Journal articles on the topic 'Chamamé (Music)'

Este estudo consiste na realização da tradução comentada dos “princípios do contraponto” presentes no quarto livro de Musice active micrologus (1517) de Andreas Ornithoparchus. Como tratado de música prática inserido no contexto da Lateinschule, esta fonte é um “compêndio” cuidadosamente organizado a partir de tratados do final do século XV, incluindo os documentos provenientes da chamada “Escola de Colônia”. Musice active micrologus insere-se entre dois pontos significativos da teoria musical alemã no século XVI: o início de uma proposta pedagógica desenvolvida essencialmente por Wollick, Schanppecher e Cochlaeus e as mudanças paradigmáticas promulgadas pela “musica poetica” proposta por Dressler. Desta maneira, o exame dos elementos do contraponto ao longo do quarto livro deste tratado corrobora para uma compreensão das estruturas contrapontísticas, sobretudo cadenciais, provenientes deste contexto. Os comentários à tradução compreendem sínteses esquemáticas, conceituais e analíticas, que incluem a crítica ao processo das formulações inferidas por Ornithoparchus. Através de uma abordagem comparativa, examina-se possíveis caminhos da tradição teórica utilizada como fundamentação para os argumentos do autor.

O presente artigo demonstra o uso de esquemas de contraponto (schematae) pertencentes à teoria musical em voga no período compreendido entre séculos XVIII e início do XIX, o chamado Estilo Galante, nos 6 Responsórios Fúnebres de João de Deus do Castro Lobo (1794-1832).

Alguns equivocos cercam a existencia da chamada musica sertaneja como manifestacao cultural popular, que encerra, alem disso, algumas ciladas politicas. E comum o entendimento de que se trata da mais popular dentre as formas de expressao musical popular. Os divulgadores da musica sertaneja, que sao, geralmente, tambem, os seus manipuladores, costumam insistir na ideia de que se trata da musica brasileira mais genuina. Supoem e, sobretudo, querem fazer supor que se trata de musica autentica, originada do que existe de mais puro na sociedade brasileira, que seria o mundo rural. O engano e completo. Essas ideias encerram uma boa dose de mistificacao ideologica, na tentativa de fazer passar como popular e autentico o que e puramente industrial e inautentico. [...]

Neste artigo, analisamos movimentos de entrada executados por determinados artistas de gêneros e cenas musicais distintos na chamada linha evolutiva da MPB . Tais ocorrências revelam tensões mercadológicas e de representatividade na fonografia brasileira e também o esvaziamento destas. Travamos metodologicamente nossa investigação partindo da concepção de pretensão à legitimidade cultural, acionada aqui como referência à conquista de espaço desses gêneros e cenas. Esclarecem esses movimentos de convergência e apaziguamento das tensões os videoclipes das canções Cheguei Pra Te Amar, com Ivete Sangalo e MC Livinho, Ta Tum Tum, com Simone & Simaria e Kevinho, e Sua Cara, com Major Lazer, Anitta e Pabllo Vittar.

A entrevista que segue foi realizada com o músico Hermelino Neder, que durante fins de 1970 e meados de 1980 participou da chamada Vanguarda Paulista. O músico em questão integrou nesse período o grupo Hermelino e a Footbll Music, que gravou somente um álbum, intitulado Como Essa Mulher, pelo selo Lira Paulistana em 1984. Hermelino continuou no campo musical, gravou com Luis Pinheiro o disco Cássia Secreta, pelo selo Espaço Musical no ano de 2010. O músico participou ainda da produção de trilhas sonoras de filmes como A Dama do Cine Shangai, Perfume de Gardênia, A Hora Mágica e Onde Andará Dulce Veiga?

Este artigo traz para a língua portuguesa o trabalho artístico e pedagógico desenvolvido pela violista norte-americana Karen Tuttle no decorrer de sua carreira. Considerada um espírito livre e adiante de sua época, ela se distanciou das formas tradicionais e austeras de ensino da música e incorporou à esfera técnico-musical os aspectos corpóreos e emocionais do intérprete por meio de princípios reichianos. Após uma breve biografia e apresentação de seus principais mentores, será exposto seu conjunto de técnicas chamado Coordination, o qual certamente poderá ser de interesse de professores de instrumentos de corda. Por meio do uso eficiente do corpo e da eliminação de tensões musculares indesejadas, Coordination busca não somente evitar lesões resultantes da performance musical, mas otimizar a projeção das emoções do músico para a plateia. Ao final do artigo, é apresentado o resultado de um breve questionário aplicado a professores universitários para mapear o atual uso dessas técnicas no Brasil.

Este artigo descreve e analisa a forma e o percurso histórico de um paradigma interpretativo da história da chamada “música popular brasileira”, que o autor denomina “paradigma da mediação”, e que tem como principais características a concepção de cultura nacional como fruto de misturas raciais e o reconhecimento desigual do papel desempenhado pelos sujeitos na história de acordo com sua raça. Para tanto, faz-se uma revisão crítica da historiografia da música popular (1960-2017) e de uma análise da produção dos Depoimentos para a Posteridade do Museu da Imagem do Som do Rio Janeiro (1966-1972), um importante acervo de fontes orais utilizado na construção dessa historiografia. Constrói-se, a partir das evidências históricas apresentadas, a hipótese de que este paradigma constitui uma forma racializada de autoinscrição na história, com a qual se promove um entendimento conservador da operação da raça na sociedade brasileira, historicamente caro aos grupos dirigentes do país no século XX.

Esse artigo apresenta uma análise da produção do compositor e instrumentista Toninho Horta, com enfoque em sua atuação ao longo dos anos 1970 e no processo de elaboração de seu disco inaugural, Terra dos Pássaros, lançado de forma independente, em 1979. Tendo como ponto de partida a MPB e os festivais da canção, em fins dos anos 1960, em um contexto marcado pelo regime autoritário e pela consolidação da indústria cultural, procuramos discutir a permanência de elementos ligados à contracultura na produção de Toninho Horta, perceptíveis em seu discurso, em seu processo criativo e no conteúdo de suas canções, durante os anos 1970. Levamos em consideração a correspondência entre sua concepção musical, ligada a uma dimensão lúdica e "informal", com outras produções, como a do chamado Clube da Esquina e do coletivo de poesia Nuvem Cigana, com os quais Toninho Horta estabeleceu relações. O estudo dessas produções pode contribuir para a compreensão de transformações da canção popular brasileira, durante os anos 1970.

<p><strong>Resumo:</strong> As últimas décadas do século XX foram marcadas por uma profunda reestruturação produtiva que afetou também a chamada “indústria cultural”. No campo da música, a alegação de que haveria uma crise causada pela circulação de cópias ilegais marcou a reorganização do setor. Neste artigo, analiso o debate em torno do tecnobrega, circuito de música popular que foi transformado em modelo para a indústria fonográfica nacional. Essa construção discursiva contou com participação de imprensa, programas televisivos e análises acadêmicas, que construíram, aos poucos, uma imagem de que o gênero seria a superação da dicotomia centro versus periferia. Esse caso permite pensar algumas das novas configurações da indústria cultural no mundo pós-fordista.</p><p><strong>Palavras-chave:</strong> Tecnobrega – Indústria Fonográfica – Circuitos Musicais.</p><p> </p><p><strong>Abstract:</strong> The last decades of the Twentieth Century were marked by a profound restructuring process that has also affected the so-called "culture industry". In the music field , the claim that there would be a crisis caused by the circulation of illegal copies marked the sector reorganization. This article analyses the debate on the tecnobrega circuit of popular music which has been transformed into a model for the Brazilian music industry. This discursive construction had debates in the press, television shows and academic analysis, which gradually built an image that such genre would be the breakthrough of the center versus periphery dichotomy. This case allows us to consider some of the new settings of the culture industry in the post-Fordist world.</p><p><strong>Keywords:</strong> Tecnobrega – Phonographic Industry – Music Circuits.</p>

Este artigo utiliza a documentação fonográfica para situar o surgimento da Black Music Brasileira nos anos 1960, a partir de hibridações e incorporações de gêneros musicais estadunidenses. Nos primeiros discos lançados por Elza Soares, Jorge Ben, Wilson Simonal e Dom Salvador é identificada a articulação de subgêneros negros do jazz, no que foi chamado de Bossa Negra. Na segunda metade da década ocorre uma incorporação mais explícita do soul e o funk, consolidando a estética Black no Brasil. Nos discos pesquisados também é identificada uma abordagem temática que valoriza a cultura negra e denuncia o preconceito racial. O diálogo com elementos estrangeiros na expressão da realidade racial nas músicas e letras compõe o que está sendo proposto por Linguagem Política do Orgulho Negro.

A base do trabalho que ora se apresenta é a Retórica clássica latina, tal qual apresentada na obra “Rhetorica ad Herennium”, cuja autoria se atribui, ainda que de forma polêmica, a M.T. Cícero. A Retórica clássica latina exerceu grande influência na produção literária e retórica dos séculos posteriores, mais expressivamente durante a Renascença e o século XVII. É interessante notar que não apenas o âmbito literário recebe influências da Retórica, mas também outro, a saber, possuidor de linguagem própria, distinta e autônoma: a música. São profícuos os tratados que buscam demonstrar as relações entre Retórica e Música, afirmando ser a música, mesmo, passível de uma análise retórica. Isto criou o que se pode chamar de “retórica musical”. Apresentaremos aqui um breve panorama sobre Retórica e Música no século XVII alemão e enfatizaremos como se evidenciam em textos musicais diversos a anáfora. PALAVRAS-CHAVE Retórica, música, figuras de linguagem. ABSTRACT This paper relies on Latin Rhetoric as presented in the book “Rhetorica ad Herennium”. It is interesting to observe that not only literature becomes influenced from Rhetoric, but also another area, which consists itself in a specific and independent language: Music. German 17th century doesn’t receive Rhetoric influences only in the literature, intending – through imitation and emulation in a language policy programme – the formation of a national language and literature, but also in the Music. We will briefly present a panorama about assimilation of rhetoric means in Music during Renaissance and 17th century and emphasize how an important part of elocution – the figures of speech – becomes clear in the “musical” text. In this paper we show how one can find examples of anaphor in two different musical examples. KEYWORDS Rhetoric, music, figures of speech.

O presente artigo, uma exposição resumida da dissertação de mestrado (2008), discute a observação e avaliação dos problemas corporais que permeiam a prática de seis estudantes de violino do curso de Graduação da Escola de Música da UFMG. Dados foram colhidos através de observação, filmes e fotos de seis alunos de violino em quatro situações diferentes de performance no contexto do curso, além de avaliações fisioterápicas realizadas no consultório de Fisioterapia da pesquisadora. Estes dados foram apresentados a um painel composto por quatro observadores da área da saúde e da música. A análise destes dados revela que os seis alunos de violino apresentaram padrões físicos inadequados que poderiam prejudicar sua saúde e, consequentemente, sua performance. Além disso, foi conduzida uma pesquisa bibliográfica envolvendo estudos relacionados à Anatomia, Biomecânica e Cinesiologia. Esperamos que este artigo possa chamar a atenção dos violinistas e professores de violino para a importância de uma consciência corporal durante a performance do instrumento, que vise mais simetria e relaxamento das regiões corporais envolvidas no ato de tocar o violino.

Este texto de Régis Duprat integra a “Introdução” ao seu “Memorial de atividades científicas, artísticas, didáticas e profissionais” apresentado ao Departamento de Música da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo como requisito ao Concurso de Professor Titular. A atualidade das reflexões do ano 1997 chamam a atenção, em especial a lúcida argumentação que, ao final, o autor apresenta a título de soluções para a problemática da pós-graduação em Música no Brasil. Extrapolando as expectativas de um Memorial, Duprat assim justifica a feliz ultrapassagem das tradicionais perspectivas do seu rico texto: “um Memorial é sempre uma reflexão sobre o trabalho que o autor desenvolveu em sua vida acadêmica pregressa e as coisas que escreveu durante toda a vida. Mas não estou muito preocupado com o que escrevi até aqui e sim com o destino da minha disciplina e da minha área, no sentido das suas possibilidades e limitações metódicas, das suas vicissitudes dentro do conjunto das ciências humanas e do dilema das suas verdades. O destino da minha disciplina é que me levou a escrever como escrevi no passado; na medida em que pesquisava, escrevia e publicava, refletia sobre aquele destino e sobre o meu próprio destino e trabalho disciplinar.” Nesse pensamento, encontra-se a essência de um pesquisador nato, a ética ingênita de um docente insigne, que durante sua produtiva carreira ocupou-se, principalmente, em decifrar o ethos de sua disciplina de uma forma que a fizesse significativa para a o seu tempo e a sua cultura. Duprat faleceu em 19 de dezembro de 2021, deixando a musicologia brasileira empobrecida. Proposta pela compositora e musicóloga Ilza Nogueira, a publicação deste texto homenageia o autor e expressa a eterna gratidão dos que absorveram seus lúcidos ensinamentos e trilham hoje o percurso que ele generosamente indicou e edificou.

Este texto de Régis Duprat integra a “Introdução” ao seu “Memorial de atividades científicas, artísticas, didáticas e profissionais” apresentado ao Departamento de Música da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo como requisito ao Concurso de Professor Titular. A atualidade das reflexões do ano 1997 chamam a atenção, em especial a lúcida argumentação que, ao final, o autor apresenta a título de soluções para a problemática da pós-graduação em Música no Brasil. Extrapolando as expectativas de um Memorial, Duprat assim justifica a feliz ultrapassagem das tradicionais perspectivas do seu rico texto: “um Memorial é sempre uma reflexão sobre o trabalho que o autor desenvolveu em sua vida acadêmica pregressa e as coisas que escreveu durante toda a vida. Mas não estou muito preocupado com o que escrevi até aqui e sim com o destino da minha disciplina e da minha área, no sentido das suas possibilidades e limitações metódicas, das suas vicissitudes dentro do conjunto das ciências humanas e do dilema das suas verdades. O destino da minha disciplina é que me levou a escrever como escrevi no passado; na medida em que pesquisava, escrevia e publicava, refletia sobre aquele destino e sobre o meu próprio destino e trabalho disciplinar.” Nesse pensamento, encontra-se a essência de um pesquisador nato, a ética ingênita de um docente insigne, que durante sua produtiva carreira ocupou-se, principalmente, em decifrar o ethos de sua disciplina de uma forma que a fizesse significativa para a o seu tempo e a sua cultura. Duprat faleceu em 19 de dezembro de 2021, deixando a musicologia brasileira empobrecida. Proposta pela compositora e musicóloga Ilza Nogueira, a publicação deste texto homenageia o autor e expressa a eterna gratidão dos que absorveram seus lúcidos ensinamentos e trilham hoje o percurso que ele generosamente indicou e edificou.

Em 1940, no contexto da chamada Política da Boa Vizinhança, o regente Leopold Stokowski (1882-1977) visitou alguns países da América do Sul em turnê com a All-American Youth Orchestra. Por meio da análise de fontes da imprensa e do acervo documental do Museu Villa-Lobos, o presente artigo pretende iluminar aspectos relacionados à gravação do disco Native Brazilian Music, que reuniu, sob a iniciativa de Stokowski, alguns expoentes da música popular do Rio de Janeiro – como Donga, Pixinguinha e João da Baiana. O trabalho discute o papel desempenhado por músicos na esfera diplomática e argumenta que um dos efeitos da Política da Boa Vizinhança foi criar um jogo especular no qual, apesar da pretensa unidade cultural do continente, a aproximação promoveu discussões sobre identidade nacional, diferença e resistência.

Carlos Althier de Sousa Lemos Escobar é Guinga, violonista nascido em 10 de junho de 1950 no Rio de Janeiro, que em 2020 completou 70 anos. Compositor e instrumentista, ao longo das décadas de percurso profissional suas músicas ressoaram nas diversas salas de concerto, teatros e palcos do Brasil e do mundo. Sua linguagem composicional, seu estilo interpretativo e suas influências são híbridos e ecléticos, exercitando releituras idiomáticas do choro, do baião, do samba, como também do cool jazz, do impressionismo musical francês, das cantilenas villalobianas ou das politonalidades à la Stravinsky. Desde o seu primeiro disco – em parceria com Aldir Blanc –, Simples e absurdo (1991), a produção discográfica de Guinga reserva um lugar de destaque ao gênero canção e à música instrumental, esta última em formato camerístico – violão e outros instrumentos, como em Cheio de Dedos (1996) – ou solista, como Roendopinho (2014) e Canção da Impermanência (2017). No entanto, a dimensão do seu pensamento político-estético ainda não foi suficientemente explorada nas pesquisas científicas em música quando observamos o corpus atual de teses, dissertações, artigos e eventos acadêmicos. Espera-se que os temas abordados nesta entrevista subsidiem os diálogos universidade-sociedademultiplicando a diversidade epistemológica, em particular aquela referente à construção de uma historiografia crítica – e não apenas a musicológica – do instrumento e à compreensão do assim chamado “violão brasileiro”.

As novas metodologias no ensino de Geografia têm buscado propostas modernas para a aproximação entre as comunidades que compõem a sociedade, o que se convencionou chamar de educação inclusiva. Nesse sentido, a pesquisa aqui relatada buscou contribuir no aperfeiçoamento das técnicas voltadas ao ensino e à aprendizagem da Cartografia Escolar de alunos surdos e deficientes auditivos, no munic�pio de Santa Maria, RS. A metodologia empregada foi estruturada em três fases: a primeira, na observação dos alunos da Escola Estadual de Educação Especial Dr. Reinaldo Fernando Cóser; a segunda, foi a construção do perfil dos alunos surdos e deficientes auditivos que estudam no munic�pio; a terceira, a avaliação das impressões dos alunos em relação ao jogo digital “CartoCon: Nossa Expedição geográfica�?, através da abordagem qualitativa. Os resultados obtidos foram positivos, evidenciando que o jogo digital, quando adaptado às condições dos alunos, é um recurso viável no ensino inclusivo de Cartografia Escolar, atendendo demandas dos estudantes que integram a comunidade surda do munic�pio. Palavras-chave: Ensino de Geografia. Cartografia Escolar Inclusiva. Jogo digital.

RESUMO O artigo, afinado com os princípios da geografia humanística, que procura entender a alma dos lugares a partir das experiências vividas pelos indivíduos e grupos sociais, explora tons e versos dedicados aos bairros da chamada Grande Tijuca, bem como seus diversos lugares centrais, utilizando ainda a oralidade como instrumento de pesquisa para a compreensão desta porção espacial da cidade do Rio de Janeiro. Palavras-chave: lugar, geografia humanística, oralidade, música, centralidade.ABSTRACT This article, on the principles of humanistic geography, aims to understand the “soul” of places through lived experiences of individuals and social groups, exploring tones and verses related to districts of so-called Great Tijuca, as well its many central places, by the use of orality as an instrument of research for the comprehension of this spatial part of Rio de Janeiro city. Keywords: place, humanistic geography, orality, music, centrality.

RESUMO O artigo, afinado com os princípios da geografia humanística, que procura entender a alma dos lugares a partir das experiências vividas pelos indivíduos e grupos sociais, explora tons e versos dedicados aos bairros da chamada Grande Tijuca, bem como seus diversos lugares centrais, utilizando ainda a oralidade como instrumento de pesquisa para a compreensão desta porção espacial da cidade do Rio de Janeiro. Palavras-chave: lugar, geografia humanística, oralidade, música, centralidade.ABSTRACT This article, on the principles of humanistic geography, aims to understand the “soul” of places through lived experiences of individuals and social groups, exploring tones and verses related to districts of so-called Great Tijuca, as well its many central places, by the use of orality as an instrument of research for the comprehension of this spatial part of Rio de Janeiro city. Keywords: place, humanistic geography, orality, music, centrality.

A definição de tonos dada por Isidoro de Sevilla, em Etin 3,20 é analisada neste artigo desde a perspectiva de um dos seus autores, chamado Casiodoro, e as limitações históricas de Isidoro no desconhecimento do tono. Desconhecendo o antigo tono da Antiguidade, e sem conhecer todavía os modos Gregorianos, sua definição musical de tono se basea equivocadamente na Gramática e corresponde à acentuação tónica das palavras.

In the educational process of training a young vocalist, it is planned to study and master the most diverse repertoire, which includes Baroque arias, romantic music of the XIX century, and works by modern composers. Folk songs are also an integral part of the educational process. In the performance of folk songs, the best qualities of the singer's voice, his timbre, musicality, possession of national melismatics are revealed. In the work "Methodological aspects of studying Uzbek folk songs in the academic singing class", the features of the structure of Uzbek folk songs, such as "Barnolarning barnosi" (The beauty of beauties), "Intizor etding meni" (I yearned for you), “Gul yuz uzra” (Delicate and charming face), “Sayyora” (Planet), "Chaman Ichra" (In the garden), “Kaylarga boray?” (Where should I go?) are considered, a detailed performance-theoretical analysis of some of them is carried out, educational and methodological recommendations are given for young vocalists-performers.

Este texto constitui o segundo capítulo de um estudo sobre a trajetória de Riobaldo em sua oscilação entre o pacto fáustico e a tradição do chamado "romance de formação e desenvolvimento" (Bildungs- und Entwicklungsroman). Partindo de um trecho do romance O homem sem qualidades em que Musil discute os obstáculos que se colocam à arte da narrativa no século XX (antecipando reflexões teóricas de Adorno, Auerbach, Rosenfeld etc.), o estudo enfoca, no primeiro capítulo, traços do Grande sertão que o vinculariam a um épico mais primitivo. Também se estabelecem aqui algumas relações com o Doutor Fausto de Thomas Mann, romance que tem igualmente no pacto demoníaco o seu motivo nuclear. Quanto ao presente texto, está voltado às formas e imagens que o relato de Riobaldo dispensa aos conceitos de "mal" e de "maligno" (assim como ao seu entrelaçamento). Em seguida, enfoca a personagem de Hermógenes, que encarna uma espécie de principium maleficum que dificilmente encontra paralelo na literatura ocidental. Para expor essa especificidade da personagem rosiana, o estudo procede por fim a uma comparação com a representação do Mal (e sua correspondente personagem) no romance barroco Simplicissimus, de Grimmelshausen.

The present writing was elaborated from speculations about possible encounters between philosophy, education and music. On the margins of music, where philosophy seeks some penetration, the theme of a supposed refusal to assimilation is announced, demanding the resumption of questions such as the permanence of a zone of indetermination not reached by the representational effort. This unavoidable opacity of the musical phenomenon moves it to a nocturnal dimension, a common destiny to everything that escapes the totalizing interests of a language committed to the objectifcation and nomination of things and of those conventionally called other. The nocturnal in philosophy and in music is object of reflections of Derrida and other thinkers, from which it is possible to glimpse a widening of the world, just where it is evident the merely formal character of the limits between what is said and unsaid, between what is human and what’s not. The text presented here includes some of these philosophical reflections, compared to musical creations that insinuate this nocturnal character, like those of Debussy. Additionally, possible consequences of the weakening of representational politics to subjectivation processes and alterity relations are highlighted, opening space for a thought about an education not compromised with the centrality of the human.ResumoA presente escrita foi elaborada a partir de especulações sobre possíveis encontros entre flosofa, educação e música. Nas margens da música, onde a flosofa busca alguma penetração, o tema de uma suposta recusa à assimilação se anuncia, exigindo a retomada de questões como a permanência de uma zona de indeterminação não alcançada pelo esforço representacional. Essa opacidade incontornável do fenômeno musical desloca-o para uma dimensão noturna, destino comum a tudo que escapa aos interesses totalizantes de uma linguagem comprometida com a objetivação e nomeação das coisas e dos que, a partir dela própria, se convencionou chamar de outros. O noturno na flosofa e na música é objeto de reflexões de Derrida e de outros pensadores, a partir das quais é possível vislumbrar uma ampliação do mundo, justamente onde se evidencia o caráter meramente formal dos limites entre o que é dito e não dito, entre o que é humano ou não. O texto aqui apresentado inclui algumas dessas reflexões filosóficas, cotejadas com criações musicais que insinuam esse caráter noturno, como as de Debussy. Adicionalmente, são destacadas possíveis consequências do enfraquecimento da política representacional para processos de subjetivação e relações de alteridade, abrindo espaço para um pensamento sobre educação não comprometido com a centralidade do humano.Keywords: Nocturne, Music, Philosophy, Subjectivation.Palavras-chave: Noturno, Música, Filosofia, Subjetivação.ReferencesBACHELARD, Gaston. A água e os sonhos: ensaio sobre a imaginação da matéria. Trad. Antonio P. Danesi. São Paulo: Martins Fontes, 1997.BULANCEA, Gabriel. Conexiones y divergencia entre el pensamiento de Claude Debussy y la estética impresionista y simbolista. Revista Filomusica, n.83, pp.1-4, abr.-jun. 2007.CABRERA, Honatan F. Dar la mano. Sobre algunos trazos y trances del poema en el pensamiento de la alteridade: Levinas, Celan, Derrida. 2013, 173f. Dissertação (Mestrado em Filosofia). Faculdade de Filosofia PUC-RS: Programa de Pós-Graduação em Filosofia, 2013.DERRIDA, Jacques. O animal que logo sou. Trad. 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O artigo discute a história e a vida de Belém na passagem do século XIX para o século XX, marcada por um conjunto de elementos sociais, intelectuais e artísticos que refletiam as influências da cultura e da sociedade europeia, principalmente francesa, do período. Em termos de Brasil, esse processo se verificou em Belém e no Rio de Janeiro: era a chamada Belle Époque. Cultivou-se o gosto pelo que vinha da Europa, o que podia ser visto na maneira de se vestir das elites locais e na vida social que levavam em Belém. A literatura, a pintura e a música, cultuadas por essas mesmas elites, faziam da cidade um grande centro de vida intelectual e artística. É preciso, no entanto, observar que a Belle Époque faz parte de um processo maior, o da mundialização da cultura. PALAVRAS-CHAVE: Belém; Belle Époque; Mundialização da cultura. ABSTRACT This article treats the history and life of Belem (capital city of Para State/Brazil) during the passage from XIX to XX century that was marked by a set of social, intellectual and artistic elements, which reflected the influences from European culture and society, especially the French one in such period. In terms of Brazil, that process was seen in Belem and Rio de Janeiro; it was called Belle Époque. It was cultivated a taste to whatever came from Europe, what could be seen on the dressing fashion of the local elites and the social live they had in Belem. Literature, painting and music, idolised by the same elite made the city a huge centre of intellectual and artistic life. However, it is needed to consider that Belle Époque is part of a bigger process, the globalization one. KEY WORDS: Belém; Belle Époque; Culture globalization. RESUMEN El artículo discute la historia de la vida de Belém en la pasaje del siglo XIX para el siglo XX, marcada por un conjunto de elementos sociales, intelectuales y artísticos que reflejaban las influencias de la cultura y de la sociedad europea, principalmente francesa, del período. En términos de Brasil, ese proceso se comprobó en Belém y Rio de Janeiro. Era la nombrada Belle Époque. Cultivado el gusto por lo que procedía de Europa, que se podía ver en la forma de vestir de las élites locales y la vida social que llevaban en Belém. La literatura, la pintura y la música, adorado por esas mismas élites, hacían de la ciudad un importante centro de la vida intelectual y artística. Es necesario, sin embargo, observar que la Belle Époque es parte de un proceso más amplio, la globalización de la cultura. PALABRAS CLAVE: Belém; Belle Époque; Globalización de la cultura

Resumo: Com a publicação do romance intitulado A noite das mulheres cantoras, em 2011, Lídia Jorge lança-se a perscrutar o efêmero cenário da música pop numa trama envolvente, a qual não somente aponta para importantes aspectos da vida cultural portuguesa, mas também demonstra certa ousadia autoral em transformar em matéria literária os meandros do espetáculo midiático e suas contradições. Pelas palavras da escritora, “na história de um bando conta-se sempre a história de um povo”, logo, o quinteto vocal entregar-se-á de modo fáustico não a uma grande causa, mas à busca desmesurada pelo estrelato, diante do qual parece não importar valores éticos, estéticos e ideológicos a expor, pois, seus corpos a uma inevitável violência não apenas simbólica. Se as aptidões artísticas unem as personagens nesse peculiar microcosmo que certamente privilegia o universo feminino, o fato de pertencerem a famílias de retornados amplia a mensagem que subjaz à narrativa: a derrocada do império português em África e a retomada da democracia. Portanto, antigos fados ou os célebres versos de “Uma casa portuguesa” ficarão para trás ante o ritmo frenético dos novos tempos. Ora, é Portugal mais perto do chamado mundo globalizado e a distanciar-se da longa noite salazarista. Enfim, este pequeno estudo terá como aporte teórico, entre outros, as reflexões de Eduardo Lourenço, Roland Barthes e Guy Debord e servirão para o cotejo do referido romance, cuja crítica parece apresentar lacunas, não obstante a vigorosa letra de uma das mais consagradas escritoras da literatura portuguesa.Palavras-chave: Lídia Jorge; literatura portuguesa; romance português contemporâneo; literatura de autoria feminina; sociedade do espetáculo.Abstract: With the publication of the novel entitled The night of the singing women, in 2011, Lídia Jorge looks closely at the ephemeral scene of the pop music in an engaging plot, which not only points to important aspects of Portuguese cultural life, but it also demonstrates a certain authorial boldness in turning into literary matters the intricacies of the media spectacle and its contradictions. In the words of the writer, “in the history of a band one always tells the story of a people”, so to achieve fame, the vocal quintet will not care about ethical, aesthetic and ideological values that will expose their bodies to unavoidable violence that is not just symbolic. If artistic skills unite the characters in this peculiar microcosm, which certainly favors the female universe, the condition of belonging to returnee families expands the message that underlies the narrative: the collapse of the Portuguese empire in Africa and the resumption of democracy. So old fados or the famous verses of “A Portuguese Home” will be left behind in the frenetic pace of the new times. Now Portugal is closer to the so-called globalized world and moving away from the long Salazar night. Finally, this small study will have as theoretical support, among others, the reflections of Eduardo Lourenço, Roland Barthes and Guy Debord will serve for the analysis of this novel, whose criticism seems to have gaps, despite the vigorous writing of one of the most famous writers of Portuguese literature.Keywords: Lídia Jorge; Portuguese literature; contemporary Portuguese novel; female authored literature; society of the spectacle.

Queer rap has been shining in the homophobic world of hip-hop lately, especially in the contemporary New York music scene. Considered by many as the new kids on the block, queer rappers have been breaking down mainstream ways of composing, delivering and enacting rap tunes by working on more outwardly feminine performances characterized by ambivalence, hybridity and defiance. In this paper, we focus on how Rico Dalasam, a contemporary Brazilian rap performer, radicalizes this type of rupture, engaging in what we have termed ‘abject aesthetics’. The latter constitutes a spectacular semiotic landscape, in which mixed sexualities, genders, races, ethnicities, clothing styles, hair styles, rhythms, languages and registers interact. In fact, transperformances and transidiomaticity dominate his work, which we approach through a scalar sensitive lens (CARR; LEMPERT, 2016) and metapragmatic indexicality (SILVERSTEIN, 1993) as we analyze the artist’s lyrics, performances and their reception by different audiences. In doing so, we shed light on the smuggling of semiotic resources which subverts the usual circulation of linguistic and non-linguistic goods across borders. In particular, we discuss how Dalasam’s deterritorializing-multisemiotic enactments confront modernist epistemological and linguistic regimes by subverting logocentrism. The analysis focuses on the transit between the so-called margin and center and on the enigmatic meanings generated by the mixture of languages and performances. As a whole, these aspects leave interactants in a state of uncertainty since the assembled resources are not directly intelligible in a conventional sense, most often preventing straightforward object-designation associations. However, this sense of indetermination does not necessarily prevent communication from taking place. We therefore argue that Rico Dalasam, by forging faltering ways with signs, orients to constant movement as a way of inhabiting the border and formulating alternative rules for re-existence.----------------------------------------------------------------------------------TRANSISIOMATICIDADE E TRANSPERFORMANCES NO RAP QUEER BRASILEIRO: POR UMA ESTÉTICA ABJETAO rap queer tem tido grande repercussão no mundo homofóbico do hip-hop nos últimos tempos, especialmente no cenário contemporâneo musical de Nova York. Considerado por muitos como a nova sensação, os rappers queer têm desconstruído os modos considerados tradicionais de compor, falar e apresentar o rap ao fazerem uso mais abertamente de performances femininas, caracterizadas por ambivalência, hibridismo e resistência. Neste artigo, focalizamos como Rico Dalasam, um performer brasileiro contemporâneo, radicaliza esse tipo de ruptura, ao se engajar no que chamamos de “estética abjeta” Ela compõe uma paisagem semiótica espetacular, na qual sexualidades, gêneros, raças, etnias, estilos de roupa, cortes de cabelos, ritmos, línguas e registros se entrecruzam. Na verdade, transperformances e transidiomaticidade dominam seu trabalho, o qual abordamos por meio das noções de escala (CARR; LEMPERT, 2016) e indexicalidade metapragmática (SILVERSTEIN,1993) ao analisarmos as letras do rap, suas performances e sua recepção por audiências diferentes. O movimento analítico gera visibilidade para o atravessamento de recursos semióticos que subvertem a circulação de artefatos linguísticos e nãolinguísticos pelas fronteiras. Em particular, discutimos como o desempenho multissemiótico-desterritorializador de Dalasam confronta regimes epistemológicos e linguísticos modernistas, subvertendo o logocentrismo. O foco do estudo está no trânsito entre os chamados centro e periferia e nos significados enigmáticos gerados pela mistura de línguas e performances. Em sua totalidade, esses aspectos deixam os interactantes em um estado de incerteza, uma vez que os recursos reunidos não são diretamente inteligíveis em um sentido convencional, já que, muito frequentemente, evitam associações referenciais diretas a objetos. Contudo, esse sentido de indeterminação não necessariamente prejudica a comunicação. Argumentamos que Rico Dalasam, ao forjar modos vacilantes de usar signos, se coloca em movimentação constante como um modo de habitar a fronteira e de formular regras alternativas de reexistência.---Original em inglês.

O artigo discute a estratégia discursiva da Music Television (MTV) num momento de impasse do mercado musical. Com o consumo de produtos musicais migrando para a internet através do que podemos chamar de uma “cultura líquida”, a emissora adotou, a partir de 2006, o conceito de “televisão expandidada”. Os programas e videoclipes da MTV poderiam ser vistos não só na televisão, mas através da plataforma de compartilhamento de vídeos da internet, o MTV Overdrive. O Video Music Awards 2007, a maior premiação da emissora, é examinado como um exemplo do novo posicionamento discursivo da Music Television.

Resumo O texto apresenta análises parciais de projetos políticos pedagógicos de cursos de licen- ciatura em música brasileiros ancoradas na teoria crítica do currículo e na sociologia da cultura, especialmente nas proposições de Michael Apple e Pierre Bourdieu. As análises evidenciam uma ideologia musical incorporada na forma de um habitus, aqui chamado de habitus conservatorial que tem a música erudita como conhecimento oficial e como capital legitimado em disputa no campo em questão, determinando o sistema de cotação do que conta como conhecimento musical valorizado. Abstract This text presents partial analysis of some curricular documents of Brazilian music teacher education programs. This analysis is based in the curriculum critical theories and in the sociology of culture, especially in the propositions of Michael Apple and Pierre Bourdieu. The results show a musical ideology incorporated as habitus, which is called here conservatorial habitus that has the classical music as the official knowledge and as a legitimized capital in dispute in the field, classical music that also determines the quotation system of what counts as a valued musical knowledge.

No decorrer de nossa pesquisa de doutorado, que aborda o ensino do violão popular nas universidades brasileiras, nos deparamos primeiramente com a dificuldade fundamental de entender e delimitar as fronteiras do que poderia ser chamado de violão popular. Num segundo momento adicionamos a esse já complexo conjunto de significações o questionamento sobre o caráter nacional, tentando assim encontrar respostas, mesmo que temporárias, para o que pode ser compreendido como o violão popular brasileiro. Para isso, traçamos três funções exercidas pelo violão na música brasileira, a fim de organizar o entendimento sobre sua atuação. Esse artigo tem, portanto, o objetivo de atentar para a diversidade e amplitude de significados atribuíveis ao termo de forma que suas consequências também possam ser observadas no âmbito do ensino universitário.

O trabalho propõe fazer uma viagem de regressão histórica para compreender as apropriações da canção Misirlou, até sua possível conotação de opressão sexista romantizada. O filme Pulp Fiction popularizou uma sonoridade através da canção ao estilo surf music chamada Misirlou, lançada em 1962 por Dick Dale & His Del-Tones e posteriormente sampleada pelo grupo Black Eye Peas para a música Pump It em 2006. Por modernismo orientalista, George Abdo e sua orquestra “chamas da Arábia” atualizou em 1976, no disco The Art of Belly Dacing, a versão “Miserlou” de Anton Abdelahad de 1946, cantada com letra. Antes destes, o refugiado Theodotos “Tetos” Demetriades levou e gravou em 1927, em solo estadunidense, a canção folclórica turco-grega Misirlou. Antes de se tornar rebético grego, foi supostamente gravada em 1919 pelo egípcio Sayed Darwish, com o nome “Bint Misr”, que é a expressão árabe do turco “misirlou”, significando “moça egípcia”. Não apenas no seu título como nas versões diversas da letra cantada, grego, turco e árabe se amalgamam como efeito derradeiro do crepúsculo do Império Otomano (1299-1922). A tensão da letra, nas múltiplas versões, romantiza os desejos amorosos e carnais de um homem grego a uma moça egípcia, entre elogios e galanteios, projetando seu sequestro, de consentimento não declarado. O destaque sobre a singularidade da beleza da cativa sugere a sua condição social de escrava sexual, pertencentes a haréns, atividade econômica centralmente significativa do século XVIII ao XX no cerne do Império Otomano. A proposta analítica aborda o esvaziamento e romantização do significado originário da memória musicada sobre erotização e jogo afetivo no trânsito da música até a atualidade, ofertando seu uso para o ensino de História sob o prisma dos estudos de gênero.

A neurociência cognitiva já nos oferece significativos indícios de que a função básica do cérebro é prever o futuro. Fazemos isto projetando coerente e simetricamente sentidos constituídos nas memórias de trabalho e de longo- prazo, a partir do que nos preparamos para novas experiências. Pretendo argumentar que a música é uma radicalização da experiência de previsão, sem o que não há sentido nem música. E a complexidade do ato da escuta musical implica uma multiplicidade de modos de abstração que regularão o que será percebido pelo ouvinte como relevante. O artigo propõe a hipótese de que o dispositivo cognitivo que dispara o processo de entendimento da música é o que poderíamos chamar resposta de orientação musical, associado ao conceito de novidade. Palavras-chave: Cognição musical; Sentido musical; Resposta de orientação; Novidade em música.

Este Volume 3(1) demarca uma etapa na trajetória do periódico Musica Theorica que corresponde ao encerramento do mandato de gestão da primeira diretoria da TeMA, a Associação Brasileira de Teoria e Análise Musical que promove a publicação. Em outubro de 2018 os associados da entidade elegeram uma nova diretoria, na qual fui encarregado de ocupar a presidência e com isso encerrar minha atribuição de Editor-chefe que ocupei na primeira gestão. É com muito orgulho que encerro esta etapa como editor de Musica Theorica oferecendo aos leitores este volume que corresponde a contribuições preparadas e submetidas ao longo dos meses de janeiro a julho de 2018. Este volume tem um título: Teoria e Composição. Os artigos publicados atenderam a uma chamada que desafiava os pesquisadores a escrever sobre as relações que pesquisavam entre as bases teóricas da ciência musical e sua prática como compositores.

<p>Prezado leitor,<br />Seja bem-vindo ao novo ICTUS Music Journal!<br />Bons e vários são os motivos para celebrar este novo volume e número do nosso periódico científico que está completamente renovado, incluindo novo endereço eletrônico, novo design e visual, nova diagramação e uma novíssima estrutura de gestão que amplia e atualiza as ações em prol da publicação qualificada da pesquisa em música iniciadas em 1999, sendo então editor nosso colega Pedro Kroger.<br />Nesse caminho de inovações promovidas pelo ICTUS se destaca o nosso pioneirismo no uso do SEER (Sistema Eletrônico de Editoração de Revistas, versão em português do Open Journal System, disponibilizada pelo IBICT), como plataforma de submissão, avaliação e publicação online desde 2006. Ainda, em 2009 inovamos novamente ao definir a modalidade de submissão de propostas como fluxo contínuo ao que, neste ano de 2020, retomamos essa tradição apresentando uma publicação completamente redesenhada, com novas estruturas em todos os níveis que, esperamos, reflitam melhor esta nova fase do ICTUS Music Journal.<br />Sempre objetivando a publicação diversificada nas várias subáreas da pesquisa em música, atendendo aos pertinentes padrões de qualidade internacionais, visando disseminar entre o cada vez mais amplo público interessado, o conhecimento gerado na produção científica e acadêmica da área, no intuito de contribuir para a difusão e reflexão críticas sobre o objeto do nosso trabalho: a música.<br />Assim, além dos artigos, resenhas, ensaios e debates que fazem parte corriqueira das publicações científicas nas humanidades em geral, sensíveis aos desafios que enfrentamos nesta contemporaneidade sociocultural aparentemente liquidificada (Bauman <em>dixit</em>), decidimos ampliar o escopo com a inclusão de efemérides, entrevistas a personalidades e<br />documentos musicais, neste último viabilizando a publicação de partituras, registros sonoros ou aplicativos (dentre outros tipos), tanto em Domínio Público quanto no marco da GNU General Public License, marco legal nativo do SEER, podendo ainda, segundo o desejo de cada autor, se ampararem em outras modalidades adicionais de CopyLeft ou similares.</p><p>Embora haja muito para comemorar, também há o que lamentar.<br />Dentre as perdas mais próximas, é mister salientar a passagem de Jamary Oliveira (Saúde, 21 de março de 1944 - Salvador, 29 de março de 2020), renomado compositor, docente e pesquisador baiano. Nosso mentor, colega, parceiro e amigo, a cuja memória, o Conselho Administrativo do ICTUS Music Journal decidiu dedicar este número.<br />As efemérides em sua homenagem escritas pela coordenação do PPGMUS-UFBA assim como pela Direção da EMUS-UFBA, se unem ao sentimento generalizado da comunidade científica e artística musical brasileira e internacional que, embargada pelas saudades, muito lamenta a morte dessa personalidade única e generosa em muitos sentidos.<br />Além das devidas homenagens ao saudoso Jamary Oliveira, assim preenchendo a seção das Efemêrides, o restante do conteúdo que esperançosamente inaugura a seção de Artigos do nosso ICTUS Music Journal, reúne textos de autores nacionais que transitam fundamentalmente em importantes setores do logos em música (ou Musicologia, termo que vem retornando cada dia com mais força pra denominar o que no Brasil chamamos de pesquisa em música). Esses setores incluem sociomusicologia, musicologia histórica e etnomusicologia, por vezes dialogando com disciplinas tais como sociologia, antropologia e história, aplicadas em música. Neles se ancoram os referidos textos discutindo questões que vão desde os estudos de caso até os mais amplos (longitudinais ou transversais), abrangendo um escopo geográfico que inclui locações no Brasil (Pará, Maranhão, Piauí, e Rio de Janeiro) e no exterior, num lapso histórico que vai da renascença até início do século XXI.<br />O leque de trabalhos aqui apresentado levanta tópicos relativos a individualidades (Villa-Lobos, Ferneyhough, Nunes Garcia) ou coletivos musicais. Esses coletivos incluem processos locais (nacionais – como o punk rock em Belém do Pará – ou estrangeiros – como as companhias líricas no Rio de Janeiro), regionais (como a vida cultural no Meio Norte brasileiro) ou internacionais (aqui exemplificado com a reflexão sobre maneirismo em música). Assim, os autores nos apresentam aspectos ligados a estudos culturais, estética musical, teoria e análise composicional, até o impacto no mercado musical de pandemias e crises sanitárias que no passado acometeram nosso país. Nada mais adequado aos tempos que nos toca viver.<br />Destarte, esperamos ter atingido (mais uma vez) as exigências de qualidade que você, caro leitor, respeitosamente nos impõe. Em nome do Conselho Administrativo e Editorial do ICTUS Music Journal, desejo que tenham todos uma ótima experiência de leituras e frutíferas discussões.<br />Boa leitura.</p>

Sinopse: O Círio de Nazaré é uma das maiores celebrações católicas do Brasil e do mundo, reunindo cerca de 2 milhões de devotos de todo o país para homenagear a Virgem de Nazaré. A procissão acontece em Belém, capital do estado do Pará, a cada segundo domingo de outubro, há já dois séculos. Em 2004, as festividades foram listadas como Patrimônio Imaterial pelo IPHAN - Instituto Brasileiro do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional. Em 2013, recebeu o certificado da UNESCO de Patrimônio Cultural Intangível da Humanidade. A celebração católica gira em torno de uma pequena estátua de Nossa Senhora de Nazaré, que se acredita ter sido esculpida em Nazaré (Galileia), e responsável por vários milagres no Portugal medieval, antes de reaparecer no Brasil. Sabe-se que a devoção a Nossa Senhora de Nazaré foi introduzida no país pelos padres jesuítas no século XVII, numa vila chamada Vigia, no nordeste do Estado do Pará. No entanto, a versão mais popularmente aceite diz que no século XVII, um humilde pecuário chamado Plácido José de Souza (de descendência portuguesa e indígena) redescobriu a pequena estátua num riacho em Belém. Plácido levou a Virgem para sua cabana onde fez um altar para a estátua, descobrindo mais tarde que esta, misteriosamente, tinha voltado para onde foi encontrada pela primeira vez. Plácido interpretou este acontecimento como um sinal divino e decidiu construir uma ermida no local para mostrar a sua devoção à Santa, onde hoje é o Santuário de Nossa Senhora de Nazaré, na cidade de Belém. Desde 1793, o Círio de Nazaré acontece na Amazônia brasileira, com festividades a partir de agosto e correndo até 15 dias após a procissão principal. Cerca de 2 milhões de peregrinos de todo o Brasil honram a Nossa Senhora de Nazaré, seguindo a imagem por cerca de seis horas ao longo do caminho de 3,6 quilômetros da Catedral de Belém ao Santuário de Nossa Senhora de Nazaré. Durante a procissão, muitos peregrinos carregam ícones como partes do corpo, tijolos e livros no topo de suas cabeças, representando assim a cura divina e o que conquistaram com as intercessões da Virgem. O momento mais esperado da celebração é quando a estátua de Nossa Senhora de Nazaré sai da catedral e é colocada na berlinda, uma carruagem de flores, e é imediatamente cercada por milhões de devotos descalços e muitas câmeras de celular tentando imortalizar este momento de fé. Outro é, quando um grande número de pessoas quer segurar a corda que é anexada à berlinda pouco depois do inicio da procissão. A corda é um dos maiores símbolos da fé durante o Círio, representa a ligação entre a Santa e seus seguidores. Outro grande símbolo são os promesseiros, os devotos que acompanham a procissão de joelhos, ultrapassando todos os seus limites em nome da gratidão e devoção à Virgem. A festa do Círio de Nazaré não pode ser definida apenas como uma celebração religiosa, pois incorpora muitos elementos culturais que formam a complexa sociedade multicultural brasileira e amazônica, como o almoço familiar de Maniçoba e Pato no Tucupi que são preparados em quase todas as casas de Belém no segundo domingo de outubro, representando a comunhão da família. Os brinquedos artesanais chamados Brinquedos de Mirití, feitos de madeira de palmeira local, que são vendidos em todo lugar durante a procissão do Círio. A mistura do sagrado e do profano também desempenha um papel importante nas festividades, sendo fortemente representada pelo Auto do Círio e pela festa das Filhas da Chiquita. O Auto do Círio é uma procissão artística, repleta de música, dança e atuação, organizada pela Escola de Teatro da Universidade Federal do Pará, abre o fim-de-semana do Círio com uma enorme festa carnavalesca nas pequenas ruas da Cidade Velha. A festa das Filhas da Chiquita é um encontro LGBT que acontece no centro da cidade na noite anterior à procissão principal do Círio, onde as drag queens preformam e a comunidade LGBT tem espaço para mostrar a sua devoção e fé na Nossa Senhora de Nazaré. A ligação simbólica entre o sagrado e o profano durante o Círio de Nazaré é uma das mais importantes virtudes e contradições da celebração, transformando-o numa teia de significados e representações que refletem de forma profunda a complexidade antropológica da maior manifestação religiosa do mundo ocidental. Synopsis: Círio de Nazaré is one of the largest Catholic celebrations in Brazil and the world, gathering around 2 million devotees from across the country to honor the Virgin of Nazaré. The procession takes place in Belém, the capital of the northern state of Pará, every second Sunday of October, for the last two centuries. In 2004, the festivities were listed as Immaterial Heritage by IPHAN – Brazil’s Institute for National Historical and Artistic Heritage. In 2013, it received UNESCO’s certificate of Intangible Cultural Heritage of Humanity. The Catholic celebration revolves around a small statue of Nossa Senhora de Nazaré, which is believed to have been sculpted in Nazareth (Galilee), and performed miracles in medieval Portugal before reappearing in Brazil. It is known that the devotion to Nossa Senhora de Nazaré was introduced in the country by the Jesuit priests in the 17th century, at a village called Vigia, in the northeastern part of the State of Pará. However, the best known local folklore says that in the 1700’s, a humble cattleman called Plácido José de Souza (of Portuguese and Indigenous descent) rediscovered the small statue of Nossa Senhora de Nazaré in a stream in Belém. Plácido took the Virgin to his cabin where he made an altar for the statue, only to later find out that it had mysteriously moved back to where it was first found. After the statue went back to the same site multiple times, Plácido interpreted it as a divine sign and decided to build a hermitage on the site to show his devotion to the Saint, where today is the Shrine of Nossa Senhora de Nazaré, in the city of Belém. Since 1793, Círio de Nazaré has taken place in the Brazilian Amazon, with its festivities starting in August and running until 15 days after the main procession. About 2 million pilgrims from all over Brazil come to honor Nossa Senhora de Nazaré, following the image for about six hours along the 3.6-kilometer path from Cathedral of Belém to the Shrine of Nossa Senhora de Nazaré. During the procession, many pilgrims carry icons such as parts of the body, bricks, and books on the top of their heads, which represent divine healing and what they conquered with the Virgin’s intercessions. The most anticipated moment of the celebration is when the statue of Nossa Senhora de Nazaré leaves the cathedral and is placed on the berlinda, a flower-bedecked carriage, and is immediately surrounded by millions of barefoot devotees, many wielding cell phone cameras trying to immortalize this moment of faith. Another, when a great number of people want to hold on to the rope, which is attached to the berlinda a few minutes after the procession starts. The rope is one of the biggest symbols of faith during Círio since it represents the link between the Saint and her followers. Beyond the rope, there’s the promesseiros, those who escort the procession on their knees, surpassing all their limits in the name of their gratitude and devotion to the Virgin. Círio de Nazaré festivities can not be defined only as a religious celebration because it incorporates many cultural elements that form the complex Brazilian and amazon multi-cultural society, such as the family lunch of Maniçoba and Pato no Tucupi (typical dishes of Amazonian cuisine) that are cooked in almost every home in Belém during the second Sunday of October, representing the family’s communion. The handcrafted toys called “brinquedos de Mirití”, made of local palm wood, are sold everywhere during Círio’s procession. The blending of the sacred and the profane also plays an important role in the festivities, being best represented by the Auto do Círio and Filhas da Chiquita events. The Auto do Círio is an artistic procession, filled with music, dancing, and acting, organized by the Theater School of the Federal University of Pará, opens up the Círio weekend with a massive carnivalesque party in the small streets of the Old City. The Filhas da Chiquita event is a traditional LGBT gathering that happens in downtown the night before the massive Círio procession, where drag queens perform and the LGBT community has its space to show devotion and faith in Nossa Senhora de Nazaré. The symbolic link between the sacred and the profane worlds during Círio de Nazaré is one of the most important contradictions and virtues of the celebration, transforming it into a web of meanings and representations that deeply reflect the anthropological complexity of the biggest religious manifestation in the western world. Palavras-chave: Círio de Nazaré; Belém do Pará; religiosidade. Key-words: Círio de Nazaré; Belém; religiosity Ficha técnica: Autores: Ana Rita Matias ( BI ICS-ULisboa) Fotografias: Ana Rita Matias; Aderson de Vasconcelos; Lorena Costa; Luiza Brilhante e Geysele Santa Brígida das Mercês. (Projeto Acervo Círio 2016, VISAGEM – UFPA) Direção, Edição de Imagem e Texto: Ana Rita Matias (BI ICS-ULisboa) e Aline de Souza Navegantes (IFCH-UFPA) Credits: Authors: Ana Rita Matias ( BI ICS-ULisboa) Photographs: Ana Rita Matias; Aderson de Vasconcelos; Lorena Costa; Luiza Brilhante e Geysele Santa Brígida das Mercês. (Projeto Acervo Círio 2016, VISAGEM – UFPA) Direction, image editing and text: Ana Rita Matias (BI ICS-ULisboa) e Aline de Souza Navegantes (IFCH-UFPA)