Dissertations / Theses: 'Baroque (musique) – Histoire et critique'

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Fustier, Paul. "La vielle à roue dans la musique baroque française : instrument de musique, objet mythique, objet fantasmé ?" Lyon 2, 2006. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2006/fustier_p.

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Abstract:

Ce travail tente d'expliquer une bizarrerie de la vie musicale française, sous le règne de Louis XV. La vielle à roue, qui était essentiellement un instrument mouliné par des mendiants au coin des rues (la lira mendicorum), est l'objet d'un puissant engouement qui envahit l'aristocratie parisienne, et jusqu'à la famille royale, entre 1725 et 1765, avec plus de deux cents œuvres publiées à Paris. Nous cherchons à comprendre le pourquoi et le comment de cette mode subite et éphémère. Nous défendons l'idée que la vielle est un instrument mis au service du mythe de l'Arcadie qui est très actif en cette période baroque, l'instrument pouvant symboliser la figure de ce villageois idéalisé, personnage central du mythe au XVIIIe siècle. Pour devenir lyre d'Apollon, il faudra que la vielle soit l'objet d'une transformation concernant sa lutherie, ses techniques de jeu, son répertoire. Il s'agit en effet de décontaminer la vielle de ce qui évoque son passé mendiant mais aussi de promouvoir une ruralité idéalisée qui en ferait un instrument susceptible de tenir sa place dans le panthéon des instruments " nobles " qui vont intéresser les aristocrates. Mais pour quel répertoire ? Peut-on dire que la vielle convient à tous les répertoires savants ou n'est-elle concernée que par le seul répertoire champêtre, qu'il faut alors comprendre comme une expression musicale d'origine rustique ou populaire, mais totalement transfigurée par le travail de la " baroquisation " ?
These pages have been written to explain a quaint aspect of French musical life under the reign of Louis XV. The hurdy-gurdy (Vielle à roue), which so far had been customarily an instrument used by beggars playing on streets corners (lira mendicorum), unexpectedly became the object of a sudden and powerful enthusiasm. From 1725 to 1765, with more than two hundred published pieces of music, it invaded the world of aristocracy and even conquered the royal family. In this study we are making an attempt to understand the reasons for that sudden and ephemeral passion. Our thesis is that the hurdy-gurdy became an instrument destined to serve the myth of Arcadia, commonly believed in during that period of time, by representing the image of the idealized countryman , a central character of the eighteenth century. In order to remove and purify it from any memory of its association with beggars and to make it become the Lyre of Apollo, the manufacture, the playing, the repertory of the hurdy-gurdy had to be completely transformed. The challenge was also to promote an idealized country life so as to make the hurdy-gurdy an instrument worthy to enter the Pantheon of the noble instruments of the aristocrats. . . As to the repertory, is it possible to say that the hurdy-gurdy is suitable for any high level music score? Or rather should we say that it can serve only the country repertory, which is then to be defined as music of a rustic and popular style, even though completely transformed by the influence of the Baroque

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Bucari, Norberto. "Domenico Zipoli (1688-1726) et la musique dans les missions jésuites. Evangélisation et respect des cultures locales ?" Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030185/document.

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Abstract:

L’histoire chrétienne latino-américaine est le résultat d’une rencontre entre deux civilisations très différentes : l’Europe de la Contre-Réforme et le monde des Guaranis.Dans cette rencontre, les missionnaires jésuites occupèrent la position d’intermédiaires privilégiés entre le Paraguay et l’Europe. Ils initièrent les Guaranis aux arts et aux techniques européennes, qui rayonnaient alors de toute leur nouveauté. Ceci fut possible grâce, notamment, à la présence de nombreux musiciens de talent embarqués dans l’aventure missionnaire, dont, incontestablement, se dégage le personnage de Domenico Zipoli (1688-1726). En retour, ces musiciens recréèrent en Amérique une musique d’esthétique baroque, longtemps restée sinon ignorée du moins mythique, et aujourd’hui dévoilée
Christian history in Latin America is the result of an encounter between two verydifferent civilizations: the Europe of the Counter-Reformation and the world of theGuaranis. In this meeting, Jesuit missionaries occupied the privileged position ofintermediaries between Paraguay and Europe. They initiated the Guaranis to Europeanarts and techniques, in the full radiance of their novelty. This was possible especiallythanks to the many talented musicians embarked on the missionary adventure, where,undoubtedly, emerges the figure of Domenico Zipoli (1688-1726). In return, in Americathese musicians recreated the music of Baroque aesthetics, which remained for long if notignored, at least mythical, and is unveiled to us today

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Morales, Jorge. "Sigismondo d'India à la cour de Turin (1611-1623) : musique, mécénat et identité nobiliaire." Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040139/document.

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Abstract:

Sigismondo D’India (1582 ?-1629 ?), contemporain de Claudio Monteverdi, est un compositeur parmi les plus importants du début du XVIIe siècle : l’un des pères fondateurs de la musique moderne. La présente thèse entend le situer dans un contexte qui nécessite d’être rappelé et mis à jour, celui de la cour de Turin où le musicien s’est établi de 1611 à 1623, période la plus fructueuse de sa carrière musicale dont l’étude s’organise autour de trois problématiques : la musique, le mécénat et l’identité nobiliaire.Il s’agit, dans un premier temps, d’étudier la circulation des musiciens, artistes, imprimeurs et sources musicales mais également d’analyser certaines œuvres du compositeur. Ainsi, D’India, chanteur, guitariste, compositeur et poète, apparaît comme l’un des musiciens les plus audacieux et les plus singuliers de son temps.Le mécénat artistique accompagne sa carrière musicale : il favorise ses déplacements, relie les différentes villes où se trouvent le musicien et ses dédicataires et facilite l’émulation créatrice. L’étude du mécénat à travers sa production musicale dévoile notamment la multiplicité des rapports entre D’India et ses dédicataires. Enfin, par identité nobiliaire, nous entendons étudier la manière dont le compositeur contribue à la construction de l’identité culturelle d’une cour en même temps qu’il construit son propre statut de noble. L’identité nobiliaire peut être ainsi considérée comme un préalable à l’identité nationale. Nous voulons par ailleurs montrer que D’India remplit parfaitement le rôle de musicien-Gentilhomme et que sa musique participe à la construction d’un modèle d’urbanité
Sigismondo D’India, (1582? -1629?) a contemporary of Claudio Monteverdi, was one of the major composers of the early XVIIth century and one of the founding fathers of modern music. This thesis aims at setting him against a background which requires some reminiscing and updating, that of the court of Turin, where the musician settled between 1611 and 1623. It was the most fruitful period of his musical career, the study of which addresses three issues: music, patronage and nobiliary identity.I shall first study the movements of musicians, artists, printers and musical sources, and shall analyse besides some works by the composer. It appears that Sigismondo D’India, together a singer, a guitar-Player, a composer and a poet, stands out as one of the boldest and the most idiosyncratic musicians of his days.His musical career goes hand in hand with artistic patronage, which made his travelling easier, connected the various cities accommodating the musician and his dedicatees and facilitated creative emulation. The study of patronage through D’India’s creativity in music points out, among other things, the numerous relationships between him and his dedicatees.Finally, through the notion of nobiliary identity, I shall focus on the way in which the composer contributed to building up the cultural identity of a court while building up his own status as a nobleman. The nobiliary identity can thus be considered a first step toward national identity. I also aim at showing that D’India was perfectly up to the role of gentleman-Musician, and that his music contributed to building a model of urbanity

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Fontes, Saboga Cardoso Thomas. "L’expansion du tango d’Astor Piazzolla. Conjugaison du populaire et du savant à travers l’articulation avec le jazz, la musique baroque et la musique savante moderne." Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040090.

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Abstract:

La présente thèse se propose de comprendre la production musicale d’Astor Piazzolla, notamment la façon particulière dont le compositeur réalise le dialogue entre musique populaire urbaine et musique savante. Pour ce faire, nous avons repéré quatre courants musicaux principaux dont il a été possible de tracer les origines dans son œuvre : le tango, base structurelle de sa musique, le jazz, la musique baroque et la musique savante moderne. Après avoir montré leur présence dans la première partie, nous procédons à l’analyse de l’articulation particulière de ces éléments dans la deuxième. Certains traits du tango semblent privilégiés dans ce métissage, en constituant des éléments de base repérables principalement par des gestes mélodiques, des modèles d’accompagnement et des timbres caractéristiques très fréquemment employés, qui assurent aussi bien la cohésion et l’unité musicale que l’identité du genre urbain argentin. Cette fusion musicale utilise à de nombreuses reprises des caractéristiques communes des musiques métissées comme stratégie de réussite de l’alliage musical ; on constate dans certains passages un subtil et soigneux dosage des ingrédients musicaux utilisés. Le discours du compositeur, analysé au dernier chapitre, nous a permis en outre de dégager trois aspects de ce rapport entre populaire et savant : la recherche d’une identité, en produisant une musique qui représente la ville de Buenos Aires et l’Argentine ; un rapport aux avant-gardes modernistes, en cherchant à exprimer l’ère de son temps et à symboliser la nouveauté à travers une musique moderne ; la recherche d’une légitimité, apparue notamment sous l’expression de l’« élévation » du tango
The aim of the present thesis is to understand the musical production of Piazzolla, especially the particular dialogue between popular and art music in his work. To do so, we located four main musical streams which origins were possible to trace: the tango, structural basis of his music, the jazz, the baroque music and the modern art music. Having shown their presence in the first part, we proceed to the analysis of the particular articulation of these elements in the second one. Certain features of the tango seem favored in this junction, constituting the basic elements mainly through the presence of melodic gestures, accompaniment models and characteristic timbres very frequently used, which assure the cohesion and musical unity as well as the identity of the Argentine urban genre. On numerous occasions, his fusion employs common characteristics of the several music crossed as a strategy for reaching the musical jointure; we also noticed in certain passages a subtle and careful dosage of the musical ingredients used. The speech of the composer analyzed in the last chapter still allowed us to identify three aspects of this relationship between popular and art music: the search for an identity, by producing a music which represents the city of Buenos Aires and Argentina; a relationship with the modernist avant-gardes, in an attempt to express the present time and to symbolize the novelty through a modern music; and the quest for legitimacy, appeared notably under the expression of the "rise" of the tango

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Lafond, Natacha. "La poésie moderne à l'écoute des musiques dans les oeuvres d'Yves Bonnefoy, Louis-René des Forêts, Philippe Jaccottet, Pierre Jean Jouve et Salah Stétié : pour un lyrisme baroque." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2006. http://www.theses.fr/2006STR20007.

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Abstract:

L'opéra de Mozart m'a permis dans un DEA de nouer une première approche autour de quatre poètes contemporains (Pierre Jean Jouve, Salah Stétié, Louis-René des Forêts et Yves Bonnefoy) sur les rapports entre poésie moderne et musique que le sujet de thèse approfondit en analysant toutes les formes musicales présentes chez ces quatre auteurs, ainsi que dans l'œuvre de Philippe Jaccottet (que ce soit des compositions romantiques, modernes ou baroques à travers les différents genres musicaux, Lied, opéras. . . ). C'est une recherche qui s'attache aux choix des œuvres musicales écoutées pour tenter de définir la modernité des enjeux du rapport essentiel de l'écriture aux arts, avec une ouverture à l'art pictural et architectural, porteurs de valeurs historiques, éthiques, sacrées et métaphysiques. Mais c'est aussi écouter le "retour" du lyrisme propre à ces auteurs du XXème siècle, les choix et les fondements communs de leur poétique musicale pour dégager une définition d'un "nouveau" lyrisme moderne : le "lyrisme baroque ou barrosso" aux valeurs engagées. Cette notion s'appuie sur la définition d'Yves Bonnefoy pour qui le baroque est "un réalisme passionnel", une quête d'unité dans et par le monde présent (étudiée dans ses approches artistiques). C'est une notion ouverte, non limitée à sa définition liée au XVIIème siècle, mais à mettre en tension avec l'héritage du romantisme et la modernité. Notion dialectique, elle permet alors de repenser les enjeux et significations de la modernité poétique en dialogue avec une mémoire de la culture assumée dans le monde. Refusant tout formalisme, tout comme une littérature réduite à n'être qu'un véhicule d'idées et non plus une création de sens, ces poètes développent par leur écoute des autres arts, une éthique ouverte et engagée. Ainsi ce lyrisme, imprégné de la musique baroque, n'est plus le lieu d'expression du moi, mais du passage à l'autre- que ce soit la femme aimée, le sacré (le plus souvent profane) ou les autres (au nom de la liberté et du "mé/tissage" spirituel). Le je n'existe plus désormais que par le "tu" et l'ancrage dans le monde des référents de la présence
It is thanks to the opera by Mozart, that I first studied in a DEA the link between modern poetry and music which exists in the work of four contemporary poets (Pierre Jean Jouve, Salah Stétié, Louis-René des Forêts and Yves Bonnefoy). My thesis goes further, and analyses all the musical forms which can be found in the work of those four authors, and also in the work of Philippe Jaccottet (either romantic, modern or baroque pieces, through different musical genres such as lied or opera). This research studies the different musical works listened, in order to try to define the modernity at stake in the essential link between writing and arts. It is also oriented towards pictorial and architectural art, arts which carry some metaphysical, sacred, ethical and historical values. But it also listens to the “return” of the lyricism which is specific to these 20th century's authors, to the shared choices and basements of their musical poetics, in order to draw a definition of a “new” modern lyricism: the “baroque or barosso lyricism”, which stands for committed values. This notion holds on the definition by Yves Bonnefoy, who considers that baroque is a “passionate realism”, a quest for unity in this current world and through this current world (studied in his artistic approaches). It is an open notion, non limited to its first definition, linked to the 17th century. On the contrary, it has to be confronted with the inheritance of romanticism and modernity. As a dialectical notion, it permits to study in a different way the meaning of poetical modernity, through a dialogue with the memory of the assumed culture in the world. Rejecting any form of formalism, as much as a literature reduced to carry ideas instead of creating some meaning, these poets develop opened and committed ethics, thanks to their listening of other arts. Thus, this lyricism, filled with baroque music, is no longer a way of expressing the self, but the path towards the other -whether it is the beloved woman, the sacred (more often profane) or the others (in the name of freedom and spiritual crossbreeding). The self no longer exists but through the “you” and the anchorage in the world of the referents of the presence

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Benhamou, Julia. "Une herméneutique des textes musicaux du XVIIᶱ et de la première moitié du XVIIIᶱ siècle : approche intersémiotique." Thesis, Université Côte d'Azur (ComUE), 2017. http://www.theses.fr/2017AZUR2040.

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Abstract:

L’objet de notre thèse est de rendre compte de textes musicaux du XVIIe et de la première moitié du XVIIIe siècle à travers une hypothèse de lecture innovante. Au moyen d’une approche intersémiotique du texte musical, approche qui croise la linguistique et la musique, nous montrons qu’il existe une autre lecture possible de ces textes et, par conséquent, qu’il existe une autre manière de les jouer
The purpose of this thesis is to describe and analyze musical texts of the 17th and the first half of the 18th century through an innovative reading hypothesis. Using an intersemiotic approach to musical text, an approach that crosses linguistics and music, we show that there is another possible reading of these texts and, consequently, that there is another way of playing them

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Mahé, Yann. "Les Psyché de Lully (1656-1720) : écritures et réécritures : contribution à une histoire musicale du spectacle de cour." Thesis, Toulouse 2, 2012. http://www.theses.fr/2012TOU20105.

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Abstract:

Au-delà des trois Psyché de Lully (ballet, 1656 ; tragi-comédie et ballet, 1671 ; tragédie en musique, 1678), apparaît, entre 1671 et 1718, sous la plume de différents auteurs, une multitude de pièces ou d’œuvres se réclamant des Psyché de Lully, alors mêmes qu’elles en divergent, parfois au point d’en récuser les fondements. L’objet de ce travail consiste donc à comprendre comment une telle situation est possible. Parallèlement à leurs spécificités respectives, les trois Psyché de Lully, mettent en œuvre un principe de création par réécriture musicale, que les successeurs de Lully vont durablement exploiter. En dépit de matériaux originels lacunaires ou discordants, les contemporains de Lully identifient chacune des Psyché comme telle, attestant qu’au-delà de leurs disparités existe un certain nombre de traits communs à l’écriture de Psyché, quel que soit son ‘genre’. Cependant, les variations apportées par les diverses réécritures, de Lully, de ses contemporains ou de ses successeurs constituent des ensembles dont on peut suivre l’évolution, ce qui signifie qu’au-delà des seules Psyché de Lully, le corpus global des réécritures fait sens. De fait on identifie en même temps qu’une dramatisation de la musique par le chant, la disparition du drame par la dramatisation même de la musique. Ce phénomène se réfracte dans la lecture du mythe et du sujet tragique en général : de symbolique et religieuse, elle se fait laïque et critique, épousant par là-même l’évolution du concept d’harmonie dans le spectacle de Cour. Ainsi les Psyché de Lully apparaissent-elles comme un laboratoire de l’histoire du spectacle de Cour
Beyond Lully's three Psychés (a ballet in 1656 ; a tragicomedy and ballet in 1671 ; an opera in 1678) a multitude of plays or works appear between 1671 and 1718. Composed by various authors they all claim to draw their inspiration from Lully's Psychés although they differ from it or even refute its foundations. Hence, the purpose of this work is to understand how such a situation is possible. Parallel to their respective specificities, Lully's three Psychés implement a principle of creation through musical rewriting which Lully's successors will make use of for years. In spite of incomplete or conflicting original materials, Lully's contemporaries identify each of the Psychés as such, showing that beyond their disparities a certain number of common points in the writing of Psyché can be found, whatever the 'genre'. Yet the variations brought by the various rewritings, whether by Lully himself or by his contemporaries or successors, make up wholes the evolutions of which can be followed, which means that beyond Lully's Psychés the global corpus of the rewritings makes sense. De facto, as well as a dramatization of music through singing, we can identify the disappearance of drama through the actual dramatization of music. This phenomenon is refracted in the reading of the myth and the tragic subject in general : from symbolic and religious it becomes secular and critical , thus embracing the concept of harmony in court entertainment. Therefore, Lully's Psychés appear as a laboratory of the history of court entertainment

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Dos, Reis Chloé. "Les ornements dans les pièces pour clavecin seul de l’école française de 1670 à 1713 : analyse et interprétation." Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040196.

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Abstract:

L’ornement fait partie intégrante de la musique pour clavecin aux XVIIe et XVIIIe siècles. Ce doctorat a pour objet l’étude des ornements dans les pièces pour clavecin seul, de la première édition connue de cette école : Chambonnières en 1670, au premier livre de François Couperin de 1713. Cette dernière date correspond à un tournant historique, celui de la fin du Grand Siècle et un tournant musical dans l’écriture des pièces de clavecin en France. Le corpus est composé au total de douze compositeurs (Chambonnières, Lebègue, Jacquet de La Guerre, d’Anglebert, Marchand, Dieupart, Clérambault, Dandrieu, Le Roux, Rameau, Siret, Couperin) qui ont pu corriger, dans le cadre de l’édition, le travail de la publication et donc celui de l’ornement, contrairement aux pièces des manuscrits. La problématique de cette recherche soulève la question de l’interprétation de l’ornement : Quelle place tient l’ornement dans la société et la musique de clavecin en France ? Y a-t-il une réalité sonore de l’ornement dans les pièces pour clavecin ? Peut-elle et doit-elle être la même aujourd’hui qu’il y a plus de trois cents ans ? Comment a évolué le son du répertoire pour clavecin au travers de la compréhension des ornements ? L’analyse quantitative, stylistique et esthétique des ornements (agréments, ornements écrits et diminutions) dans les éditions, rééditions et dans les enregistrements sonores du microsillon au disque compact, accompagnée de l’analyse des écrits du XVIIe au XXIe siècle sur la perception des ornements au clavecin ainsi qu’un dialogue avec les acteurs de la pratique d’aujourd’hui permettent de comprendre l’évolution de l’utilisation de cet élément indissociable du clavecin baroque
Ornaments were an integral part of harpsichord music in the 17th and 18th centuries. The aim of this doctoral thesis is to study the use of ornaments in solo harpsichord pieces, from the first known printed edition of the music of this school: Chambonnières in 1670 to the first book by François Couperin in 1713. The latter date represents a turning point in history, with the end of the reign of Louis XIV, and also a musical turning point in the writing of harpsichord pieces in France. The corpus studied is made up of twelve composers (Chambonnières, Lebègue, Jacquet de la Guerre, d’Anglebert, Marchand, Dieupart, Clérambault, Dandrieu, Le Roux, Rameau, Siret and Couperin) who succeeded in correcting printed publications of music, including ornaments, unlike what had been possible with manuscripts. This research focuses mainly on the interpretation of musical ornamentation. What was the importance of ornaments in society and in French harpsichord music? What was the reality of how ornaments were heard in harpsichord pieces? Can and should this reality be the same today as it was more than three hundred years ago? How has the sound of the harpsichord repertoire evolved through our understanding of ornaments? The evolution of this crucial element of Baroque harpsichord music will be explored using quantitative, stylistic and aesthetic analysis of ornaments (agréments, written ornaments and diminutions) in original editions, re-editions, and recordings from the phonograph to the compact disc ; accompanied by an examination of writings from the 17th to the 21th centuries about the perception of harpsichord ornamentation, and testimony from musicians working with this instrument today

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Nubel, Jonathan. "Les cordes baroques dans la création musicale d'aujourd'hui : état des lieux, enjeux, perspectives." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2007. https://publication-theses.unistra.fr/restreint/theses_doctorat/2007/NUBEL_Jonathan_2007.pdf.

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Abstract:

Depuis quelques années, les compositions nouvelles pour instruments baroques se sont multipliées. Rares sont aujourd'hui les grands ensembles de musique ancienne qui n'ont pas abordé au moins une fois le répertoire contemporain. Les cordes baroques, c'est-à-dire la famille des violons baroques et les violes de gambe, sont particulièrement mis à l'honneur. Un corpus de 180 oeuvres a été élaboré, à partir duquel sont dégagées des tendances générales : origine géographique, profils des compositeurs et des interprètes, dédicaces, titres. Après une définition organologique précise des instruments concernés, une sélection d'oeuvres permet d'explorer les techniques de jeu et d'écriture spécifiques à ce répertoire. L'historique et la philosophie du jeu sur instruments anciens sont évoqués afin de replacer ces oeuvres dans leur contexte. Une réflexion est alors menée sur les limitations inhérentes aux instruments et sur les moyens de les dépasser pour assurer à ce répertoire en expansion un développement à la fois quantitatif et qualitatif
Since some years, new works for baroque instruments have flourished. Only a few important early music groups have not, at least one time, adressed in contemporary music. The baroque strings, i. E. The family of baroque violins ans the violas da gamba, are specially favored. A 180 works corpus have been compiled, from which general tendencies have been drawed : geographical origins, composers profiles, performers profiles, dedications, titles. After a precice organological definition of the instruments, a works selection allows to explore playing techniques and compositional techniques in use in the pieces. The history and philosophy of the early instruments playing are brought up for put back these works on their context. This is followed by a reflection about the inherent limitations of instruments and the means to go beyond the limits to assure a developpment at the same time in quantitative and qualitative terms to this expanding repertory

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Issa, Gonçalves Daniel. "Le méta-opéra baroque (1715-1745) : satire et parodie comme sources d’informations sur la pratique musicale au XVIIIe siècle." Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL189.

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Abstract:

L'opéra, ou melodramma, est l'un des phénomènes culturels les plus importants de l'Italie du XVIIIe siècle. D'après Des Brosses, en cette époque ce genre semblait même être plus populaire que le théâtre parlé. L’importance et la popularité du melodramma dans la vie sociale et culturelle d'Italie étaient telles que de nombreuses parodies et satires musicales ont été écrites sur ce genre. Au XVIIIe siècle, ces «opéras sur l'opéra» ont acquis une telle importance, qu'ils constituèrent un «micro-genre» en soi. Des nombreux musicologues affirment que ce «micro-genre» a existé de 1715 à 1827. Ces opéras sont surnommés, dans la littérature musicologique, metaopera ou metamelodramma. L'objectif de la thèse est d'analyser les parodies et satires ayant pour sujet le métier des musiciens et chanteurs actifs dans l'opéra, du point de vue des musiciens eux-mêmes. Ceci nous permet de découvrir des références se rapportant à la pratique, les habitudes ou les clichés de la profession (pratiques musicales, situation sociale des musiciens, etc.), qui ne figurent pas forcément dans les sources historiques et critiques habituelles. L'analyse de ces œuvres fournit une opportunité de plonger dans l'univers de la production musicale du XVIIIe siècle, celle-ci étant parodiée et critiquée par la satire avec son propre langage, ses propres acteurs et protagonistes. Ces œuvres, malgré leur caractère caricatural, constituent une réflexion des musiciens, librettistes, compositeurs et autres acteurs de la scène musicale sur leur propre profession, et éclairent de manière comique et vivante la situation du métier au XVIIIe siècle
Opera, or melodramma, is one of the most important cultural phenomena of eighteenth-century Italy. According to Des Brosses (1709-1777) this genre seemed to be even more prized than spoken theater. The importance and popularity of the melodramma in Italian social and cultural life was such that many musical parodies and satires were produced. In the eighteenth-century, these "operas about opera" became so popular, they constituted a separated "micro-genre", which musicologists claim existed between 1715 and 1827. These operas are called, in the musicological literature, metaopera or metamelodramma. The aim of this thesis is to analyse the parodies and satires which deal with the profession of the musicians and singers active in opera, from the point of view of the musicians themselves. This allows us to identify references relating to the practice, habits, and clichés of the profession (musical practices, social situation of musicians, etc.), which do not necessarily appear in usual historical and critical sources. The analysis of these works provide an unique opportunity to explore the world of the musical production of the eighteenth century, which is parodied and criticized by satire in its own language and by its own actors and protagonists. Despite their caricatural nature, these works are a reflection of musicians, librettists, composers, and other actors of the musical scene on their own profession, and illustrates in a comical and lively way, the situation of the musical business in the eighteenth century

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Barrera, Juan David. "La musique pour orgue en France à l'âge classique : une représentation du sacré." Thesis, Strasbourg, 2017. http://www.theses.fr/2017STRAC003/document.

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Abstract:

Notre étude de la musique pour orgue en France à l’Âge classique se centre sur sa dimension signifiante, et tout particulièrement sur sa fonction représentative du sacré. Notre intérêt a pour origine un constat : à l’heure actuelle, les travaux les plus importants consacrés à ce répertoire négligent la question, alors que la genèse de cette école organistique coïncide avec l’un des moments historiques les plus remarquables de la spiritualité catholique française (en effet, le XVIIe siècle n’est pas seulement le « Grand Siècle des idées » mais aussi le « Grand Siècle des âmes »). Dans cette optique, et partant du principe que la musique religieuse peut se comprendre comme un produit esthético-théologique façonné en fonction des besoins symboliques et expressifs de la liturgie (au même titre que d’autres manifestations d’art sacré), ce travail cherche à mettre en lumière la manière dans laquelle, grâce à un ensemble de catégories esthétiques et de topiques musicaux dirigés par des principes rhétoriques, la musique des organistes français peut communiquer les notions fondamentales de la doctrine chrétienne. Pour ce faire, nous proposons un parcours en quatre parties, abordant successivement les contextes culturel et spirituel du XVIIe siècle en France, les éléments constitutifs de l’univers signifiant du répertoire, l’organisation stylistique du répertoire, et finalement, d’un point de vue herméneutique, l’œuvre de trois compositeurs majeurs de cette tradition musicale : Nicolas de Grigny, Jean-Adam Guilain et François Couperin
This study of French organ music during the “Classical period” focuses on its signifying dimension, and particularly on its representative function in the liturgy. Our interest springs from an observation: the most important works devoted to this repertoire neglect the question, whereas the genesis of this organ school coincides with one of the most remarkable historical moments of Catholic spirituality. From this point of view, and assuming that sacred music can be understood as an aesthetic-theological product shaped according to the symbolic and expressive topics of the liturgy (in the same way as other manifestations of sacred art), our research seeks to demonstrate the way in which the music of French organists can communicate the fundamental notions of Christian doctrine through a set of aesthetic categories and musical topics directed by rhetorical principles. In this way, our work is divided into four parts, successively highlighting the cultural and spiritual contexts of the seventeenth century in France, the elements of the signifying universe of these music, the stylistic organization of the repertoire, and finally, from a hermeneutic point of view, the analysis of three major composers of this musical tradition: Nicolas de Grigny, Jean-Adam Guilain and François Couperin

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Mathis, Thierry. "Le clavecin en France aux XVIIe et XVIIIe siècles : découvertes organologiques et nouvelles techniques de l’interprétation." Thesis, Strasbourg, 2013. http://www.theses.fr/2013STRAC011.

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Abstract:

La musique française pour clavecin des XVIIe et XVIIIe siècles est-elle jouée de nos jours telle qu’elle devrait l’être ? De quelles sources disposent musicologues et musiciens pour approcher au plus près l’authentique sonorité du clavecin, la technique de son jeu, et la compréhension de son répertoire ? Cette approche nous a conduit à discerner neuf points déterminants, essentiels à la compréhension de la facture du clavecin. La mesure d’octave des claviers français de l’époque était inférieure à celle des instruments des pays voisins, et notamment inférieure à celle appliquée dans la facture de nos jours. Pour mémoire, cette mesure conditionne l’écartement entre le pouce et l’auriculaire, lequel écartement influence le jeu. Si l’écart est de moindre taille, les doigts sont plus rapprochés, et de ce fait, la main gagne en décontraction. Le jeu à la française se distingue aussi depuis ses origines par l’extrême souplesse de l’harmonisation, le peu de tension des cordes et le diapason bas (le La3 à 392 – 406 Hz). Par ailleurs, nous avons pu révéler l’existence de clavecins à trois claviers, la présence du seize pieds et du jeu nasal dans certains instruments (alsaciens notamment), et la paternité française de l’éclisse courbe en forme de « S ». Concernant les claviers, l’évolution de l’ambitus de l’instrument depuis le début du XVIIe jusqu’à la fin du XVIIIe siècle est bien connue des musicologues et des musiciens. Toutefois, aucune étude de cette évolution n’a été réalisée pour démontrer l’élargissement des claviers depuis le premier livre imprimé en 1670, les pièces de clavecin de Chambonnières, jusqu’à l’ambitus définitif des cinq octaves imposées dans les pièces de clavecin en concerts de Rameau en 1741. Notre étude s’est également étendue aux cordes, par la vérification de leur épaisseur et des matières dont elles étaient faites. Il s’avère que les facteurs de l’époque utilisaient des diamètres inférieurs à ceux des cordes actuelles, et qu’elles n’ont jamais été en cuivre dans les basses. Seul le laiton à forte teneur en cuivre était considéré comme satisfaisant pour la sonorité des cordes les plus graves. Quant aux cordes des trois cinquièmes supérieurs du clavier, elles étaient faites en fer mou qui n’avait qu’une faible tension. Il va sans dire que l’acier, employé de nos jours, était inconnu à cette époque. Enfin, il est admis aujourd’hui que le clavecin, une fois le tempérament posé, s’accorde en octaves pures, alors qu’il en était tout autrement au XVIIIe siècle, ainsi que nous l’avons établi à travers un texte de Corrette
Is French harpsichord music of the 17th and 18th centuries played today as it should be ? What sources can help musicologists and musicians to reproduce the authentic harpsichord sound and playing techniques of that epoch, and understand its repertoire, as faithfully and fully as possible ? The mere fact that this music went unplayed for so long prompts that question. In fact, the harpsichord was forgotten overnight. The favoured instrument of court and fashionable society under the ancien régime, it had aristocratic associations which doomed it when the Revolution came. A century later, in June 1889, the noble, silvery sound of its plucked strings made a first, hesitant comeback, thanks to Louis Diémer. But it was only in the 20th century, between the two world wars, that Wanda Landowska’s tireless enthusiasm gave this baroque keyboard instrument a new lease of life. Interest in building “old-style” harpsichords, using traditional techniques, first developed in the late 1950s, and their popularity has grown steadily ever since. Today’s enthusiasts want to go back to the origins, and revive old ideas and techniques, but they still have a long way to go. At an earlier stage, techniques used in making pianos were extended to harpsichords - and some of these “alien” elements and additions are still present. We felt the time had come to clarify the picture by consulting certain contemporary texts, which had been unduly neglected. We found indeed that these were at odds with twentieth- century improvements, had been mistranslated or misunderstood, or were, quite simply, hard to find.Anyone wishing to form an idea of the original harpsichord sound must start with organology, and the various instruments used by French musicians in the 17th and 18th centuries offer valuable clues. X-ray examination reveals their design and shows how they were regulated (keys, jacks, plectra).Thanks to this approach, we have identified nine essential factors which illuminate the design and construction of these instruments. French manuals of the time had a narrower octave span than those of instruments made in neighbouring countries - or today. Span, of course, determines the distance between thumb and little finger, which itself affects playing. The smaller the gap, the closer the fingers, and the more relaxed the hand. From the beginning, the French sound was also distinguished by its highly flexible harmonies,low-tension strings and low pitch (A3 at 392-406 Hz.). We also found that some harpsichords had three manuals, that some (particularly Alsatian instruments) had 16 foot stops and a lute stop, and that the S-shaped bentside was a French innovation. Musicologists and musicians already know in general terms how manuals evolved from the early 17th to the late 18th century, but no specific research has been done on the process by which they became wider, between 1670, when the first book, Chambonnière’s Pièces de clavecin, was published, and 1741, when Rameau’s Pièces de clavecin en concerts made five octaves the norm.We have also studied strings, their thickness and the materials of which they were made. We have found that string diameter was smaller than it is now, and that bass strings were never made of copper. Only brass with high copper content was thought to give the deeper strings a satisfactory sound. Strings on the upper three-fifths of the manual were made of soft iron, which had little tension. Steel, which is used today, was obviously unknown.Finally, harpsichords, once their temperament is established, are today tuned in pure octaves –which, as a text by Corrette has shown us, was far from being the case in the 18th century

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Kopsalidou, Evangelia. "L'art de la viole de gambe d'Eustache du Caurroy à Michel Corrette (1610-1773) : du concert de violes à la pièce soliste virtuose." Thesis, Sorbonne université, 2020. http://www.theses.fr/2020SORUL018.

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Abstract:

Le jeu de la viole de gambe devient un art aux XVIIe-XVIIIe siècles en France. Notre premier travail consiste à élaborer un bref catalogue des sources pour viole de gambe française dans la période mentionnée ci-dessus. Ce catalogue est l’outil essentiel pour un questionnement sur le répertoire de la viole de gambe de 1610 à 1773, périmètre qui inclut l’apogée et le déclin de l’instrument. Notre second intérêt est consacré aux violistes virtuoses et aux ensembles de violes. Nous ne traitons pas ici leur biographie ni l’analyse structurelle et technique de leurs œuvres, ni le sujet des ensembles de violes. L’important corpus d’œuvres nées à une époque donnée (1610-1773) met en lumière un idéal esthétique en même temps que l’ensemble des processus créateurs visant à cette expression de la beauté. La période montre la transition du jeu de la viole de consorts à la musique pour solo viole et pour un ensemble d’instruments dans lequel le pardessus joue un rôle important. Le rôle de l’archet (comme vecteur des effets) et le placement des ornements ou « agréments » seront étudiés avec une attention particulière notamment à la lumière des nombreuses pages que les méthodes leur consacrent. Les témoignages d’œuvres littéraires (mémoires, essais, débats, récits de concerts) apporteront un premier éclairage sur les conditions socioculturelles de la pratique de la viole
Playing the viola da gamba became an art during the XVIIth-XVIIIth centuries in France. The first task of this thesis is the development of a summary catalogue of viola da gamba music from these centuries. This catalogue forms an essential tool for a study of the vdg repertory from 1610 to 1773, a period which includes the apogee and the decline of the instrument. Based on the catalogue, the thesis focuses on virtuoso violists and viol consorts. We do not treat here their biography nor the structural and technical analysis of their works, nor that of the sets of viols. The important corpus of works composed during the period represents an aesthetic ideal as well as the set of creative processes aimed at this expression of beauty. The period saw a transition in the use of the viol from consorts to solo music, and to ensembles in which the viol was mixed with other instruments giving an important role to the pardessus. The role of the bow (as a vector of effects) and placement of ornaments or "agréments" will be studied with particular attention, with the help of the many pages that the methods devote to them. The testimonies of literary works (memoirs, essays, debates, narratives of concerts) shed some light on the socio-cultural conditions of the practice of the viola da gamba

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Vlasie, Diana. "Invention du surréalisme et découverte critique du baroque." Paris 7, 2013. http://www.theses.fr/2013PA070003.

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Abstract:

Nés à la fin du XVIe siècle, l'art et la littérature baroques seront occultés pendant près de deux cents ans. Ce n'est qu'à la fin du XIX' siècle qu'on les redécouvre et qu'on construit même une notion pour les désigner, le baroque. Tandis que les chercheurs français commencent peu à peu à s'emparer de cet objet d'étude au courant du XXe siècle, le surréalisme se constitue en tant que mouvement et ne cesse de rechercher des prédécesseurs qui ne s'inscrivent pas dans l'histoire littéraire des manuels scolaires. Sans défendre une vision transhistorique du baroque, cette thèse interroge d'une part, l'influence de cette notion moderne sur le surréalisme et, de l'autre, les affinités entre les artistes et auteurs nommés baroques et ceux surréalistes. L'étude de l'historique de la réception du baroque, permet d'abord de comprendre ce à quoi correspondait précisément la notion de baroque au moment où le surréalisme en était encore à ses débuts, soit jusqu'à la première moitié des années trente. Ce travail de recherche montre ensuite comment la pratique de l'automatisme qui caractérise les débuts du surréalisme est marquée par une théâtralité proprement baroque, telle que les premiers spécialistes l'ont définie. La vision du théâtre chez les baroques et chez les surréalistes se trouve par la suite analysée, afin de démontrer cette fois la présence d'éléments communs aux auteurs baroques et à ceux surréalistes. Enfin, le merveilleux surréaliste se trouve mis en parallèle avec la meraviglia baroque, à travers la question des cabinets de curiosités, celle de l'image surréaliste et de la pointe baroque, ainsi que celle du procédé de l'anamorphose
Born in the late sixteenth century, baroque art and literature remains unknown for nearly two hundred years. It is not until the late nineteenth century that it is rediscovered and that the concept of baroque emerges to define it. While French researchers gradually begin to appropriate this object of study during the twentieth century, surrealism rises as a movement and ceaselessly seeks predecessors previously excluded from the history of literature vehiculated in academia. Without defending a transhistorical vision of baroque, this thesis looks at the influence on surrealism of the modern concept of baroque and explores the affinities between baroque and surrealist artists and writers. The study of the reception of baroque allows to first understand what corresponded to the notion of baroque when surrealism was still in its infancy, up until the first half of the thirties. This research goes on to show how the practice of automatism that characterizes the beginnings of surrealism is marked by a purely baroque theatricality, as defined by the first specialists. The baroque and surrealist vision of theater is then analyzed to demonstrate the presence of elements common to baroque and surrealist authors. Finally, the surrealist marvelous is placed in parallel with the baroque meraviglia, through the question of cabinet of curiosities, the surrealist image and the baroque conceit, as well as the process of anamorphosis

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Macé, Stéphane. "La pastorale dans la poésie française de l'âge baroque." Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040194.

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Abstract:

La poésie pastorale baroque s'affiche comme l'héritière consciente d'une longue tradition littéraire : Virgile et Théocrite, bien sûr, mais aussi les bucoliques mineurs de l'antiquité, les poètes élégiaques latins, puis les grands modèles de la renaissance néolatine. Ces exemples théoriques ou littéraires, enrichis encore par les apports en langue vulgaire des italiens, des espagnols ou de l'école de Ronsard, subissent avec le premier XVIIe siècle une mutation sans précèdent : la frénésie des formes qui s'empare de la poésie bucolique appelait une étude du statut générique de la pastorale. Mais l'analyse des différentes postures énonciatives, de l'approche descriptive ou de la pratique des genres mêlés engage également une réflexion sur la vision du monde baroque : comment expliquer sinon le succès de la poésie pastorale ? Les émules d'honore d'Urfé tentent d'y découvrir le remède à une crise des valeurs aristocratiques, les libertins s'en emparent pour conquérir un espace de liberté, et les poètes dévots de la contre-réforme irriguent le monde bucolique d'une spiritualité nouvelle. Qu'ils cherchent un refuge dans l'imaginaire ou approfondissent leurs blessures au contact d'une Arcadie endeuillée, les pastoralistes baroques investissent la bucolique de leur sensibilité propre, sensibilité dont les habitudes stylistiques sont aussi le plus sur révélateur.

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Gayou, Évelyne. "Le GMR, Groupe de Recherches Musicales : des racines de la musique concrète à l'électroacoustique des années 2000 : histoire, oeurvres, concepts, outils: une synthèse." Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2006PA040014.

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Abstract:

L'histoire du GRM, fondé en 1958, au sein de la Radio Télévision Française, prend sa source à la radio, dès le début des années 1940. La première partie de cette recherche reconstruit la chronologie des événements : œuvres, publications, développements technologiques, élaborations de nouveaux concepts, évolution de l'institution. Les sept chapitres, un par décennie, prennent comme point de départ l'année 1948, date de naissance officielle de la Musique Concrète. Le premier chapitre est un peu particulier. Il s'attache à dégager les racines de la jeune musique concrète en remontant le temps, le plus loin possible, avant 1948, jusqu'aux mouvements futuristes des débuts du XXe siècle, ainsi qu'au dadaïsme, et au surréalisme. La seconde partie aborde l'histoire du GRM transversalement, suivant différentes thématiques. Un premier chapitre expose la prise d'identité de ce nouveau genre musical, et la lente évolution du Groupe de Recherche de Musique Concrète, vers un rôle d'École, à partir de 1951. Le second chapitre porte sur les concepts (écoute réduite, objet sonore, analyse typomorphologique. . . ), la pédagogie et les outils (des premiers phonogènes aux derniers logiciels GRM-Tools) développés au GRM, depuis cinquante ans. Le troisième chapitre expose la problématique de l'espace, du concert, et le lien au public. Le quatrième chapitre explore la lisière entre le musical et le visuel, à travers la question de l'écriture, une interrogation majeure qui se pose à tous les arts de support, aujourd'hui
Originating in radio at the beginning of the 1940's, the GRM was officially launched in 1958 by Radio Television Française. The first part of this research reconstructs the history, starting with the most visible manifestations: opuses, publications, technological developments. The research traces also the elaboration of new concepts and evolution of the movement. Beginning with 1948, the official birth date of the Concrete Music, the chronology is divided into seven chapters, one for each decade. The first chapter, however, moves back in time, delineating the roots of Concrete Music by recounting the events that preceded 1948 and eventually led to the dadaism and surrealism of the twentieth century. The second part of the research traces the themes of the GRM history. The first chapter identifies the emergence of this new musical genre and its slow progression from the Groupe de Recherche de Musique Concrete of the Paris Studio to its role as a musical School in 1951. The second chapter examines the concepts (reduced listening, sound object, typomorphological analysis. . . ). It traces the pedagogy and the tools (from the first phonogènes to the final software called GRM-Tools and Acousmographe) developed in the last fifty years. The third chapter studies the problems of space, concert presentation and connection with the audience. The fourth chapter explores the boundary between the Musical and the Visual, across the question of writing, a major issue in all the media arts today

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Ternaux, Jean-Claude. "Lucain et la littérature de l'âge baroque en France : citation, imitation et création." Reims, 1995. http://ezproxy.normandie-univ.fr/login?url=https://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=JtxMS02.

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Abstract:

L'objet de cette thèse est de montrer que Lucain est une référence obligée et un révélateur de l'époque baroque. Du point de vue de la réception les éditions savantes se multiplient, les commentaires abondent pour développer les aspects encyclopédiques de la Pharsale ou pour considérer le poète latin comme un historien et un défenseur des libertés a une époque qui voit le retour de guerres civiles semblables a celles de Rome. En outre, son style marque par l'enargeia est l'objet d'un débat qui avait commencé avec Quintilien. D'autre part, dans la création, son influence est considérable. Avec le centon, l'ode (Dorat), le sonnet (du Bellay), le roman (urbain chevreau) et surtout la tragédie (r. Garnier, p. Corneille), la Pharsale est l'objet de transformations génériques que rend possible l'irrégularité de l'épopée antique. Seuls les tragiques d'Agrippa d'Aubigné, la traduction de et, dans une moindre mesure, la parodie de Brébeuf imitent Lucain en restant fidèles au genre épique
The aim of this thesis is to show that Lucan is an essential reference and he reveals the baroque age. As for the reception, the erudite editions are more and more numerous, the commentaries are plentiful in order to develop the encyclopedic aspects in the pharsalia or to consider the latin poet as an historian and as a defender of the liberties at a time in which it seems that the civil roman wars come back. Moreover, there is a debate about the style caracterized by the enargeia, which had begun with Quintilian. On the other hand, in the creation, the influence of Lucan is very important. With the centon, the ode (j. Dorat), the sonnet (du Bellay), the novel (urbain chevreau), and above all the tragedy (r. Garnier, p. Corneille), the pharsalia is the object of generic alterations which is made possible by the irregularity of the antic epic. Only les tragiques of Agrippa d'aubigne, the translation and, to a smaller extent, the parody of brebeuf mitate Lucan while remaining faithful to the epic genre

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Keyrouz, Marian. "Rôle et fonction du chant cultuel dans les deux Églises orientales Maronite et Mélkite." Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1991PA040048.

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Oh, Sang-Eun. "La musique pour piano d'Olivier Messiaen: technique et esthétique." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040082.

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Abstract:

Nombre de compositeurs du XXe siècle considèrent que le travail est beaucoup plus important que l’inspiration. Pour Messiaen, la part de celle-ci est aussi importante que le travail. On peut dire que sa musique a joué un rôle de pont entre la musique classique et la moderne : tout en créant un langage novateur, il a pris des éléments de traditions anciennes pour les appliquer à sa composition. Il a beaucoup encouragé ses élèves à faire avancer la musique, en leur ouvrant des horizons nouveaux. Comme la vie moderne évolue rapidement, surtout grâce aux technologies, il en est de même dans le domaine musical ; le souci majeur pour la plupart des musiciens contemporains est l’avancement de la technique. Mais Messiaen a plutôt fait évoluer ses éléments de musique à travers ses diverses sources d’inspiration. Parmi celles-ci furent l’écoute de la nature (symbole de liberté), sa foi (le monde des choses invisibles), la gloire de Dieu (l’inatteignable). Grâce à ce compositeur, on peut sentir tous ces éléments comme s’ils nous apparaissaient. A travers l’évolution de sa technique pianistique, on peut saisir au plus près ce développement, du début à la fin de sa vie. Le piano fut un atout principal, qu’il a choisis pour exprimer son désir d’approcher à la fois le monde d’en haut et le monde d’en bas
While many composers in the 20th century considered the work itself to be the most important factor in making admirable music rather than inspiration, Olivier Messiaen has regarded the inspiration as equally important to the work itself for his composition. We can say that he has bridged the era of classical music toward that of modern music. While pioneering in the creation of his own musical language, he fabulously applied all the traditional elements from the past to his composing. He has always encouraged his students to advance music by enlightening them with new vision. Undoubtedly, everything changes so fast these days especially due to the rapid advancement of technology. This is the same in musical domain, as well. Therefore, one of the major issues for the majority of contemporary composers is the advancement of technology. But, Messiaen used new musical elements adopted from his various inspirations. He has generated his inspirations by keeping his eyes and ears to the nature (the symbol of liberty), the faith (the object we cannot see) and the glory of God (the stature we cannot reach). Thanks to the hands of composer, we are able to feel as if they are in front of us. Exploring the evolution of his technique with piano, we can better understand his musical development from the beginning to the end of his life. The piano is the primary instrument he chose to express his desire to approach the world on the earth and the Heaven at the same time

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Guillien, Mathieu. "Du minimalisme dans la musique électronique populaire." Paris 8, 2011. http://www.theses.fr/2011PA084112.

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Abstract:

L’intention de ce travail est d’interroger la notion de minimalisme dans le cadre de la musique électronique populaire. Dans une première partie, il s’agit d’expliciter le concept de minimalisme en revenant sur la genèse de cette esthétique, apparue dans les arts plastiques dans les années 1950 aux Etats-Unis, puis sur sa transposition dans le domaine musical sous l’égide de compositeurs tels que La Monte Young, Terry Riley et Steve Reich. L’évocation des compositeurs minimalistes américains nécessite de justifier l’emploi du concept de « minimalisme » pour évoquer des univers a priori différents. Cette clarification se fait en plusieurs points : le rapport des musiciens à l’histoire, leur positionnement économique, les outils dont ils disposent et la réflexion qu’ils produisent sur leur art, leur contexte social, leur relation à l’interprétation et au concert, enfin leur gestion de problématique telles que la répétition ou la danse. La seconde partie du mémoire porte sur la techno en tant que telle. Après un historique du contexte d’apparition de ce genre musical, au début des années 1980 à Detroit aux Etats-Unis, ainsi qu’un aperçu des instruments électroniques ayant facilité la naissance de la techno et des conséquences structurelles de ces instruments, nous étudions l’émergence de la branche dite « minimale » de la techno. Enfin, l’étude du compositeur allemand Robert Henke permet d’approfondir des notions de composition assistée par ordinateur, et d’élargir notre propos au minimalisme dans la musique électronique populaire non dansante
The purpose of this study is to call into question the concept of minimalism in popular electronic music. The first part of the dissertation focuses on the concept of minimalism itself by mentioning the genesis of this aesthetic, which appeared in plastic arts in the 1950 in the United States, then its translation in the music field under the aegis of composers such as La Monte Young, Terry Riley and Steve Reich. To justify the use of the concept of minimalism while referring to different musical genres, a clarification is made in several steps: the relation of the musicians to History, their economic positioning, the technical means at their disposal as well as their reflection on their work, their social context, their relation to interpretation and live performance, and their views on problematics like repetition and dance. The second part focuses on techno itself. After tracing the history of the emergence of this musical genre at the beginning of the 1980’s in Detroit, as well as an outline of the electronic instruments which played a part in this emergence and their structural effects on the music, we can study the emersion of the « minimal » branch of techno. Lastly, studying the music of German composer Robert Henke allows us to broaden our subject by including an example of minimalism in popular electronic non-dance music

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Cyrille, Dominique. "Recherche sur la musique rurale de la Martinique." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040087.

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Abstract:

Au cours des trois derniers siècles, des éléments musicaux européens et africains ont fusionné en Martinique pour donner naissance à une musique originale. Une partie importante de cette musique ne peut être interprétée qu'en plein air, à la campagne le plus souvent. Elle contient quatre genres principaux dont les bèlè de travail ou de divertissement, les lassote et les calypsos des contes traditionnels font partie. Les pièces qui constituent ces genres musicaux transmettent la mémoire collective. Elles témoignent aussi du double apport de l’Europe et de l’Afrique à travers des types mélodiques, des rythmes et des instruments caractéristiques de ce répertoire
In Martinique, a fusion of musical elements from Europe and west Africa has occurred during the past three centuries, giving birth to a new musical language. A large part of this music is performed only in open air, specifically in the countryside. Three of the four of these main musical genres are bele (work music and dance music), lassote and traditional story-telling calypsos. The musical pieces constituting these genres pass on Martinican culture from older generations to newer ones. They also illustrate the combined musical influences of Europe and Africa which can be perceived through specific melodic types, rhythms and musical instruments

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Ordoñez-Flores, Eva. "La danse Flamenca : études de son rythme et de son esthétique." Paris 4, 2001. http://www.theses.fr/2001PA040062.

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Abstract:

L'ensemble de cette thèse s'articule de manière constante autour de préocupations d'ordre esthétique, historique,sociologique et anthropologique au travers d'une étude analytique. Elle établit un classement par familles rythmiques des pièces dansables du répertoire flamenco. Chaque famille comporte une étude de ses principes généraux d'un point de vue rythmique et chorégraphique. Chaque pièce du répertoire ou "palo" comporte une étude d'un point de vue musical et chorégraphique. L'étude musicale comprend la description du chant au travers des paramètres de ses couplets,les "coplas", et la description du "toque" de la guitare : changements d'accords,jeu de la main droite et placements des temps forts. Une transcription musicale de base vient illustrer ces propos dans le second volume. L'étude chorégraphique comprend une description du caractère de la danse, la définition de sa structure de base et une analyse esthétique au travers d'un ou plusieurs documents audiovisuels. Ce dernier point d'étude définit, pour chaque exemple, la structure de la danse analysée et le nombre de cycles rythmiques dont se sert l'interprète pour chaque partie structurelle. L'étude comporte des commentaires en rapport à l'interprétation chorégraphique.

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Miller, Maria. "La Tragédie biblique à l'âge baroque en France (1610-1650)." Paris 3, 1988. http://www.theses.fr/1988PA03A023.

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Abstract:

Xviie siecle, par quatorze tragedies inspirees de l'ancien testament : la naissance ou creation du monde (villetoustain, 1610-14?); le deluge universel (h. De picou, 1643); samson le fort (anon. , 1610-14?); saul (c. Billard, 1610); saul (p. Du ryer, 1642); achab (anon. , 1634); nabuchodonosor (anon. , 1610-14?); la chaste et vertueuse susanne (f. Auffray? 1614); holoferne (b. Baro, 1629); judith (g. Bouvot, 1649); la belle hester (j. Marfriere, 1610); la perfidie d'aman (gaultier-garguille?, 1662); esther (p. Du royer, 1644) et antioche (j. B. Le francq, tourne autour de trois axes : sources, structures et themes. Outre le recit sacre, parallement aux structures du theatre humaniste, du theatre irregulier et du theatre classique, des structures qui font date : une tragedie-farce, la premiere piece enchassee en france et une tragedie-ballet. Les themes recurrents ont permi de definir la double intention edifiante et polemique des tragedies bibliques et
1614 ?) ; le deluge universel (h. De picou, 1643) ; samson le fort (anon. , 16101614 ?) ; saul (c. Billard, 1610) ; saul (p. Du ryer, 1642); achab (anon. , 1634) ; nabuchodonosor (anon. , 1610-14?); la chaste et vertueuse susanne (f. Auffray?, 1614); holoferne (b. Baro, 1629); judith (g. Bouvot, 1649); la belle hester (j. Marfriere, 1610?) ; la perfidie d'aman (gaultier-garguille?, 1622;esther (p. Du ryer, 1644), holoferne, (b. Baro, 1629); judith (g. Bouvot, 1649); la belle hester (j. Marfriere, 1610?); la perfidie d'aman (gaultier-garguille?, 1622); esther (p. Du ryer, 1644). Themes allowed to define the double intention of the plays : enlightening and

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Carras, Christos J. "Philosophie de la musique et composition musicale depuis 1945 : réflexions sur les conditions de la critique." Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010549.

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Abstract:

(A) Défense des postulats a) que tant la composition musicale que l'organisation des formations sociales renvoient, en dernière instance, a des formes de rationalité, et b) que l'analyse du contenu de vérité d'une œuvre dépend de la possibilité de dégager cette articulation commune. Analyse de la notion adonienne d'auto-déploiement" et de son rapport à la critique de la rationalité instrumentale ainsi qu'à la conception de contenu de vérité élaborée par th. W. -Adorno. (b) critique des théories qui localisent le contenu de vérité d'une œuvre soit dans sa position dans l'institution de l'art (burger) soit dans la discussion esthétique a son propos (Weller Habermas). (c) défense des analyses visant le contenu de vérité face à la critique reconstructive. Analyse des affinités de la déconstruction avec certains aspects de la composition contemporaine - cage, filmant, Reich. . . (d) affirmation de l'importance, dans le contexte actuel d'un matériau qui englobe potentiellement tout son et bruit, d'examiner et préciser la dimension technique de l'auto-déploiement". De même, la notion de "réconciliation", qui lui est intimement liée, doit être pensée en termes intra- musicaux : forme, articulation, matériau. . . (e) analyse du rapport de la caractérisation et du matériau chez Zimmermann, Ferneyhough et Nono
(A) Defence of the following postulates ; a) that both musical composition and the organisation of social formations in the last instance refer back to forms of rationality and, b) that the analysis of the truth content of a work of art depends on the possibility of bringing out this common articulation. Analysis of the adornian notion of "self-deployment" and of its relationship to the critique of instrumental reason as well as to the notion of "truth content" developed by th. W. -Adorno. (b) critique of those theories which locate the truth content of a work of art either in its attitude towards the art institution (burger) or in the aesthetic discussion concerning it (Wellmer Habermas). (c) defense of analysis aiming for truth content against deconstructive criticism. Analysis of the affinities of deconstruction with certain forms of contemporary composition cage, Feldman, Reich. . . (d) affirmation of the importance, in the present-day context of a musical material that potentially englobes all sound and noise, of examining and specifying the technical dimension of "self-deployment". The notion of reconciliation, to which this process is intimately linked, must also be thought in intra-musical terms : form, articulation, material. (e) analysis of the relationship of characterization and material in the compositions of Zimmermann, Ferneyhough and Nono

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Danchin, Sebastian. "Earl Hooker (1929-1970) : vie et mort d'un héros du ghetto." Nancy 2, 1985. http://www.theses.fr/1985NAN21017.

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Couprie, Pierre. "La musique électroacoustique : analyse morphologique et représentation analytique." Paris 4, 2003. https://hal.archives-ouvertes.fr/tel-01264966.

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Abstract:

L'analyse de la musique électroacoustique est ici développée sous l'angle de la description morphologique. Celle-ci consiste, après segmentation du matériau musical, à décrire, à l'aide de critères, les différentes unités sonores et musicales. Ces critères sont classées en trois groupes : interne (spectre, dynamique, allure, grain et espace), référentiel (causalité, voix, effet et émotion) et structurel (analyse formelle). La représentation graphique est devenue un outil essentiel de l'analyste et peut être envisagée sous un angle iconique - créer des liens forts entre le son, ses critères analytiques et les formes graphiques - ou symbolique - figurer le son et ses critères par un ensemble de symboles extrêmement précis. En outre, la représentation est aussi un matériau idéal pour la publication multimédia : l'analyse représentée est associée au son, voire à d'autres médias, pour former un document didactique très riche. Le plan théorique est complété par des analyses de Spirale de Pierre Henry, " Géologie sonore " de Bernard Parmegiani et Stilleben de Kaija Saariaho
What we mean here by the analysis of electroacoustic music is a morphological description. It consist in using various criteria to describe the different aural and musical units of the musical material once they have been separated into segments. These criteria can be classified in three groups : internal (spectrum, dynamic, gait, granularity and space), referential (causality, voice, effect and emotion) and structural (formal analysis). Graphical representation has become an essential tool for the analyst and it can take the form of icons - creating strong links between the sound, its analysing criteria and graphic symbolic forms - or symbols - representing sound and its criteria with extremely accurate symbols. Moreover, representation is also an ideal material for multimedia publication : the represented analysis is associated to sounds or even other media to create a very rich didactical document. The theorical plan is completed by analyses of Spirale by Pierre Henry, " Geologie sonore " by Bernard Parmegiani and Stilleben by Kaija Saariaho

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El, Hallak Oussama. "Le Théâtre d'ombres arabe et sa musique." Paris 3, 1988. http://www.theses.fr/1989PA030062.

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Abstract:

Le theatre d'ombres arabe, art tres populaire avant le 19e siecle, mais meconnu de nos jours, est tres riche en aspects artistiques, historiques et sociaux. Il occupe une place importante dans le patrimoine culturel arabe. Differentes theses expliquent sa genese. La diversite de ses formes et designations est source d'enseignements sur le plan litteraire et artistique. A travers les differentes etudes menees jusqu'a nos jours sur le theatre d'ombres arabe, l'element musical a ete occulte. Or, une analyse exhaustive saurait dissocier l'element musical (modes, rythmes, instruments) de l'ensemble sonore (poesie, linguistique, musique). D'autre part, la quasi-totalite des textes d'ombres sont ecrits sous forme poetique, prosodique ou rimee, d'ou l'interet d'une analyse des differentes formes poetiques intervenant dans les pieces d'ombres, de leur role et de leurs structures, exprimant ainsi le lien etroit entre le verbe et le rythme. Enfin, une piece d'ombres egyptienne "le phare d'alexandrie" est presentee afin d'illustrer la richesse du theatre d'ombres arabe en elements musicaux et poetiques. Une traduction inedite en langue francaise et une analyse complete de ses personnages, formes poetiques, structures et rimes, ainsi que des modes et rythmes de sa musique, permettent de mieux apprehender son originalite mais egalement son caractere representatif du theatre d'ombres arabe dans sa globalite
The arab shadow theatre, a very popular art before the xixth century but unknown nowadays, is very rich in all artistic, historical and social aspects. It plays an important role in the arab cultural patrimony. Different thesis explained its origin. The diversity of its forms and designations has been a source of information on the litteral and artistic level. Throughout the different studies undertaken on the arab shadow theatre, the musical element has been left out. However, a comprehensive analysis would not be able to separate musical elements (mode, rythms) from the whole acoustic system (poetry, linguistic and music). On the other hand, the majority of the shadow texts are writen in either prosidic or rimy poetry. Consequently, it becomes crucial to analyse the different poetric forms of which the shadow texts consist, as well as their role and their structure which reveal the narrow relation between words and rythm. Finally, an egyptian shadow play "the light-house of alexandria" is presented in order to illustrate the richness of the shadow theatre in musical and poetric elements. The unpublished french translation and the comprehensive analysis of the poetric forms and different characters permit a better apprehension of the originality of the shadow theatre

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Benabdeljalil, Nabil. "L'hétérophonie dans la musique du 20ème siècle : autour de Stravinsky, Boulez et Berio : approche théorique générale et étude systématique." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2007. https://publication-theses.unistra.fr/restreint/theses_doctorat/2007/BENABDELJALIL_Nabil_2007.pdf.

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Abstract:

Cette étude de « L’hétérophonie dans la musique du 20ème siècle » contient trois livres. Le livre 1er est théorique : il a pour but la définition et la typologie de l’hétérophonie, puis l’élaboration d’un système analytique précis valable pour l’analyse dans les livres 2ème et 3ème. Sont spécialement considérés l’ouvrage Penser la musique aujourd’hui de Pierre Boulez (né en 1925) et l’étude des « polyphonies populaires russes » du colloque de Royaumont de 1991. Le livre 2ème s’intéresse à l’hétérophonie dans la musique de Stravinsky (1882/1971) : Petrouchka, le Sacre du printemps, Renard et les Noces. Le livre 3ème étudie l’hétérophonie dans Coro de Luciano Berio (1925/2003) puis dans l’Improvisation III selon Mallarmé de Boulez. Enfin, la conclusion compare l’écriture des trois compositeurs, en donnant un aperçu général sur l’hétérophonie durant le 20ème siècle
This study of « Heterophony in the 20th century music » is composed by three books. The first book is theoretical: his aim is to give a definition and a typology of heterophony, then to elaborate an exact and valid analytic system in order to make analysis in the parts 2 and 3. A special attention is given to the book Penser la musique aujourd’hui of Pierre Boulez (born in 1925) and to the study “Russian popular polyphonies” from the colloquium of Royaumont in 1991. The second book is focused on the heterephony in Stravinsky’s music (1882-1971): Petrouchka, le Sacre du printemps, Renard and les Noces. The third book studies the heterophony in Coro of Luciano Berio (1925-2003), and in Improvisation III selon Mallarmé of Boulez. At last, the conclusion compares the writing of the three compositors, giving a general survey of heterophony in the 20th century

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Gabry-Thienpont, Séverine. "Anthropologie des musiques coptes en Égypte contemporaine : tradition, identité, patrimonialisation." Paris 10, 2013. http://www.theses.fr/2013PA100006.

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Abstract:

Cette thèse de doctorat porte sur les musiques coptes d’Égypte dans leurs dimensions anthropologique, socio-politique et historique, dans un pays où cette communauté religieuse est en situation clairement minoritaire. Une première partie présente l’ethnographie d’un monastère de Haute-Égypte, Dayr el-Moḥâreb, et des villages qui en forment la paroisse, pour dresser le contexte humain de ces pratiques musicales. Une deuxième étudie successivement les parties liturgique et paraliturgique, en pleine expansion, du répertoire, suivies par une présentation des différents modes de transmission constatables de nos jours. Une troisième, enfin, aborde l’évolution des musiques coptes depuis le XIXe siècle à travers l’étude de l’influence du Renouveau copte et de son implication sur les effets de patrimonialisation, de rigidification et de transformation du répertoire musical. La musique copte s’inscrit-elle simplement dans la continuité de l’ancienne civilisation égyptienne, comme le souligne à loisir le discours identitaire des coptes en ce début de XXIe siècle et conforté en cela par les travaux de certains musicologues orientalistes ? Ou bien est-il temps de parler de « musiques coptes » au pluriel, du fait des nombreuses influences culturelles, sémitique ancienne, grecque, arabe et occidentale qui ont de tout temps touché cette tradition, et plus encore au cours du XXe siècle ?
This dissertation focuses on Egyptian Coptic Music in their anthropological, socio-political and historical dimensions, added to the fact that the Coptic community is a religious minority in Egypt nowadays. The first part will present the ethnography of a monastery from Upper Egypt, Dayr el-Moḥâreb, and the surrounding villages constituting the parish. It will describe the human context of musical practices. The second part will focuse on the repertoire’s liturgy and paraliturgy, before considering the different actual ways of transmission. The third part will study the evolution of Coptic Music since the 19th century through the influence of the Coptic Revival, and its consequences on the Coptic Music. Does, nowadays, Coptic Music fits in the line of ancient Egyptian civilisation as it is underlined in the discourses of the orientalists and musicologists, and in the identity rhetoric of the Copts? Can we speak about “Coptic Music” in plural including many cultural influences as Ancient Semitic, Greek, Arab and the West, especially during the 20th century?

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Siala, Mourad. "La Hadra de Sfax : rite soufi et musique de fête." Paris 10, 1994. http://www.theses.fr/1994PA100083.

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Abstract:

Depuis quelques décennies, après l'extinction des manifestations des confréries religieuses de Sfax, la Hadra, qui est la musique de ces confréries, ne se pratique plus que dans un contexte profane, c'est-à-dire les fêtes familiales. Mon intention a été donc d'essayer de passer en revue cette musique dans une perspective historique, d'examiner son organisation, ses activités et son influence sur ses auditeurs dans le passe et dans le présent ; et enfin, de mettre en évidence son originalité à travers l'analyse de son système musical et la transcription de tout son répertoire, textes musicaux et paroles en langue originale. La Hadra, en tant que concert musical, date au plus tard de la fin du XIXe siècle, l'époque ou furent fondées les principales édifices mystiques des grandes confréries. En dehors de sa fonction principale qui consiste à faire danser les gens, la Hadra se particularise par son influence magique sur certaines personnes qui, à l'écoute de certains airs musicaux, ne peuvent pas se retenir de s'engager dans une danse qui les ramene a un état de transe. D'après le comportement des sujets lors de leur accès à la transe, l'état auquel ils parviennent est lie a la possession, bien que celle-ci n'est pas reconnue comme telle par la société. Un sujet qui, comme on dit, "a les ahwal" - c'est-à-dire qui a une prédisposition a la transe par l'audition de son air de prédilection - n'est pas considère comme un possède, même s'il l'est réellement et qu'il entre dans cet état dans un but thérapeutique. Le système rythmique représente le cote le plus fort et le plus important du système musical en général, ce qui traduit la prédominance des instruments de percussion dans la formation instrumentale de la Hadra
Since few decades, after the extinction of the religious brotherhood’s manifestations in sax, the Hadra, which is the music of these brotherhoods, is no longer played except in profane context that is family parties. My first intention was then to historically review this music and examine its organization, its activities, and its influence on its auditors in the past and in the present. My second intention was to show the originality of this music by analyzing its musical system and the transcription of its repertoire, its musical text and words in native language. The Hadra, as a musical concert, goes back at the latest to the end of the XIXth century, the period during which the main mystic edifices of major brotherhoods were found. Other than its main function of dancing, the Hadra is known for its magic influence on certain people who, when listening to some of its musical airs, loose control of themeselves and become in a state of France. The behavior of these subjects, during this trance state, is related to possession, but this is not recognized as such by the society. A subject, as said has the "ahwal" - i. E. Has a predisposition to the trance by listening to its predilection air - is not considered as posseded even if he really is, and that he enters this state for therapeutic purposes. The rhythmic system represent the strongest and the most important side of the musical system, in general, which explains the predominance of percussion instruments in the instrumental constitution of the Hadra

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Sattler, Henri. "La Voix de l'orgue entre devotio et suavitas : paradigme d'une poétique sonore de la foi : théologie, éthique et esthétique dans la praxis de l'organiste catholique français entre le Concile de Trente et aujourd'hui." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2003. http://www.theses.fr/2003STR20001.

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Abstract:

Lors de la conférence de Carême qu'il prononça à Notre-Dame de Paris, le 21 février 1999, le père Jean-Robert Armogathe rappela que la voix de l'orgue offre un accès privilégié au sacré, en contribuant à la création d'un "espace de sensibilité" favorable à la rencontre du transcendant. La méditation musicale des orgues permet, selon lui, de pénétrer dans la compréhension du mystère divin, qui, comme l'affirme le Nouveau Testament, est demeuré caché aux puissants, se dévoilant au coeur des humbles et des petits. Depuis l'époque patristique, le culte chrétien attribue à l'orgue une fonction théologale et mystagogique, qui introduit le sujet croyant dans une expérience du divin, d'ordre tant rationnel qu'émotionnel. La méthode allégorique fondée par Origène et Tertullien, illustrée par l'Ecole française de spiritualité (Olier, Grimaud, Thomassin), puis par les catholiques romantiques (Lamennais, d'Ortigue, Chateaubriand), légitime la présence de l'orgue dans le sanctuaire, tout en précisant son rôle dans la scène cérémoniale. Sa structure sonore offre une représentation sensible des réalités invisibles du kérygme chrétien : la multiplicité des tuyaux, le vent émis par les soufflets et les sons prolongés évoquent respectivement la communion des Saints, le souffle de l'Esprit et l'Eternité divine. L'orgue est un signe sacramentel qui participe, selon Jean-Yves Hameline, à une poétique sonore de la foi. Faisant écho à la crise liturgique suscitée par les dernières décisions conciliaires, cette étude vise à rappeler ce que l'Eglise catholique demande à ses musiciens, en incitant à une re-estimation du rôle de l'orgue dans "l'écologie sonore" de la célébration. Quels sont les critères de convenance -théologiques, rhétoriques et stylistiques- qui mesurent l'aptitude d'un instrument ou d'un répertoire à participer à la célébration du culte catholique ? Comment cette question a-t-elle influencé la praxis des organistes français depuis le Concile de Trente ?
In the Lent sermon he gave in the church of Notre-Dame of Paris on February 21st, 1999, the Rev. Jean-Robert Armogathe reminded his audience that the sound of the organ gives us a most creditable access to the sacred by enabling our senses to experience transcendency both rationally and emotionally : by accompanying our meditations, organ music leads us into te very mystery of the Divine, which, according to the New Testament, ignores the powerful and only unveils itself to its humbler servants. Thus, ever since the early days of Christianity, the organ has been endowed with both a theologal and mystagogic function. The method of allegory, founded by Origen and Tertullian and illustrated first by the French school of spirituality (Olier, Grimaud, Thomassin), then by the Catholics of the Romantic period (Lamennais, d'Ortigue, Chateaubriand), legitimates the presence of the organ in the sanctuary and specifies the role it is to play in the ceremonial scene. Indeed, such an instrument does provide our senses with a representation of the invisible realities of the Christian kerygma, as the multiplicity of its pipes, the wind blown out by its bellows, and its prolonged sounds evoke respectively the communion of the Saints, the breath of the Holy Spirit and the eternity of God. The organ is a sacramental sign, according to Jean-Yves Hameline, has to do with the poetics of faith itself. As a response to the crisis of liturgy created by the latest decisions of the Council, this study proposes to retrace what the Roman Catholic church expects from its musicians, by giving grounds for a new appraisal of the part the organ plays in the "ecology of sound" of celebrations. What criteria -be they either theological, rhetorical or stylistic- should therefore be taken into account to decide whether an instrument or a repertoire is fit to take part in the celebration of the Catholic ritual ? And how has this question influenced the praxis of the French organists since the Council of Trento ?

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Ben, Saïd Samiha. "Le Maqâm irakien : Contexte, éléments du langage. Transcription et analyse." Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040008.

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Abstract:

Le maqâm irakien est l'héritage le plus important dans le domaine de la musique irakienne. Qu'il soit interprété sur un texte poétique littéraire ou dialectal, le maqâm irakien représente une forme musicale vocale d'un pouvoir d'influence inestimable sur les sentiments des irakiens quel que soit leur religion, leur ethnie, leur dialecte. Le maqâm irakien représente un héritage culturel de la mémoire collective irakienne. Il est interprété par un chanteur dit : "récitant" accompagné par une formation orchestrale appelée "tchâlghî". Cette formation est constituée des instruments dont les plus importants sont "al-santûr" et "al-jôza". Le maqâm irakien se caractérise par plusieurs spécificités Parmi lesquelles et qui est d'ailleurs la plus remarquables, le maqâm n'est jamais lié à un texte poétique, littéraire ou dialectal, bien précis. Le récitant a toujours la liberté de choisir le texte qui lui convient. Ainsi, le maqâm irakien n'est jamais interprété de la même façon, même par un même récitant (ex:maqâm al-banjakâh interprété par Yûsuf 'Umar). Le coté créatif est toujours présent pendant l'interprétation du maqâm
The Iraqi maqam is the most important heritage in the domain of Iraqi music. The Iraqi maqam , whether recited as a literary poetic text or a dialect, represent a musical form of songs that has a major influence on Iraqis regardless of their religion, ethnic affiliation or dialect. The Iraqi maqam represent a cultural heritage in the collective memory of the Iraqis. It is sang by a singer called "reciter" accompanied by an orchestral formation called "tchalghi". Such formation constitutes some instruments the most important of which are "al-santur" and "al-joza". The maqam has many remarkable characteristics: it is never associated with a precise poetic literary text or dialect, the reciter is always free to choose the text le likes and it is never recited in the same fashion even by the same reciter. The creative side is always present through the recitation of the maqam

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Richard, Joël. "Les oratorios bibliques de Haendel : une musique nationale ?" Paris 3, 1996. http://www.theses.fr/1996PA030026.

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Abstract:

Les oratorios sacres de haendel sont une musique en contexte : sans une etude precise des cadres sociaux, politiques et religieux qui ont donne naissance a cette forme musicale, dramatique et biblique, on ne peut comprendre les mecanismes qui ont abouti a l'adoption par les anglais de ces ouvrages, ou ils ont entendu le chant de leur propre royaume, la voix de leur propres souverains, l'histoire de leur propre peuple
The true originality of handel's sacred oratorios cannot be grasped without the context which gave them birth : a precise study of the social, political and religious backgrounds of the period (1732-52) enables us to understand the complex phenomena of identification and adoption which made these pieces resound to the english ears with the voice of their own kingdom, their own queens and kings, and their own history

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Kim, Eunhye. "La musique de ballet de Darius Milhaud : étude et analyse critique." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040065.

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Abstract:

La spécificité des ballets de Milhaud est due à l'unité de leur forme. Cette unité étant elle-même due à l'utilisation du thème folkorique dans la variété de l'harmonie, du rythme et de l'orchestration. Ce retour à la régularité de la forme ou à la simplicité du folklore et du thème ancien procède d'une tendance néo-classique et antiromantique. Ce néo-classicisme dans la musique de ballet de Milhaud contribue à synthétiser l'art du ballet, car il fait coopérer la musique avec les décors imaginés par les peintres surréalistes et cubistes de l'époque ainsi qu'avec la danse néo-classique, ou avec le cirque, ou encore avec l'art acrobatique
The specific of Milhaud’s ballets derives from their unity of form using folk themes and from the variety of harmony, rhythm and orchestration. The evocation of the regularity of form and simplicity of folklore and of the traditional themes proceed from a neoclassical and nonromantic tendency. This neoclassicism in Milhaud’s ballet music is the foundation of its artistic value with its flowing unification of the music with the concepts of his contemporary surrealist and cubist painters, with neoclassical dance, with the circus, and even with the art of acrobatic dance

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Lee, Naesun. "Les formules cadentielles dans les psaumes Huguenots : formation horizontale et conséquences verticales." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040013.

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Abstract:

Une question essentielle est à l'origine de cette thèse : quels sont les phénomènes analytiques nous permettant d'affirmer que le XVIe siècle est une époque de transition ? Comment peut-on mesurer le niveau de la tonalité et de la modalité ? Notre étude se donne pour but de parcourir les diverses formules cadentielles contenues dans les psaumes. Pendant les classements, nous démontrons la formation horizontale et le résultat vertical. Cela nous permet de réaliser le second point de notre investigation qui se situe au niveau de l'identification du caractère de l'esthétique musicale au XVIe siècle
One fundamental question of this thesis is the following: which are the analytical phenomena which enable us to affirm that the 16th century is a period of transition? How can we measure the level of tonality and modality? The object of our study is to examine the different cadential formulas of the psalms. While classifying we will show the horizontal form and the vertical result. This leads us to the second point of our research which is the identification of the character of the musical esthetic in the 16th century

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Picard, François. "L'Harmonie universelle : les avatars de Pu'an Zhou, pièce de musique bouddhique chinoise." Paris 1, 1990. http://www.theses.fr/1990PA010550.

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Abstract:

Nous retrouvons la coexistence des deux titres pu'an zhou et shitan zhang tant dans un contexte purement bouddhique que dans les recueils musicaux. Il en existe de nombreuses variantes dans les repertoires de cour, de cithare qin, de luth pipa, dans les repertoires d'ensembles professionnels et populaires comme dans les musiques de temple. Le zhou est une incantation; l'usage de ce type d'incantation a ete introduit en chine par le bouddhisme. Pu'an est un moins ch'an du douzieme siecle. Shitan est la transcription de siddham, le syllabaire sanskrit, qui fut vraisembla blement refondu par pu'an d'une maniere unique dans la litterature chinoise. Nous retrouvons dans toutes les versions musicales etudiees -sauf une- des motifs melodico-rythmiques cara- cteristiques qui subissent des procedes de variations qui ont pour resultat de rendre ces versions meconnaissables. Ces provedes sont particuliers a chaque genre et varient suivant le lieu et l'epoque. Ils peuvent etre opposes aux procedes occidentaux de l'orchestration et de l'arrangement. Certains concepts importants dans la theorie mu- sicale chinoise sont ici inadequats et amenent a reevaluer l'importance des pratiques dans l'elaboration musicale autour de la notion de mutation et au detriment du respect des systemes officiels. Tant l'usage de l'incantation a des fins meditatives que l'analyse d'ne langue en phonemes decomposables en voyelles et consonnes sont etran- gers a la chine; on les retrouve pourtant dans notre texte, qui se trouve ainsi dou- blement depourvu de sens. Les musiciens chinois ont vers 1800 meconnu la valeur esthe- tique d'un tel texte et ont eprouve le besoin d'ajouter un caractere descriptif
In buddhist texts aswell as in music we find both pu'an zhou and shitan zhang as titles. There are many variances in court, professionnal and popular ensembles, in qin and pipa repertory. Zhou is a spell and was introduced by buddhism. Shitan is the sanskrit syllabary, which was reconfigured by pu'an, a twelfth century buddhist monk. The use of spell together with the analysis of a language through voyels and consunants were stranger to china and so led to a lack of meaning. Around 1800, chinese musicians tried to reintroduce meaning to this piece through a descriptive program. All musical versions but one are related by the use of characteristic melodicorythmic cells which are varied by operations which make them unidentifiables. Some important concepts of chinese music appear here to be unuseful. The relationship between music and practice is therefore reevaluated through the concept of mutation

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Martheleur, Aude. "Le rock psychédélique anglais et américain (1966-1970)." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2008. http://www.theses.fr/2008STR20034.

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Abstract:

Les années 1960 font figure d’Âge d’Or dans l’histoire du rock. Cette période est marquée par des bouleversements sociaux et politiques dont l’écho se retrouve dans la musique populaire. Le rock psychédélique est l’une des expressions artistiques née dans le bouillonnement créatif de l’époque. Prenant comme prétexte la prise de substances hallucinogènes, le psychédélisme pousse le rock à élargir son langage en intégrant de nouvelles influences. Ainsi le rock psychédélique compose son univers en mêlant toutes les références qui passent à sa portée, musicales ou extramusicales, populaires ou « classiques », sans établir entre elles de hiérarchie. Le rock, par le biais du psychédélisme, construit ainsi un code de références qui lui est propre et devient une Culture. Ce travail tente de situer le mouvement psychédélique dans son contexte historique et artistique, et de dégager les principales caractéristiques musicales du psychédélisme en s’intéressant aux différents aspects de la musique : les groupes, les jeux musicaux influencés par la prise d’hallucinogènes, les textes et les spectacles, afin de comprendre quels éléments se retrouvent aujourd’hui dans le rock actuel et dans quelles proportions
The Sixties appears in rock music history as a kind of a Golden Age. This period is marked by social and political upheavals whose echo is found in popular music. Psychedelic rock is one of the artistic expressions born in the creative boiling from the time. Taking as pretexts the catch of hallucinogenic drugs, rock musicians see this time of creativity as an occasion to enlarge and to diversify their language by integrating new elements. Thus psychedelic rock composes its universe by mixing all the references which pass to its range, literature, comics, oriental music…without establishing hierarchy between them. This work tries to set psychedelic movement in its historical and artistic context, and to establish the principal musical characteristics of the psychedelism while being interested in the various aspects of this music: bands, musical plays influenced by the catch of hallucinogens, texts, shows…in order to understand which elements are found today in the current rock language and in which proportions

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Hanna, Charbel. "Le rôle et l'influence de Ziryab dans l'évolution de la musique arabe et andalouse." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040079.

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Abstract:

Les relations musicales entre l'orient et l'occident remontent au moyen-âge, et précisément aux VIIIe et IXe siècles où le musicien Abu al-Hasan 'Ali ben Nafi', surnommé Ziryab, tint le rôle d'émissaire oriental. D'origine probablement abyssinienne, il naquit entre 775 et 780. Disciple de l'école traditionnelle de musique fondée à Baghdâd par Ibrahim et Ishaq al Mawsili, il était doté de profondes connaissances et d'un grand talent artistique. Il dut quitter la capitale abbasside, Baghdâd, et la cour du calife Harun al-Rachid (786-809) et se rendit à Kairouan. Après avoir chanté devant Ziyada Allah l'aghlabide, il fut obligé de quitter le Maghreb en 821. Arrivé en Andalousie, il fut accueilli par l'émir 'Abd al-Rahman II (822-852) en personne. Ziryab sut juger des passions et des besoins des andalous. Les ayant considérés avec un esprit rénovateur influencé par les données de cette nouvelle société musulmane, il conçut ses diverses créations : il inventa un luth particulier auquel il ajouta une cinquième corde et remplaça l'ancien plectre par un nouveau découpé dans une plume d'aigle. Il traça le déroulement de la nuba et effectua plusieurs autres innovations dans les domaines de la mode et même de la cuisine. Ziryab laissa dans l'histoire des traces remarquables qui influencèrent la musique arabe de son époque et qui sont encore sensibles de nos jours
Musical connections between east and west trace back to the middle age, particularly to the 8th and 9th centuries, when the musician Abu al-Hasan 'Ali ben Nafi', nicknamed Ziryab, acted as oriental envoy. He was born between 775 and 780, probably of Abyssinian descent. Disciple of the traditional music school founded by Ibrahim and Ishaq al-Mawsili in Baghdad, he was deeply learned and was artistically highly gifted. He had to leave the Abbasside capital, Baghdad, and the court of caliph Harun al-Rachid (786-809) and went to Kairouan. After having sung for Ziyada Allah the aghlabide, he had to leave the Maghreb in 821. Once in Andalusia, he was welcome by emir 'Abd al-Rahman II (822-852) personally. Ziryab happened to be a good judge of passions and needs of Andalusian. He looked at them with an oriental renovating mind, influenced by datas of this new Muslim society; he then conceived diverse creations. He thought up a peculiar lute, to which he added a fifth string and replaced the old plectrum by a new one, carved in an eagle feather. He indicated the development of the nuba and made a few other innovations in the field of fashion and even cooking. Ziryab left in history remarkable traces which influenced Arabic music of this time and which are still to be noticeable nowadays

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Kim-Hong, Kyong-soon. "Étude historique et musicologique du pansori." Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040441.

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Abstract:

Nos recherches portent sur le pansori et plus précisément sur un genre musical populaire, qui a un statut assez particulier dans l'histoire de la musique coréenne. C'est une forme d'art vocal qui raconte une longue histoire dramatique. Le pansori comme genre musical a surgi au XVIIIème siècle, l'époque où la Corée traditionnelle commença à être troublée par les invasions étrangères. Le pansori représente la volonté tenace du peuple coréen de sauvegarder son identité en dépit des puissances étrangères et des dominations de la classe gouvernante. Nos premiers chapitres sont consacrés aux diverses influences que le pansori a subies entant que musique et histoire. Il ressort de notre analyse que le pansori constitue une synthèse assez grandiose des divers genres musicaux, lesquels étaient pratiques d'ordinaire par les diverses couches sociales du peuple coréen à cette époque. Sur le plan purement musical, la musique du pansori s'est constituée à partir de systèmes structurels solides et très élaborés. Cette constatation va à l'encontre des analyses de la plupart des musicologues coréen, les derniers en effet, ont situé la musique du pansori dans un cadre par trop catégorique et limité. En revanche, des intuitions solides et des recherches systématiques conduites par Constantin Brailoiu, Jacques Chailly, et Tran van Khe ont fourni pour nous, la source de constantes suggestions. Notre étude s'articule sur la musique du pansori en trois volets, des modes mélodiques, des formules rythmiques et de la voix. Une analyse synthétique qui a fait suite dénombre les caractéristiques de la musique du pansori
Our thesis aims at questioning the validity of a number of the presently established models concerning the traditional Korean popular music, namely, "pansori". In fact, "pansori" constitutes a creative synthetic art composed of different genres of the traditional Korean music known in Korea of the 18th century. The first part of our thesis has to do with the appraisal of the respective role of the different branches of the traditional Korean cultural heritage so as to determine and situate the place of "pansori" within the proper context of the Korean history itself. The critical reexamination which we have undertaken allowed us finally to discover lots of anomalies and even errors in the theoretical frameworks supposed to explain the phenomena of the pansori. As such discrepancies seemed to us to be symptomatic of the approach based on the misplaced conceptualization, we felt it necessary to review those discoveries of ours and integrate them in the entirely new paradigms, and this, to open new perspectives in the ethnomusicological studies with regard to "pansori"

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Chabrier, Jean-Claude C. "Analyses de musiques traditionnelles." Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1994PA040335.

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Abstract:

L'étude conclut quarante ans de recherches du Danube au Gange, surtout au Moyen-Orient, vingt ans d'analyse et dix ans d'enseignement en Sorbonne. Elle illustre, sélectionnées d'un mètre cube d'enregistrements et de vingt-cinq mille diapositives, deux cents analyses de musiques modales de pays se référant au luth-od des traités médiévaux, soit Turquie, pays arabes, Azerbaïdjan, Iraq, minorités chrétiennes et kurdes de hautes Mésopotamie. Préambules : description des méthodes d'identification & de représentation. 1e part. Identification de systèmes acoustiques de l'antiquité aux théories modernes des arabes, turcs, iraniens en passant par les traités médiévaux. 2e part. Identification de systèmes scalaires et modaux. On explique les confrontations-transpositions entre différents systèmes et hauteurs. 3e part. Identification de systèmes instrumentaux: "od, tanbur turc, buzuq, qanon, santor, nay-ney, du Moyen-Orient, joza & calghi de Bagdad en Iraq. 4e part. Représentation morpho-mélodique (graphiques linéaires) de musiques interethniques: modes chur, husayni, dacht entre Azerbaïdjan, Iran et Iraq. 5e part. Représentation structuro-modale (diagrammes et portées) en analyses très précieuses du jeu des luthistes et solistes des arabesques de l'orient. 6e part. Représentation selon le langage instrumental du "od de maqâms d’Iraq. Analyse comparative des frères Bachir et de chanteurs dont Qubbanci. L’étude révèle des liens interethniques entre musiques dites spécifiques
Analyses conclude forty years of research from Danube to Ganges, mostly in middle-east, twenty years of analysis & ten years teaching at sorbonne. Amongst one cubic meter of recordings & twenty five thousand slides, it selects two hundred analyses of modal musics from countries referring to the mediaeval lute-od: turkey, Arab countries, Azerbaijan, Iraq, Iran, Christian & Kurdish minorities in upper-Mesopotamia or around. - Preamble describes topic & methods of identification & of representation. -part. 1. Identification of acoustic systems from antiquity to modern Arab, Turkish & Iranian theories through mediaeval treatises (Farabi, Avicenna). -part. 2. Identification of scalar & modal systems explains confrontations transpositions between different systems & pitches (Arab- Iranian- Turkish). -part. 3. Identification of instrumental systems studies od, Turkish tanbur, middle-eastern buzuq, qanun, santur, nay-ney, Iraqi joza & Bagdad calghi. -part. 4. Melodic-morphological representation (through linear graphs) of interethnic musics: shur, husayni, dasht modes between Caucasus, Iran & Iraq. -part 5. Modal-structural representation (diagrams & staves). Very precise analysis of arabesques playing middle-eastern lutenists & soloists. -part. 6. Representation according to the od instrumental language of Iraqi maqam-s

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Sag, Mélanie. "Les guerres civiles dans les romans anglais et français de l'époque baroque (1580-1668) : poétique du roman, anatomie du conflit et usages de la fiction." Paris 7, 2014. http://www.theses.fr/2014PA070032.

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Abstract:

Notre étude porte sur les guerres civiles dans le roman de l'âge baroque (1580-1668) en France et en Angleterre, pays dont l'identité nationale se redéfinit à l'issue de crises dramatiques aux XVI' et XVIIe siècles. Au croisement des études génériques, des théories contemporaines de la fiction et des approches historicistes, notre travail poursuit deux objectifs : contribuer à la connaissance de la poétique romanesque, éclairer les rapports entre littérature et histoire à partir d'un corpus de trente romans encore trop peu connus. La comparaison entre France et Angleterre implique d'abord d'interroger les critères de définition et les frontières du genre romanesque, puis de retracer la généalogie des modèles narratifs de nos auteurs. Une poétique de la guerre est ensuite dégagée par l'analyse des fonctions narratives de la séquence guerrière, de la construction des personnages, de l'écriture de la violence (mise en spectacle ou estompée). L'étude s'achève par l'interprétation des textes, après une réflexion sur le statut du fait et de la fiction. Entre mémoire des guerres de religion et enregistrement à chaud de la Révolution anglaise, les romans de l'âge baroque développent une forme spécifique de roman historique dont les principales caractéristiques sont le déplacement des enjeux collectifs et la métaphorisation de la division religieuse au niveau du couple ou de la famille, ainsi que le recyclage de l'écriture allégorique. Genre dédié à l'amour, contrairement à l'épopée, le roman baroque élabore des représentations variées et complexes de la guerre civile, cette guerre intérieure qui questionne l'identité et l'appartenance, donc l'intime, objet romanesque par excellence
This work examines the use of civil wars in English and French novels between 1580 and 1668 that is to say during the Baroque period. At this time, France and England were going through a revolutionary political, religious but also social crisis. Our framework is based on genre studies, contemporary theories of fiction and historicity. We aimed at shedding a new light on novel's poetics and analysing the articulation of fact and fiction through the study of a corpus of thirty little-known novels. The comparison between the French novels and the English ones implies to identify what defines the genre of early modern novel and its boundaries for both countries, and determine the genealogy of the narrative models used by the authors. We then establish the poetics of war through the analyses of the narrative functions of war sequences, the way characters are build up and the stylistics of violence (staged or faded). Finally, we suggest an interpretation of the novels. From the remembrance of wars of religion to the record of the English Revolution, Baroque novels constitute a specific form of historical fiction, characterized by the displacement of collective stakes and the metaphorisation of the religious division to the level of the couple or the family but also the recycling of the allegorical writing style. The Baroque novel is dedicated to love as opposed to the epic genre, it offers various and complex representations of civil war, this internai conflict questioning one's identity, faith and sense of belonging, three key concepts of the early modern novel

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P, Bouliane Sandria. ""Good-bye Broadway, Hello Montréal" : Traduction, appropriation et création de chansons populaires canadiennes-françaises dans les années 1920." Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/30019/30019.pdf.

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Abstract:

L’objectif général de cette thèse est de contribuer à l’enrichissement des connaissances sur la vie culturelle et musicale des années 1920. En s’appuyant sur l’œuvre de Roméo Beaudry, il s’avère qu’un corpus typiquement associé à la culture anglophone états-unienne peut constituer un jalon déterminant de l’histoire de la chanson populaire canadienne-française. Pour rendre possible une telle équation, les deux premiers chapitres dressent le portrait des lieux de productions et de réception en insistant sur la place octroyée à la diffusion de la chanson. Certaines habitudes et conventions, bousculées au début du XXe siècle, allaient avoir un impact significatif sur le développement des rapports entre les auditeurs, les œuvres, les lieux de réception et les médias. Le chapitre 1 décrit la façon dont ces rapports ont ébranlé les frontières géographiques, langagières et génériques tout en multipliant la diversité musicale et en offrant une plus grande diffusion. Le chapitre 2 suggère que des facteurs dynamiques et complexes tels que les temps de loisirs et les modalités de l’écoute ont pu modifier la réception des œuvres. La pluralité des lieux et des médias contribuait alors à la constitution d’un public hétérogène du point de vue de sa condition sociale et de son mode d’écoute de la chanson. En prenant acte de l’abondance de la musique états-unienne et des chansons traduites en français, la deuxième partie de la thèse démontre que cet imposant répertoire peut signifier autre chose qu’une américanisation, autre chose qu’une forme d’assimilation. Au chapitre 3, j’emprunte à la traductologie, à la littérature et à la musicologie des modèles d’analyse qui permettent l’identification des processus de transformation menant à la traduction d’une chanson. L’adaptation ciblée de la transtextualité de Gérard Genette montre que la transposition d’un texte et la transcription d’une mélodie peuvent maintenir ou modifier radicalement le sens d’une chanson. L’élaboration du modèle et l’analyse spécifique de trois œuvres de Beaudry au chapitre 4 présentent un acteur important du monde de la chanson populaire canadienne-française et font voir comment la traduction et l’imitation peuvent mener à l’appropriation créative d’une œuvre reflétant à la fois une culture locale et continentale.
The overall objective of this thesis is to contribute to the development of knowledge on cultural and musical life in the 1920s. Based on the work of Roméo Beaudry, a repertoire of songs typically associated with the culture of the United States can serve as a milestone in the history of the French-Canadian popular song. In this regard, the first two chapters describe the locations of song production and reception with a focus on the role of music distribution. Habit changes at the beginning of the twentieth century would have a significant impact on the development of relations between auditors, works, reception venues and media. Chapter 1 describes how these relations have shaken geographical, language and generic boundaries while increasing musical diversity and offering a wider music circulation. Chapter 2 suggests that dynamic and complex factors such as leisure time and listening habits may have altered the reception of popular songs. The plurality of locations and medias also contributed to the formation of a heterogeneous public. Noting the abundance of popular music in the United States and the numerous songs translated into French, the second part of the thesis shows that this imposing repertoire can mean something other than Americanization, something other than a form of assimilation. In Chapter 3, translation, literature and musicology studies provide analysis models that allow the identification of the transformation process leading to a song’s translation. The adaptation of Gérard Genette’s transtextuality shows that the transposition of a text and the transcription of a melody may maintain or radically change the meaning of a song. In Chapter 4, the model is applied on three specific songs. At the outcome, Beaudry is defined as an important player in the world of French-Canadian popular songs and it is shown how translation and imitation can lead to a creative appropriation of a work reflecting both local and continental cultures.

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Giacco, Grazia. "Critères d'organisation de type spatial dans la musique contemporaine depuis 1950 en Europe." Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2006. http://www.theses.fr/2006STR20016.

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Abstract:

Le concept d'espace, en musique, est indissociable des concepts de temps, d'écoute et de la perception de la forme. Cette thèse étudie l'une des interprétations possibles de la notion d'espace sonore, vu en tant que modalité de configurer et donc d'organiser le matériau musical. La Partie I, " Questions terminologiques ", est dédiée à la clarification des termes et concepts employés pour la dimension spatio-temporelle (espace, temps, analogie visuel-sonore, métaphores spatiales, écoute, mémoire, forme). La Partie II est consacrée à la réflexion sur l'émergence du spatial, et à l'analyse des critères de surface et de masse, d'accumulation, de raréfaction, en présentant un certain nombre d'extraits sonores (recueillis dans deux CDs en annexes). Les analyses de six œuvres (Atmosphères/Ligeti, Zeitströme/Zender, Pranam II/Scelsi, Vortex Temporum I/Grisey, Rigirìo/Gervasoni, Distentio/W. Zimmermann) appliquent les critères d'organisation à des plus grandes sections ou à des pièces entières
In the field of music, the concept of space cannot be dissociated from the concepts of time, of listening and from the perception of forms. This thesis analyses various possible ways of interpreting the notion of "the space of sounds", seen as a modality of configuring and, thus, of setting up musical materials. The first part called "Questions of terminology" is devoted to the clarification of the concepts that are used for the dimension of sound and space (sound, space,analogy between what is heard and what is seen, spatial metaphors, listening, memory, forms). The second part is devoted to the emergence of the concept of space and to the analysis of the criteria of area and mass, of accumulation and rarefying by presenting several musical extracts (on two CDs as an annexe). The analysis of six pieces (Atmosphères/Ligeti, Zeitströme/Zender, Pranam II/Scelsi, Vortex Temporum I/Grisey, Rigirio/Gervasoni, Distentio/W. Zimmermann) applies the criteria of organisation to large sections

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Moulin-Civil, Françoise. "Formes et significations du néo-baroque dans le roman cubain contemporain (Reinaldo Arenas, Guillermo Cabrera Infante, José Lezama Lima et Severo Sarduy)." Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030103.

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Abstract:

L'imbrication entre baroque et litterature cubaine constitue le ressort profond d'une pensee creatrice feconde bien que l'idee de filiation esthetique ou de communaute intellectuelle trouve une difficile justification dans les tensions ideologiques que connait cuba dans cette deuxieme moitie de siecle. Or, alejo carpentier, jose lezama lima et severo sarduy ont centre leur reflexion sur le baroque tout en valorisant le roman comme moyen d'expression. Il s'est agi de mettre en perspective le neo-baroque a travers les textes de lezama lima et sarduy mais aussi d'autres romanciers, acteurs d'une meme experience, l'exil. Si cette ecriture romanesque n'est pas etrangere a son modele historique, elle s'inscrit aussi resolument dans la modernite. La discussion se place egalement hors de la simple description du texte. De la meme facon que le baroque signifia pour carpentier une quete endogene de l'identite, le neo-baroque ressortit aujourd'hui a une necessite de la reconnaissance. Revelateurs d'une dechirure, baroque et neo-baroque reflechissent l'irreconciliable choix des ecrivains de cuba
The intermingling of the baroque with cuban literature constitutes the backbone of a productive creative thought, although the very idea of an aesthetic filiation or intellectual community can hardly be justified in the ideological tensions that cuba is experiencing in this second half of the century. Now, alejo carpentier, jose lezama lima and severo sarduy have concentrated their reflection on the baroque while rating high the novel as a means of expression. We set out to bring into light the neo-baroque through the writings of lezama lima and sarduy and of other novelists as well, actors in the same experience, exile. Even though this kind of novel writing is not alien to its historic model, it is nevertheless deeply embedded in modernity. The debate also lies beyond the mere description of the text. In the same way as the baroque meant, to carpentier, an endogenous search for identity, the neo-baroque is linked today to a quest for recognition. Revealing a breach, baroque and neo-baroque testify to the irreconcilable choice of cuba writers

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Cristiá, Cintia. "Xul Solar et la musique." Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040197.

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Abstract:

L'étude de la musique dans la vie et l'oeuvre de Alejandro Xul Solar (Argentine, 1887-1963) révèle des facettes nouvelles d'une personnalité toute particulière. Peintre, écrivain et linguiste, mais aussi astrologue et inventeur, Xul Solar a étudié de nombreuses disciplines. L'aspect sonore s'intègre dans un complexe réseau de connaissances qui trouve forme plastique dans ses aquarelles et huiles, son théâtre de marionnettes, sa variation des échecs. Les notations musicales développée, ainsi que les claviers modifiés pour les accueillir, sont le produit d'une profonde réflexion sur la correspondance des arts. Ses travaux linguistiques et ésotériques n'échappent pas à l'influence de la musique. Pour éclaircir les enjeux de ce sujet, cette thèse l'aborde dans trois étapes: dans un premier temps, la biographie de l'artiste est présentée en trois chapitres, mettant en relief le rôle de la musique dans sa vie (héritage familial, études, rapport avec des musiciens, influence du milieu, goûts musicaux, collection musicale, etc. . . ). Dans un deuxième temps, ses recherches sur des aspects liés au musical, notamment sur la notation, l'organologie et l'application de la correspondance des arts, sont organisées dans les trois chapitres suivants. Dans un troisième temps, enfin, les interférences musicales dans son oeuvre picturale sont décelées au moyen de son analyse, parfois accompgnée des interprétations plus ou moins audacieuses, d'une trentaine de tableaux liés au musical. Le travail et la figure de xul Solar sont mis en valeur en les plaçant chaque fois dans leur contexte historique et esthétique
The study of music in the life and work (Argentine, 1887-1963) reveals new aspects of a very particular personality. Painter, writer and linguist, but also astrologist and inventor, Xul Solar studied many subjects. The sound is integrated into a complex tissue of knowledge that finds visual form in his watercolours, drawings and oil paintings, in his puppet theatre, in his variation of chess. The invented musical notation systems, as well as the keyboards modified to allow their application, are the result of deep thought on the interralation between the arts. His linguistic and esoteric works also show the inluence of music. In order to clarify the implications of this subject, this dissertation approaches it in three stages: firstly, the biography of the artist is presented in three chapters, emphazing the role that music played in hid life (family heritage, studies, musical relations, influence of the milieu, musical affinities, collections, etc. ). Secondly, his investigation on music relatd aspects, such as notation, organology and the application of the interrelation of the arts, are organised in the three following chapters. Finally, the presence of music in his pictorial work is studied in the third part, by means of the analysis, sometimes accompanied by more or less audacious interpretations, of some thirty music related paintings. Xul Solar's figure and work are at every stage placed in the historical and aesthetic context in order to comprehend their real value

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Vieira, Manoel. "Création de pièces novatrices reflétant l'hybridation entre le choro brésilien et l'approche compositionnelle du pianiste et compositeur américain Thelonious Monk." Doctoral thesis, Université Laval, 2020. http://hdl.handle.net/20.500.11794/39096.

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Abstract:

Le but de ce travail est de mener une enquête sur les principaux aspects du choro brésilien et sur l'approche compositionnelle du pianiste et compositeur américain Thelonious Monk afin de créer des pièces originales inspirées de l'hybridation de ces deux approches musicales. Le choro est un genre musical qui a beaucoup influencé la musique brésilienne depuis son apparition au XIXe siècle. Par ailleurs, l'énigmatique musique de Thelonious a contribué à la création et au développement du bebop jazz. Ces deux approches ont subi le processus d'hybridation musicale comme élément clé dans leurs consolidation et création au cours du temps. Pour mon projet, l'approche compositionnelle de Monk m'a inspiré en tant que source d'expérimentation pour restructurer le choro. De la même façon, les différents aspects du choro m'incitent à les utiliser comme des outils permettant la modification du style de Monk. Leurs façons de structurer la mélodie, l'harmonie et le rythme sont à la base de mes compositions. J'explore plus précisément le défi de mettre en interaction ces deux approches en développant un vocabulaire capable d'équilibrer leurs éléments, et ce à travers mes propres compositions. Par l'observation et l'analyse de ces éléments et structures, j'ajoute quelques considérations interprétatives dans le but de collaborer aussi à la performance. Ce projet retrace aussi les aspects historiques du choro et de Monk avec l'idée de faire mieux comprendre leurs origines et leurs processus de formation. Chaque composition présente une combinaison d'éléments structurels assez variés qui visent à une interaction et à une intégration équilibrées, stimulées par ma propre individualité artistique. Ce projet a pour ambition d'aider les musiciens dans leur interprétation musicale en encourageant la création.
The aim of this work is to investigate the main aspects of Brazilian choro and the compositional approach of American pianist and composer Thelonious Monk to create original pieces inspired by the hybridization of these two musical approaches. Choro is a musical genre that has greatly influenced Brazilian music since its appearance in the nineteenth century. In addition, the enigmatic music of Thelonious contributed to the creation and development of Bebop jazz. Both approaches have undergone the process of musical hybridization as a key element in their consolidation and creation over time. For my project, Monk's compositional approach inspired me as a source of experimentation to restructure the choro. In the same way, the different aspects of choro encourage me to use them as tools allowing the modification of Monk's style. Their ways of structuring melody, harmony and rhythm are at the base of my compositions. I explore more precisely the challenge of interacting these two approaches by developing a vocabulary able to balance their elements, and this through my own compositions. By observing and analyzing these elements and structures, I add some interpretative considerations in order to collaborate also on performance. This project also traces the historical aspects of Choro and Monk with the idea of making better understand their origins and their training processes. Each composition presents a combination of quite varied structural elements that aim at balanced interaction and integration, stimulated by my own artistic individuality. This project aims to help the musicians in their musical interpretation by encouraging the creation.

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Arlettaz, Vincent. "Études sur l'application du langage tonal." Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040134.

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Abstract:

Deux aspects encore trop mal connus de la naissance du langage tonal ont fait l'objet de cette étude; il s'agit respectivement : 1. De l'apparition des altérations d'attractivité (sensibles), qui ont fait évoluer les modes ecclésiastiques vers les modes majeur et mineur. Cette apparition est souvent le résultat de l'intervention de l'interprète (musicaficta), ce qui rend particulièrement difficile de suivre l'évolution de cet aspect, suite à la perte des traditions orales anciennes. 2. De l'introduction, dès le début du XVIIe siècle, des dissonances caractéristiques (septièmes sur la dominante, sixtes ajoutées sur la sous-dominante), et plus tard des neuvièmes de dominante, septièmes diminuées et septièmes de sensible, ainsi que des sixtes augmentées et des septièmes d'espèce. Pour le premier de ces deux points, une étude parallèle des sources vocales, des traités théoriques et des tablatures instrumentales montre que le principe d'attractivité, apparu vers la fin du XIIIe siècle, et généralisé dans le courant du XIVe siècle, sera contesté, voire exclu, par la musique nordique (flamands, allemands) entre la fin du XVe siècle et le milieu du XVIe siècle (tablatures allemandes de Gerle, Büchner, Clemens Hor, traités théoriques flamands de Ghiselin Danckerts, Adrien Petit Coclico, musique vocale de Ockeghem, Josquin, Iaac, Gombert, etc. ). Pour les nouvelles dissonances, c'est également l'irrégularité de l'évolution qui frappe surtout. Certaines d'entre elles atteignent leur maturité très rapidement (notamment la septième de dominante, des 1620-40 dans l'école romaine), mais ne passeront aux autres écoles que beaucoup plus tard. D'autres dissonances, après une apparition précoce très spectaculaire (par exemple la sixte augmentée chez L'Estocart, 1582, et la neuvième de dominante chez Cesti, 1668), subiront une longue période de régression, pour ne devenir usuelles que vers la fin du XVIIIe siècle
Two as yet little known aspects of the development of tonality are the object of this study, respectively: 1. The appearance of leading tones, which affected the evolution of ecclesiastical modes toward major and minor modes. Such alterations are often the result of the interpretation of the performer (musicafictd), which renders it particularly difficult to follow the evolution of this aspect due to the loss of early traditions of performance practices. 2. The gradual appearance of characteristic dissonances from the beginning of the 17th century (seventh over the dominant, sixth added over the subdominant), and later dominant ninths, diminished and semi-diminished sevenths, as well as augmented sixths and other seventh chord forms. For the first of these two points, a study of concurrent vocal sources, theoretical treatises and instrumental tablatures shows that the practice of leading-tones, evident toward the end of the 13th century and gradually in general use during the 14th century, will be contested, even avoided by Nordic styles (Flemish, German) between the end of the 15th century and the middle of the 16th century (German tablatures of Gerle, Buchner, Clemens Hor, Flemish theoretical treatises of Ghiselin Danckerts, Adrien Petit Coclico, vocal music of Ockeghem, Josquin, Isaac, Gombert, etc. ). For the new dissonances, the irregularity of evolution is equally striking. Certain ones attain their maturity very rapidly (notably the dominant seventh, from 1620-40 in the roman school), but will only pass to other schools much later. Other dissonances, after a spectacular, precocious appearance (for example, the augmented sixths of L'Estocart, 1582, and the dominant ninths of cesti, 1668), will suffer a long period of dormancy, and become common practice only toward the end of the 18th century

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Jaffré, Maxime. "La globalisation de la culture et de I'esprit de la musique arabe : contribution à une sociologie des formes savantes de musique arabe décontextualisées en France et aux États-Unis." Paris, EHESS, 2015. http://www.theses.fr/2015EHES0082.

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Abstract:

Cette recherche propose d'analyser comment des musiciens issus des institutions de la musique arabe se recomposent hors cadre institutionnel dans des pays comme la France et les États-Unis. Après avoir analysé dans un premier temps les problèmes d'homogénéisation de la culture, cette recherche dresse dans une deuxième partie une histoire technique, économique et sociale de la musique arabe, à travers laquelle sont abordés les questions de la définition des systèmes musicaux et de la rationalisation instrumentale. La rationalisation des systèmes d'échelles et la question de la juste intonation ne trouvent pas partout les mêmes consonances. Les développements socio-historiques de la musique arabe et son renouvellement montrent au contraire comment les formats d'échelles fondés sur les « quarts de tons » ont contribué à structurer certaines pratiques musicales. La recomposition hors cadre institutionnel des ensembles de musique arabe en France et aux États-Unis, montre ainsi comment au travers de leur nouvel ancrage territorial, ces formes musicales ne réactualisent pas une forme désincarnée et générique de la « musique arabe », mais sont bien plutôt le résultat d'un processus de recontextualisation que les musiciens redéfinissent à partir de savoirs-faire institutionnels hétérogènes. L'analyse de la musique arabe conçue en des territoires nouveaux nous permet ainsi de comprendre, à partir d'études empiriques, comment se configurent et s'implémentent des savoirs-faire institutionnels renouvelés, sans pour autant abandonner les formats d'échelles qui étaient, et restent au fondement de ces pratiques musicales
This research proposes to analyze how musicians from Arab music institutions recomposethemselves outside of the institutional framework in countries such as France and the United States. After analyzing in a first part the problem of culture and homogenization, this research addresses in a second part a technical, economic and social history of Arabic music, through which are analyzed the issues of the definition of musical systems and instrumental rationalization. The rationalization of scale systems and the question of just intonation are not sounding everywhere in the same direction. The socio-historical developments of Arab music and its renewal shows on the contrary how scales formats based on "quarter tones" helped to structure some musical practices. The recomposition of Arabic music ensembles outside of their institutional frameworks such as in France and in the United States, shows how through their new territorial roots, these musical forms do not actually reactualize disembodied or generic forms of the "Arab music" but are rather the result of a recontextualization process that musicians redefine themselves from heterogeneous institutional know-how. Thus, the analysis of Arab music conceived in new territories allows us to understand, from empirical studies, how institutional knowledges and know-how are renewed and implemented, without abandoning the scales formats that were and remain at the foundation of these musical practices

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Lien, Hsien-Sheng. "Le parcours musical de Qigang Chen (de 1985 à 2001) au regard des musiques contemporaines chinoise et japonaise." Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040035.

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Abstract:

Le parcours musical de Qigang Chen (1951-), compositeur français d'origine chinoise arrivé en France en 1984, nous donne un exemple de la façon dont les compositeurs asiatiques ont franchi le passage entre " moderne " et " postmoderne ". A travers l'étude des œuvres de Qigang Chen et des pièces majeures de compositeurs chinois et japonais, notamment celles de Tan Dun et de Tôru Takemitsu, nous essaierons d'abord de mettre en évidence la manière dont ces compositeurs asiatiques relient leurs " traditions " culturelles à la " modernité " occidentale. Nous tenterons ensuite de répondre à cette question centrale : " Est-ce que la musique confie toujours aux créateurs la mission historique de faire évoluer les langages et de découvrir de nouvelles sonorités, ou est-ce qu'elle exige d'eux qu'ils transmettent un message aux hommes, afin de les encourager, de les caresser, de les élever vers un meilleur état spirituel, voire de les conduire au bonheur ? ". Nous nous attacherons enfin à trouver un chemin de conciliation dans ce débat
The musical route of Qigang Chen (1951-), a French composer of Chinese origin who arrived in France in 1984, give us an example of the way the Asian composers crossed the passage between " modern " and " postmodern ". Through the study of the works of Qigang Chen and important pieces by Chinese and Japanese composers such as Tan Dun and Tôru Takemitsu, we will scrutinize how these Asian composers link their own cultural " traditions " with Western " modernity ". We will then tempt to answer this central question: " Does the music always entrust the creator the historic mission of developing the language and of discovering new sonorities, or does it ask them to transmit a message to mankind, in order to encourage them, to caress them, to bring them towards a better spiritual state, or even to lead them to happiness? ". Finally, we will try to find out a route of conciliation in this debate

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Roten, Hervé. "Les traditions musicales judéo-portugaises en France : Bordeaux, Bayonne, Paris." Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040264.

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Abstract:

Depuis le milieu du XVIe siècle, la France abrite des communautés juives d'origine portugaise dont la musique liturgique demeure encore aujourd'hui mal connue. Après avoir dépeint la pratique musicale de ces anciennes congrégations marranes, cette étude s'attache à dresser l'inventaire des sources musicales - orales ou écrites - des communautés judéo-portugaises de Bordeaux, Bayonne et Paris. Dans un second temps, une analyse musicologique permet d'appréhender la systématique musicale de ces traditions orales. Par le recours à une transcription de type paradigmatique, l'auteur tente de dégager la structure musicale des différentes prières. Il énonce notamment les règles syntaxiques régissant le répertoire liturgique de la fête du nouvel-an juif (Rosh Ha-Shana). Enfin, une étude diachronique et synchronique de plusieurs versions d'une même prière permet d'évaluer les rapports existant entre les traditions orale et écrite ainsi que le degré de continuité ou de changement de ces musiques liturgiques sur près de deux siècles
Since the middle of the 16th century, France has sheltered judeo-portuguese communities whose liturgical music is still nowadays badly known. After having presented the musical practice of these ancient congregations of "marranos", this study attempts to make an inventory of the musical sources - oral and written pieces - of the judeo-portuguese communities of Bordeaux, Bayonne and Paris. Then, a musicological analysis will permit to understand the musical systemic of these oral traditions. By the way of paradigmatic transcription, the author tries to reveal the musical structure of the different prayers. He sets out the syntactic rules of the Jewish New Year feast (Rosh Ha-Shanah). Finally, a synchronic and diachronic study of different versions of a same prayer will allow considering the relation between oral and written tradition and the degree of continuity or change of this liturgical music during about two centuries

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Dissertations / Theses on the topic 'Baroque (musique) – Histoire et critique'

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