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Dissertations / Theses on the topic 'Brazilian Art'
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Fidelis, Gaudêncio C. "The reception and legibility of Brazilian contemporary art in the United States (1995-2005)." Diss., Online access via UMI:, 2008.
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Pedrosa, Sebastiano Gomes. "The influence of English art education upon Brazilian art education from 1941." Thesis, Birmingham City University, 1993. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.332216.
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3
Asbury, Michael. "Hélio Oiticica : politics and ambivalence in 20th century Brazilian art." Thesis, University of the Arts London, 2003. http://ualresearchonline.arts.ac.uk/8953/.
Full textAbstract:
This study investigates the presence of ambivalence as a strategy of cultural politics from modern to contemporary art in Brazil. It focuses on the development of modern art leading to the work of Hélio Oiticica, whose approach to avant-garde practice in Brazil was concurrent with intense articulations between the forces of social change and re-evaluations of the legacy of Modernism. The thesis has a strong historiographical emphasis and is organised in three parts: Part one attempts to view the emergence of Modernism in Brazil beyond the prevailing interpretations that emphasise its inadequacy compared to canonical paradigms. Part two discusses the development of abstraction in Brazil, particularly that associated with the constructivist tradition and its relationship with the prevailing positivism of a nation that saw modernity as its inevitable destiny. Such a relationship, between art and ideology, implicitly questions the purported autonomous nature of modern art. Again, what emerged were definite regional distinctions, themselves based on seemingly universal theoretical propositions. The context of Hélio Oiticica's emergence as a constructivist-oriented artist is discussed in order to establish the theoretical foundation for his subsequent articulations between notions of avant-garde and Brazilian popular culture. Part three deals with Oiticica's theoretical and artistic proposals. It centres on the artist's transition from a position concerned primarily with the aesthetic questions of art, to one in which art became engaged on a social, ethical and ultimately political level. Oiticica's relationship with concurrent developments in theatre and later in music and cinema is given particular attention. The artist's questioning of the divides between such fields of specialisation, socio-cultural borders or categories of creative production is argued to have arisen out of Oiticica's lessons from Neoconcretism as well as his individual creative approach to relations of friendship. The latter integrated the wider concept of participation that eventually drove the work through the apparent equivocation between national culture and avant-garde practice. The study concludes with an analysis of the artist's posthumous dissemination and its relation with today's contemporary Brazilian art.
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Shtromberg, Elena. "Conceptual encounters art and information in Brazil (1968-1978) /." Diss., Restricted to subscribing institutions, 2008. http://proquest.umi.com/pqdweb?did=1741085621&sid=1&Fmt=2&clientId=1564&RQT=309&VName=PQD.
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5
SILVA, RAPHAEL MARTINS DA. "THE BARBARITY AS ART: TRENDS OF LITERATURE AND CONTEMPORARY BRAZILIAN MOVIES." PONTIFÍCIA UNIVERSIDADE CATÓLICA DO RIO DE JANEIRO, 2005. http://www.maxwell.vrac.puc-rio.br/Busca_etds.php?strSecao=resultado&nrSeq=7210@1.
Full textAbstract:
PONTIFÍCIA UNIVERSIDADE CATÓLICA DO RIO DE JANEIROO propósito desta dissertação é refletir acerca das relações existentes entre literatura e cinema no que toca a representação do fenômeno da violência nas obras literárias e suas respectivas versões cinematográficas. Para isso foram utilizados três livros que apresentam a violência enfocada por diversos prismas. São eles: Estação Carandiru de Drauzio Varella, Cidade de Deus de Paulo Lins e O Invasor de Marçal Aquino. O exame feito por teóricos sobre a linha tênue que hoje divide ficção de realidade também foi abordado como um dos pontos de desenvolvimento da dissertação. O binômio violência/cultura que parece uma atual tendência na literatura contemporânea, ganhou espaço incisivo nesta análise.
The intention of this dissertation is to reflect concerning the existing relations between literature and movies in which it touches the representation of the phenomenon of the violence in the literary compositions and its respective cinematographic versions. For this, three books had been used that present the violence focused for diverse prisms. They are: Estação Carandiru by Drauzio Varella, Cidade de Deus by Paulo Lins and O Invasor by Marçal Aquino. The examination made by theoreticians on the tenuous line that today divides reality from fiction was also boarded as one of the points of the dissertation development. The binominal violence/culture that seems one current trend in contemporary literature, gained incisive space in this analysis.
6
Riggs, Rawlianne. "The Brazilian Art Song and the Non-Brazilian Portuguese Singer: A Performance Guide to Nine Songs by Alberto Nepomuceno." Thesis, University of North Texas, 2019. https://digital.library.unt.edu/ark:/67531/metadc1505176/.
Full textAbstract:
Alberto Nepomuceno (1864-1920) is considered to be the father of the Brazilian art song. With a total of seventy songs, Nepomuceno revolutionized and established a new path to the Brazilian art song. His songs were innovative because they: (1) incorporated folk elements in his songs, (2) introduced Portuguese as a language acceptable in bel canto style and (3) established Brazilian songs in the tradition of the European vanguard. His approach influenced several composers including his young student Heitor Villa-Lobos (1887-1959), one of the most significant Latin American composers. The purpose of this research is to inform singers and teachers about one of Brazil's most significant art song composers, and to provide the necessary tools--Brazilian Portuguese diction guide, IPA and poem translations of the selected songs--for effective and accurate performances and interpretations.
7
Harper, Eleanor R. "Restoring Subjectivity and Brazilian Identity: Lygia Clark's Therapeutic Practice." Ohio University / OhioLINK, 2010. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=ohiou1275622355.
Full text
8
SILVA, HUMBERTO BARROS DA. "TOY ART: PROBLEMATIZATION OF THE CONSUME: A LOOK TO THE BRAZILIAN PRODUCTION." PONTIFÍCIA UNIVERSIDADE CATÓLICA DO RIO DE JANEIRO, 2015. http://www.maxwell.vrac.puc-rio.br/Busca_etds.php?strSecao=resultado&nrSeq=29513@1.
Full textAbstract:
PONTIFÍCIA UNIVERSIDADE CATÓLICA DO RIO DE JANEIROCOORDENAÇÃO DE APERFEIÇOAMENTO DO PESSOAL DE ENSINO SUPERIOR
PROGRAMA DE SUPORTE À PÓS-GRADUAÇÃO DE INSTS. DE ENSINO
Esse trabalho pretende primeiramente esclarecer o que é a Toy Art, esse novo suporte expressivo de mercado que parte de designers e ilustradores e que contém em si elementos da arte urbana, a street art, como o grafite e o Hip Hop. Contém também elementos de confrontação de uma juventude ativa contra mitos e dogmas cristalizados por gerações anteriores. Um novo suporte que traz à tona uma narrativa da cidade, da rua, com sua violência e humores ácidos, que propõe uma estreita relação entre a arte e a cultura pop em seu argumento de caráter lúdico e bem-humorado e simultaneamente subversivo e violento. O Mundo desses brinquedos, inicialmente produzidos no Japão e na China, surge como um mundo de plástico e vinil em meados dos anos 1990, e outros materiais vão sendo incorporados no decorrer da expansão mundial de sua produção e consumo. Personagens da política, ou ícones da sociedade e acontecimentos atuais são alguns dos principais alvos das narrativas desses objetos. Seus temas comumente pretendem a problematização de mitos e de heróis . Lida ainda, com a frágil linha divisória que existe entre infância e vida adulta. Ao se estudar o universo do Toy Art, ou Designer Toy, o colecionismo, o consumismo e a pós modernidade serão investigados, assim como características particulares de tribos urbanas. O que é Toy Art? Como essa plataforma artística e mercadológica se desenvolveu desde seu aparecimento? Que fronteiras delimitam seu território nas artes e no design? Como se configurou sua história? E como a Toy Art atua e se desenvolve no Brasil?
This work is intended to clarify what is Toy Art. A new expressive and market support that comes from designers and illustrators minds, that contains elements of urban art, street art, graffiti and Hip Hop culture in itself. It also contains confrontational elements of an active youth against myths and dogmas crystallized by previous generations. A new medium that brings up the urban city into its narrative, the street with its violence and acid moods, which suggests a close relationship between art and pop culture in its humorous narrative, that is at the same time subversive and violent. The world of these toys, originally produced in Japan and China, appears as a vinyl and a plastic world in the mid-1990s, and other materials have been incorporated during the worldwide expansion of its production and consumption. Political characters, pop icons and day by day events are some of the main targets of these object s narratives. Its subjects often seek the overthrow of myths and heroes, and yet, it deals with the fragile dividing line between childhood and adulthood. While studying the universe of Toy Art or Designer Toy, collecting, consumerism and post-modernism will be investigated, as well as particular characteristics of urban tribes. What is Toy Art? How this artistic and marketing platform developed since their appearance? What borders delimit its territory in the arts and design? How to set up its story? And how Toy Art operates and develops in Brazil?
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Campelo, André. "SINGING PORTUGUESE NASAL VOWELS: PRACTICAL STRATEGIES FOR MANAGING NASALITY IN BRAZILIAN ART SONGS." UKnowledge, 2017. http://uknowledge.uky.edu/music_etds/89.
Full textAbstract:
The articulation of Portuguese nasalized vowels poses some articulatory problems accompanied by negative acoustic effects for the performance of Brazilian art songs. The main objective was to find strategies that permit the singer to conciliate an idiomatic pronunciation of these vowels with a well-balanced resonance, a desirable quality in classical singing. In order to devise these strategies, the author examined sources dealing with nasalized vowels from varied perspectives: acoustic properties of vowel nasalization, phonetic and phonological aspects ofBrazilian Portuguese (BP), historical views on nasality in singing, and recent vocal pedagogy research. In addition to the overall loss of sonority, the main effect of nasalization is felt mainly in the first formant (F1) region of oral vowels, due to the introduction of nasal formants and antiformants, and to shifts in the tongue posture. Several sources report the existence of a nasality contour in BP, by which a nasalized vowel starts with an oral phase and transitions gradually to a nasal phase. The author concludes that the basic approach to sing nasalized vowels in BP is (1) to find the tongue posture corresponding to the oral vowel congener (the “core vowel”), and (2) to adjust the nasality contour in such a way that the oral portion remains prominent in order to keep the resonance balance consistent during the emission of the vowel. Once the core vowel is determined, standard vowel modification choices can be made according to voice type and the musical context in which the vowel is being sung. Some challenging excerpts from Brazilian art songs are examined, with suggestions for the application of the discussed strategies.
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Juarez, Marissa Marie. "Bodily Force and Rhetorical Function in the Afro-Brazilian Art Form of Capoeira." Diss., The University of Arizona, 2012. http://hdl.handle.net/10150/242431.
Full textAbstract:
Bodily Force and Rhetorical Function in the Afro-Brazilian Art Form of Capoeira examines how practitioners of capoeira, a dance-like martial art developed by African slaves in Brazil during the slave trade, enact forms of contestation, resistance, and accommodation through their performances, as well as how the practice of capoeira results in productions and interruptions of social and cultural hierarchies. Building upon historical research, interviews, and participant observations at a local capoeira site, I argue that the movements, gestures, and facial expressions that drive communicative performances between two or more practitioners elucidate intersections between rhetoric, performance, and the body. More specifically, I demonstrate that the capoeira body operates as a physical force that serves a variety of rhetorical functions, including intervening in social structures of dominance, performing identities, recording histories, establishing relational politics, and inviting self and communal transformation. Interrogating the art form's colonial past, I suggest that capoeira has the potential to teach anti-oppression practices and to serve as a locus of coalition building across multiple lines of difference.
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Demori, Lara. "Degree zero art : Piero Manzoni and Hélio Oiticica." Thesis, University of Edinburgh, 2017. http://hdl.handle.net/1842/25732.
Full textAbstract:
This thesis seeks to unfold the concept of the ‘degree zero art’ as an artistic and cultural project as manifested in the practices of two very different artists, Milan-based Piero Manzoni (Soncino 1933- Milan 1963) and Rio-born Hélio Oiticica (Rio de Janeiro 1937-1980), during the second half of the twentieth century. Despite the clear contrasts between their works and their very different cultural formations, the thesis focuses on these artists in order to show how their practices align around the challenge to aesthetic categories, stylistic labels and political frameworks employed by much recent critical literature. In order to discuss intellectual and critical structures developed to narrate varieties of North American conceptual practices, this thesis proposes a new interpretative frame: a ‘degree zero aesthetics’, creating a transnational dialogue between the work of Manzoni and Oiticica. Borrowing from the understanding of zero proposed by the German Zero group at the beginning of the sixties, I argue that the idea of zero denotes a fresh start and constructive will; it therefore explains the process of erasing and rebuilding from scratch that has characterised the post-war generation. Alongside the process of construing an aesthetic around the notion of ‘zero’, this thesis aims to deconstruct popular sites of discourse around the tropes of ‘participation’ and ‘politics’, critically readdressing the historiography surrounding these themes. Lastly, this project attempts to discuss the literature on both artists, who have become paradigmatic of certain key movements and moments in Latin American and European art respectively, and in recent elaborations of global art histories.
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Thimótheo, Juam Carlos 1984. "Manoel da Costa Athayde : de mestre a professor das artes." [s.n.], 2012. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/278815.
Full textAbstract:
Orientador: Luciano MigliaccioDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-21T23:16:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Thimotheo_JuamCarlos_M.pdf: 3918794 bytes, checksum: 0027f74c833500262a6aa9085473c429 (MD5) Previous issue date: 2012
Resumo: Esta dissertação aborda o processo elaboração e compreensão das artes na Minas Colonial mediante a interpretação da iconografia elaborada por um de seus maiores representantes: Manoel da Costa Athayde. Elencando como fontes principais o retrato do Irmão Lourenço e a Ceia, ambas as pinturas do Santuário do Caraça, MG, visamos identificar, através das apropriações e escolhas promovidas por Athayde, como se configuraria um momento histórico de mudanças estruturais no campo da produção das artes durante o início do XIX
Abstract: This thesis discusses the making process and understanding of the arts in Colonial Minas through an interpretation of the iconography developed by one of its greatest names: Manoel da Costa Athayde. Using as main sources the portrait of Brother Lawrence and the Supper, both paintings of Caraça Sanctuary, in Minas Gerais, we aim to identify, through the choices and appropriations made by Athayde, how a historic moment was setting itself through structural changes in the production field of the arts during the beginning of the eighteenth century
Mestrado
Historia
Mestre em História
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Gregoli, Roberta. "Representations of gender and sexuality in Brazilian popular cinema." Thesis, University of Oxford, 2013. http://ora.ox.ac.uk/objects/uuid:e12a66ed-eaf1-4450-9632-371a07827f46.
Full textAbstract:
This study investigates the representation of gender and sexuality in Brazilian popular comedies. Due to its responsiveness to contemporary trends, popular cinema is a privileged locus for the analysis of social and cultural change. Comedy, in particular, is a fecund corpus for the study of power relations due to its ambivalent relation with the hegemonic power. While inherently relying on the status quo, comedy constantly pushes the boundaries of the socially acceptable; by transgressing and therefore expanding the boundaries of traditional gender representations, new models of femininity and masculinity emerge in these films in line with the changes of their time. This argument is supported by the close analysis of ten influential films spread across the three most prominent cycles of Brazilian popular cinema history: the chanchada in the 1950s, the pornochanchada in the 1970s and the Globochanchada in the 2000s. In the light of Mikhail Bakhtin's theorisation on the carnivalesque, and with the support of psychoanalytical theory, this study demonstrates that times of profound economic and political change call for a revision of gender models, and that comedy has been the preferred genre for Brazilian directors to provide a means of addressing, and coping with, the new demands on femininity and masculinity.
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Kutesko, Elizabeth. "Fashioning Brazil : globalization and the representation of Brazilian dress in National Geographic." Thesis, Courtauld Institute of Art (University of London), 2016. http://ualresearchonline.arts.ac.uk/12111/.
Full textAbstract:
As a popular ‘scientific’ and educational journal, National Geographic, since its founding in 1888, has positioned itself as a voice of authority within mainstream American print media, offering what purports to be an unprejudiced ‘window onto the world’. Previous scholarship has been quick to call attention to the magazine’s participation in an imperialist representational regime. Catherine A. Lutz and Jane L. Collins, Tamar Rothenberg and Linda Steet have all argued that National Geographic’s distinctive, quasi-anthropological outlook has established hierarchies of difference and rendered subjects into dehumanised objects, a spectacle of the unknown and exotic other. A more nuanced understanding can be reached by drawing upon Mary Louise Pratt’s concept of the ‘contact zone’. Pratt defined the contact zone as ‘spaces where cultures meet, clash and grapple with each other, often in contexts of highly asymmetrical relations of power’. Photographs since National Geographic’s centenary edition in September 1988 have traced the beginnings of a different view of encounters within the United States-Brazil contact zone, driven by the forces of globalisation, which have resisted the processes of objectification, appropriation and stereotyping frequently associated with the rectangular yellow border. This is because they have provided evidence of a fluid and various population, which has selected and experimented with preferred elements of American and European dress, and used it to fashion their own, distinctly Brazilian identities. This thesis will examine both the visual and textual strategies that National Geographic and National Geographic Brasil (the Portuguese-language version of the magazine, established in Sao Paulo in May 2000) have used to fashion Brazil, but also the extent to which Brazilian subjects can be seen to have self-fashioned, through the strategic appropriation of clothing and ideas derived from an existing and dominant global culture. It will approach dress not simply as cloth but as a system of communication, whose many meanings are not fixed but continually informed and to an extent, even performed, by its visual, material, and textual representation. This thesis employs a multidisciplinary mode of analysis that draws on five Brazilian scholars, each of whom have used dress and fashion metaphors in their writings, which have encompassed poetry, film studies, poststructuralist theory, literary criticism and anthropology.
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Rodrigues, Irailda Eneli Barros Silva. "THE ART SONG OF EDMUNDO VILLANI-CÔRTES: A PERFORMANCE GUIDE OF SELECTED WORKS." UKnowledge, 2014. http://uknowledge.uky.edu/music_etds/25.
Full textAbstract:
The purpose of this study is to present a performance guide for singers on twelve selected songs in Brazilian Portuguese for voice and piano by Brazilian composer, pianist, and arranger Edmundo Villani-Côrtes (b.1930). Since 1949, Villani-Côrtes has been active in the musical scene of Brazil. He has a unique compositional style that seamlessly combines elements of both art music and popular music. Villani-Côrtes’s body of works includes over two hundred compositions for solo instrumental music, orchestral music, choral music, and art song. He has written over sixty songs in Brazilian Portuguese, including the Ciclo Cecília Meireles (1987), winner of the 1988 Prize of the Associação Paulista de Críticos de Arte (A.P.C.A.), but most of these remain unpublished.
This performance guide is the result of three years of research, study and personal communication between the author, Villani-Côrtes, and poets whose words the composer used as lyrics. It offers a comprehensive body of information relevant for both the performer and voice teacher who approach this new and untraditional repertoire. It includes a concise biography of the composer, biographical information for the poets, comments on the compositional style of Villani-Côrtes, an overview of the Brazilian Portuguese International Phonetic Alphabet (IPA)—with a chart of Brazilian Portuguese Sounds, IPA transcriptions with English word-by-word translations and poetic versions of all the lyrics, comments from the composer and the poets on each of the songs, and the technical information, pedagogical suggestions, and interpretative insights provided by the author.
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Manthei, Jennifer Judith 1963. "Art of becoming: Space, time, and place in Editora Globo Comics' representation of Brazilian national identities." Thesis, The University of Arizona, 1994. http://hdl.handle.net/10150/278437.
Full textAbstract:
This work investigates the ideological content of Brazilian comics created under the military dictatorship of 1964-1985. The comics promote a vision of national history and identity that corresponds to the military's focus on industrialization. Brazilian history is portrayed as a peaceful transition to a modern, urban nation of white, middle class, rigidly gendered nuclear families. Despite explicit messages of equality, social groups are implicitly subordinated in a hierarchy of social place according to region, race, ethnicity, class, and gender. Recognizing the processes through which the subordination of social groups is legitimated and protest suppressed is essential to combating inequality in contemporary Brazil.
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Maluf, Daniela Pinotti. "Lygia Clark e Merleau-Ponty = paralelos." [s.n.], 2007. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284319.
Full textAbstract:
Orientador: Maria de Fatima Morethy CoutoDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, nstituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-31T09:22:26Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maluf_DanielaPinotti_M.pdf: 1578960 bytes, checksum: fd43b546b29b73d5a61ec9b1e22961b4 (MD5) Previous issue date: 2007
Mestrado
Mestre em Artes
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Wujcik, Stacey A. "An Anthropophagic Legacy: Oswald de Andrade's Manifesto Antropofago in Brazilian Anti-Art and the Works of Cildo Meireles." Master's thesis, Temple University Libraries, 2011. http://cdm16002.contentdm.oclc.org/cdm/ref/collection/p245801coll10/id/120020.
Full textAbstract:
Art HistoryM.A.
In his 1928 Manifesto Antropófago, the Brazilian poet and playwright Oswald de Andrade encouraged Brazilians to appropriate, consume, digest, and assimilate European theories and styles to enhance the Brazilian avant-garde. Oswald's theory of "cultural cannibalism," or Anthropophagy, has since been reinterpreted to serve various purposes in Brazilian art. In the early 1960s Anthropophagy was important to Neo-Concretists, who shifted the focus of the artwork to the viewer's body. The theory was then revived by the Tropicalists for its subversive nature and tactics of appropriation. Anthropophagy was immensely important to the generation of artists who worked during the Brazilian military regime in the 1960s and 1970s, who would use Anthropophagy as a model for appropriating elements of military rule to criticize the government. The themes of the Manifesto Antropófago are often evident in the works of Cildo Meireles, whose art seems to employ Anthropophagy as a conceptual model. In his investigation of the effects of consumerism, sensory perception, and imperialism and colonialism, Meireles employs the elements of appropriation and subversion that are part of an Anthropophagic legacy. Meireles' interest in Anthropophagy culminates in a utopian interpretation of the theory, and a redefinition of its significance in terms of Brazilian identity.
Temple University--Theses
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Whitelegg, Isobel. "Mira Schendel : a radical passivity : towards another history of art, thought & action in the Brazilian sixties." Thesis, University of Essex, 2005. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.423360.
Full text
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dos, Anjos Afonso Manoela. "Language and place in the life of Brazilian women in London : writing life narratives through art practice." Thesis, University of the Arts London, 2016. http://ualresearchonline.arts.ac.uk/12000/.
Full textAbstract:
Studies on Brazilians living in Britain show that, along with loneliness, unemployment and cost of living, the lack of proficiency in English is a key problem. However, there is little qualitative information about how the host language affects their daily lives. This interdisciplinary practice-based research asks how an art practice activated by experiences of displacement and dislocation in language can become a place of enunciation for decolonial selves. To this end, this research includes not only individual practices, but also collective activities carried out with a group of Brazilian women living in London, as a research focus. The endeavour to deal with English language has engendered writing processes in my visual work, which became a place for experimenting bilingual and fragmentary voices against the initial muteness in which I found myself on arrival in London. Using photography, printmaking, drawing, postcards, and artist’s books I have explored life-writing genres of diary, language memoir, and correspondence to raise an immigrant consciousness, explore accented voices and create practices for writing life individually and collectively. Assembling words and turning their meanings became strategies for expanding limited vocabularies. Once an impassable obstacle, the host language was transformed into a territory for exploring ways to know stories about language and write life narratives through art practice. This research is informed by humanist and feminist geographical approaches to space and place, postcolonial life writing, border thinking and a context of practice ranging from transnational art, accented cinema, visual poetry, conceptual art, and socially engaged art. It provides insights about English language in the lives of Brazilian women in London and offers a view on a practice in visual arts as place of enunciation for decolonial selves.
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Aulicino, Marcos Rodrigues. "O distante proximo, o proximo distante : a elaboração de um espaço imaginario nas paisagens de Guignard." [s.n.], 2007. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285024.
Full textAbstract:
Orientador: Maria de Fatima Morethy CoutoTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-09T23:24:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Aulicino_MarcosRodrigues_D.pdf: 15911172 bytes, checksum: 8124a26b658fbd60458e9edd916d0e4e (MD5) Previous issue date: 2007
Resumo: O trabalho analisa as ¿paisagens imaginantes¿ de Alberto da Veiga Guignard, verificando a sua importância a partir dos anos 90 e, principalmente, no contexto de sua produção. A proposta é compreender esse conjunto de obras tanto em sua qualidade plástica quanto contextual, dialogando com as observações da época e a crítica mais recente. Assim, a presente tese inicia com um panorama do contexto intelectual do Rio de Janeiro no período em que Guignard viveu nesta cidade (1929-1943), com o círculo de literatos em torno do pintor Ismael Nery e sua influência sobre parte da produção de Guignard até 1934, bem como as conceituações teóricas, estéticas e ideológicas do Movimento Modernista Brasileiro, na discussão em torno das idéias de Mário de Andrade, Oswald de Andrade e Graça Aranha e em suas indicações de possíveis soluções plásticas e temáticas para as artes visuais. Depois, a partir dos ¿retratos populares¿ de Guignard, verifica como a sua produção se posiciona em relação à proposta de construção da identidade brasílica, investigando o desenvolvimento das idéias nacionalistas em Mário de Andrade e suas opções artísticas como crítico de arte e, principalmente, observando a sua recepção à obra de Guignard. Encontra-se também o posicionamento da crítica brasileira dos anos 80 e 90, que impôs novos parâmetros com a revisão do modernismo e buscou recolocar a obra de Guignard a partir de outros critérios valorativos, os quais, em grande parte, são emprestados de modelos utilizados para demarcar os limites estéticos das vanguardas européias e norte-americana que, confrontados à pintura de Guignard, revelam-se inadequados, ao menos quando entendidos como unívocos. As ¿paisagens¿ são, dessa forma, indicadas como a parte da produção do artista onde se dá o encontro das chaves interpretativas mencionadas, suas soluções plásticas em conluio com o pensamento estético e as tensões ideológicas. A ¿paisagem¿ constitui-se como um tema onde tem lugar a continuidade de uma caracterização nacional, numa elaboração de espacialidade específica, inerente à sua pintura. Visando investigar essas afirmações, há um capítulo especialmente dedicado à análise do conteúdo plástico no desenvolvimento das paisagens de Guignard, a partir de suas ¿vistas¿ e o processo de elaboração de suas características espaciais: enquadramento, posicionamento do espectador à distância e deslocamento da profundidade em planos paralelos. Por fim, a pesquisa apresenta o processo de imaginação da paisagem, base de constituição da poética de Guignard: no cruzamento de uma espacialidade que tende cada vez mais à verticalização dentro do plano pictórico e um universo temático derivado da busca pela identidade brasílica. Processo esse que se desdobra invertendo a direção do olhar, interiorizando os conteúdos e produzindo cenários da intimidade
Abstract: The work analyzes the ¿imaginary landscapes¿ of Alberto da Veiga Guignard, examining their importance from the nineties on, and mainly in the context of his production. The proposal is to understand his works as a whole in their plastic and contextual qualities, dialoguing with the observations of the time and the most recent critic. Thus, the present thesis begins with a panorama of the intellectual context of Rio de Janeiro in the period when Guignard lived in this city (1929-1943), with a circle of writers orbiting around painter Ismael Nery and his influence on part of Guignard¿s production up to 1934, as well as, the theoretical, aesthetic and ideological concepts of the Brazilian Modernist Movement, in the debate of ideas exposed by Mário de Andrade, Oswald de Andrade and Graça Aranha and in the indications of possible plastic and thematic solutions for the visual arts. Then, from the ¿popular portraits¿ of Guignard, this thesis verifies how his production is positioned in relation to the proposal of construction of the ¿brasílica¿ identity, investigating the development of the nationalist ideas of Mário de Andrade and his artistic options as art critic and, mainly, observing his acceptance of the work of Guignard. It is also mentioned, the positioning of the Brazilian critic in the 80s and 90s, which imposed new parameters with the revision of the modernism and tried to contemplate the work of Guignard on basis of new criteria, that were borrowed from models used to demarcate the aesthetic limits of the European and North American vanguards, that when confronted with the painting of Guignard, proved to be inadequate, at least when understood as univocal. The ¿landscapes¿ are, in this way, described as the part of the artist's production where there is the encounter of the mentioned interpretative keys, their plastic solutions along with the aesthetic thought and the ideological tensions. The ¿landscape¿ is the constitution of a theme where there is room for continuity of a national characterization, in an elaboration of specific space approach, inherent to his painting. With the idea of investigating these statements, there is a chapter especially dedicated to the analysis of the plastic content in the development of the landscapes of Guignard, starting from his ¿views¿ and the process of elaboration of his space characteristics: framing, positioning of the spectator from the distance and displacement of the depth in parallel plans. Finally, the research presents the process of imagination of the landscape, base of Guignard¿s poetics: in the crossing of a space approach that tends more and more to the verticalism inside of the pictorial plan and a derived thematic universe of the search for the ¿brasílica¿ identity. A process that unfolds itself inverting the direction of the glance, internalizing the contents and producing sceneries of intimacy
Doutorado
Doutor em Artes
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Vieira, Elisa Martins Belém 1982. "Práticas para a plenitude do corpo : aproximações entre performance, autoria e cura." [s.n.], 2014. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285278.
Full textAbstract:
Orientador: Suzi Frankl SperberTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-25T10:19:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Vieira_ElisaMartinsBelem_D.pdf: 3916824 bytes, checksum: 1b1ed7ffc82cb16e0d9cd783654fae74 (MD5) Previous issue date: 2014
Resumo: Defende-se uma possível relação entre performance, autoria e cura. Para tanto, apresenta-se a trajetória e a análise de algumas obras dos criadores, respectivamente, das artes visuais, da dança, do teatro: Lygia Clark (BH, MG), Dudude Herrmann (BH, MG) e Enrique Diaz (RJ, RJ). A pesquisa mostrou que os trabalhos desses artistas apresentam um pensamento sobre a transformação da imagem corporal. A recriação de si, por meio da ação criativa, pode ser considerada em sua dimensão curativa. O conceito pulsão de ficção, de Sperber, pode auxiliar na verificação da hipótese. Sperber defende a existência dos chamados "universais" ou "saberes básicos": "Simbolização, efabulação e imaginário pertenceriam ao elemento comum ao ser humano de todas as culturas, em todos os tempos" (SPERBER, 2009, p. 98). Aquilo que está à "disposição de todo e qualquer ser humano"(SPERBER, 2009, p. 98) deve também ser despertado. Pois, como a autora mostra, desde tenra idade a criança tem necessidade de criar, a fim de elaborar emoções profundas e eventos vividos. A criação se dá por meio dos recursos que a criança tem, sejam a linguagem falada ou a encenação corporal. Essa inclinação ou necessidade de elaborar o evento vivido, por meio de uma criação ficcional, se repete em todas as idades do ser humano. Como uma ação de resistência e de procura pela transformação, seria preciso estimular, de forma irrestrita, a pulsão de ficção, por meio da autoria. Os trabalhos de Herrmann, Diaz e Clark, apresentam nas diferentes linguagens artísticas, aspectos autorais, além da valorização do potencial individual para a criação. Por meio das análises, são mostrados os aspectos singulares nas obras desses criadores e em seus trabalhos como pedagogos ou diretores. Mostram-se relações de similaridade e influência entre as obras daqueles artistas brasileiros com os princípios de trabalho do grupo Judson Dance Theater, da década de 1960, em Nova York, bem como seus desdobramentos como o sistema Viewpoints e Six Viewpoints
Abstract: I point out a possible relationship among performance, authorship and healing. For such a reason, I present the career and the analyses of works of art selected from creators of the art fields, respectively, from the visual arts, dance and theatre: Lygia Clark (BH, MG), Dudude Herrmann (BH, MG) e Enrique Diaz (RJ, RJ). The research showed that the works of those artists concerns about a transformation in the body¿s image. The act of recreating yourself, by the creative action, can be considered in its healing dimension. The concept pulse of fiction, by Sperber, can help to verify the hypothesis. Sperber points out the existence of the "universals" or the "basic knowledges": simbolization, efabulation and imagination. Those aspects that are "available to all and any human being" (SPERBER, 2009, p. 98) should be also awakened. As Sperber shows, since an early age the child feels that is necessary to create, in order to elaborate deep emotions and events experienced.The child evocates his or her own resources, such as the spoken language or body's performance, in the process of creation.This aptitude or necessity to elaborate the event experienced, by means of the fictional creation, is repeated in all ages of the human being. As an action to resist and looking for transformation, it would be necessary to stimulate, in an unrestricted way, the pulse of fiction, practicing authorship. The works of Herrmann, Diaz and Clark, shows in different artistic languages, authorial aspects, and also the value of the individual potential to creation. By means of analyses, some singular aspects of the works of those creators and theirs practices as teachers or directors are shown. The thesis shows relations of similarity and influence among the works of those Brazilian artists with some principles of work from the group Judson Dance Theater, of the 1960¿s, in New York, as well as other practices stimulated by this group such as Viewpoints and Six Viewpoints
Doutorado
Artes da Cena
Doutora em Artes da Cena
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Kiefer, Luciana Nunes. "A relação entre Música e Poesia nas canções para Voz Aguda e Piano de Bruno Kiefer/." São Paulo : [s.n.], 2007. http://hdl.handle.net/11449/95116.
Full textAbstract:
Orientador: Martha HerrBanca: Celso Loureiro Chaves
Banca: Giacomo Bartoloni
Resumo: Esta pesquisa aborda a íntegra das canções para voz aguda e piano do compositor Bruno Kiefer compostas em 1957/58 e 1978, sobre poesias de Mário Quintana, Fernando Pessoa, Lara de Lemos e José Santiago Naud. O foco deste trabalho consiste em fornecer subsídios para a performance das canões, oferecendo aos cantores informações sobre o modo como o compositor tratou a relação entre música e poesia nestas obras, dentro de uma perspectiva pós-moderna. Além do objetivo principal desta pesquisa, procuramos no decorrer do trabalho contextualizar o período de criação das canções que integram o corpus da pesquisa; conhecer os tipos de relações possíveis entre música e poesia, levantando questões teóricas, críticas e metodológicas a partir das idéias de músico, poeta e estudiosos do assunto; verificar a existência de gestos musicais e poéticos recorrentes e como eles se associam; identificar os processos de colocação de texto em música por Kiefer comuns às diferentes canções, num processo de autocitação, para conhecer o estilo do compositor. A coleta de dados para a contextualização de gênese das obras, focado na interação do compositor com o meio onde compunha, foi realizada por meio da pesquisa bibliográfica e documental. Procedimento adotado também na abordagem histórica do desenvolvimento da relação entre música e poesia, assim como de opiniões diversas sobre o temas incluindo as de Kiefer. O processo de análise lítero-musical flundamenta-se nas idéias de autores como Steim & Spillman e La Rue, considera os parâmetros que o próprio compositor registrou em seus estudos musicológicos e recorre ao conjunto de gestos identificados e nomeados por Cardassi.
Abstract: This study deals all the songs for high voice and piano bu the composer Bruno Kiefer composed in 1957/58and 1978,with texts by Mário Quintana, Fernando Pessoa, Lara de Lemos e José Santiago Naud. The focus of the study consists in providing linformation for the performance of these songs, principaly the manner in whichthe composer dealt with the relationship between music and poetry in these works, within a post modern perspective In addition to the principal objective of this study, we seek to put in context the period of composition of these songs; to discuss the possibile relationships between music and poetry, raising theoretical, critical and methodological question based on the ideas of musicians, poets and specialistas in the matter to verify the existence or musical and poetic gestures and how they ar associated; and to identify the composer's styles and methods of placling text in music, based on his own writings. The collection of information to contextualize creation of these works, cocussing on the interactio of the composer wlith the means of composition, is the result of bibliografic research and contact with personal documents of the composer. The same process was adopted in the historical treatment of the development of tlhe relationship betwenn mlusic and poetry and diverse opinions on the theme includling thos of Kiefer. The literary/musical analytical process is based on the ideas of authors such as Steim & Spillmanand La Rue and considers parameters which the composer registered lin his musicological studies using the set of gestures indentified and listed by Cardassi.
Mestre
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Costa, Matheus de Paula. "State of the art of money laundering and corruption mitigation : the example of brazilian compliance with international standards." Master's thesis, Instituto Superior de Economia e Gestão, 2020. http://hdl.handle.net/10400.5/20728.
Full textAbstract:
Mestrado em Economia Internacional e Estudos EuropeusO branqueamento de capitais e a corrupção estão profundamente ligados porque os rendimentos da corrupção devem ser branqueados e integrados no mercado. Estes crimes também têm uma dimensão internacional. Na ausência de cooperação e normas internacionais, o processo de luta contra o branqueamento de capitais e a mitigação da corrupção está em risco nas jurisdições nacionais. Esta tese apresenta o estado da arte neste domínio, nomeadamente, como as políticas anti-branqueamento de capitais podem prevenir a corrupção, com base no exemplo da jurisdição brasileira na sua aplicação de normas internacionais. O Brasil ganhou atenção com casos de corrupção como "Mensalão" ou "Lava Jato", que afetaram a forma como era percebida internacionalmente. Analisamos primeiro os conceitos e contextos de corrupção, branqueamento de capitais e conformidade. Analisamos também vários documentos referenciados como Convenções e as "Quarenta Recomendações", uma vez que se tratam de códigos internacionais para criminalizar o branqueamento de capitais. Estes documentos permitiram o desenvolvimento do anti-branqueamento de capitais numa lógica de conformidade. Depois, usamos o Brasil como um exemplo prático para ilustrar como os padrões podem ser implementados, bem como os desafios associados. Ao destacar a importância de uma cultura de conformidade, esta tese contribui para a compreensão de como as normas internacionais podem ajudar um país a superar a corrupção e explicar o que pode falhar no processo de mitigação em resultado de desafios políticos e sociais nacionais.
Money laundering and corruption are deeply connected because the proceeds from corruption must be laundered and integrated into the market. Those crimes also have an international dimension. In the absence of international cooperation and standards, the process of anti-money laundering and corruption mitigation is at risk in domestic jurisdictions. This thesis presents the state of the art in this field, namely, how anti-money laundering policies can prevent corruption, based on the example of Brazilian jurisdiction in its application of international standards. Brazil gained attention with corruption cases as "Mensalão" or "Lava Jato", which affected how it was perceived internationally. We first analyse the concepts and contexts of corruption, money laundering, and compliance. We also analyse several referenced documents as Conventions and the Forty recommendations as these are international codes to criminalize money laundering. These documents allowed the development of anti-money laundering in a logic of compliance. Then, we use Brazil as a practical example to illustrate how standards can be implemented, as well as the associated challenges. By highlighting importance of a culture of compliance, this thesis contributes to the understanding of how international standards can help a country overcome corruption and to explain what can fail in the process of mitigation as a result of national political and societal behavioural challenges.
info:eu-repo/semantics/publishedVersion
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D\'Avila, Patricia Miranda. "Primitivo, naïf, ingênuo: um estudo da recepção e notas para uma interpretação da pintura de Heitor dos Prazeres." Universidade de São Paulo, 2009. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-26102010-164133/.
Full textAbstract:
A proposta da pesquisa consistiu em analisar quatro assuntos pertinentes à compreensão da pintura de Heitor dos Prazeres. Em primeiro lugar, conhecer historicamente o ambiente no qual as obras foram criadas e a relação do artista com o universo do samba carioca, em segundo, recolher análises críticas que atestassem a recepção dessa produção, em terceiro, analisar resquícios ou elementos que comprovem a proximidade da invenção do artista em questão com referências ao imaginário de herança africana que adquiriu expressão no Brasil, definida usualmente como arte afro-brasileira e finalmente, uma análise crítica de algumas obras relevantes produzidas por Heitor, relacionando-as com a produção de arte brasileira contemporânea à do artista em discussão. Para alcançarmos nossos objetivos a contento, recorremos aos acervos da Fundação Bienal (Arquivo Wanda Svevo), do MAC-USP, do MAM SP, do Museu Afro-Brasil, de Heitor dos Prazeres Filho (que gentilmente concedeu-nos entrevista), do Museu da Imagem e do Som do Rio de Janeiro, do Museu Nacional de Belas Artes do Rio, do MAM RJ, do site porta-curtas da Petrobras que tem em seu acervo um valioso documentário com depoimento de Prazeres; além de toda a bibliografia a respeito da natureza de nosso estudo. O resultado é uma análise crítica em relação aos estereótipos relacionados à obra de Heitor, recorrente também em outros artistas de origem definida como popular.The objective of this research consisted in analysing four issues relevant to the comprehension of the painting of Heitor dos Prazeres.First, to know historically the environment where his works were created and the relation between the artist and the\"samba carioca\".Second, to collect critical analyses which proved the reception of his works of art.Third, to analyse traces or elements that could support the proximity of the invention of the artist with the imaginary of African heritage, which obtained great expression in Brazil and is usually defined as Afro-Brazilian art. Finally, a critical analysis of some important works produced by Heitor, associating them with the production of the Brazilian Art contemporaneous with the artist. To achieve our objectives successfully we used the collection of Fundação Bienal(File Wanda Svevo), the Contemporary Art Museum-USP(MAC), the Modern Art Museum of Sao Paulo(MAM SP), the Afro-Brazilian Museum, the Image and Sound Museum of Rio de Janeiro, the National Museum of Fine Arts of R. Janeiro, the Museum of Modern Art R. Janeiro, the \"site porta-curtas\" of Petrobras, which has a valuable documentary with an testimony given by Prazeres, the collection of Heitor dos Prazeres Filho(who kindly gave us an interview) and besides these, all the bibliography related to the nature of our study. The result is a critical analysis of the stereotypes related to Heitor dos Prazeres works, stereotypes that are also recurrent in the work of other artists whose origin is defined as popular.
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Souza, Vanessa Raquel Lambert de. "A supervivência das imagens : esculturas e marcas gráficas na arte afro-brasileira: experiências poéticas e conhecimento visual /." São Paulo, 2017. http://hdl.handle.net/11449/152160.
Full textAbstract:
Orientador: Percival TirapeliBanca: Alcindo Moreira Filho
Banca: Dilma Silva
Banca: Maria José Spiteri
Banca: Saloma Jovino Salomão
Resumo: Esta tese objetiva investigar diálogos com a ancestralidade e poiesis afro que integram produções modernas e contemporâneas em gravura e escultura produzidas no Brasil a partir do século XX. O conhecimento visual que aqui se construiu a partir dessas fontes será o motivo dessa investigação. Para esta pesquisa, tomo como ponto de partida poéticas visuais e padrões gráficos presentes em algumas expressões tradicionais africanas bi e tridimensionais, especialmente a escultura e a estampa. O recorte temporal contempla produções modernas e contemporâneas, na tentativa de identificar e refletir acerca de determinados processos de reconstrução de identidades artísticas brasileiras a partir de grafias afro. A identificação de elementos poéticos e gráficos remanescentes tanto na escultura quanto na gravura que se relacionam à cultura afro no Brasil e sua ancestralidade, seja como ponto de partida, seja como inspiração plástica e ou conceitual, bem como os modos de produção e fruição que envolvem tais expressões artísticas, constituem-se como bases estruturantes para reflexões sobre a produção artística desses autores.
Abstract: This thesis aims to investigate dialogues with African ancestry and its poiesis that integrate contemporary and modern engraving and sculpture produced in Brazil during the twentieth century. The visual knowledge that here is built from these sources will be the motivation for such investigations. For this research, I take a visual poetics starting point alongside graphic patterns present in both bi and three-dimensional traditional African expressions. The time frame includes modern and contemporary productions in an attempt to identify and reflect on certain reconstruction processes of Brazilian artistic identities from African design. The identification of poetic elements and remaining design, both in sculpture and in engravings that relate to African culture in Brazil and their ancestry, whether as a starting point or as plastic and or conceptual inspiration, as well as the production processes and art distribution that undermine such artistic expressions, constitute structural basis for reflection on the artistic production of these authors.
Doutor
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Neto, Hélio Santos Menezes. "Entre o visível e o oculto: a construção do conceito de arte afro-brasileira." Universidade de São Paulo, 2017. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8134/tde-07082018-164253/.
Full textAbstract:
Essa dissertação versa sobre a noção de arte afro-brasileira, tomando os principais estudos voltados à questão, exposições emblemáticas ao redor do tema e os contextos de fundação e expografia de duas instituições decisivas da área o Museu Afro-Brasileiro, em Salvador, e o Museu Afro Brasil, em São Paulo como meios privilegiados de acesso às disputas conceituais e políticas que a constituem. Subjaz ao entendimento geral do estudo que as dificuldades de conceituação dessa arte de muitos nomes negra, afrodescendente, afro-orientada, diaspórica, preta etc. e os distintos significados que lhe foram sendo atribuídos ao longo do século XX, se relacionam de maneira incerta, porém constante, com as ambiguidades que informam as relações raciais no Brasil. Os capítulos que compõem essa dissertação buscam se debruçar sobre esse mosaico de usos, interpretações e definições que dão corpo e sentido, ainda que instável, ao termo. Afinal, quando se faz ou se fala em arte afrobrasileira, do que se está falando e o que se está fazendo? Quando uma exposição ou museu são organizados em torno desse conceito, que critérios e entendimentos são por eles acionados e, por fim, também criados?privileged means to access the conceptual and political disputes that constitute it studies and emblematic exhibitions on the subject, and the contexts of creation and expography of two decisive institutions of the area, the Museu Afro-Brasileiro in Salvador and the Museu Afro Brasil in São Paulo. It underlies this study that the difficulties of conceptualizing this many named Art - black, Afro-descendent, Afrooriented, diasporic etc. - and the multiple meanings given to it along the 20th century are related in an uncertain but constant way to the ambiguities of racial relations in Brazil. The chapters of this dissertation seek to explore the multiple uses, interpretations and definitions that give body and meaning, albeit uncertain to this notion. After all, when Afro-Brazilian Art is produced or talked about, what exactly is being produced or talked about? When an exhibition or museum are organized around the subject, what understandings and criteria are being used and also created?
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Ribeiro, José Augusto Pereira. "Guignard e o ambiente artístico no Brasil nas décadas de 1930 e 1940." Universidade de São Paulo, 2009. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-25102010-172303/.
Full textAbstract:
A presente dissertação tem como objetivo analisar a obra de Alberto da Veiga Guignard (1896-1962), focalizando especialmente seu percurso nas décadas de 1930 e 1940, período em que ela constituiu alguns de seus aspectos poéticos decisivos um vocabulário lírico ligado ao prosaico e o apreço por uma pintura de superfície. O estudo busca mostrar como esses aspectos sobretudo o lirismo colhido a materiais humildes da vida cotidiana podem estar ligados à proximidade do pintor com os poetas Manuel Bandeira e Murilo Mendes e, de outro modo, também com a imaginação onírica do artista Ismael Nery, que de algum modo dialoga com as paisagens imaginárias que marcam tão fortemente a pintura de Guignard. A dissertação procurou discutir a obra do pintor no quadro do modernismo brasileiro, principalmente no que concerne à questão nacional-popular, presente na pintura de Guignard de modo muito mais sutil e refratado, conforme se argumenta, do que em muitos de seus contemporâneos da geração modernista dos anos 1930.The following essay has the objective of analyzing the work of Alberto da Veiga Guignard (1896 1962), especially focusing on his 1930s and 1940s trajectory, period on which his works most poetics aspects were constituted a lyric vocabulary linked to the prosaic and the esteem of the surface painting. The study searches how these aspects particularly the lyricism and the humble everyday life material can connect this painter to poets Manuel Bandeira and Murilo Mendes and, in another way, also with the imagination of the artist Ismael Nery, who, in some ways, dialogues with imaginary landscapes that strongly appear on Guignard. The dissertation discusses the work of this painter within the Brazilian Modernism, especially on what concerns the popularnational issues, present on Guignards paintings in a much more subtle and refracted way, as it is said, compared to his generations contemporaries Brazilian Modernists of the 1930s.
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Zago, Renata Cristina de Oliveira Maia 1981. "As Bienais Nacionais de São Paulo : 1970-76." [s.n.], 2013. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284529.
Full textAbstract:
Orientador: Maria de Fátima Morethy CoutoTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-23T17:34:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Zago_RenataCristinadeOliveiraMaia_D.pdf: 22348163 bytes, checksum: 3e5d8a54d2f96ebd289d3f3d9b1ccbb7 (MD5) Previous issue date: 2013
Resumo: A presente pesquisa de doutorado pretende analisar a função das Bienais Nacionais de São Paulo, que aconteceram entre os anos 1970 e 76, e entender a sua relevância no cenário artístico da época. Para isso, foi desenvolvida uma pesquisa pautada primordialmente em dados resgatados da documentação histórica gerada por esses eventos (incluindo-se aqui também os artigos de jornais publicados pela imprensa do período) e conservada no Arquivo Histórico Wanda Svevo da Fundação Bienal
Abstract: The purpose of this PhD research is to analyze the role of the "Bienais Nacionais de São Paulo", that happened between the years of 1970 and 1976, and to understand their importance in the art scene of the time. Therefore, we undertook a research guided primarily by the data recovered from the historical documentation engendered by these events (including the newspaper articles published by the press of the period) and preserved in the Wanda Svevo Historical Archives of the Art Biennial Foundation
Doutorado
Artes Visuais
Doutora em Artes Visuais
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Mendes, Talita 1985. "Rosângela Rennó = fotografia, deslocamentos e desaparição na arte contemporânea brasileira = Rosângela Rennó: photography, displacements and disappearance in brazilian contemporary art." [s.n.], 2014. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285257.
Full textAbstract:
Orientador: Maria de Fátima Morethy CoutoDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-24T11:13:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Mendes_Talita_M.pdf: 6181643 bytes, checksum: 13de2f327820836fe396de02355bc780 (MD5) Previous issue date: 2014
Resumo: Esta pesquisa tem por objeto a análise de três instalações realizadas pela artista brasileira Rosângela Rennó ¿ a saber: Imemorial (1994-1995), In Oblivionem (1994-1995) e Hipocampo (1995) ¿ com o propósito de compreender as investigações da artista em torno da imagem fotográfica e das implicações de seu uso no que concerne aos conceitos de memória, deslocamento e estética da desaparição na arte contemporânea. Além das citadas obras deve-se considerar, para efeito analítico, o work in progress da artista, seu Arquivo Universal (desde 1992), por se tratar de coleção pessoal de notícias de jornal que, frequentemente, é revisitada para a elaboração das obras. Fundamental para a pesquisa é a análise do posicionamento de Rennó enquanto colecionadora de ruínas (fotografias descartadas e outros resíduos culturais), de modo a problematizar a tensão existente entre duas formas de coleção que implicam maneiras diferentes de lidar com o tempo e a história: têm-se a dimensão singular e afetiva das coleções da artista como uma prática da memória ¿ fragmentária por excelência ¿ e a organização de suas instalações nos espaços destinados às exposições de arte (galerias e museus), em que prevalece o discurso pautado na linearidade histórica. O papel da artista, que é discutido na pesquisa, coincide, a meu ver, com o contratipo positivo do colecionador, definido por Walter Benjamin como aquele que descarta a função utilitária dos objetos ligando o ato de colecionar a uma percepção dialética do tempo, não linear. A este posicionamento da artista está associado o conceito de desaparição do teórico da cultura e urbanista Paul Virilio, importante para a análise das manipulações que Rosângela Rennó exerce nas imagens das quais se apropria
Abstract: In this research were analyzed three installations made by the Brazilian artist Rosângela Rennó ¿ Imemorial (1994-1995), In Oblivionem (1994-1995) and Hipocampo (1995) ¿ aiming to understand the artist's investigations about the photographic image and the implication of its uses when related to memory, displacement and aesthetics of disappearance concepts in contemporary art. Besides the mentioned works, the artist's work in progress Arquivo Universal (since 1992) is also considered in the analysis, once it consists in her personal collection of news articles which are usually consulted during the conception of her works. It¿s fundamental for this research the analysis of Rennó's position as a collector of ruins (wasted photos and other cultural remains) to problematize the tension between the two types of collection, which mean different ways to deal with time and history: there is the unique and affectionate dimension of the artist's collection as a memory practice ¿ fragmentary par excellence ¿ and the organization of her installations in spaces for art expositions (galleries and museums), where the historical linear discourse is predominant. The role of the artist, which is discussed during this research, coincides with the positive countertype of the collector, defined by Walter Benjamin as the one who discards the utility functions of the objects, connecting the action of collecting to a nonlinear dialectical perception of time. The artist's position is related to the disappearance concept thought by the cultural theorist and urbanist Paul Virilio, important for the analysis of the alterations Rosângela Rennó does in the images she appropriates
Mestrado
Artes Visuais
Mestra em Artes Visuais
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Freitas, Maria Marta van Langendonck Teixeira de. "A pintura religiosa de Fulvio Pennacchi (1930-1945)." [s.n.], 2013. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284537.
Full textAbstract:
Orientador: Jens Michael BaumgartenDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-23T13:03:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Freitas_MariaMartavanLangendonckTeixeirade_M.pdf: 5958095 bytes, checksum: 16e89c0e333446608616f3bfda4a5750 (MD5) Previous issue date: 2013
Resumo: O presente trabalho tem por objetivo analisar a pintura religiosa de Fulvio Pennacchi realizada entre os anos 1930 e 1945. Primeiramente, estudamos as pinturas religiosas propriamente ditas, realizando uma análise temática e formal. Diante desta análise, examinamos a inserção destas pinturas religiosas no contexto histórico, social e artístico da cidade de São Paulo à época de sua produção. O trabalho preocupa-se em aprofundar três questões principais: os temas religiosos abordados por Pennacchi; a influência do Trecento e do Quattrocento nas pinturas religiosas de Pennacchi; a presença das pinturas religiosas de Pennacchi nos anos 1930-1945 e no ambiente artístico paulistano desta época
Abstract: The purpose of the present work is to analyze the religious painting of Fulvio Pennacchi produced between the years 1930 and 1945. First, we analyze the religious paintings themselves, regarding their theme and form. Given this analysis, we examine the presence of these religious paintings in the historical, social and artistic context of the city of São Paulo at the time of their production. The work is concerned with three main issues: the religious themes addressed by Pennacchi; the influence of the Trecento and Quattrocento in Pennacchi's religious paintings; the presence of Pennacchi's religious paintings in the years 1930-1945 and in São Paulo's artistic context of these years
Mestrado
Artes Visuais
Mestra em Artes Visuais
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Virava, Thiago Gil de Oliveira. "Uma brecha para o surrealismo : percepções do movimento surrealista no Brasil entre as décadas de 1920 e 1940." Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-14112012-223853/.
Full textAbstract:
O objetivo deste trabalho é avaliar os diversos modos pelos quais o movimento surrealista foi percebido por artistas e escritores modernistas, entre as décadas de 1920 e 1940. Parte-se inicialmente da apresentação e discussão de documentos e bibliografia a respeito do discurso surrealista sobre arte e sua importância no contexto do movimento. Em seguida, com base em uma seleção de obras de artistas nacionais (Tarsila do Amaral, Cícero Dias, Ismael Nery, Jorge de Lima e Flávio de Carvalho), assim como de um conjunto de documentos (artigos, cartas, manifestos) produzidos no Brasil no período abordado, são analisadas as aproximações e distanciamentos entre os movimentos brasileiro e francês. Procurando evitar tanto um cotejamento mecânico, quanto a rotulação das obras analisadas como \"surrealistas\", empreende-se essa análise sem deixar de se discutir a inserção de cada artista no contexto dos debates artísticos e intelectuais nacionais do período. A partir dessa perspectiva metodológica, é possível observar como o eventual interesse de cada um pelo surrealismo surge mediado por outros, ligados àqueles debates. Desse modo, busca-se salientar a singularidade desse interesse e da forma objetiva que assumiu na produção de cada artista.This work intends to survey the different ways by which the surrealist movement was perceived by Brazilian modernist artists and writers, between the 1920s and 1940s. It starts with a presentation and discussion of documents and bibliography about the surrealist discourse on art and its relevance in the context of the movement. Afterwards, based on a selection of works by five Brazilian artists (Tarsila do Amaral, Cícero Dias, Ismael Nery, Jorge de Lima and Flávio de Carvalho) together with a set of documents (articles, letters, manifestoes) produced in Brazil during the period studied, it analyses the approaches and detachments between the Brazilian and French movements. In order to avoid either a simplistic confrontation or labeling the works discussed \"surrealists\", the analysis is made without putting aside a discussion about the insertion of each artist in the context of artistic and intellectual local debates in the period. From this methodological perspective, it is possible to observe how the potential interest in the surrealism expressed by each artist appears mediated by other interests, affined to those debates. Thereby it underlines the singularity of that interest and the objective form it has assumed in the production of each artist
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Cartus, Niels. "Olhares brasileiros judaicos: a presença do judaísmo na arte brasileira contemporânea." Universidade de São Paulo, 2006. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8152/tde-08052007-105116/.
Full textAbstract:
Olhares brasileiros judaicos: A presença do judaísmo na arte brasileira contemporânea pretende mostrar vestígios da cultura judaica na arte brasileira contemporânea. Os imigrantes judeus que chegaram ao Brasil no século XX trouxeram consigo, em sua maioria, um pensamento liberal do judaísmo que influenciou a relação com as artes plásticas dentro do judaísmo europeu. O presente trabalho parte da hipótese de que a aproximação do judaísmo e artes plásticas também teve continuidade no Brasil, uma vez que os judeus imigrantes vindos de Europa e as gerações seguintes conseguiram integrar-se com sucesso na sociedade brasileira. A questão central, portanto, é saber em que formas e conteúdos essa influência cultural se articula. É apresentada a primeira geração de artistas judeus no Brasil, que forneceu impulsos importantes para o desenvolvimento da arte moderna, tendo como pano de fundo a evolução cultural e artística do judaísmo e sua compreensão emancipada da proibição bíblica de representação de imagens. Porém, exceto por Lasar Segall, encontram-se marcas judaicas na arte brasileira apenas na segunda metade do século XX. Através da obra de quatro artistas judeus brasileiros escolhidos, cuja análise não pretende ser absolutamente completa e representativa, na parte central desta tese são constatados elementos de cultura judaica na criação artística que se fazem notar tanto sob o aspecto formal e de conteúdo quanto em posições éticas, religiosas dos artistas. Dali resulta uma forma híbrida de cultura ou identidade brasileira e judaica: olhares brasileiros judaicos. Do ponto de vista da metodologia são significativos, além das entrevistas realizadas com os artistas, os tratados científicos sob arte judaica e artistas judeus, que possibilitam uma contextualização global.Brazilian-Judeo Gazes: The presence of Judaism in contemporary Brazilian art attempts to identify vestiges of Hebrew culture in Brazilian contemporary art. Jewish immigrants to Brazil during the 20th century brought with them, largely, a liberal Jewish thinking which influenced the relationship of the plastic arts in European Judaism. This present work stems from the hypothesis that the approximation of Judaism and the plastic arts had continuity in Brazil, once the Jewish immigrants coming from Europe and subsequent generations were able to successfully integrate themselves into Brazilian society. The central question, therefore, is to know the forms and types of content this cultural influence articulated with. Within, we present the first generation of Jewish artists in Brazil who provided important impulses for the development of modern art, and which served as the underlying fabric for the Jewish cultural and artistry evolution with its emancipated understanding from the biblical prohibition on the representation of images. However, except for Lasar Segall, distinct Jewish hallmarks in Brazilian art make their appearance only at the second half of the 20-century. Through the work of four selected Brazilian-Judeo artists, whose analysis does not intend to be absolutely complete and representative, there is in the central part of this thesis, verifiable Jewish elements in the artistic creation which standout as much for their formal aspects and content as their ethical and religious positions of the artists. From there a hybrid form of the culture resulted or, Brazilian-Judeo identity: olhares brasileiros judaicos (Brazilian-Judeo Gazes). The methodological aspects of this study are significant, in addition to interviews conducted with the artists, there are scientific treatises about Jewish art and Jewish artists that allow for a global contextualization of the subject.
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Gonçalez, Tereza Cristina Bertoncini. "A imagem indecidivel : um vies sobre o papel da fotografia na arte contemporanea." [s.n.], 2006. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285004.
Full textAbstract:
Orientador: Roberto Berton de AngeloTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-10T07:35:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Goncalez_TerezaCristinaBertoncini_D.pdf: 10355619 bytes, checksum: a9ada583725c5f6e7ad591e830354767 (MD5) Previous issue date: 2006
Resumo: O objetivo central desta pesquisa está voltado para a observação da fotografia no campo da arte contemporânea sob o viés da indecidibilidade. A partir da reflexão sobre o phármakon, um dos indecidíveis pensados por Jacques Derrida, é que o caminho para esta análise é traçado, levando em consideração as mudanças operadas na sociedade atual, mais precisamente na arte contemporânea. Para atingir o objetivo proposto, ela examina aspectos das obras de cinco artistas brasileiros, que estão divididos em dois blocos distintos. No primeiro bloco, o enfoque é dado para os artistas que atuam na arte contemporânea como fotógrafos: Arthur Omar, Rosângela Rennó, Rochelle Costi e Rubens Mano. Com especial atenção, a obra de Carlos Fajardo, que compreende todo o segundo bloco, amplia essa discussão, colocando a apreciação da imagem fotográfica como um dos componentes integrantes da arte contemporânea
Abstract: The purpose of this work is to carry out a research on the photography role in the Contemporary Art through the bias of undecidability. The way to fulfill this study had its starting point on the word phármakon, considered one of the undecidables thought by Jacques Derrida, taking into account the changes which have taken place into the present day society, more precisely into the Contemporary Art. To achieve this research purpose, the work aspects of five Brazilian artists were analysed and put into two different parts. In the first part, the study is directed to the artists who have worked as photographers: Arthur Omar, Rosângela Rennó, Rochelle Costi e Rubens Mano. With especial treatment, the whole second part is dedicated to Carlos Fajardo's work which makes this discussion wider by considering the photographic image contemplation as one of the elements of which the Contemporary Art is consisted.
Doutorado
Multimeios
Doutor em Multimeios
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CARNEIRO, MARIO RUBENS DE OLIVEIRA. "THE COHORTS INFLUENCE S IN THE FORMATION OF PREFERENCE FOR CULTURAL PRODUCTS: A STUDY APPLIED TO IDOLS OF BRAZILIAN TV DRAMATIC ART." PONTIFÍCIA UNIVERSIDADE CATÓLICA DO RIO DE JANEIRO, 2005. http://www.maxwell.vrac.puc-rio.br/Busca_etds.php?strSecao=resultado&nrSeq=6759@1.
Full textAbstract:
COORDENAÇÃO DE APERFEIÇOAMENTO DO PESSOAL DE ENSINO SUPERIOREstudos a respeito dos efeitos de coortes sobre preferências por diversos produtos culturais levantaram evidências da existência de um período de maior sensibilidade na vida dos consumidores, no qual desenvolvem-se gostos levados por toda a vida. Estas conclusões oferecem a alternativa da segmentação por coortes, fornecem mais informações sobre comportamento dos consumidores, auxiliam na previsão de demandas e direcionam ações de marketing. No contexto brasileiro, nenhum produto cultural tem a abrangência, presença e relevância que os ídolos teledramatúrgicos têm sobre a população em geral. Num país com diferenças sócio-econômicas abissais entre classes, o veículo de distribuição cultural mais forte e democrático, por estar presente em todos os extratos sociais, é a televisão, que por sua vez tem como seu principal produto as novelas. Nada é mais popular na tv brasileira do que a teledramaturgia. O papel que esta desempenha através de seus artistas na vida social dos consumidores brasileiros é inegável, por invadirem consensualmente milhares de lares diariamente, os ídolos teledramatúrgicos possuem enorme apelo sobre seu público. Fato comprovado pelo grande número de endosso publicitário que realizam. Desta forma, esta pesquisa apresenta uma investigação empírica, onde homens e mulheres expressam suas preferências por ídolos masculinos e femininos da teledramaturgia brasileira, a fim de verificar se efeitos de coortes afetam tais preferências. Com isso, não só contribui-se para ampliar o escopo dos trabalhos já realizados nesta área, como também, através das conclusões apresentadas corroborando a teoria, pode-se fornecer subsídios aos profissionais de marketing para aumentar a eficácia de seus estímulos publicitários.
Studies about cohort effects on the preferences of many cultural products reveled evidences for the existence of more sensitive period on the consumer s life, when tastes are developed and carried for the whole life. These conclusions show the alternative of cohort segmentation, give more information about consumer behavior, help in forecast demands and guide marketing actions. In brazilian context, there isn t cultural product with the same size, presence and relevance that idols of tv dramatic art on the general population. In a country with huge social-economical differences between classes, the distribution cultural vehicle stronger and more democratical, because there are in every social class, is the television, which has like its principal product the soap operas. Nothing is more popular on the brazilian TV then dramatic art. The role that it plays through its artists on the social life of brazilian consumers is undeniable, by invade with permition million of houses every day the TV dramatic art idols have enormous appeal on their target. It can be proved by the big number of publicity indorsement they realize. So, this research shows an empirical investigation, in which men and woman express their preferences for male and female idols of brazilian TV dramatic art, to verify if cohort effects affects these preferences. In this way, not only contributes to enlarger the scopes of works already did in this area but too through the conclusions presented, which corroborate the theory, can give subsidies for marketing professionals to increase the efficacy of publicity stimulus.
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Souza, Vanessa Raquel Lambert de [UNESP]. "A supervivência das imagens: esculturas e marcas gráficas na arte afro-brasileira: experiências poéticas e conhecimento visual." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2017. http://hdl.handle.net/11449/152160.
Full textAbstract:
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Esta tese objetiva investigar diálogos com a ancestralidade e poiesis afro que integram produções modernas e contemporâneas em gravura e escultura produzidas no Brasil a partir do século XX. O conhecimento visual que aqui se construiu a partir dessas fontes será o motivo dessa investigação. Para esta pesquisa, tomo como ponto de partida poéticas visuais e padrões gráficos presentes em algumas expressões tradicionais africanas bi e tridimensionais, especialmente a escultura e a estampa. O recorte temporal contempla produções modernas e contemporâneas, na tentativa de identificar e refletir acerca de determinados processos de reconstrução de identidades artísticas brasileiras a partir de grafias afro. A identificação de elementos poéticos e gráficos remanescentes tanto na escultura quanto na gravura que se relacionam à cultura afro no Brasil e sua ancestralidade, seja como ponto de partida, seja como inspiração plástica e ou conceitual, bem como os modos de produção e fruição que envolvem tais expressões artísticas, constituem-se como bases estruturantes para reflexões sobre a produção artística desses autores.
This thesis aims to investigate dialogues with African ancestry and its poiesis that integrate contemporary and modern engraving and sculpture produced in Brazil during the twentieth century. The visual knowledge that here is built from these sources will be the motivation for such investigations. For this research, I take a visual poetics starting point alongside graphic patterns present in both bi and three-dimensional traditional African expressions. The time frame includes modern and contemporary productions in an attempt to identify and reflect on certain reconstruction processes of Brazilian artistic identities from African design. The identification of poetic elements and remaining design, both in sculpture and in engravings that relate to African culture in Brazil and their ancestry, whether as a starting point or as plastic and or conceptual inspiration, as well as the production processes and art distribution that undermine such artistic expressions, constitute structural basis for reflection on the artistic production of these authors.
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Santos, Renata Aparecida Felinto dos. "A construção da identidade afrodescendente por meio das artes visuais contemporâneas : estudos de produções e de poéticas /." São Paulo, 2016. http://hdl.handle.net/11449/150902.
Full textAbstract:
Orientador: Percival TirapeliBanca: Renata Bittencourt
Banca: Nelson Fernando Inocêncio
Banca: Wagner Leite Viana
Banca: José Leonardo do Nascimento
Resumo: Esta proposta de pesquisa de doutorado possui alguns pontos de investigação, sendo três deles os mais pertinentes. O primeiro é uma breve revisão da presença de artistas afrodescendentes na História da Arte do Brasil pretendendo tanto relembrar e revelar personagens quanto observar como as Artes Visuais produzidas por artistas afrodescendentes foram observadas, registradas e nomeadas ao longo dos séculos por pesquisadores, críticos e historiadores. O segundo propõe a reflexão acerca da transposição e do emprego do termo "afro-brasileiro" ou "afro-brasileira" dos Estados Unidos da América para o Brasil na área de Artes Visuais, com fins de categorização da produção de artistas afrodescendentes, que possuem ou não pesquisas temáticas, conceituais, estéticas e/ou poéticas voltadas às questões relacionadas à história do segmento afrodescendente da população. Por fim, o terceiro se presta a apresentar e a analisar as produções de artistas afrodescendentes brasileiros e estadunidenses que demonstraram interesse por elaborar obras cujas visualidades e estéticas estivessem em diálogo com as questões da diáspora africana ou mesmo, de forma simples, com suas origens africanas. A apresentação e análise dessas obras foram realizadas de forma cronológica observando-se as biografias, as formações, as temáticas e as pesquisas de interesses dos artistas selecionados, configurando, dessa forma, um corpus de artistas afrodescendentes cujo conjunto de atributos inerentes às suas obras constitui... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)
Abstract: This Ph.D. dissertation consists of a several points of investigations, with three main areas of inquiry being especially pertinent. The first is a brief review of the presence of Afro-descendent artists in the history of art in Brazil with the intention of both remembering and revealing people of this category. Moreover, I address how the visual arts produced by Afro-descendents were observed, registered, and documented over two decades by researchers, critics, and historians. The second inquiry proposes a reflection over the exportation and adoption of the term "afro-brazilian" from the United States of America to Brazil in the field of visual studies. The adoption of the terminology "afro-brazilian" has resulted in the categorization of work produced by Brazilians artists of afro-descent into a group based on a shared afro-descendent identity. Furthermore, "afro-brazilian" has been further used for the purposes of labeling thematic research, concepts, aesthetics and/or poetics surrounding the questions related to the history of the afro-descent population. Lastly, the third seeks to present and analyze the production of Brazilian and United States afro-descendent artists who demonstrate interest in creating works which visualize and dialogue with circumstances of the African diaspora or, simply, with their African roots. The presentation and analysis of these works were completed chronologically, with particular attention placed on observing the biographies, themes, and research interests of the selected artists. In this way, I have comprised a body of afro-descendent artists who, due to their related interests and artistic practice, construct an art genre of afro-Brazilians, afro-Americans, or even, African (Complete abstract click electronic access below)
Resumen: Esta investigación doctoral propuesto tiene algunos puntos de investigación, tres de los más relevantes. La primera es una breve reseña de la presencia de artistas de ascendencia africana en la historia de Brasil Arte intención de tanto recordar y revelan personajes y ver cómo se observaron, registran y nombrados durante siglos por los investigadores, críticos e historiadores de las artes visuales producidos por artistas afro-descendientes. La segunda propone una reflexión sobre la aplicación y el uso del término "afro-brasileña" o "afro-brasileña" de Estados Unidos a Brasil en el campo de las Artes Visuales, con fines de categorización de la producción de los artistas afrodescendientes que tienen o investigación no temático, conceptual, estética y / o poética centrada en temas relacionados con la historia del segmento de ascendencia africana de la población. Por último, la tercera se presta a presentar y analizar las producciones de los brasileños y los estadounidenses de artistas afrodescendientes que han mostrado interés en los trabajos elaborados cuyos artes y la estética visual eran en diálogo con los asuntos de la diáspora africana, o incluso, simplemente, con sus orígenes africanos . La presentación y el análisis de estas obras se llevaron a cabo observando cronológicamente las biografías, la capacitación, los temas y los intereses de investigación de los artistas seleccionados,estableciendo así un corpus de artistas de ascendencia africana cuyo conjunto de atributos inherentes a sus obras constituyen de un arte africano brasileño o africano-americano, o, lo que sería más interesante y relevante desde el punto de vista de la discusión iniciada aquí, el arte o afrodiaspórica ascendencia africana (Resumen completo clicar acceso eletrônico abajo)
Doutor
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Virava, Thiago Gil de Oliveira. "Um boxeur na arena: Oswald de Andrade e as artes visuais no Brasil (1915-1945)." Universidade de São Paulo, 2018. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-11092018-102002/.
Full textAbstract:
O presente estudo investiga a posição das artes visuais na experiência intelectual e criativa do poeta e escritor modernista Oswald de Andrade (1890-1954). São analisados não apenas seus textos sobre arte, mas também a presença das artes visuais nos livros de poesia Pau Brasil (1925) e Primeiro caderno do aluno de poesia Oswald de Andrade (1927), assim como nos romances Os Condenados (1922-1934) e Marco Zero (1943-1945). Também são discutidas as relações que o escritor manteve com artistas brasileiros e estrangeiros, além de sua participação em situações importantes envolvendo as artes visuais no país, como a Semana de Arte Moderna; a primeira exposição de Tarsila do Amaral no Brasil; o Clube dos Artistas Modernos; os Salões de Maio. A proposta é averiguar como Oswald de Andrade atuou em um período importante para a história da arte moderna no Brasil, especialmente na cidade de São Paulo, compreendendo as décadas de 1910 a 1940, que são as balizas cronológicas adotadas, tomando-se como referências o texto \"Em prol de uma pintura nacional\", publicado em 1915, e o romance Marco Zero II: Chão, publicado em 1945. Singulares do ponto de vista da escrita e das estratégias discursivas que mobilizam, os textos de Oswald de Andrade que discutem as artes visuais revelam um pensamento em constante movimento e atento ao que entendia serem as demandas de uma época de transformações e de luta pela construção de uma sociedade menos opressora, na qual as artes ocupavam posição estratégica. Com base na investigação desse material, defendese aqui que as artes visuais foram um elemento constitutivo de sua experiência intelectual e criativa, não ocupando uma posição secundária em relação à sua atuação como escritor, poeta e jornalista polemista.This study investigates the position of the visual arts within the intellectual and creative experience of Brazilian modernist writer and poet Oswald de Andrade (1890- 1954). It analyses not only his writings on art but also the presence of the visual arts in his poetry books Pau Brasil [Brazil Wood] (1925) and Primeiro caderno do aluno de poesia Oswald de Andrade [First notebook of the poetry student Oswald de Andrade] (1927), as well as in the novels Os Condenados [The Doomed] (1922- 1934) and Marco Zero [Ground Zero] (1943-1945). This work also discusses the relationships the writer had with Brazilian and foreign artists, as well as his participation in relevant situations involving the visual arts in Brazil, such as the Semana de Arte Moderna [Modern Art Week]; Tarsila do Amaral\'s first exhibition in Brazil; the Clube dos Artistas Modernos [Modern Art Club]; the Salões de Maio [May Salons]. The aim is to examine how Oswald de Andrade took part in an important period of the history of modern art in Brazil, especially at the city of São Paulo, from the 1910s to the 1940s, which are the chronological landmarks assumed here taking the article \"Em prol de uma pintura nacional\" [In favor of a national painting], published in 1915, and the novel Marco Zero II: Chão [Ground Zero II: Ground], published in 1945, as reference points. Remarkable both as style and discursive strategies, Oswald de Andrade\'s writings on art reveal a reflection in constant movement, but always attentive to what the author understood as the demands of a time of transformations and struggle for a less oppressive society, in which the arts had a strategic position. Based on the investigation of the abovementioned materials, this work argues that the visual arts did not occupy a secondary position in relation to Oswald de Andrade\'s activities as writer, poet and controversialist journalist. On the contrary, they were a constitutive element of his intellectual and creative experience.
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Maier, Tobias Caspar. "Uma história das procissões organizadas por artistas no Brasil e no contexto internacional (1931-2017)." Universidade de São Paulo, 2018. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27159/tde-20072018-113437/.
Full textAbstract:
A partir de uma analise da representação de procissões por artistas brasileiros em pinturas do século XX, a pesquisa analisa o desenvolvimento da organização de procissões por artistas em meio performático nos espaços públicos das cidades do Brasil e no mundo. Ao apresentar vários exemplos, o autor descreve as procissões organizadas por artistas como uma performance de resistência no Brasil em domínio público, antes, durante e após a ditadura militar. Ao traçar essa história por meio de exemplos cronologicamente expostos, e uma série de 25 entrevistas com artistas brasileiros e internacionais (transcritos no primeiro apêndice), a tese procurou demonstrar a grande variedade de temas e contextos que motivam artistas a organizar procissões e as formas que as performances podem tomar. O capítulo 3 analisa as possibilidades de participação do público nas procissões traçando comparações entre realidades brasileiras e internacionais com a recente teoria de estética relacional. O capítulo 4 introduz a variedade de documentação e elementos esculturais que surgem de eventos efêmeros e a sua apresentação em exposições. O capítulo 5 levanta questões a volta de tempo e agenciamento em projetos artísticos participativos, e assim torna-se evidente que as procissões e desfiles organizados por esses agentes culturais tentam manter seu potencial crítico, ao mesmo tempo que se tornaram um meio de apoio institucional. O segundo apêndice lista obras para uma possível exposição com vestígios, obras e documentos que resultam das procissões organizadas por artistas.Based on an analysis of the representation of processions by Brazilian artists in 20th century paintings, the research analyzes the development of processions organized by artists as performance in the public spaces of cities in Brazil and abroad. In presenting several examples, the author describes the processions organized by artists as a performance of resistance in Brazil in the public domain before, during and after the military dictatorship. In tracing this history through examples chronologically since 1931 and a series of 25 interviews with Brazilian and international artists (transcribed in the first appendix), the thesis seeks to demonstrate the wide variety of themes and contexts that motivate artists to organize processions and the forms these can take. Chapter 3 analyzes the possibilities of public participation in the processions drawing comparisons between Brazilian and international realities with the recent theory of relational aesthetics. Chapter 4 introduces the variety of documentation and sculptural elements that emerge from ephemeral events and their presentation in exhibitions. Chapter 5 raises questions about time and agency in participatory art projects, making it clear that the processions and parades organized by these cultural agents attempt to maintain their critical potential, while they have also become a means of institutional support. The second appendix lists works for a possible exhibition
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Santos, Bruna Amaro dos. "Museu-Terreiro: o sagrado afro-brasileiro em um ambiente museológico." Universidade de São Paulo, 2018. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/93/93131/tde-29112018-120713/.
Full textAbstract:
Este trabalho tem como objetivo, a partir das reflexões teóricas sobre arte e antropologia, realizar uma análise interpretativa sobre a construção e representação do sagrado afro-brasileiro em um dos núcleos expositivos do Museu Afro Brasil. A análise do ato expositivo e a pesquisa iconográfica em um dos núcleos do acervo permanente da instituição será utilizada como ponto de partida para pensarmos na presença do sagrado nesse ambiente, tendo como aspecto central de estudo a forma como se constrói e se manifesta o trabalho expográfico que fica a cargo, principalmente, do atual diretor e artista plástico Emanoel Araujo. Refletir sobre os artistas, objetos e símbolos presentes no núcleo Religiosidades Afro-brasileiras a partir de sua expografia nos ajudará a pontuar questões relevantes quanto aos fenômenos estético e religioso presentes em uma das categorias da arte afro-brasileira, assim como sobre as interpretações que se fazem desse encontro no espaço museológico pelos públicos que o frequentam, um campo ainda de abordagens latentes.This work aims, from the theoretical reflections on art and anthropology, to create an interpretative analysis on the construction and representation of the Afro-Brazilian sacredness in one of the exhibition sectors of the Afro Brazil Museum. The analysis of the exhibition act and the iconographic research in one of the permanent collections of the institution, will be used as a starting point to think about the presence of the sacred in this environment, having as a central aspect of the study the way in which the exhibition display is constructed and manifests itself as an outcome, mainly, of the current director and visual artist Emanoel Araujo. To think the artists, objects and symbols present in the Afro-Brazilian Religiosities sector from their exhibition display will help us to point out relevant questions about the aesthetic and religious phenomena present in one of the categories of Afro-Brazilian Art, as well as on the interpretations that are being made with the encounters in the museum space by the attending audience, a field of latent and possible approaches.
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Sans, Paulo de Tarso Cheida. "Trajetórias e vicinalidades = entre a gravura, o objeto e a instalação." [s.n.], 2009. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284482.
Full textAbstract:
Orientador: Luise WeissTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-18T07:35:11Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Sans_PaulodeTarsoCheida_D.pdf: 4836600 bytes, checksum: 0e77c3ef110589288a8abe105cf1b0df (MD5) Previous issue date: 2009
Resumo: Esta pesquisa em Arte é sobre a realização de uma produção artística que permeia a gravura, o objeto e a instalação. As obras foram criadas a partir da análise da produção do autor, verificando as principais características técnicas e elementos conceituais de suas obras mais recentes. Para embasamento dos processos criativos foram escolhidos quatro artistas contemporâneos brasileiros, Antonio Henrique Amaral, Arthur Bispo do Rosário, Luise Weiss e Rubem Valentim, que apresentam distintas temáticas que serviram como sintonia para a criação das obras híbridas realizadas pelo autor. As questões teóricas e processuais são estudadas, resultando numa análise reflexiva sobre a poética visual proposta
Abstract: This Art research is about the execution of an artistic production which approaches engraving, object and instalation. The artworks had been created from the analysis of the author's production, verifying the main technical characteristics and conceptual elements from his more recent artworks. As basis for the creative processes were chosen four Brazilian contemporary artists, Antonio Henrique Amaral, Arthur Bispo do Rosário, Luise Weiss and Rubem Valentim, who presents distinct thematics which had served as linking to the creation of the hybrid artworks carried through by the author. The theoretical and procedural questions are studied, as a result of a reflexive analysis about the poetic's visual proposed
Doutorado
Doutor em Artes
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Bertolossi, Leonardo Carvalho. "Arte enquadrada e gambiarra: identidade, circuito e mercado de arte no Brasil (anos 80 e 90)." Universidade de São Paulo, 2015. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8134/tde-06082015-133310/.
Full textAbstract:
Essa tese é uma etnografia das ideias, práticas, histórias, memórias, teorias nativas, conflitos, desigualdades, imaginações e experiências de artistas, críticos, curadores, galeristas e colecionadores brasileiros ao longo dos anos 80 e 90. Embora o escopo temporal e espacial oscile, ancoramo-nos nas cidades do Rio de Janeiro e de São Paulo, e na interseção entre o circuito e o mercado primário de arte contemporânea brasileira nestas décadas. O trabalho aborda diversos temas e problemas acessados através do meu campo em galerias, museus, bienais, bibliotecas, arquivos públicos e privados, cursos de história da arte e depoimentos. Dentre os objetos tangenciados, se destacou: o retorno internacional à pintura, a invenção da geração 80 e sua relação com o mercado; as exposições Primitivism in the Twentieth Century no MoMA, em Nova York, em 1984, e Magiciens de la Terre, no Centre Pompidou, na França, em 1989; a redescoberta do corpo, do eu e da narrativa nos anos 90; a arte abjeta e suas principais exposições internacionais; a Bienal de São Paulo Antropofágica de 1998; a internacionalização da arte brasileira na Europa, Estados Unidos e América Latina; a trajetória e as contendas entre diferentes gerações de galeristas no Brasil; a entrada do empresariado e dos bancos na política cultural; e, sobretudo o estatuto da arte brasileira e latino-americana diante da globalização. Desde a Escola Fluminense de Pintura, passando pelo Modernismo, pelo Neoconcretismo, pela Tropicália até o período em destaque neste trabalho, o sistema artístico brasileiro e seus personagens se questionaram sobre uma arte genuinamente brasileira. A antropofagia foi novamente mobilizada como alternativa às hierarquias de poder e imposições euro-americanas, sobretudo na Bienal Antropofágica de 1998. Mas quando todos são canibais, quem canibaliza quem? Oswald de Andrade ou Montaigne? Minha hipótese é a deformação da questão em direção à superação do problema da representação para o da presença, a partir da filosofia deleuziana sobre a experiência barroca. Superar a antropofagia em favor do barroco de modo a imaginar outro conceito de criação que conceba a invenção da diferença através de uma exterioridade em contínua descontinuidade, devires, dobra que se desdobra, antropofagia e regurgitofagia, dentro e fora, figura e fundo, interpretação e contrainterpretação, arte enquadrada e gambiarra.This thesis is an ethnography of the ideias, practices, histories, memories, native theories, conflicts, inequalities, imaginations and experiences of Brazilian artists, critics, curators, art dealers and art collectors throughout the 1980s and 90s. The temporal and spacial breadth covered oscillates; we have, however, decided to focus the cities of Rio de Janeiro and São Paulo, and the intersection between the contemporary art circuit and its market through fieldwork done in galleries, museums, bienals, libraries, public and private archives, courses on art history, and testimonials. Between the many objects described, an emphasis is made on the international return to painting; the invention of the 80s generation and its relations to the market; the exhibitions Primitivism in the Twentieth Century (MoMA, New York, 1984) and Magiciens de la Terre (Centre Pompidou, Paris, 1989); the rediscovery of body, self and narrative during the 1990s; abject art and its main international exhibitions; the Anthropophagic Bienal of São Paulo (1998); the internationalization of Brazilian art in Europe, United States and Latin America; the trajectories and quarrels between different generations of art dealers in Brazil; the introduction of the entreprenurial and financial classes into cultural policies; and, above all, the status of Brazilian and Latin American art in a globalized context. From the Fluminense school of painting, through Brazilian Modernism, Neoconcretism, Tropicália, to the period emphasized in this work, the Brazilian artistic system and its characters have put a genuinely Brazilian art into question. Anthropophagy has been newly engaged as an alternative to euro-american power hierarchies and impositions, especially in the Anthropophagic Bienal of 1998. Nevertheless, when everyone is a cannibal, who cannibalizes whom? Oswald de Andrade or Montaigne? My hypothesis is the deformation of that matter, overcoming the problem of representation towards that of the presence, drawing on the deleuzian philosophy of the baroque experiments. Overcoming anthropophagy in benefit of the baroque is a way of inventing a different concept of creation, one that conceives the invention of difference through an exteriority in continued discontinuity, becomings, foldings that unfold, anthropophagy and regurgitophagy, inside and outside, figure and ground, interpretation and counter interpretation, framed art, and improvisation.
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Passeau, Barbara Cristina de Campos Almeida. "Nhô Caboclo : um estudo de sua poética e das ausências na história da arte brasileira /." São Paulo, 2019. http://hdl.handle.net/11449/182460.
Full textAbstract:
Orientador(a): José Leonardo do NascimentoBanca: Agnus Valente
Banca: Mirian Celeste Ferreira Dias Martins
Resumo: A presente dissertação tem como objetivo específico fazer um estudo da obra do escultor pernambucano Nhô Caboclo, falecido em 1976, que trabalhou principalmente com talha em madeira. Seu objetivo mais amplo, no entanto, é contribuir para que a história da arte brasileira contemple as mais diversas narrativas que caracterizam a produção artística na contemporaneidade, à luz, principalmente, de conceitos como o de hibridação proposto por Nestor García Canclini (2015). A partir desse marco teórico, o trabalho pretende flexibilizar categorias artísticas estanques que prejudicam a compreensão da obra de arte contemporânea, como, por exemplo, as classificações näif, brüt, primitiva, folclórica e mesmo "popular", revisitando estudos anteriores sobre a sua inserção no circuito institucional. A partir disso, serão ainda estabelecidos diálogos com outros escultores pernambucanos que trabalharam ao longo do século XX, a fim de mapear a diversidade da produção e as relações que se estabeleceram no mundo da arte popular brasileira, termo emprestado tanto de Angela Mascelani (2009) quanto do conceito de Howard Becker (1982). Por fim, a partir dessa revisão bibliográfica, se dará o estudo das obras de Nhô Caboclo, aqui divididas em três grandes frentes criativas - a dos equilibristas, a dos torés e a dos barcos e a dos rachos - baseado tanto numa leitura crítica das esculturas encontradas quanto em uma entrevista com seu discípulo José Alves. A pesquisa pretende, em seu curso, debater os... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo)
Abstract: This master's dissertation aims, at first, at the artwork of the Brazilian sculptor Nhô Caboclo, who used to work with woodcarving until he passed away in 1976. Nevertheless, its broader aim is to contribute to the Brazilian art history and the diversity of narratives that constitutes it contemporaneously, having in mind, mainly, the concept of Hybrid Cultures by Nestor García Canclini (2015). From this theoretical framework, this study intends to flexibilize strict artistic categories that can harm one's comprehension of the contemporary artwork, such as näif, brüt, primitive, folk and even popular, reviewing previous studies about its insertion in the institutional circuit. Furthermore, dialogues with other Pernambuco sculputors that produced during the 20th century will be set in order to map the diversity of the production and the relationships that were built at the Brazilian Popular Art World, expression that can be both related to the concept of Howard Becker (1982) or Angela Mascelani (2009). Lastly, from this bibliografical review, Nhô Caboclo's artwork will be studied, divided here in three big work fronts - the "equilibristas", the "torés" and the "barcos" and "rachos" - based on a critical reading and on an interview with his disciple José Alves. This research aims, finally, to debate the canon established along the art history and, in that sense, value the diversity of our artistic manifestations
Mestre
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Silva, Rosângela de Jesus. "O Brasil de Angelo Agostini = Política e sociedade nas imagens de um artista (1864-1910)." [s.n.], 2010. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/280543.
Full textAbstract:
Orientador: Luciano MigliaccioTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas
Made available in DSpace on 2018-08-17T07:44:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_RosangeladeJesus_D.pdf: 63097274 bytes, checksum: 84af1c370116f80dd2d0aa92aa69e13e (MD5) Previous issue date: 2010
Resumo:Nos últimos anos o interesse pelo trabalho de Angelo Agostini vem crescendo, sobretudo no que tange a sua atuação política e abolicionista na imprensa oitocentista. No entanto os aspectos ligados a sua obra como pintor e crítico de arte são apenas brevemente mencionadas, mesmo estando estas em diálogo com seu entendimento político. Essa pesquisa constatou que as questões ligadas à arte tiveram um espaço relevante no trabalho jornalístico de Agostini, da mesma maneira que sua atividade como pintor, embora pouco mencionada, estaria presente em toda a sua vida profissional, além de ter precedido seu início na imprensa ilustrada brasileira. Observa-se um discurso de valorização da arte e do artista, considerados peças de grande importância na construção da nação bem como da aproximação do Brasil aos ideais civilizacionais europeus. Este estudo procura evidenciar o artista Angelo Agostini, pois acreditamos que sua formação artística fornece a base para as ilustrações dos periódicos com os quais colaborou, o que pode ser observado, por exemplo, na manipulação da linguagem pictórica. O trabalho gráfico aparece em diálogo, em diversos momentos, com suas criações plásticas, ambos reveladores de debates contemporâneos ao artista. Apresenta-se neste estudo a análise da prática artística de Angelo Agostini, bem como do discurso que a acompanha, empreendida tanto em seu trabalho gráfico quanto pictural.
Abstract:In the last years the interest for the work of Angelo Agostini is growing, overcoat as regards his political acting and abolition ideas in the press. However the connected aspects his work as painter and critic of art are mentioned only shortly, even being this in dialog with his political understanding. This inquiry noted that the questions connected with the art had a relevant space in the journalistic work of Agostini, of the same way that his activity like painter, though little mentioned, it would be present in his professional life, besides having preceded his beginning in the illustrated Brazilian press. There is observed a speech of increase in value of the art and of the artist, thought pieces of great importance in the construction of the nation as well as of the approximation of Brazil to the ideals European of civilization. This study tries to show the artist Angelo Agostini up, since we believe that his artistic formation supplies the base for the illustrations of the magazines with which it collaborated, which can be observed, for example, in the handling of the pictorial language. The graphic work appears in dialog, at several moments, with his plastic creations, both revealers of contemporary discussions to the artist. There shows up in this study the analysis of the artistic practice of Angelo Agostini.
Doutorado
Historia da Arte
Doutor em História
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Castrioto, Monica Maria Linhares. "Artes de Exu: intervenções artísticas e representações afro-brasileiras no Rio de Janeiro: Tridente de Ni e Exu dos Ventos." Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2010. http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=3404.
Full textAbstract:
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível SuperiorArtes de Exu trata os objetos de arte não só pelos aspectos artísticos e sociológicos, mas também pelos aspectos que ligam as obras a Exu, além do enunciado. Como coisa contida na concepção, na execução e imbricada na própria história da obra. As obras escolhidas são: Tridente de NI (2006) de Alexandre Vogler e Exu dos Ventos (1992), de Mario Cravo Júnior. As obras contêm conflitos que envolvem a mídia, religiosos e políticos. A partir de pesquisas etnográficas é feita uma análise dos olhares que se cruzam na construção dos sentidos na disputa pelo espaço simbólico, considerando ainda o trânsito percorrido pelas obras entre a oficina, o espaço de exposição e a rua. Pertence ainda ao corpo das análises as referências na mídia impressa, forma de veiculação das imagens, apropriações e discursos. As artes de Exu se evidenciam no desenrolar dessas tramas, conforme os objetos artísticos oferecem um lugar para pensar na conciliação entre diferentes: entre a cruz e o tridente, entre Cristo e Exu e entre cristãos e religiões de matriz africana
Artes de Exu deals with art objects not only by its artistic and sociological aspects, but also by the aspects that connect these works to the divinity Exu. As if something is contained in the conception, execution and within the history of these works. The chosen objects are: Alexandre Voglers Tridente de NI (2006) and Mario Cravo Juniors Exu dos Ventos (1992). These works brought conflicts involving press, religion and politics. From ethnographic researches its built an analysis of the different meanings that have been crossed in the construction of senses that struggle for the symbolic space, also considering the movement between street and gallery, performed by these works. Its also present in Artes de Exu the references collected from the printed press, the image circulation, appropriations and discourses. Some works of Exu appear themselves in the upbringing of these conflicts, as the referred art objects offer the condition to think about the conciliation between different aspects such as: the cross and the trident, Christ and Exu and Christians and African related religions
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Signorelli, Paula Rodrigues Alves. "O Panorama da Arte Brasileira do MAM SP: da formação de acervo aos projetos curatoriais." Universidade de São Paulo, 2018. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/93/93131/tde-29062018-103759/.
Full textAbstract:
Esta dissertação tem como objeto o programa de exposições intitulado Panorama da Arte Brasileira, criado pelo Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM SP) em 1969 após a transferência de seu acervo para a Universidade de São Paulo. O Panorama tinha como objetivo restabelecer a programação e, ao mesmo tempo, gerar um novo acervo para a instituição por meio da aquisição e da doação de obras a cada edição. A importância do Panorama para o reerguimento do museu e para a renovação de sua relação com o meio cultural justifica a pertinência deste estudo. Tomando como principal material de análise os textos curatoriais, discute-se como as premissas do programa, fundamentadas nos termos panorama, arte brasileira e atual, provocaram respostas distintas por parte dos curadores convidados ao longo dos anos. Parte-se da hipótese de que teria havido uma mudança de paradigma, iniciada em meados da década de 1990, que se consolidaria na virada dos anos 2000, quando o programa passa a ser curado por profissionais sem relação institucional com o MAM SP. A pesquisa aponta que ao longo desse período os discursos curatoriais tornaram-se autorreferentes e que a ideia de atual deixou de se relacionar aos trabalhos expostos e passou a materializar não só um pensamento crítico sobre eles, mas também uma reflexão mais ampla sobre a arte contemporânea brasileira e sua relação com a tradição modernista. Por fim, foi possível concluir que, a partir dos anos 2000, a problematização de uma espécie de mito de origem da arte contemporânea brasileira tornou-se recorrente no Panorama da Arte Brasileira e que os discursos curatoriais passaram a adotar o modernismo como o principal parâmetro para se pensar as características do que seria, ou no que se diferenciava, a arte nacional.The focus of this dissertation is the program of exhibitions entitled Panorama da Arte Brasileira (Panorama of Brazilian Art) created by the São Paulo Museum of Modern Art (MAM SP) in 1969, after its collection was transferred to the University of São Paulo. The objective of the Panorama was to reestablish the program and, at the same time, create a new collection for the institution through acquisitions and donations of works to each edition. The importance of the Panorama to the reemergence of the museum and the renewal of its relationship with the cultural milieu justifies the focus of this study. Analyzing primarily curatorial texts, the study discusses how the premises of the program, founded on the terms panorama, Brazilian art and current, resulted in different responses from the guest curators over the years. It is based on the theory that there has been a change in paradigm, which began in the mid-1990s, and consolidated at the turn of the millennium, when the program began to be curated without an institutional relationship with MAM SP. The study shows that over this period the curatorial discourse became increasingly self-referencing and that the idea of current was no longer related to the works on exhibit and began to manifest, not only critical thought about them, but also a broader reflection on contemporary Brazilian art and its relationship with the modernist tradition. Finally, it was possible to conclude that, starting in the 2000s, questions surrounding a myth of origin of Brazilian contemporary art became recurrent in the Panorama of Brazilian Art and that the curatorial discourse began to adopt Modernism as the main parameter when considering the characteristics of what is national art.
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Molina, Lucas Giehl. "O universal, o local e a memória cultural na obra de Pedro Weingärtner (1853-1929)." reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2014. http://hdl.handle.net/10183/103884.
Full textAbstract:
Pedro Weingärtner (1853-1929) foi um pintor brasileiro. Sua arte figurativa, realista e acadêmica retratou temas bastante diferentes: tanto paisagens e costumes de camponeses e imigrantes no jovem Rio Grande do Sul quanto a mitologia greco-romana, parte dos cânones temáticos da Europa no século XIX. O artista pintou do agricultor pobre ao presidente da província, havendo em sua arte diversa uma homogeneidade pictórica: o estilo acadêmico herdado do Velho Mundo e aprendido com o mestre William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) em Paris. Pedro Weingärtner viveu entre o Brasil e a Europa representando as diferenças entre os dois continentes. Como se articula essa complexidade da obra de Weingärtner entre o local e o universal? Qual é o peso da cultura europeia em sua arte como memória cultural, e o quanto dela também o artista produziu, principalmente em relação à figura do imigrante alemão? São essas as questões que esta dissertação procura responder.Pedro Weingärtner (1853-1929) was a Brazilian painter. His figurative, realistic and academic art portrayed rather different themes: landscapes and customs of peasants and immigrants in Rio Grande do Sul as well as Greco-Roman mythology, part of 19th century European canons. The artist painted from the poor farmer to the president of the province, having in his diverse art one homogeneous pictorial aspect: the academic style inherited from the Old World and learned from the master William-Adolphe Bouguereau (1825-1905) in Paris. Pedro Weingärtner lived between Brazil and Europe representing the differences between both continents. How is this complexity between local and universal articulated in his work? What is the weight of European art as cultural memory in his art, and how much of it did the artist produce himself, especially relative to the image of the German immigrant? These are the questions that this dissertation tries to answer.
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Regina, Gustavo Brocanello. "A máscara e o espelho: representações de masculinidades nos autorretratos acadêmicos brasileiros." Universidade de São Paulo, 2018. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/31/31131/tde-12122018-101951/.
Full textAbstract:
Esta dissertação tem por objetivo compreender as representações das masculinidades realizadas nas pinturas acadêmicas brasileiras entre os séculos XIX e XX. Buscou-se analisar a vida e obra do crítico de arte e escritor carioca Gonzaga Duque Estrada (1863-1911) para entender o cenário artístico brasileiro no qual as pinturas foram concebidas e como elas foram mediadas para o público. Também pretendeu-se examinar os autorretratos masculinos ao longo da história de modo a determinar uma bacia semântica comum nas representações e trazer a luz a dinâmica entre a percepção de si mesmo, a construção da imagem do homem com as vivências possíveis do gênero masculino. Neste sentido, a partir dos dados coletados, a pesquisa parte para o comentário dos autorretratos de pintores brasileiros, tais como Almeida Júnior (1876-1882) e Pedro Américo (1843-1905), em um esforço de investigar o quanto as pinturas selecionadas para este estudo estavam inseridas em um debate maior que buscava definir a identidade masculina.This dissertation intends to comprehend the representations of masculinities executed in Brazilian academic paintings between the 19th and 20th centuries. We sought to analyze the life and work of the art critic and writer Gonzaga Duque Estrada (1863-1911), native do Rio de Janeiro, in order do understand the Brazilian artistic scenario in which these paintings were conceived and how they were presented to the public. We also intended to examine the male self-portraits throughout history so that the research could determine a common semantic source in these representations and bring into light the dynamics between the perception of oneself, the construction of the image of man with the possible experiences of the male gender. In this sense, based on collected data, the research comments the self-portraits of Brazilian painters, such as Almeida Júnior (1876-1882) and Pedro Américo (1843-1905), in an attempt to investigate how much the paintings selected for this study were part of a bigger debate that sought to define masculine identity.
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Cecilio, Handel 1963. "A arte organística nos Mosteiros Beneditinos do Brasil Colonial e Imperial : seus órgãos, organistas e organeiros." [s.n.], 2014. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/285260.
Full textAbstract:
Orientador: Helena JankTese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
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Resumo: O órgão de tubos, mesmo não tendo sua gênese dentro do ambiente eclesiástico, foi pela Igreja Cristã adotado e convertido em um instrumento litúrgico por excelência, tendo sido consagrado no século XVI pelo Concilio de Trento. Neste ambiente, foi possível ao órgão ter seu desenvolvimento técnico de construção, e a ampliação de seus recursos e de variedades tímbricas. A arte organística brasileira, com raízes na escola de organaria ibérica, teve início no século XVI, sendo mantida a tradição organística ao longo dos séculos seguintes. A princípio foram usados pequenos órgãos positivos de mesa e órgãos realejos vindos de Portugal. Posteriormente, no século XVIII, a Coroa Portuguesa supre as catedrais e igrejas brasílicas com grandes órgãos fixos. Ainda neste mesmo século, os órgãos começam a ser construídos in loco, quando ocorre a gênese da organaria brasileira. Considerando-se o desaparecimento da grande maioria dos órgãos de tubos dos períodos colonial e imperial brasileiro, através de um levantamento histórico documental se tornou possível um resgate destes instrumentos. Diversos documentos eclesiásticos registraram compras de órgãos de tubos, gastos com assentos e manutenção desse instrumentos, como também pagamentos aos organistas. Os cronistas de época e os diários de viajantes, como fontes de dados, citam o uso destes instrumentos. A arte organística da Ordem de São Bento se manifesta através de seus órgãos adquiridos, de seus monges organistas e organeiros. Os mosteiros beneditinos portugueses e brasileiros adotaram o órgão de tubos como o instrumento de seus Ofícios Divinos, mantendo essa tradição até os dias atuais. Objetivando resgatar a arte e a tradição organística colonial e imperial brasileira, levantou-se, por meio de registros documentais e de crônicas de época, os órgãos, organistas e organeiros, em uma abordagem detalhada, concisa e objetiva
Abstract: The pipe organ, while not having its genesis within the church environment, was adopted by the Christian Church and converted into a liturgical instrument par excellence, having been consecrated in the sixteenth century by the Council of Trent. In this environment, it was possible to have and this tradition body building technical development, and expansion of its resources and timbral variety. The Brazilian organ-related art, with roots in the school of Iberian organ building, began in the sixteenth century, the organ-related tradition was maintained throughout the following centuries. At first, small positive organs table and realejos organs coming of Portugal were used. Later, in the eighteenth century, the Portuguese Crown meets the Brazilian cathedrals and churches with large fixed pipe organs. Also in this same century, the organs begin to be built in situ, occurring when the genesis of Brazilian organ building. Considering the disappearance of most pipe organs of colonial and Brazilian imperial periods, through a documentary historical survey became possible ransom these instruments. Various church documents recorded purchases of pipe organs, install and maintenance of this instruments, as well as payments to organists. The chroniclers of the time and the diaries of travelers, such as data sources, mentioning the use of these instruments. The organ-related art of the Order of Saint Benedict is manifested through acquired of their pipe organs, their organist monks and organ builders. The Portuguese and Brazilian Benedictine monasteries adopted the pipe organ as the instrument of his divine service, keeping this tradition to the present day. Aiming to rescue the organ-related art and colonial and Brazilian imperial tradition, rose through documentary records and chronicles of the time, the organs, organists and organ builders, in a detailed, concise and objective approach
Doutorado
Fundamentos Teoricos
Doutor em Música
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Kiefer, Luciana Nunes [UNESP]. "A relação entre Música e Poesia nas canções para Voz Aguda e Piano de Bruno Kiefer." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2007. http://hdl.handle.net/11449/95116.
Full textAbstract:
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Previous issue date: 2007-10-31Bitstream added on 2014-06-13T20:08:24Z : No. of bitstreams: 1
kiefer_ln_me_ia.pdf: 11249938 bytes, checksum: ff96663657331f37e03baf9804483c09 (MD5)Esta pesquisa aborda a íntegra das canções para voz aguda e piano do compositor Bruno Kiefer compostas em 1957/58 e 1978, sobre poesias de Mário Quintana, Fernando Pessoa, Lara de Lemos e José Santiago Naud. O foco deste trabalho consiste em fornecer subsídios para a performance das canões, oferecendo aos cantores informações sobre o modo como o compositor tratou a relação entre música e poesia nestas obras, dentro de uma perspectiva pós-moderna. Além do objetivo principal desta pesquisa, procuramos no decorrer do trabalho contextualizar o período de criação das canções que integram o corpus da pesquisa; conhecer os tipos de relações possíveis entre música e poesia, levantando questões teóricas, críticas e metodológicas a partir das idéias de músico, poeta e estudiosos do assunto; verificar a existência de gestos musicais e poéticos recorrentes e como eles se associam; identificar os processos de colocação de texto em música por Kiefer comuns às diferentes canções, num processo de autocitação, para conhecer o estilo do compositor. A coleta de dados para a contextualização de gênese das obras, focado na interação do compositor com o meio onde compunha, foi realizada por meio da pesquisa bibliográfica e documental. Procedimento adotado também na abordagem histórica do desenvolvimento da relação entre música e poesia, assim como de opiniões diversas sobre o temas incluindo as de Kiefer. O processo de análise lítero-musical flundamenta-se nas idéias de autores como Steim & Spillman e La Rue, considera os parâmetros que o próprio compositor registrou em seus estudos musicológicos e recorre ao conjunto de gestos identificados e nomeados por Cardassi.
This study deals all the songs for high voice and piano bu the composer Bruno Kiefer composed in 1957/58and 1978,with texts by Mário Quintana, Fernando Pessoa, Lara de Lemos e José Santiago Naud. The focus of the study consists in providing linformation for the performance of these songs, principaly the manner in whichthe composer dealt with the relationship between music and poetry in these works, within a post modern perspective In addition to the principal objective of this study, we seek to put in context the period of composition of these songs; to discuss the possibile relationships between music and poetry, raising theoretical, critical and methodological question based on the ideas of musicians, poets and specialistas in the matter to verify the existence or musical and poetic gestures and how they ar associated; and to identify the composer's styles and methods of placling text in music, based on his own writings. The collection of information to contextualize creation of these works, cocussing on the interactio of the composer wlith the means of composition, is the result of bibliografic research and contact with personal documents of the composer. The same process was adopted in the historical treatment of the development of tlhe relationship betwenn mlusic and poetry and diverse opinions on the theme includling thos of Kiefer. The literary/musical analytical process is based on the ideas of authors such as Steim & Spillmanand La Rue and considers parameters which the composer registered lin his musicological studies using the set of gestures indentified and listed by Cardassi.