Academic literature on the topic 'Braque, georges, 1882-1963'

Período importante e decisivo da história da arte na Europa, principalmente na França. Paris, capital do luxo e do entretenimento – A Belle époque – surge o estilo denominado por Guillaume Apollinaire, em 1911, de Cubismo, trazendo à tona uma nova forma de representação. Esse artigo tem como objetivo analisar a carreira do artista catalão Pablo Picasso (1881-1973) e o francês Georges Braque (1882-1963). Suas trajetórias, o conceito de suas obras e os aspectos particulares com relação ao contato com o marchand e responsável pelo “Mecenato moderno” – Daniel-Henry Kanhweiler (1884-1979). Portanto, para esse fim, analisaremos o conceito do cubismo, com base a estabelecer um paralelo com a filosofia, e com os textos de Henri Bergson (1859-1941). Bem como, sua corrente filosófica, e o conceito de duração.Â

Dans les livres du peintre Georges Braque publiés de 1918 à 1963, s'instaurent entre les mots et les images des rapports fondés sur la tension. Le cahier, écrit et illustré par le peintre cubiste, présente en acte la << poétique de l'infinition >> dont témoigne l'ensemble de son oeuvre, il permet une approche théorique de l'illustration détachée de sa fonction mimétique : ni décorative ni interprétative, elle est d'abord indice de la présence de l'artiste. Aphorismes et dessins associés au sein du huis clos de la page forment un système dans lequel chacun des éléments met l'autre en mouvement, engendrant des effets de résonance qui se declinent sous trois formes, l'échange, l'amplification et la conjugaison. Le jeu des rapports se manifeste dans un << stable virement >>, source de jubilation. Les livres que Braque réalise avec ses amis poètes jouent de ces formes de résonance d'autant mieux que ces derniers adossent leur << poétique >> à celle du peintre tout en affirmant l'écart entre les deux modes d'expression. Braque et Reverdy qui, des 1917, ont défini ensemble un << art de création >> fondé sur << des moyens nouveaux >> créent ensemble des livres dont la dimension expérimentale culmine dans la liberté des mers, oeuvre à la limite ou calligraphie et ornements se mettent au service du principe poétique d'équivalence. D'Héraclite d'Ephèse à lettera amorosa, poème du désir, c'est sur << l'alliance des contraires >> que se fondent les livres de Braque et René Char. Dans cinq sapates, l'image semble opposer la présence à la menace de l'absence inscrite par Francis Ponge au coeur des choses. Cette même présence se manifeste dans les livres de Pierre André Benoit, les images-indices participant d'une liturgie au service de l'invisible. Ainsi, les ouvrages de Braque permettent de définir << le livre de peintre >> par la justesse des rapports unissant deux modes d'expression aux moyens propres.

Francis Ponge (1899-1988) rédigea entre 1946 et 1982 neuf textes sur Georges Braque (1882-1963). Prendre le parti de cet artiste aura été pour Ponge la possibilité d’affûter ses moyens d’expression et de questionner sa propre démarche d’écrivain, participant à nourrir et informer sa conception de la poésie comme sa pratique d’écriture. À la marge de toutes déterminations génériques, ces écrits permettent d’aborder la spécificité d’un discours sur l’art qui se caractérise par une absence de séparation entre l’artiste et son œuvre et par une attention particulière accordée au peintre plutôt qu’à la peinture et à la description des œuvres. Ponge interroge le rôle de l’artiste dans la société comme son inscription dans l’histoire. Braque est aussi pour lui un « maître de vie », porteur de valeurs relatives à la morale et à l’éthique que leurs deux œuvres partagent en bien des points. Avec les moyens propres au langage, Ponge procède, comme Braque en sa pratique artistique, par tâtonnements successifs, répétitions et variations, met à découvert le cheminement de l’œuvre au fur et à mesure de son élaboration, le processus de sa fabrication. Ainsi, cette étude ne se propose pas tant de chercher des correspondances entre les deux œuvres que de s’ouvrir aux lieux où elles convergent en confrontant les pratiques d’un peintre et d’un poète, sans qu’il soit question de l’une à l’autre d’un rapport d’influence ou de subordination. Il n’est pas tant question de pratiques réciproques que d’une réciprocité de pratiques quand il y a chez Ponge et chez Braque un même mouvement dans l’exercice d’une activité artistique et réflexive, une même relation qui lie leur pratique et leur réflexion
Francis Ponge (1899-1988) wrote between 1946 and 1982 nine texts on Georges Braque (1882-1963). Standing up for this artist gave Ponge the opportunity to sharpen his means of expression and to question his own approach as a writer, participating feeding and informing his conception of poetry as his practice of writing. On the fringe of all generic determinations, these writings allow to deal with the specificity of a discourse on art characterised by a lack of separation between the artist and his work and by paying more attention to the painter than to the painting and the description of works. Ponge questions the function of the artist in society and its insertion in history. Braque is also for him a « maître de vie », the bearer of values relating to morality and ethics, that the two works share in many points. With his own language, Ponge proceeds, as Braque in his own artistic practice, by successive attempts, repetitions and variations. He shows the path of the work as it advances, the process of manufacture. So, this study suggests less to seek a correspondence between the two works than to open to the places where they converge by comparing the practices of a painter and a poet. From the one to the other, there aren’t questions of influence or subordination. It is not so much a question of mutual practice than a question of reciprocity in practices, when Ponge and Braque have, a same motion in the pursuit of artistic and reflective activity, a same relationship linking their practice and reflection

La poetique indivise du texte et de l'image propose, au coeur du xx eme siecle, une etude sur la convergence entre l'univers pictural de georges braque (1882-1963) et les espaces poetiques de francis ponge (1899-1988) ainsi que de rene char (19071988). Textes et images se mettent a l'epreuve, a travers les sentiers de la creation parcourus de concert. Ils se font "signe" par des regards convergents qui deploient leur propre poetique et une commune rhetorique des significations. En ce qui concerne l'approche que fait f. Ponge par rapport a l'oeuvre de g. Braque, il est question de "reconnaissance, dette, reconciliation, celebration". Un dialogue intime s'instaure entre les deux consciences humaines, impliquant une nouvelle raison a l'objet considere comme une "poetique de lui-meme". Pour r. Char, il s'agit d'un effet de "fascination" et de "transfiguration" de ce que g. Braque propose, laissant prendre toute la dimension sensorielle a la fulgurance et a l'illumination de la raison poetique qui fait de ces deux etres des "allies substantiels". Textes et images se rencentrent dans la recherche inextinguible d'une rhetorique ("l'objet c'est la poetique" - "ne saisir que les rapports et les differences" "matiere et memoire") d'une dialectique indivisible (traversee des signes et des significations, arrieres-pays du regard, representations et figurations) afin de tenter de "donner a voir" un systeme de "consentements tacites".

Cette recherche vise à développer quatre aspects particuliers qui concernent le cubisme de Braque et Picasso. D’abord quels ont été les faits marquants du cubisme au moment de sa naissance à travers les critiques du français Louis Vauxcelles. Puis, pour mieux saisir le mouvement, une synthèse des nombreuses définitions avancées par les critiques et les historiens d’art durant tout le 20e siècle, constituera la base d’une tentative de redéfinition globale du cubisme en sa phase analytique. On souligne ensuite l’importance de la réflexion cubiste en s’arrêtant à la modification de la représentation picturale par la décomposition de l’objet sur une surface plane qui aboutit sous l’empire de l’hermétisme à une nouvelle structure spatiale mettant alors l’accent sur la dissolution de l’objet et de la figure humaine. Finalement, l’analyse sémiotique de deux œuvres clés de Picasso et Braque de 1910 et 1911 permet de cerner plastiquement la notion même de réalisme que l’on trouve dans cette période analytique la plus hermétique.
Montréal Trigonix inc. 2018

Tese de doutoramento, Belas-Artes (Desenho), Universidade de Lisboa, Faculdade de Belas-Artes, 2016
O tema da tese de doutoramento, constituiu o estudo da colagem no contexto da arte contemporânea nacional, focado em alguns artistas de referência, durante a segunda metade do séc. XX. Importa sublinhar o processo de colagem, como um importante veículo da linguagem do desenho e não como um mero suporte de trabalho, complementar ao desenho e (ou) à pintura. Esperamos acima de tudo, contribuir para um melhor conhecimento da evolução dos processos de colagem, inserido nos vários movimentos artísticos vigentes e em particular a partir do Surrealismo. Sendo a colagem, parte intregrante do desenho, constituiu um procedimento artístico em que se compoêm pedaços de papel liso, estampado, pintado ou impresso (jornais, revistas), embalagens, cartão, tecido ou pequenos objectos sobre um suporte geralmente plano. A colagem constituiu no ínicio do séc. XX, um importante veículo de expressão no seio dos grandes círculos artísticos europeus, centrado especialmente na cidade de Paris. Por isso, é essencial, antes de entrarmos no tema da tese, salientar o pioneirismo de Pablo Picasso e George Braque na criação dos primeiros Papiers Collés. Na esfera nacional é imprescindível salientar o papel de Amadeo de Souza-Cardoso, como artista de referência no panorama português, no que concerne à introdução das primeiras colagens no movimento cubista. No desenvolvimento da tese, importa focar o estudo da colagem na segunda metade do séc. XX, a partir do movimento surrealista português, dos seus principais intervenientes e das obras mais relevantes para a evolução do desenho e da colagem. Neste período, importa referenciar a importância do grupo KWY no contexto da arte contemporânea nacional e do impulso que alguns dos seus membros introduziram no desenvolvimento da colagem. Definimos como case study de estudo, um artista de referência nacional (Artur Manuel Rodrigues do Cruzeiro Seixas), cuja obra, (particularmente no domínio no desenho e da colagem), seja marcante no contexto da arte contemporânea nacional. Ao estudarmos a sua longa carreira, principalmente ao nível do desenho, retemos um amplo conjunto de ideias e de obras inéditas reveladas a partir dos seus scrapbooks. Sendo a análise desta informação ainda muito escassa, mesmo por parte da FCM, torna-se imperativo um estudo mais aprofundado acerca deste tema e mais concretamente dos registos ao nível do desenho e colagem.
The main objective of the Phd project is to focus the whole study of collage as an essential element of artistic expression. Its also important to clarify that collage its not just an artistic work tool for drawing or paint, but an important comunication support and to focus on the introduction of collage in contemporary Portuguese art and all its evolution over the second half of the twentieth century. Contribute to the study of the history of portuguese contemporary art, focusing the study on the theme of collage in Portugal, alongside the drawing. However, as collage is considered being part of drawing, is an artistic procedure (completely apart) in putting together pieces of plain paper, stamped, painted or printed (newspapers, packaging), cardboard, cloth or small objects on a plan support. Since the beginning of the twentieth century, collage was an important vehicle of expression in the European vanguard movements. Before entering the theme it self its important to study the pioneering role of Picasso and Braque in the early twentieth century and the environment in portuguese artistic context, highlighting the role of Amadeo de Souza-Cardoso, with reference to the introduction of the Cubist collages movement in Portugal and it´s transition to painting. After the introductory chapter, it´s important to focus the study of collage in the second half of the twentieth century, beginning with the birth of the portuguese Surrealist movement, their main artists and the more significant works for the evolution of portuguese contemporary collage, either by it´s pioneering in the materials and techniques used, or by it´s conceptual composition. To assess and substantiate this study, it is important to make a brief overview on the international references. Make a case study of collage to a main portuguese artist (Artur Rodrigues do Cruzeiro Seixas), which has been distinguished by the use of collage techniques in an exceptional way. By analyzing and studying his long artistic career in drawing and collage, we retain several ideas, artistic concepts and new information about his work, which proved to be particularly relevant in the whole collage movement and in Portuguese contemporary art. Set as case study by investigating the develop of collage by a national reference artist (Master Cruzeiro Seixas), which has been distinguished by the use of collage techniques in designing exceptional way. By analyzing and studying his long artistic career by drawing and collage level, we retain a set important ideas and artistic concepts reflected by the revelation of a set of unpublished works from his scrapbooks, which proved to be particularly relevant in his work and in the Portugal contemporary art.