Academic literature on the topic 'Artistes et modèles dans l'art'
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Journal articles on the topic "Artistes et modèles dans l'art"
1
Carani, Marie. "La femme comme modèle et comme cette Autre de la représentation visuelle." Articles 7, no. 2 (2005): 57–80. http://dx.doi.org/10.7202/057792ar.
Full textAbstract:
Dans l'histoire de l'art occidental des 19 e et 20 e siècles, l'image de la femme comme modèle de la représentation artistique est restée marquée dans l'art masculin par les signes codés d'une tradition machiste post-renaissante ayant mis de l'avant, au plan du message culturel et artistique véhiculé sur la femme, une idée de passivité, de soumission et de disponibilité sexuelle de celle-ci pour l'œil voyeuriste et les désirs des hommes. Dans les marges de cette histoire, sous le modernisme, des femmes artistes de l'autre avant-garde ont résisté à ces discours dominants, comme l'a montré l'histoire de l'art féministe née dans le creuset du mouvement des femmes au tournant des années 1970, et elles ont réinvesti à leur façon les fondements iconographiques comme les orientations esthétiques et stylistiques des arts visuels. Enfin, dans les arts les plus actuels, au Québec et ailleurs dans le monde, des jeunes femmes artistes postmodernes sont engagées dans un mouvement de réappropriation des pratiques féminines et/ou féministes ainsi que de leurs propres êtres psychologiques, mutilés, sexués.
2
Montias, John Michael. "Le marché de L'art aux Pays-Bas XVe et XVIe siècles." Annales. Histoire, Sciences Sociales 48, no. 6 (1993): 1541–63. http://dx.doi.org/10.3406/ahess.1993.279231.
Full textAbstract:
« La fameuse et magnifique ville d'Anvers », écrivait Carel van Mander en 1604, « prospère dans son commerce, a attiré les artistes les plus excellents de chaque pays. L'art est venu à Anvers parce que l'art fraie volontiers avec l'argent »
3
Maingon, Claire. "Raymond Delamarre (1890-1986)." Emulations - Revue de sciences sociales, no. 2 (September 11, 2018): 22–36. http://dx.doi.org/10.14428/emulations.002.002.
Full textAbstract:
L'histoire de l'art et l'histoire sociale se sont encore peu intéressées aux répercussions de la Grande Guerre sur la carrière des artistes. En retraçant le parcours de Raymond Delamarre dans les années 1911-1919, l'auteur révèle combien la ténacité, la volonté et l'obstination furent nécessaires aux plus jeunes artistes de la génération du feu pour devenir des artistes officiels. Cette notion d'officialité était pour eux le seul gage d'une véritable liberté.
4
Arbour, Rose Marie. "Arts visuels et espace public. L’apport de deux femmes artistes dans les années 60 au Québec, Micheline Beauchemin et Marcelle Ferron." Articles 2, no. 1 (2005): 33–50. http://dx.doi.org/10.7202/057533ar.
Full textAbstract:
La mise en perspective du travail artistique des artistes Micheline Beauchemin et Marcelle Ferron dans le contexte du changement sociopolitique et culturel des années 60 au Québec vise à inscrire leur œuvre dans un nouveau rapport au public, dans la recherche d'un nouveau rôle social de l'artiste et dans un processus de questionnement des limites hiérarchiques propres aux arts visuels par la réappropriation de techniques et médiums traditionnels. La monumentalité et le rapport à l'environnement architectural et urbain des œuvres qu'elles réalisèrent à la fin des années 50 et au cours des années 60 mirent en cause la vision traditionnelle qu'on se faisait des femmes artistes : petits formats, visions intimistes, travail privé et solitaire, fonction décorative. De plus, plutôt que d'opter pour la tabula rasapropre à la modernité en art ou encore pour les valeurs strictement formelles et optiques chères aux arts visuels des années 60, elles adoptèrent une stratégie de réintégration de valeurs culturelles dont la légitimité n'était pas encore reconnue dans l'art d'avant-garde.
5
Thijsen, Mirelle. "Dérivations de l'allégorie dans la photographie contemporaine." Protée 33, no. 1 (2006): 49–57. http://dx.doi.org/10.7202/012266ar.
Full textAbstract:
Résumé Quelle est la place occupée par l'allégorie dans la photographie contemporaine ? L'utilisation du mode allégorique marque, depuis le début de ce siècle nouveau, un tournant décisif. Les pratiques photographiques actuelles s'imprègnent de dérivations allégoriques : de nombreux artistes photographes, des femmes surtout, majoritairement britanniques, font ouvertement usage de l'allégorie dans leurs oeuvres, assurant ainsi à la suite des travaux des générations d'artistes photographes des années 1980 et 1990 (Evergon, Sherman, Knorr, Buckland, Richon, Cohen, Leriche, etc.) la survie de ce mode « académique ». En cela ils s'appuient sur des conventions de représentation et de figuration héritées de la tradition de l'art occidental, fondées donc sur une esthétique bien établie. Alors que l'on dispose de nombreuses études qui alignent l'allégorie sur les productions du théâtre, de la littérature, de la sculpture, de la peinture et du cinéma, on s'est très peu intéressé d'un point de vue sémiotique aux stratégies et aux méthodes de travail des artistes qui adoptent le mode allégorique, et partant aux discours critiques qui leur sont consacrés. C'est là la préoccupation principale du présent article. On cherchera donc à dégager la très grande variété d'outils empruntés par des artistes impliqués à fond dans des projets esthétiques très divers et souscrivant à des positions politiques différentes, et à étudier la manière dont ils génèrent dans l'imagerie fixe des effets narratifs et le sens allégorique. Il sera également opportun de mettre en évidence certains thèmes récurrents, liés à la culture, aux institutions, au pouvoir, à la diversité sexuelle, et la manière dont ces artistes ont su dépasser et étendre les codes de représentation classiques.
6
Mougin, Pascal. "Modèles littéraires de l’art contemporain : Marcelline Delbecq lectrice de Claude Simon ?" Tangence, no. 112 (May 23, 2017): 133–48. http://dx.doi.org/10.7202/1039910ar.
Full textAbstract:
L’influence de Claude Simon sur les artistes contemporains est moins perceptible que celle, entre autres, de Beckett, Duras ou Robbe-Grillet. L’absence de relations directes, malgré les occasions de rencontre, entre Simon lui-même et les artistes des dernières avant-gardes du xxe siècle, explique sans doute en partie le phénomène. Reste que des échos simoniens se font entendre dans le travail de l’artiste française Marcelline Delbecq (en particulier Blackout, 2011). Les similitudes stylistiques (métalepse, flottement énonciatif et ambivalence sémiotique) et thématiques (autour de la production des simulacres) signent l’air de famille derrière l’inversion des enjeux et des effets : chez le romancier, une écriture du monde tel qu’il est, tournée vers l’énigme de la présence et de la représentation ; chez Delbecq, un dispositif de projection fictionnelle, pariant sur l’absence et la ténuité suggestive. Si le sous-texte simonien n’est pas revendiqué par l’artiste, il n’en est pas moins significatif d’une filiation culturelle dont les relais sont à rechercher, d’une manière large et diffuse, dans la réception du Nouveau roman par le minimalisme américain des années 1960, et, d’une manière plus étroite et spécifique, dans une double lecture de Merleau-Ponty, ascendant commun expliquant aussi bien la proximité que les différences entre Delbecq et Simon.
7
Blümlinger, Christa. "Théories-manifestes des cinéastes et artistes face au numérique." Recherches sémiotiques 31, no. 1-2-3 (2014): 95–111. http://dx.doi.org/10.7202/1027443ar.
Full textAbstract:
Depuis une quarantaine d'années, un certain nombres d’artistes-cinéastes, se situant du côté de l'art vidéo, dans l’art des nouveaux médias ou encore du côté du cinéma dit avant-gardiste, ont successivement pris position face aux changements et innovations technologiques. Il s’agissait non seulement de repenser l’argentique, la fonction esthétique et les composants du cinéma, mais aussi des questions de dispositif au sens large du terme. En tant que modalités de textes écrits, les manifestes occupent une fonction charnière entre création artistique et théorie. Le présent article commente une série de textes déclaratifs tenant lieu de la fonction traditionnelle du manifeste, rédigés par des artistes ou cinéastes. Les discours sur la numérisation héritent souvent de la rhétorique des grands récits de l’avant-garde, empruntant des attitudes apocalyptiques, utopiques ou prophétiques, tout en s’inscrivant dans une tradition moderniste par la revendication de l’innovation, de l’opposition, ou encore de la critique des images.
8
Kerlan, Alain. "L'Expérience Esthétique, une Nouvelle Conquête Démocratique." Revista Brasileira de Estudos da Presença 5, no. 2 (2015): 266–86. http://dx.doi.org/10.1590/2237-266049193.
Full textAbstract:
Résumé: Ce texte a pour point de départ les Lettres sur l'Éducation Esthétique de l'Homme du poète dramaturge et philosophe Friedrich Von Schiller. Il commence par en montrer la grande actualité politique et éducative, et insiste sur la nécessité d'en relancer aujourd'hui le geste, dans la perspective d'une nouvelle et nécessaire étape de la démocratisation culturelle. Se référant ensuite à l'esthétique de John Dewey, et prenant appui sur les travaux contemporains consacrés aux artistes engagés dans la tâche éducative, il interroge les intérêts et les interrogations que l'art et l'éducation ont aujourd'hui en commun.
9
Dietschy, Nathalie. "Le motif du Christ mort dans la photographie contemporaine." Articles 23, no. 2 (2012): 26–32. http://dx.doi.org/10.7202/1007586ar.
Full textAbstract:
Le cadavre le plus représenté dans l’art occidental est celui de Jésus. Le Christ mort est en effet un thème iconographique qui a été maintes fois interprété en peinture, en sculpture et plus récemment en photographie. Les artistes contemporains s’emparent de ce thème pour en donner une vision personnelle et profane. Deux tendances sont à distinguer. La première relève de postures christomorphes de modèles ou d’artistes qui identifient leurs propres souffrances à celle du crucifié. La seconde démarche est héritière de l’art du passé, mais s’en éloigne pour destituer la figure christique en banalisant sa mort à travers des photographies de modèles endormis qui imitent des tableaux célèbres. Le présent article se propose d’analyser ces deux points de vue actuels portés sur ce qui constitue un sujet majeur de l’histoire de l’art.
10
Santos, Ana Clara. "La présence du théâtre français sur la scène portugaise : de la traduction à la représentation." L’Annuaire théâtral, no. 34 (May 6, 2010): 131–46. http://dx.doi.org/10.7202/041545ar.
Full textAbstract:
Les mutations politiques du début du siècle romantique sont, au Portugal, synonyme de l’avènement d’une nouvelle sensibilité dramatique. Les modèles français empruntés par les nombreuses troupes théâtrales étrangères et les exilés politiques, assurent une effervescence toute nouvelle au sein des Lettres portugaises. De fait, le contact établi avec la culture littéraire et culturelle française par les estrangeirados et les artistes portugais, et la représentation de modèles français présentés dans les spectacles donnés sur le territoire national, ouvriront inexorablement un nouveau chapitre des relations franco-péninsulaires. Jusqu’à la fin du siècle, au théâtre, on parlera et on pensera en français, insensibles aux nouvelles tendances européennes sur le plan dramaturgique.
Dissertations / Theses on the topic "Artistes et modèles dans l'art"
1
Bortoli, Gilbert. "L'atelier de saint Luc et ses métamorphoses." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010576.
Full textAbstract:
De Roger Van der Weyden, vers 1435, jusqu'à Balthus, en 1980-1981, les peintres se sont représentés à l'ouvrage dans leur atelier ou dans tout autre lieu intérieur, voire extérieur. A l'origine saint Luc, médecin, évangéliste et premier peintre de l'ère chrétienne selon une tradition émergeant à Byzance au sixième siècle, s'attache à reproduire les traits d'un modèle prestigieux, la Vierge Marie. Au début du seizième siècle Apelle, autrefois peintre officiel d'Alexandre le Grand, accompagne puis remplace Luc dans l'imaginaire des artistes. Il est le plus souvent représenté faisant le portrait de Campaspe, favorite du souverain, que ce dernier offre à l'artiste qui en est tombé profondément amoureux. Dans le sillage de ces deux références, la scène représentant un atelier profane ou un quelconque lieu de pose se renouvelle en permanence jusqu'à la fin du siècle dernier. Au premier degré, elle rend compte d'un simple exercice, parfois coloré de libertinage ou d'érotisme; elle est aussi le théâtre de la vie d'artiste. Au second degré, cette représentation véhicule les pouvoirs de la peinture, soit en évoquant certains sentiments éprouvés par les peintres, soit en manifestant leurs ambitions. En compagnie d'autres éléments valorisants (textes littéraires, autoportraits, allégories, récits de la faveur des Grands, maisons privées prestigieuses, protection des dieux de l'Olympe), l'image de l'atelier du peintre s'affirme donc comme un moyen privilégié pour exalter les talents de l'artiste, l'éminence de son art et plus généralement la gloire du peindre.
2
Tonich, Marko. "Nature humaine." Master's thesis, Université Laval, 2019. http://hdl.handle.net/20.500.11794/36334.
Full textAbstract:
Ce texte accompagne mon exposition finale, ma pratique, mon projet. Je l’ai conçu ainsi comme partie intégrante du tout, mais sa lecture seule sans accès au reste pourrait aussi être considérée dans le cas où l’un ou plusieurs des aspects particuliers de celui-ci intéressentle lecteur. Notons aussi l’importance des figures qui témoignent justement de ce qui ne sera pas décrit, mais qui vont naturellement dans le même sens que ce qui l’est. La méthodologie générale est de présenter l’universel duquel le mécanisme et l’existence du particulier peuvent être compris et interprétés.Il sera question ici de définir le champ et mode d’action de l’art et de la philosophiede ma pratique, depréciser la vie de l’artiste en tant que projet ainsi quede proposer l’art en tant que décor. L’ensemble vise à être reçucomme un questionnement, une recherche, une tentative de compréhension et d’expression de notre nature humaine.Celle-ciest interprétéede deux façons; premièrement comme ce qui fait la spécificité de l’humain et deuxièmement par le paradoxe de la création d’une nature qui serait proprement humaine.
3
Miura, Atsushi. "La représentation de l'artiste autour de Manet et Fantin-Latour." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040142.
Full textAbstract:
Cette étude se propose d'éclairer les significations des représentations de l'artiste autour de Manet et fantin-latour. En s'appuyant sur les éléments fondamentaux que sont les comptes rendus de salon concernant les portraits d'artistes de Fantin et de Manet (annexe I), et la liste des tableaux représentant un ou des artistes, exposées aux salons de 1850-1880 (annexe II), et sur les documents littéraires et iconographiques de l'époque, tant prives qu'officiels, elle analyse huit tableaux d'importance : quatre toiles de Fantin et quatre autres de Manet, Renoir, Bazille et Carolus-Duran. Le travail s'organise selon quatre thématiques : hommage-manifeste, la vie d'artiste, le portrait, l'atelier. Ont été réexaminées et reinterprétées, dans leurs différents contextes, des oeuvres qui témoignent des manifestes sous forme d'hommage des peintres post-réalistes des années 1860, de la représentation de la vie de bohème a la campagne, de l'image de l'artiste bohème parisien, des rapports étroits avec la peinture des anciens maîtres, de l'intransigeance de l'artiste-dandy, des réunions d'artistes a l'atelier en 1870. On peut considérer ces représentations d'artistes comme des manifestations d'une conscience de solidarite et d'une recherche commune d'innovation artistique chez les peintres indépendants des années 1860 : post-réalistes et futurs impressionnistes.
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Provansal, Mathilde. "Artistes mais femmes : formation, carrière et réputation dans l'art contemporain." Electronic Thesis or Diss., Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01E051.
Full textAbstract:
Les plasticiennes sont sous-représentées aux plus hauts niveaux de la réputation artistique, symbolique et économique alors même qu’elles sont majoritaires au sein des écoles d’art et de la population des plasticien.ne.s. Située au croisement de la sociologie du travail, du genre, de l’art et de l’éducation, cette thèse explique ce paradoxe. Elle analyse la fabrique des inégalités de genre au sein d’une école d’art très prestigieuse et ses effets sur l’entrée, le maintien et l’accès à la réputation de ses diplômé.e.s dans l’art contemporain. La construction genrée des carrières artistiques est mise en évidence grâce à l’articulation de données quantitatives issues d’un palmarès d’artistes (ArtFacts), d’entretiens biographiques et d’observations. Qu’il s’agisse du recrutement dans l’école, de la sélection dans un atelier, des « petits boulots » exercés, d’être invité.e à exposer et d’être représenté.e par une galerie, la disparition progressive des femmes se joue autour de jeux de cooptation. À différents moments de la carrière, des stéréotypes sexués pèsent sur l’évaluation de la qualité artistique des femmes et de leurs œuvres, le stigmate de la maternité restreint leur employabilité et leur hétérosexualisation limite les possibilités d’autopromotion. L’accès aux conventions du monde de l’art contemporain et l’insertion dans des réseaux professionnels, en particulier sur le marché de l’art, sont sexuellement différenciés. Néanmoins, diverses ressources sociales, économiques, scolaires ou institutionnelles permettent à certaines femmes de contourner les contraintes qui pèsent sur les carrières artistiques féminines et d’accéder à la réputationWomen artists are underrepresented at the highest levels of artistic, symbolic and economic reputation, although they make up the majority of art school students as well as artists. Drawing on sociology of work, gender, art and education, this PhD dissertation explains this paradox. It analyses the making of gender inequalities within a very prestigious French art school and how these affect the entrance into an artistic career, survival in the profession and access to reputation of its graduates in contemporary art. The joint analysis of quantitative data from an artist ranking (ArtFacts), biographical interviews and ethnographic observations sheds light on the gendered construction of artistic careers. Whether it is during the recruitment by the art school, the selection in a studio, student jobs, the invitation to exhibit one’s work or being represented by a gallery, women’s gradual disappearance plays out in co-optation processes. At different stages in the career, the stigma of motherhood restricts their employability and their heterosexualization limits opportunities for self-promotion. Access to the conventions of the contemporary art world and integration into professional networks, particularly in the art market, are sexually differentiated. Nevertheless, different social, economic, educational or institutional resources allow some women to bypass the constraints weighing on women’s artistic careers, and to gain reputation
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Yun, Kusuk. "Etre exotique dans l'art contemporain : la scène internationale de l'art et trois pays d’Asie – Japon, Corée du Sud et Chine – dans la mondialisation : création et stratégies de diffusion." Thesis, Paris 8, 2016. http://www.theses.fr/2016PA080135/document.
Full textAbstract:
Depuis « l’ère de la mondialisation », le monde occidental s’est vivement engagé dans la découverte de nouvelles cultures du monde dans le domaine des arts visuels. En effet, il est devenu la norme de valoriser la diversité du monde et le relativisme culturel parce que les cultures perçues comme authentiques développeraient des valeurs esthétiques et économiques considérables grâce à leur aspect original, singulier et pittoresque. Même si l’on ne peut pas réellement saisir toutes les nuances de la culture d’un pays éloigné, nous pouvons malgré tout esquisser une image plaisante de ce pays dans notre imagination, notamment grâce aux médias qui dépeignent aujourd’hui les paysages du monde à travers des images « typiques ».Par conséquent, les artistes des pays « périphériques » essaient de valoriser les attentes du monde occidental dans leurs créations, en espérant ainsi pouvoir s’intégrer dans le réseau mondial dominé par quelques pays qui se sont désormais positionnés en « leaders ». Ces artistes conçoivent, en effet, des stratégies de communication afin de favoriser la diffusion de leurs œuvres sur la scène internationale : ils représentent leurs identités culturelles dans leurs propres créations artistiques d’une manière stéréotypée facilement identifiable pour les pays occidentaux. Le pluralisme « postmoderne » influence ainsi considérablement la création des œuvres des artistes issus des pays périphériques, en mettant en scène et en valeur tout ce qui est spécifiquement typique, c’est-à-dire local et originalEver since the era of globalization began, the Western world has been strongly engaged in the discovery of new cultures of the world, in the field of the visual arts. Indeed, it has become the norm to value diversity and cultural relativism because cultures perceived as authentic can develop considerable aesthetic and economic value from their unique and picturesque features. Even if we cannot really understand all the cultural characteristics of a far-off country, we are still able to sketch a pleasant and attractive image of this place in our imagination thanks to the mass media, which repeatedly presents these landscapes through "typical" images.As a result, artists from "peripheral" countries are trying to meet the Western world’s expectations in their work, hoping in this way to break into a global system where some countries are positioned as "leaders". These artists devise communication strategies to promote their works on the international art scene; they represent their cultural identity in their artwork in a stereotypical and easily recognizable way to the West. Postmodern pluralism considerably influenced these artists’ work, whilst focusing attention on everything that is typically “local” and “original”
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Setzu, Francesca. "Les intermédiaires français de l'art contemporain et les artistes turcs. Regards croisés dans la Méditerrannée." Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080054.
Full textAbstract:
Adoptant une perspective d’analyse au croisement entre sociologie de l’art et sociologie des professions, notre étude examine la participation d’un groupe d’intermédiaires français de l’art contemporain dans la construction de la carrière d’artistes turcs. En particulier nous avons étudié les expériences et les pratiques de travail de trois catégories de métiers opérant en tant qu’intermédiaires de l’art contemporain: directeur de musée/commissaire d’exposition, galeriste et responsable artistique dans le secteur associatif. En nous intéressant à la fois à la structure du champ artistique où ces acteurs opèrent, et à leurs pratiques professionnelles, notre objectif était de souligner l’importance du rôle des intermédiaires français dans le processus de consécration des artistes turcs à l’échelle internationale. Dans le premier volet de notre recherche nous analysons les antécédents historiques des relations entre les intermédiaires artistiques français et les artistes turcs. Dans le deuxième volet et cœur de notre recherche, nous présentons les résultats de notre étude empirique sur les activités professionnelles d’un groupe d’intermédiaires français opérant dans le secteur de l’art contemporain. Ils ont été ou sont engagés dans la promotion et diffusion des œuvres des artistes turcs travaillant dans le domaine de l’art visuel. En effet, à travers une enquête de terrain, nous montrons la diversité et les contradictions des pratiques de travail de trente-deux intermédiaires français de l’art contemporain, autour d’une thématique, celle des échanges artistiques entre France et Turquie à l’heure de la mondialisationAdopting an analytical perspective on the intersection between sociology of art and sociology of professions, our research examines the participation of a group of French contemporary art gatekeepers in building the career of Turkish artists. In particular we studied the experiences and working practices of three categories of contemporary art gatekeepers: museum directors / curators, directors of galleries and artistic director in the nonprofit sector. Focusing our attention to both the structure of the artistic field where these actors operate, and their professional practices, our goal was to emphasize the importance of the role of French gatekeepers in the process of consecration Turkish artists internationally. In the first part of our research we analyze the historical background of the relationship between the French artistic intermediaries and Turkish artists. In the second part, and heart of our research, we present the results of our empirical study on the professional activities of a French group of gatekeepers operating in the field of contemporary art. They have been or are involved in the promotion and dissemination of works of Turkish artists operating in the field of visual art. Indeed, through a field survey, we show the diversity and contradictions of working practices of thirty-two French contemporary art gatekeepers around a topic: the artistic exchanges between France et Turkey in the globalization era
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Boissier, Annabelle. "L'art contemporain est-il par définition international? : les relations transnationales dans le processus de légitimation de l'art contemporain en Thaïlande." Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0349.
Full textAbstract:
Au cours des années quatre-vingt-dix, un réseau d'art contemporain se structure en Thaïlande. Comment et pourquoi ce réseau s'est institutionnalisé et , contrairement aux mouvements d'avant-gardes s'épanouissant depuis les années soixante, a ravi le monopole détenu jusque là par l'académie? L'analyse montrera que cette pratique a obtenu une légitimité locale grâce aux liens mis en place par ses acteurs avec la scène internationale. Les modalités d'existences de ces liens seront examinées en vue de questionner , à partir de la situation taïlandaise, les enjeux de la participation des artistes non occidentaux au monde de l'art contemporain international. S'ils conservent une position périphérique ne leur permettant pas de prendre part pleinement aux luttes internationales de classements, la nouvelle dynamique des années deux mille montre qu'ils tentent de renverser ce rapport de forces en diversifiant leurs actions vers d'autres types de relations transnationalesDuring the nineties a network of contemporary art was developped in Thailand. How and why this network has been able to institutionalize itself and has taken away the monopoly of the academic unlike the avant-gardes movements blooming since the sixties? The analysis will show that this practice has obtained a local legitimacy thanks to th links set up by local actors with the international scene. The ways of existences of these links will be examined to question, from the Thai situation, the stakes of the non Western artist's participations to the international world of contemporary art. If they keep a peripheral position which enable them not to take part in the struggle of international classifications, the new growth after the year two thousand show that they try to knock down the balance of power by diversifying their actions towards other types of transnational relations
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Zemanová, Etavard Marcela. "Le tabou féminin dans l'art contemporain : contexte social et artistique de la féminité dans l'oeuvre des femmes artistes contemporaines." Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010595.
Full textAbstract:
La thèse intitulée Le tabou féminin dans l'art contemporain (contexte social et artistique de la féminité , dans l' oeuvre des femmes artistes contemporaines) aborde le thème de la féminité dans l'art des femmes artistes. La recherche se concentre sur l'approche qualitative des informations. Grâce à des oeuvres spécifiques de femmes, artistes nous examinons dans quelle mesure la création des femmes est « féminine» et si l'utilisation du terme « art féminin» est actuelle. D'un point de vue objectif la recherche se focalise tout d'abord sur la définition de la masculinité d'aujourd'hui. Ensuite nous expliquons le regard sur la femme au travers des théories féministes et de genre qui se reflètent également dans la création artistique. Ensuite, grâce à cette analyse exhaustive, nous abordons la féminité même. Nous définissons la féminité dans l’art et nous présentons des vues opposées de femmes artistes sur la désignation « art féminin ». Les manifestations de la féminité dans la création des femmes artistes contemporaines sont divisées en plusieurs unités Mater Pater, Intimité et Identité. Les analyses des oeuvres permettent de mieux définir les caractéristiques typiques de la création artistique des femmes que nous appelons la féminité dans l'art. Enfin, nous explorons notre thème dans le cadre de la pédagogie artistique et nous attirons l'attention sur l’importance des questions de genre dans l'éducation artistique.
9
Picard, Marie. "Entre corps plastique et violence de l'esthétique : la féminité artistique des années 1970 à nos jours." Paris 8, 2010. http://www.theses.fr/2010PA083204.
Full textAbstract:
Tout au long de la représentation visuelle, le corps féminin est devenu une surface expérimentale où l'intégrité du sujet a largement été occultée. Dans les années 1970, le féminisme accompagne l'irruption dans le champ esthétique d'un "féminin" outrancier, excessif, qui multiplie les supports, exhibe le "sale", retourne la violence subie. Comme si pour démentir l'esthétisation qui en a été faite la seule possibilité était de retourner sur leur propre corps le mouvement de leur création. S'agirait-il de trouver dans la forme primaire d'une violence transgressive, où l'insolence du geste est la part irréductible de la création, l'acte fondateur de leur statut d'artiste ? Place serait-elle enfin rendue à la femme artiste qui appréhende la création par une esthétique de l'excès ? Entre Corps Plastique et violence de l'esthétique, la recherche entend poser que les femmes artistes ont mené d'importantes expériences d’ordre identitaire et sexuel. La réflexion se centre sur les interrogations que pose ce "devenir-femme" dans l'art contemporain, sur le corps intime de la femme qui exprime la toute-puissance du passage à la subjectivité dans lequel la transgression est nécessaire dans la fabrication d'un corps-identité"All along the visual representation, the female body became an experimental area where the subject's integrity was greatly overlooked. During the seventies, feminism goes with the upsurge in the aesthetic field of an excessive female which multiplies mediums, shows the dirty and reverts the suffering violence. As if to contradict her bad image, the only possibility was to return her creative movement against her own body. Is it to find in the primary shape of violence the founder act of her artist's status, where the gesture's insolence is the insurmontable part of creation ? Through plastic’s body and aesthetic’s violence, the work is focussed around questioning of this "woman evolution" in the contemporary art, on the intimate woman body which expresses the power of subjectivity where transgression is necessary for the workmanship of an "identity body"
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Sofio, Séverine. ""L'art ne s'apprend pas aux dépens des moeurs!" Construction du champ de l'art, genre et professionnalisation des artistes (1789-1848)." Phd thesis, Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS), 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00924488.
Full textAbstract:
L'objectif de cette thèse est d'éclairer l'évolution des conditions sociales de la production artistique au cours de la première moitié du XIXe siècle, à partir d'un point de vue particulier : celui de la place qu'y occupent les artistes femmes. En d'autres termes, nous montrons les liens et les influences réciproques qui ont pu exister, à cette époque, entre les mutations du monde de l'art - en l'occurrence, sa transformation progressive en champ autonome et la professionnalisation de l'activité artistique qui s'actualise alors à travers la centralité du Salon dans les structures institutionnelles et dans les carrières des artistes - et les modalités de sa féminisation, qui s'avère alors tout à fait exceptionnelle.
Books on the topic "Artistes et modèles dans l'art"
1
Tracey, Warr, and Jones Amelia, eds. The artist's body. Phaidon, 2000.
2
La main et le pied: Forme, proportion, geste et action. De Vecchi, 2006.
3
Femmes et images. Presses universitaires du Mirail, 2004.
4
Diderot, Denis. Ecrits sur l'art et les artistes: Suivi de Diderot dans l'espace des peintres / Jean Starobinski. Hermann, 2007.
5
-, Saint-Jean Pierre 19, ed. Dans l'intimité des impressionnistes. Ed. de La Martinière, 2005.
6
1927-, Billeter Erika, Pierre José 1927-, Andrade Lourdes, and Musée cantonal des beaux-arts Lausanne., eds. La Femme et le surréalisme. Musée cantonal des beaux-arts Lausanne, 1987.
7
Grande, John K. Dialogues in diversity: Art from marginal to mainstream. Pari, 2007.
8
Beveridge, Karl. Making our mark: Labour arts and heritage in Ontario. Between the Lines, 1999.
9
Le portail de Santa Maria da Vitória Batalha et l'art européen de son temps: Circulations des artistes et des formes dans l'Europe gothique = O portal de Santa Maria da Vitória Batalha e a arte europeia do seu tempo : circulação dos artistas e das formas na Europa gótica. Textiverso, 2011.
10
Crossing borders through folklore: African American women's fiction and art. University of Missouri Press, 1999.
Book chapters on the topic "Artistes et modèles dans l'art"
1
Bureau, Sylvain, and Thomas Blonski. "Chapitre 7. Détourner pour mieux explorer ? Des avant-gardes artistes à la critique du management par l’Art Thinking." In L'entrepreneuriat dans les secteurs de l'art et de la culture. EMS Editions, 2021. http://dx.doi.org/10.3917/ems.horva.2021.01.0104.
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