Academic literature on the topic 'Cartographie et art'

A travers l’étude des pratiques cartographiques des artistes, cette thèse s’intéresse à la cartographie sensible en tant que forme géographique actuelle d’une géographie du vécu. Cette thèse met en lumière l’émergence d’un nouveau mode cartographique : la cartographie pour tracer les expériences spatiales. L’introduction de la notation dans la cartographie donne lieu à de nouvelles modalités d’appréhension et de com-préhension en partant de l’enregistrement du vécu prenant en compte sa dimension sensible et cognitive. A travers une démarche de recherche-création avec les artistes à partir d’expérimentations partagées, cette thèse montre comment les artistes portent aujourd’hui une attention particulière à la cartographie privilégiant sa pratique dans leurs projets de création in situ. Cette cartographie contemporaine suscite des renouvellements tant géographiques que transversaux à l’art et la géographie, dans la mesure où la carte n’est plus un outil de visualisation de l’espace mais en elle-même, un dispositif d’expérience spatiale (dispositif cartographique) ouvrant vers une nouvelle géographie du vécu<br>No English summary available

Cette recherche montre une pluralisation de la cartographie de l’œuvre de Michaux. Les questions sont : comment Michaux a-t-il essayé de surmonter la coupure, symptomatique pour l’Occident (et non pour l’Orient), entre ce qui est écrit et ce qui est dessiné ? Qu’est-ce qui se passe entre les diverses zones de la création chez Michaux (celles de poèmes, celles des textes de composition différente, celles de peintures) ? Deux axes centraux de recherche se dessinent : 1/ le problème de l’auto-reconnaissance du soi et de l’auto-acceptation du soi et 2/ le problème de la communication par « gestes » et « signes ». Trois notions principales sont mises en reliefs : « signes », « gestes », « mouvements ». Etudiant le vocabulaire spécifique de Michaux, ainsi que ses tentatives pour créer les « formes » « en mouvement » nous examinons comment il a surmonté les ruptures dans le conflit entre l’individu et la société<br>This research has shown a pluralisation in the mapping out of the work by Michaux. The questions are: How has Michaux tried to mount the breaks which are symptomatic of the West, but non of the East, and between that which is written and that which is drawn? What is it that passes between the different zones of creation by Michaux (be it in his poems, in his texts of different subjects, in his paintings, or in his books)? Two central principles of his research are 1. Problems of his own auto-recognition and of his acceptance of himself, and 2. The problem of the communication by his gestures and the mouvements. Three main notions are clearly outlined: The sings, the gestures and the mouvements. Studying the vocabulary unique to Michaux, as well as examining his attempts to create “forms in movement”, we examine how he has overcome the ruptures in the conflict between the individual and the society

Intitulée L’oeuvre de la marche : créer dans les pas d’artistes flâneurs - Éléments théoriques pour une cartographie sonore et mouvante des espaces d’ambulation en expansion, notre recherche propose d’interroger la fécondité potentielle de pratiques artistiques plasticiennes qui font du corps actif en marche, l’élément moteur d’espaces de créations transversales à parcourir. Il s’agit d’examiner les enjeux théoriques de ces « dé-marches » artistiques, la marche constituant par excellence un mode de déplacement réputé pour sa lenteur, à une époque où la société impose un rythme accéléré et une occupation effervescente des territoires qui vont à l’encontre de telles pratiques. Notre recherche théorique s’adosse pour ce faire, à notre production artistique personnelle, et un travail de terrain nourri par des entretiens avec nombre d’artistes qui placent le déplacement au cœur de leur création. Selon nous, la représentation élaborée par nos sociétés occidentales concernant l'espace dans lequel nous évoluons a été jusqu’à présent principalement rétinienne mais se révèle de plus en plus définie dans sa dimension sonore. Aussi, proposons-nous d’évaluer sous cet angle, l'intérêt plastique de multiples espaces d’ambulation à travers des thématiques développées par l'acte créatif de la marche : créations paysagères, urbaines, mobiles, en réseaux, en archipels, ou constellations. Notre propos consiste à examiner les paysages dans leur dimension plastique sonore et visuelle et l’usage qu’en font les artistes, témoins sensibles d’une ère de la mobilité, pour construire un devenir des espaces d’ambulation sous forme d’utopies mobiles<br>Entitled The art of walking, creating in the footsteps of artist wanderers - Theoretical elements for sound mapping of moving and expanding ambulation spaces, our research proposes to examine the potential fertility of the practices of visual artists who actively use the body in walking as the motor element of transversal creations that can be explored. It examines the theoretical issues of this artistic practice, walking being a mode of travel known for its slowness, at a time when society imposes an accelerated pace and effervescent occupation of territories that go against such practices. Our theoretical research is backed by a personal artistic production, supported by conversations with many artists whose movement is the heart of their creation. In our view, the representation developed by Western societies of the space in which we operate has been so far mainly visual but proves to be more and more defined through its sound dimension. Therefore, we propose to evaluate through this perspective, the interest of many areas of artistic ambulation around themes developed by the creative act of walking: creative landscape, urbanism, mobility, networks, archipelagos or constellations. Our proposal is to examine the landscapes in their sound and visual dimensions and the way they are used by artists, sensitive witnesses of an era of mobility, to build future spaces of ambulation as mobile utopias

Une étude hodologique est menée sur la construction des voies maritimes au travers des outils et codes chromatiques utiles à la navigation. Cette analyse s'effectue à partir des phares et balises, de la carte marine, des cartes météorologiques des champs des vents et de l'état de la mer, ainsi que des nuages. Ces repères visuels permettent une oscillation entre le contexte nautique et celui de l'art par le détournement de leur langage pictural. Ce dernier met en scène la fantasmagorie de l'océan, par un jeu entre le titre et l'image, questionnant la lecture de l'oeuvre. Cette recherche est menée en lien avec mes expériences de navigatrice ouvrant un questionnement sur le sea-art, la flânerie en mer, l'artiste-navigateur.

Cette thèse n'explore pas ce qu'est le corps, mais ce qu'un corps peut devenir. Elle explore le corps comme un événement en train de se faire à travers les concepts tels que le Corps sans Organes (Antonin Artaud, Gilles Deleuze et Félix Guattari), le bodying (Erin Manning), le corps en train de se faire (Erin Manning) et le devenir (Gilles Deleuze et Félix Guattari). Ce que tous ces concepts ont en commun est l'état de devenir. Ici, le corps devient, et en tant que tel - c'est un verbe, une activité, une force. Cette thèse explore non seulement le corps comme une force de devenir, mais elle explore également le devenir de cette force - au niveau moléculaire, expérientiel et relationnel. Comme le dit Manning, un corps est toujours plus qu'un corps. Ici, nous essayons d'aborder les devenirs physiques, expérientiels et relationnels d'un corps en mouvement. Ce qui bouge le corps de l'état d'être vers l'état de devenir est le mouvement. Cette thèse tente de montrer comment le mouvement ne s'arrête jamais. Nous bougeons toujours, donc, il y a une continuité de devenir. Un corps n'est jamais uniquement une forme, il est une force-forme. Le mouvement est celui qui ouvre le corps vers son devenir de force(s). Un corps en mouvement n'est pas une forme d'expression, mais une force d'expressivité. Le mouvement fait le corps, par conséquent, le corps lui-même est un mouvement. Nous ne dansons pas avec le corps, nous dansons le corps lui-même. Le corps est une partition, un corps-partition, de son devenir<br>This thesis does not explore what body is, but what a body can become. It explores the body as event-in-making throughout the concepts such as Body without Organs (Antonin Artaud, Gilles Deleuze and Félix Guattari), bodying (Erin Manning), body-in-making (Erin Manning). What all of those concepts have in common is the same state - a state of becoming. Here, body becomes, and as such - it is a verb, an activity, a force. This thesis does not only explore the body as a force of becoming, but it also explores the becoming of that force - at the molecular, experiential and relational level. As Manning says, a body is always more-than one. Here, we are trying to approach the physical, experiential and relational becomings of a body in movement. That which moves the body from the state of being into the state of becoming is movement. This thesis is trying to show how movement never stops. We always move, therefore, there is a continuity of becoming. A body is never just a form, but a force-form. Movement is that which opens the body toward its becoming of force(s). A moving body is not a form of expression, but a force-field of expressivity. Movement makes the body, therefore, the body itself is a movement. We are not dancing with the body, we are dancing the body itself. The body is a score, a body-score, of its own becoming

A une époque où la profusion du réel, les échanges accélérés et l’investiture du numérique tiennent lieu de paradigmes, se pose la question de la représentabilité de ce qui semble continuellement se mouvoir, face à des pratiques ou des approches théoriques qui, traditionnellement, investissent le champ de l’immobile. Comment en cela montrer ce qui sans cesse se meut ? Qu’impliquent la nécessité de vivre et de penser le monde selon une relative adéquation ? Partant d’une notion de flux, nous nous acheminerons vers une certaine contemporanéité du monde actuel, interrogeant à partir d’artistes le lien que tissent l’esthétique et le contemporain. Dans un premier temps, l’actualisation de la notion de devenir nous permet de souligner le jeu des contradictions, propices à l’émergence du nouveau et de l’événement. En cela, ce que nous enseignent des artistes tels que Tacita Dean, Darren Almond ou Sam Taylor-Wood, est que le flux s’envisage telle une articulation mouvante, animant différents ordres de grandeur. Dans un second temps, est mise en place une approche cartographique, rendant compte de la reconfiguration des rapports de forces qui, en vertu de l’esprit des « multitudes », nous rappelle que le contemporain est praxis et production. Des artistes tels que Andreas Gursky, Thomas Hirschhorn ou Francis Alÿs nous aideront dans cette voie, insistant sur la dimension articulée, participative, interactive, et en définitive, fluide, de la construction du monde actuel. C’est ce qui nous conduit vers une troisième partie où, de l’esthétique du contemporain, nous aboutissons à un contemporain de l’esthétique, dans sa tension vers une « construction esthétique de la réalité »<br>In a period when the profusion of the reality, the accelerated exchanges and the nomination of the digital technology hold place of paradigms, arises the question of the “representability” of what constantly seems to move, in front of practices or theoretical approaches which, traditionally, invest the field of the immovable. How to show what ceaselessly moves? What involves the necessity of living and of thinking of the world according to a relative adequacy? Starting with a notion of flow, we shall move towards a certain contemporaneousness of the current world, questioning from artists the link that weave the aesthetics and the contemporary. At first, the updating of the notion of becoming allows us to underline the set of the contradictions, convenient to the emergence of the new and the event. In that, what teach us artists such as Tacita Dean, Darren Almond or Sam Taylor-Wood, is that the flow envisages such an unstable articulation, livening up various orders of height. Secondly, is organized a cartographic approach, reporting the reconfiguration of the balance of power which, by virtue of the spirit of the "multitudes", reminds us that the contemporary is praxis and production. Artists such as Andreas Gursky, Thomas Hirschhorn or Francis Alÿs will help us in this way, insisting on the articulated, participative, interactive and after all, fluid dimension, the construction of the current world. It is what what leads us towards the third part where, of the aesthetics of the contemporary, we end in a contemporary of the aesthetics, in its tension towards a " aesthetic construction of the reality "

Le Carré est une étoffe de soie imprimée par la maison Hermès depuis 1937. Son apparence simple recèle des processus techniques complexes. Dans un premier temps, il s’agit de cartographier le processus de création et de production de l’objet à partir des 1300 agents, humains et non-humains, préalablement recensés et géocodés. Cette stratégie ethnographique, nommée « ontographie » et « onto-cartographie », fait apparaître un réseau sociotechnique hétérogène et étendu à la surface de la biosphère tout entière, à partir duquel il est possible d’identifier cinq modes techniques dits « bricologiques ». En effet, la logique du bricolage s’applique à la configuration historique de l’appareil créatif et productif du Carré Hermès, aux processus techniques frugaux (low tech) et hybrides (wild tech) qui animent sa fabrication, à la conception des machines qui automatisent certaines tâches et aux usages détournés déployés par les consommateurs et l’entreprise. Dans un deuxième temps, il s’agit d’étudier le mode de relation au monde de l’Artisan Hermès et le mode esthétique du Carré Hermès en fonction du degré bricologique des pratiques et du niveau d’automatisation des métiers. Plus l’artisan bricole, plus son attention est optimale, plus ses sens et son intuition sont affûtés, plus sa cognition est incarnée et étendue, et plus son mode de relation au monde est résonant. Outre cela, plus l’objet est bricolé, plus il est d’une beauté imparfaite. Autrement dit, cette façon singulière de faire et d’être laisse des traces à la surface de l’objet, chacune d’elles pouvant être considérée comme le souvenir d’une rencontre sensible entre l’artisan et son métier, entendu comme fragment du monde. Dans la troisième partie, il s’agit d’extraire de l’ethnographie les éléments capables d’inspirer une pratique de l’innovation orientée vers le design d’un mode de fabrication durable et d’un mode de relation au monde résonant. Le designer de l’être fait usage de la cartographie et de l’ethnographie pour s’orienter parmi la complexité des processus techniques contemporains et révéler au consommateur les « paysages » de l’innovation, ses aspects les plus sombres et les plus lumineux, ses mondes et ses habitants humains et non-humains. Il fait de la bricologie l’algorithme qui gouverne toute prise de décision afin que les acteurs et les actrices du projet puissent faire et être plus avec moins<br>The Carré is a silk scarf printed by Hermès since 1937. Its simple appearance conceals complex technical processes. First, it is a question of mapping the creation and production process from the 1300 agents, human and non-human, previously identified and geocoded. This ethnographic strategy, called "ontography" and "onto-cartography", reveals an heterogeneous and extensive socio-technical network on a biospheric scale, from which it is possible to identify five so-called "bricological" technical modes. Indeed, the logic of bricolage applies to the historical configuration of the creative and productive apparatus of the Carré Hermès, to the frugal (low tech) and hybrid (wild tech) technical processes that drive its manufacture, to the design of the machines that automate certain tasks and to its diverted uses deployed by consumers and the company. Secondly, it is a question of studying the way the Hermès Craftsman relates to the world and the aesthetic mode of the Carré Hermès according to the bricological degree of the practices and the automation level of the crafts. The more the craftsman “bricole”, the more their attention is optimal, the more their senses and their intuition are sharpened, the more their cognition is embodied and extended, and the more the way they relate to the world is resonant. Besides that, the more the object is “bricolé”, the more imperfectly beautiful it is. In other words, this singular way of doing and being leaves traces on the surface of the object, each of them being able to be considered as the remembrance of a sensitive encounter between the craftsman and their craft, understood as a world sample. In the third part, it is about extracting from ethnography the elements capable of inspiring an innovation practice oriented towards the design of a sustainable manufacturing method and a resonant way of relating to the world. The being-oriented designer uses cartographic and ethnographic tools to orient themself among the complexity of contemporary technical processes and reveal to the consumer the innovation “landscapes”, its darker and brightest aspects, its human and non-human worlds and inhabitants. Bricology becomes the algorithm that governs all decision-making so that the actors of the project can do and be more with less

A travers les cas de cinq artistes (Mel Bochner, Douglas Huebler, Dennis Oppenheim, Ed Ruscha et Robert Smithson), il s'agit, dans cette étude, de rendre compte de la diversité et de la complexité des usages de la cartographie et de la photographie dans l'art américain des années 1960 et du début des années 1970, une période marquée par la remise en question de la définition formaliste de l’œuvre d'art. Loin de n'avoir, dans ce contexte, qu'une fonction documentaire - interprétation qui a prévalu jusqu'ici -, cartes et photographies, ainsi que nous le démontrons, jouent un rôle fondamental dans l' exploration de modalités différentes de la perception et la recherche de voies nouvelles pour l'art. Dans la première partie de la thèse, nous examinons comment le recours à la cartographie et au médium photographique s'articule à la problématique de la réintroduction de la temporalité dans les oeuvres d'art qui est au cœur de la crise du modèle moderniste. Dans un deuxième temps, nous traitons de la relation au paysage en montrant en quoi cartes et photographies participent d'une réflexion sur la redéfinition de l' abstraction en lien avec le réel. La troisième partie porte sur les façons dont les techniques et les représentations cartographiques et photographiques servent à interroger les conceptions habituelles de l'espace, et ce à un moment où l'art investit de nouveaux sites. Nous envisageons de la sorte tant les usages conceptuels que matériels de la cartographie et de la photographie.