Dissertations / Theses on the topic 'Catherine (1943-....)'

Cette recherche a pour but d’étudier l'émergence de la star Catherine Deneuve, la richesse et la longévité de sa carrière, dans le contexte de la production cinématographique française. Nous analysons la complexité de son image, à travers ses films et tous les discours qui l’ont construite comme star. Avec une carrière de plus de 50 ans et une aura toujours aussi intense, Deneuve reste une figure emblématique du cinéma français, pour sa présence dans le cinéma populaire autant que dans le cinéma d’auteur. La genèse du mythe remonte aux années 60, des Parapluies de Cherbourg de Demy à Belle de Jour de Bunuel, en passant par Répulsion de Polanski. Ces films construisent une image paradoxale : jeune fille lisse et docile versus bourgeoise perverse et névrosée. Dès le départ, Deneuve renvoie à la fois aux fantasmes masculins et aux contradictions d’une féminité moderne. Toute sa complexité réside dans les dualités composant son image : à la fois ange et démon, bourgeoise et aventurière, virile et féminine, sensuelle et distante. Cette richesse lui apporte un consensus populaire et critique et suscite le désir de cinéastes différents. Après une période de choix filmiques plus hasardeux, Le Dernier Métro de Truffaut impose une image de maturité rayonnante, qui s’épanouira ensuite. Son image d’ambassadrice de l’élégance française mais aussi de femme indépendante, ses personnages filmiques, ses particularités physiques et son jeu d’actrice nourrissent l’image Deneuve. Et si elle s’applique à démentir le stéréotype de beauté froide auquel on l’a associée, elle sait également en jouer, stratégie qui lui permet de rester universelle tout en défendant sa singularité

Thesis (M.A.) -- University of Maryland, College Park, 2008.
Thesis research directed by: Dept. of French and Italian. Title from t.p. of PDF. Includes bibliographical references. Published by UMI Dissertation Services, Ann Arbor, Mich. Also available in paper.

Cette biographie est la fresque d'un siècle de relations judéo-chrétiennes. Catholique moderniste, Pallière oeuvre dans le judai͏̈sme sans jamais se convertir. Le "noachisme" est, selon son maître le rabbin Benamozegh, la religion de l'avenir: les Juifs en seront les prêtres et les lai͏̈cs des autres monothéismes, les fidèles. Il se donne comme mission de faire redécouvrir leur religion aux israélites français. Il réforme le judai͏̈sme en créant l'Union libérale israélite, devient prédicateur de la synagogue Copernic et tente de rendre sionistes les jeunes Juifs en dirigeant l'UUJJ de 1926 à 1935. Le peuple hébreu reconstitué, il faut acheter sa terre et il dirige aussi le Fonds national juif (KKL). Cette action s'accompagne d'un tissus de relations entre les rabbins, les catholiques et les protestants, Pallière servant de pont. Cette thèse montre que le dialogue entre Juifs et chrétiens était donc bien instauré avant que la Shoah n'occulte toutes ces avancées.

Made available in DSpace on 2016-04-27T17:27:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Roberta Sendacz.pdf: 683002 bytes, checksum: dbb8e679b3d1d74f350f94f5561c6472 (MD5) Previous issue date: 2008-05-13
This paper sets out comparisons, differences and affinities between the works by Catherine Breillat, the movie maker, and by Georges Bataille, the philosopher. As authors who were born in different times and engaged themselves in different areas of knowledge, Breillat s thoughts are expressed through motion picture and those of Bataille in the form of writing. This is the reason why the dialogue implied in this paper has a thematic background. The privilege of both authors´ erotic view is used here as the central axis, starting from Bataille s idea that the sense of eroticism is the fusion, the suppression of limits. However, though both see the union of the bodies as corresponding to a violation of the identities, the presence of the female character in Breillat s films permeates such conception with a certain rare complexity concerning gender and love. The analysis of such particulars opens up the possibility of marking out not only strong points in common, but also significant distinctions between the two eroticisms
Cotejar as obras da cineasta Catherine Breillat e do filósofo Georges Bataille é o objetivo deste trabalho. Sendo autores nascidos em épocas diferentes, e alocados em distintas áreas do conhecimento, o pensamento de Breillat se apresenta na forma de filme e o de Bataille na da escrita. Por tal razão, o diálogo que aqui se propõe é de fundo temático. Toma-se como eixo central o privilégio da visada erótica nos dois autores, partindo da concepção batailliana de que o sentido do erotismo é a fusão, a supressão dos limites . Porém, ainda que para ambos a união dos corpos corresponda à violação das identidades, a presença do personagem feminino nos filmes de Breillat faz essa concepção ser atravessada por uma problemática rara do gênero e do amor. O exame de tais particularidades permite circunscrever pontos de contato intensos, mas também distinções significativas entre as duas eróticas

Si la crise de la métaphysique semble avoir noué les conditions de possibilité d'un discours féminin à travers une critique de la subjectivité classique et la réhabilitation de la question de la différence sexuelle, on peut se demander comment les femmes ont alors investi le territoire de la philosophie. Deux auteurs, Lou Andreas-Salomé et Catherine Pozzi, nous ont ainsi permis de saisir une stratégie de subversion des catégories philosophiques par laquelle ces femmes ont certes surenchéri sur la modernité, notamment à travers une quête identitaire et anthropologique qui poursuit un travail de défection du sujet, mais sans pour autant totalement adhérer à elle, en se réappropriant une " exigence métaphysique " qui survivrait à la crise de celle-ci, à travers une co-présence de l'homme et du monde. C'est par une présence au monde renouvelée qu'elles s'engagent dans un itinéraire cosmologique où prévaut un souci du monde qu'elles savent ressourcer du côté des récits cosmogoniques primitifs ou de la Naturphilosophie, tout en étant réceptives à un imaginaire poétique par lequel elles tissent un réseau métaphorique cohérent. Leur souci cosmologique sait aussi s'approprier une épistémologie moderne grâce à un décloisonnement des savoirs, que ce soit la psychanalyse pour l'une ou la physique quantique pour l'autre, mais dont par un subtil écart elles deviennent les poètes. Dès lors font-elles entendre la modernité des variations d'un contre-chant.

Fille du docteur Samuel Pozzi, fondateur de la gynécologie française, Catherine Pozzi, née en 1882, fut élevée dans le giron de la haute bourgeoisie et aristocratie parisiennes. Elle a tenu pendant son enfance et son adolescence - de1893 à 1906 - un journal qu'elle a interrompu sept années et a repris en 1913. Il devait être son plus fidèle compagnon jusqu'à sa mort en 1934. Mémoires mondains et évocation de contemporains capitaux tels que Julien Benda, Ernst Robert Curtius, Daniel Halevy, Marie de Régnier, Charles du Bos, Jean Paulhan, Jacques et Raissa Maritain, Louis Massignon parmi d'autres, il est également un chant d'amour et de haine adressé à Paul Valéry, le frère d'esprit que notre diariste rencontra en 1920 et avec lequel elle noua, huit années durant, une liaison passionnée et déchirante. Les cahiers pozziens sont d'une grande richesse protéïforme : tour à tour journal de maladie de celle qui, très tôt, fut frappée par la tuberculose, réceptacle des sensations, des sentiments et des pensées, guide moral et théâtre de la difficile construction d'une identité qui se cherche à travers la composition de multiples autoportraits, ils constituent aussi un journal de travail et le laboratoire de l'oeuvre poétique et philosophique, un champ ouvert aux visions suprasensibles et un dialogue avec le témoin absolu. La grande variété de ce texte n'exclut point une étonnante cohérence, et les cahiers de Catherine Pozzi, où toujours se fécondent le concret et l'abstrait, dessinent nettement l'itinéraire d'une "psychoscope" de génie. De l'âme, notre diariste a fait son sujet privilégié d'observation et de méditation poètique, philosophique et scientifique. Dépassant l'analyse égotiste, elle s'efforce de reconstruire le monde en choisissant pour clef de sa compréhension l'âme dont elle donne une image ambivalente et fascinante
Daughter of doctor Samuel Pozzi who founded the french gynaecology, Catherine Pozzi was born in 1882 and brought up in the bosom of the parisian high society. She kept a diary throughout her childhood and teenage years - from 1893 to 1906 but then stopped writing for seven years. She resumed it in 1913 and it proved to be her most faithful companion until her death in 1934. Her diary deals with memoirs of high life and with foremost contemporaries such as Julien Benda, Ernst Robert Curtius, Daniel Halevy, Marie de Régnier, Charles du Bos, Jean Paulhan, Jacques and Raissa Maritain or Louis Massignon for instance, but it is also a love-and-hate hymn directed to Paul Valéry whom she met in 1920 and with whom she had a passionate and heartrending love affair for eight years. The pozzian notebooks can take so many shapes : they are now a diary about the illness of someone who was stricken very early in her life with tuberculosis, now a receptacle of sensations, feelings and thoughts, now a moral guide and the theatre of the difficult building of and identity in search of itself through the composition of numerous self-portraits. But they are also a workbook and the laboratory of poetic al and philosophical work, a field open on to suprasensitive visions and a dialogue with the absolute witness. The great variety of this text does not exclude an amazing coherence, and Catherine Pozzi's notebooks - in which the concrete and the abstract constantly enrich each other - clearly draw the itinerary of a brilliant "psychoscope" as Paul Valéry puts it. Our diarist made the soul her privileged subject of observation and of poetical, philosophical and scientific meditation. As she goed beyond an egotistic analysis, she strives to rebuild the world by making an ambivalent and fascinating image of the soul the key to her understanding

"Le sexe est le plus étrange apanage de la création, hallucinant parce qu'il découle directement de la pensée. " Cette définition de Louis Calaferte dit bien de quelle éternelle incandescence sont empreintes les noces de l'art et de cette région centrale de l'espèce humaine. Toujours considéré comme un seuil fatidique du représentable, le sexe constitue, sinon un enjeu moral, du moins une interrogation formelle sur ses modes d'existence et d'expression. De manière régulière, il s'impose comme le plus intense point d'achoppement où se multiplient les variations autour de la notion de regard et de mise en scène. Pour Catherine Breillat, artiste controversée et obsessionnelle, le cinéma posséderait, entre autres spécificités, le don de représenter le sexe dans une optique plus organique que simplement allusive ou illustrative. S'élabore, au fil de son oeuvre, la prise en compte de l'événement sexuel en tant que principe fondateur d'une identité à conquérir, selon un cheminement dicté par les impératifs de la fiction. Et cette identité est exemplairement celle du sujet féminin. A travers l'épreuve du sexe comme mode de connaissance intime, le personnage féminin est amené à traverser le tissu équivoque des apparences jusqu'à un point de décantation du réel qui touche au sacré et à l'imaginaire. C'est ainsi que Catherine Breillat investit le récit filmique d'une dimension initiatique, ayant pour principal motif la notion de dépassement des normes, qu'elles soient sentimentales, sociales ou cinématographiques. Cette étude s'attache donc à analyser, à l'appui des sciences humaines et esthétiques, les différentes figures de dépassement et de transgression stimulées par l'action révélatrice du sexe, telle qu'elle s'exerce dans les films de Catherine Breillat, ainsi que les liens entretenus avec plusieurs référents sacrés et mythologiques qui, en dernière instance, inscrivent ses films sous le signe de l'intemporel.

This thesis demonstrates the close links between Australian literature and German thought and culture in Catherine Martin's An Australian Girl (1890) and Henry Handel Richardson's Maurice Guest (1908), and thereby provides a fuller understanding of the sophisticated literary and intellectual purposes of these two works. In examining the German elements in each novel, and the contexts from which much of that material is drawn, this study seeks to supplement the scholarly explanations provided in the two Academy Editions of these works. While Maurice Guest has received serious scholarly attention, An Australian Girl has been accorded relatively little. Despite generally favourable reviews on publication, both appear to have been undervalued over time. The study begins with a brief historical survey of German migration to Australia and the contribution German migrants made to the intellectual life and culture of the evolving nation. The examination of Catherine Martin's work includes: biographical details, particularly concerning her contact with German culture; an analysis of the form of the novel and a comparison of An Australian Girl with Goethe's Bildungsroman Wilhelm Meister with regard to form, theme and characterisation; an analysis of German philosophical elements in the novel; and Martin's presentation of social conditions in Germany in 1888-90, and their role in the novel as a whole. The examination of Henry Handel Richardson's work encompasses: biographical details; the genesis of Maurice Guest; differences between the reception of the novel in England and Germany; the genre to which the novel belongs and parallels with Künstlerromane; an analysis of Richardson's description of the physical, historical and intellectual milieu of Leipzig, and its role in the novel; and finally her integration of German social customs and the German language into the text. Use has been made of five primary sources which have not been used before in any detail with regard to these aspects of either author: additional material from the Mount Gambier Border Watch; The Hatbox Letters, the family history of the Martin and Clarke families; the German translation of Maurice Guest; German reviews of Maurice Guest; and the correspondence between Richardson and her French translator Paul Solanges. The key argument of this thesis is that the German influence on both form and content, in the case of An Australian Girl, and on style and content, in the case of Maurice Guest, is deep and various, and that these German elements have proved to be an impediment to a full understanding and appreciation of these novels for many Anglo-Saxon readers and reviewers. In the two novels Martin and Richardson provide pointers to Australia's earlier interaction with the wider world and display a level of sophistication which makes these works worthy of greater recognition than they currently enjoy.

Les films classiques ont créé des images stéréotypées féminines, en fixant des modèles déterministes du caractère féminin, des rôles féminins, de l’ « être femme ». Ces modèles risquent de supplanter la réalité, car ils réduisent la diversité des figures féminines. Depuis longtemps le féminisme a lutté contre tous les stéréotypes sexistes. Cette thèse se propose d’étudier les films d’Agnès Varda, Chantal Akerman et Catherine Corsini pour comprendre les devenir-femme(s) à travers des relations intimes et sociales. Dans leurs œuvres cinématographiques, elles rendent compte, chacune à leur manière, d’une nouvelle façon de produire des images du corps de la femme et de sa subjectivité. Les questions de la subjectivité féminine liées aux notions de désir, de jouissance, de plaisir et de sexualité rejoignent la psychanalyse pour comprendre, d’une part, le mécanisme de l’appareil cinématographique suscitant le fantasme des spectateurs, d’autre part, la possibilité d’une objectivation positive de la complexité de la figure féminine. Notre première approche se focalise sur la relation entre femmes telle que la relation mère-fille et la relation homosexuelle féminine. La deuxième envisage le contexte socioculturel dans lequel évoluent les personnages féminins des films de ces cinéastes à travers l’analyse du langage, de la narration et de l’espace cinématographiques, en s’intéressant à leurs styles, leurs esthétiques et leurs choix narratifs de la vie des femmes. Ainsi c’est le regard qui est nouvellement questionné et le maniement du dispositif cinématographique comme capables d’interroger, voire de susciter une autre subjectivité des femmes. Nous intégrons différentes approches théoriques dans l’analyse des films. Ainsi, la psychanalyse, le féminisme, la théorie queer, la sémiologie, l’esthétique vont enrichir notre réflexion sur le regard des femmes chez nos trois femmes cinéastes
Classic films have created a stereotypical image of women by setting deterministic standards for female personality, her role and what is meant by ‘being a woman’. These standards might supplant reality, as they minimize the diversity of female figures. Feminism has long fought against gender stereotypes. This study examines films by Agnès Varda, Chantal Akerman and Catherine Corsini in order to understand the construction of femininity through intimate and social relations. In their films, each filmmaker develops unique approaches to produce images of the female body and its subjectivity. Psychoanalysis sheds light on the questions of female subjectivity related to the notions of desire, pleasure, and sexuality. It allows us to appreciate the mechanism of the camera arousing the viewers’ fantasies, as well as the possibility of a positive objectification of the complex female figure. This study first focuses on the relationships between women, such as the mother-daughter relationship and the homosexual relationship. It then explores the socio-cultural context in which the female characters live through an analysis of language, narration and space in the films, namely the filmmakers’ styles, aesthetics and narrative choices in the life of women. It examines how gender can influence the camera’s perspective and how it can question, or even produce, a new female subjectivity. Psychoanalysis, feminism, queer theory, semiology and aesthetics are all approaches which support and expand the analyses of female perspective as developed by the three women filmmakers

Les représentations graphiques des problèmes de santé mentale peuvent être le reflet des considérations de la société à l’égard des personnes atteintes de ces types de troubles. Les artistes ont un rôle à jouer dans les perceptions que l’on peut en avoir car ils reflètent les conceptions d’une société donnée, à une époque donnée. Certains artistes prennent position et cherchent à modifier les perceptions sociales, en contribuant par leurs actions ou leurs créations à la déstigmatisation de ces types de maladies. Cette volonté est au cœur de ce mémoire. Dans un premier temps, cette recherche propose des études de cas de représentations graphiques des problèmes de santé mentale tirés de l’histoire de l’art, de la littérature jeunesse et du roman graphique. Lescas de figure tirés de l’histoire de l’art sont réunis autour du thème de la folie, lesquels permettent de comprendre certains stéréotypes encore présents aujourd’hui. Quant aux exemples tirés du livre graphique plus près de notre époque, on retrouve une volonté de combattre les préjugés. Dans le livre, la maladie se raconte à travers des pathologies graphiques ou des somatographies graphiques, soit de l’intérieur ou bien du point de vue du proche-aidant. Dans un second temps, cette recherche propose un travail de recherche-création qui a pris la forme d’un livre à mi-chemin entre le livre d’artiste et le roman graphique, lequel porte le titre Une année sans lumière. Le présent mémoire rend compte de ces deux aspects théoriques et pratiques qui s’interconnectent. L’analyse du corpus ainsi que le travail de recherche-création ont permis d’explorer et de mieux comprendre une forme d’imaginaire graphique des problèmes de santé mentale en contribuant à les déstigmatiser.

Ce travail interroge les points de convergence existant entre l’œuvre du Marquis de Sade et celle d’un corpus d’écrivains contemporains : Tony Duvert, Catherine Millet, Aldo Busi, Elfriede Jelinek, James Graham Ballard, Bret Easton Ellis, Don DeLillo et Nelly Arcan. En effet, l’hypothèse surgie de la scène sadienne alliant sexualité et économie trouve un écho dans la littérature contemporaine. Mais la structure sociale, libérale et individualiste, qui s’y trouve décrite, engage des protocoles de lecture différents. De la posture élitaire de libertins sadiens mettant en danger les fondements de la société, au nivellement démocratique impliquant un nouveau conformisme, se joue une mutation des rapports intersubjectifs. En nous livrant des personnages soumis à la tyrannie du consumérisme, les auteurs de ce corpus redéfinissent l’économie des passions et de la jouissance. De la numération des partenaires à une production sexuelle devenue production économique, notre corpus fait valoir le désir comme un analyseur social des nouveaux rapports de violence. Si les stratégies narratives de nos auteurs varient, les gestes d’écriture concourent tous à déjouer ce nouvel Éros mortifère
This work studies the ground shared by the work of the Marquis de Sade and a corpus of works by contemporary writers : Tony Duvert, Catherine Millet, Aldo Busi, Elfriede Jelinek, James Graham Ballard, Bret Easton Ellis, Don DeLillo and Nelly Arcan. Sade’s hypothesis of a combination of sexuality and economy finds echoes in contemporary literature. But the social, liberal and individualistic structure which such literature describes entails different reading protocols. From the elitist posture of Sadian libertines, which endangers the society’s foundations, to democratic leveling, which involves a new conformism, we can see a mutation of the intersubjective relations in progress. The authors of this corpus redefine the economy of passion and the economy of enjoyment by presenting us with characters subjected to the tyranny of consumerism. From the enumeration of sexual partners to a sexual production turned into economic production, our corpus highlights desire as a mode of analysis of new violence within society. The authors in our corpus may not use the same narrative strategies, but their respective ways of writing all contribute to defeating this deadly new Eros

Nous étudions le phénomène de l'émergence d'une artère commerciale, la rue Sainte-Catherine à Montréal de 1870 à 1913. À travers deux segments de cette rue, nous analysons la mise en place de la structure commerciale. Le grand magasin a été le principal objet d'attention des historiens qui se sont penchés sur la transformation de cette rue en artère commerciale. Pourtant, une muItitude de commerces côtoient le grand magasin. Bien que le rôle de ce dernier soit important dans la mise en place de la structure commerciale, nous proposons qu'il n'explique pas tout le phénomène. Il est vrai que, comme le démontre notre étude, son arrivée coïncide avec une phase de consolidation des activités d'affaires et du commerce sur la rue dans les années 1890. Toutefois, avant cette décennie, les activités d'affaires émergent déjà sur la rue: on voit se profiler les attributs qui caractériseront le commerce après 1890, sans égard à la présence du grand magasin. Les sources sur lesquelles nous nous appuyons sont les rôles d'évaluation de la Ville de Montréal, les annuaires Lovell, ainsi que des cartes de la ville de l'époque. Notre étude se divise en deux axes de recherche. D'abord, nous cherchons à dégager la chronologie du phénomène de l'émergence des activités d'affaires par le biais des fonctions économiques et sociales. Le déclin de la fonction résidentielle se produit en deux temps. De 1870 à 1890, cette fonction s'arrime aux fonctions économiques: les logements deviennent le domicile de boutiquiers et de leur famille. Après 1890, le nombre de résidences décline; la cohabitation entre lieu de travail et vie domestique diminue donc. L'émergence des activités d'affaires se fait elle aussi en deux périodes continues: 1870-1890 et 1890-1913. Avant 1890, les loyers d'affaires augmentent en nombre et deviennent majoritaires. L'année 1890 marque un renversement de situation au chapitre de la vocation commerciale: la section de rue ouest surpasse alors celle de l'est. La seconde phase en est une de consolidation et de diversification des activités d'affaires. Après 1890, les activités économiques occupent tous les espaces sur la rue. Ensuite, notre analyse est consacrée au commerce de détail. L'examen de l'évolution de ses caractéristiques fait ressortir le passage d'un commerce «de tous les jours» à un commerce plus spécialisé et centré sur les biens durables et de luxe, ainsi que sur l'habillement. Bien avant l'arrivée ou l'émergence du grand magasin dans les années 1890, d'importantes transformations sont en cours sur la rue. L'analyse de la structure économique démontre ensuite que, malgré le poids économique du grand magasin, l'univers commercial reste diversifié. Il se dégage aussi des différences dans l'évolution des segments rue est et ouest. Outre la chronologie des mutations, les différences s'expriment par l'envergure des établissements en place. L'arrivée des grands magasins semble amplifier les écarts économiques entre les segments, à la faveur de l'ouest. Enfin, l'analyse de l'organisation spatiale du commerce indique que l'impact du grand magasin n'est pas le même à l'est, où le commerce se concentre autour du grand magasin, et à l'ouest, où l'arrivée des grands semble plutôt participer à un processus d'étalement et d'uniformisation des activités commerciales. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Montréal, XIXe siècle, XXe siècle, Rue Sainte-Catherine, Grand magasin, Commerce de détail.

Observing the movement in recent Christian theology, I examine the change in depth metaphors and theological works, as they move from tendencies of solidity and proposition-forming, to more fluid imaginations in their substance and style. I conduct an indirect comparison between John A.T. Robinson and Catherine Keller, engaging Buber, Tillich and Virginia Mollenkott, specifically focusing on themes of depth and working through a filter of social and ecological justice.Throughout the essay I acknowledge the importance of the continuing re-articulation of theology, the necessity of exploring the roots of Christianity, and I affirm the need for new language for the task of articulating an appropriate image of divinity and humanity. I contend that while Keller is well able to continue Robinson's theological project for the next generation, his work is still valuable in contributing Christology and New Testament studies, both of these being somewhat absent from Keller's work.

Selon son étude des diverses expériences du temps et sa réfléxion sur le concept de lieu de mémoire de Pierre Nora, François Hartog présente notre époque comme marquée par un présent perpétuel et multiple qu'il nomme « présentisme ». À partir de cette définition, il est possible de suivre les effets de cette appréhension du temps dans la logique du témoignage et des écrits de soi, plus particulièrement l'autofiction comme espace d'expérimentation d'une mémoire qui se construit à partir des possibilités du simulacre. Les oeuvres Douleur Exquise et Des histoires vraies + dix de Sophie Calle et Deuils cannibales et mélancoliques de Catherine Mavrikakis sont le point d'ancrage de cette étude qui prend comme base analytique la fascination contemporaine pour une identité élective fondée sur une mémoire faite de réel et de fictif. Avec l'utilisation de l'archive, document ayant valeur de témoignage historique, Sophie Calle met en scène une mémoire qui pluralise les traces de sa défaillance pour inscrire en creux l'absent. Ainsi, c'est à partir de la construction archivistique qu'il est possible d'aborder le récit comme stratégie de l'oubli autant que pratique de la remémoration. De ce point de vue, l'oeuvre entière est engagée dans un dialogue temporel irréductible à l'événement passé. Aussi à la recherche des traces de l'oubli et de la perte, Mavrikakis énonce, contrairement à Calle, une parole plus subjective marquée par la répétition du deuil et la réécriture de ces morts. Alors que la mémoire mobilise cette parole, la prosopopée agit comme la seule voix possible qui crée une sépulture de la perte. L'écriture se trouve alors travaillée par un présent cannibalisé et saturé des deuils à faire; l'oeuvre s'écrit enfin pour qu'enfin une crypte puisse s'élever. Cette étude tente ainsi d'établir une équation entre l'inquiétude mémorielle contemporaine marquée par une nouvelle conception du temps et l'attrait pour les écrits de soi qui agissent comme le lieu d'une mémoire individuelle. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Mémoire, Présentisme, Autofiction, Deuil, Identité.

Tese de mestrado, Design de Equipamento - especialização em Design Urbano e de Interiores, Universidade de Lisboa,Faculdade de Belas Artes, 2014
This present body of work aims to investigate the presence and the contribute of the woman figure to the design evolution of the domestic space, namely of the kitchen, having a particular focus on the national context. In order to fulfill this objective, the present investigation is divided in four main chapters that are complementary to one another. To start off, an historical contextualization of the women's character, and the way that she is perceived and treated by society, is necessary addressing subjects as the feminist movement and the portuguese Estado Novo regime. Then, we move on to a brief analysis and contextualization od the dwelling as a whole, paying special atention to the issues regarding the private life and the developing of the portuguese house. Next, on the third chapter, we investigate the international kitchen of the end of the 19th century and beggining of the 20th, highlighting three different female figures, that have revolutionized the domestic economy and the living space, with their studies and proposals. Finally, on the forth and final chapter, the portuguese kitchen is studied mainly through newspapers, magazines and some manuals regarding the domestic economy. A small chapter is dedicated to the only portuguese woman that can be considered a pioneer in the domestic realm. More than an investigation, the present work is intended to be a set up of various facts and historical documents, between the 19th century and the 1970's, pertaining the importance of said women and of their contribute to the evolution of kitchen design into what we know and use today