Dissertations / Theses on the topic 'Bernard-Marie Koltès'

Le langage dramatique de Koltès repose sur une tension entre littérarité et dramaticité. Cette étude interroge l’acte même d’écrire pour le théâtre à travers l’hypothèse d’une dramatisation par le langage où l’action n’est produite qu’au revers du discours. Chez Koltès, l’écriture de la parole destinée à être proférée sur scène reste loin d’être un pur déploiement de « textualité » comme on le pense souvent, mais dispose une puissance de rétention qui fait sans cesse miroiter autre chose que ce qui est dit. La thèse accorde une attention toute particulière aux opérations poétiques effectuées par Koltès. Si, d’un point de vue génétique, le monologue occupe une place privilégiée dans son processus de création, l’ajout du dialogisme (au sens bakhtinien) le transforme en soliloque, étape préliminaire à une réinvention du dialogue dans les dernières pièces de l’auteur. C’est dans ce cadre interlocutoire que la pragmatique de l’énonciation permet alors de faire apparaître la dimension stratégique de l’échange verbal : en se voyant attribuer un véritable rôle, la parole n’est plus conçue comme une simple surface, mais s’avère travaillée en profondeur, assurant au dialogue un dynamisme qui réside dans le jeu implicite des forces
Bernard-Marie Koltès' dramatic language is based on on a tension between litterarity and dramaticity. This study tries to look into the writting for theater through the hypothesis of a dramatization by language where the action is only produced in the back of the speaking. In Koltès' work, the writting of the speech intended to be uttered on the stage is really for to be be only a display of "textuality", as some people think, but it sets out a power of holding back. This thesis pays special attention to Koltès' poetic operation. Seen from a genetic point of view, the monologue holds a particular part in his method of creation, but the addition of dialogism (in the meaning given by Bakhtine) turns it into soliloquy, first stage before a reinvention of dialogue in the last plays. In the interlocution, pragmatics of uttering alows to show the strategic dimension taken by the dialogue : with a real part, the speech is not anymore conceived as a pure surface but works in depth with a dynamism which rests in an implicit play of forces

Le principe qui régit l'écriture de Bernard-Marie Koltès fait se côtoyer les extrêmes. Pour dégager les différents aspects que revêt cette "poétique des contraires", nous nous attachons dans la pemière partie de notre étude à la confusion qui affecte les données spatiales et temporellels de l'action : en effet, les indices historiques et géographiques de l'intrigue, le lieu, la durée et la chronologie de l'action ne se laissent pas appréhender aisément, au point de jeter le doute sur la réalité des faits. Ce processus n'épargne pas le personnage, comme le montre notre seconde partie. Sa corporéité, les relations qu'il entretient avec autrui et les valeurs qui sont les siennes empêchent que nous arrêtions tout jugement à son sujet. Ce jeu avec les catégories s'exerce enfin à l'échelle du texte même. L'intergénéricité, qui se traduit notamment par la dramatisation, rend compte de la capacité de l'oeuvre à déborder toutes les frontières. Les modifications parfois radicales que l'hypotexte subit lors de sa transposition à la scène ne laissent pas son sens indemne et posent indirectement deux questions : celle du statut que l'auteur accorde au langage et celle de l'enjeu qu'il attribue à l'écriture.

« Il faut prendre cela dans un sens ironique » affirmait Bernard-Marie Koltès face à l’incertitude de la réception exprimée dans Der Spiegel : « on ne sait pas vraiment jusqu’à quel point vos sentences philosophiques sont à prendre au sérieux ». Nous proposons d’explorer l’efficacité « séductrice » dont semble emprunte l'écriture koltésienne – notamment à partir de 1977 – si l'on en juge par l'intérêt qu'elle suscite très tôt et continue à susciter, par le fil tendu de l'ironie. Le concept ancien et moderne d’ironie offre à la lecture un outil opérant lorsqu’il s’agit de suivre les lignes de fuite de l’écriture koltésienne. Le concept d’ironie tel que Kierkegaard nous offre de le percevoir se fonde sur la tension insurmontable d’un « ou bien / ou bien » (aut-aut). Tensions entre les contraires, dissonances, sabotages, disparitions, masques, secret gardé par l’écriture, mentions des stratégies du mensonge et des apparences, paradoxes faits d’alliances inextricables entre comique et tragique, violence et sacré, sont autant de procédés d’écriture repérables qui semblent viser la possibilité d’une « vraie » rencontre, bien qu’intenable, entre le monde, l’auteur et son destinataire. Au carrefour de questionnements multiples, d'ordre pragmatique, esthétique, dramaturgique, philosophique, cette recherche littéraire interroge le « pacte » d’écriture d’un auteur avec l’autre, avec le monde, en quête d’un espace « vrai » à partager, dont la vérité tiendrait précisément de son impossible affirmation. Un théâtre qui dit une chose pour en faire entendre une autre
"We must take this in an ironic sense," said Bernard-Marie Koltès faced to the uncertainty of the reception expressed in Der Spiegel : "one never knows how far your philosophical sentences must be taken seriously." We suggest to explore the "seductive" effectiveness which seems to belong to Koltesian writing - especially from 1977 - judging by the interest it arouses very early and continues to suggest, through the tight wire of irony. The ancient and modern concept of irony offers an operative tool to reading, when it comes to following the lines of escape of Koltesian writing. The concept of irony such as developped by Kierkegaard, is based on the insurmountable tension of a « something /or else" (aut-aut). Tensions between opposites, dissonances, sabotage, disappearance, masks, secret kept by writing, mentions of the strategies of lies and appearances, paradoxes made of inextricable alliances between comic and tragic, violence and sacred, are different ways of writing ; they seem to aim the possibility of a "real" meeting, although inalienable, between the world, the author and his recipient. At the crossroads of multiple pragmatic, aesthetic, dramaturgical, philosophical matters, this literary search questions the "pact" of writing from an author towards everyone, towards the world, looking for a "true" space to be shared and whose truth would precisely be the result of its impossible affirmation. A theater that says something to whisper something else

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FAPESB CAPES
Trata-se de um estudo crítico-descritivo da obra do dramaturgo francês Bernard-Marie Koltès, em que se analisa o tema da morte em seus aspectos sociológicos, antropológicos e filosóficos. Estabelece como recorte as peças Combat de nègre et de chiens, Quai ouest e Roberto Zucco, destacando momentos da trajetória biográfica de Bernard-Marie Koltès, para identificar experiências marcadas pela presença da morte e as possíveis repercussões das mesmas na sua escrita. Parte da hipótese de que a morte constitui elemento chave na composição das obras aqui citadas e, para verificá-la, esta investigação dedica-se a discutir o tema principal a partir dos seguintes eixos: análise das relações entre morte e poder; das práticas suicidas; e do corpo morto enquanto objeto de crenças e valores altamente complexos. Aborda as obras dramatúrgicas ora escolhidas a partir dos modos de composição de personagem, ação e intriga, cruzando as análises dos referidos textos dramáticos com a fundamentação teórica acerca do tema central e seus subtemas. Demonstra a imbricada relação entre morte, mecanismos de poder e construção das dinâmicas de força entre os personagens koltesianos; evidencia que o suicídio e outras práticas autodestrutivas atuam como elemento determinante do comportamento dos personagens; e aponta o lugar de destaque ocupado pelo corpo morto nas três peças aqui abordadas bem como a diversidade de tratamentos dos quais o mesmo é objeto. Apoia-se no pensamento de autores variados, tais como Anne Ubersfeld, André Petitjean, Pierre Moron, Jean Baechler, Michel Foucault, Daniela Lapenna e Louis-Vincent Thomas. Conclui, enfim, que a morte se impõe tal qual força que impulsiona os personagens, orienta suas interações, funcionando ainda como elemento motriz das intrigas, ponto de partida e ponto de chegada das narrativas.
Il s’agit d’une étude critique-descriptive qui a pour objet l’oeuvre du dramaturge français Bernard-Marie Koltès, où on analyse le thème de la mort dans ses aspects sociologiques, anthropologiques et philosophiques. Sont étudiées spécifiquement les pièces théâtrales Combat de nègre et de chiens, Quai ouest et Roberto Zucco, aussi bien que des événements importants de la trajectoire biographique de Bernard-Marie Koltès, où l’on peut identifier la présence de la mort et les répercussions possibles pour son écriture. L’hypothèse de recherche ici proposée soutient que la mort s’impose en tant qu’élément-clé pour la composition des textes choisis. Afin de vérifier ladite hypothèse, cette étude discute du thème principal d’après les axes suivants : l’analyse des relations entre mort et pouvoir ; des pratiques suicidaires ; et du corps mort en tant qu’objet de croyances et de valeurs extrêmement complexes. On analyse les manières dont les personnages, l’action et l’intrigue sont construites, en mettant ces analyses en relation avec les contributions théoriques autour du thème central et ses sous-thèmes. Il est question de démontrer les intersections complexes entre la mort, les mécanismes de pouvoir et la construction des dynamiques de forces entre les personnages koltesiens; de mettre en évidence que le suicide et d’autres pratiques autodestructives constituent un élément très important pour déterminer le comportement des personnages ; et de montrer le rôle fondamental joué par le corps mort dans les trois pièces analysées ici, aussi bien que la diversité de traitements dont le corps mort est la cible. Cette thèse s’appuie sur la pensée de plusieurs auteurs, tels quels Anne Ubersfeld, André Petitjean, Pierre Moron, Jean Baechler, Michel Foucault, Daniela Lapenna e Louis-Vincent Thomas.On conclut, enfin, que la mort s’impose telle qu’une force qui pousse les personnages, oriente leurs actions, s’affimant aussi comme le moteur des intrigues, leurs points de départ et d’arrivée.

L'oeuvre de Bernard-Marie Koltès a jusqu'à présent été surtout étudiée dans sa dimension dramaturgique. Ce qui est occulté dans ces études, c'est à la fois l'approche transgénérique alors que la part d'oeuvres non-théâtrales est aussi importante que peu connue, et une réflexion sur ce qui fait l'unité de cette oeuvre, à savoir un même souci de travailler le récit. La thèse propose une étude qui prendra en compte tous les textes de l'auteur, pièces de jeunesse, entretiens et correspondance inclus, non seulement pour exposer la conception koltésienne du récit mais aussi pour la discuter, interroger ce qui la fonde, ce qui l'organise, ce qu'elle déploie. Après avoir retracé la biographie de l'oeuvre, en suivant l'écriture des textes une année après l'autre, ce sont les poétiques de ce récit qu'on envisagera, et la faculté de cette écriture à fabriquer des poétiques singulières pour chaque oeuvre ou presque. En ce sens, il ne s'agira pas d'utiliser une construction déjà établie du récit pour examiner son adéquation avec les oeuvres de Kol¬tès, mais bien plus de tenter de trouver sa conception propre. Ces écritures plurielles du récit n'ont de sens qu'en regard d'un rapport au monde qui l'exige : rapport politique dans les fractures idéologiques de la fin du XXe, rap¬port éthique concernant la place occupée dans le monde et le rôle dévolu à l'écriture. Cette éthique de l'écriture est le sens non seulement d'un tel travail, mais de l'écriture même de Koltès : chercher des endroits du monde pour les écrire, raconter des territoires d'appartenance, s'inventer autre
So far, Bernard-Marie Koltès' work has mostly been studied in its dramaturgical dimension. What previous re¬search has neglected are, first, a transgeneric approach, even though Koltès' non-theatrical texts are as numerous as they are ignored ; and second, a reflection on what appears to be the unifying characteristic of this work, i. E. A constant working on the narrative. This study proposes to take all of the author's texts into account, including early plays, correspondance and interviews, in an effort to set out Koltès' conception of the narrative and to discuss it, to examine what it is based on/where it contes from, what structures it, what it unfurls. After establishing the biogra-phy of the work, following the writing of the texts year after year, this study will look into the poetics of the narra-tive and see how Koltès' writing has an ability to create a singular poetics for almost each particular text. To this end, it will not confront Koltès' works to a preconstructed theory of the narrative but try to uncover his own con-ception. These various narrative forms only make sense in the light of a relation to the world that dictate them : of Koltès' political stand, marked by the ideological fractures of the late 20th century, and of this ethical stand, when it cornes to the author's place in the world and the role he assigns to writing. This ethic of writing is the'raison d'être both of this study and of Koltès' work : find places in the world to write about, narrate territories one belongs to, invent oneself other

Ce travail analyse les six pièces majeures de Bernard-Marie Koltès, écrites entre 1977 et 1989 : La nuit juste avant les forêts, Combat de nègre et de chiens, Quai Ouest, Dans la solitude des champs de coton, Le retour au désert, Roberto Zucco. Il s'inscrit dans une optique double : d'une part, il veut contribuer à la lecture globale de l'oeuvre dramatique de Koltès par des trouvailles et des conclusions factuelles concernant le fonctionnement du dialogue ; d'autre part, il s'interroge sur les méthodes d'approche des textes contemporains destinés par leurs auteurs "pour le théâtre", mais qui n'obéissent plus aux principes dramaturgiques traditionnels, et qui exigent d'autres outils d'analyse. Ces méthodes d'approches, applicables plus particulièrement au théâtre français contemporain, qui annonce à présent le retour au texte, à la textualité, voire à la littérature, s'inspirent dans la sémiologie, la pragmatique, la philosophie du langage et la théorie de réception, en redécouvrant en même temps l'utilité de l'analyse rhétorique et stylistique. . .

La visée méthodologique de cette étude détermine le parcours de la recherche : l’analyse de l’argumentation dans les joutes verbales et celle des figures de rhétorique, définies comme des formes-sens, dans les cinq pièces théâtrales de Bernard-Marie Koltès. Ces deux approches principales permettent de mettre en évidence la théâtralité et la dramaticité des paroles de lutte, qui instaurent des scènes d’agôn dans le théâtre contemporain. Ces réflexions, qui prennent aussi en compte les perspectives intrascéniques et extrascéniques inhérentes à la double énonciation théâtrale, visent à approfondir la compréhension des œuvres koltésiennes dans son rapport particulier au spectateur. Tous les efforts langagiers déployés ainsi que les diverses stratégies argumentatives et figurales conduisent à une incommunication finale, créant tout au long des pièces un mélange de tragique et de comique. D’où la dramaturgie de la confrontation et de la cohabitation de paroles agonales
The methodological focus of this study is determining the course of research: the analysis of the argumentation in verbal sparring and of figures of speech, defined as sense-forms, in Bernard-Marie Koltès’ five theatrical plays. These two main approaches make it possible to highlight the theatricality and the dramaticity of words of struggle that establish scenes of agon in contemporary theatre. These reflections, which also take into account the intrascenic and extrascenic perspectives inherent in theatrical double enunciation, aim to deepen the understanding of the works of Koltès in their particular relation with the spectator. All language efforts made by characters in confrontations, as well as various argumentative and figurative strategies, prove to be in vain and always lead to a final non-communication, creating a mixture of the tragic and the comic throughout the plays. This is what is at stake in our work: to define Koltèsian dramaturgy as a confrontation and a cohabitation of agonal words

Le sujet d'étude de ce mémoire est Roberto Zucco (1988), pièce de théâtre de Bernard-Marie Koltès (1948-1989), dramaturge français contemporain. Ce travail est divisé en quatre chapitres. Dans le premier chapitre, je jette un regard sur le parcours de vie et théâtral de ce dramaturge. Le deuxième chapitre propose, en trois parties, un parallèle entre le personnage de Roberto Zucco et le malfaiteur italien Roberto Succo: d'abord j'étudie la genèse de la pièce; ensuite j'analyse la trajectoire de Succo, puis je propose le rapprochement et l'éloignement entre les faits réels et ceux qui sont fictifs. Dans le troisième chapitre, j'établis l'analyse dramatique de Roberto Zucco à partir des éléments qui suivent: l'intrigue et l'organisation de l'action; le temps et l'espace; les personnages. Dans le quatrième chapitre, je me penche sur quelques questions d'interprétation de la pièce, par la lecture critique de ces deux ouvrages: Théâtre aujourd'hui, nº 5, intitulé « Koltès, combat avec la scène », plusieurs auteurs; et Bernard-Marie Koltès, d'Anne Ubersfeld. En guise de conclusion, je fais une réflexion sur certains chemins d'interprétation possibles en ce qui tient Roberto Zucco, outre quelques brèves considérations sur la pièce et le théâtre koltesien en général. Un annexe est également présenté, dans lequel un panorama historique du théâtre français, depuis la fin du XIXe siècle jusqu'au Nouveau théâtre, est dressé. Cet annexe est suivi des références bibliographiques.
O objeto de estudo desta dissertação de mestrado é Roberto Zucco (1988), peça teatral de Bernard-Marie Koltès (1948-1989), dramaturgo francês contemporâneo. A estrutura do trabalho divide-se em quatro capítulos. No primeiro, um olhar sobre o percurso do dramaturgo na vida e no teatro. O segundo capítulo propõe uma aproximação entre o personagem Roberto Zucco e o criminoso italiano Roberto Succo, dividindo-se em três partes: a gênese da peça em estudo, a trajetória de Succo e uma proposta de aproximação/distanciamento entre os fatos verídicos e os ficcionais. No terceiro capítulo, a análise dramatológica de Roberto Zucco a partir de três pontos: intriga e organização da ação; tempo/espaço; e personagens. O quarto capítulo debruçase sobre algumas questões de interpretação para a peça, através da leitura crítica de duas obras, Théâtre aujourd'hui, nº 5, intitulado "Koltès, combats avec la scène", de autores diversos, e Bernard-Marie Koltès, de Anne Ubersfeld. À guisa de conclusão da dissertação, uma reflexão sobre alguns dos caminhos de interpretação propostos para Roberto Zucco e breves considerações sobre a peça e o teatro koltesiano como um todo. O trabalho compreende também um anexo, no qual é traçado um panorama histórico do teatro francês do final do século XIX até o Nouveau théâtre. Segue-se a este as referências bibliográficas.

Bernard-Marie Koltès, est l’un des dramaturges français de la fin de XXème siècle les plus joués dans le monde. Son théâtre se définit par une violence omniprésente. Celle-ci s’exerce à la fois envers ses personnages, mais aussi ses spectateurs et prend plusieurs formes : celles du langage, du temps et de l’espace. Cette recherche s’appuie sur un corpus aux multiples formes puisque nous considérons son théâtre comme un « art total ». Nous utiliserons donc des documents annexes issus de l’art plastique, de la peinture, de la musique, de la danse et de la photographie. Pour approfondir notre sujet, nous allons également nous appuyer sur des entretiens avec François Koltès, le frère et ayant-droit de l’auteur, mais aussi avec des metteurs en scène comme Bruno Boëglin ou Philip Boulay et des comédiens comme Clément Bresson, Ismail ibn Conner. Étant d’origine turque, je me suis intéressée aussi à son influence sur le théâtre turc et notamment dans l’oeuvre de Bu!ra Gülsoy, Pragma, qui, comme Roberto Zucco de Koltès, cherche à dévoiler la personnalité des tueurs en série
Bernard-Marie Koltès is one of the most performed French playwrights of the late twentieth century in the world. His theatre is defined by a violence omnipresent. In fact, this violence is applied on characters on stage and also on the audiences and takes various forms: language, time and space. Since we consider Koltès’ theater as a ‘total art’, we will base this study on a corpus with multiple forms. As well as we will use additional documents from plastic arts, painting, music, dance and photography. In order to study the subject in depth, we will also base our research on the interviews with Koltès’ brother and rights holder, François Koltès;also with stage directors such as Bruno Boëglin, Philip Boulay and actors Clément Bresson, Ismail ibn Conner. Turkish in origin, I am interested in his influence on Turkish theater, especially on Bu!ra Gülsoy’s work, Pragma. In his work, Bu!ra Gülsoy, as we come across extremely in Koltès’ work, Roberto Zucco, tries to reveal the personality of serial killers and their perception of violence

Les analyses rhétorique et pragmatique linguistique des échanges dans les six pièces principales de Bernard-Marie Koltès permettent d’observer le fonctionnement des dialogues définis par le dramaturge comme l’ostentation d’une dynamique argumentative. Loin d’être des argumentations « éthiquement » circonscrites, ces dialogues s’avèrent truffés de dysfonctionnements et revêtent l’allure d’échanges sophistiques et de manipulations oratoires. Le dramaturge déjoue les catégories et normes discursives et met en place des argumentations singulières qui participent des effets de langage et du style koltésiens et constituent un véhicule de l’esthétique du dramaturge et de sa vision du monde et de l’homme. La lecture des dysfonctionnements permet d’appréhender l’œuvre en tant que produit artistique reflétant les rapports de l’auteur à la scène et au réel. La parole koltésienne est cette parole contestataire élevée pour dénoncer l’illusion et la facticité qui gouvernent aussi bien les relations manipulatrices de l’homme à l’Autre que le processus de réception de l’œuvre dramatique
The rhetorical analysis as well as the linguistic pragmatics of the interactive mode of conversation in the six main pieces of Bernard-Marie Koltes show the functionality of the dialogues defined by the playwright as a dynamic argumentation. Far from being ethical argumentations, these dialogues seem to be filled with fallacies and they embody sophistic exchange of appearances and oratory manipulations. The playwright thwarts discursive norms and puts in place peculiar argumentations that provoke linguistical effects and create koltesian’s stylus. Theses argumentations constitute an aesthetical medium of the author’s world and human concept. The fallacies interpretation allows to grasp Koltes’ work as an artistic product revealing his relation to the world and to the theater. The koltesian diction is a rebellious speech denouncing the illusion as well as the artificiality which governs the complicated apparatus of human relationships and the way of understanding the drama work

Dans cette thèse est analysé le processus de genèsede l'écriture dramatique de Bernard-Marie Koltès en identifiant les structures imaginaires de sa prime inspiration. Des correspondances sont établies entre les textes de jeunesse et les oeuvres de la maturité (1970-1988) afin d'indiquer les étapes importantes des recompositions esthétiques opérées. Dans la prelière partie, sont étudées les rapports de complémentarité entre la première adaptation theatrale de cet auteur et sa dernière réalisation dramatique. A cette démonstration succède une analyse structurale des archétypes qui déterminent, en filigrane, "une généalogie" des personnages. Les données élémentaires de leurs premières confrontations dramatiques - la mise en jeu du regard dans l'amorce de leur rencontre et l'origne hystérique de leur dépense verbale - resteront des repères fondamentaux de la dramaturgie koltésienne. Le deuxième volet amène une interrogation sur les déplacements réservés à la figure de l'autre : la quete originelle d'une écriture partagée entre plusieurs destinations et l'enjeu spéculaire du Noir dans les prolongements imaginaires de sa malédiction. Le thème de la rencontre s'est également confondu avec l'hybridité formelle de deux textes complémentaires dans le rapport inversé de leurs constructions : "La nuit juste avant les forets" et "Dans la solitude des champs de coton". Le titre, "L'espace mythique de la rencontre", résume le cheminement créatif de B. -M. Koltès, le parcours de notre réflexion ainsi que la nature profondément dialogique des rapports que cet auteur a toujours noués avec ses personnages et les destinataires de son oeuvre.

Aborder le théâtre de Koltès ne va pas de soi. C'est un massif textuel varié qui a souvent été conçu de manière homogène. Pour notre compte, et pour tenir compte du fluage de la dramaturgie koltésienne, nous avons parlé au sujet de son théâtre d'étrangèreté. Ce concept qui jouait sur les notions d'étrange, d'étranger, d'étrangeté, était assez souple pour ne pas faire acte de réification des notions d'identité, de groupe ou d'espace. En effet, ce qui importait, c'était de parler des liens plutôt que des frontières. Ainsi, nous avons nous-mêmes fluer du clos à l'ouvert au gré du fluage des notions de personnage, lequel tremblait à la fois dans son identité, dans son groupe et dans son espace. Nous avons pour cela utilisé le champ des sciences humaines et parfois des sciences exactes.

Cette thèse s’appuie principalement sur les outils de l’analyse conversationnelle et de la linguistique pragmatique appliqués à l’oeuvre dramatique de Bernard-Marie Koltès dans le but de rendre compte du fonctionnement des conflits discursifs. À travers les scènes de disputes, Koltès crée son propre style dramaturgique qui lui permet de produire à l’écrit un discours appartenant à première vue au registre oral. Le dramaturge véhicule ainsi sa vision du monde et des relations interpersonnelles fondées sur l’incompréhension, l’exclusion et l’omniprésence des conflits. Les dialogues koltésiens sont truffés de disputes révélant de multiples tactiques visant à mettre l’adversaire en K.O. symbolique. La dispute, discours riche, complexe et impliquant diverses activités langagières et non langagières, conjugué avec la parole koltésienne, devient une arme, une machine de guerre au service d’une lutte verbale dont l’objectif est en fait l’anéantissement de l’Autre
Applying the tools of conversation analysis and pragmatic linguistics to Koltès’s works, this thesis aims at deciphering the functioning of discursive conflicts. In scenes where protagonists argue, Koltès creates his own drama style, which allows him to transfer into writing a type of speech which appears, at first glance, to be purely oral. The playwright thus conveys his vision of the world and of human relationships, built as they are on misunderstanding, exclusion and constant conflicts. The dialogues in Koltès’s drama are filled with arguments that reveal various tactics to reach the symbolical knock-out of the adversary. The argument, a multi-facetted and complex discourse, implies diverse linguistic and non-linguistic acts. Within Koltesian speech, argument become real war weapons, at the service of a verbal fight whose objective is the annihilation of the Other

Cette thèse propose une étude de l’œuvre théâtrale de Jean Genet et de Bernard-Marie Koltès axée sur la question de la révolte. Elle essaie de montrer que pour ces deux auteurs la révolte s’inscrit au cœur du propos même de la dramaturgie, thématiquement aussi bien qu’esthétiquement, pour constituer une véritable question philosophique : interrogation sur l’être dans le monde, sur le sens de la vie, sur la construction du rapport avec autrui. Or la comparaison des deux œuvres met en valeur l’orientation divergente de la réflexion de chaque auteur sur cette question : là où Genet voue la révolte à une quête inexorable d’une solitude définitive, Koltès l’envisage comme le degré zéro à partir duquel le rapport au monde, et donc le rapport à l’autre, se construit. Cette divergence philosophique s’exprime en outre par deux conceptions bien différentes du théâtre : chez Genet la forme est une contrainte à l’intérieur de laquelle tous les renversements sont possibles mais à laquelle il n’existe aucune issue, tandis que chez Koltès le théâtre est le lieu d’une ouverture, principe qui est largement inscrit dans la forme de ses pièces. En définitive, la révolte illustre ainsi chez Genet comme chez Koltès la symbiose fondamentale d’une réflexion thématique et d’une démarche esthétique
This thesis proposes a study of the theatrical works of Jean Genet and Bernard-Marie Koltès based on the question of revolt. It seeks to demonstrate that for these two authors, revolt is inscribed in the very heart of their writing for the theatre, thematically as well as aesthetically, constituting a genuine philosophical question: a questioning of being in the world, of the meaning of existence, of the construction of a relationship with the other. However the comparison of the two works highlights the different orientations which each author gives to this question: while Genet directs revolt into an inexorable quest for a definitive solitude, Koltès considers it as the zero degree from which the relationship to the world, and therefore the relationship to the other, is constructed. This philosophical divergence is expressed, moreover, through two very different conceptions of the theatre: for Genet form is a constraint within which all distortions are possible but from which no escape is possible, while for Koltès the theatre is a place of openness, a principle which is largely inscribed into the form of his plays. Ultimately, the question of revolt illustrates in Genet’s work as in Koltès’s work the fundamental symbiosis of a thematic reflection and an aesthetic approach to the theatre

Si le mot « hors-scène » est utilisé de manière empirique pour désigner des espaces, des personnages ou des épisodes invisibles, il n’appartient pas au vocabulaire technique du théâtre et il est parfois remplacé, dans l’usage, par des mots empruntés à d’autres champs artistiques comme « hors-champ », « off » ou « hors-cadre ». Ce flou terminologique en fait une notion-miroir reflétant des positionnements esthétiques et idéologiques, qui peuvent se rattacher à un discours de valorisation de l’invisible par opposition à une société de l’image. On l’abordera à travers l’œuvre de trois auteurs majeurs de la seconde moitié du XXe siècle, Marguerite Duras, Bernard-Marie Koltès et Jean-Luc Lagarce. Ils brouillent en effet, selon des modalités différentes, l’articulation de la scène et du hors-scène, donnant lieu, de ce fait, à des mises en scène et à des scénographies qui doivent se confronter à la redéfinition des limites de l’espace de la représentation. La frontière entre le visible et l’invisible ne coïncide plus chez eux avec l’articulation entre la scène et un espace périphérique contigu : elle est mobile et ne se laisse pas aisément localiser, et le hors-scène ne peut plus être envisagé comme un extérieur. Il peut être situé au cœur du visible ; il peut être issu d’un geste de cadrage qui organise les relations de la scène, de la salle et du monde, mais aussi d’un geste de montage qui en fait un hors-temps. Il se manifeste donc de manière discontinue, à travers des brèches ouvertes par divers moyens à l’intérieur d’un espace dramatique et/ou scénique aux limites fluctuantes. C’est pourquoi cette recherche se propose de dégager les enjeux dramaturgiques et scénographiques des usages du hors-scène dans les textes de ces auteurs, mais aussi dans une sélection de mises en scène de la seconde moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle ainsi que de scénographies, et de certaines créations sonores qui y sont associées. Il s’agit ainsi d’identifier différentes catégories de hors-scène et de définir plus précisément une notion qui pourrait bien manifester une modification des modalités de la perception et de la représentation
The term hors-scène (“off-stage” with a dramaturgical and a scenographic meaning in French) is used in an empirical way to designate spaces, characters and or episodes that are invisible. It is not part of the technical vocabulary of the theater, and it is often replaced by words borrowed from other artistic fields such as “off”, or “out of frame”. Because of this lack of terminological precision, it is a notion that like a mirror reflects ideological and aesthetic orientations which can be related to a discourse that values the invisible, in opposition to an image-driven society. This notion of hors-scène is addressed through a study of the works of three major authors of the second half of the 20th Century: Marguerite Duras, Bernard-Marie Koltès and Jean-Luc Lagarce. Each one of them has his/her specific mode of blurring the lines between the stage and the off-stage, thus producing staging and making scenographies that have to tackle the redefinition of the limits of space and of representation itself. In their works, the boundary between the visible and the invisible no longer coincides with the articulation between the stage and an adjacent peripheral space. The hors scène is mobile and cannot be easily located : it can no longer be considered as what lies outside of the stage. It can be situated at the heart of the visible ; it can spring from a framing choice which orchestrates the relations between the stage, the house and the world, but also from a staging choice that materialises “timelessness”. It reveals itself discontinuously, through breaches opened up in a diversity of ways in a dramatic and/or scenic space whose boundaries themselves are in flux. The thesis identifies the dramaturgic and scenographic stakes of the uses of the hors-scène in the three authors' texts, as well as in a selection of stagings from the second half of the 20th Century and early 21st Century, as well as in scenographies and a number of sound/audio productions to which they are associated. The aim is to trace different categories of the hors-scène and to define more precisely this notion that could very well highlight a change in the modes of perception and representation

De nombreux dramaturges contemporains manifestent un intérêt surprenant pour le fait divers, un type dřinformation considéré comme anecdotique, suscitant une curiosité morbide chez le spectateur et difficile à cerner à cause de la variété des sujets quřil aborde. La thèse fondamentale de ce travail est que, par le biais du fait divers, le théâtre cherche une confrontation avec les médias et se redéfinit, repense son rôle. Par lřanalyse des structures dramatiques (espace, temps, action, parole) dřune cinquantaine de pièces françaises publiées dans lřaprès 1968, cette étude vise à répondre à trois questions : quelles sont les représentations du monde offertes par les médias et le théâtre à travers le fait divers ? Quels sont les modes de représentations respectifs ? Quelle est la fonction du théâtre qui en résulte et en quoi sřécarte-t-elle de celle des moyens de communication de masse ? Cette thèse inclut également vingt-cinq interviews avec des dramaturges et un parcours anthologique
Many contemporary playwrights show a surprising interest for that particular type of news item that French journalism calls Ŗfait diversŗ, which has a bad reputation for being anecdotal, arousing a morbid curiosity in the spectator and being difficult to characterise because of the variety of subjects it treats. The main focus of this work is that, through Ŗfait diversŗ, theatre seeks confrontation with mass media and redefines itself, reconsidering its role. Through the analysis of the dramatic structures (space, time, action, language) of about fifty French plays published after 1968, this study aims at answering three questions: what representations of the world do media and theatre propose through Ŗfait diversŗ? What are the respective modes of representation? What is the function of theatre stemming from them and how does it depart from the one of mass media? This thesis also includes twenty-five interviews with playwrights and an anthology

Cette thèse a pour but d’étudier certains aspects de la présence et de la construction du personnage du Noir dans la littérature dramatique française du XXème siècle et, plus spécifiquement, deux pièces de théâtre: La Putain respectueuse (1946) de Jean-Paul Sartre et Combat de nègre et de chiens (1979) de Bernard-Marie Koltès. Ce travail est divisé en trois grandes parties, subdivisées en chapitres. La première partie offre des éléments pour la mise en contexte de la représentation du Noir dans le théâtre français. Elle est divisée en deux chapitres: dans le premier, il s’agit d’un bref panorama du personnage du Noir dans le théâtre français du XXème siècle, élaboré à partir de Du Noir au Nègre: l’image du Noir au théâtre, de Marguerite de Navarre à Jean Genet (1550-1960) (1998), étude de Sylvie Chalaye. Le deuxième chapitre présente des informations sur Les Nègres (1959) de Jean Genet, ainsi qu’une courte réflexion sur l’importance de cette oeuvre dans le processus de transformation de la représentation du Noir dans le théâtre français de 1940 à 1970. Dans la deuxième et la troisième parties, sont traitées, respectivement, La Putain respectueuse et Combat de nègre et de chiens. L’étude des deux obéit à une même organisation: initialement, un chapitre sur le parcours de chaque auteur, puis sur la genèse de chaque pièce. Ensuite, un chapitre pour l’analyse dramatologique de chaque texte (divisé en trois sous-parties: l’intrigue et l’organisation de l’action, l’analyse du temps et de l’espace, l’étude des personnages). Finalement, deux chapitres plus thématiques: l’un relatif au personnage du Noir dans chaque pièce, l’autre consacré à quelques questions d’interprétation, ce qui permet de dialoguer avec certaines études critiques qui se sont penchées sur le sujet. En guise de conclusion, les considérations finales s’efforcent d’offrir une vue d’ensemble de la thèse et cherchent à mettre en évidence quelques points en commun entre la pièce de Sartre et celle de Koltès, surtout en ce qui regarde l’image du personnage du Noir.
O objeto de estudo desta tese de doutorado é a verificação de aspectos da presença e construção do personagem negro na literatura dramática francesa do século XX, com base em duas peças teatrais: La Putain respectueuse (1946), de Jean-Paul Sartre, e Combat de nègre et de chiens (1979), de Bernard-Marie Koltès. O trabalho divide-se em três partes, subdivididas em capítulos. A primeira parte versa sobre elementos de contextualização da representação do negro no teatro francês, segmentada em dois capítulos: no primeiro, um rápido panorama histórico a partir do estudo apresentado por Sylvie Chalaye em Du Noir au Nègre: l’image du Noir au théâtre, de Marguerite de Navarre à Jean Genet (1550-1960) (1998). O segundo contém informações sobre Les Nègres (1959), de Jean Genet, bem como uma breve reflexão sobre a importância dessa obra no processo de transformação da representação teatral do negro entre a década de 1940 e 1970. A segunda e terceira partes tratam, respectivamente, de La Putain respectueuse e Combat de nègre et de chiens. Ambas possuem exatamente a mesma estrutura, iniciando pelos percursos dos autores, e, na sequência, a gênese das peças, as análises dramatológicas dos textos (divididas em três seções: intriga e organização da ação; tempo e espaço; e personagens) e encerrando com reflexões mais temáticas: uma relativa ao personagem negro em cada um dos textos e outra acerca das questões de interpretação, num diálogo direto com alguns estudiosos e críticos e suas diferentes propostas de olhares. No fechamento da tese, à guisa de conclusão, são apresentadas as considerações finais, retomando o conjunto abordado na pesquisa e estabelecendo alguns pontos de aproximação entre as peças de Sartre e Koltès, principalmente no que diz respeito à imagem do personagem negro.

Cette thèse propose une description des morphèmes de négation non et pas en contexte averbal, à travers une comparaison de leurs occurrences dans trois pièces de théâtre contemporain (Beckett, Koltès, Gabily). Définie comme acte de rejet, la négation engage le locuteur dans sa relation au monde et à ses interlocuteurs. Nous cherchons alors à appréhender la capacité de non à faire phrase et la participation de pas à l'élaboration d'une phrase sans verbe. Dans l'analyse du corpus, nous examinons non et pas d'abord séparément pour mettre en évidence leurs spécificités. Nous comparons ensuite leurs propriétés dans les séquences [NegP mais Q] où ils alternent plus librement : l'emploi de pas indique une coordination énonciative et celui de non une subordination énonciative. L'étude insiste sur le fait que ces phrases négatives averbales relèvent d’une "expression négative" plutôt que d'un jugement assertif, non se distinguant par sa capacité à suspendre le débat en cours
My study proposes a description of negation markers non (no) and pas (not) in an averbal context, through a comparison of their utterances in three contemporary theatre plays (Beckett, Koltès, Gabily). Defined as an act of rejection, negation means that the speaker is committed to his relation to the world and his co-speakers. The aim is to study the capacity of non to account for a sentence, and of pas to participate in the elaboration of a sentence with no verb. In the analysis of the corpus, non and pas are first examined separately, in order to draw up their characteristics. Their properties are then compared in sequences [NegP mais (but) Q], in which they alternate more freely : the use of pas marks an enunciative coordination and the use of non an enunciative subordination. The study stresses that such averbal negative sentences relate to a "negative expression" rather than an assertive judgment – no showing a special ability to suspend an ongoing debate

L'oeuvre de koltes dresse de la societe un bilan catastrophique, mais oblige a une mise a distance ideologique. Au monde social, se substitue l'univers d'archaos. Les structures sociales s'aneantissent, le statut social des personnages est problematique, le pouvoir est dissemine. Il n'y a plus que des territoires, ou les relations humaines sont definies par la violence. La tragedie de la violence joue chez koltes au niveau des elements : pluie et vent, chaud et froid, nuit et lumiere. Chez koltes, le reel est relatif : le temps, l'histoire ou le mythe sont irreels et ne peuvent pas constituer des reperes stables. Seule la notion de condamnation demeure comme un liet-motiv de l'oeuvre, et explique la presence necessaire des noirs et des arabes, reprouves de l'occident. Le desir est reel : il se projette d'abord dans le commerce, mais le commerce n'est au fond qu'une pratique symboliqsue. Le desir ne peut pas s'incarner dans le langage, il n'est pas non plus reductible aux sentiments. Finalement la distance koltesienne n'est pas neutre : elle est optimiste et utopique
Kolte's theatre describes the contemporary society as a complete failure, mais considers it with ideological distance. The social world is replaced by the universe of archaos. Social structures are destroyed, character's social identity is highly undefined and power is scattered. There are only territories, in which humain relationships are defined by violence. Violence's tragedy is defined by atmospheric elements : rains and wind, cold and warm, night and light. Koltes understands reality as deeply relativ : time, history and myth are unreal and they can't be stable marks. Only the idea of condemnation remains as a major theme in kolte's works and justifies the presence of blacks and arabs, rejected by the western world. Desire is real : it is first projected in commerce, but commerce creates a wicked langage. Desire can't be put in langage and desire can't be reduced to feelings. Finally distance in not only neutral : it as also optimistic and carries utopy

The overarching aim of this thesis is to give an account of the theatre of Bernard-Marie Koltes in relation to contemporary France and Europe. It highlights the aspects of his work that convey a sense of Europe's common cultural heritage, and considers its potential role in promoting processes of identification across national frontiers. The study is divided into two distinct sections. Part 1 focuses on textual analysis, and Part 2 on performance. Part 1 analyses the thematic structure of Koltes's drama, together with the myths and language therein. A key argument is that, whilst Koltes's drama is firmly located within the national context of France, traditional notions of `Frenchness' are challenged. The ideas the plays address can be seen as also relevant to a wider European audience, and can help define a contemporary view of `Europeanness'. Part 2 examines how Koltes's themes and ideas have been conveyed on stage. It considers productions of his drama in the differing contexts of France, Africa, Germany and Britain, in relation to the themes and ideas outlined in Part 1. The analysis teases out those aspects of the work that are perceived as `French' - such as the language and style of the drama - and those which have apparently crossed cultural frontiers - such as its settings and themes. The thesis concludes that Koltes's drama is both French and European. It suggests that his theatre opens channels for European identification between France and other cultures - particularly those that share western capitalist values and a history of colonial adventure. However, a further conclusion is that Koltes's plays do not furnish audiences with a comfortable image of the individual in contemporary Western European society.

Cette thèse de doctorat, intitulée « Les frontières de l’exil : figures et territoires de l’étranger», vient questionner les notions de frontière et d’exil dans les périodes postcoloniale et post-Shoah. Ces notions sont ici caractérisées comme des territoires à la fois spirituels, politiques, symboliques, et économiques, dans lesquels une expérience de la domination est vécue, souvent subie, par des individus ou des groupes stigmatisés par leur origine ethnique, leur sexe, leur culture, ou leur condition socio-économique notamment. En me rattachant à superstructuration politique, culturelle, et historique de cette expérience de la domination, Selim Rauer tente de montrer comment, dans les ères postcoloniale et post-Holocauste, une économie mondialisée recrée ou intensifie en fait le concept de « zone (s) » - telle qu’il a été défini par Frantz Fanon dans Les damnés de la terre, 1961 – générant ainsi des centres et des marges permettant d’établir des espaces culturels et géographiques procédant d’une généalogie raciale, sexuelle venant soutenir des dynamiques économiques qui dérivent de la théologie politique, comme c’est le cas du néolibéralisme et de l’ultralibéralisme aujourd’hui. La figure de l'ennemi (ou celle de l'adversaire) est au cœur de ce système de pensée. L’ennemi est une représentation biopolitique et théologique essentielle dans une réflexion productive liée à l’altérité, à la figure multiforme de l'étranger, à travers laquelle une conception spécifique de la frontière peut être établie comme limite ou division, plutôt que comme trait d'union. Cette réflexion procède de la lecture et de l’analyse d’un corpus littéraire français et francophone alliant à la fois le roman, le drame, le récit et l’essai de 1945 à aujourd’hui. Les œuvres de ce corpus littéraire sont issues d’écrivains tels que Jean Genet (1910-1986), Patrick Modiano (1945), Bernard-Marie Koltès (1948-1989), Koffi Kwahulé (1956), Marie NDiaye (1967), Wajdi Mouawad (1968), et Léonora Miano (1973). Chacune de leurs œuvres regroupées ici donne à voir une certaine expérience du pouvoir, de l’aliénation, de la souveraineté et de la biopolitique dans un cadre éthique et morale qui inévitablement met en lumière et sonde le « mal ». Un mal qui, comme l'a exprimé Rüdiger Safranski, dérive d’une certaine pratique de la liberté (Le Mal, ou le théâtre de la liberté, 1997/1999)
This doctoral dissertation, entitled The Borders of Exile: Figures and Territories of Foreignness, reinterprets the notion of the border as an expanding territory of estrangement and seclusion in the aftermath of colonialism and the Shoah, in an era characterized by global market economies. While allegedly situated beyond racial and sexual hegemonic claims, Selim Rauer shows how this globalized economy, in fact, recreates or intensifies a concept of “zone(s)” --as defined by Frantz Fanon in Les damnés de la terre, 1961--that draws centers and margins, and establishes sites of domination structured by a historical and political unconscious. At the core of this unconscious lies the figure of the enemy or the adversary. The latter is an essential biopolitical and theological representation of otherness and foreignness through which a specific border definition can be established as limit rather than hyphen. Thus, in this project, Rauer scrutinizes a multidimensional literary corpus comprised of works by figures such as Jean Genet (1910-1986), Patrick Modiano (1945), Bernard-Marie Koltès (1948-1989), Koffi Kwahulé (1956), Marie NDiaye (1967), Wajdi Mouawad (1968), and Léonora Miano (1973), each of whose works investigate a certain definition and practice of power and sovereignty as part of an ethical and moral reflection on “evil,” or as Rüdiger Safranski defined it, as the moral and ethical burden that accompanies the practice of freedom (Evil, or the Drama of Freedom, 1997)

Ce mémoire de maîtrise traite de quatre pièces de l’auteur français Bernard-Marie Koltès. Résolument axé sur l’étude du texte écrit, il vise dans un premier temps l’analyse d’un ensemble de désajustements et d’une culture de l’équivoque dans le traitement du lieu, du temps et de l’identité. Le premier but de ces analyses est l’approfondissement de certaines avenues déjà investies par la critique (marginalité des lieux et des personnages, présence constante de la violence et de la mort, etc.), dans la recherche d’une signification globale à un ensemble de pratiques textuelles liées à la notion de limite ou de frontière. Opérant un changement de perspective, la seconde partie de l’étude s’attarde à la violence ainsi qu’aux modalités et implications de sa mise en texte dans une étude croisée de l’acte créateur et de la pratique de lecture. À partir de la théorie du sacrifice élaborée par René Girard dans La violence et le sacré, et faisant dialoguer certains textes importants d’auteurs divers (Aristote, Nietzsche, Artaud, Foucault, Derrida et Adorno), l’analyse vise à inscrire la littérarité du texte koltésien dans une entreprise plus vaste ayant à voir avec la violence, sa régulation et sa diffusion. Au carrefour des études théâtrales, de la littérature et de la philosophie, cette réflexion cherche à concevoir le théâtre de Koltès (particulièrement Roberto Zucco) comme un sacrifice rituel, afin de mieux en comprendre le rapport au réel et certaines de ses particularités du point de vue du mécanisme cathartique.
This M.A. thesis analyzes four plays by the French author Bernard-Marie Koltès. Resolutely focused on the study of written text, it begins by analyzing several disarrangements and a culture of ambiguity in the treatment of place, time and identity. The first goal of this interrogation is the deepening of some avenues already detected by the critique (marginality of places and characters, the constant presence of violence and death, etc.) in the search for a global meaning to a set of textual practices related to the notion of limit or boundary. Operating a change of perspective, the second part of the thesis focuses on violence and on the terms and consequences of its textualisation, in a simultaneous study of the creative act and of the practice of reading. Based on the theory of the sacrifice as developed by René Girard in La violence et le sacré, and nourished by the crossing of some important texts by various thinkers (Aristotle, Nietzsche, Artaud, Foucault, Derrida, Adorno, etc.), the analysis seeks the inscription of Koltesian text’s literariness in a broader enterprise having to do with violence, its regulation and its dissemination. At the intersection of theater studies, literature and philosophy, this study is an attempt to understand Koltès’ drama (especially Roberto Zucco) as a ritual sacrifice in order to obtain a better comprehension of its relationship to reality and some of its characteristics as for the cathartic mechanism.

L'objectif général de ce mémoire est d'étudier la présence animale dans l'oeuvre du dramaturge français Bernard-Marie Koltès. Cette expression nous sera indispensable, car elle décrit autant le peuplement animal des textes de ce dernier que la présence animale à l'intérieur de ses personnages, c'est-à-dire leur animalité. L'étude de la présence animale est féconde, puisqu'elle nous révèle à la fois l'idéologie défendue par Koltès, en plus de mettre en lumière un type très particulier de subjectivation de ses personnages littéraires: les devenirs-animaux. Les objectifs spécifiques de ce mémoire sont, premièrement, de cataloguer les divers animaux présents dans notre corpus littéraire. Nous effectuerons ce repérage dans le but de dresser le bestiaire sommaire du dramaturge. Cet exercice nous permettra ensuite de caractériser les animaux koltésiens, avant de les comparer à ceux qui constituaient le bestiaire littéraire traditionnel. Par l'entremise de cette comparaison, nous dévoilerons l'idéologie et certaines valeurs défendues par Koltès. Le deuxième objectif spécifique de ce mémoire est d'étudier, de manière théorique cette fois, l'animal en le traitant comme un processus de subjectivation des êtres. En effet, la rencontre, que nous pourrions quailifier de noce contre nature, entre les animaux et les sujets koltésiens engage ces derniers dans des phénomènes singuliers que Gilles Deleuze et Félix Guattari nomment des devenirs-animaux. En étudiant ceux-ci à partir des théories de Deleuze et Guattari, nous ferons la jointure entre l'identité des personnages du dramaturge et l'animalité. Par ailleurs, nous décrirons certaines voies qu'empruntent les devenirs pour se manifester, en analysant les cas particuliers de trois personnages de Koltès. Le troisième et dernier objectif spécifique de ce mémoire est d'aborder les conséquences affectives et perceptives -les affects et percepts -des devenirs-animaux chez les sujets devenant. Nous montrerons que les devenirs-animaux, en entraînant les personnages dans une autre dimension ontologique, suscitent en eux une intense circulation d'affects et de percepts de nature animale. Ces affects et percepts animaux déshumanisent les personnages qui se transforment en des animaux en puissance. La présence animale chez Koltès constitue un rhizome au sens deleuzien et guattarien du terme. Le rhizome conçu par le dramaturge compte trois plateaux qui correspondent à chacun des chapitres de notre mémoire. D'un chapitre à l'autre, la topique de l'animalité suit un mouvement de sémiose, c'est-à-dire que sa signification connaît des avancées. C'est dire que le rhizome koltésien est bien davantage qu'une thématique; il est plutôt une structure signifiante complexe et complète en elle-même. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Affect, Animal, Animalité, Bestiaire, Devenir-animal.

Cette recherche consiste à étudier l'apport de l'interculturalité dans un processus de création théâtrale en se basant sur les théories de communication interculturelle. La pièce choisie pour l'élaboration de ce mémoire-création est La Nuit juste avant les forêts de Bernard-Marie Koltès. Cette pièce a été interprétée par trois comédiens d'origines culturelles diverses en juin 2004. Le travail en répétition nous a permis de tirer nos conclusions sur la pertinence de la communication interculturelle dans un processus théâtral. Les bases théoriques auxquelles nous avons eu recours sont des ouvrages de Peter Brook, Edward T.Hall, Carmel Camilleri, Adam Kiss et Patrice Pavis. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Communication interculturelle, Bernard-Marie Koltès, Théâtre, Transculturalité, Interculturalité.

This dissertation examines Samuel Beckett's powerful legacy and influence on contemporary theater (on plays written and produced since 1980), and it defines this influence in both text and performance as gestures of emptiness and impotence. The plays selected for analysis here have been categorized at times as belonging to a tradition and legacy of the so-called "Theater of the Absurd," but, finding this category to be at once too restrictive and too loose, their relationship to the absurd is defined by their explicit use of and inspiration taken from Beckett's theater. Beckett's intentional and innovative use of emptiness and impotence, both spatially and textually, is decisively paradoxical: while emphasizing blank spaces and powerlessness, his plays find meaning in emptiness and unexpected control in what he called the "exploitation of impotence." In each of the plays analyzed in this dissertation, (Dans la solitude des champs de coton, Koltès; La secreta obscenidad de cada día, de la Parra; Blasted, Kane; and Laughing Wild, Durang), the explicit use of both emptiness and powerlessness are examined, and at the same time, I define what it is about each of these gestures that renders them particularly Beckettian as they relate to these works. In all of the plays examined here, gestures of emptiness and impotence become their opposites: significance and power. Four of Samuel Beckett's plays (Fragment de théâtre I, En attendant Godot, Fin de partie, and Happy Days) are compared and contrasted with the work of Koltès, de la Parra, Kane and Durang respectively. The parallels revealed, made both intentionally and unintentionally by their playwrights, demonstrate not only the certainty of Beckett's continued influence, but also reflect his persistent, widespread impact. What is shown, with broader implications for future study, is that Beckett's use of emptiness and impotence as theatrical, literary and artistic gestures have led to a new kind of hopefulness, and a new kind of artistic inspiration that is unique to our time.
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碩士
淡江大學
法國語文學系碩士班
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This study deals with the play The Night just before the forests by the French author Bernard-Marie Koltes (1948-1989). It aims to rethink the functions of metaphor, then to exploit the metaphors in the title of the play, in the meeting scene, in those violent, vulgar, organic terms, and in the plight of the characters. We also focus on the Chinese translation of the play, since, like metaphor, translation is not a simple transfer, but the continuation of a process of meaning creation. Key word: Metaphor, Bernard-Marie Koltes, hermeneutics, translation

El interés por poner el foco en el agotamiento del cuerpo nace de mi experiencia en cuanto a la formación simultánea como actor y bailarín, disciplinas que desarrollé de manera separada una de la otra. Por un lado la danza y por el otro el teatro, como si se pudiera separar el texto, la voz, la mirada, el gesto, del movimiento, la música y la coreografía. No podía encontrar una metodología de trabajo que pudiera hacer convivir a ambas disciplinas. Dicha tensión entre el teatro y la danza se presenta como el punto inicial de esta investigación, cuyo objetivo consiste en difuminar los bordes entre ambas artes: desde este deseo de superar fronteras disciplinares, aparece el agotamiento como una posibilidad en la que teatro y danza puedan encontrarse. Parto de la hipótesis de que cuando el cuerpo supera el agotamiento empieza a navegar en un terreno neblinoso en el que emerge lo impensado, un terreno híbrido y fronterizo entre danza y teatro. Para la realización escénica, término que desarrollaremos en el capítulo tres “Cartografía de la realización escénica”, tomé la decisión de estar solo en escena, personalmente quería pasar la investigación por mi cuerpo y explorar la superación de ciertos límites que nunca había indagado en carne propia. Es por esto, que convoqué a Elvira Bustamante para que me dirigiera, a Micaela Toret para que haga la asistencia de dirección y a Luciano Villareal para el entrenamiento físico. Luego se incorporaron: Edgar Tula en vestuario y Emilia Bravo en la iluminación. Todos compartimos inquietudes similares en torno al teatro y su forma de relacionarse con las otras artes, por lo que teníamos una afinidad personal y particular con el tema a investigar. Nos planteamos interrogantes, compartimos teorías y entrenamientos. Gran parte de esta investigación fue en equipo, pensando la realización escénica de manera horizontal, creando de manera colectiva. Hubo momentos de soledad, en los que me encontré escribiendo y produciendo solo, por lo que el lector se encontrará con párrafos en los que hablo en primera persona del singular, que tienen6 que ver con estos momentos, desde mi experiencia en escena y como investigador. Y, por otra parte, se encontrará con partes que están escritas en plural que refieren a decisiones, reflexiones, experiencias y conceptos que desarrollamos en conjunto. Los ensayos fueron de carácter experimental, e incluían una instancia de entrenamiento expresivo cuyo objetivo consistía buscar el agotamiento y llevar al extremo las posibilidades del cuerpo -abordaremos la problemática del cuerpo en el apartado: “El cuerpo: un campo de batalla”- luego del entrenamiento hacíamos foco en la dirección recuperando momentos del entrenamiento y proponiendo otros (con la intención de trascender ese agotamiento) luego, dejábamos un momento para el registro creativo (tanto el mío como actor performer como el del equipo en sus respectivos roles) y por último un tiempo para la reflexión grupal. Los registros de los ensayos que realicé constaban de una escritura originada en el cuerpo cansado, agotado, una escritura de resonancia que daba cuenta por lo que había pasado mi cuerpo y que procedía libremente en cuento, monólogo, diálogo, relato, etc. En un principio, el agotamiento lo pensamos como procedimiento compositivo del monólogo, ‘La noche justo antes de los bosques’ 1 de Bernard Marie Koltés. Elegí este texto porque considero que tiene un singular potencial para ser trabajado desde el agotamiento y desde este cruce disciplinar. En cuanto a la forma en que está escrito no tiene puntos y tampoco descripciones de espacios, a nivel dramatúrgico no cuenta ni con personaje ni con una estructura dramática. En su escritura está latente la idea de agotamiento tanto en la verborragia de la voz que enuncia, como en el ritmo vertiginoso dado por la falta de puntos que supone una respiración sin pausa y, por ende, caótica. Sin embargo, a medida que el proceso de ensayos avanzaba empezaba a emerger una dramaturgia propia, que estaba ligada a la improvisación y al registro de los ensayos. El texto El texto fue tomado del libro “Teatro. Bernard Marie Koltes” de Ediciones Colihue con traducción de Jorge Dubatti y Marta Taborda. (2008) 17 de Koltés sirvió como un punto de partida, que nos disparó el imaginario y nos hizo navegar por nuevos y diferentes sitios, lo cual deparó en una convergencia de diferentes dramaturgias: de la respiración, del cuerpo, del espacio, etc; cuestiones que abordaremos en el apartado dos: “en la profundidad de un solo”. El título de la investigación también sufrió modificaciones con el correr de los ensayos, en un comienzo tenía como nombre: “El agotamiento del cuerpo como posibilidad para abordar el texto teatral desde la construcción de presencia”, el cual modificamos al título actual “El agotamiento del cuerpo hacia una construcción de presencia”, ya que durante los ensayos fueron apareciendo diversos elementos que transformaron el curso de la investigación, incluso de lo que nosotros habíamos pensado en un comienzo. De manera tal que trabajar el agotamiento del cuerpo descentró el texto como eje de búsqueda y reveló que la presencia era aquello que quedaba, lo que se construía como consecuencia del agotamiento. El lector se podrá encontrar con estos hallazgos en el capítulo tres: “Cartografía de la realización escénica”. Si bien el eje central de la investigación es el agotamiento del cuerpo en tanto problemática actoral, también hemos trabajado con las diferentes materialidades escénicas tales como el texto, la iluminación, el sonido, el espacio y la escenografía. Creando atmósferas y pincelando paisajes que forman parte de nuestra realización escénica, que están en diálogo directo con el trabajo del actor-performer en escena. El lector se encontrará con los aspectos técnicos de la obra en el último capítulo: “Los paisajes de la soledad”. Hemos optado por ubicar la investigación sobre las diferentes prácticas artísticas que tomamos como referencia, en el apéndice. Consideramos que es un capítulo importante para poder situar nuestra obra dentro de un contexto, en el que se sitúan la performance y el teatro,8 el teatro físico, la danza-teatro y el teatro posdramático. La decisión de ponerlo en el apéndice, aparece para fortalecer el cruce entre teoría y práctica en este Informe Final. La teoría es una práctica dice Josette Féral, y a lo largo de este escrito intentaremos plasmar esta conexión teórico-práctica que fueron las bases de esta exploración de cruce, que nos llevó a un proceso, por momentos, de traducción, porque la teoría y la práctica se cruzan, se mezclan y se conectan, pero pertenecen a diferentes universos. Como afirma Feral, la traducción implica un pasaje y una pérdida. Un pasaje, del proceso de la investigación a estas páginas, y una pérdida porque “todo acto de traducción se basa sobre una impotencia y siempre algo se escapa en el proceso de traducción” (2004, p. 46) Desde esta perspectiva la traducción implica penetrar en el universo del otro, impregnarse en él. Adentrarse desde la teoría en el universo de la escena y hacerla estallar, bombardear la teoría con el cuerpo, con la ferocidad de los ensayos, bucear en estos universos y, luego, hacerlos carne y páginas.

This thesis deals with the representation of the body and space in the theatre of Bernard-Marie Koltes and Helene Cixous. From the theoretical point of view, it looks at transition in French theatre from a modern to a postmodern predicament, from a discursive to a corporeal theatre. It then looks at the ways postmodern culture maps, configures, disciplines, and violates the body, particularly through the relationship of the new textuality to its stage manifestations. Textually, it analizes three plays by each playwright. The juxtaposition of the works of Koltes and Cixous allows for an in depth look at the theatre of the 1970's and 80's in France, a period marked by theatrical decentralisation and experimentation. Both favoured a strong tie to theatre practice while developing a close relationship with a theatre director: Patrice Chereau, in the case of Koltes, and Ariane Mnouchkine, in the case of Cixous. Aside from looking at the relationship with theatre practitioners, this thesis examines a number of aesthetic and political affinities which bring Koltes and Cixous together, such as redefining a postmodern mythology and a political role for theatre. Unlike many postmodernist theatre practices that try to evade political commitment, both Cixous and Koltes are preoccupied with the resistance to a nihilistic discourse, and propose an evolving and corporeal stage presence inscribed in a pluralistic space of representation. For Koltes, the body on the stage resists symbolic categorization in Combat de negre et de chiens (1979), it then becomes related to spatial reality outside language in Quai ouest (1985), and finally the corporeal body is culturally and ideologically mapped in Le Retour au desert (1988). This triple dimension is also reflected in the work of Cixous, for whom the theatre is a space of feminist praxis. First, the space of representation, through the subversive performativity of the body, questions the premises of the psychoanalytic gaze in Portrait de Dora (1976), then classical mythology is rewritten to disrupt patriarcal discourse in Le Nom d'Oedipe: chant du corps interdit (1978), and a post-colonial role for theatre is redefined in order to question the historical subject in L'Indiade ou l'lnde de leurs reves (1987). Finally, this thesis looks at the ways both Koltes and Cixous join in with postmodernism in declaring the impossibility of grand-narrative, while trying to show how identity cannot be based on essentialist categories of race, gender, ethnicity, or sexual orientation, but on the performance of all these various categories as they intersect in the performing body.