité, la sociabilité et les échanges d’un artiste de transition (III)
Giovanni Santi has depicted his contemporary Luca Signorelli as a « pelegrino » painter. From this startingpoint, our study deals with the cortonese master’s triple itinerary. The first one, relative to artistic geography,concerns patrons and collaborators between centers and peripheries and we intend to reappreciate his image of aprovincial artist. We investigate consequently the impact of local devotions and sacra rappresentazione on hispictorial language (I). The second itinerary, a interdisciplinary one, focuses on the treatment of the human figureand on the nude. His vision of the body is compared with the contemporary development of a scientific anatomyand with practical and theoretical approaches. Indeed it raises the question of the proprieties. The tactile qualitiesof signorellian art, his position in the emerging Paragone debate and the modalities of his volumetric translationare also studied ; we consider the possibility of a sculptural activity (II). Finally, Luca’s roaming imaginationarises from a temporal oscillation between interest for the past, archaic taste and an aspiration for renewal. Wethus examine his relationship with antique art and his position between « seconda e terza età », analyzing hisconnections with ars nova and the original seeds he sow. Beyond the reputation of a local latecomer or of aforerunner in the shade of Michelangelo, we aim to emphasize this way the curiosity, the sociability and theexchanges of a transitionary artist (III)

Le bambou n’est pas considéré comme un matériau précieux. Cependant, il occupe un rôle symbolique, spirituel et moral dans la vie des Chinois depuis la dynastie des Jìn (265-420). L’art de la sculpture sur bambou se développe, vers le milieu de la dynastie des Míng (ca. 1500) dans la province du Jiāngsū, avec l’impulsion des lettrés qui s’intéressent à cet art. Ils transmettent aux artisans leur goût et leur concept esthétique, comme ils l’ont fait auparavant à travers les pièces en jade. Les objets artistiques en bambou, appréciés tant par la Cour que par les lettrés, deviennent ainsi une des créations les plus raffinées du XVIIIe siècle. C’est Jīn Yuányù 金元鈺, lettré des Qīng, qui dès 1807 parle des artistes-sculpteurs sur bambou de la ville de Jiādìng 嘉定, dans son Répertoire des artistes-sculpteurs sur bambou (Zhúrén lù, 竹人錄). Les artistes-sculpteurs ont réussi à transposer dans leur art les conceptions de la peinture, de la calligraphie et de la poésie en « maniant le ciseau comme le pinceau » (yòng dāo rú yòng bǐ, 用刀如用筆) et en traitant la peau du bambou comme le papier, donnant naissance à un art raffiné et élégant
Bamboo is not regarded as a precious material. Nevertheless, since the Jìn dynasty (265-420), it plays a symbolic, spiritual and moral role in the life of the Chinese. The art of bamboo sculpture was developed in the middle of the Míng dynasty (ca. 1500) in the Jiāngsū province, under the impulse of the scholars who were interested in this art. They passed on to craftsmen their taste and their aesthetic concept as they did before through pieces of jade. The bamboo artistic objects, appreciated by the Court as well as by the scholars, became one of the most refined creations of the XVIIIe century. It is Jīn Yuányù 金元鈺, a scholar of the Qīng dynasty, who, as early as 1807, spoke about the bamboo artists-carvers from his own town, Jiādìng 嘉定, in his Record of Bamboo Carvers (Zhúrén lù, 竹人錄). The artists-carvers succeeded in transposing in their art the painting, calligraphic and poetic conceptions by “handling the chisel like a brush” (yòng dāo rú yòng bǐ, 用刀如用筆) and by handling the bamboo skin as paper, giving birth, by this way, to a refined and elegant true art

La thèse prend comme objet d’étude des artisans colombiens entre 1880 et 1930 dans les villes de Medellín et Bogotá. Elle les considère comme des sujets fondamentaux dans les dynamiques qui se sont développées pendant cette période. Au-delà de la description du monde artisanal, la recherche s’intéresse à la manière dont ce secteur est devenu un agent qui a réagi aux phénomènes à l'échelle nationale et transnationale. Dans le premier sens, en Colombie, les liens sociaux et les formes de production que les artisans avaient enfanté depuis des siècles ont été actifs et exprimés de diverses manières, comme la révolte qui a éclatée à Bogotá en 1893 et les publications dans les journaux des artisans. L’Hégémonie conservatrice qui a conduit la Colombie à la fin du XIXe siècle avait pour un de ses objectifs l’enseignement technique, en particulier pour les artisans, afin de remplacer la fonction exercée par les corporations et de préparer la main-d’œuvre à l’industrie. Dans ce contexte, il y eu une prolifération d'établissements d'enseignement des connaissances de base et techniques avec une composante morale importante. Cette recherche s'intéresse à l'analyse des écoles d'art et métiers et rend compte des réactions du secteur artisanal à la professionnalisation de leurs métiers et aux changements requis par l'intention de mettre en œuvre l'industrialisation. Bien que le phénomène de l'enseignement technique aide à comprendre les caractéristiques de l'artisan colombien au cours de la période étudiée, cela ne peut être compris sans une observation plus large.Basée sur l'approche de l'histoire globale des connexions, la présente recherche permet de comprendre, du point de vue peu exploré par l'historiographie, comment l'expérience des artisans en Colombie aux portes de l'industrialisation a dépassé la réalité nationale. Les phénomènes transnationaux tels que l’insertion sur le marché, la professionnalisation et la spécialisation des métiers par le biais de l’enseignement technique et la circulation des connaissances et des personnes faisaient partie de la dynamique du monde artisanal.Dans ce contexte, les espaces d’internationalisation des connaissances, tels que les Congrès d’enseignement technique et les Expositions Universelles, ont permis la circulation de nouvelles techniques, de connaissances artisanales et la socialisation des méthodes d’enseignement. De même, ils ont encouragé la mobilité des personnes liées à ces questions, comme ce fut le cas pour les personnages colombiens, y compris certains artisans. Les voyages en Europe ont permis de connecter le monde artisanal aux nouvelles avancées, mais ils n'étaient pas le seul moyen par lequel les artisans étaient connectés aux techniques européennes. Les congrégations religieuses et les associations de laïcs étaient un autre mécanisme qui favorisait la circulation du savoir artisanal en Colombie. Les Lasalliens, les Salésiens et les Sœurs de la Présentation ont fondé des institutions pour se former aux connaissances techniques avec une forte composante morale.Enfin, entre les phénomènes nationaux et transnationaux, le monde artisanal colombien de la fin du XIXe et du début du XXe siècle a évolué entre différentes logiques. Une partie de lui a défendu ses formes de production dans les ateliers et une autre était ouverte aux nouvelles techniques et aux nouvelles méthodes de production. Ce mouvement, entre permanence et transformation, montre que ce secteur a été un élément clé dans la préparation du pays sur la voie de l’industrialisation, outre ses liens sociaux et ses formes de production moins faciles à dissoudre
This dissertation studies artisans in Bogotá and Medellín between 1880 and 1930, and considers them crucial subjects in the ongoing dynamics of the period. Beyond describing the artisan’s world, this research concentrates on showing in what ways this sector reacted to national and trans-national phenomena. First, in Colombia, social links and forms of production long-formed by artisans were kept active and manifested themselves in several ways, including the Bogotá 1893 riot and periodical publications. Colombia’s late-nineteenth-century leading conservative hegemony set out to establish technical education, especially for artisans, hoping to replace what the guilds had done in the past and to prepare labor for industrial production purposes. Thus, basic and technical educational institutions proliferated, developing at the same time an important moral component. This work analyzes schools of arts and crafts, accounting for the artisans’ reactions to the professionalization of their crafts and the changes demanded by industrialization. Even though technical education itself sheds light on the characteristics of Colombian artisans during this period, they cannot be fully understood unless we take a broader view. Using a situated global history of connections as a methodological tool, this research allows us to understand, from a point of view seldom present in the historiography, how artisans’ experience in Colombia at the dawn of industrialization went beyond the national context. The artisans’ world was shot through with transnational phenomena such as incorporation in the markets, professionalization and specialization of crafts through technical education, and the circulation of knowledge and people. Thus, spaces for the internationalization of knowledge, such as technical education conferences and universal expositions, enabled the circulation of new techniques, artisanal knowledge, and the socialization of teaching methods. Those spaces equally promoted the mobility of people linked with these issues, including Colombian individuals, several artisans among them. Their trips to Europe allowed them to connect the artisans’ world with new developments, even if this was not the only way they enjoyed connections with European techniques. Religious congregations and lay associations also facilitated the circulation of artisanal knowledge in Colombia. Lasallians, Salesians, and the Sisters of the Presentation founded institutions to teach technical knowledge with a strong moral bent
La tesis de doctorado toma como objeto de estudio a los artesanos colombianos entre1880 y 1930 en las ciudades de Medellín y Bogotá, y los considera como sujetos fundamentalesen las dinámicas que se desarrollaron en este periodo. Más allá de describir el mundo artesanal,la investigación se interesa en mostrar cómo este sector se convirtió en un agente que reaccionóa fenómenos de escala nacional y transnacional. En Colombia, los vínculos sociales y las formasde producción que los artesanos habían gestado durante siglos se mantuvieron activos y semanifestaron de diferentes maneras, como lo fue el motín de Bogotá en 1893 y las publicacionesen periódicos de artesanos.La Hegemonía conservadora que lideró a Colombia a finales del siglo XIX tuvo comouno de sus objetivos la educación técnica, especialmente para artesanos, en vía de reemplazar lafunción que realizaron los gremios en épocas anteriores y de preparar una mano de obra para laindustria. En este contexto se dio la proliferación de instituciones educativas en conocimientosbásicos y técnicos con un importante componente moral. Esta investigación se interesa en analizarlas escuelas de artes y oficios y da cuenta de las reacciones del sector artesanal ante laprofesionalización de sus oficios y los cambios que les exigía la intención de implementar laindustrialización. Aunque por si mismo el fenómeno de la educación técnica ayuda a vislumbrarlas características del artesanado colombiano en la época estudiada, este no se puede entender sinobservarlo de una manera más amplia.Con base en la herramienta metodológica de la historia global situada de conexiones, lapresente investigación permite entender, desde un punto de vista poco explorado por lahistoriografía, cómo la experiencia de los artesanos en Colombia a las puertas de laindustrialización traspasó la realidad nacional. Fenómenos transnacionales como la inserción almercado, la profesionalización y especialización de los oficios por medio de la educación técnica,y la circulación de saberes y personas, hicieron parte de las dinámicas que atravesaron el mundoartesanal.En este contexto los espacios de internacionalización del conocimiento, como loscongresos de educación técnica y las Exposiciones universales, permitieron la circulación denuevas técnicas, de saberes artesanales y la socialización de métodos de enseñanza. Del mismomodo, incentivaron la movilidad de personas relacionadas con estos temas, como fue el caso depersonajes colombianos, entre ellos algunos artesanos. Los viajes a Europa permitieron conectarel mundo artesanal con los nuevos avances, sin embargo, no fueron el único medio por el cual losartesanos estuvieron conectados con técnicas europeas. Las congregaciones religiosas y lasasociaciones laicas fueron otro de los mecanismos que favoreció la circulación de saberesartesanales en Colombia. Los Lasallistas, Salesianos y las Hermanas de la Presentación fundaroninstituciones para formar en conocimientos técnicos con un fuerte componente moral.En suma, entre fenómenos nacionales y transnacionales, el mundo artesanal colombiano definales del siglo XIX y comienzos del siglo XX se movió entre lógicas diferentes. Una parte deél defendió sus formas de producción en los talleres y otra estuvo abierta a las nuevas técnicas ymaneras de producir. Este movimiento, entre permanencia y transformación, muestra que estesector fue una pieza clave en la preparación del país en el camino hacia la industrialización,además de que sus vínculos sociales y sus formas de producción no fueron tan fáciles de disolver

The presented diploma thesis was elaborated as an architectural study of a Central European Forum in Olomouc (SEFO). Campus SEFO will be created as an reconstruction of the Museum of Modern Art (MUO) in Denis street and building in a neighboring vacant lot. The proposal involves urban, architectural, operational layout, design and material solutions objects in spatial context. Within SEFO and MUO they are created each operation - stand-alone units. Objects SEFO and MUO are interconnected. It is necessary to respect the separation of publicly accessible areas of compartments accessible only by employees. Architectural study includes space for exhibitions, library, multi-purpose space with facilities, vestibule usable for exhibition openings and other cultural activities, chamber music performances, as well as facilities for education, technological facilities of the building, the depositary (transport and central), photo studio restoration studio, office space, locker rooms and restrooms personnel. SEFO specific aim of capturing the diverse manifestations of visual culture of Central Europe after World War 2, the building's permanent exhibition, acquisition activity, temporary exhibitions, including larger medium-shows (eg. The biennial or triennial), discussion forums and other supporting cultural events.