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Dissertations / Theses on the topic 'Ateliers d'artistes – Dans l'art'
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1
Moquet, Patrick. "L'explicite et l'implicite dans la peinture en représentation." Aix-Marseille 1, 1998. http://www.theses.fr/1997AIX10073.
Full textAbstract:
Dans la premiere partie, l'etude de quelques oeuvres topiques ou le peintre se met en scene dans son atelier permet de relever un certain nombre de paradoxes. Dans l'atelier de vermeer et dans la lecon de peinture de matisse se decouvrent des ruptures et des decalages, tant du point de vue iconographique que plastique, opposant notamment les effets de profondeur et la planeite du tableau. Cependant la preoccupation essentielle de l'artiste demeure la recherche d'unite et de synthese. La seconde partie est consacree aux realisations plastiques personnelles. Le theme de l'atelier sans maitre associe aux recherches d'effets de discontinuite s'appuie sur l'utilisation du diptyque, du collage (photographies, tissus, toiles), de l'assemblage (integration de pots et du chevalet a l'oeuvre) de facon a mettre en evidence le processus de realisation des oeuvres et a affirmer le statut d'objet du tableau. Ni la representation du peintre au travail, ni la mise en evidence de la procedure technique ne permettent de rendre raison de l'evenement pictural. Il faut, pour atteindre aux caracteres essentiels de la peinture, considerer les agencements de la matiere comme un temps particulier et non comme lieu d'apparition d'une forme.
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Taffanel, Jacky. "L'Atelier du chorégraphe." Paris 8, 1994. http://www.theses.fr/1993PA080815.
Full textAbstract:
L'atelier du choregraphe produit des exigences de travail inherentes a son existence. C'est l'outil fondamental de la creation choregraphique. Il est vivant dans l'acte de "regarder" du choregraphe. Il s'agit d'interroger sa constitution et son evolution a partir de la pratique de l'ecriture choregraphique. Dans la premiere partie, une etude des choregraphies creees depuis dix ans avec une compagnie professionnelle est menee : cela met en evidence l'evolution constante du regard du choregraphe, confronte aux choix a operer lors des improvisations des danseurs, en meme temps qu'a la necessite de maintenir vivant l'espace de l'apparition d'une matiere choregraphique qui "appelle" l'oeil. Ce cheminement permet de decouvrir les dynamismes operants des paradoxes qui traversent l'atelier. Ils sont approches dans la deuxieme partie au travers des relations complexes que le regard instaure avec le temps, avec la memoire et l'oubli, avec les qualites haptiques des interpretes dans l'espace. L'existence d'un espace ou "tout n'est pas joue d'avance" est vitale pour la creation. Cela exige des interpretes une demarche particuliere qui est observee dans la troisieme partie. Comment la corporeite dansante tisse t-elle l'espace de creation necessaire a son emergence?The choreographer's workshop is the result of the various demands that go to make up her existence. It is the fundamental technique in the creation of a choreography. It is present in the choregrapher's way of "looking". It is a question of asking what has gone into making her, and how she has involved in the way in which she writes choregraphy. In the first part she carries out an anlysis of those choreographies she has created with her professional troupe over the last ten years : this point up the constant evolution in the way she "sees", being perpetually obliged to choose between the dancer's improvisations, and at the same time keeping the area which attracts the eye, in which the choreography is actually realized, alive. This approach encourages the development of the various tensions arising from the paradoxes that are integral part of the workshop. In the second part we approach the paradoxes through the complex relationships which "seeing" has with "time", "memory" and "forgetting" and with the haptic qualities of the artists in space. The existence of a space in which the die is not yet cast is vital to creation. It needs a particular approach on the part of the dancers which is best seen in the third part. How does the physical nature of the dancing body weave a space essential to creation ?
3
Peret, Amélie. "L'atelier nomade ou L'euphorie de la création." Amiens, 2007. http://www.theses.fr/2007AMIE0019.
Full textAbstract:
Le terme d’Atelier Nomade s’applique à un art entendu comme moyen d’investigation du réel : comment trouver autour de soi, dans l’environnement proche, les éléments et la matière nécessaire pour la création. Ma pratique traite davantage du processus de formation que de la forme. Avec des techniques de cuisson rudimentaire et les matériaux verre et terre, il a était mis en place un principe d'autoformation de la Matière. Ce processus est révélateur d’une transformation de la perception d’une mouvance de valeurs. J’ai examiné cette mouvance dans la sédentarité sur une période d’un peu plus de deux ans puis au cours d’un atelier nomade de France au Niger en vélo sur une période de neuf mois et en décembre 2005 au Burkina-faso. Le questionnement fondamental de cette recherche participe d’une connaissance accrue de la matière verre et terre orienté vers la thèse d’une expérience démiurgique de l’artiste au sein de l’atelier nomade qui, par un transfert ou plutôt un « trans-faire » de l’ordre de l’extase, le conduira vers une euphorie possible et un objet personnifié. La pratique artistique réside alors dans le processus de révélation où l’expérimentation devient une matrice où se pense et se crée l’œuvreThe terms Nomadic Workshop applies to an art as a way of investigating the reality : how to find around oneself in a nearby environment the materials and elements needed for a creation. My practice worries more about the creation process rather than the form itself. With rudimentary firing techniques applied to the glass and clay materials; a principle of self forming of material has been elaborated. This process reveals the transformation of the perception of changing values. I examined these changes during a two years period of sedentariness, then during a Nomadic workshop from France to Niger cycling during nine months, and finally in Burkina Faso in December 2005. The fundamental question of this research passes through an increased knowledge of the clay and glass materials aimed to a demiurgic experience of the artist within the nomadic workshop. By the meaning of a transference of perception through the work of the hand (trance-make) very close to ecstasy, this will lead the artist towards a possible euphoria and a personified object. The artistical process resides then in the revelation process in which the experimentation becomes the matrix where the work of art is thought and created
4
Bortoli, Gilbert. "L'atelier de saint Luc et ses métamorphoses." Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010576.
Full textAbstract:
De Roger Van der Weyden, vers 1435, jusqu'à Balthus, en 1980-1981, les peintres se sont représentés à l'ouvrage dans leur atelier ou dans tout autre lieu intérieur, voire extérieur. A l'origine saint Luc, médecin, évangéliste et premier peintre de l'ère chrétienne selon une tradition émergeant à Byzance au sixième siècle, s'attache à reproduire les traits d'un modèle prestigieux, la Vierge Marie. Au début du seizième siècle Apelle, autrefois peintre officiel d'Alexandre le Grand, accompagne puis remplace Luc dans l'imaginaire des artistes. Il est le plus souvent représenté faisant le portrait de Campaspe, favorite du souverain, que ce dernier offre à l'artiste qui en est tombé profondément amoureux. Dans le sillage de ces deux références, la scène représentant un atelier profane ou un quelconque lieu de pose se renouvelle en permanence jusqu'à la fin du siècle dernier. Au premier degré, elle rend compte d'un simple exercice, parfois coloré de libertinage ou d'érotisme; elle est aussi le théâtre de la vie d'artiste. Au second degré, cette représentation véhicule les pouvoirs de la peinture, soit en évoquant certains sentiments éprouvés par les peintres, soit en manifestant leurs ambitions. En compagnie d'autres éléments valorisants (textes littéraires, autoportraits, allégories, récits de la faveur des Grands, maisons privées prestigieuses, protection des dieux de l'Olympe), l'image de l'atelier du peintre s'affirme donc comme un moyen privilégié pour exalter les talents de l'artiste, l'éminence de son art et plus généralement la gloire du peindre.
5
Wahnoun, Carole. "Poétique des écrits théoriques d'artistes : l'énonciation dans les discours d'artistes contemporains sur l'art : hypothèses d'une "inter-artisticité"." Paris 8, 2007. http://www.theses.fr/2007PA083028.
Full textAbstract:
Ce travail vise à étudier la poétique d'écrits théoriques d'artistes contemporains. La poétique est entendue selon l'acception donnée par Henri Meschonnic qui confère un rôle déterminant à la subjectivation dans le langage. Dans ce sens, sont étudiés la place et les enjeux de l'énonciation dans les écrits sur leurs pratiques artistiques de Marguerite Duras, Dan Graham et Yvonne Rainer. Ces trois artistes, outre le fait de penser par écrit la démarche artistique, ont pour point commun d'articuler différentes pratiques artistiques. Pour chacun d'eux, le discours théorique sur leurs pratiques interroge leur démarche créatrice et leur position d'auteur. En se fondant sur l'étude de l'énonciation dans ces textes, il s'agit de conceptualiser la notion d'inter-artisticité considérée d'une part comme le point d'appui, le lieu dans le discours de l'articulation de différentes pratiques artistiques, d'autre part comme ce qui est dit d'une pratique artistique par le discours théorique produit sur elle. Cette notion est replacée dans le contexte de la relation entre les arts ainsi que dans les contextes de l'œuvre et des écrits théoriques des artistes de ce corpus. A travers certains écrits de Meschonnic et de Foucault est analysée la manière dont une pensée du politique peut impliquer cette notion d'inter-artisticité. Ceci, afin de dégager les différentes positions possibles quant à la place et au rôle du discours sur l'art dans le contexte social et politique à l'intérieur duquel il s'inscrit. Les écrits d'Henri Meschonnic et de Michel Foucault sont ainsi mis en regard dans le but de spécifier, à partir de l'énonciation, les statuts du politique dans le langageThis work aims at studying poetics in the theoretical writings of some contemporary artists. Poetics is to be understood as defined by Henri Meschonnic, who assigns a decisive function to subjectivation in language. This work examines the place and question of enunciation in the writings of Marguerite Duras, Dan Graham and Yvonne Rainer, when dealing with their artistic practices. These three artists write about their artistic processes, while linking several of them together. For each of them, their theoretical views of their practices question their very artistic processes and their position as authors. Starting from the study of enunciation in these texts, the purpose is to conceptualize the notion of inter-artisticity which is considered, on the one hand, as the place in their discourses where the different practices interconnect and, on the other hand, as what the theoretical views reveal about a given artistic practice. This notion falls within the context of the relationship among the various arts, and that of the works and theoretical writings of the writers studied here. Through some of Foucault's and Meschonnic's writings, we have analyzed how a thought about politics can include this notion of inter-artisticity. In this way, we have identified the various positions of the place and function of the artistic discourse in the social and political context in which it appears. Henri Meschonnic and Michel Foucault are confronted in order to specify the status of politics in language, through an analysis of enunciation
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Corbel, Laurence. "La relation critique dans l'art contemporain : le discours de l'art." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010608.
Full textAbstract:
Depuis le milieu du XXe siècle, le centre de gravité de la réflexion esthétique s'est déplacé des discours théoriques et critiques produits dans les domaines de l'esthétique, de l'histoire et de la critique d'art vers des discours pluriels aux formes hétérogènes élaborés par les artistes eux-mêmes. Une part importante de la pratique artistique se construit ainsi dans le refus de plus en plus radical de se laisser approprier par un discours qui prétendrait dire à la place des intéressés la vérité de l'art. Par cette expression de « discours de l'art», nous désignons l'ensemble des textes produits par les artistes. C'est ce discours qui, dans ses formes variées, est saisi comme fil conducteur d'une analyse de l'art des années 1960, inspirée par la méthode archéologique de Michel Foucault, dont l'horizon est la mise en relation des modalités d'énonciation qui accompagnent la pratique de l'art, des formes de visibilité des oeuvres et de leurs modes de réception. Indissociable d'une activité artistique, ce discours, analysé à travers un corpus d'écrits sélectionnés, a une portée à la fois spéculative et pratique dont nous avons articulé les caractéristiques dans un paradigme désigné et défini comme « relation critique ». Il s'agit ainsi d'examiner ce qui définit ce discours de l'art, de mettre en lumière sa spécificité au regard des discours sur l'art, de dégager les enjeux de la pensée artistique qui s'y développe et d'interroger le statut de ces textes et leur portée au regard de la philosophie de l'art.
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Troude, Bernard Charles Marie. "Les déchets dans l'art contemporain : structure des matériaux : structure d'une société d'artistes contemporains." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010622.
Full textAbstract:
Cette recherche est en quatre thèmes : les matériaux, organiques ou non, les artistes et leurs comportements, les langages artistiques avec les évènements et strucutures de sociétés au quotidien, enfin la matérialité et les particularismes. Nous étudions dans ces prospections comment les maîtres d'oeuvres ont été conduits à utliser les déchets et le rassemblement des altérations de notre consommation : ce pouvoir de représentation d'une sociologie évidente. Parler des intentions qualifie sûrement à se définir sur les intuitions. Les instincts émergent des travaux à cataloguer, à classifier. Sur ceux-ci nous devrons porter un jugement. Ces images, symboles du passé, du présent et symboles de découvertes des avenirs sont révélatrices de toutes nos contingences. Les réalités sont difficiles à décrypter de leur représentations. Le déchet, au travers de ses symptômes visuels plastiques, artistiques, sera désigné comme la notion et l'aphorisme incontestable de l'achèvement.
8
Lee, Inseong. "L'influence de l'art dans la mode des années soixante." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010699.
Full textAbstract:
L'art contemporain insiste sur la simplicité de la forme et la pureté des couleurs tout en cherchant à étendre son champ d'application à travers le développement de nouveaux matériaux. Depuis le début du vingtième siècle, l'art plastique s'est développé dans de multiples directions, exerçant ainsi une influence directe et indirecte sur les éléments créatifs de la mode qui sont la forme, la matière et la couleur. Dans cette thèse, nous avons étudié les courants artistiques qui ont eu une forte influence sur la création de la mode, autour des années soixante : l'influence du pop art sur la forme de la mode, la relation entre le développement scientifique, l'art plastique et la matière de la mode, l'op art, la culture du lsd, et l'art psychédélique qui ont influencé la couleur des vêtements et la mode hippie. Nous avons également essayé de montrer le développement de la mode en fonction de ces différents courants à travers nos propres création de mode, ainsi, nous avons tenté d'explorer de nouvelles possibilités et de développer une approche créative appelée "l'art plastique de la mode" qui témoigne d'une personnalité particulière et de valeurs artistiques.
9
Sánchez, Filomeno Blanco Monteverde Laura. "Naturalia-artificialia, l'art baroque mis en oeuvre dans une pratique artistique contemporaine." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010636.
Full textAbstract:
Ce travail de thèse est le fruit d'un cheminement de recherches tant théorique que pratique en tant que plasticienne et qui reflète une quête d'identité. Travaillant à partir de substances résiduelles qui représentent ma matière première comme les cheveux, les ongles, la peau, je me sers des techniques anciennes comme la broderie et la dentelle. Dans ma production artistique, je cherche à donner une deuxième existence à ces résidus, une nouvelle forme de perpétuation de notre matière. Mon intention est de camoufler sa provenance et de créer des oeuvres qui sont pourvues d'un nouveau sens, d'une nouvelle beauté. Mais la découverte de l'origine de ma matière première dévoile le côté caché de ma recherche artistique, celle de la mort, de la falsification et de la tromperie. Je m'interroge aussi sur l'hybridité dans mon oeuvre à travers la réflexion sur le baroque latino-américain. Je m'intéresse à la beauté impure, à la merveille et à la notion d'imperfection que l'on trouve dans les cabinets de curiosités. Dans cette thèse, différents concepts se mêlent comme un tissage, démontrant mon dessein d'explorer des questionnements qui sont à la fois paradoxaux et complémentaires, de voir les deux « côtés du miroir» comme celui de l'attirance et de la répulsion, le sublime et l'obscène, le sacré et le profane, qui reflètent le constat d'une dualité présent dans toute ma recherche plastique
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BERTRAND, SYLVAINE. "Contribution à l'étude de la sculpture au XVe siècle : l'élaboration des oeuvres dans les ateliers bourguignons." Dijon, 1997. http://www.theses.fr/1997DIJOL026.
Full textAbstract:
Premièrement, une classification s'organise autour de l'importante statuaire bourguignonne sous forme d'analyse typologique. Cette analyse, en établissant la nuance entre notion de type et notion de style, tente de dénouer l'ambiguïté reconnue d'un style dit bourguignon, au sein duquel, pourtant, s'intègrent plusieurs styles distincts. L'aspect typologique de l'étude met en valeur les principes sériels de production des ateliers, et introduit l'analyse des systèmes de reproduction. La question des modèles en deux ou en trois dimensions est abordée. Dans le cadre des séries typologiques, le dessin semble avoir été le modèle le plus pratique et le plus plausible, vu l'extension géographique de certaines séries. Au demeurant, comme il n'existe jamais de copie conforme dans les séries, et comme, d'autre part, on remarque la récurrence de certains motifs, visiblement réutilisables, sans doute les modèles étaient-ils utilisés de manière fractionnée. Dans le cas de copies à l'identique, le recours à la maquette tridimensionnelle peut être envisagé. Le portrait, enfin, est abordé dans le contexte ducal dijonnais. La troisième partie replace l'activité des ateliers ducaux dans son contexte vivant elle établit la distinction entre une première époque florissante et l'époque tourmentée qui suit la mort de Philippe Le Hardi en 1404. Dans la première période, on relève dans les ateliers de Jean de Marville et de Claus Sluter, une activité intense, hiérarchisée et régulière, détaillée dans les comptes ducaux. Dans la seconde période, les chefs sculpteurs, Claus de Werve, Jean de la Huerta, Antoine le Moiturier, souffrent d'un manque de régularité des paiements et d'une situation précaire. Mais celle-ci s'accompagne d'une ouverture de la sculpture dijonnaise sur la Bourgogne dès le premier tiers du XVe siècle, avec la fin de l'exclusivité du service ducal. Cette ouverture sur la Bourgogne, qui implique le développement de divers courants issus des milieux dijonnais, donne lieu à une analyse stylistique qui tente de distinguer les influences successives des sculpteurs ducauxFirst, a classification settles down around the important Burgundian statuary, in the form of a typological analysis. This analysis, establishing the nuance between notion of type and notion of style, attempts to clear up the allowed ambiguity of a so-called Burgundian style into which, however, many separate styles are combined. The typological sight of this study shows the serial principles of the workshop's production, and introduces the analysis of reproducing systems. Two- and three- dimensional models are in question. Within the framework of typological series, drawing seems to have been the more useful and plausible model, considering the geographical extension of many series. Moreover, as there is no identical copy inside the series, and as, on the other hand, there is a real recurrence of certain patterns, manifestly re-employable, no doubt that models were used in fractional way. In case of identical copies, there can be considered the use of three- dimensional models. The portrait, finally, is analyzed in the ducal context of Dijon. The third part replaces the activity of the ducal workshops in its living context. It makes the distinction between a prosperous first age, and the distorted age following the death of Philip the Bold in 1404. In the first period in the workshops of Jean de Marville and Claus Sluter, there is an intensive, hierarchical and regular activity that is detailed in the ducal accounts. In the second period, the workshop's chiefs, Claus de Werve, Jean de la Huerta, and Antoine le Moiturier, suffer from no regular payments, and from a precarious situation. On the other hand, this situation means the opening of the sculpture from Dijon on Burgundy since the first third of the XVth century, at the same time of the end of their exclusive ducal service. This opening on Burgundy, that involves the development of varied streams descended from the dijoner circle, brings to a stylistical analysis that attempts to distinguish the successive influences of the ducal sculptors
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Corbin, Jean-Claude. "Réflexion, réfraction, réversibilité : trois aires d'expansion topologique de la matière plastique noire." Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010702.
Full textAbstract:
À partir de ces trois concepts et en liaison avec mes recherches plastiques et notamment des notions de matière et de la lumière noire, il s'agissait d'énoncer, de poursuivre, puis d'accéder à une expansion du champ topologique de la matière plastique noire. Et plus particulièrement il s'agissait de démontrer, à partir de mes travaux plastiques, la nécessité d'un croisement de différents champs plastiques et scientifiques. Si, dans l'oeuvre de Gloria Friedmann il y a une dichotomie entre nature et culture, pour ma part, j'ai tenté de faire la synthèse à partir de trois domaines de recherche : microscope, géologie et astronomie entre la matière plastique noire, elle-même synthétique, et le vivant. Par interaction et liaison entre les domaines culturel (les "sculptures"), naturel (les sites) et scientifique (la chimie organique avec le P. M. M. A. (le polymethacrylate de methyle), la géologie et la tectonique des plaques, l'astrophysique avec les pulsars et les trous noirs, et la bioastronomie avec les P. A. H. (molécules polycycliques aromatiques hydrocarbonees). Ces dernières lient l'ensemble dans un tout : la mémoire virtuelle de la matière plastique. C'est donc autour de cet axe que gravite l'ensemble de ma recherche plastique : du domaine pictural (au sol), au domaine sculptural (aux murs) par l'intermédiaire de mes installations, couvrant l'ensemble de l'espace topologique des lieux eux-mêmes, sans discontinuité, vers une extension de ces champs. De l'espace restreint des microphénomènes, à l'espace étendu des phénomènes cosmiques, grâce à une triple vision : télé-vision, di-vision et pré-vision, dont l'objectif est de restituer une vision nette au loin par un retour à la nuit noire et à la mémoire.
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Henderiks, Valentine. "Catalogue critique de l'oeuvre d'Albrecht Bouts et les pratiques de son atelier." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2009. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/210361.
Full textAbstract:
La thèse a pour objet d’établir le catalogue critique de l’œuvre d’Albrecht Bouts (1451-55 / 1549). Fils de Dirk Bouts (1410-1420 / 1475), peintre officiel de la ville de Louvain, Albrecht et son frère aîné, Dirk le Jeune (1448 / 1491), héritent de l’atelier de peinture à la mort de leur père. L’œuvre de l’aîné reste très controversée, aucun tableau ne pouvant lui être attribué avec conviction. Il en est autrement du puîné, Albrecht, à qui la paternité du Triptyque de l’Assomption de la Vierge des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique peut être donnée avec beaucoup de vraisemblance. Le corpus de son œuvre, établi, en 1925, par Max J. Friedländer et, en 1938, Wolfgang Schöne, autour de ce retable autographe, comprend un nombre important de peintures. Ce catalogue n’a, toutefois, jamais fait l’objet d’une révision par les historiens de l’art. Seules quelques peintures ont été publiées de manière ponctuelle. Devant l’abondance des tableaux attribués au peintre, il convenait donc de réaliser une étude fondamentale afin de distinguer ses propres créations de celles de ses collaborateurs.La thèse se compose de cinq chapitres. Le premier établit une biographie complète, sélective et chronologique, se basant sur les sources livrées par les archives de la ville de Louvain. Leur interprétation critique renouvelée et enrichie livre ainsi de nombreux arguments pour mieux définir l’individualité d’Albrecht Bouts et justifier le développement de sa carrière.
Le second chapitre concerne l’étude de l’œuvre d’Albrecht Bouts et débute par un examen approfondi de la seule peinture au caractère autographe reconnu, le Triptyque de l’Assomption de la Vierge. L’examen combiné du style et de la technique d’exécution de cette œuvre de maturité du maître permet de mettre en exergue les influences de Dirk Bouts et d’Hugo van der Goes et de définir la personnalité artistique singulière d’Albrecht Bouts. Suite à cette analyse, le catalogue de son œuvre est reconstitué de façon linéaire, depuis sa genèse jusqu’à son terme. Chacune des peintures qui lui sont attribuées est ensuite étudiée de façon chronologique et détaillée, précédée d’une notice technique préliminaire reprenant les données matérielles et bibliographiques, dans le cinquième chapitre consacré au catalogue raisonné.
La révision du corpus de l’œuvre d’Albrecht Bouts est fondée sur un travail d’attribution reposant à la fois sur l’approche stylistique traditionnelle et sur les résultats fournis par les documents de laboratoire. Une importante documentation photographique et technologique des œuvres, dont certaines inédites, a ainsi été rassemblée et sa confrontation constitue un support essentiel à la démonstration.
Le troisième chapitre propose, à partir des hypothèses émises à propos de la biographie et du catalogue des œuvres d’Albrecht Bouts, une analyse de la production de son atelier, particulièrement intense à partir de la première décennie du XVIe siècle. Dans cette partie, l’objectif n’est pas d’établir un exposé circonstancié et complet de chaque peinture abordée, mais plutôt de rassembler des groupes cohérents d’œuvres, également fondés sur une approche combinée du style et de la technique d’exécution. Un même principe de renvoi aux notices dans le catalogue raisonné est adopté.
Enfin, le quatrième chapitre est consacré à la réalisation en série d’œuvres de dévotion privée dans l’atelier du maître. De nombreuses généralités et quelques études ponctuelles ont préparé le terrain, annonçant l’importance de ce phénomène sans, toutefois, en mesurer l’ampleur. C’est pourquoi, nous lui accorderons une investigation la plus exhaustive tant sur les pratiques en vigueur dans l’atelier, que sur l’iconographique et le contexte socio-économique de la création de prototypes par Albrecht, dans la foulée de l’héritage des modèles paternels.
Ainsi, ce travail permettra de mieux cerner la personnalité d’Albrecht Bouts, de retracer son individualité artistique, mais aussi de réévaluer la participation de son atelier, afin de rétablir chacun de ces éléments à leur juste place au sein de la peinture flamande de la fin du XVe siècle et du début du XVIe siècle
The subject of the thesis is to establish a critical catalogue of Albrecht Bouts’ (1451-55/1549) work. Son of Dirk Bouts (1410-1420/1475), official painter to the city of Leuven, Albrecht and his elder brother, Dirk the Younger (1448-1491), inherited their father’s workshop after his death. The work of the elder son, Dirk the Younger, is still a discussed topic since no painting could be attributed to him with certainty. It is quite different for Albrecht who is the likely author of the Tryptich of the Assumption of the Virgin from the Musées royaux des Beaux-Arts of Belgium. The corpus of his work, established in 1925 by Max J. Friedländer and in 1938 by Wolfgang Schöne based on this autograph altarpiece, includes an important number of paintings. This catalogue has however never been revised by art historians since then. Only some paintings have occasionally been published.
Considering the high number of paintings attributed to the master, there was a need to undertake a deeper study in order to distinguish Albrecht Bouts’ own creations from those of his workshop.
The thesis is divided into five chapters. The first one includes a complete, selective and chronological biography of the master, based on the data found in the archives of the city of Leuven. A newly enriched critical interpretation of these documents has allowed a better definition of Albrecht Bouts’s personality and a clearer understanding of the development of his career.
The second chapter is devoted to the study of the master’s work and starts with an in-depth examination of the Tryptich of the Assumption of the Virgin, the only painting recognized as an autograph work. The combined examination of the style and the technical execution of this altarpiece, painted during the mature period of his career, underlines both the influences of Dirk Bouts and Hugo van der Goes and helps to display his original artistic personality.
From there, the catalogue of his work is re-established, in the last chapter, from the very beginning to the end of his working life. In the last chapter devoted to the catalogue, each painting attributed to the master is carefully studied, on a chronological basis and in details, with an introductive technical note giving material as well as bibliographical information.
The review of the corpus of Albrecht Bouts’ work is based on a traditional stylistic approach and on the results given by laboratory documents. An important photographical and technological documentation of his works – some of them unpublished until now- has been gathered. Their comparison brought forward essential arguments on which our demonstration is based.
The third chapter, which builds on the two first ones, consists of an analysis of Albrecht Bouts’ workshop production, which was particularly active at the beginning of the XVIth century. The purpose was not to study thoroughly each painting but to extract coherent groups of works thanks to the same combined examination of style and technique. Like the master’s autograph work, each painting is subject to a careful study in the critical catalogue.
Finally, the fourth chapter is dedicated to the serial production of private devotional works carried out in the master’s workshop. There were already many general writings and some occasional studies on the subject, but none of them really measured the importance of the mass production. We therefore undertook a deep and thorough research on the workshop practices ,on the iconography and on the social-economical context of the realisation of works by Albrecht following the prototypes created by his father.
The thesis contributes to a better knowledge and understanding of the life, the personality and the work of Albrecht Bouts and re-evaluates the participation of his workshop. This will give to each of these elements its proper place in the Flemish Masters Painting of the end of the XVth and the beginning of the XVIth centuries.
Doctorat en Histoire, art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished
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Besson, Françoise. "Le paysage pyreneen dans les oeuvres d'ecrivains et d'artistes britanniques du dix-neuvieme siecle." Toulouse 2, 1994. http://www.theses.fr/1994TOU20012.
Full textAbstract:
Le but de cette these est d'etudier les differentes perceptions du paysage pyreneen dans les oeuvres d'ecrivains et d'artistes britanniques du dix-neuvieme siecle. La representation du paysage pyreneen est analysee dans un certain nombre de recits de voyages, de romans et de nouvelles, de poemes, ainsi que dans des tableaux et des gravures. Une premiere partie est consacree a l'influence des references culturelles et des souvenirs britanniques sur la perception du paysage par le voyageur. Une analyse de la decouverte fragmentaire du paysage naturel conduit ensuite a une etude de l'utilisation du monde vegetal et du monde animal dans la representation esthetique des pyrenees. La troisieme partie s'attache a demontrer l'importance de l'observation du monde humain dans la decouverte du paysage. Allant du regard esthetique et historique porte sur l'architecture au regard ethnologique porte sur l'homme, cette partie veut demontrer l'interet des voyageurs britanniques pour la vie locale et leur approfondissement du paysage dans le regard porte sur l'homme. Un dernier chapitre etudie dans cette partie le lien entre le paysage et la langue. Le role du paysage dans sa relation a l'ecriture est aussi analyse et fait l'objet d'une quatrieme partie dans laquelle sont etudies le roman "gothique" ainsi qu'un certain nombre d'autres oeuvres de fiction, d'oeuvres poetiques ou autobiographiques. Dans la derniere partie de cette these, est etudiee la revelation et spirituelle du paysage telle qu'elle est percue par les voyageurs britanniques. Le regard religieux et l'attitude du voyageur devant les montagnes sont analyses dans cette partie ainsi que la quete du montagnardThe aim of this thesis is the study of the pyrenean landscape as seen by british artists pyrenean landscape are analysed in travel books, novels, short stories, poems as well as paintings and engravings. The first part deals with the influence of cultural references on the travellers' perception of the pyrenean landscape. In the second part, the role of the gradual identification of the vegetable and animal worlds and their function in the aesthetic representation of the pyrenees are exposed. The third part is devoted to the discovery of the pyrenean landscape through the observation of the human world. From the aesthetic and historical observation of architecture to the ethnological perception of pyrenean life, those chapters illustrate the role of the human world in the perception of the landscape. And the link between the landscape and language is analysed at the end of this part. In the fourth part of this thesis, the role of the landscape in poetry and fiction, particularly in gothic novels, is analysed. One chapter explains how some of these writers have used the pyrenean landscape in the structure of their works. Finally the last part deals with the spiritual revelation of the pyrenean landscape for those travellers. The traveller's attitude in front of the mountain, the religious perception of the landscape as well as the mountain-climber's quest are analysed in that part
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Schvalberg, Sophie. "Des marbres d'Elgin à la Dame d'Auxerre : le modèle grec en débat dans l'art français au XIXe siècle (1815-1908)." Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100185.
Full textAbstract:
Le modèle grec dans l'art français du XIXe siècle connaît une lente mutation, entre les présupposés néoclassiques en vigueur jusqu'à la Restauration et le nouveau classicisme à l'aube du XXe siècle. Dans cette évolution des normes et de l'enseignement de l'art, que les peintres et les sculpteurs contribuent à remodeler, l'archéologie joue un rôle fondamental. Avec l'affaire Elgin sur les marbres du Parthénon, avec le débat sur la polychromie antique, jusqu'à l'entrée dans les musées d'œuvres d'art grec archaïque et cycladique, on peut mesurer à la fois la résistance et la crise du modèle classique idéal et l'émergence du modèle archaïque en peinture et en sculpture. Dans les trois domaines ainsi entrecroisés (savoir scientifique, création artistique et théorie de l'art), des personnalités incarnent les positions successives de l'institution académique et de sa contestation : Quatremère de Quincy, David d'Angers, Ingres, Hittorff, Papety, Daumier, Beulé, Schliemann, Rodin, BourdelleThe Greek model in 19th century French Art bears a slow mutation, from the neoclassical doctrine still alive in 1815 at the fall of Napoleon Ist until the new classicism at the turn of the 20th century. In this evolution of artistic standards and education, which painters and sculptors tend to reshape, archaeology takes a central role. With the Elgin affair about the Parthenon marbles, with the debate on classical polychromy, until the integration of archaic and cycladic greek artworks in museums, it is possible to assess the strength and the crisis of the classical idealistic model and the simultaneous rise of an archaic model, both in painting and in sculpture. At the three levels that interfere here (scientific knowledge, artistic creation and art theory), some figures embody various stances of the academic establishment and its reappraisal : Quatremère de Quincy, David d'Angers, Ingres, Hittorff, Papety, Daumier, Beulé, Schliemann, Rodin, Bourdelle
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Jakobi, Marianne. ""L'art s'adresse à l'esprit, et non pas aux yeux" : les titres dans l'oeuvre de Jean Dubuffet (1901-1985)." Paris 1, 2001. http://www.theses.fr/2001PA010628.
Full textAbstract:
Cette recherche propose un cheminement dans l'oeuvre de Jean Dubuffet (1901-1985) par le biais des titres de ses oeuvres - dix mille trois cent soixante dix-huit titres intermédiaires et définitifs - dont nous avons souhaité mettre en évidence la place et la fonction en tant qu' écriture spécifique dans sa pratique artistique. Personnalité ambigue͏̈ et paradoxale, Dubuffet parvient à s'imposer comme écrivain dans le champ artistique et en même temps comme peintre dans le champ littéraire grâce à des stratégies savamment orchestrées où les titres jouent un rôle capital. A la jonction de la production et de la réception des oeuvres, ils constituent un enjeu essentiel pour la compréhension de son travail d'artiste et d'écrivain car ils sont les expressions les plus immédiates et les plus condensées de l'acuité critique de Dubuffet. Ce dernier, en proposant un nouveau découpage du monde réel et du monde imaginaire, s'impose comme le premier interprète de son oeuvre au moyen les titres qui sont un point de rencontre et de collusion entre ses recherches sur les matériaux, sur les formes et sur le langage. Les titres permettent à Dubuffet de donner à voir la fabrication des oeuvres, notamment le cadrage, la couleur et les matériaux. Cependant, lorsque dans ses oeuvres plastiques il parvient à s'émanciper d'un rapport mimétique avec le monde qui l'entoure, les titres viennent rappeler les traces indélébiles du savoir: ils laissent transparaître ce qu'il doit à la " culture " et sa manière de la traduire en mots, mais aussi son esprit de provocation, de contestation des valeurs consacrées. Les titres sont moins une clé d'interprétation de l'oeuvre que le signe de tensions entre les mots et l'image et entre la genèse et la réception des oeuvres.
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Troche, Sarah. "Le hasard comme méthode : pratiques et théorisations de l'aléatoire dans l'art et la musique du XXe siècle." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010675.
Full textAbstract:
Ce travail de recherche dégage les enjeux théoriques, pratiques et perceptifs de l'inscription méthodique du hasard dans l'art et la musique au XXe siècle. Distinct du paradigme de l'accident ou de l'esthétique de l'informel. Le hasard est ici envisagé comme un moyen, une discipline à part entière. Nous partons de l'analyse des œuvres, des méthodes et des textes d'une dizaine d'artistes et de musiciens, dont les figures principales sont André Breton, Max Ernst, Marcel Duchamp, Pierre Boulez, John Cage, François Morellet, pour penser le hasard dans sa dimension opératoire : élargir l'invention, explorer consciemment les données inconscientes, produire comme le rêve travaille, déconditionner la perception. Nous étudions les textes que les artistes ont consacrés à la pensée du hasard, en les resituant dans une perspective théorique élargie et en questionnant la façon dont les artistes se réfèrent à la philosophie. Comprendre ce qui est en jeu lorsque Cage assimile le hasard au silence, lorsque Duchamp met le hasard « en conserve» ou que Breton cherche à 1'« objectiver» suppose, dans chaque cas, de restituer un champ théorique qui permet à cette question de se déployer en dehors des oppositions entre ordre et désordre, maîtrise et non maîtrise, souvent associées au hasard. Les artistes étudiés font l'objet d'études de cas, qui sont regroupées au sein de trois paradigmes: altération des liens logiques et exploration de la mémoire : démultiplication des mises-en rapports, prolifération des données au sein de système clos : suspension des systèmes de référence et indétermination.
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Kellenberger, Sonja. "Pratiques artistiques et formes de la mobilisation politique dans la ville : une approche sociologique de quatre collectifs d'artistes-activistes à Paris et à Londres." Paris 10, 2004. http://www.theses.fr/2004PA100154.
Full textAbstract:
L'effervescence contestataire des années 90 s'accompagne, en France comme dans d'autres pays européens, de la réactivation d'une forme originale de l'engagement politique basée sur l'intervention artistique. La participation d'artistes avec leurs outils propres exacerbe les dimensions esthétiques de la mobilisation et révèle les enjeux contemporains de la démocratisation de l'art ainsi que le rôle de l'environnement urbain dans l'action collective. La recherche interroge ce phénomène dans ses dimensions artistiques, politiques et urbaines et leurs interactions à partir d'un travail de terrain investissant quatre collectifs d'artistes-activistes à Paris et à Londres. L'étude de collectifs hybrides permet de saisir les modes de mobilisation, de participation et d'organisation qui actualisent à la fois les pratiques militantes et artistiquesThe protest movements of the 90s comes along, in France as in other European countries, of the reactication of an original form of the political commitment based on the artistic intervention. The participation of artists highlights the aesthetic dimensions of the mobilization and reveals the contemporary stakes in the democratization of the art as well as the role of the urban environment in the collective action. The research interrogates this phenomenom in its artistic, political and urban dimensions and their interactions from an ethnographical work about four groups of activist artists in Paris and in London. The study of hybrid groups allows to understand the modes of mobilization , participation and organization which update the militant and artistic practices
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Lécuyer, Clotilde. "Recherche sur les ateliers de coroplathes aux époques hellénistique et romaine : production et diffusion des images de l'enfance en Méditerranée orientale." Poitiers, 2004. http://www.theses.fr/2004POIT5029.
Full textAbstract:
Cette étude porte sur l'ensemble des représentations d'enfants réalisées durant les périodes hellénistique et romaine, jusqu'au IIème s. Ap. J. -C. Environ, sur l'ensemble du bassin méditerranéen. Les figurines en terre cuite montrent des enfants seuls (bébés, garçons, filles) parfois accompagnés d’animaux, des groupes d’enfants ou encore des enfants avec une nourrice, un pédagogue ou un grammatiste. La recherche s'organise autour de trois axes principaux : - un axe iconographique qui propose un classement typologique des nombreuses représentations d'enfants. - un axe technique afin de situer les objets dans une série de production. Après un court rappel des techniques de fabrications des figurines en terre cuite, les filiations et leur diffusion éventuelle sont étudiées. - un axe thématique qui tend à replacer l'objet dans un contexte artistique, culturel et social et permet parfois d’en déterminer à la fois l'usage et la valeur symbolique. L'ensemble de cette analyse a comme objectif de permettre une meilleure compréhension non seulement des différentes représentations du thème, de ses modes de création et de diffusion, mais aussi de les éclairer grâce aux auteurs anciens, au contexte historique et culturel. Il s'agit ici de rapprocher certains éléments afin de faire surgir des similitudes, des différences, et de mettre en lumière un thème de production dont la richesse et la complexité sont évidentes. La diversification des analyses permet d'apporter certaines interprétations et de donner une vision plus complète du sujetThis study concerns all the representations of chidren produced in the Hellenistic era and at the beginning of the Roman era, up to around the second century A. D. , in all the Mediterranean contries. The terracotta figurines show children alone or with animals, or groupes of children, or children with a nurse, a pedagogue or a grammatist. This reseauch will concentrate on three main aspects : the iconographic aspect suggesting a typological classification of the various representations of chidren ; the technical aspect will allow us to place the objects in a production series. After a short reminder of the manufacturing techniques of the terracottas, their evolutions and possible spreading wil be studied ; the thematic aspect in which the figurine will be put back in its artistic, cultural and social context, and which will be enable us to find out both its use and symbolic value
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Boisset, Thermes Sandrine. "La sculpture en Savoie : ateliers, artistes et commanditaires à Chambéry et dans sa région : vers 1480 - vers 1530." Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2015. http://www.theses.fr/2015GREAH006.
Full textAbstract:
Malgré la rareté des sources à Chambéry et dans sa région, les critères d’existence d’un foyer artistique dans la ville et ses alentours au tournant des XVe et XVIe siècles peuvent être réunis. Un important corpus d'une quarantaine de sculptures produit au cours de quelques décennies entre 1480 et 1530 atteste l'activité locale de sculpteurs. L'analyse des œuvres permet de distinguer l'activité de plusieurs ateliers et d'envisager un mode de production. De nombreuses occasions d'échanges entre milieux artistiques chambériens, genevois et septentrionaux peuvent aussi être mises en lumière. Dans cet espace, autour de 1500, la présence d'une clientèle variée et un contexte religieux dynamique ont favorisé le développement d'un langage artistique originaleDespite the paucity of documentary evidence arguing in favour of the existence of much sculpting activity in and near Chambéry, the criteria needed to establish the presence of an artistic hub in the town and its vicinity at the turn of the XV and XVI centuries can be shown. The existence of a large body of sculptures, consistent both in style and iconography, produced over a few decades between 1480 and 1530, is testament to the activity of sculptors in the region. An analysis has led to identifying the activity of various artists' workshops, and to understanding of the way in which these works were produced. Many opportunities for contact between the art worlds of Chambéry, Geneva and Northern countries can also be identified. Within this space, a varied clientele as well as a dynamic religious context have supported the development of an original local artistic production
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Bretagne, Valérie. "Les Ateliers d'insertion par la pratique artistique (Adipa) : entre instrument d'insertion traditionnelle et source d'innovation sociale." Thesis, Nancy 2, 2007. http://www.theses.fr/2007NAN21014/document.
Full textAbstract:
La thèse porte sur l'intervention d'artistes dans les ateliers d'insertion sociale. Un ancrage théorique interactionniste permet de montrer en quoi le modèle traditionnel de l'insertion est déstabilisé par la présence d'artistes. Le matériau recueilli est d'ordre qualitatif. Les acteurs interrogés rassemblent des tribunitiens (porteurs de changement), des ambivalents (oscillant entre tradition et innovation) et des conservateurs (s'opposant au changement). La première partie montre en quoi les tribunitiens perturbent les valeurs et les normes de l'insertion traditionnelle. La seconde partie montre en quoi ils perturbent les pratiques et les modes de conduite. La troisième partie se centre sur le type d'innovation proposé par les porteurs du changement. Tandis que les ambivalents proposent le développement d'une insertion culturelle perçue comme un nouveau sas, les tribunitiens proposent l'émergence d'une insertion citoyenne. Mais si cette dernière proposition ouvre des alternatives à la statique du système, elle est aussi porteuse d'une forme utopique qui, si elle passait à l'état de pratique sociale légitime, pourrait renforcer le processus de marginalisation des bénéficiaires de l'aide socialeThe thesis relates to the intervention of artists in the workshops of social integration. A theoretical anchoring interactionnist makes it possible to show in what the traditional model of insertion is destabilized by the presence of artists. The material collected is of a qualitative nature. The questioned actors gather tribunitiens (carrying change), the ambivalents (oscillating between tradition and innovation) and of the conservatives (being opposed to the change). The first part shows in what the tribunitiens disturb the values and the standards of traditional insertion. The second part shows in what they disturb the practices and the modes of control. The third part is centered on the type of innovation proposed by the carriers of the change. While the ambivalent ones propose the development of a cultural insertion perceived like a new hopper, the tribunitiens propose the emergence of a citizen insertion. But if this last proposal opens alternatives to the statics of the system, it is also carrying a utopian form which, if it passed in a state of social practice legitimate, could reinforce the process of marginalisation of the recipients of the social assistance
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Whitney, William. "Van Eyck : la lumière et la couleur : la technologie et les techniques picturales à la cour de Bourgogne au XVe siècle." Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010522.
Full textAbstract:
L'image conçue par un peintre devient tableau quand elle est traduite en éléments matériels ordonnes sur une surface plane. Chez un peintre l'inspiration est déjà une première organisation du regard. Au XVe siècle, avant de peindre, l'artiste pensait, et avant de penser, il regardait. Ces trois étapes de la création picturale définissent les paramètres de cette thèse. Plus qu'un simple répertoire des matériaux employés par le peintre, une étude de la technique picturale doit prendre en compte tous les processus matériels et intellectuels mis en œuvre par le peintre depuis sa vision initiale jusqu'aux gestes matériels en passant par-là l'élaboration des idées et des images. À l'aide d'analyses scientifiques fondamentales, d'une méthodologie intrinsèque et à travers l'étude de deux tableaux de Van Eyck, tout en gardant le souci de placer leur construction picturale dans leur contexte d'origine, je souhaite montrer que les problèmes artistiques relatifs à la vision et a la forme qui semblent, au XXe siècle, des problèmes spécifiquement esthétiques, étaient au XVe siècle des problèmes scientifiques et techniques liés à la praxis du métierThe image conceived by a painter becomes a painting when it is translated into physical elements organized on a smooth surface. With the painter, his inspiration is already an organization of his vision. In the 15th century, before he began painting the artist thought, and before he thought he exercised his sense of sight. These three stages of pictural construction define the parameters of this thesis. More than a simple repertory of the products used by the painter, a study of the pictural technique must consider all of the procedures, both intellectual and material used by the painter from his inital vision thru the elaboration of his ideas and images to the final material gestures. With the aid of fundamental scientific analyses, an intrinsic methodologie and through the study of two paintings by Van Eyck, always trying to place their pictural construction in their original context, i have hoped to show that the artistic problems relative to form and vision which have been treated in the 20th century as solely aesthetic problems, were in the 15th century scientific and technological problems linked to the prazxis of the artist's craft
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Ayotte, Isabelle. "Là où je ne suis pas." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/27919/27919.pdf.
Full text
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Lai, Yi. "Poïétique du passage : continuités et dissemblances de la matière, en peinture et en photographie." Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010588.
Full textAbstract:
La matière joue un rôle déterminant dans l’œuvre d'art. L'existence réelle de l'artiste, des matériaux, dont il use et des oeuvres qu'il produit sera tenue ici pour admise selon la considération philosophique de Gilson, des tableaux comme des êtres. L'existence artistique d'une oeuvre d'art est coextensive à son être physique, ce qui affecte par conséquent l'existence esthétique. Nous partons d'une analyse physique des matières travaillées et des faits, en peinture et en photographie. Ces « substances matérielles » qui sont les véhicules des oeuvres d'art, sont envisagées dans un regard de leur présence ambivalente (entre image et objet). L'approche du matériau se situerait au niveau d'une matière déplacée où un art en transforme un autre dans sa région de dissemblance constituant I' essentiel de ce que I' on nomme l'interprétation. Une inter-operalité et une trans-operalite des ouvrages permettent d'exprimer une critique de l'art dans la pratique de l'art même et l'interprétation devient ouvrage. Cette inter-artisticité et inter-operalité des ouvrages fonctionnent ici par contiguïté, qui cultive à la fois la rupture et Ie passage. Ces principaux concepts, qui sont les articulations de la théorie, concordent tous, en somme, avec la notion de continuités et dissemblances de matières. La peinture et la photographie se sont consacrées ainsi a la matière en ses qualités pertinentes
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Garcia, Cely Lorena. "Les écrits d’artistes dans les revues d’art entre 1957 et 1967 : la contribution des artistes à la configuration de l'art contemporain." Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2019. http://www.theses.fr/2019PA080056.
Full textAbstract:
Parmi les traits significatifs de l’art depuis la fin des années cinquante, setrouve un nombre considérable d'écrits d’artistes publiés au sein de revues d’art.Interrogeant les périodiques artistiques publiés à New York et à Paris entre 1957 et 1967, l’intérêt est de soulever l’importance de ces textes d’artistes quant à l’émergence de l’art contemporain. Certains s’inscrivent dans des formats journalistiques ; d'autres ont une manière libre de composition faisant appel à des catégories littéraires ou suivant les formes académiques de l’essai et de la dissertation académique. À ceux-ci viennent s’ajouter de nombreux travaux ayant le statut d’oeuvre d’art. Cette diversité tant formelle que conceptuelle amène à nous questionner sur la spécificité de ces écrits au sein des revues : si plusieurs textes sont à mi-chemin entre la critique et la littérature, entre la pensée philosophique et artistique, où faudrait-il placer les marges permettant de réfléchir à la valeur de leurs discours ? La réponse à cette question ne pourra être apportée, si nous détachons l’écriture de son support issu d’un contexte deproduction et de diffusion précis. Comprendre les écrits d’artistes suppose, en effet, de prendre en considération le circuit communicatif qui les organise et donne leur sens: le réseau institutionnel des revues. Celles-ci ne constituent pas un simple médium pour le discours artistique, dans la mesure où elles contraignent davantage leur contenu en commandant leur usage. Dans ce cadre, nous supposons que les écrits d’artistes dans les revues contribuent à la progression des conditions artistiques de cette époque, en même temps qu’ils rendent compte de ces transformations. Or, en s’inscrivant dans une épaisseur philosophique particulière, ces écrits renvoient aux différents débats sur la construction de la légitimité de l’art contemporainOne of the characteristics of the art in the late 1950s is the considerablenumber of artists' writings that were published in art journals. We are interested in questioning the recurrent publications that emerged in New York and Paris between 1957 and 1967, which could point to the importance of these writings in theemergence of contemporary art. Some of these are journalistic texts, others belong to literary categories or even follow the academic forms of essays and dissertations. Inaddition to these, there are works that are considered as pieces of art on their own. Such a formal and conceptual diversity leads us to question the specificity of the writings published in magazines. Being halfway between critic and literature, between philosophical and artistic thinking, where are the limits allowing to ponder the value of their speech? The answer to this question could not be given if the writings are examined separately from their medium, which is the result of a precise production and diffusion context. Hence understanding the artists' writings means accounting for the communicative circuit that organizes and gives them meaning, namely, the institutional network of journals. As a matter of fact, the latter is not a simple medium for artistic discourse, since they limit their content and regulate their use. In this way we conclude that artists' writings in journal not only contributed to the progression of the artistic conditions of this epoch but can also explain its transformations. Therefore, entering this particular dimension of the discourse of these writings is how they can send us back to the debates on the construction of the legitimacy of contemporary art
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Laks, Déborah. "Le dérisoire, un ordre nouveau : l'utilisation de matériaux de récupération par les nouveaux réalistes." Paris, Institut d'études politiques, 2013. http://www.theses.fr/2013IEPP0025.
Full textAbstract:
Cette thèse s’attache à analyser la portée du geste et des matériaux de récupération par les nouveaux réalistes dans les années 1960. Restant identifiables en tant que déchets, les matériaux de récupération établissent la polysémie au fondement des œuvres. Les sens historiques, pratiques, économiques, l’usage social transparaissent pour le spectateur au travers de chacun des éléments banals dont usent les nouveaux réalistes. Le statut culturel, social et mémoriel du déchet en fait un signe complexe. En accordant une place nouvelle à l’analyse des matériaux de récupération, cette thèse propose de développer une lecture de la pratique des nouveaux réalistes qui repose sur la prise en compte du déchet et de ses spécificités en tant que matériau artistique. Ce parti-pris ouvre des pistes plus globales : l’exemple des nouveaux réalistes montre que la récupération introduit un élément nouveau dans l’œuvre, qui est le sens même des matériaux utilisés. Ceux-ci n’ont rien d’une matière première brute en attente de sa définition par l’artiste, au contraire, ils sont déjà marqués par leur circulation dans la société. Il s’agit donc à la fois de montrer la spécificité d’une pratique tournée vers la récupération, et de proposer des outils qui en permettent une interprétation plus approfondie. Dans un mouvement paradoxal qui conduit de la décharge à la cimaise, les nouveaux réalistes mettent au jour une part constamment oubliée, et sans doute pourrait-on dire refoulée, de notre société contemporaine. Les liens évidents qui ont été établis entre leur travail et la contestation des années 1968 contre la société de consommation seront relus à la lumière du statut particulier de leurs matériaux, et dans des perspectives historiques plus larges qui révèlent à la fois leur enracinement dans une pensée baudelairienne de la marge et l’impact de la seconde Guerre Mondiale sur leur traitement de la ruine et du dérisoireThis doctoral thesis addresses the scope of the use of found objects and garbage by the Nouveaux Réalistes in the 1960s. Still viewed as garbage, the used materials open the artworks to polysemy. The historic, pratical, economic and social meanings of each trite objects used by the nouveaux réalistes are easily perceived by the spectator. The cultural, social and mnemonic status of garbage turns it into a complex sign. While offering a new place to the analyze of used materials, this thesis intends to develop a view of the nouveaux réalistes’ practice founded on the valorization of garbage and its specificities as an artistic material. This idea opens more global research paths: the nouveaux réalistes’ example shows that salvaging opens the artwork to a new element, which is the actual meaning of the used materials. They are far from raw materials awaiting their final definition by the artist; on the contrary, they are already marked by their way through society. This thesis shows the specificity of a salvaging practice and builds the tools that will allow them to be more precisely interpreted. In a paradoxal move that goes from the dump to the picture rail, the nouveaux réalistes reveal a part of our contemporary society that has been always forgotten, and perhaps repressed. The obvious links that have been made between their work and the Mai 68 contest against consumer society are here re-read in the light of the particular status of their materials, and through broader historic perspectives that reveal their roots in the baudelairian approach of margin as well as the World War Two’s impact on their use of ruin and derisory
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Serandour, Yann. "Lecteurs en série : enquête sur un profil artistique contemporain." Rennes 2, 2006. http://www.theses.fr/2006REN20035.
Full textAbstract:
Cette thèse examine la relation de certains artistes contemporains au livre à travers l'analyse d'une série d'œuvres et de documents qui mettent en scène des pratiques de la lecture et des pratiques de la collection. La première partie (l'artiste en lecteur) passe en revue une galerie de portraits d'artistes lisant ou posant parmi les livres. Du lecteur oisif au travailleur intellectuel, une autre image de " l'artiste au travail " et de l'acte créateur se profile. La seconde partie (l'artiste et ses livres) s'intéresse à la représentation de quelques bibliothèques d'artistes. De la bibliothèque idéale de Marcel Duchamp à l'anthologie d'Allen Ruppersberg, ces bibliothèques particulières entretiennent des rapports étroits avec la possession et " l'écriture de soi ". Les annexes et les notes en bas de page sont les lieux dans lesquels l'auteur de cette thèse expose sa pratique artistique et les développements (commissariat d'exposition et textes critiques) issus de ce travail de rechercheThis thesis examines the relationship that some contemporary artists have with the book through the analysis of a series of works and documents that present various practices of reading and collecting. The first part (the artist as reader) surveys portraits of artists reading or posing with books. From the idle reader to the intellectual worker, this study delineates an alternative image of the “artist at work” and of the creative act. The second part (the artist and his books) focuses on the representation of some artists' libraries. Ranging from Marcel Duchamp's ideal library to Allen Ruppersberg's anthology, these private libraries are closely tied to the notions of ownership and the “writing of the self. ” Annexes and footnotes are the places where the author of this thesis outlines his own artistic practice and the developments that have stemmed from this research work, which include curating exhibitions and writing criticism
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Riou, Gwenn. "La lutte idéologique sur le front artistique : les écrits sur l'art dans Commune et Les Lettres françaises (1933-1954)." Thesis, Aix-Marseille, 2019. http://www.theses.fr/2019AIXM0408.
Full textAbstract:
En 1933, l’Association des Écrivains et Artistes révolutionnaires lance la publication de sa revue, Commune. Proche du Parti Communiste Français (PCF), ce mensuel publie des textes sur la littérature, toutefois les arts plastiques y occupent une place non négligeable. Suite à la signature du pacte germano-soviétique et au déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, le PCF ainsi que ses organisations et ses publications sont interdits. Commune cesse de paraître et le groupe qui constitue cette revue éclate. Suite à l’entrée du PCF dans la Résistance, Decour et Paulhan créent Les Lettres françaises, un journal capable d’incarner la Résistance des intellectuels.Le premier numéro des Lettres Françaises paraît en 1942, cependant, l’hebdomadaire ne publie aucun texte sur les arts durant sa période clandestine. Il faut attendre la Libération pour que ça soit le cas. Comme Commune, Les Lettres françaises ne sont pas, à leurs origines, officiellement rattachées au PCF mais elles suivent ses directives, à quelques exceptions près.L’étude des textes sur l’art qui paraissent dans ces publications permet d’étudier l’évolution du discours artistique porté dans les milieux proches du PCF depuis 1933 jusqu’en 1954. C’est-à-dire depuis la naissance d’une revue qui participe à la lutte du PCF sur le front culturel jusqu’à la tenue du 13ème Congrès national du PCF durant lequel Aragon met en question la politique artistique du parti. Commune et Les Lettres françaises jouent un rôle essentiel dans la structuration du discours artistique du PCF. Ce travail permet d’appréhender les volontés du PCF en matière de création artistique et d’analyser les moyens mis en œuvre pour les atteindreIn 1933, the Association of revolutionary Writers and Artists launches the publication of its journal, Commune. Close to the Parti Communiste Français (PCF), the journal mainly publishes texts on literature, but even though, gives to plastic arts a substantial place.Following the german-soviet pact and the break out of WWII, the PCF as well as the organisations and publications connected with it are prohibited. Commune therefore cease publication and the group forming the journal stands appart.The PCF joins the Resistance, Decour with Paulhan create Les Lettres Françaises, a journal embodying the intellectual Resistance.The first issue of Les Lettres Françaises is released in septembre 1942, however, the weekly paper doesn’t publish texts on art during its clandestine existence. It was not until the Liberation and its legal publication that texts of this genre were printed. As Commune, Les Lettres Françaises are not originally affiliated with the PCF but, with a few exceptions, they follow its guidelines.The analyse of the texts on art that came out in theses issues gives the opportunity to study the evolution of the artistic discourse in the environments close to the PCF from 1933 to 1954. Which covers from the birth of a journal that must take part of the PCF’s struggle on the cultural field to the 13° national congress of the PCF during which Aragon questions the artistic policy of the Party.Commune and Les Lettres française, take a crucial role in the structuration of the PCF’s artistic discourse. This study gives then the opportunity to perceive the will of the PCF regarding artistic creation but also to examine the means deployed to achieve it
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Strungaru, Stoiciu Ilinca-Sorana. "L'imago artistique contemporain du corps : entre fluctuation identitaire et dissolution." Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010527.
Full textAbstract:
Le corps, trouvé dans un état d'oscillation structurelle et identitaire devient une matière qu'on manipule à travers des gestes routiniers, qu'on soumet aux actions invasives qui altèrent parfois de manière radicale l'apparence, allant jusqu'à la perte de toute ressemblance. L'imago, concept issu de la psychanalyse, introduit par Jung, traite la question de la construction de l'image de soi et par la suite de l'identité, dans un rapport du soi à l'autre, d'ego face à l'alter. C'est une relation qui agence des tensions, où le corps se multiplie, se fragmente, devient déchet, vieillesse, mort. Sa présence est amplifiée visuellement, mais son caractère individuel s'efface, devenant le signe d'une absence. Ayant comme point de départ ma propre pratique artistique, je mets en question la pratique de la récupération des restes pelliculaires du corps (organiques ou synthétiques) à la manière qu'on cherche, par l'accumulation d'objets personnels, à combattre l'oubli. J'interroge la capacité dont les restes (empreintes, traces, poils) issus des pratiques corporelles, ayant donc un caractère répulsif, ont de redonner un sens de la forme initiale et peut-être aussi une histoire. Reposant sur les principes de la collection, la conservation du corps traitée dans mes œuvres (installations, vidéos et objets) interpelle le regardeur en tant que conscientisation de sa propre fluctuation et dissolution formelle et identitaire, et et fait ressortir ses attitudes face à la disparition. Les notions de temps et de mémoire interviennent dans le discours, analysant les prises de position des artistes contemporains par rapport au corps, à l'objet, à l'identité et à la mémoireThe body, existing in a state of structural and identity oscillation becomes a substance to be manipulated through routine gestures, subjected to invasive actions that may alter its appearance as radical as losing all resemblance. The imago, a concept from psychoanalysis introduced by Jung, addresses the issue of the construction of self-image and consequently of identity in the way the self exists in relationship with the other, the ego in relation to the alter. This sort of relation creates a tension, and the body is thus multiplied or fragmented, it becomes waste, it ages, it dies. Its presence is visually amplified, but its individuality is erased, becoming a sign of absence. Having as a starting point my own artistic practice, I discuss the manner in which recuperating thin layers of the body's surface (be they organic or synthetic) may act in the same way in fighting oblivion as does accumulating personal objects. I debate the capacity in which the bodily remains (such as hair, fingerprints, traces) resulted from aggressive actions towards the body, that have a repulsive appearance, can give a sense of the original shape and maybe even a history. Founded on the principals of the collection, the issue of body preservation as dealt with in my works (varying from installations, videos and objects) challenges the audience both by making it aware of its own structural and identity fluctuation, and by and emphasizing its attitudes towards disappearance. The concepts of time and memory enter this topic, analyzing the positions taken by contemporary artists in relation with the body, the object, identity and memory
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Harel-Vivier, Mathieu. "Photographies, abstraction et réalité : l'agencement comme processus artistique." Thesis, Rennes 2, 2014. http://www.theses.fr/2014REN20025/document.
Full textAbstract:
Construite à partir des questions soulevées par le travail artistique de l’auteur, cette thèse examine le rapport qu’entretiennent certains artistes, essentiellement contemporains, avec la réalité de l’image photographique, sa capacité à produire une abstraction et à s’inscrire dans un agencement. Considérée selon un double point de vue, la notion d’agencement apparait ici d’une part comme le processus de l’artiste qui travaille avec des images,et d’autre part comme une forme d’organisation qui favorise une diversité de relations entre les images, àla façon de constellations. La première partie intitulée « les conditions de l’agencement » s’intéresse au passage à l’acte photographique, à l’appropriation d’une image, comme au détachement que nécessitent parfois ces deux actions propres aux pratiques de Christian Marclay et Wolfgang Tillmans. Alternative à ces divers mouvements qui animent les élans de l’artiste vers le réel, l’abstraction photographique fait l’objet d’une étude à travers l’analyse des travaux de quelques artistes parmi lesquels Pierre Cordier, Michael Flomen et James Welling.La seconde partie s’attache à décrire comment « l’agencement d’images » est investi d’un fonctionnement caractéristique du montage cinématographique et de l’atlas warburgien. Sont ainsi tour à tour observées des oeuvres où l’agencement d’images est délimité par le cadre (John Baldessari et John Stezaker), ventilé à travers les pages d’un livre (Hans-Peter Feldmann, Luis Jacob, Gerhard Richter, etc.) et déployé dans l’espace d’exposition : sur les cimaises, au sol ou sur des tables (Pierre Leguillon, Batia Suter, Wolfgang Tillmans). L’intérêtest finalement porté sur les enjeux de transmission de l’agencement, sa volonté de non-Hiérarchie aussi, et ce notamment, dans le contexte d’expositions de collections publiques et privées (Des images comme des oiseaux, Le Mur, Les peintres de la vie moderne).À l’issue de ce texte placé en regard d’une succession de planches d’images s’ouvre une autre collection dephotographies annotées et légendées, consacrée à la pratique artistique de l’auteurDeveloped based on questions from the author’s artistic practice, this thesis examines the relationship between some artists, mainly contemporary, and the reality of the photographic picture, its ability to produce abstraction and to fit within a display. Considered here in a double perspective, the concept of display is seen, on one hand, as the process of the artist working with pictures and, on the other hand, as an organizational model that foster a variety of connections, like constellations do.Entitled “display’s conditions”, the first part deals with photographic acting-Out, the appropriation of a picture as well as the detachment that sometimes these two actions involve like in Christian Marclay’s and Wolfgang Tillmans’s practices. As an alternative to these various movements which spur on the artist’s impetus towards reality, photographic abstraction is considered for further study through the analysis of artistic works like Pierre Cordier’s, Michael Flomen’s or James Welling’s.The second part describes how the “display of pictures” is invested by a functioning that is a feature of editingand Warburg’s atlas. Several works are observed in which the display of pictures is delimited by the frame(John Baldessari and John Stezaker) scattered through the pages of a book (Hans-Peter Feldmann’s, LuisJacob’s, Gerhard Richter’s, etc.) and spread out in the exhibition space: on the walls, the ground and tables(Pierre Leguillon, Batia Suter, Wolfgang Tillmans). The interest is finally moved on the issue of displaytransmission, its aim of non-Hierarchy, especially in the context of public and private collections exhibited(Des images comme des oiseaux, Le Mur, Les Peintres de la vie moderne).As the outcome of this text that appears beside a series of plates, a new collection of annotated and captionedphotographs is developed, dedicated to the artistic practice of the author
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Cazenave, Élisabeth. "Les Abd-el-Tif et le mouvement artistique en Algérie au XXe siècle." Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040352.
Full textAbstract:
En 1907, l’Algérie se dote d'une institution, une villa des artistes appelée la villa Abd-el-Tif. Cette ancienne villa turque du XVIIe siècle, est située dans un site privilégié sur les hauteurs d’Alger, au-dessus du jardin d'essai, proche du musée national des beaux-arts d’Alger. De là, une superbe vue panoramique s'ouvre sur la célèbre baie d’Alger. Les artistes sont sélectionnés par la société des peintres orientalistes français et nommés après l'approbation du gouverneur général de l’Algérie, qui finance l'institution. Les deux personnages éminents, à la genèse de l'institution sont le gouverneur général Charles Jonnart et Léonce Bénédite, conservateur du musée du Luxembourg. Les collectionneurs l. Meley et Frédéric Lung seront les mécènes de la première génération d'artistes Abd-el-Tif. En 1931, un autre personnage intervient, Jean Alazard, conservateur du musée des beaux-arts d’Alger. Les œuvres de ces artistes sont l'expression d'une nouvelle culture; la villa est un instrument de propagande de l'AlgérieIn 1907, an artistic institution opens in Algiers, called the villa Abd-el-Tif. This antique XVIIth's century Turkish villa, settled in a privileged area on the heights to the city, above the jardin d'essai, near the national fine arts museum, it opens with a superb panoramic view, above the famous Algiers bay. The artists are selected by the orientalist French painter association and named by the Algerian general governor, who financially supports the institution. The two famous personalities of this original creation are Charles Jonnart a brilliant general governor in Algiers and the very competent Léonce Bénédite, curator of the Luxembourg museum in Paris. L. Meley and f. Lung, genuine collectors, sponsored the first Abd-el-Tif generation, till 1925. In 1930, another personality interfere, Jean Alazard, the fine arts museum curator in Algiers
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Lamoni, Giulia Emma. "Écrire le rythme vital : une approche de l'oeuvre scripto-visuelle d'Irma Blank." Paris 1, 2008. http://www.theses.fr/2008PA010672.
Full textAbstract:
L'artiste italo-allemande Irma Blank considère ses oeuvres, réalises à partir de la fin des années 1960 et articulées en plusieurs cycles, comme faisant partie d'un seul grand projet : une exploration systématique du champ de l'écriture et de son rapport a la langue, au corps et a la pensée. Par sa fidélité à la pratique scripturale et par la rigueur de son projet artistique, l’œuvre d'Irma Blank manifeste, au premier abord, un certain désengagement vis-à-vis des courants majeurs qui ont traverse l'art contemporain à partir du début des années soixante. Cette recherche singulière qui se transforme au fil du temps tout en conservant son lien indissoluble avec l'ecriture est néanmoins enracinée dans les expériences artistiques des courants italiens de la poésie visuelle - en particulier de la Nuova Scrittura - et de l'art conceptuel. La double relation qu'elle tisse d'une part avec les expérimentations des poètes. Spatialistes, et d'autre part avec l'art des idées, ouvre le travail d'Irma Blank à plusieurs lectures. Mais c'est précisément sa position ambivalente, à la fois complexe et délibérément marginale, qui rend I’œuvre de cette artiste particulièrement intéressante.
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Mahiou, Cécile. "Poétique du quotidien : art de vivre et non-art, Filliou, Kaprow, Perec, Spoerri." Thesis, Paris 1, 2014. http://www.theses.fr/2014PA010546.
Full textAbstract:
Ce travail de doctorat s'attache à montrer comment le quotidien, notion dont la naissance est moderne, s'invente et se pense comme objet conceptuel à partir des travaux d'Henri Lefebvre el plus tard de Michel de Certeau. L'investigation du quotidien s'effectue à la croisée de l'art et des sciences humaines et sociales et fait de la question, paradoxale, d'une vie quotidienne créative un enjeu théorique et politique pour la pensée critique comme pour les pratiques artistiques des années 1960 à 1980. En expliquant comment le quotidien, d'objet conceptuel, devient un projet, la thèse éclaire les pratiques non-art de Robert Filliou, d'Allan Kaprow et des artistes Fluxus. C'est dans les écrits d'artistes 'lut' se lit leur geste paradoxal d'affirmation et de négation de l'art qui invite à inscrire les pratiques créatives dans la vit' quotidienne, plutôt que de faire entrer celles-ci au musée. Il s'agit de mettre en évidence ces démarches qui se détournent des institutions artistiques pour investir le quotidien comme le lieu de l'émancipation. La thèse se penche dans le même temps sur l'étude de pratiques d'écriture qui relèvent de ce projet, en expliquant comme Perec et Spoerri mettent en place des configurations discursives permettant de faire l'inventaire poétique d'un quotidien partageable. L'anecdote enfin, dont use Kaprow, interroge les pratiques quotidiennes par leur mise en récit, dans une visée épistémique qui distingue les poïétiques du quotidien des processus d'esthétisation de l'ordinaire par l'artDesigned as an interdisciplinary study of artistic and theoretical sources, this work addresses the construct of the everyday [quotidien], a key notion for modernity, specifically in Henri Lefebvre’s and later Michel de Certeau's writings from the 1960s to the early 1980s. The dissertation argues that the investigation or the everyday, which led to its conceptualization, is done at the crossroads of social sciences and art. It brings about the paradoxical question of a creative life, which is a theoretical and political concern for critical thinking and for the period's artistic practices, By explaining how the everyday, once a conceptual notion, becomes a project, the work sheds light on the non-art practices of Allan Kaprow, Robert Filliou and Fluxus. It contends that the everyday is paired with the notion of non-art, to which these artists resort to describe their own work. ln their writings and practices, they invite to inscribe creative practices in evervday life, rather than place them within the institutions of the art world, This thesis also draws on an analvsis or the writing or the everyday, by explaining how Georges Perec and Daniel Spoerri elaborate discursive practices which allow them to create a poetic inventory of a collective memory. Finally, the anecdote, of which Allan Kaprow makes use, questions the practices or the everyday by turning them into narratives. These sources raise a philosophical question pertaining to the epistemical value of art and literature that distinguishes the poietics or the everyday from processes that aestheticize the ordinary
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Froissart, Pezone Rossella. "Le groupe de "L"art dans tout" (1896-1901) : un art nouveau au seuil du XXe siècle." Clermont-Ferrand 2, 2000. http://www.theses.fr/2000CLF20006.
Full textAbstract:
Pendant la 2de moitié du 19e les arts "mineurs", qualifiés d"industriels", "décoratifs", ou "appliqués'" selon les moyens de production sont au centre du débat artistique au sein des institutions privées (Union centrale des arts décoratifs, Société nationale des Beaux-arts) ou publiques (musées, écoles). Le groupe des cinq, formé en 1896 par F. Aubert, A. Charpentier, J. Dampt, H. Nocq et C. Plumet devenu en 1897 les 6 (après le départ de Nocq et l'arrivée d'E. Moreau-Nelaton et T. Selmersheim) et en 1898 "L'art dans tout", (se joignent H. Sauvage, L. Sorel et quelques "invités", J. Desbois, A. Jorrand), est le résultat d'un mouvement de renouveau des arts du décor qui, à la fin du siècle, mène de nombreux peintres, sculpteurs, et architectes sur le chemin de "arts mineurs". Les 6 expositions que le groupe organise entre 1896 et 1901 témoignent de l'influence déterminante exercée par Viollet-le-Duc sur un art nouveau "rationaliste" d'où est écartée toute exubérance florale et qui affiche une grande sobriété de formes. Très différentes, les personnalités de "L'art dans tout" croient toutes dans le rôle social de l'artiste, appelé à remodeler un cadre de vie dégradé par l'industrialisation et par le bouleversement des canons esthétiques : communauté d'idées qui se concrétise dans le projet (non réalisé) du foyer moderne, conçu pour l'exposition universelle de 1900. Les modèles en vigueur dans l'aménagement de l'intérieur bourgeois pèsent dans les créations du groupe qui tente toutrefois d'innover, soit dans l'organisation de l'espace, soit sans le répertoire décoratif, soit dans les matériaux et moyens de production. Bien que la décoration de surface ou sculptée ait une importance moindre par rapport au mobilier, les papiers peints et pochoirs, les tapis, les dentelles, les étains deviennent des domaines essentiels d'expérimentation de formes et de matériaux pour les membres de "L'art dans tout"
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Hodaifa, Nagham. "L'oeuvre de Marwan de 1964 à nos jours : le visage en question et l'oeuvre sur papier." Thesis, Paris 1, 2015. http://www.theses.fr/2015PA010514.
Full textAbstract:
Qu'est-ce qu'une tête? C'est à cette question que Marwan (né à Damas en 1934, habitant à Berlin depuis 1957) s'est confronté dans sa démarche artistique, en commençant par la figure humaine et en passant par le visage. Si ce dernier, traité horizontalement, est reconnaissable dans ses traits, la tête, effigie verticale, s'efface. Les deux motifs jouent au caché-voilé, deviennent paysages et viennent à la rencontre. Le présent travail qui s'appuie sur la biographie et sur une étude transculturelle, questionne le visage dans son œuvre depuis 1964. L'accès à sa problématique picturale a été rendu possible grâce aux sources premières : dessins préparatoires, écrits et entretiens avec l'artiste, qui ont permis d'enrichir la recherche en abordant des aspects anthropologiques aussi bien que plastiques. Nourri de la double culture orientale et occidentale, Marwan participe au questionnement du visage humain dans ses métamorphoses par rapport à l'absence, à l'inanimé, au voilement-dévoilement, au même et à l'autre, au singulier et à l'universelWhat is a head ? This is the question that Marwan (born in Damascus in 1934, residing in Berlin since 1957) has confronted in his artistic approach, starting from the human figure and passing through to the face. If the latter, treated horizontally, is recognizable in its features, the head, vertical effigy, fades. The two patterns play between being hidden and masked, at times blending into landscapes and merging together.This research, built from biographical and cross-cultural study, questions the subject of the face in his work since 1964. The accessibility to his complex pictorial was made possible from primary sources: preparatory drawings, writings and interviews with the artist. These sources have led to the study of anthropological themes and plastics, which have further enriched the research of his artistic approach.The fusion of the Eastern and Western cultures have driven Marwan's questioning of the human face and its metamorphosis in relation to absence, to the inanimate, to veiling-unveiling, to the same and the other, to the singular and the universal
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Landry, Madeleine. "La peinture de Groupe de Beaupré (1896-1904) : à la recherche des origines : le terroir québécois comme représentation du Canada." Master's thesis, Université Laval, 2008. http://hdl.handle.net/20.500.11794/20704.
Full text
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Moréteau, Constance. "L'artiste et la lecture : le livre dans les installations et dispositifs d'exposition de 1960 à nos jours." Thesis, Paris 10, 2013. http://www.theses.fr/2013PA100147.
Full textAbstract:
Cette thèse pose la question de la place du livre dans l’expérience de la lecture dans le musée quand dans la seconde moitié des années 1960 tout l’art, tel qu’il est redéfini par les artistes conceptuels, est à lire. Dans les années 1960 et 1970, puis de nouveau au tournant des années 1990-2000, les espaces de lecture se multiplientAlors que l’emploi du livre par les artistes conceptuels s’inscrit dans une quête de démocratisation de l’art, qui serait désormais diffusé hors du musée, le livre dans le musée semble poser le problème d’une relation apparemment contradictoire entre la nature reproductible d’un médium et son ancrage in situ. Force est de se demander si cela ne produirait pas une réification du livre et une interdiction de la lecture pour reprendre les mots de Marcel Broodthaers. A moins qu’il ne s’agisse d’interroger les usages du livre et la place de la lecture dans la constitution de communautés éphémères. La première partie est consacrée principalement à la spatialisation de la lecture à l’ère de l’information aux Etats-Unis entre le milieu des années 1960 et le début des années 1980. Les espaces de lecture sont alors aussi des espaces à lire. Dans une seconde partie, nous verrons que l’institutionnalisation de l’installation est contemporaine de celle de la lecture dans le musée. Enfin nous étudierons l’émergence de modèles originaux d’exposition du livre d’artiste et du livre, créés par des artistes et commissaires qui ont participé à la rédéfinition de l’exposition comme médium et/ou en réinterprétant Le Club des Travailleurs de Rodchenko (1925)This dissertion investigates the position of book in reading experiences which take place in the museum context when in the mid-nineteen sixties, all art, as redifined by conceptual artists, is to be read. In the 1960s and in the 1970s, then again in 1990s and 2000s, reading space have been increasing. Those could be apparatuses produced for exhibition as well as art environments and installations. In contrast with artists books which deal with democratizing art by circulating outside the control of museums, books in museums leds to questions about an apparent opposition between a reproducible medium and its in situ anchorage. It begs the essential question of whether it might end up in the reification of the book as well as in the prohibition of reading, the Marcel Broodthaers’s Interdiction de lire as stated for Pense-Bête (1964). Unless it provides the opportunity to focuse on the uses of books . The installations we are analyzing contribute to the building up of temporary communities. That is to say that we have also to consider the reader position in social sphere. There are three crucial trends, for it is in exploring them that we can begin to explore as the book as a reference for the environment which is itself to be read at the time of Information Turn which influenced theory on architecture. In the mid-1990s, artists produced what we call in situ books that are produced for reading in the museum. This dissertation dealss also with the wide range of interpretations of the same historic source, The Working Club by Alexandre Rodchenko (1925), by curators and artists from the New York art Scene as well as other American and European Artists
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Pierre, Marie-Liesse. "Un atelier jurassien au temps des Lumières, les Rosset : sculpteurs, ivoiriers et peintres comtois à Saint-Claude dans le Jura au XVIII siècle." Thesis, Strasbourg, 2013. http://www.theses.fr/2013STRAG026/document.
Full textAbstract:
Le sujet traite de l'originalité de l'atelier de sculpture des Rosset de Saint-Claude dans le Jura (France) actif du XVIe au XIXe siècle. Original par sa production familiale d'objets d'art en ivoire et en marbre qui connut une diffusion européenne grâce aux portraits de Voltaire. Sculpteurs d'intérieur et «en petit», engagés dans le débat des Lumières, les Rosset sont aussi des statuaires comtois renommés et des peintres locaux. Le sujet est centré sur le XVIIIe siècle autour de l'œuvre de Joseph Rosset (1706-1786) âme de l'atelier, créateur de modèles réputés et que ses cinq fils, tous artistes, produiront en série avec lui et, après sa mort de manière indépendante, adaptant leur œuvre à l'évolution des goûts : Jean François alias Joseph Rosset (1734-1783) orfèvre, Jean-Joseph-Nicolas Rosset (1737-1809) prêtre et peintre, Jacques-Joseph Rosset (1741-1826), François-Marie Rosset (1743-1824) peintre voyageur en Turquie d'Asie et sculpteur et Claude-Antoine Rosset (1749-1818) peintre et sculpteur. Le volume I (265 pages). Le premier chapitre retrace l'histoire de l'atelier présent à Saint-Claude depuis le XVIe siècle, analyse le contexte du travail et la position sociale bourgeoise de la famille de Joseph Rosset au XVIIIe siècle. Le chapitre deux présente de manière critique la biographie de Joseph Rosset, dégage les caractères de son œuvre à tête de Janus, le sacré et le profane, à l'image de ses convictions, de sa foi religieuse catholique et de ses idées politiques libérales, qui met son art au service des Lumières. Enfin, un troisième chapitre, analyse l'œuvre de ses fils dans la continuité politique de l'idéal de leur père ; ils participent en citoyens à la mise en œuvre des réformes libérales de la Révolution. Le volume II (587 pages) présente le catalogue raisonné de l'œuvre de Joseph Rosset (1706-1786), tome 1, les œuvres religieuses, tome 2, l'œuvre en ivoire de l'atelier Rosset et, tome 3 l'œuvre profane en marbre. Le volume III (491 pages) est le catalogue raisonné de l'œuvre sculpté et peint de ses fils : tome 1, l'œuvre graphique et sculpté de Jacques Rosset (1741-1826) ; tome 2, l'œuvre peint et sculpté de François Rosset (1743-1824) ; tome 3 l'œuvre sculptée d'Antoine Rosset (1749 - 1818)The subject treats originality of the workshop of sculpture of Rosset of Saint-Claude in the Jura (France) active from the XVIth until the XIX th century. Original by its family production works of art in ivory and marble which knews an European diffusion thanks to the portraits of Voltaire. Sculptors of interior and "into small", engaged in the debate of the Enlightenment, the Rosset are also famous sculptors of Franche-Comté and local painters. The subject is centered over the XVIIIth century around the work of Joseph Rosset (1706-1786) heart of the workshop, creator of famous models, whose five sons, ail artists, will produce in séries with him, and in an independent way after his death, adapting their work to the évolution of the tastes : Jean François, alias Joseph Rosset (1734-1783) goldsmith, Jean-Joseph-Nicolas Rosset (1737-1809) priest and painter, Jacques-Joseph Rosset (1741-1826), François-Marie Rosset (1743-1824) traveller painter of Turkey in Asia and sculptor, and Claude-Antoine Rosset (1749-1818) painter and sculptor. Book I. The first section relates the history of the workshop présent in Saint-Claude since the XVIth century, analyses the contex of work and the middle class social position of Rosset's family during the XVIIIth century. The second section shows in a critical way Joseph Rosset's biography, which brings out the characteristics of his Janus headed work, the sacral and the profane, picture of his believes, his catholic faith and his libéral political ideas and offers his art to the service of the Enlightenment. And then, in a third section analyses the works of his sons, in the political continuity of their father's ideals. They take part as citizen in the enforcement of the Révolution's libéral reforms. Book II introduces the reasoned catalogue of Joseph Rosset's work (1706-1786), section 1, the sacred work, section 2, the ivory work of the Rosset's Workshop and the third section the profane marble work. Book III is a reasoned catalogue of the sculpted work of his sons : section 1, the work of Jacques Rosset (1741-1826) ; section 2, the painted and sculpted work of François Rosset (1743-1824) ; section 3, the sculpted work of Antoine Rosset (1749-1818)
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Penet-Merahi, Camille. "L’écriture dans la pratique des artistes algériens de 1962 à nos jours." Thesis, Université Clermont Auvergne (2017-2020), 2019. http://www.theses.fr/2019CLFAL002/document.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d’apporter un éclairage nouveau sur la pratique des artistes algériens de 1962 à aujourd’hui en examinant les rapports entre écritures et œuvres, qu’il s’agisse d’imbrication avec des mots dans la création artistique comme les titres, d’autonomie avec des écrits d’artistes ou de pratiques collectives dans le cas d’un travail en commun entre artiste et écrivain. À partir d’un corpus constitué de figures tutélaires de la période post-indépendance telles que Mohammed Khadda, Choukri Mesli ou Denis Martinez, d’artistes des années 1990 comme Adel Abdessemed, Kader Attia ou Rachid Koraïchi et de la jeune génération représentée par Yasser Ameur, Walid Bouchouchi ou Souad Douibi, notre objectif est d’interroger les liens entre évènements historiques et écriture dans la pratique artistique. Dans un premier temps, durant les années qui suivent l’indépendance et la volonté de s’émanciper des instituions coloniales, au moment où se met en place un nouvel « art algérien », on observe une manière d’envisager l’écriture, soit comme réactivation du passé (national), soit comme vecteur d’arabisation, soit comme revendication de diversité linguistique, soit comme quête d’abstraction. Il s’agit ensuite, pour la période de 1988 à 2000, de mettre à jour les particularités d’une écriture de l’exil et de l’intitulation des œuvres à l’étranger en insistant notamment sur l’extranéité et la revendication identitaire avec le soufisme. Enfin à partir de 2000, une nouvelle scène artistique se met en place en Algérie. Objet de transmission, l’écriture dans l’art se déploie dans un contexte de globalisation accrue, à un moment où la circulation des artistes et des œuvres change d’échelle. Ce rapport nouveau à l’écriture est envisagé dans une perspective comparatiste avec le Maroc et la TunisieThis thesis seeks to shed new light on the practices of Algerian artists from 1962 to the present day by examining the connection between writings and works of art, whether in the interweaving of words in the artistic work such as the titles, the autonomy of the artists’ writing, or the collaborative practices of artists and writers. Drawing from a corpus of work consisting of tutelary figures of the post-independence period such as Mohammed Khadda, Choukri Mesli, or Denis Martinez, of artists from the 1990s such as Adel Abdessemed, Kader Attia, or Rachid Koraïchi, and the young generation represented by Yasser Ameur, Walid Bouchouchi, or Souad Douibi, our objective is to question the connections between historic events and writing in artistic practices. At first, during the years which follow the independence and the will to become emancipated established colonial, as is set up a new "Algerian art", we observe a way of envisaging the writing, either as reactivation of the (national) past, that is as vector of Arabisation, as claiming of linguistic diversity, or as a quest of abstraction. It is then a question, for the period from 1988 to 2000, to examinate the peculiarities of a writing of exile and the naming the works abroad by insisting in particularly on the foreignness and the identity claiming with the Sufism. Finally, from 2000, a new artistic scene emerging in Algeria. As an object of transmission, writing in art is increasingly used in a global context leading to a moment when the circulation of artists and works changes of scale. This new connection to writing is envisaged in a comparative perspective with Morocco and Tunisia
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Goldman, Noémie. "Un Monde pour les XX: Octave Maus et le groupe des XX :analyse d'un cercle artistique dans une perspective sociale, économique et politique." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2012. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209691.
Full textAbstract:
Notre thèse se concentre sur la question des mécanismes de restructuration du système du monde de l’art à Bruxelles à la fin du XIXe siècle. Nous cherchons à démontrer comment une nouvelle scène artistique construite autour du cercle des XX à Bruxelles, dont l’épanouissement sera pris en charge par l’animateur d’art Octave Maus, produit un art qui est influencé par les enjeux sociaux et politiques portés par un milieu défini de manière sociale, culturelle et générationnelle.Nous avons ainsi voulu replacer le groupe des XX dans son contexte économique, politique et social. La diversification des approches et des sources était donc un aspect essentiel de nos recherches. Plusieurs voies d’approche ont été empruntées, telles que l’histoire culturelle, la sociologie de l’art, l’histoire du marché de l’art, l’analyse politique ainsi que l’étude de la visual culture.
Dans un premier temps, nous analysons l’émergence de la nouvelle scène artistique construite autour du groupe des XX. Nous débutons par une analyse plus monographique du parcours de Maus afin de définir les qualités essentielles de l’animateur d’art qu’il incarne, ainsi que son rôle dans la reconfiguration du milieu culturel. Ensuite, notre étude se concentre sur la mobilisation d’un public autour des salons et la mise en place d’un nouveau marché de l’art aux XX.
Dans un second temps, notre étude se penche sur les œuvres créées par les XX et sélectionnées par le public d’amateurs fidèles au groupe. Nous éclairons cette production artistique en y décelant les influences des questionnements et des prises de position sociales et politiques du public des XX, défini précédemment. L’analyse iconographique et stylistique des œuvres s’accompagne d’un travail sur ce milieu culturel, et particulièrement sur ses positions face aux débats sociaux de l’époque. Cette étude aboutit, d’une part, à une description approfondie du public des XX, et, d’autre part, à une meilleure compréhension de l’originalité de la production esthétique des artistes du groupe. /
This PhD thesis concentrates on the mechanisms by which the artistic world in Brussels was reorganized at the end of the 19th century. The research focuses on the places, institutions, publics, art markets and aesthetic developments that characterized the new artistic scene constructed around the “Salon des XX”. The purpose of this study is to demonstrate that this artistic circle, led by Octave Maus, produced an art influenced by social, political and economic issues. Another aim has been to analyze the public that defended the artists by studying its social, cultural and generational nature.
This thesis, which is divided into two parts, for the first time explores the circle of the XX in its economic, political and social environment. The diversification of sources and scientific methods was therefore an essential aspect of the research. Different methods were applied such as, for example, the cultural history, the sociology of art, the history of the art market, political sciences and the visual culture.
The first part of this study is about the emergence of a new artistic scene founded around the “Groupe des XX”. The first objective was to investigate the personal and professional path followed by Octave Maus, the manager of the XX, who played a major role in the evolution of the cultural world. Subsequently the research focuses on the mobilization of a particular public and the creation of a new art market around the XX’s exhibitions.
The second part of this thesis considers the works of art created by the artists of the “Groupe des XX” and chosen by the public for private collections. New light is shed on this artistic production by the study of the social and political position of the XX’s public, considered as a social group. Hence the iconographic and stylistic analysis of the works goes together with a study of the XX’s milieu, and in particular with its political action. The present thesis, and the method that aims to study the works in parallel with the public’s social nature, lead to a better understanding of the cultural milieu and, at the same time, of the originality of the XX’s artistic creation.
Doctorat en Histoire, art et archéologie
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Germain, Myriam. "Poétique de la recherche : parcours, rencontres et décloisonnements dans le processus créateur." Thèse, 2007. http://hdl.handle.net/1866/7388.
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Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de MontréalPour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.
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Landry, Madeleine. "La peinture de Groupe de Beaupré (1896-1904) : à la recherche des origines : le terroir québécois comme représentation du Canada /." 2008. http://www.theses.ulaval.ca/2009/26046/26046.pdf.
Full textAbstract:
Thèse (M. A.)--Université Laval, 2009.Programme de maîtrise sur mesure en études culturelles en art et littérature pour l'obtention du grade de Maître ès arts (M. A.). "La présente recherche a donc débuté en janvier 2004 sous la direction de David Karel de département d'histoire de l'art et sous la codirection de Denis Saint-Jacques du département de littérature, tous deux à la Faculté des Lettres de l'Université Laval. Suite au décès de David Karel en août 2007, Laurier Lacroix, professeur en histoire de l'art à l'Université du Québec à Montréal, a bien voulu assurer la relève"--P. vii. Bibliogr.: f. 165-181. Publié aussi en version électronique dans la Collection Mémoires et thèses électroniques.