Relevant bibliographies by topics / Camilleri charles

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  1. Journal articles
  2. Dissertations / Theses
  3. Books
  4. Book chapters

Academic literature on the topic 'Camilleri charles'

Author: Grafiati
Published: 4 June 2021
Last updated: 14 February 2022

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Journal articles on the topic "Camilleri charles"

1

WORTHINGTON, MARTIN. "On Names and Artistic Unity in the Standard Version of the Babylonian Gilgamesh Epic." Journal of the Royal Asiatic Society 21, no. 4 (October 2011): 403–20. http://dx.doi.org/10.1017/s1356186311000423.

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Abstract:
Great is the importance of names in literature. For modern audiences, good names are an important and enjoyable part of the experience of reading, and many authors have delighted their readers with new creations or especially apposite matches – one could cite examples as varied as J. K. Rowling (Malfoy, Dumbledore, Snape), Aldous Huxley (Tantamount, Burlap, Spandrill), Charles Dickens (Pickwick, Sweedlepipe, Honeythunder), Andrea Camilleri (Catarella, Montalbano, Boneti-Alderighi), or Franz Kafka (K.).
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2

Protheroe, Guy, and Charles Camilleri. "Soundscapes. The Maltese Composer Charles Camilleri, Now 60, Has a Special Place in World Music." Musical Times 133, no. 1790 (April 1992): 166. http://dx.doi.org/10.2307/965719.

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3

Towey, Francesca. "Léon Charles Albert Calmette and Jean-Marie Camille Guérin." Lancet Respiratory Medicine 3, no. 3 (March 2015): 186–87. http://dx.doi.org/10.1016/s2213-2600(15)00065-x.

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4

Kimelberg, Shelley McDonough. "Won’t You Be My Neighbor? Race Class, and Residence in Los Angeles by Camille Zubrinsky Charles." Journal of Urban Affairs 32, no. 5 (December 2010): 648–50. http://dx.doi.org/10.1111/j.1467-9906.2010.00529.x.

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5

Heil, Melissa. "Won’t you be my neighbor? Race, class, and residence in Los Angeles, by Camille Zubrinsky Charles." Urban Geography 36, no. 3 (January 26, 2015): 465–67. http://dx.doi.org/10.1080/02723638.2015.1005415.

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6

Profio, Alessandro. "Aïda’s French premiere at the Opéra in 1880." Studia Musicologica 52, no. 1-4 (March 1, 2011): 429–41. http://dx.doi.org/10.1556/smus.52.2011.1-4.30.

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Abstract:
Nine years after its creation in Cairo and eight after the European premiere at La Scala, Aida was produced at the Paris Opéra for the first time on 22 April 1880, in a French translation by Camille du Locle and Charles Nuitter. Verdi himself conducted the first performances. This significant derogation, that was refused to Wagner at the time of Tannhäuser (1861), was contrary to the performance traditions of the Opéra, and drew the attention of the habitués. The artistic ocurrence of the premiere became one of the more relevant society events of the year, and its political dimension determined the reception of the work. Verdi himself was conscious of the advantages and the disadvantages of this situation. He knew that he wouldn’t be able to refuse the proposition of the Opéra without causing a diplomatic incident. From the standpoint of the music, the critical reception, too, was oriented by political reflections about the “nation” and “national music.” The question, why did the Opéra open its doors to an Italian work, which kept distant from the French tradition, even though the original version had been translated and modified in some parts, emerged in a few writings. The paper will set the reception of the opera in an aesthetical context that the book by Gustave Bertrand, Les nationalités musicales étudiées dans le drame lyrique (Paris: Didier, 1872) had provided.
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7

HERZOG, DAGMAR. "ALL IS NOT SEXUALITY THAT LOOKS LIKE IT." Modern Intellectual History 17, no. 1 (April 10, 2018): 239–47. http://dx.doi.org/10.1017/s1479244318000112.

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Abstract:
I am grateful for the observations of these five wonderful and thought-provoking interlocutors: Camille Robcis, Todd Shepard, Suzanne Stewart-Steinberg, Regina Kunzel, and Michal Shapira. They have prompted me to read a whole range of clarifying texts—from Jacques Derrida's reflections on Friedrich Nietzsche to the work of classicist James Davidson on Michel Foucault and George Devereux (as well as more writings by Devereux) to historian Chris Waters's recovery of Edward Glover, and from literary scholar Shoshana Felman's brilliant Jacques Lacan-inspired rescue operation for psychoanalytic textual interpretation (in the special issue of Yale French Studies she edited in 1977) to Charles Shepherdson's turn-of-the-millennium revisionist take on Lacan and Foucault in Vital Signs. They have prompted me, too, to reconsider key texts by Sigmund Freud. And I am glad that the interlocutors challenge me with questions. These include: why the Left abandoned psychoanalysis (Robcis); how I have come to think about practices and desires and the relationships between “the sexual” and other realms of human existence (Shepard and Stewart-Steinberg, each in their own way); how a more integrated and comprehensive master narrative of psychoanalysis might be written, connecting the first and second halves of the twentieth century (Shapira); and how to delve more deeply into the role of analysands in shaping what counts as psychoanalysis (Kunzel).
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8

Verzosa, Noel. "Realism, Idealism and the French Reception of Hanslick." Nineteenth-Century Music Review 14, no. 1 (November 28, 2016): 51–64. http://dx.doi.org/10.1017/s1479409816000288.

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Abstract:
When Charles Bannelier’s French translation of Hanslick’s Vom Musikalisch-Schönen was published in 1877, it elicited discussions among French musicians and critics that can seem puzzling from our twenty-first century vantage point. The French were almost entirely ambivalent to the issue of descriptive versus non-programmatic music and were perfectly comfortable disregarding this seemingly central point of contention in Hanslick’s treatise. French critics focused instead on issues that seem tangential to the main thrust of Vom Musikalisch-Schönen: German music education, the merits of philosophy versus philology, and so forth.The French reception of Hanslick becomes less puzzling, however, when we consider the conceptual framework within which French musical discourse operated in the late nineteenth century. By 1877, musical aesthetics and criticism in France were an extension of broader trends in French intellectual culture, in which a materialist, realist view of the world vied with a metaphysical, idealist conception of the divine. Between these two ideological poles lay a rich spectrum of ideas that had profound ramifications for music and art criticism. The degree to which works of art could be understood as products of historical circumstances, for example, or whether art embodied ineffable meanings resisting explanation, were questions whose answers depended on one’s position along this realist–idealist spectrum.In this article, I show how this tension between realism and idealism formed the conceptual framework for French critics’ readings of Hanslick’s Vom Musikalisch-Schönen. I survey writings by Théodule Ribot, Jules Combarieu, Camille Bellaigue and others to show how this network of texts, when placed alongside each other, was effectively a manifestation of the realist–idealist spectrum. By putting these writings in conversation with each other, this article brings to light the intellectual premises of French writings on music in the nineteenth century. Only by understanding these premises, I argue, can we make sense of the French reception of Hanslick.
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9

Latif, Syahrul Akmal, and Yusri Herman. "ANALISA RUH PENDIDIKAN KARAKTER DALAM PENDIDIKAN NASIONAL (UNDANG-UNDANG 2003)." SISI LAIN REALITA 1, no. 1 (June 15, 2016): 90. http://dx.doi.org/10.25299/sisilainrealita.2016.vol1(1).1403.

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Abstract:
The issue of education is never over to talk about because education is one measurement of a person's individual accomplishments and achievements systematically nation. The high education of human resources will give a lot of useful works for the individual and social. Unfortunately, the education that was developed based on this character only strengthen individual and social, it’s beyond the divine value . It is due to the historical roots of the character education by Immanuel Kant (1724-1804) and Charles Renouvier (1815-1857); Religious morality in the low education and August Comter (1798- 1857); secular morality. Renouvier said the weakness of youth responsibility, loss of justice equality, respect and others. The process of character education is faced with the application of secularization. Such as, in France Francois Camille Jules Ferry (1832-1893) , a French Education minister said; Moral education is important but explicitely teaching morality does not needed. The development of character education in America is very dynamic. It’s started from 19th century (1900-1950) until 1997.It’s established nationally. Finally, Thomas lichona explained the entire role of religion in the education of character with seven steps and the role of teachers in character education. Thus, the author conducted religious analysis which widely spread among society is that the teaching of Protestant religious. But, It successfully gives individual and social value as character education. On the contrary, the goal of our national educational in 1945 (Version amendment) Article 31, paragraph 3 states: The Government shall manage and organize a national education system. Which increases the Faith and piety as well as noble character in order to educate the nation that adopted by law. Article 31, paragraph 5, states that the government advances science and technology to uphold the values of religious and national unity for the progress of civilization and prosperity of mankind. Likewise, the purpose of philosophy Nasionsl Education Act No. 20 of 2003. The 1945 Constitution and the Law N0 20 of 2003. Strongly reflects the value of belief in one God as the first principle of Pancasila as the first principle says it is an acknowledgment that in developing the nation's education should not be separated from human relations and slave relationship with God the creator.
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10

O’Connor, Carla. "The Source of the River: The Social Origins of Freshmen at America’s Selective Colleges and Universitiesby Massey S. Douglass, Camille Z. Charles, Garvey F. Lundy, and Mary J. Fischer. Princeton, NJ: Princeton University Press, 2003. 264 pp. $34.95 (cloth)." American Journal of Education 111, no. 2 (February 2005): 277–88. http://dx.doi.org/10.1086/426842.

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More sources

Dissertations / Theses on the topic "Camilleri charles"

1

Cassar, Mariella. "Creative responses to Maltese culture and identity : case study and portfolio of compositions." Thesis, University of Plymouth, 2014. http://hdl.handle.net/10026.1/3112.

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Abstract:
The aim of this thesis is to explore the relationship between place, identity and musical practice. The study is inspired by Malta’s history and culture. This work presents a portfolio of seven musical compositions with a written component that highlights the historical and socio-cultural issues that had a bearing on the works presented. A case study of the Maltese composer Charles Camilleri is also provided. Camilleri is both a great example of a composer for whom the articulation of national identity was a primary concern and a constant source of inspiration for the author of this thesis. The pieces presented here comprise compositions for chamber ensemble, works for orchestra and two electroacoustic pieces. These works were part of projects translated into performances and artistic installations. All of them have been carried out over the past six years and the majority have been developed through synergetic collaboration with other artists. The majority of the compositions have direct links with Maltese culture and the important events in its history. All the works presented in the portfolio are bound in separate volumes and reference is made to them in the critical commentary within the body of the thesis. A number of CDs and DVDs accompany this document with recordings and MIDI files of the selected compositions.
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2

Leightenheimer, Douglas Blair. "From Couperin to Vierne: Liturgical and Stylistic Connections between the French Baroque and French Romantic Organ Mass." Diss., The University of Arizona, 2016. http://hdl.handle.net/10150/613259.

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Abstract:
The alternatim practice is one of the oldest and longest observed liturgical practices in the French Catholic Church. With the gradual addition of the organ to the practice beginning in the fifteenth century, the organ came to play an important liturgical function that exists to this day. Organ improvisations in the liturgy gave rise to composed organ masses such as those of François Couperin (1668-1733). Composition of the Baroque organ mass continued through the Classical period and into the nineteenth century. Liturgical and musical changes through the decades of the nineteenth century, however, led to a gradual cessation of the composition of organ masses. These same changes gave birth to a new type of liturgical mass that, while not performed in the traditional alternatim style, displayed stylistic and liturgical influences from the Baroque organ masses of the preceding centuries. Messe, op. 4, of Camille Saint-Säens (1835-1921) was composed in 1856 in the midst of nineteenth-century changes and reforms. This mass is the pivotal event between the masses of the preceding generation and those that were to follow, notably those of Charles-Marie Widor (1844-1937) and Louis Vierne (1870-1937). Because the viva-voce presentation of this document featured a performance of Louis Vierne's Messe solennelle, op. 16 using a solo organ edition of the work, Appendix A includes considerations for the work as well as an overview of four solo editions.
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3

Sioc'Han, De Kersabiec Angélique. "Charles Van der Stappen, 1843-1910: un artiste-sculpteur de la fin de siècle et la renaissance de la sculpture en Belgique." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2013. http://hdl.handle.net/2013/ULB-DIPOT:oai:dipot.ulb.ac.be:2013/209498.

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Abstract:
À la fin du XIXe siècle, le sculpteur belge Charles Van der Stappen (1843-1910) est accueilli comme l’un des grands représentants de la sculpture aux expositions internationales de Paris, Amsterdam, Budapest, Dresde, Glasgow, Turin… ainsi qu’aux sécessions viennoises, berlinoises ou encore aux biennales de Venise. L’œuvre la plus connue de l’artiste, Le Sphinx mystérieux (buste chryséléphantin, Musées Royaux d’Art et d’Histoire, Bruxelles) est considéré comme une pièce phare de la sculpture symboliste et Art Nouveau. Pourtant, la production de l’artiste n’a jamais été étudiée dans son ensemble ni dans son évolution. Cette thèse se fixe donc comme objectif la redécouverte de l’œuvre de Van der Stappen en parallèle avec la réévaluation de son rôle dans l’évolution de la sculpture en Belgique au tournant de 1900. L’élaboration d’un catalogue raisonné reprenant ses statues, bustes, monuments, médailles et pièces d’art décoratifs, a été une première étape importante.

Au fil des critiques qui commentent son œuvre, Charles Van der Stappen apparaît comme l’un des initiateurs d’une « renaissance » des arts en Belgique. La récurrence de ce terme de renaissance appliqué à Van der Stappen, est importante dans la revue L’Art moderne, dès 1883, et dans plusieurs autres journaux et publications jusqu’à la mort de l’artiste en 1911. Le livre de Georges-Olivier Destrée portant le titre The Renaissance of Sculpture in Belgium (en 1895 et rééd. en 1905) présente ainsi en couverture une sculpture de l’artiste. Dès lors, cette affirmation de « renaissance », qui commença par la littérature pour s’étendre avec la génération de Van der Stappen à la sculpture et aux arts décoratifs, apparaît à la fois révélatrice et problématique. Révélatrice en ce qu’elle synthétise la volonté de renouveau du monde artistique belge dans le dernier quart du XIXe siècle, problématique quant à l’analyse du rôle du sculpteur Van der Stappen dans ce renouveau et quant aux sources et au sens de ce renouveau. Cette thèse se base sur l’idée que le renouveau artistique de la sculpture au tournant du XIXe et du XXe siècle en Belgique est porté par le concept de renaissance et ne peut être dissocié du modèle esthétique et intellectuel de la Renaissance comprise en tant que période historique. Le concept de renaissance se définie comme l’affirmation collective d’une volonté d’innovation dans de nombreux domaines, innovation basée sur la réactualisation d’un modèle du passé. En analysant la réception des modèles de la Renaissance sur l’évolution de l’œuvre et la carrière de Van der Stappen un découpage s’impose entre trois périodes :la redécouverte, l’émulation et la transformation créative.

La trajectoire spécifique de l’artiste, initialement nourrie de ses séjours en Italie qu’il entreprit dès 1873 et de sa participation à l’atelier Portaels, l’amène à se confronter à l’art de la Renaissance italienne, à sa littérature et à ses techniques. Cette comparaison avec le passé le guide, selon le modèle d’une « réversion », vers une recherche de spécificité nationale, une volonté de sortir des modèles académiques et des structures officielles ainsi que vers plus de naturalisme en sculpture. En ceci, Van der Stappen tient une place majeure dans le renouveau de cette époque car il se trouve au carrefour d’un réseau d’artistes et d’hommes influents cherchant de nouvelles voies pour l’art.

Cependant, Van der Stappen ne se laissa pas enfermer dans un mouvement néo-renaissance et réussit à puiser dans l’histoire de la Renaissance italienne le modèle même et les concepts d’un renouveau de la sculpture de style individuel en Belgique. Sa conception de la sculpture comme un art intellectuel, un art libéral, son ouverture à l’essor des arts décoratifs sont les bases d’un renouveau de la sculpture que Charles Van der Stappen met en place dès les années 1880 et qu’il enseigna dans son atelier et à l’Académie des Beaux-Arts de Bruxelles. Van der Stappen se fait dès lors artiste humaniste, puisant l’émulation dans les arts du passé, dans le décloisonnement entre beaux-arts, littérature et arts décoratifs. Au sein d’une nouvelle « République des Lettres », il pense la sculpture comme le « reflet d’une civilisation intellectuelle », selon son expression. Ses œuvres sculptées dialoguent dès lors avec les œuvres littéraires de ses amis Edmond Picard, Camille Lemonnier, Émile Verhaeren ou Stefan Zweig, avec l’art de Constantin Meunier ou Émile Claus et avec la musique de Vincent d’Indy, entre autres. L’instrumentalisation politique et artistique de la référence à une renaissance permet d’insérer Van der Stappen dans un vaste mouvement de renaissance des arts en Belgique qui commence par la rupture et par la voie d’une spécificité nationale :le naturalisme et l’idée.

Le renouvellement de la lecture de l’œuvre de Van der Stappen à l’aune de ce concept de renaissance explicite le passage subtil de ses œuvres du naturalisme au symbolisme. Sa technique basée sur la recherche du modelé plein, du volume étudié sous tous ses angles et du renouveau du relief, lui permet de créer des œuvres originales où la sculpture se fait composition symboliste de signes. Ainsi, nous avons abouti par nos recherches à une analyse inédite de la sculpture du Sphinx, œuvre majeure de l’artiste :depuis une figure issue du voyage de formation en Italie - La Florentine - jusqu’à la sculpture Art Nouveau, Le Sphinx mystérieux, ces bustes sont les variations de la représentation d’une seule et même idée. Les variations sculpturales de Van der Stappen sur le thème du sphinx s’imposent comme la représentation évolutive de l’inspiration, qui part de la tradition de la Renaissance et se déploie dans le mystère d’une représentation symboliste de la création artistique. Cette évolution constitue la contribution la plus originale de Van der Stappen à la sculpture du XIXe siècle. Ce même concept de renouveau est à confronter avec celui qui conduisit à l’éclosion de l’Art nouveau. La spécificité de l’œuvre de Charles Van der Stappen, est d’avoir surpassé les modèles de la Renaissance italienne et de l’humanisme en les adaptant à la société de son temps. Les deux derniers projets de monuments, au Travail et à l’Infinie Bonté, sont les exemples commentés de cette relecture renaissante. De nouveaux documents non analysés jusqu’ici et la mise en parallèle avec l’« art social » développé par Edmond Picard et avec la poésie d’Émile Verhaeren, permettent de donner une explication sur leur longue conception. L'étude des apports de Van der Stappen à l'art de son temps dans le contexte du Bruxelles fin de siècle, a servi à délimiter certaines caractéristiques du symbolisme sculptural qui tiennent pour cet artiste à un processus de synthèse :au niveau de la narration, il procède à une fusion des éléments symboliques, dans sa conception de la sculpture, il réunit l’art de la ligne avec celui du relief. Van der Stappen développe ainsi une sculpture du silence qui « parle » par ses propres moyens, ceux d’un déploiement de l’idée dans l’espace.

Via l’œuvre et l’enseignement de Van der Stappen, l’art de la sculpture, à partir des années 1890, s’est orienté vers un art plus personnel. L’étude directe de la nature, l’importance de la ligne dans la composition, la volonté d’instiller l’art dans tout, l’introspection des figures modelées, la représentation de l’idée selon des termes propres à la sculpture, sont les indices d’une recherche propre à Van der Stappen et plus largement d’une renaissance de la sculpture spécifique à la Belgique. La volonté de renouveau des arts à la fin du XIXe siècle et de l’intégration spécifique de la sculpture dans ce processus sont des clefs pour comprendre la sculpture de Van der Stappen et la replacer dans son temps. Van der Stappen reprend à son compte point par point la stratégie de l’artiste de la Renaissance pour s’affirmer dans son temps. Cette stratégie est tout autant individuelle que collective et c’est pourquoi nous avons souligné les liens réciproques entre le sculpteur et les personnages clefs de la fin de siècle à Bruxelles qu’étaient Edmond Picard, Octave Maus, Émile Verhaeren, Camille Lemonnier ou encore Constantin Meunier. Notre doctorat, consacré à l’œuvre de Van der Stappen, apporte donc de nouveaux éléments à l’étude des arts à la fin de siècle et souligne la place, auparavant sous-évaluée, de la sculpture dans la renaissance qui eut lieu dans le dernier quart du XIXe siècle en Belgique.


Doctorat en Histoire, art et archéologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished

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4

Fondacaro, Giuseppe. "Poème en prose et conte poétique dans La Jeune Belgique (1881-1897) et La Wallonie (1886-1892)." Doctoral thesis, Universite Libre de Bruxelles, 2018. https://dipot.ulb.ac.be/dspace/bitstream/2013/275787/3/tesi.pdf.

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Abstract:
L’objectif principal de cette thèse a été d’expliquer les raisons du succès du poème en prose dans les revues littéraires belges du dernier quart du XIXe siècle ;en particulier, nous nous sommes penchés sur les périodiques les plus prestigieux de la période :La Jeune Belgique (1881-1897) et La Wallonie (1886-1892).La première partie du travail a été consacrée aux difficultés relatives à la délimitation du corpus en question. Sous ce nom, les auteurs de l’époque ont fait paraitre des œuvres très dissemblables et la critique académique qui s’est penchée sur la question n’est jamais parvenue à fournir une définition cohérente du genre. Nous avons mis en évidence surtout comment il n’existe aucune solution de continuité entre le poème en prose et ce que Bertrand Vibert a appelé dans ses études « le conte poétique » symboliste.La deuxième partie de la recherche s’est alors portée sur la délimitation du corpus et sur la description des formes, des thèmes et des motifs les plus récurrents. Les principaux auteurs dont nous nous sommes occupés sont Hector Chainaye (1865-1913), Charles Delchevalerie (1872-1950), O. G. Destrée (1867-1919), Jules Destrée (1863-1936), Maurice des Ombiaux (1868-1943), Arnold Goffin (1863-1934), Charles Van Lerberghe (1861-1907) et Émile Verhaeren (1855-1916). Dans la partie finale, nous avons vu pour quelles raisons ce genre a été aussi souvent pratiqué par des écrivains fraichement entrés en littérature ;accepté tant par les Parnassiens qui occupaient à l’époque le pôle dominant du champ littéraire, tant par l’avant-garde symboliste, le poème en prose apparaissait comme le choix stratégiquement le plus sûr pour parvenir à la consécration. Nous verrons que ce genre ayant déjà « fait date », ce choix n’a pas été toujours payant.
Doctorat en Langues, lettres et traductologie
info:eu-repo/semantics/nonPublished
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5

Boulan, Muriel. "La Symphonie française entre 1830 et 1870." Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040107.

Full text
Abstract:
Lorsque l’on évoque la symphonie en France au milieu du XIXe siècle, on ne retient généralement que le nom de Berlioz et l’on insiste sur une désaffection du genre tant de la part des compositeurs que du public. Pourtant, malgré un recul des créations, malgré le défi posé par l’héritage beethovénien et alors même que le contexte musical favorise principalement la scène lyrique, une soixantaine de compositeurs continuent à s’intéresser au domaine exclusivement instrumental de la symphonie et assurent le maintien d’un genre entre 1830 et la génération franckiste. Au-delà de son aspect historique, cette thèse vise à cerner les caractéristiques stylistiques de tout un ensemble d’œuvres, à les situer dans l’évolution d’un genre en les analysant à la fois par rapport aux normes viennoises, aux productions contemporaines germaniques et aux avancées plus générales du langage. Après une première partie centrée sur le contexte musical qui a vu naître ces symphonies, les enjeux pédagogiques qu’elles suscitent et le rôle décisif des sociétés orchestrales, l’analyse entre au cœur des partitions dans une démarche comparative à la fois quantitative et qualitative, depuis l’agencement interne des plus petits éléments musicaux jusqu’à la réalisation de la grande forme. À travers l’observation des pratiques globales et individuelles qui concourent à une réévaluation des normes, à la refonte ponctuelle mais progressive des cadres, se dégagent l’autonomie d’un genre par rapport à son modèle germanique et la permanence d’une école symphonique française tout au long du XIXe siècle
When one deals with the symphony in mid-19th century France only the name of Berlioz comes to mind and one emphasizes a disaffection for the genre among composers as well as audiences. However, despite fewer creations, despite the awe-inspiring Beethovenian legacy and despite the overwhelming place held by the operatic scene during those decades, some sixty composers around Hector Berlioz still devoted themselves to the purely instrumental genre and achieved the development of the symphony between 1830 and the Franckist generation. Beyond its historical relevance, this doctoral dissertation aims at defining the stylistic features of a corpus of symphonic works and at placing them in the evolution of the genre by analyzing them in relation to Viennese standards, to contemporary Germanic productions and to the more general innovations in the musical language. After first focusing on the musical context in which these symphonies were composed, on the pedagogic stakes entailed and on the decisive role of orchestral societies, the analysis will then closely examine the scores in a quantitative and qualitative comparative approach moving from the internal construction of the smallest musical elements to the completion of the large form. The autonomy of a genre distinct from its Germanic model and the permanence of a French symphonic school throughout the 19th century will emerge thanks to the observation of collective and individual practices which contributed to a reassessment of norms, to a selective but gradual revision of musical forms
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6

Du, Plessis Charl Petrus. "Die solo-klavierwerke van Charles Camilleri (1931-) (Afrikaans)." Diss., 2003. http://hdl.handle.net/2263/28305.

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7

Hwang, Hyunyoung. "A musical discussion and analysis of romance sans paroles by three French composers : Charles-Francois Gounod, Camille Saint-Saens and Gabriel Faure." 2013. http://liblink.bsu.edu/uhtbin/catkey/1738934.

Full text
Abstract:
Contained in this study is a musical discussion and analysis of seven Romance Sans Paroles (song without words), written by three French composers, Charles-François Gounod, Camille Saint-Saëns, and Gabriel Fauré. The Romance Sans Parole genre seems to be quite unknown in the piano field; as a result, there are few secondary sources available. By immersing myself in these scores, I sought to discover their musical value and compositional nuance and excellence. I thoroughly investigated each composer’s unique treatment of melody, harmony, rhythm, texture, and form. Chapter One includes an Introduction, brief biographical information on each composer, the Need for the Study, the Purpose of the Study, a Review of Literature, and a Methodology. Chapters Two, Three, and Four consist of a musical analysis and discussion of the seven Romance Sans Paroles. Chapter Five offers a Conclusion and Suggestions for Further Study. I believe my dissertation will enhance the understanding and appreciation of this art form.
School of Music
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8

Chu, Sing-Ting, and 居昕庭. "The Analysis and Interpretation in Performance of the Sonata for Bassoon and piano op.168 by Charles Camille Saint-Saëns(1835-1921)." Thesis, 2019. http://ndltd.ncl.edu.tw/handle/ckbqg6.

Full text
Abstract:
碩士
東吳大學
音樂學系
107
Saint-Saëns, who was raised by his mother, has played a great musical talent since childhood. By emphasizing Beethoven and Classical Period works, he valued the stable harmony and the contradiction in compositions. Saint-Saëns pursued a pure musical style and perfect form throughout his life. Besides, Saint-Saëns was greatly influenced by his friend Liszt in composition. The multiple identities of Saint-Saëns also influenced his composition. In 1871, Saint-Saëns founded the "National Society of Music" to make it a spiritual symbol and learning index for the new generation of French composition, which influences on French music is indispensable. In 1891, he would like to compose a sonata for six wind instruments. However, Saint-Saëns has only completed three sonatas before his death, Sonata for Clarinet and Piano(Op.166), Sonata for Oboe and Piano(Op.167) and Sonata for Bassoon and Piano(Op.168). The study first focused on the personal life of Saint-Saëns and his composition. Secondly, the study gradually analyzed each movement. The last is the author’s interpretation as the conclusion of this study.
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9

WANG, LI-HSUAN, and 王儷璇. "The Analysis and Interpretation of Charles-Camille Saint-Saëns: Sonata No. 1 for Violoncello and Piano in c minor, op. 32/WANG, LI-HSUAN Cello Graduation Recital." Thesis, 2016. http://ndltd.ncl.edu.tw/handle/29w8tk.

Full text
Abstract:
碩士
東吳大學
音樂學系
104
An accomplished French musician, Charles-Camille Saint-Saëns, founded “Société Nationale de Musique” in 1871. He guided many a protégé to create French instrumental works. What’s more, the next year, Saint-Saëns wrote Sonata No. 1 for Violoncello and Piano in c minor, op. 32 was regarded as an important milestone in French cello work. Although this work belongs to the late 19th century of France, Saint-Saëns followed the compositional devices of Germany and Austria. Here we take this thesis as our research direction and discussion. This paper contains in-depth research on 19th century instrumental music development in France, then to Saint-Saëns’s life and the background and features of his work. Through analyzing and performing this work, provide rational interpretation.
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Books on the topic "Camilleri charles"

1

Vitoux, Frédéric. Charles et Camille: Roman. Paris: Editions du Seuil, 1992.

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2

Charles-Camille Saint-Saëns. Sprimont, Belgique: Mardaga, 2004.

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3

Charles et Camille: Roman. Paris: France loisirs, 1993.

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4

Annick, Houzé, ed. Neo-impressionist painters: A sourcebook on Georges Seurat, Camille Pissarro, Paul Signac, Théo Van Rysselberghe, Henri Edmond Cross, Charles Angrand, Maximilien Luce, and Albert Dubois-Pillet. Westport, Conn: Greenwood Press, 1999.

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5

Edwige, Sapienza, and Attard Joe, eds. Charles Camilleri: Portrait of a composer. Valletta, Malta: Said International, 1988.

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6

Vitoux. Charles Et Camille. Editions du Seuil, 1988.

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7

La Belgique fin de siècle: Georges Eekhoud, Camille Lemonnier, Maurice Maeterlinck, Georges Rodenbach, Charles Van Lerberghe, Emile Verhaeren : romans, nouvelles, théâtre. Bruxelles: Editions Complexe, 1997.

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8

Houze, Annick, and Russell T. Clement. Neo-Impressionist Painters: A Sourcebook on Georges Seurat, Camille Pissarro, Paul Signac, Theo Van Rysselberghe, Henri Edmond Cross, Charles Angrand, ... Dubois-Pillet (Art Reference Collection). Greenwood Press, 1999.

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Book chapters on the topic "Camilleri charles"

1

Groth, Renate. "Saint-Saëns, (Charles) Camille." In Komponisten Lexikon, 521–23. Stuttgart: J.B. Metzler, 2003. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-476-05274-2_263.

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2

Groth, Renate. "Saint-Saëns, (Charles) Camille." In Metzler Komponisten Lexikon, 663–64. Stuttgart: J.B. Metzler, 1992. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-476-03421-2_258.

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3

Nichols, Roger. "Charles Gounod." In Camille Saint-Saëns, 116–48. Oxford University Press, 2008. http://dx.doi.org/10.1093/acprof:oso/9780195320169.003.0020.

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4

"Maspero, Gaston Camille Charles (1846–1916)." In Encyclopedic Dictionary of Archaeology, 824–25. Cham: Springer International Publishing, 2021. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-030-58292-0_130216.

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5

Dickens, Charles. "To Camille Silvy, 5 May 1862." In The British Academy/The Pilgrim Edition of the Letters of Charles Dickens, Vol. 10: 1862–1864, edited by Graham Storey. Oxford University Press, 1998. http://dx.doi.org/10.1093/oseo/instance.00117957.

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6

Delage, Sandra. "Camille, reine des Volsques : le charme à la frontière des genres." In Le Charme de l’Antiquité à nos jours, 127–43. Presses Universitaires de Bordeaux, 2018. http://dx.doi.org/10.4000/books.pub.40474.

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7

Allen, Ray. "The Brooklyn Soca Connection." In Jump Up!, 143–88. Oxford University Press, 2019. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780190656843.003.0007.

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Abstract:
Chapter 6 focuses on the rise of Brooklyn soca (soul/calypso), beginning with the story of the early Bronx-based independent record company Camille Records, before shifting to the three most important Brooklyn-based labels: Straker’s Records, Charlie’s Records, and B’s Records. These Caribbean-owned businesses, along with a cadre of influential calypso/soca singers and the music arrangers with whom they collaborated, played a crucial role in the evolution of modern calypso and soca music during the 1970s and 1980s. Brooklyn’s Labor Day celebration had been dominated by calypso from its inception. Indeed, calypso and the new variant soca (soul/calypso) were essential hallmarks of the festivities. Equally important, and concurrent with the rise of Brooklyn Carnival in the 1970s, was the borough’s emergence as a vital transnational center for the recording and production of calypso and soca music.
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8

"Gane, Mike 77–80, 84, 98 Le Moyne, Gertrude 119 Gariépy, Renault 59 Lévesque, René 105–6 Garric, Daniel 5, 58, 62 Levin, Charles 2, 66 Gates, Bill 13 Lévi-Strauss, Claude 6, 19, 22–5 de Gaulle, Charles 46, 100 Lewis, Wyndham 55–6 Genosko, Gary 55, 67, 110 Libermann, Ben 84 Gheerbrand, Gilles 62 Lukács, Georg 113–15 Gibson, Steve 11 Lyotard, Jean-François 49–51, 69, 110 Giradin, Jean-Claude 81 Giscard d’Estaing, Valéry 46, 103 Gould, Glenn 10, 17 McLughan, William 53 Grant, George 70 McLuhan, Corinne 9 Grigg, Russell 54 McLuhan, Eric 9 Gritti, Jules 74–5 Mandel, Ernest 111 Grock, Adrian Wettach 36, 50 Marabini, Jean 5, 58–9 Guattari, Félix 7, 17, 48–50, 105, Marchand, Philip 15, 62 110–11 Marcotte, Gilles 58, 119 Mariet, François 61–2 Marx, Karl 24, 69, 111–16 Hall, Stuart 31 Matson, Raymer B. 104 Halley, Peter 3 Mattelart, Armand 45–6 Heath, Stephen 56 Mattelart, Michèle 45 Hjelmslev, Louis 48–50 Metz, Christian 50 Hoggart, Richard 6, 17, 31–4 Michelet, Jules 21 Holland, Eugene 55 Miller, Jonathan 28, 109 Hurtubise, Claude 5 Missika, Jean-Louis 47 Huyssen, Andreas 4, 13 Molinaro, Matie 9 Monnier-Raball, Jacques 72 Iannone, M. 13 Monroe, Marilyn 59 Ionesco, Eugène 30, 57 Morin, Edgar 41–2 Moriwaki, Hiroyuki 10 Jameson, Fredric 65, 112–14 Jarry, Alfred 55 Nadeau, Maurice 18 Namer, Gérard 44 Negri, Antonio 105 Kattan, Naïm 4–5, 18 Nixon, Richard 3 Kellner, Douglas 67, 77, 84–5, 98 de Kerckhove, Derrick 9–10, 14–15, 30–1, 35, 43, 87, 119–21 Ong, Walter J. 56 Klein, Calvin 65 Orlan 11 Knockaert, Yves 58 Kroker, Arthur 2–3, 8–9, 11–12, 22, Paglia, Camille 1 28–9, 64–70, 115 Paik, Nam June 10, 30 Kroker, Marilouise 11 Paré, Jean 5–6, 22, 92, 99–103, 105 Parker, Harley 34, 81, 118 Lacan, Jacques 7, 52–4, 56–7, 63 Pasolini, Pier Paolo 104 Languirand, Jacques 103 Passeron, Jean-Claude 17 Lanoux, Armand 58–9 Paterson, Nancy 10 Lazarsfeld, Paul 50 Pauwels, Louis 120–1." In McLuhan and Baudrillard, 145. Routledge, 2002. http://dx.doi.org/10.4324/9780203005217-15.

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