Academic literature on the topic 'Avantguardes'

Collage is a form found in many classic and popular picturebooks for children, and contemporary picturebook artists have increasingly used the cross-med6iality of the form, but its more radical use is perhaps less well known. This paper explores collage as a particularly interdisciplinary artistic expression, pointing to plural readings and understandings across its intermedial form, drawing on a number of ‘cutting-edge’ artists’ picturebooks for children that have posed radical political questions through collage design, including Hannah Höch’s Picturebook (1945), Umberto Eco & Eugenio Carmi’s The Bomb and the General (1989), Davide Cali & Serge Bloch’s The Enemy (2009) and André Leblanc & Barroux’s The Red Piano (2009).Now recognised as a major turning point in the evolution of modernist art—a form that always seeks change—collage is a developing element of children’s literature. Many of the images in anti-establishment or anti-war picturebooks act as riposte to political rhetoric. Such questions are posed as a fundamental part of the urgent artistic expression of collage, where absurdist and paradoxical images expose truths and ridicule fictions, created to surprise and shock the reader or viewer. The special relationship of collage as anti-war activism and ‘avant-guerre’ art is explored, viewing collage as a form which can challenge the seeming realities of a point in history, present political critique and point to possibilities for change, using as its material ripped-out, torn, cut, stuck and pasted visual refuse of its time. Thus war becomes literally war-torn.Key words: Collage, Politics, Picturebook, Avant-garde, War. ResumenEl collage es una técnica que se utiliza en muchos álbumes ilustrados infantiles clásicos y populares; los artistas de álbumes ilustrados contemporáneos han utilizado cada vez más la mediación cruzada de la forma, pero su uso más radical es quizás menos conocido. Este trabajo explora el collage como una expresión artística particularmente interdisciplinaria, apuntando a interpretaciones y lecturas plurales a través de su forma intermedia, recurriendo a una serie de álbumes ilustrados infantiles de ‘vanguardia’ que han planteado cuestiones políticas radicales a través de sus diseños de collage, incluyendo Picturebook (1945), de Hannah Höch, The Bomb and the General (1989), de Umberto Eco y Eugenio Carmi, The Enemy (2009), de Davide Cali y Serge Bloch, y The Red Piano (2009), de André Leblanc y Barroux.Siendo ahora reconocido como un importante punto de inflexión en la evolución del arte modernista, una forma que siempre busca el cambio, el collage es un elemento en desarrollo en la literatura infantil. Muchas de las imágenes contra el establecimiento o contra la guerra presentes en álbumes ilustrados actúan como respuesta a la retórica política. Tales preguntas se plantean como una parte fundamental de la expresión artística urgente del collage, donde las imágenes absurdas y paradójicas exponen verdades y ficciones ridículas, creadas para sorprender e impactar al lector o al espectador. Se explora la relación especial entre el collage como activismo contra la guerra y el arte de ‘avant-guerre’, considerando el collage como una forma que puede desafiar las realidades aparentes de un punto de la historia, presentar una crítica política y señalar posibilidades de cambio, utilizando como material basura visual de su tiempo desgarrada, rasgada, cortada, adherida y pegada. Por lo tanto, la guerra se convierte literalmente en un desgarro de guerra.Palabras clave: Collage, Política, Álbum ilustrado, Vanguardias, Guerra. ResumEl collage és una tècnica que s'utilitza en molts àlbums il·lustrats infantils clàssics i populars; els artistes d'àlbums il·lustrats contemporanis han utilitzat cada vegada més la mediació creuada de la forma, però el seu ús més radical és potser menys conegut. Aquest treball explora el collage com una expressió artística particularment interdisciplinària, tot apuntant a interpretacions i lectures plurals a través de la seua forma intermèdia, recorrent a una sèrie d'àlbums il·lustrats infantils d’ 'avantguarda' que han plantejat qüestions polítiques radicals a través dels seus dissenys de collage , incloent Picturebook (1945), de Hannah Höch, The Bomb and the General (1989), d'Umberto Eco i Eugenio Carmi, The Enemy (2009), de Davide Cali i Serge Bloch, i The Red Piano (2009), d'André Leblanc i Barroux.A hores d’ara és reconegut com un important punt d'inflexió en l'evolució de l'art modernista, una forma que sempre busca el canvi; el collage és un element en desenvolupament en la literatura infantil. Moltes de les imatges contra l'establiment o contra la guerra presents en àlbums il·lustrats actuen com a resposta a la retòrica política. Tals preguntes es plantegen com una part fonamental de l'expressió artística urgent del collage, on les imatges absurdes i paradoxals exposen veritats i ficcions ridícules, creades per sorprendre i impactar el lector o l'espectador. S’explora la relació especial entre el collage com activisme contra la guerra i l'art de 'avant-guerre', considerant el collage com una forma que pot desafiar les realitats aparents d'un punt de la història, presentar una crítica política i assenyalar possibilitats de canvi, utilitzant com a material escombraries visuals del seu temps esquinçades, tallades, adherides i enganxades. Per tant, la guerra es converteix literalment en un esquinç de guerra.Paraules clau: Collage, Política, Àlbum il·lustrat, Avantguardes, Guerra

RESUMEN:El objetivo del artículo es aproximarnos a la controvertida biografía del comisario Manuel Brabo Portillo. El trabajo está basado en fuentes primarias y secundarias. El método utilizado es empírico. En el imaginario del mundo sindicalista revolucionario, Brabo Portillo era el policía más odiado, la reencarnación de la cara más turbia del Estado. Fue, así mismo, un espía alemán relacionado con el hundimiento de barcos españoles, el asesinato del empresario e ingeniero Barret y el primer jefe de los terroristas vinculados a la patronal barcelonesa. La conflictividad que afectó a España en el período de la Primera Guerra Mundial es fundamental para entender los orígenes del terrorismo vinculado al pistolerismo, que marcó la historia político social española del primer tercio del siglo XX.PALABRAS CLAVE: Brabo Portillo, pistolerismo, espionaje, sindicalismo, Primera Guerra Mundial.ABSTRACT:The objective of the article is an approach to the controversial biography of Police Chief Manuel Brabo Portillo. The work is based on primary and secondary sources. The method used is empirical. In the imagery of the revolutionary syndicalist world, Brabo Portillo was the most hated policeman, the reincarnation of the murkiest face of the state. He was also a German spy connected with the sinking of Spanish ships, the murder of businessman and engineer Josep Barret and the first head of the terrorists linked to Barcelona employers. The conflict that affected Spain during the period of the First World War is fundamental in order to understand the origins of terrorism linked to pistolerismo, which marked Spanish social political history during the first third of the twentieth century.KEY WORDS: Brabo Portillo, pistolerismo, espionage, syndicalism, First World War. BIBLIOGRAFÍAAisa, M., La efervescencia social de los años 20. Barcelona 1917-1923, Barcelona, Descontrol, 2016.Aguirre de Cárcer, N., La neutralidad de España durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918). I. Bélgica, Madrid, Ministerio de Asuntos Exteriores, 1995.Alonso, G., “’Afectos caprichosos’: Tradicionalismo y germanofilia en España durante la Gran Guerra”, Hispania Nova, 15, 2017, pp. 394-415.Amador, A., El Terror blanco en Barcelona. Las bombas y los atentados personales. Actuación infernal de una banda de asesinos al servicio de la burguesía. El asesinato como una industria, Tarragona, Talleres gráf. 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Els estudis generals realitzats sobre la història de l'art català encara no han profunditzat en la història de l'art local. L'apropament a "quan" i " com" van arribar les avantguardes del Segle XX a Sabadell són una forma de contribuir en aquest camp.

Es constata l'absència i dificultat en l'arribada i consolidació de les considerades Primeres Avantguardes. D'altra banda, la Guerra Civil, el 1936-1939, va suposar un tall per a les incipients iniciatives que s'anaven generant els anys trenta. La dictadura va condemnar definitivament tot intent renovador en favor de les tendències naturalistes més acadèmiques i conservadores en el món artístic. Els intents de crear un art franquista, si bé no van consolidar una proposta estètica i estilística, sí van incidir en determinades obres i en l'ambient artístic, carregat de censura i ús polític de l'art com a propaganda del règim. L'arribada de les segones avantguardes, a finals dels anys quaranta i principis dels cinquanta, suposa en el fons per a la ciutat l'arribada de la renovació avantguardista, sense haver de passar evolutivament per les primeres. En contra de la potenciació a les avantguardes, concretament de l'informalisme, que se suposa realitzava per interessos polítics el règim franquista, els artistes que militaven en aquestes tendències a la ciutat van haver de lluitar molt en contra d'un ambient conservador i antiavantguardista.

La renovació dels llenguatges plàstics a la ciutat la va dur a terme un petit nombre d'artistes, dotze o tretze, en un panorama amb més de 200 artistes. Una aposta molt valenta i determinant perquè l'avantguarda arribés, se'n conegués i se'n parlés d'ella, més encara si es té en compte que no van aconseguir vendes ni un mercat estable.

La situació artística, junt amb el context social i polític, dibuixen un moment d'arribada de les avantguardes en el qual són inseparables els termes "avantguarda - franquisme - art local" desenvolupant un gran paper en la consolidació d'un nou art a Catalunya. Aquesta visió dóna un paper rellevant a les necessàries aportacions d'una història de l'art local encara per consolidar.
The over all research carried out on the history of Catalan art has not gone into the history of local art.

The approach to the "when" and "how" the avant-gardes of the 20th. century reached Sabadell are one way of contributing to this field.

The absence and difficulty of the arrival and consolidation of those considered the first vanguards is verified. Furthermore the Civil War -1936/1939- caused a cut in the incipid initiatives that were being generated in the thirties. The dictatorship completely condemned any attempt at renovation, but favoured the more academic and conservative naturalist tendencies in the artistic world. The attempts at creativity plus a franquist art, although an esthetical and stylistic proposition was not consolidated, did make an impact on certain works and on the artistic environment, which was changed with censorship and political use of art as propaganda for the regim.

The arrival of the Vanguards in the late forties, early fifties, basically, presumed for the town the arrival of the vanguardist renovation, without having to go through the phases of evolution as the firsts vanguards had done. Instead of promoting the vanguard, particularly the formalism, pressumably carried out in the interest of the franquist regime, the town's artists who were kind on these tendencies had to fight hard against a conservative and anti-vanguardist environment.

The renovation of the plastic languages in the town were carried out by a small group of artists, no more than twelve or thirteen, out of a panorama of over two hundred artists, a very brave bet which was decisive for the vanguardia to arrive, to become known and talked about, even more so when one takes into account that they did not make any sales or establish a stable market.

The artistic situation, together with the social and political context demonstrates the moment of the arrival of the vanguards in which the terms "vanguard"- "franquism"- "local art" are inseparable, developing an important role in the consolidation of a new art in Catalonia. This approach to the subject gives a relevant role to the necessary contributions to a history of local art yet to be consolidated.

La tesi que exposem es basa en una aproximació a la música a través de les arts plàstiques, concretament amb una mirada a la pintura. Es treballa en diferents nivells educatius amb el propòsit d’integrar pedagògicament ambdues àrees mitjançant la pràctica activa amb els recursos pedagògics adients; és, per tant, una recerca interdisciplinària entre la Història de la Música i la Història de l’Art. Partint de l’estat de la qüestió i la hipòtesi inicial, s’ofereix una primera part de la investigació, a tall de mostra, sobre la relació entre la música i la pintura a partir d’instruments musicals, temàtiques universals i compositors i pintors destacats que van tenir un ressò en l’art del classicisme, romanticisme i avantguardes artístiques del segle XX. La segona part de la tesi exposa el treball pedagògic dut a terme, com ara l’activitat “L’Art en la recerca: treballem amb l’Art, eduquem per la Pau”, que inclou la preparació i la realització d’un concert en el Museu d’Art Modern de la Diputació de Tarragona (MAMT) a càrrec de l’alumnat d’un Institut, interpretant obres de creació pròpia relacionades amb obres d’art del museu. També es mostra el treball realitzat en diferents contextos educatius sobre la comprensió de la música en relació amb la pintura, partint del classicisme i romanticisme musical fins a les avantguardes artístiques del segle XX, amb l’aplicació pedagògica dels continguts tractats en els capítols II, III i IV. La investigació aporta la valoració per part de l’alumnat i professorat de la metodologia d’ensenyament-aprenentatge proposada, reflectida en les conclusions. Es considera important que l’alumnat arribi a assolir al llarg dels respectius cursos acadèmics el coneixement i la valoració d’obres d’art relacionades amb els diferents estils musicals de la història de la música d’Occident.
La tesis que exponemos está basada en una aproximación a la música a través de las artes plásticas, concretamente en una mirada a la pintura. Se trabaja en diferentes niveles educativos con el propósito de integrar pedagógicamente ambas áreas mediante la práctica activa con los recursos pedagógicos adecuados; es, por tanto, una investigación interdisciplinar entre la Historia de la Música y la Historia del Arte. Partiendo del estado de la cuestión y la hipótesis inicial, se ofrece una primera parte de la investigación, a modo de muestra, sobre la relación entre la música y la pintura a partir de instrumentos musicales, temáticas universales y compositores y pintores destacados que han tenido un eco en el arte del clasicismo, romanticismo y vanguardias artísticas del siglo XX. La segunda parte de la tesis expone el trabajo pedagógico realizado, como la actividad "El Arte en la investigación: trabajemos con el Arte, eduquemos para la Paz", que incluye la preparación y la realización de un concierto en el Museo de Arte Moderno de la Diputación de Tarragona (MAMT) a cargo de los alumnos de un Instituto, interpretando obras de creación propia relacionadas con obras de arte del museo. También se muestra el trabajo realizado en diferentes contextos educativos sobre la comprensión de la música en relación con la pintura, partiendo del clasicismo y romanticismo musical hasta las primeras vanguardias artísticas del siglo XX, y la aplicación pedagógica de los contenidos tratados en los capítulos II, III y IV. La investigación aporta la valoración por parte del alumnado y profesorado de la metodología de enseñanza-aprendizaje propuesta, reflejada en las conclusiones. Se considera importante que el alumnado llegue a alcanzar a lo largo de los respectivos cursos académicos el conocimiento y valoración de obras de arte relacionadas con los diferentes estilos musicales de la historia de la música de Occidente.
This thesis is based on an approach to music through visual arts, more specifically through painting. It works at different educational stages in order to integrate pedagogically both areas, music and painting, through active practice with appropriate educational resources; therefore, it is an interdisciplinary research between Music History and Art History. Starting from the state of affairs and the initial hypothesis, the first part of the investigation provides examples of the relationship between music and painting based on musical instruments, on universal themes and also on composers and painters that are prominent in classicism, romanticism and avant-garde twentieth century. The second part of the thesis introduces the pedagogical work that has been elaborated, for instance the activity "The art in the research: let us work with Art and educate for Peace". This work includes the preparation and implementation of a concert in the Modern Art Museum of Tarragona (MAMT) lead by students of an institute, in which the students performed musical works created by them, works that were related to the artworks of the museum. In this part it is also introduced the work that has been done in different educational contexts concerning the understanding of music in relation to painting from the classical and romantic music to the twentieth century avant-garde, and also the pedagogical application of the content covered in chapters II, III and IV. In its conclusions, this research provides the assessment done by students and teachers of the teaching-learning proposal. It is considered important that during the respective academic courses the students achieve the knowledge and the appreciation of works of art related to the different musical styles of the history of Western music.

L'objecte de la Tesi és tractar la perspectiva arquitectònica en el concepte que es desenvolupa a través del dibuix dins de la pintura. Es comença utilitzant l' expressió artística del Renaixement en les perspectives considerades modèliques per definir un sistema de representació tridimensional. Posteriorment considerem en l' àmbit geogràfic europeu del segle XX, la presència de l'arquitectura representada, en la valoració dels volums en la faceta de configurar l'espai. Així seran objectiu de la Tesi aquests últims temes perspectius geomètrics dibuixats i pintats, per la seva pròpia riquesa representativa i formal, en referència a la seva descripció i comparació amb les perspectivas renaixentistes.
La part central de la Tesi es situa en la demostració que les avantguardes pictòriques defineixen la seva radicalitat en oposició a l' escenografia que presentava la representació arquitectònica en cada cas presentat, en contrast a l' expressió dels models anteriors. La pretensió d'aquest estudi comparatiu amb els sistemes renaixentistes és la recerca d'unes noves teories substituïdores de la perspectiva clàssica dins de cada moviment pictòric analitzat. Es basa en la comprensió dels corrents com unitat global, i d' algun artista singular, a fi de seguir un procés cronològic a partir de les influències que ja començaren a final del segle XIX. El seguiment entre les diverses obres consultades es concreta en les exposades a anàlisi, a efecte que s' han trobat diferències entre el sistema inicial i aquestes en forma de característiques innovadores que portaran a les conclusions. La Tesi parla de les ortodòxies i heterodòxies en funció d' una submissió o separació a la representació geomètrica inicial.
La metodologia de l'anàlisi es basa en un cop estudiada la tradició perspectiva del Renaixement, en comparar-la amb els moviments del segle XX, respecte als seus autors i corrents, dins de l' argument de la volumetria arquitectònica representada. En el procés, es tindran en compte les definicions i motivacions de les avantguardes en sentit doctrinal i en forma de manifestos, així com les consideracions dels diversos crítics sobre les obres en l' aspecte que ens interessa dins de la representació pictòrica. A més, les característiques i els adjectius propis d' aquesta recerca, es classifiquen per analogies en el diccionari que es proposa com document aclaratori. Les conclusions es mouen dins de les transgressions visuals trobades que porten a la pintura a un concepte de representació apartada de la resolució visual dels temes tractats. Es concreten en forma d' heterodòxies respecte al sistema anterior en la interpretació de l' espai pictòric definit per l' arquitectura.
The object of the thesis is to treat architectural perspective as a concept that it develops trough drawing within paintings. First using renaissance artistic expression in perspectives considered models to define a three-dimensional representation system. Later
we consider, within the confines of geographical Europe in the twentieth century, the presence of represented architecture, valuing volumes within the figurative configuration of space. So these questions are the object of the thesis, drawn and painted geometric perspectives for their formal and representative value, in reference to description and compared to renaissance perspectives.
The central part of the thesis situates the demonstration of avant-garde pictures that define the opposition to scenography that represents architectural presentation in each example shown, in contrast of earlier models. The intention of the study in comparison with renaissance systems is the search for new theories that can replace the classical perspective of each pictorial movement analyzed. Based on the understanding of global current, and that of a particular artist, with the intention to follow chronological process, with its influences that started in twenty-first century. Differences between the initial systems and those used in the buildings studied have been found, and are exposed in the analysis. These differences have innovative characteristics that helped to come to a conclusion. The thesis talks about orthodoxies and heterodoxies and the submission or separation from the initial geometrical representation.
The methodology of the analysis is based on, after studying the traditional renaissance perspective; compare it with twentieth century movements. Using its authors and currents within to argument the architectural volume presented. In the process, close attention has been paid to, the definitions and motivations of the avant-garde. As to the considerations of various critics of the building in the aspect, that interests us within the pictorial representation. In addition, the very characteristics and adjectives of the study are classified as analogies of the dictionary, which are used as additional information. The conclusions move within the visual transgressions found, that take the painting to a separate concept of representation to that of the visual resolution in the treated aspects. And broken down to form of heterodoxies, in relation to the earlier system of interpretation of pictorial space defined by the architecture.

DE LA TESIS:

1) ANTECEDENTES

Ángeles Santos, pintora recordada por muchos de su generación como la creadora del cuadro Un mundo, que pintó en 1929 siendo una muchacha de apenas dieciocho años, reside actualmente en la galería de los pintores injustamente olvidados.

Prueba esta aseveración el que, de entre toda su fecunda obra pictórica, tan sólo pueda contemplarse públicamente este cuadro, enorme lienzo que se exhibe actualmente en el "Museu de l'Empordà" de Figueres. El cuadro es acreedor, por sí solo, por el universo que encierra, de un detallado y completo estudio.

Probablemente habrá contribuido al general olvido de esta excepcional pintora el que el resto de sus lienzos se hayan ido desperdigando entre colecciones particulares y sótanos de Museos, entre otros, el de Arte Contemporáneo de Madrid.

No es de extrañar, pues, que en los años treinta sus obras tuvieran tanta resonancia en los ambientes artísticos y fuera tan bien acogida por la crítica como un caso inaudito de pintora genialmente precoz.

La primera de sus numerosas exposiciones fue en Valladolid en 1928. En 1930 el "X Salón de Otoño" de Madrid dedicó una sala a sus cuadros. Fue componente de la Sociedad de Artistas Ibéricos, expuso en Copenhague, Berlín y París. Sus obras también atravesaron el Atlántico para poder ser contempladas en el Carnegie Institute de Pittsburgh.

Todo ello demuestra que en este breve período de tiempo la escena artística española fue testigo de la ascensión meteórica de esta pintora.

2) OBJETIVO

He pretendido, al desarrollar los diferentes aspectos que componen este trabajo, confeccionar un Catalogo crítico y recopilar la máxima información existente acerca de la obra de Ángeles Santos, que permitiese poner de manifiesto, lo más objetivamente posible, la aportación de esta pintora a nuestro patrimonio artístico.

En base a las investigaciones efectuadas en torno a la fuerte repercusión que en los círculos artísticos produjo su obra más temprana, y teniendo en cuenta que, desde 1933, se produce un cambio notable en su estilo, el cual no abandonará hasta nuestros días, he creído oportuno centrar el estudio en el período anterior a la guerra civil española.

Sin querer significar con ello que la obra posterior carezca de interés, solamente se incluye al final de este trabajo una breve referencia a la misma debido a que ésta pertenece a una etapa de la producción de la pintora aún inconclusa, pues todavía pinta en la actualidad, por lo que no se dispone de la suficiente perspectiva histórica para poder valorarla con objetividad. Por otra parte, la diferencia de estilos entre ambas etapas aconseja asimismo analizar su producción posterior en un estudio aparte, del cual puede ser punto de partida este trabajo.

3) FUENTES

En lo concerniente a la obtención de datos precisos en el desarrollo de este estudio, he consultada fuentes de diversa índole.

Para la confección de un catalogo lo má s completo posible de sus obras, ha sido de inestimable ayuda la relación obtenida de la propia Ángeles Santos. Esta relación se ha ido engrosando a partir de los catálogos de exposiciones y otras publicaciones que he ido encontrando a lo largo de cuatro años de investigación en España y en el extranjero. Además, el continuado contacto con la pintora me ha facilitado una más profunda comprensión de su personalidad y de su obra. Merece especial mención la ayuda recibida de Rafael Santos Torroella, hermano de la artista, quien ha publicado diversos artículos sobre ella en los que se encuentran muchas aportaciones de gran valor. Sin duda alguna, se trata de la persona que posee más información sobre la pintora y con gran amabilidad me ha permitido el acceso a todas estas fuentes. Aún así, la labor de investigación me ha permitido localizar una considerable cantidad de material inédito, olvidado, o muy poco conocido.

4) ESTRUCTURACIÓN Y METODOLOGÍA

En primer lugar se encuentra un capítulo que titulo Aspectos biográficos, donde se recogen aquellos datos de la vida de la pintora, así como los hechos y circunstancias del momento artístico que he considerado más relevantes para una mayor comprensión de su obra.

El siguiente capítulo es el Catálogo critico (en el que se recoge toda la información de diversa índole recopilada acerca de cada una de las obras realizadas por la pintora desde sus comienzos hasta el estallido de la guerra civil.

La metodología utilizada ha sido confeccionar una Ficha técnica para cada obra estudiada. Las Fichas están ordenadas cronológicamente y en cada una de ellas se incluye el título, las dimensiones, las características físicas, químicas y técnicas, el estado de conservación, las restauraciones, la cronología, el lugar de ejecución, la localización actual, las exposiciones y la bibliografía. A continuación se halla una descripción de los elementos que aparecen en el cuadro, un análisis y una interpretación

Dado que en su totalidad se trata de una obra figurativa, primeramente se describen en detalle los elementos que aparecen en el cuadro o dibujo. A continuación se analizan los aspectos técnicos y la factura pictórica. Finalmente, en la interpretación de las obras he considerado interesante incluir las opiniones y declaraciones de la crítica. De esta manera, un comentario relevante sobre una obra queda recogido en la ficha del cuadro correspondiente. Finalmente, se incluye la fotografía de la obra y el calco de su firma.

El seguimiento detallado de este Catálogo crítico permite observar la evolución del estilo de la pintora y la maduración de su técnica, y pone de manifiesto la gran personalidad artística de Ángeles Santos, que yo reivindico como conclusión global de esta Tesis.

En un apéndice de la Tesis se exponen las conclusiones acerca del Análisis de los materiales y técnicas pictóricas utilizados por la pintora, los cuales se han obtenido a partir de la extracción de muestras de la capa pictórica y su observación al microscopio.

Para el estudio de las Exposiciones realizadas por la pintora he recogido la información existente sobre el carácter de las mismas, expositores, organizadores, cuadros expuestos y demás características. La ficha de cada exposición se acompaña de los fragmentos de la crítica que he juzgado más interesantes.

En el apartado Testimonios se encuentran las declaraciones de la pintora y las entrevistas concedidas por ella, así como artículos y poesías dé los diferentes autores que escribieron sobre su personalidad y su obra.

Para la confección del Cuerpo bibliográfico he procurado ceñirme lo más posible al ISBD (International Standard Bibliographical Description). Los asientos bibliográficos así redactados podrán imbricarse mas fácilmente con los que en el futuro conformarán la bibliografía de autores españoles del siglo XX.

Es tracta d'una recerca d'història que s'aplica al camp de la producció artística i literària en xarxa i que pretén explicar com apareix, es desenvolupa, es consolida i es legitima un nou camp cultural, com el mode de producció informacional està fent emergir una superstructura cibercultural i com s'hi integren l'art i la literatura digitals. Volem esbrinar si la revolució digital i Internet estan a la base de la constitució d'un nou camp cultural i, en cas afirmatiu, en volem definir els seus components i estructura.
El treball s'ha estructurat en cinc blocs:
Primer: una descripció històrica "del 1945 al 2003" que estudia el procés de convergència entre art, literatura i ordinador.
Segon: una presentació teòrica de l'art digital i la seva conceptualització, fent un èmfasi especial en els processos que el caracteritzen, com la hipermedialització, la modelització, la generació, la performativitat, l'experimentació i la memorització. També s'hi analitza la nova relació que s'estableix entre autor, obra i receptor i s'hi proposa una certa desmitificació del concepte d'interactivitat
Tercer: un treball de camp sobre el Net.art i les comunitats virtuals d'artistes, que ens ha permès establir una possible proposta de taxonomia de les obres i un aprofundiment en temàtiques específiques, com ara sobre el cos digital, la identitat en xarxa i la concepció del planeta Terra
Quart: una construcció del discurs hacker i de les seves pràctiques d'artivisme en xarxa, entre les quals s'enumeren des del simple activisme informatitzat fins a la resistència a la guerra passant per la desobediència civil electrònica, per a desembocar en el discurs sobre el ciberterrorisme i la política de la por de l'administració nordamericana, des de l'era Clinton, i les grans inversions en seguretat justificades, però innecessàries, en nom de la defensa nacional.
Cinquè: la confirmació de la nostra hipòtesi de partida: existeix un nou camp cultural, basat en les tecnologies digitals i Internet, que comporta un nou sistema de representació de l'artista, un nou sistema de producció, distribució i recepció de les imatges i els textos digitals i la crisi dels models tradicionals de mercat, mostració i crítica.
Joan Campàs Montaner: The role of Internet in the culture emergent from the present world (1945-2003). Interactive installations, Net.Art and hypertexts on line as studies of case

The thesis is a research in history applied to the fields of artistic and literary production in the network. It attempts to explain how a new cultural field turns up, develops, is consolidated and is legitimated. It also deals with how the mode of informational production is making a cyber cultural superstructure emerge and how the art and the digital literature are integrated into it. We want to find out if the digital revolution and Internet are on the basis of the constitution of a new cultural field and, in affirmative case, we want to describe its components and structures.

The work has been structured in five blocks:
First: a historical description -of 1945 in 2003 that studies the process of convergence among art, literature and computer.

Second: a theoretical presentation of the digital art and its conceptualization, making a special emphasis in the processes that characterize it, like the hypermedia, modelisation, generation, performance, the experimentation and the memorization. The new relationship established among author, work and receiver is also analyzed and a certain demystification of the concept of interactivity is proposed

Third: a fieldwork about the Net.art and the virtual communities of artists, that it has allowed us to establish a possible proposal of taxonomy of the works and a going deeper in some thematic subjects such as the digital body, the identity in net and the conception of the planet Earth.

Fourth: a construction of the hacker discourse and of its practices of artivism in the Net, among which they enumerate themselves from the simple activism computerized until the resistance to the war or the electronic civil disobedience, to leading the discourse to cyberterrorism and the politics of fear in the North American administration, since the era Clinton, and the great investments in security justified, but unnecessary, in the name of the national defense.

Fifth: the confirmation of our hypothesis of game: there is a new cultural field, based on the digital technologies and Internet, which entails a new system of representation of the artist, a new system of production, distribution and reception of the images and the digital texts and the crisis of the traditional models of market, show and criticism.

Aquesta Tesi Doctoral presenta la percepció i les principals transferències de les primeres Avantguardes europees a Catalunya. En la primera part del present treball defensem la primacia del Futurisme. Des d’un punt de vista històric i per cronologia estricta, però també perquè el moviment artístic i cultural italià, reuneix un mínim grup a Barcelona articulat a partir de Joan Salvat-Papasseit i a través de la seva tertúlia de les Galeries Laietanes. Salvat (signarà amb els dos cognoms i un guió) va ser un dels poetes més significatius de l’avantguarda històrica catalana, que molt va prendre en préstec de F.T. Marinetti i del seu moviment. J.V. Foix, principalment, com Salvat unirà pràctica creativa i teòrica. Malgrat les múltiples dades i cites que aporta, el nostre treball no vol ser un estudi erudit, sino un estudi multidisciplinar de sensibilitats, entre art i literatura, que es crearan alentorn d’aquest poeta i reconstruibles a través del seu epistolari internacional, que és presenta per primera vegada en el seu conjunt, en la segona part. Per tant, la major part dels documents epistolars són inèdits (les Lletres de l’Estranger dins la carpeta blava, on ell hi va classificar també les cartes enviades des de la resta de l’Estat espanyol) i es donen a conèixer en edició crítica i, formen part a més de l’eix narratiu i testimonial de la tesi i dels continguts d’aquesta se’n proposa una mostra amb materials artístics i literaris.
La presente tesi, strutturata in due parti, tratta l'influenza delle principali avanguardie europee in Catalogna e si centra principalmente sulla figura di Joan Salvat-Papasseit. Nella prima parte viene difesa la predominanza del Futurismo, movimento artistico e culturale italiano che arriva per primo rispetto alle altre avanguardie e che riunisce un ristretto gruppo di artisti attorno al poeta Joan Salvat-Papasseit, noto per organizzare il salone delle Llibreria de les Galeries Laietanes. J.V. Foix sarà, assieme a Salvat-Papasseit, il principale promotore del movimento e l'unico che riuscirà a combinare la produzione teorica con l'attività creativa. Nonostante le numerose citazioni e il preciso percorso cronologico, il presente lavoro non pretende essere uno studio erudito sui due autori ma piuttosto un'analisi multidisciplinare delle diverse sensibilità artistiche originatesi attorno alla figura di Salvat-Papasseit. Nello specifico, la seconda parte della tesi si propone di ricostruire tale pluralità di sensibilità e di osservare i differenti contatti tra le arti plastiche e la letteratura, a partire dalla corrispondenza internazionale del poeta. Le Lletres de l'Estanger contenute in una cartellina blu assieme al resto di lettere inviate in Spagna, costituiscono infatti un ricchissimo epistolario rimasto finora inedito e che viene riportato alla luce in questa tesi, accompagnato da un'edizione critica originale.

La presencia del arte contemporáneo latinoamericano en el mundo contemporáneo, es concebida y movilizada a través de la existencia de una diáspora que ha perdido toda clase de arraigo en sus lugares territoriales definitorios. Los lenguajes que éstas muestran tienden ha consolidar un gusto por la simultaneidad, por la complejidad, por lo marginal, por lo oculto, y por las relativizaciones de una realidad que se pregunta constantemente por el sentido de su ser.
Las diásporas artísticas ubican sus propuestas en medio de una serie de posicionamientos, para tratar de narrar las historias y las situaciones, que comenzaron ha emerger, en el momento en el cual se establece una dominante epocal, observadora y tolerante de la diversidad de los márgenes.
El arte de las diásporas parecía configurar un nuevo espacio de representación, digno de ser atrapado o explicado dentro de nuevas posiciones teóricas, que manifestarán el por qué de unas de estas expresiones, muchas veces imposibles de traducir ante la pérdida del sentido del monopolio cultural occidental en el campo de las artes.
De allí que, se hallan confeccionado en el mundo contemporáneo tardocapitalista y posindustrial, posiciones teóricas que incluyentes y estudiosas de la alteridad, de las diferencias, de la otredad, de la subalternidad. Para partir de los enunciados fragmentarios y múltiples mostrados por las teorías multiculturalistas y por la Crítica Poscolonial. Un intento de dotar de sentido a una realidad global, que ha perdido las fronteras.
En este sentido, el espectro teórico que estudia a la diversidad observa a las culturas, a sus contaminaciones y desplazamientos desde diversas perspectivas, las cuales han incido en el mundo del arte contemporáneo en la formulación de un Nuevo Internacionalismo incluyente de las representaciones de los otros.
El arte latinoamericano en este contexto se encuentra convocado, invitado, para legitimar la puesta en escena de unas realidades que pretenden ser cercanas, y a su vez alejadas, por las tensiones producidas por las propuestas discursivas del multiculturalismo y del poscolonialismo, en sus lecturas sobre las culturas como opuestas y no como parte integrante de una metacultura global.
Las diásporas se ubican a partir de la deconstrucción de los postulados mayores de estas nuevas tendencias teóricas, para evidenciar su localidad desde la particularidad de sus legados e historias. Espacio en el cual, los artistas pertenecientes a la diáspora contemporánea, han demostrado responder con presteza a la cantidad de situaciones presentadas en medio de una realidad interconectada desde tiempos anteriores, y que en la actualidad manifiesta la exacerbación de las relaciones con lo que se pretende diferente.
The presence, in contemporary World of Latin American Contemporary Art, is conceived and mobilized through the existence of diasporas that has lost any kind of rooting from its definitory territorial places. The languages shown by the diasporas tend to consolidate a taste for simultaneity, for complexity, for marginality, for the hidden, and for the relativisations of a reality asking constantly for the sense of its own being.
Artistic diasporas locate their proposals within a series of positions, in order to attempt the narration of histories and situations, which began to emerge in the moment in which an epochal dominance is established, observing and tolerating the diversity of margins.
The art of diasporas appeared as configuring a new representation space, worthy of being trapped or explained within new theoretic positions, in an attempt to explain why such expressions, many times unable to translate them due to the loss of the occidental culture's monopolist sense in the field of the arts.
In consequence, the late-capitalist and post-industrial contemporary World, is building theoretical positions which include and study the otherness, the differences, the subalternity, from fragmentary and multiple postulations brought up by the multicultural theories and the postcolonial criticism, in an attempt to provide sense to a global reality with lost frontiers.
In this sense, the theoretical spectrum studying the cultural diversity, observes the cultures, its contaminations and displacements from several perspectives, these last have had influences in the contemporary art world by means of the formulation of a New Internationalism including the representations of the other.
In this context, Latin American art is invited and summoned to legitimate the scene set up of a set of realities pretending to be near and far at the same time in the presence of the new tensions produced by the discursive proposals of multiculturalism and postcolonialism, in its readings upon the cultures as opposed and not as an integral part of a global meta-culture.
The diasporas are located through the deconstruction of the major postulates of these new theoretical trends, to make evident its locality from the particularity of its legacy and history. Being this last space in which the artists, belonging to contemporary diasporas have proven to respond with agility to the quantity of situations presented in between an interconnected reality since previous times, and which actually expresses the exasperation of the relationships with what is claimed to be different.

Instantaneidad y proximidad en la obra de André Kertész
Mariano Zuzunaga

RESUMEN:

André Kertész es uno de los fotógrafos más influyentes del siglo XX. Mi tesis pretende indagar en los fundamentos de su relevancia a través de lo que nos descubre su obra fotográfica. En otras palabras: ¿Por qué es influyente? ¿Sobre quién influye? ¿Cómo sabemos que es influyente?

La investigación establece la íntima relación entre instantaneidad y proximidad en el desarrollo de su trabajo como fotógrafo y cómo ello contribuye a definir una visión moderna y contemporánea de la fotografía.

Principalmente son dos los factores que se consideran en íntima relación. Por un lado existe el factor tecnológico: emulsiones más sensibles, ópticas más luminosas, obturadores más rápidos y el advenimiento de cámaras de pequeño formato. Por otro lado el factor humano: aquello que a través de la tecnología se nos puede llegar a ofrecer cuando es capaz de reflejar la sensibilidad y la visión de quien la utiliza.

La relación entre ambos factores, instantaneidad y proximidad, se encuentra contextualizada en el seno de ciertas preocupaciones filosóficas del momento (Bergson) que vincularían a Kertész con su propio tiempo, algo que esta tesis necesariamente aborda.

André Kertész adoptó la cámara de pequeño formato para realizar sus fotografías. El resultado que del uso de esta herramienta nos ofrece merece una detenida consideración. La inusual proximidad de lo que en sus imágenes acontece se debe, en buena medida, a las mayores posibilidades que brindan estas cámaras con respecto al ritmo que imponen las herramientas de gran formato. En lo material y en lo espiritual esta aproximación introduce más puntos de vista y amplía el abanico de lo fotografiable. Kertész fue el primer fotógrafo en adoptar plenamente el formato de 35 mm para realizar su trabajo. En este sentido es como dota a la modernidad de elementos que han sido clave en la conformación de una visión moderna de la fotografía y que le otorgan un carácter de pionero siendo celebrada su influencia por autores como Man Ray, Brassaï, Lázló Moholy-Nagy y Berenice Abbot entre otros.

Esta tesis articula una visión renovada y actualizada del autor redescubriendo unas influencias que no se agotan en la modernidad sino que se extienden a autores contemporáneos que se sirven ahora de una inmediatez en las que se combina eficazmente instantaneidad y proximidad gracias a nuevas tecnologías.

Se analiza de forma pormenorizada el trabajo de André Kertész a partir de sus obras, de lo que se ha escrito sobre él, de las ciudades en donde vivió y realizó sus fotografías, de las personas en torno a las cuales realizó su trabajó, de las exposiciones y publicaciones realizadas y de las declaraciones del propio autor sobre sus logros e intenciones.

Es en gran medida la vigencia de este autor la que reclama elaborar una historia de la recepción de su obra. ¿Dónde se percibe esa influencia? ¿Es una influencia declarada, o por el contrario velada, oculta? A estas preguntas es lo que en resumidas responde esta tesis.

Dividida en una introducción y seis partes, en las dos primeras se aborda la vida y obra de Kertész, en las dos siguientes se delimita el área de conocimiento sobre el cual diversas hipótesis entran en juego para configurar lo que la tesis propiamente propugna. Finalmente en las dos últimas y más allá de sus conclusiones se ofrece un "postscriptum" en el que se establece el horizonte de posibles investigaciones posteriores y la bibliografía que se ha consultado para la elaboración de esta obra.
"Instantaneity and Proximity in the work of André Kertész"

Ph. D. Thesis by Mariano Zuzunaga Schröder - June 2008 - Universitat de
Barcelona

TEXT:

André Kertész was the first modern photographer to be conscious that his work was about his own personal experience of being a photographer. Born in Hungary in 1894, he died in New York in 1985, leaving a legacy which includes more than a hundred thousand images, more than thirty published books, and an overall influence in contemporary photography practice.

During Kertész-s life photography practice went through extraordinary technological changes only comparable to the ones introduced in our digital era. The introduction of 35 mm Leica cameras in 1928 plus greater luminosity in lenses and more film sensibility brought a whole new experience to the photographic medium.

Even though Kertész was already a master in his own terms using the conventional equipment, when the new possibilities emerged he found them perfect for accomplishing instantaneity and proximity, both of which had been for him complementary aims in his practice.

The "Mitteleuropa" approach of Kertész's photographic vision was humanistic in its origins, French in its development and openly global after his not always pleasant years in North America. Looking ahead and backwards, he was able to produce in his last years a significant synthesis of more than seventy years of outstanding work. As a result, his proximity of vision and instant recognition of meaning became his most important contribution to photography in our contemporary world.

This thesis also deals with the sensible approach that makes facts meaningful. Kertész's work is especially significant in the ways we humans do express and represent ourselves in front of each other as individuals. To contemporary practitioners that love photography as he did, vision and technology are allied in the ways we as individuals cooperate to conform fraternal views within societies. Kertész was able to overcome the limitations imposed by the impersonal corporative ways of creating visual statements which he considered alien to our most appreciated personal human values. Twenty five years after his death his photographs are as alive as when he did them. In this sense this is also a thesis about gratitude.

Mariano Zuzunaga Schröder
Barcelona, December 2010

Wilhelm worringer anticipa solo una actitud frente a la abstraccion: la de mondrian. El transito hacia la abstraccion fue vivido desde dos actitudes distintas: la primera compulsiva y catarquica: se abre una fisura entre el sujeto y el mundo, y los nuevos vinculos surgiran de una autentica transformacion. La segunda necesita nexos. Se trata de un proceso que conduce a la abstraccion desde inevitables dependencias con lo natural. El origen de las transformaciones de la imagineria pictorica en este siglo deriva, determinantemente, de las restricciones que se imponen al gesto y de las consecuencias del empleo de tecnicas de grabado. La escultura moderna no rodiniana (picasso) proviene de la mutacion escultorica de la pintura. La diagonal es una linea que implica una relacion particular en pintura, porque realmente manifiesta inestabilidad respecto a ella. En rodchenco no hay secuencias desde la pintura: el ataque contra ella es frontal. El analisis de la forma de proceder sistematica en la pintura de seurat obliga a deshacerse de la idea de una correlacion consecuente entre ciencias y pintura. Entre ambas experiencias no existe el vacio, sino una forma de relacion que tiene que ver con el fluir de las ideas de un tiempo, pero ese tipo de transferencias no resisten las exigencias del procedimiento cientifico. Los limites del cubismo los establece, entre otros, juan gris. El nucleo central de esa experiencia (picasso-brake) como constatamos en el analisis del cuaderno 026 de picasso rechaza las estratagemas compositivas. Los hallazgos procesuales implicitos en la experiencia cubista de los años doce-trece (picasso) son transferidos a la arquitectura y lo que sucede en el seno de la vanguardia sovietica es explicable, fundamentalmente, desde ese punto de vista.