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Dissertations / Theses on the topic 'Avant-garde (esthétique) – France – Paris (France)'
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Joyeux-Prunel, Béatrice. ""Nul n'est prophète en son pays. . . " ou la logique avant-gardiste : l'internationalisation de la peinture des avant-gardes parisiennes : 1855-1914." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010522.
Full textAbstract:
Ce travail étudie comparativement les carrières internationales des avant-gardes parisiennes, à partir d'une base de données de catalogues d'expositions. La stratégie du détour par l'étranger permettait de rester d'avant-garde dans le champ artistique parisien, tout en exportant une peinture plus vendable. En jouant sur les décalages entre les champs artistiques nationaux, les artistes prétendaient à une reconnaissance étrangère qui prouvait le retard parisien. L'accueil par l'étranger des avant-gardes parisiennes n'était pas pour autant garanti. Il peut être analysé comme le résultat d'un transfert culturel, fondé sur une stratégie d'expositions différenciées selon les lieux. Il fut assuré par une population de médiateurs cosmopolite, de position sociale intermédiaire. La clé des carrières n'était ni le système marchand-critique, ni la presse, mais une véritable anticipation herméneutique des interprétations des publics, que permettait une orientation cosmopolite.
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Manneheut-Frémont, Béatrice. "Le milieu artistique à Paris entre 1896 et 1908 : contribution à l'étude sur la naissance des avant-gardes." Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20039.
Full textAbstract:
Cette étude se propose d'analyser quelques éléments du milieu artistique parisien entre 1896 et 1908. Le tournant du XXe siècle est considéré comme une période charnière -point final du symbolisme et point de départ des "avant-gardes"- Sans que l'on en mesure toujours la "réalité" artistique. La formation d'une nouvelle conscience artistique n'est pas le fait seulement d'une avant-garde à l'écart qui se résume souvent en quelques noms (Picasso, Matisse ou Apollinaire), mais tient à nombre de personnalités, artistes, écrivains et critiques d'art méconnus, intégrées elles aussi dans l'histoire de la modernité. Ainsi, nous avons tenté de dégager, dans une première partie, certaines manifestations artistiques qui mettent en relation tout un ensemble de personnalités qui occupent une place non négligeable au sein de l'activité littéraire, philosophique et artistique du début du XXe siècle. De ce fait, le philosophe polonais Mécislas Golberg, dont les relations avec Guillaume Apollinaire et Henri Matisse ont pu être éclaircies grâce à l'apport de correspondances inédites, apparaît comme un maillon essentiel dans le cheminement de la constitution des avant-gardes. Dans un deuxième temps, ce principe de réseaux et de collusions entre plusieurs personnalités, a été élargi au quartier Montparnasse ; ce qui nous a permis d'en préciser la genèse artistique, bien avant sa consécration à partir des années 1910. Enfin, à travers les changements que connait la critique d'art, nous avons tenté de réintégrer dans cette histoire de la naissance des avant-gardes, des critiques dont les textes nous permettent de mieux comprendre certaines évolutions, en particulier celle de la poésie-critique à travers les écrits de Marius-Ary Leblond<br>This study seeks to analyse some elements of the Parisian artistic environment between 1896 and 1908. The bend of the 20th century is considered as a transitory period -the end of the symbolism and the beginning of the avant-gardes- without that one always measures it the artistic "reality". The formation of a new artistic consciousness is not the fact only of an avant-garde aside which often amounts in some names (Picasso, Matisse or Apollinaire), but includes numbers of personalities, artists, writers and underestimated art critics, integrated too into the history of modernity. So we tried to develop, in a first part, some artistic manifestations which connect a set of personalities who occupy a not unimportant place within the literary, philosophic and artistiic activity of the beginning of the 20th century. Therefore, the Polish philosopher Mécislas Golberg, whose relations with Guillaume Apollinaire, and Henri Matisse were able to be cleared up thanks to the contribution of new correspondences, appears as an essential link in the progress of the constitution of the avant-garde. In a second time, it principles of networks and collusions among several personalities was widened in the district Montparnasse, what allowed us to clarify the artistic genesis of it, well before its consecration from 1910's. Finally, through the changes of the art criticism, we tried to reinstate in this history of the birth of the avant-gardes, some texts of art critics which allow us better to understand some evolutions, in particular that of the poetry-criticism through Marius-Ary Leblond's papers
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Huesca, Roland. "Paris à l'époque des ballets russes, 1909-1913 : histoire culturelle de l'esthétique." Strasbourg 2, 1997. http://www.theses.fr/1997STR20096.
Full textAbstract:
Dès leur première venue à Paris, en 1909, les ballets russes de Serge de Diaghilev remportent un véritable triomphe. Avec Giselle, le pavillon d'armide ou encore les sylphides, M. Fokine, le chorégraphe rencontre et exalte la tradition. Le tout-paris, toujours lié aux valeurs nobiliaires, aime retrouver sur scène les grandeurs et la beauté d'un classicisme chers à la France. Il apprécie également de voir les peintres russes présenter des décors aux couleurs vives et lumineuses dans un style impressionniste dont la capitale s'enorgueillit. Enfin, dans l'enthousiasme et la jubilation de leurs danses, les danseurs russes, recréent aussi les valeurs d'un orient mythique et rêvé depuis le XIXe siècle. Érotisme et fougue barbare prennent corps sous les pas et les gestes des danseurs. Les ballets russes attisent ainsi les fantasmes du clan le plus huppé de la capitale. Avec V. Nijinsky il en est tout autrement. Trois oeuvres : "L'après-midi d'un faune", jouée pour la première fois en 1912, comme jeux et le "Sacre du printemps", présentées en 1913, avivent les controverses. L'attrait pour la tradition fait place aux avant-gardes. Sous le sceau du "moderne", le jeune chorégraphe bouleverse les usages. Accusé d'obscénité dans la dernière scène du "faune", son évocation du printemps renouvelle l'expérience du sacré dans le tout nouveau théâtre des Champs-Élysées devenu à l'occasion le "véritable temps de l'art". La critique peine à rendre compte de ces nouveautés. Les transpositions sémantiques vont bon train. V. Nijinsky proposerait-il des chorégraphies cubistes? Profitant de l'émoi, le nationalisme esthétique francais, se sentant menacé, exprime sa volonté hégémonique et cherche, dans ses accusations, à légiférer l'ordre du goût. Entre triomphes et scandales, les ballets russes proposent leurs spectacles. Une analyse phénoménologique de ces soirées permet de construire une histoire culturelle de l'esthetique. Les discours de la presse, les témoignages, les sources iconographiques ou les reconstitutions filmiques servent le travail herméneutique. Trois temps scandent la méthode proposée : décrire, construire et interpréter. Au gré des constructions, les représentations et les comportements artistiques de la Belle Époque apparaissent peu a peu<br>On their very first visit to paris, in 1909, S. De diaghilev's russian ballets met with a huge success. With such works as giselle, le pavillon d'armide or les sylphides, the choreographer, m. Fokine not only followed the rules of the dance tradition, but he also revived it. The parisian elite, who still craved on the values of the peerage, enjoyed seeing the greatness and the beauty of a appreciated to discover the russian painters' vividly coloured backdrops, which reminded them of the impressionistic style, a style that paris was proud to have been the centre of moreover, the russian dancers, full of enthusiasm and exultation, also recreated the values of a mythical orient, which has been dreamt of ever since the xixth century. The dancers' steps and gestures embodied a vision of eroticism and barbarous ardour. Thus, the russian ballets allowed the well-to-do parisians to meet their fantasies. Things changed with v. Nijinsky. Three of his works, l'apres-midi d'un faune, first played in 1912, jeux and le sacre du printemps both premiered in 1913, were highly controversial. Tradition gave way to the avant-garde. The young choreographer, considered a "modern" artist by all, id not follow the rules of ballet, but his rite of spring renewed the sense of sacred things. Critics id not know how to account for so many signs of novelty and semantic transpositions seem to have been only way out. Did v. Nijinksy create cubist choreographies? Taking the opportunity the supporters of the french aesthetic nationalism, who felt threatened, tried to impose their own sense of what beauty and good taste should be. The russian ballets with their various performances met triumphs a well as scandals. A phenomenological analysis of these dance evenings allows the elaboration of a cultural history of aesthetics what the press wrote, what people said, the pictures that were taken or the films which try to create the performances are useful to a hermeneutic work. Three steps mark the method used here : first there is a description,,then an elaboration is followed by the next one, the belle epoque's perceptions and representations of art are little unveiled
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Schiau-Botea, Diana. "Le texte et le lieu du spectacle de La Plume au Mur. Stéphane Mallarmé parmi les avant-gardes." Thesis, Paris 3, 2010. http://www.theses.fr/2010PA030043/document.
Full textAbstract:
Comme l’a montré récemment Peter Sloterdijk, l’avènement du système médiatique remet profondément en cause le modèle humaniste du livre comme lettre créatrice d’amitié. Les citoyens ne s’identifient plus à des valeurs communes grâce à des lectures canoniques. C’est pourquoi, à la fin du XIXe siècle déjà, les hommes de lettres vont chercher des modalités nouvelles de réduire la distance qui les sépare du public. Cette thèse examine et compare quatre journaux ou revues artistiques différentes – L’Hydropathe, Le Chat Noir, La Plume et Le Mur – dont les créateurs organisent des soirées littéraires publiques ou des spectacles de projection – théâtre d’ombres – dans des lieux qu’ils aménagent dans ce but : des cafés, des petites salles intimes du Quartier Latin, des cabarets à Montmartre. Les étudiants nomades se fixent et à cela va correspondre un investissement progressif aussi bien de l’espace théâtral que de l’espace textuel. On sera pourtant étonné de découvrir des préoccupations similaires, chez un auteur retiré, qui ne prenait pas volontiers la parole en public. Stéphane Mallarmé est un écrivain, comme dit Jacques Rancière, « infiniment attentif à son temps ». On remarquera ainsi que Mallarmé et les avant-gardes étudiées créent des spectacles démocratiques qui s’efforcent de rendre compte des contradictions irréductibles du monde moderne. On imaginera avec un certain plaisir, certes indissociable de l’humour, de la fête et du carnaval, les communautés auxquelles les mises en scène de l’écriture fragmentaire et du support artistique nous invitent visiblement à rêver<br>As Peter Sloterdijk writes, the development of mass media such as lowcost popular newspapers challenges radically the humanist conception of the book as letter generating friendship. Citizens of the newborn republic can no longer share the same values thanks to canonical, national, or universal readings. At the end of the 19th century, for that reason, journalists and writers attempt to create new opportunities which allow them to abolish the distance and meet their public. This dissertation examines and compares four different artistic journals – L’Hydropathe, Le Chat Noir, La Plume et Le Mur – whose creators organize literary gatherings or shadow theater shows in different venues designed for this purpose : cafés, small auditoriums in the Latin Quarter, and cabarets in Montmartre. Nomad students « settle down », create new texts, and decorate the walls, and this work becomes a very important part of their identity. However, one will be surprised to discover similar concerns in the work of a solitary writer, who did not particularly like to speak in public. Stéphane Mallarmé is indeed a writer, as Jacques Rancière says, « infinitely aware of his time ». We shall see that both Mallarmé and the avant-gardes studied in this dissertation produce democratic performances which atttempt to transpose the irreducible contradictions of modern times into exemplary figures. In a joyful, carnivalesque way mostly, the staging of fragmentary writing and of artistic frames invites us visibly to imagine communities
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Cicali, Ilaria. "Alexander Archipenko (1909-1914) : une oeuvre au carrefour des expériences de la sculpture moderne." Thesis, Paris 10, 2013. http://www.theses.fr/2013PA100094.
Full textAbstract:
Dès son arrivée à Paris en 1909, jusqu’au déclanchement de la guerre en 1914, Alexander Archipenko réalise environs cinquante sculptures, qu’il présente lors des salons des Indépendants et d’Automne, à l’occasion des manifestations cubistes, ainsi que dans deux expositions personnelles organisées en Allemagne, à Hagen et Berlin. Son nom apparaît souvent dans les comptes-rendus des salons publiés dans la presse de l’époque. Indiqué à la fois comme ‘sculpteur cubiste’ ou ‘novateur élégant’ (à savoir, à l’esprit décoratif), il participe avec son travail à ce croisement de chemins qui caractérise, au début du XXe siècle, le développement de la sculpture moderne. Cependant seulement une partie de cette production majeure est aujourd’hui connue, plusieurs œuvres ayant été dispersées ou retravaillées au cours du temps. Le but de la thèse a été celui de reconstituer ce corpus dans son état d’origine ainsi que son parcours d’exposition, afin de replacer l’œuvre d’Archipenko à l’intérieur de la scène artistique parisienne de l’avant-guerre pour la faire dialoguer avec celle de ses collègues, peintres et sculpteurs. Cela a été possible par le biais d’une analyse formelle pointue et d’un travail croisé sur la presse et les catalogues d’exposition de l’époque, et grâce au dépouillement de plusieurs fonds d’archives. Parmi lesquels, celui de la revue « Der Sturm » (Staatsbibliothek, Berlin), ainsi que les archives de la Archipenko Foundation (Bearsville, NY), et les Archives of American Art (Smithsonian Institution, Washington, D.C.). Il en sort le portrait d’un artiste qui, avec sa recherche, a pleinement embrassé l’esprit de découverte propre à son temps<br>Between his arrival in Paris in 1909, and the outbreak of World War I in 1914, Alexander Archipenko created nearly fifty sculptures, which he presented at the Salon des Indépendants, the Salon d’Automne, numerous cubist exhibitions, as well as two personal exhibitions organized in Germany (Hagen and Berlin). His name appeared often in the reviews of the Salons that were published in the press. Considered as both a ‘cubist sculptor’ and a ‘novateur élégant’ (in the decorative sense), Archipenko actively participated in both of these artistic currents, which together led to the development of modern sculpture. Despite his importance, only part of his artistic production from this period is generally known today, many of the works were lost or re-worked at a later date. The aim of this thesis is to reconstitute his corpus of work in its original state, as well as document his participation in expositions, in order to place Archipenko’s artwork within the Parisian antebellum artistic scene, and in doing so, create a context in which his work may be compared to that of other sculptors, colleagues, and painters of the epoch. This work is based upon an attentive formal analysis of these works, and thorough review of the exhibition catalogue of the period. And also, by the analysis of different archives, among which the “Der Strum” archives (Staatsbibliothek of Berlin), the Archipenko Foundation’s ones (Bearsville, NY) and those of American Art (Smithsonian Institution, Washington, D.C.). From this research emerges the portrait of an artist who fully embraced the spirit of discovery of his times
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Christófoglou, Mártha-'Ellī. ""Avant-gardes" et politisation dans l'art néohellénique (1965-1975)." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010508.
Full textAbstract:
Le principal objectif de cette thèse est de contribuer à l'examen de la réalité culturelle de la Grèce contemporaine. La période: 1965-1975, a été choisie pour son exemplarité: c'est pendant cette décennie que le rapport art-politique acquiert une importance fondamentale dans la vie artistique grecque. La place des formes d'art dites d'avant-garde, dans l'art néohellénique, doit être évaluée par rapport à certains facteurs propres à la culture grecque. Ces facteurs sont: 1. Le rôle idéologique et esthétique des modelés tirés de la tradition locale. 2. L'influence de l'art moderne occidental et, plus particulièrement, parisien. 3. L'émigration des artistes. 4. L'engagement politique très apparent pendant les années 1960 et 1970, c'est à dire avant, pendant, et après la dictature de 1967-1974. 5. La prédominance de l'individualisme des artistes grecs, qui défavorise les mouvements collectifs. L'étude de ces problèmes devrait permettre l'approche d'un aspect important de la culture grecque d'aujourd'hui.
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Ricaud, Lucy. "Esprit d'avant-garde, esthétique et idéologie du vorticisme." Bordeaux 3, 1997. http://www.theses.fr/1997BOR30044.
Full textAbstract:
Il s'agit d'etablir le vorticisme comme un mouvement d'avant-garde. Merite-t-il cette appellation? car il ne suffit pas que le vorticisme soit le contemporain d'autres mouvements d'avant-garde pour dire qu'il en est un. Pour etablir de tels parametres trois approches s'imposent. La premiere est qu'une etude du vorticisme doit se developper a la lumiere constante et permanente des autres mouvements d'avant-garde. Une comparaison constante s'impose pour deceler les deviations du vorticisme par rapport aux criteres definis. Il sera donc question de mouvements contemporains du vorticisme tels que le postimpressionnisme ou l'imagisme, ou legerement en amont, des mouvements tels que l'expressionnisme, le fauvisme, le dadaisme, le suprematisme ou le rayonnisme. Ou encore en aval des mouvements tels que le surrealisme ou l'unanimisme. Mais il s'agira surtout des ennemis fetiches du vorticisme, deux mouvements a peu pres contemporains, le futurisme et le cubisme. Avec ces mouvements, le vorticisme partage l'esprit belliqueux, ne de l'etymologie du terme avant-garde, et le sens de l'experimentation artistique, inspire par les developpements technologiques du monde moderne de son contexte historique. Cependant, une fois l'emballage ultramoderne defait, un oxymore incontournable se presente : le vorticisme est un mouvement d'avant-garde reactionnaire. Sous ses facades d'experimentation artistique et d'esprit moderne se cache une ideologie autoritaire et antidemocratique qui nage a contre-courant, qui ne veut pas avancer, etre d'avant-garde, mais qui veut remonter le temps. L'experimentation stylistique du vorticisme reflete, a travers sa preoccupation avec la geometrie et la forme pure de l'abstraction, l'ideologie intolerante et antihumaniste du mouvement. Cet antihumanisme se traduit tout particulierement a travers l'attitude des vorticistes envers la femme, les homosexuels, l'homme de la rue et le lecteur lui-meme et egalement a travers le style d'indifference qui caracterise la production des membres de ce mouvement. En fait, le vorticisme, debarrasse de son maquillage avant-gardiste exterieur, est loin de pouvoir se ranger dans les parametres des theoriciens de l'avant-garde ce qui ne fait qu'aggraver la confusion generale qui entoure deja ce mouvement peu connu. Cette etude est suivie d'un volume iconographique contenant des reproductions des tableaux, dessins<br>This thesis aims at determining to what extent the vorticist movement can be considered to be an avant-garde movement. Does it indeed merit this title? for, it is not enough for it to be merely contemporary in time with other movements, that do comply with the definition of the avant-garde, for us to be able to affirm that vorticism complies too. The movement must thus be considered from three essential standpoints. First, our study of vorticism must be developed with the characteristics and practices of other avant-garde movements in mind. There will therefore be a discussion of movements that are contemporary with vorticism, like imagism or post-expressionism, or those that precede vorticism, such as expressionism, fauvism, dada, suprematism or rayonism. Or again, movements that follow on from vorticism, like surrealism and unanimism. Above all, the discussion will involve the two pet hates of vorticism, two other roughly contemporary movements, futurism and cubism. With these sister movements, vorticism shares a sense of aggresivity, which results no doubt from the military etymology of the term avant-garde, and with this a sense of artistic experimentation at all costs, insipred by the technological developments of the historical context of the time. However, beneath this apparently ultra-modern wrapping a central oxymoron becomes clear : vorticism is a reactionary avant-garde movement. Beneath its avant-garde facades and posturing lies an authoritarian and anti-democratic ideology which runs against the tide, which refuses to go forwards, in true avant-garde style, butwhich wants to go back in time, to an art of strict classical formalism accompanied by a corresponding political theory. The stylistic experimentation of the vorticists, their obsession for the formal exactitude and severity of a geometric style and of abstraction, reflects the intolerance and anti-humanism of their political and moral standpoint. This anti-humanism is aimed particulary against, first women, then homosexuals, and finally the common man and the common reader. It is expressed not only through the contents of the pamphlets and philosophical essays of the members of the group, but also through the feeling of indifference that dominates their portraits or character portrayl. We can thus conclude that the desire to include vorticism within the defined bounds of a rigourous study
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Le, Tellier Hervé. "L'Oulipo : langages et esthétique de la complicité." Paris 7, 2002. http://www.theses.fr/2002PA070062.
Full textAbstract:
L'Oulipo ouvroir de littérature potentielle, est née en 1960 fondé par Raymond Quenau et François Le Lionnais. Ni école, ni mouvement, ni avant-garde, cette co-commission du Collège de Pataphysique regroupe des écrivains et des mathématiciens, des écrivains-mathématiciens, des mathématiciens-écrivains, et des érudits. Sa pierre de touche sera l'exploration du lien entre mathématique et littérature, un lien qui va se décliner autour de notions diverses, évolutives, mobiles, en quarante ans d'existence : structure, contrainte, consigne, axiomatique, manipulation, combinatoire, procédé, procédure, etc. Son projet est de "penser, classer" les contraintes. Mais du point de vue du lecteur, ce projet peut s'envisager sous un angle triple : celui d'une connivence immédiate (complicité passive), d'une complicité cuturelle (propre à toute écriture), enfin de la constitution d'un "lecteur oulipien", lecteur auquel il est demandé un véritable effort, qui dépasse le cadre "naturel" du contrat passé entre un lecteur et un auteur. Mais la complicité oulipienne s'étend ainsi bien au-delà des seules oeuvres et des différents travaux des ses membres, voire du choix commun (pourtant chaque fois tout personnel) de recourir à des "contraintes". Elle va jusqu'à définir, insensiblement, à travers les jeux de la forme et du langage, un rapport au monde à la fois grave et facétieux, où la sagesse va de pair avec le coix accepté du dérisoire, et dont la tradition ancienne, voire antique, loin d'une "modernité" en permanente agonie, loin d'un post-modernisme taxinomisme et illusoire, s'ancre tout simplement dans ce qu'il faut bien appeler par son nom : l'humanité<br>The oulipo, Ouvroir de littérature potentielle, was born in 1960, and founded by Raymond Queneau and François Le Lionnais. Neither school nor movement, nor avant-garde, this co-commission of the College of Pataphysique regroups writers and mathematicians, writers who are also mathematicians, mathematicians who are also writers. For forty years and still now, its touchstone is the exploration of the link between mathematics and literature, a link that can be described through various notions, evolutive and changing : structure, constraint, order, axiomatic, manipulation, combinatory, process, procedure, etc. Its project is to "think / classify" constraints. But, from the reader's point of view, this project can also be understood under a triple angle where complicity is involved : the connivance can be immediate (passive complicity), cultural (as, truly, for all writing), or lead to the construction of an "oulipian reader". "This oulipian reader" must be ready to carry out a real effort, that exceeds from far the natural and conventional contract between the reader and the author. But oulipian complicity spreads thus far beyond the mere works of its members. It surpasses the common choice (nevertheless entirely individual) to resort to constraints. It defines imperceptibly, through the games induced by forms and language, a relationship to the world, a simultaneously serious and facetious relationship. Wisdom often walks along with derisory. This ancient tradition, perhaps even antique, far from a permanently agonizing modernism and any taxinomist and illusory post-modernism, simply anchors Oulipo in what may be called by its name : humanity
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Archer-Straw, Petrine. "Negrophilia Paris in the 1920's : a study of the artistic interest in and appropriation of, Negro cultural forms in Paris during that period." Online version, 1994. http://bibpurl.oclc.org/web/34427.
Full text
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Marçot, Jean-Louis. "La belle utopie : la France, son avant-garde et l'Algérie (1830-1848)." Paris, EHESS, 2009. http://www.theses.fr/2009EHES0401.
Full textAbstract:
L'Algérie française - c'est-à-dire l'annexion d'une partie de l'Afrique et sa francisation par implantation massive d'une population européenne-, relève d'un projet colonial nouveau. Ce projet, dont l'expédition d'Egypte sous le Directoire a posé les jalons, n'a pu se réaliser sans une dimension sociale que seul le socialisme, alors naissant, était capable de lui apporter. La thèse analyse cet apport, reconstitue jusqu'en 1848 l'histoire de ce premier socialisme et de ses diverses composantes, dans le contexte d'une "question algérienne" étudiée pas à pas<br>French Algeria - that is to say the annexation of part of Africa and its Gallicization by means of massive settlings of european population -, is the result of a new colonial project. This project, for which the Egyptian Expedition under the directoire have paved the way, could not achieved without a social dimension that only the springing up socialism was able to give it. The thesis analyzes this contribution, reconstruct until 1848 the hizstory of this (first) socialism and its diverse components in the light of the "Algerian question" studied step by step
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Linford, Sarah. "Le symbolisme et la Troisième République : la tradition comme avant-garde, 1871-1915." Clermont-Ferrand 2, 2007. http://www.theses.fr/2007CLF20004.
Full textAbstract:
La cohérence du symbolisme est d'abord historique. Elle réside dans une double réaction, esthétique et politique, et dans un effort militant de rénovation de la tradition nationale. Cette rénovation privilégie deux grands registres historicistes : classicisme et médiévisme. Un premier chapitre historiographique tente de dresser un bilan des différentes approches successives du symbolisme pictural depuis un siècle, et y décèle la récurrence des mêmes difficultés et points aveugles. Il se termine sur un examen des bannières rivales qui se disputaient le rôle d'étendard du mouvement à la fin du dix-neuvième siècle. Le classicisme d'avant-garde est étudié dans le deuxième chapitre, depuis le synthétisme de Puvis de Chavannes au lendemain de l'Année terrible jusqu'à la promotion de la latinité et du méditerranéisme durant le Retour à l'Ordre. Le troisième chapitre s'attache au renouveau catholique dont l'expression des années 1890 privilégiait le médiévisme, puis, pour beaucoup d'artistes des primitivismes supposés garants de l'authenticité de la foi. Enfin, un quatrième chapitre retrace les rapports institutionnels entre néo-traditionnistes, idéalistes et Troisième République à travers les commandes et la reconnaissance de l'Etat. Il s'avère que la Troisième République et les Opportunistes en particulier ont largement utilisé le conservatisme de bon ton des idéalistes et, indirectement, l'avant-garde néo-traditionniste jusqu'au tournant du siècle, avant que les idées issues de l'extrême droite prônées par les derniers représentants du symbolisme en peinture ne soient intégrées au républicanisme, qui aurait lui aussi soutenu, à dessein, un fondamental néo-traditionnisme
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Pironneau, Amélie. "La crise de la peinture en France 1968-2000 : mort et résurrection." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010599.
Full textAbstract:
En France, à chaque fois que dans l'histoire de l'art moderne la notion de crise apparaît, celle-ci ne se rapporte pas à la création plastique mais à la réception critique. Ce que révèlent ces crises, en effet, c'est le décalage entre la création et l'institution muséale, le retard de celle-ci sur l'art entrain de se faire. La crise à la fin du XXe siècle n'échappe pas à cette donnée. Alors que Marcel Duchamp a été la référence majeure des avant-gardes des années 60 en Europe et aux Etats-Unis, les institutions culturelles françaises ne réalisent son importance qu'à la fin des années 70. Le dogme de la mort de la peinture devient la doctrine officielle à partir de 80 et dans la décennie suivante. Les artistes qui n'acceptent pas l'idée de cette mort vont réfléchir au cœur même de cette crise au moyen de réinventer la pratique picturale, démontrant ainsi qu'elle continue à être un moyen d'expression essentiel qui ne peut être mis à l'écart de l'art contemporain.
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Prudon, Montserrat. "Les mouvements d'avant-garde entre Barcelone et Madrid (esthétique et idéologie) (1929-1936)." Paris 4, 1992. http://www.theses.fr/1991PA040223.
Full textAbstract:
La these se propose d'etudier les differents courants qui, venus d'europe et surtout de paris, penetrent dans la peninsule iberique, creant un mouvement d'echange entre les deux capitales culturelles: barcelone et madrid. Les dates qui determinent la periode se justifient par leur signification historique ou culturelle: exposition internationale (1929) et guerre civile (1936). Plusieurs inedits (essai, correspondance) permettent de centrer le probleme selon les deux axes choisis: esthetique et ideologie. La reaction aux courants d'avant-garde determine pour la catalogne une prise de conscience proche du nationalisme et decide de l'attitude des milieux artistiques et litteraires, ce a quoi correspond la replique centralisante de la capitale. Les manifestations abordees sont a predominance litteraire (j. V. Foix, joan salvat-papasseit, jorge guillen, vicente aleixandre). Elles n'excluent pas, cependant, la prise en compte des revues d'art ou autres aspects de la creation d'ordre plastique ou musical: influence du cubisme, du surrealisme, et penetration problematique du dodecaphonisme. La recherche a ete menee selon une demarche plurielle associant depouillement de presse, approche textuelle ou analyse de l'oeuvre d'art. L'ensemble de ces etudes met en evidence que si barcelone joue bien le role de plaque tournante de toutes les avant-gardes, la confrontation aux esthetiques nouvelles entraine une prise de position au paln ideologique qui prepare l'eclosion du catalanisme<br>This thesis proposes us to study the various trends which (from europe and especially from paris) made their way into the iberian peninsula, thus generating a flow of exchanges between the two cultural capitals: barcelona and madrid. The dates which determine the period can be accounted for by their historical and cultural significants (universal exibition and civil war). Several unpublished works (essay, correspondance) made it possible to focus on the question in a perspective both aesthetic and ideological. In catalonia, the reaction to avant-garde trends aroused an awarness close to nationalism and determined the attitude of literary and artistic circles, a phenomenon echoed by the centralizing reaction of the capital. The events tackled here are predominantly literary. However, they do not preclude attention to artistic reviews or to other aspects of plastic or musical creation (such as influence of cubism or surrealism and the problematic penetration of serial music). The plural approach adopted in this research combines the perusal of the press, the critical study of text and the analysis of works of art. The resulting conclusions clearly show that, if barcelona did act as the core of all these avant-gardes, the confrontation with new aesthetics conditionned an ideological stand and heralded the dawn of catalanism
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Chéroux, Clément. "Une généalogie des formes récréatives en photographie : 1890-1940." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010598.
Full textAbstract:
Dans la première décennie du XIXe siècle, des ouvrages, destinés aux photographes amateurs, proposaient un ensemble de pratiques amusantes (photogrammes, photomontages, surimpressions, déformations, etc. ) réunies sous l'appellation de " récréations photographiques ". Au début du XXe siècle, la presse illustrée, l'industrie de la carte postale et la photographie foraine puisèrent dans ce registre de formes ludiques pour séduire leur propre clientèle et le firent ainsi passer du privé au public. Dans les années 1910 à 1930, les artistes des avant-gardes s'approprièrent à leur tour quelques-unes des techniques récréatives et les convertirent en propositions créatives. La présente thèse se propose d'examiner les conditions d'émergence des procédés récréatifs, puis d'étudier leur développement entre 1890 et 1940, en étant plus particulièrement attentive aux divergences qu'aux ressemblances, selon la méthode, éprouvée ici, de la généalogie différentielle.
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Brun, Éric. "Guy Debord et l'Internationale situationniste : sociologie d'une avant-garde « totale »." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0076.
Full textAbstract:
Au croisement de la sociologie des intellectuels, de la sociologie politique et de la sociologie des mouvements artistiques, cette thèse analyse la trajectoire d'un collectif dénommé « Internationale Situationniste » (I. S. ) et de son principal animateur, Guy Debord (1931-1994), fondé en 1957 à partir de la réunion de plusieurs petits groupes d'artistes dits « d'avant-garde », l'I. S. Est devenue au cours des années 1960 un mouvement politique « révolutionnaire ». Il s'agit ici de comprendre cette « reconversion » par une étude des propriétés sociales, positions et prises de position des situationnistes. Une telle reconversion, qu'on peut voir également comme une opération de décloisonnement des différents espaces sociaux d'activité, permet en effet de mettre à l'épreuve sur un nouveau terrain le concept de champ forgé par Pierre Bourdieu, et de jeter un nouvel éclairage sur les rapports qu'entretiennent les artistes et les intellectuels avec la politique. C'est dans la continuité d'une opération de redéfinition des conceptions de la création et du désintéressement que l'I. S. Est amenée à prendre ses distances avec le champ artistique. Sa reconversion dans l'activisme « révolutionnaire » renvoie également à des enjeux de positionnement propres aux avant-gardes littéraires et artistiques des années 1950, ainsi qu'à une transformation de l'espace des possibles politiques au tournant des années 1960. Elle met en jeu, enfin, des luttes internes au mouvement, dont l'étude permet d'éclairer les logiques qui président à la formation des groupes d'avant-garde et les obstacles à leur internationalisation<br>At the crossing of the intellectual's sociology, political sociology and the sociology of artistic movements, this PhD dissertation analyzes the evolution of a group named "Situationist International" (S. I. ) and of its leader, Guy Debord (1931-1994). It was founded in 1957 from the merging of some small groups of "avant-garde" artists, it became a "revolutionnary" political movement during the 1960s. The core of this dissertation is to understand this "reconversion" by studying the social properties, the positions and the stands taken by the situationnists, such a reconversion, wich can also be considered as the decompartmentalization of the different social sectors of activity, is an opportunity to test a new object of the concept of field forged by Pierre Bourdieu. It also sheds a new light on the relationships artists and intellectuals maintain with politics. In keeping with its work on redefining the conceptions of creation and selflessness, the S. I. Is led to take some distance from the artistic field. Its reconversion into "revolutionary" activism is also related to the issues at stake for literary and artistic field. Its reconversion into "revolutionnary" activism is also related to the issues at stake for litterary and artistic avant-gardes in the 1950s. As well as to a transformation of the space of political possibles at the beginning of the 1960s. Lastly, it brings out internal struggles within the movement, the study of wich reveals the mechanisms that control the forming of avant-garde groups as well as the obstacles to the their becoming international
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Suh, Young-Hie. "Supports/Surfaces devant la critique." Paris 1, 2005. http://www.theses.fr/2005PA010554.
Full textAbstract:
L'étude présente retrace l'évolution du mouvement Supports/Surfaces dans son rapport avec certains critiques d'art qui se sont engagés de manière militante aux côtés des artistes du groupe. À travers la contribution de trois critiques d'art: Jacques Lepage, Marcelin Pleynet et Jean Clair, elle caractérise les problématiques à l'œuvre dans les travaux des artistes et met en évidence le jeu complexe et les rapports unissant le critique et les créateurs dans leur praxis. En s'appuyant sur les apports de ces auteurs-critiques, cette étude décrit l'histoire du groupe et resitue ce mouvement d'avant-garde dans sa dimension initiale qui avait été souvent négligée ou abusivement schématisée. Ainsi approche-t-elle Supports/Surfaces dans ses années charnières: de 1966 à 1974 et s'attache-t-elle à le replacer au plus près des faits, en analysant les œuvres, les conditions de leur apparition, leur fonctionnement, leur réception par le public et la critique.
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Parkmann, Fedora. "Paris-Prague. Transferts en photographie, 1918-1939." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040134.
Full textAbstract:
Cette thèse se propose d’étudier les transferts entre France et Pays tchèques dans le domaine de la photographie de l’entre-deux-guerres. Fondée sur une approche matérielle des circulations de personnes, d’images et de concepts, elle vise à définir la scène photographique tchèque en fonction de son rapport à la France et de ses métissages. L’enquête a porté sur les flux photographiques – reproductions photomécaniques et catalogues d’exposition – et les activités des médiateurs et photographes à l’intersection entre les deux pays. Elle a montré, d’une part, que les Pays tchèques furent non seulement un lieu de passage d’apports français, particulièrement marquants au regard des impulsions allemandes et russes, mais aussi un centre d’exportation d’une production photographique locale. Elle a révélé, d’autre part, les hybridations auxquelles a donné lieu l’accueil de la scène photographique française. Le courant surréaliste tchèque en fut l’exemple le marquant : dépassant le simple geste d’adhésion, cette production originale s’est à son tour exportée, à la faveur d’un processus de circulation et de transformation réciproques caractéristique du phénomène de transfert. Les séjours et expériences photographiques des Tchèques en France et leur contribution à l’ « école de Paris de la photographie » complètent ce panorama des interactions entre les deux pays. Le prisme des transferts culturels adopté dans notre étude a agi comme un révélateur d’acteurs, d’images et de concepts ignorés jusque-là des histoires nationales de la photographie. Il a également montré comment la réceptivité des photographes tchèques vis-à-vis de la France a pu, en retour, favoriser l’émergence du modernisme photographique dans leur pays<br>This dissertation sets forth to explicate the transfers that occurred in photography between France and the Czech Lands during the interwar period. Rooted in a material approach towards the various circulations of individuals, images and concepts, this study considers the Czech photographic scene in light of its specific relation to France and analyzes the resulting hybridizations. The research focuses on photographic vectors such as photomechanical reproductions, exhibition catalogues and the activities of mediators and photographers working between the two countries. It illuminates a network of relations between French, German and Russian impulses and describes also the export of a local photographic production. The Czech surrealist current is a prominent hybridization that resulted from the strong reception of the French photographic scene. It was exported again as an original Czech production, and as such exemplifies the process of mutual circulation and transformation that describes the concept of transfer. An expansive study of Czech journeys to France, their photographic experience of the country and their subsequent contribution to the “Paris school of photography” complete this overview of the interactions and transfers between both countries.By situating Czech photography within the discourse of cultural transfers, this dissertation reveals actors, images, concepts and developments that until now have been critically absent from national photography histories. It also demonstrates how the receptivity of Czech photographers to France in return favored the emergence of photographic modernism in their country
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Trespeuch, Hélène. "Fin de partie, nouvelle donne : l'historiographie de l'art abstrait en France et aux États-Unis, 1977-1990." Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010669.
Full textAbstract:
A la fin des années 1970, une profonde mutation historiographique est en jeu dans le monde de l'art occidental. La crise des avant-gardes apparaît comme le symptôme d'une crise idéologique générale. Une nouvelle ère est annoncée: elle serait postmoderne. Dans ce contexte de perte de repères, l'histoire de l'art du XXe siècle devient l'objet de multiples réévaluations. Critiques, historiens, commissaires d'expositions et artistes remettent en cause les récits qui avaient jusqu'alors prévalu. Au modèle linéaire et téléologique imposé par les avant-gardes veut être substitué un discours plus inclusif. Le modernisme de Clément Greenberg, qui voyait dans l' art abstrait la quintessence de la modernité, est pris pour cible. L'histoire de l'art abstrait est alors profondément remaniée, en France et aux Etats-Unis. Toutefois, comme par le passé, les nouvelles pistes esquissées sont conditionnées par les enjeux propres à la décennie - d'ordre théorique, mais également économique et politique
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Gauthier, Ambre. "Les revues de galeries en France dans l’entre-deux-guerres (1918-1940)." Thesis, Paris 10, 2015. http://www.theses.fr/2015PA100062.
Full textAbstract:
La création artistique de l’entre-deux-guerres en France est transformée par l’internationalisation du marché de l’art, la vitalité des avant-gardes et la diffusion sans précédent des revues d’art. La galerie d’art, par l’action de galeristes engagés et professionnels, s’impose alors comme un lieu central du marché de l’art moderne. Vouée au commerce des œuvres, elle se dote d’une identité nouvelle en faisant de son espace un lieu de socialisation et de débats intellectuels. Cette conjoncture explique en partie la naissance d’un nouveau mode de communication de la galerie d’art : la revue de galerie. Cet outil de promotion a pour principale mission de diffuser l’actualité des expositions et des artistes liés à la galerie. Mais il cherche également à être une tribune ouverte, un lieu d’expression et de dialogues où se rencontrent théories artistiques et synthèses du marché de l’art contemporain, règlements de comptes et pamphlets, littérature et poésie. Au-delà de sa dimension promotionnelle, la revue de galerie, objet sociologique, tisse des liens entre les différents acteurs d’un même cercle socio-culturel. Les principales revues de galerie de l’entre-deux-guerres (Les Arts à Paris, 1918-1935 ; le Bulletin de la vie artistique, 1919-1926 ; le Bulletin de la galerie B. Weill, 1923-1935 ; le Bulletin de l’Effort moderne, 1924-1927) mettent ainsi en place des modèles éditoriaux durables, qui perdureront tout au long du XXe siècle. Il s’agit d’un phénomène culturel international, de sorte que le contexte parisien ne peut être compris que par comparaison, notamment avec celui des Etats-Unis (revue 291), de la Belgique (Le Centaure) ou de l’Allemagne (Der Querschnitt), qui développent leurs propres spécificités<br>Art production in France is changed in the interwar years by the globalization of the art market, the vitality of the avant-gardes and the unprecedented diffusion of art periodicals. The art gallery, through the actions of socially and politically committed art dealers, is becoming a major place for the modern art market. Dedicated to the trade of artworks, it acquires a new identity by encouraging socialization and intellectual debates. This context creates new communication means for art galleries: the art gallery magazine. As a promotion tool, the main mission of the periodical is to spread news about exhibitions and artists related to the gallery. Sustained by the ideals of their editors, they offer an open platform, an utopian space of free speech and dialogue, where art theories and contemporary art market analysis, score settling and satirical tracts, literature and poetry meet. Beyond its promotional function, the art gallery magazine, as a sociological object, also establishes links between the various players of a social and cultural group. The main gallery magazines of the 20th Century (Les Arts à Paris, 1918-1935; le Bulletin de la vie artistique, 1919-1926; le Bulletin de la galerie B. Weill, 1923-1935; le Bulletin de l’Effort moderne, 1924-1927) invent lasting editorial references that will last throughout the 20th century. Operating in Paris, art gallery magazines fall within an international cultural context, as demonstrated by the presence of such magazines in the United States (291), Belgium (Le Centaure) or Germany (Der Querschnitt), all developing their own specificities
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Pakenham, Michael. "Une revue d'avant-garde au lendemain de 1870 : La Renaissance littéraire et artistique, dirigée par Emile Blémont." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1995PA040247.
Full textAbstract:
L'etude de la renaissance litteraire et artistique, seule revue litteratire importante publiee de 1872 a 1874, est precedee d'une analyse de ses origines immediates, a savoir les evements de 1870-1871. Mais son point de depart fut le diner mensuel d'un groupe de parnassiens qui s'intitulaient "vilains bonshommes", groupe fonde sous le second empire et hostile au regime. La plupart des collaborateurs poserent pour coin de table de fantin-latour (salon de 1872). Parmi eux verlaine, rimbaud, valade, camille pelletan etaient aussi membres d'un groupe satirique connu sous le nom de zutistes. Emile blemont, leon valade, jean aicard, pierre elzear, albert merat et camille pelletan ont particulierement retenu notre attention, et la nouvelle generation de 1870 qui comprend deux hommes de genie, charles cros et villiers de l'isle-adam, n'a pas ete negligee. Les arts et la musique ont aussi leur place a ce tournant dans l'histoire de la culture francaise, saint-saens etant, par exemple, le critique musical principal, pour qui un renouveau artistique signifiait avant tout un renouveau francais d'ou son anti-wagnerisme<br>The study of la renaissance litteraire et artisitique, itself the main new literary journal to be published between 1871-74, is preceded by an analysis of its origins, the immediate one being the aftermath of 1870, but is roots are to be found in the parnassian group and a literary dinner (the vilains bonshommes) founded during, but opposed to, the second empire, most of the main contributors posed for fantin-latour's coin de table exhibited at the 1872 salon. Of these verlaine, rimbaud, valade and camille pelletan were also members of the satirical group known as the zutistes. Particular attention is paid to emile blemont, leon valade, jean aicard, pierre elzear, albert merat and camille pelletan and importance is attached to the rising generation of 1870 which includ4es two mem of genius, charles cros and villiers de l'isleadam. Art and music are not neglected at a turning point in french cultural history, saint-saens, for example, was the principal music critic, keen to found a national school to counteract wagner
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Gramfort, Valérie. "L'année 1869." Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030033.
Full textAbstract:
L'objet de cette étude s'effectue à partir d'une coupe synchronique du vécu littéraire de 1869 en procédant à un dépouillement de la presse quotidienne parisienne ainsi qu'à une lecture des œuvres romanesques, théâtrales, et poétiques de l'époque. Ce qui nous intéresse avant tout c'est de dresser un bilan de cette production littéraire en tenant compte du contexte historique, économique, scientifique et artistique de l'époque. Pourquoi 1869 ? Parce que cette date est à la fois un signe et un point de repère obligé. Située juste un an avant que n'éclate la guerre franco-prussienne et que la troisième république soit proclamée, elle est marquée par l'inauguration du canal de Suez, le centenaire de Napoléon 1er mais aussi par des élections législatives qui révèlent déjà la fragilité du règne de Napoléon III. C'est aussi du point de vue littéraire une année charnière où nous assistons à la réédition intégrale de l'œuvre de Balzac et à la réalisation du plan d'ensemble du cycle des Rougon-Macquart, ainsi qu'à la publication de l'Education sentimentale, de l'Homme qui rit, de Madame Gervaisais, de Vingt mille lieues sous les mers ou des Chants de Maldoror<br>This research has been done through a synchronic study of the literary life in 1869, through the perusal of Paris daily press as well as analysis of novels, plays and poems from that period. First and foremost, we tried to take stock of the literary production taking into account the historical, economic, scientific and artistic context of the time. Why chose 1869 ? Because this date is both a sign and an inevitable landmark. Just one year before the war broke out between France and Prussia and the third republic was proclaimed, 1869 was marked by the opening of the Suez canal, the centenary of Napoléon I But also by the results general election that revealed already the weakness of Napoleon III reign. From a literary viewpoint, 1869 is a transition year when Balzac's entire works were republished, the framework of the Rougon-Macquart cycle was set up and were published the Education sentimentale, l'Homme qui rit, Madame Gervaisais, Vingt mille lieues sous les mers or Les Chants de Maldoror
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Marre, Oriane. "La réception de l’avant-garde artistique dans la presse politique en France, de l’impressionnisme au fauvisme (1874-1905)." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040074.
Full textAbstract:
Cette thèse a pour objet la réception de l’avant-garde artistique dans la presse politique pendant les trente premières années de la Troisième République en France. Dans la perspective d’analyser la politisation non de la scène artistique mais de sa perception, nous nous proposons d’étudier la notion d’avant-garde artistique à travers le prisme du politique, de rechercher ce que les contemporains politisés des artistes considèrent comme un art à l’avant-garde. Nous nous sommes intéressés à la période longue, de 1874 à 1905, de l’impressionnisme au fauvisme. La première exposition du groupe impressionniste intervient sur la scène parisienne après la proclamation de la Troisième République le 4 septembre 1870, l’échec de la tentative de restauration monarchique de l’automne 1873 mais avant le vote de l’amendement Wallon le 30 janvier 1875 qui officialise la République. Sa réception s’inscrit dans le contexte de l’instauration puis de l’enracinement de la République en France, du passage des républicains de l’opposition au gouvernement. L’analyse de la réception des mouvements artistiques qui se développent à la fin des années 1880 permet quant à elle d’appréhender la perception du paysage artistique par le monde politique, de la gestion de l’État par les républicains modérés à l’accession au gouvernement des radicaux, intransigeants des années 1870. La presse politique, qui n’a pas vocation à discourir sur l’art mais constitue un miroir quotidien présentant une hiérarchie des événements dont elle garde la trace, nous est apparue un médium très pertinent afin de mettre à jour les réactions des spectateurs politisés dont les articles contiennent en filigrane les empreintes<br>In this thesis we study how the artistic avant-garde was perceived by the political press in France during the first thirty years of the Third Republic. We propose to question the notion of avant-garde by studying it through the political prism, trying to ascertain what the artists’ politically aware contemporaries used to consider avant-garde art. We do not focus on the political commitments of the artists, but on the way their art was perceived. We chose to consider a rather long period of time, ranging from 1874 to 1905, from Impressionism to Post-impressionism. The first exhibition of the impressionist group took place just after the Third Republic was proclaimed, on the 4th of September 1870, and the unsuccessful attempt to restore the Monarchy in 1873, but before the Wallon amendment voted in 1875, which formalized the establishment of the Republic. We study its reception both in the wake of the establishment of the Republic and as this political regime settles in France, when the Republicans cease to be part of the opposition and start leading the country. Analysing the reception of the art movements emerging in the late 1880’s allows us to grasp how the political audience reacted to the artistic production from the Moderate Republican government to the Radicals’ – formerly called intransigeants in the late 1870’s. Although the purpose of the political press was not to discuss art per se, it still reported artistic and political events, hierarchically presenting them on a daily basis. Acting as a powerful tool to explore the expectations and reactions of its intended politically aware readers, the political press remains a very relevant source for art historians
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Amao, Damarice. "Passion et Désillusion. Eli Lotar (1905-1969) : Contribution à une histoire des rapports entre les avant-gardes photographique et cinématographique à Paris dans l’entre-deux-guerres." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040036.
Full textAbstract:
Eli Lotar décède en 1969 à Paris après avoir poursuivi une longue et difficile carrière de photographe et de cinéaste. Alors qu’il fait partie des pionniers de la Nouvelle Vision photographique française aux côtés de Germaine Krull, il faut attendre 1993 pour qu’une première exposition monographique posthume lui soit consacrée par le musée national d’art moderne-Centre Pompidou. Entre temps, son documentaire Aubervilliers (1945) et son travail de directeur de la photographie auprès de Luis Buñuel et d’Alberto Cavalcanti lui ont assuré une solide réputation dans les milieux cinéphiles après la Seconde Guerre mondiale.Son identité de photographe moderne prend quant à elle plus de temps à se forger. En parallèle de cette réévaluation initiée à la fin des années 1970, dans le champ des études sur le surréalisme la série des Abattoirs de la Villette qu’il publiait dans la revue Documents (1929) lui permet de faire son entrée dans le panthéon visuel du mouvement d’avant-garde.Le surréalisme, le cinéma d’avant-garde, la Nouvelle Vision : Lotar a livré dans chacun de ces champs des images emblématiques tout en demeurant, encore aujourd’hui, une figure opaque et complexe. À partir de sources inédites, cette étude se propose d’envisager son parcours d’une part dans le réseau élargi des avant-gardes parisiennes et européennes, d’autre part à l’aune de sa deuxième identité, celle de cinéaste et de cinéphile. Sujet marginal dans le champ des études de l’entre-deux-guerres photographique française, ces rapports de la photo et du cinéma fondent, en partie, le nouveau paradigme visuel moderniste de l’époque dont Eli Lotar serait l’une des figures exemplaires à Paris<br>Eli Lotar passed away in Paris in 1969 after a long but low-key career as a photographer and filmmaker. While one of the pioneers of the New Vision in France alongside Germaine Krull, one has to wait year 1993 for a first solo show to be devoted by the Centre Pompidou. Meanwhile, his documentary Aubervilliers (1945) and his work as director of photography with Luis Buñuel and Alberto Cavalcanti ensured him a solid reputation in cinephile circles after the Second World War.His identity as a modern photographer, on the other hand, takes more time to take shape. In parallel with this revaluation initiated in the late 1970s, in the field of studies on surrealism, the series of the Abattoirs de la Villette he published in the review Documents (1929) allows him to become one of the icons of the avant-garde.Surrealism, avant-garde cinema, New Vision: Lotar delivered in each of these fields iconic images while he remains an opaque and complex figure. From unpublished sources, this study proposes to consider his career the one hand into the expanded network of Parisian and European avant-garde, the other in the light of its second identity as a filmmaker and cinephile. Peripheral subject in the field of studies of inter-war French photography, links between photography and cinema partly establish the new modernist visual paradigm of the era whose Eli Lotar would be one of the exemplary figures in Paris
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Marcolini, Patrick. "Esthétique et politique du mouvement situationniste : pour une généalogie de ses pratiques et de ses théories (1952-1972)." Nice, 2009. http://www.theses.fr/2009NICE2001.
Full textAbstract:
Alors que les avant-gardes artistiques de la première moitié du 20e siècle avaient amorcé un rapprochement voire une collaboration avec les mouvements politiques de leur temps, le mouvement situationniste (ici considéré dès sa naissance avec l’Internationale lettriste en 1952 et jusqu’à la dissolution de l’Internationale situationniste en 1972) se caractérise par la fusion achevée de l’esthétique et du politique. Dans cette perspective, notre travail a pour objet de démontrer comment le spectacle, pensé d’abord par les situationnistes dans le cadre d’une critique de la représentation artistique et de la contemplation passive et compensatoire qu’elle induit chez celui qui l’appréhende, s’est finalement révélé être pour eux le paradigme même du rapport des individus aux produits de leur activité en régime capitaliste ; comment la dérive et la psychogéographie, pensées dans le contexte du dépassement de l’art, leur ont aussi servi à contester l’ordre social dominant en procédant à une critique de la vie quotidienne, et à préfigurer la société communiste de l’avenir ; et enfin, comment cette préfiguration utopique a été constamment partagée entre une vision futuriste des perspectives ouvertes par le développement technologique et un romantisme révolutionnaire qui puisait son inspiration dans le passé de l’humanité, dans les sociétés nomades et médiévales<br>Artistic avant-gardes of the first part of the 20th century had started to bring closer, and for some of them to collaborate to the contemporary political movements, but the situationist movement (which begun in 1952 with the foundation of the Lettrist International, and ended in 1972 with the auto-dissolution of the Situationist International) was characterized by the complete fusion between art and politics. From this viewpoint, our work demonstrates how spectacle, which was initially used by situationists to designate the artistic representation and the passive and compensatory contemplation that accompanies it, proved to be for them the paradigmatic experience of the modern man faced with the products of his activity in the capitalist society. We also demonstrate how dérive and psychogeography, which were initially thought in the context of the supersession of art, were used by situationists as means to protest against the established order, making a critique of everyday life, and to imagine another form of society. Finally, we show how this vision of another society was divided between a futuristic utopia based on the technological development and a revolutionary romanticism inspired by the examples of the nomadic peoples and the medieval societies
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Vuong, Thomas. "Usages du sonnet européen (Allemagne, France, Grande-Bretagne, Italie) durant la Seconde Guerre-Mondiale (1939-1945)." Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCD089.
Full textAbstract:
On dresse ici un panorama ample des usages de la forme poétique du sonnet durant la Seconde Guerre mondiale, en France, Allemagne, Grande-Bretagne et Italie. Ce parcours à travers la poésie de pays opposés militairement donne lieu à des analyses ciblées, qui visent à mettre en avant le fonctionnement d’une forme qui connaît une réelle floraison durant ce dürftiger Zeit de l’Europe. De nombreux poètes emploient en effet le sonnet pour donner un ordre à une expérience individuelle ou collective du désordre. On envisage la manière dont ces usages interrogent parfois profondément le rôle de la poésie, lorsqu’elle est abondamment sollicitée dans des sociétés en crise. La réduction à un discours militant, l’interférence idéologique ou religieuse d’une part, la remise en cause des présupposés culturels ou relatifs au lyrisme d’autre part, sont autant de tensions qui traversent le sonnet. On propose que le sonnet, forme ordonnée, est employée pour se positionner face au désordre du monde, soit en le rédimant, soit en l’acceptant. Les deux positions ne se traduisent pas systématiquement par un équivalent formel dans le poème même. Toutefois, les usages néoclassiques et rénovateurs du sonnet ont pour point commun d’interroger très profondément le rapport de la poésie au monde<br>This study consists in a wide, comprehensive overview of the usages of the poetic form of the sonnet during the Second World War in France, Germany, Great Britain and Italy. Such a process aims at gathering close readings of sonnets, in order to highlight the mechanisms of a blooming form in the midst of a dürftiger Zeit. Many poets resort indeed to the sonnet in order to give a frame to a singular or collective experience of the chaos unleashed throughout Europe.The way these recourses to the sonnet interact with the role of poetry in a time of wide reception and collective crisis will be scrutinized in the light of political commitment, religious or ideological biases and the questioning of the former foundations of Western European culture, all of which can interfere in poetry’s proper motives.This work’s proposal is that the sonnet can be used as an ordered form, either to set a demiurgic stand in front of the chaotic situation of the continent, or so as to accept it. Neither poetic stances do necessarily lead to a disordering of the form itself ; however, both conservative and rejuvenating usages of the sonnet have in common the ability to deeply question poetry’s relation to the world
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Heinen, Johanna. "Ein „jüdisches“ Mäzenatentum für moderne französische Kunst ? : das Fallbeispiel der Nationalgalerie im Berlin der wilhelminischen Ära (1882-1911)." Paris, EHESS, 2012. http://www.theses.fr/2012EHES0158.
Full textAbstract:
À l'heure actuelle, il existe de nombreuses publications sur Hugo von Tschudi, l'ancien directeur de la Galerie nationale, qui défia la doctrine artistique de l'empereur Guillaume II, en achetant dès 1896 des œuvres d'art avant-gardistes, provenant de surcroît de l'ennemie jurée - la France. Jusqu'à la fin de son mandat en 1908, qui s'acheva par une démission « forcé », Tschudi réussit à pourvoir le musée d'une collection de chefs-d'œuvre de l'impressionnisme et du réalisme. La Galerie nationale joua ainsi le rôle de précurseur dans l'institutionnalisation de l'art moderne français - en Allemagne, mais aussi en regard de la France. Mais qui ont été les mécènes prêts à soutenir ces achats audacieux et quel était leur motif ? Les publications en histoire de l'art se focalisent presque exclusivement sur les mécènes et collectionneurs « juifs » allemands, qui représentaient une grande majorité dans le domaine de l'art moderne, et expliquent leur engagement par des attributs tels que le cosmopolitisme et la modernité, qui seraient propres à ce « groupe ». S'y ajoute la thèse d'un affront politique de la part d'une bourgeoisie bien établie et sûre d'elle à lencontre du régime wilhelmien. Le fait que certains des mécènes aient été des Kaiserjuden, c'est-à-dire des juifs proches de Guillaume II et que d'autres aient été baptisés depuis plusieurs générations, permet cependant de questionner la validité de ces approches. Par une étude interdisciplinaire, cette thèse s'est attachée à analyser les motifs du mécénat d'œuvres d'art moderne françaises offertes à la Galerie nationale afin de déterminer si et dans quelle mesure l'origine juive des mécènes l'a influencé<br>Hugo von Tschudi, director of the National Gallery from 1896 to 1908, bravely defied the Willhelmian art doctrine by displaying French modern art in the museum known as the "temple of German art". Many times, he and the collection of French modern art in the National Gallery were the subject of publications on art history. However the motivation of the patrons who funded these art works was mostly disregarded. The few publications that treated of patrons of French modern art in Berlin focused on Jewish patrons. The engagement of these patrons was explained by such attributes as cosmopolitanism and modernity that would be particularly characteristic of this group. Additionally, the case was made that such patronage constituted a political affront from the self-confident and liberal bourgeoisie to the Willhelmian regime. However, the fact that some of Tschudi's art patrons, such as the Mendelssohns, has been baptized for several generations, and that others known as "Kaiserjuden" were personally acquainted with the emperor Wilhem II, calls these theories into question. This disertation explores the motivation behind the patronage of the politically contested art and wether the Jewish origin of the art patrons still had an influence on patronage and artistic tastes in modern times
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Saillier, Didier. "Michel Leiris en ses revues (1924-1990)." Paris, EHESS, 2003. http://www.theses.fr/2003EHESA146.
Full textAbstract:
Très présent dans les milieux intellectuels français du XXe siècle, Michel Leiris (1901-1990) a publié abondamment dans les revues qui se veulent la vitrine des avant-gardes et autres mouvements littéraires et artistiques. Son œuvre autobiographique et son travail ethnologique ont occulté cet aspect là qui n'a jamais été étudié de façon systématique. Cette thèse tente de mêler plusieurs disciplines à la fois, telles que l'histoire des idées, l'histoire littéraire et artistique, l'histoire de l'anthropologie, la sociologie et la psychanalyse. La première partie analyse l'itinéraire de l'écrivain-ethnologue en empruntant des notions de la sociologie de Pierre Bourdieu pour saisir comment à partir de déterminismes tant familiaux que de classe sociale, Leiris est parvenu à se détacher du cercle restreint de son origine, pour rejoindre le monde des artistes qui, en retour, l'a entraîné dans une logique propre au champ littéraire. La seconde partie observe chronologiquement, les passages de Leiris au sein des revues et met en valeur ses apports et son originalité dans le concert des voix que représente le travail revuiste. Ces revues ont pour nom : La Révolution surréaliste, Documents, Les Cahiers du Sud, Minotaure, La critique sociale, La Nouvelle revue française, La Bête noire, Les lettres françaises, Les Temps modernes, Présence africaine, Critique, Gradhiva<br>Being present in the French intellectual milieux troughout the XX century, Michel Leiris (1901-1990) published a lot in the journals wich aimed to become show-cases of the activities of various literary and artistic movements, of avant-garde in the first place. The autobiographic writings and ethnological work of Michel Leiris have concealed this aspect of his creative activities, and it has not yet been studied systematically. The thesis borrows the approaches from different disciplines - the history of ideas, literary and art history, history of anthropology, sociology and psychoanalysis. The first part analyses the life-path of the writer-ethnologist. The conceptions of Pierre Bourdieu's theory are used to highlight how the logic and constraints of literary field acted in the life of Leiris who had avoided the path predetermined by his family and social class to join the artistic circles. The second part follows chronologically the passages of Leiris in the world of journals and shows the originality of his voice and of his contribution to the following journals : La Révolution surréaliste, Documents, Les Cahiers du Sud, Minotaure, La critique sociale, La Nouvelle revue française, La Bête noire, Les lettres françaises, Les Temps modernes, Présence africaine, Critique, Gradhiva
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Fraixe, Catherine. "Art français ou art européen ? : l'histoire de l'art moderne en France : culture, politique et récits historiques, 1900-1960." Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0115.
Full textAbstract:
Cette thèse analyse une série d'« histoires de l'art moderne» diffusées en France de 1900 à 1960 comme un « hypertexte» dont les mutations ne se comprennent qu'à la lumière des reconfigurations politiques d'une même question, à savoir la forme de la communauté qu'ils tentent de définir. Entre la nation et l'Europe, le peuple et les élites, les « ethnies» et les « races», ces « histoires» établissent jusqu'à la Seconde Guerre mondiale des liens complexes, et des distinctions tranchées. Le modèle organiciste testé par la III e République vers 1900 puis au Salon d'Automne structure durant trois décennies un récit qui, selon le cas, se réfère à la psychologie des peuples ou privilégie l'activité créatrice d’une élite, héritière, selon l'Action française, d'un Occident latin. Le modèle impérialiste de l'Europe française chère aux maurrassiens coexiste à la fin des années 1920 avec un récit mettant l'accent sur les caractéristiques « ethniques» de chaque « peuple européen ». Au début des années 1930; enfin, le mythe politique d'un Occident latin cède le pas à la vision biologique d'une Europe latine composée de groupes ethniques appartenant au même « type racial ». Une nouvelle « histoire de l'art» diffuse bientôt les mêmes mots d'ordre que les divers fascismes européens. L'« histoire de l'art moderne », centrée sur des avant-gardes internationales exprimant les valeurs du monde libre, que des groupes américains et européens tentèrent d'imposer au début des années 1950, ne pouvait dès lors qu'entrer en conflit avec les représentations de la nation mais aussi celles d'une Europe supranationale, ethno-raciale, qui avaient dominé l'entre-deux-guerres<br>This thesis studies a series of « histories of modern art », which circulated in France between 1900 and 1960, as a « hypertext» whose transformations can be understood as political reinterpretations of the same question, that is the form of the community they« describe ». Thus in the first half of the XX th Century, those narratives establish complex relations, and sharp distinctions, between «nation» and «Europe », «people» and «elites », «ethnic groups» and «races ». The organicist model the Third Republic favoured around 1900 and which triumphed al the Salon d'Automne would structure during three decades a narrative which referred either to the so-called psychology of the peoples or to the creative power of an elite, which according to the Action française, would save a Western Civilisation rooted in a Latin tradition. At the end of 1920s, the imperialist model of a « French Europe », dear to the maurrassians, coexisted with a narrative stressing the ethnic caracteristics of each « Europeân people ». Ln the early 30s, the political myth of a Latin Civilisation was at last dispeIIed in favour of the biological conception of a « Latin Europe » composed of ethnie groups belonging to the same « racial type ». A new « history of art» was designed to spread ideas similar to those of the diverse European fascisms. The «history of modern art », focused on international avant-gardes expressing the values of the « free world », that American and European groups tried to impose in the early 1950s, would then conflict not only with nationalist representations but also with the supranational, ethno-racial, « European » models of the interwar period
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Barón, Jaime. "Le sujet poétique chez Apollinaire et Huidobro : recherches autour du mythe du poète dans le contexte avant-gardiste." Bordeaux 3, 2005. http://www.theses.fr/2005BOR30047.
Full textAbstract:
Les éclatements successifs du sujet-oxymore chez Apollinaire à partir de 1907-1908 donnent lieu à une définition sémiotique stable du Je-Poète. La crise de la poésie est assumée par cette définition, passible de retours allotopiques (scissions) ou projetée vers son ouverture spatiale et calligrammatique. À cette crise le sujet-tmèse, chez Huidobro, répond par une stratégie de disjonction (1917-1918) progressivement euphémisée. Dans la structure de la tmèse on repère un passage annoncé par plusieurs symptômes (réfraction, ostranenie, thématique des horloges) qui relisent la crise apollinarienne à travers le constat de l'absence du présent poétique. De là la nécessité de déployer une narration implicite du mythe du poète, dynamisée par un emploi citationnel apollinarien massif. Dans Altazor se redéfinit cette narration nourrie par une culture post-biblique ou altazorienne, par le dialogue avec les avant-gardes et par des résurgences oxymoriques apollinariennes. Le parallélisme Huidobro / Reverdy (1915-1918) permet de dégager la spécificité et la continuité avec le passé littéraire de ce mythe huidobrien, et la comparaison avec le dadaïsme et le surréalisme (années 20) le replace autour de la problématique de sa légitimité diversement orientée sur des axes pragmatiques conflictuels. La représentation du sujet comme signe double révèle ses zones d'oscillation -historiques, esthétiques, culturelles - et confirme dans l'écriture poétique de la guerre la visée unitaire et médiatrice du système oxymorique en opposition à un sujet-tmèse obligé à rééquilibrer la crise de la poésie d'un point de vue figural et culturel<br>Summary : Successive breaking-ups of the oxymoron-subject in Apollinaire from 1907-1908 onwards lead to a stable semiotic definition of the I-as-Poet. The crisis of poetry is taken charge of by this definition that may undergo allotopic returns (scissions) or be projected towards its spatial and calligrammatic opening up. In Huidobro's work, the tmesis-subject responds with a progressively euphemised strategy of disjunction in 1917-1918. In the structure of tmesis, we spot a passage announced by several symptoms (refraction, ostranenie, the theme of clocks) which reread the Apollinarian crisis by acknowledging the absence of a poetic present. Hence the need to deploy an implicit narration of the myth of the poet, dynamised by massive use of quotations from Apollinaire. Altazor redefines this narrative nourished by a post-biblical or “Altazorian” culture, a dialogue with the avant-gardes and oxymoric resurgences from Apollinaire. A parallel between Huidobro and Reverdy from 1915 to 1918 allows us to detect both the specificity of this Huidobrian myth and its continuity with the literary past, while a comparison with Dada and Surrealism (in the 20s) situates it on the background of questions of legitimacy diversely oriented on conflictive pragmatic axes. The representation of the subject as a dual sign reveals its several areas of oscillation (historical, aesthetic and cultural) and confirms in the poetic scripture of the war the wholistic and mediating goal of the oxymoric system, as opposed to the tmesis-subject obliged to re-balance the crisis from a figural and cultural point of view
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Trespeuch-Berthelot, Anna. "Des situationnistes aux situationnisme : genèse, circulation et réception d'une théorie critique en Occident (1948-2009)." Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010532.
Full textAbstract:
L'Internationale Situationniste (1957-1972) connaît une postérité importante et protéiforme jusqu' à nos jours. En France comme à l'étranger, les milieux artistiques, politiques et intellectuels se réapproprient ses thèses et ses postures, en les réinterprétant, ce qui donne naissance à autant de « situationnismes ». En 2009 en France, le classement « Trésor national » des archives de son leader Guy Debord scelle un processus de légitimation à l'oeuvre depuis une vingtaine d'années. Cette thèse reprend l'histoire de cette organisation née avant-garde artistique dans les années 1950, mais connue du grand public dans les années 68 en tant que mouvement politique contestataire à bien des égards atypique. L'attention est portée sur l'évolution de sa théorie, glissant de l'utopie vers la critique sociale, et sur ses échanges au sein de réseaux de sociabilité internationaux. L'analyse de sa réception est menée en amont et en aval de son auto dissolution en 1972. Elle s'attache au rôle joue par plusieurs vecteurs: les producteurs eux-mêmes (les situationnistes), leurs héritiers. Directs (les « prosituationnistes »), et les médiateurs du culturel. Différents usages, parfois conflictuels, sont faits de cette théorie et de ces pratiques importées du passé, et introduites dans des débats du temps pressent. Ces circulations dans le temps et dans de nombreux espaces culturels et politiques sont ici décryptées.
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Nédélec, Marine. "De l'incohérence à l'humour, Dada et le surréalisme dans le miroir de la presse : réception et diffusion de Dada et du surréalisme par la presse française (1920-1927)." Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H084.
Full textAbstract:
Que reste-t-il encore à examiner de Dada et du surréalisme, quasiment cent ans après leur naissance ? Malgré les multiples études déjà existantes, certainement beaucoup de choses, à commencer par les réactions de leurs contemporains. Car si la réception de Dada, puis surtout du surréalisme, a suscité des analyses, ce vaste champ de recherche demeure encore en grande partie à explorer. Cent vingt-six titres ont été ici consultés parmi la presse française des années vingt, afin d’observer la réception de Dada et du surréalisme. L’analyse des articles a fait émerger des thématiques, qui ont construit la structure de cette thèse. La première partie montre comment Dada et dans une moindre mesure le surréalisme ont été perçus comme incohérents, absurdes et donc incompréhensibles. En cherchant à expliquer les raisons de l’incohérence dadaïste, cette partie glisse vers la notion d’hermétisme. De là, la seconde partie s’attelle à analyser l’humour Dada à travers les mystifications, puis le rire joyeux qui tourne à l’offensive et au tragique. En faisant dialoguer les avis de critiques les uns avec les autres, ce travail permet de replonger ces avant-gardes dans leur époque. S’y dévoile leur histoire, mais aussi en filigrane les préoccupations des années vingt. En outre, cette étude fait émerger les filiations dans lesquelles la presse a inscrit les deux mouvements : du romantisme au futurisme, en passant par le symbolisme, les Arts Incohérents, l’impressionnisme, le postimpressionnisme, le cubisme ou encore les Humoristes<br>What is left to examine about Dada and the Surrealism almost a hundred years after the birth of these movements? Numerous studies have dealt with the subject, yet the reactions of their contemporaries have still to be explored. If Dada’s and the Surrealism’s reception among the public has been touched upon by scholars, it remains an unexplored aspect of these movements. This thesis relies upon the analysis of a hundred and twenty-six titles from the 1920’s French press in order to fill this gap by exploring the reception of Dada and Surrealism. The structure of this thesis has been built upon the themes found in the press articles. The first part shows how Dada and to a lesser extent Surrealism have been perceived as incoherent, absurd and thus unintelligible. By trying to explain the reasons of this Dadaist incoherence, this first part touches upon the notion of hermeticism. Then, the second part analyses Dadaist humour through its mystification and laughter which often turns to be offensive and tragic. By cross-reading the various critical assessments of these two movements, this thesis allows us to put back these avant-guardes in their own historical contexts. It unveils their history which is underlined by the concerns of the 1920’s. in addition, the analysis of their reception enables us to insert these two movements in a cartography of references which goes back to the Antiquity, continues in the Middle Ages, expands in the 19th century and comes to an end in the beginning of the 20th century. Therefore, Dada and Surrealism have been read and evaluated in relation to artistic and literary history, from Romanticism to Futurism, right through Symbolism, Incoherent Arts, Impressionism, post-Impressionism, Cubism and the Humorists
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Samacher, Jean-Yves Olivier. "Le statut de l'œuvre chez Antonin Artaud et David Nebreda." Thesis, Strasbourg, 2014. http://www.theses.fr/2014STRAC029/document.
Full textAbstract:
A quelle(s) logique(s) répondent les dispositifs de création réalisés par Antonin Artaud et David Nebreda ? Quel statut attribuer à leurs « œuvres », si tant est que l’on puisse accoler cette appellation à leurs travaux ? Pour répondre à ces questions, nous mènerons une réflexion d’ordre esthétique et nous nous interrogerons parallèlement sur la spécificité du processus de création dans la psychose. Nous étudierons les productions d’Artaud et de Nebreda sous l’angle de la mise en scène et de la performativité. Nous mettrons également en lumière l’abolition de la représentation, l’effondrement de la scène et les limites du jeu / je. Nous montrerons ainsi la prédominance des registres Réel et Imaginaire conçus par Jacques Lacan. Chez ces « artistes » transgressant les frontières des genres et de l’art, les manifestations incontrôlées du corps et les conflits intrapsychiques donnent lieu à des recréations simultanées du monde et du langage, qui, en même temps qu’elles s’apparentent au déroulement d’une cérémonie de mise à mort, tracent des signes inédits, forment d’étranges parcours et s’orientent vers l’horizon d’une nouvelle naissance<br>Which logic is guiding the multimodal creations proposed by Antonin Artaud and David Nebreda ? What kind of status can be applied to their “(art)works” ? In order to answer these questions, we will lead an esthetical research and study concurrently the specificities of the creative process in psychosis. We will examine Artaud’s and Nebreda’s productions through the notions of setting and performativity. We will underline the abolition of representation and the crumbling of the stage as well as the limits of play / subjectivity. We will show the predominance of the Real and Imaginary registers as they have been conceived by JacquesLacan. By Artaud and Nebreda, the uncontrolled corporal manifestations and the intra-psychicconflicts generate simultaneous recreations of the body and language as, in the same time, they achieve a sort of sort killing ceremony, tracing unseen signs, outlining strange trails and pointing toward the horizon of a new birth