Dissertations / Theses on the topic 'Chansons de troubadours – Histoire et critique'

La notion de nouveauté est centrale lorsque l'on parle de musique monodique médiévale : nombreux sont en effet les genres, dans le corpus sacré, à être fondés non sur un renouvellement musical permanent, mais sur un réemploi d'une méthode antérieure ou contemporaine, cette adaptation étant rendue possible par un "compas" identique. Ce procédé , nommé contrafactum, n'est cependant pas limité au seul domaine liturgique, mais se retrouve également dans la monodie profane des XIIe et XIIIe siècles, de manière particulièrement visible chez les trouvères, où il fut d'ailleurs bien étudié. Le cas des troubadours est plus complexe, en raison de l'aporie des sources notées et des "contrafacta" conservées. Seuls trois nous sont parvenus, bien que les traités théoriques de l'époque affirment sans ambigui͏̈té qu'un certain nombre de genres lyriques pouvaient être fondés sur une reprise mélodique. Dans le "sirventes", notamment, l'emploi de la contrafacture aurait été particulièrement fréquente. Partant des "sirventes" copiés dans les chansonniers notés, nous en proposons donc une analyse poético-musical, mais aussi métrique, afin de vérifier la validité des assertions de ces traités.

La thèse examine l'une des principales valeurs courtoises,"joven",à travers l'analyse de plus de 300 occurences du terme, relevées dans l'oeuvre des troubadours et trouvères des XIIe et XIIIe siècles. Une étude systématique, qui repose sur un certain nombre de critères établis au cours du dépouillement (genre littéraire, entourage sémantique, place par rapport à la rime,présence ou absence de déterminants, valeur accordée au mot par le poète) a permis de mettre en lumière une évolution nette dans les conditions d'emploi de "joven" et les valeurs sémantiques qui lui sont accordées au cours de cent cinquante années de poésie courtoise. Alors que chez les premiers troubadours l'emploi de ce terme est soumis à des règles très strictes et qu'il n'est jamais utilisé avec une valeur obvié, la mise en place au XIIIe siècle d'un nouveau système des valeurs consécutif à l'essor de la bourgeoisie marchande correspond à une modification du rôle que jouaient les vertus courtoises en poésie et à la perte progressive de la spécificité de "joven" et de sa valeur d'appel. "Joven", terme-clé de la littérature courtoise, s'éteint avec elle
The thesis examines one of the main courtly values, "joven", through the analyses of more than three hundred occurences of the term, as they were found in the works of the troubadours and trouvères of the twelfth and thirtheenth centuries. .

A la fin du XIe siècle, avec le premier troubadour connu Guillaume IX d'Aquitaine, apparaît dans le sud de la France, la fin'amor mettant en scène la dame dont il faut conquérir l'amour et l'amant chantant ses poèmes. Pour rester dans les mémoires, le troubadour devra émouvoir l'auditeur et le convaincre de la pureté de ses sentiments. La valeur d'un troubadour se reconnaît par sa subtilité à mêler le mot et le son et non par les thèmes poétiques abordés qui sont toujours les mêmes. Pour cela, il doit user et maîtriser des paramètres textuels et mélodiques mis à sa disposition afin d'élaborer un chant raffiné. L'étude préliminaire des expressions « trobar » et « faire los motz e•l so » dans la littérature médiévale des XIIe et XIIIe permettra de voir comment le troubadour évoque son art de créer des chansons. L'étude de ce savoir-faire prendra comme point de départ l'analyse d'un corpus central de l'histoire des troubadours. Dans cette période charnière, nous étudierons dix troubadours dont il ne reste qu'une à quatre chansons avec la mélodie. Cette étude suivra deux directions principales : les modes d'élaboration du discours musical et littéraire ainsi que les procédés internes utilisés pour mettre en relief ce discours. Dans un contexte de transmission orale du savoir, nous verrons comment le troubadour peut concevoir et transmettre ses chansons sans écrire et comment la mélodie n'est pas conçue d'une autre manière que le texte. La thèse développe donc une approche des conditions poétiques et des formes rhétoriques du discours inhérent à l'art de trobar susceptible d'approfondir les contours d'une conjonction subtile qui se résume dans l'expression fameuse "faire le mot et le son".

L‘étude de notre corpus porte sur les chansons d‘amour et d‘ami gallaïco-portugaises datées de la fin du XIIème jusqu‘au milieu du XIVème siècle. La problématique consiste à déterminer quelle dialectique entretiennent le troubadour et la figure féminine à travers ces deux genres lyriques dans le cadre de l‘amour et de l‘érotisme. Leur rapport amoureux repose sur une dialectique soit platonicienne, soit hégélienne, en fonction du genre lyrique, de la thématique de l‘amour et de l‘érotisme, de leur appartenance sociale, de la référence aux histoires amoureuses réelles et imaginaires de l‘époque, mais aussi de la matière, de la forme, de l‘origine et de la source d‘influence de la chanson. Le regard porté sur la femme dans la société médiévale ibérique a subi l‘influence d‘un double discours entretenu par les Penseurs de l‘Église qui a consisté, d‘une part à inférioriser la femme en la rendant responsable du péché originel, et d‘autre part à lui associer une image maternelle et mariale tout à la fois. Face à cette vision, le troubadour entend concevoir une nouvelle image féminine dans ses compositions lyriques, selon deux modèles de représentation. D‘abord, il décrit une figure féminine abstraite et inaccessible dans un espace et un temps sacrés à travers une peinture érotique de l‘amour. Cette figure s‘apparente à celle de la Dame de la cour, de la comtesse de Tripoli ou de la Vierge Marie. Mais aussi, proche de lui, il la met en scène dans des récits amoureux conformes au monde profane et à la réalité historique et sociale, en faisant une jeune femme célibataire ou mariée, appartenant soit à la noblesse, à la bourgeoisie, ou à la paysannerie
The study of our corpus is about the gallaïco-portuguese songs of love and friend dated from the late twelfth to the mid-fourteenth century. The problem is to determine what dialectic maintain the troubadour and the feminine face through the two lyric genres in the context of love and eroticism. Their loving relationship is based on a dialectic either Platonic or Hegelian, depending on the lyric genre, the theme of love and eroticism, their social class, the reference to real and imaginary loving stories of the period, but also of the material, the shape, the origin and the source of influence of the song. The glance carried towards the woman in the iberian medieval society was under the influence of a double speech maintained by the Thinkers of the Church which consisted, on one hand to minimize the importance of woman in making responsible original sin and on the other hand to associate her a maternal image and Marian quite at the same time. In front of this vision, the troubadour intends to design a new image of woman in his lyrical compositions, according to two models of representation. At first, he describes an abstract and inaccessible feminine face in a space and sacred time through an erotic paint in the love. This face is similar to that of the Lady of the court, the countess of Tripoli or the Virgin Mary. But also, near him, he depicts her in loving narratives corresponding to the profane world and to the historic and social reality, as a young woman married or single, belonging either to the nobility, the middle-class, or the peasantry

La thèse propose une nouvelle édition critique du corpus lyrique du troubadour Guilhem Figueira (BdT 217), originaire de Toulouse mais actif principalement en Italie du Nord dans la première moitié du XIIIe siècle. Poète représentatif du climat historique et culturel toulousain à l’époque de la croisade contre les Albigeois, protagoniste de la diaspora de poètes et intellectuels et membre d’un cercle idéal de troubadours frédériciens, Figueira nous a laissé une chanson d’amour, deux sirventes contre la papauté de Rome et les faux clergés, deux sirventes pour Frédéric II et deux chansons de croisade. Il échangea aussi deux coblas et une tenson avec Aimeric de Peguilhan (BdT 10). Par rapport à l’édition de référence (Emil Levy, 1880) on a inclus une cobla esparsa anonyme contre Sordel (BdT 437) conservé dans le chansonnier P ; par contre, on a décidé de ne pas accueillir les deux pièces qui lui sont attribuées par le chansonnier a2. On a fourni une étude de la tradition manuscrite, qui compte aujourd’hui cinq nouveaux témoins, avec une mise à jour de la bibliographie ; une étude des thèmes, de la métrique et de la langue de Figueira, une traduction des pièces en italien et un commentaire ponctuel des textes ; un glossaire complet et deux annexes (l’édition du sirventes BdT 217.4a qu’on n’a pas jugé authentique mais qui sert pour l’interprétation d’une autre poésie et les premiers résultats d’une recherche sur Emil Levy éditeur de troubadours, avec l’édition de neuf lettres qu’il envoya à Ernesto Monaci entre 1879 et 1887 et que nous avons trouvé à Rome)
The thesis proposes a new critical edition of the lyric production by Guilhem Figueira (BdT 217), who was born in Toulouse and active during the first half of the XIIIth century, mainly in Northern Italy. Figueira’s corpus is representative of the historical and cultural climate in Toulouse during the Albigensian crusade; he was himself a protagonist of the diaspora of poets and intellectuals and a member of an ideal circle of Friderician troubadours. He left a love song, two sirventes against the papacy and the false clergy, two sirventes for Frederic II and two crusade songs. He also exchanged two coblas and one tenson with Aimeric de Peguilhan (BdT 10). In comparison with the critical edition by Emil Levy (1880), we have included an anonymous cobla esparsa against Sordel (BdT 437), preserved by the chansonnier P; on the other hand, we have decided not to accept two other poems assigned to him by a2. The thesis opens with a study of the tradition, which today includes five new witnesses, with an update of the bibliography; we have provided a study of themes, metric and language of Figueira, an Italian translation and a punctual commentary of the poems; a complete glossary and two appendices (the edition of sirventes BdT 217.4a, which we considered inauthentic but helpful to the correct interpretation of another poem; and the first results of a research on Emil Levy editor of troubadours, with the edition of nine letters he sent to Ernesto Monaci between 1879 and 1887 that we have found in Rome)

La poésie religieuse vernaculaire médiévale présente de grandes diversités selon les littératures nationales : elle est, en même temps, celle qui se prête le plus facilement à une étude comparative parmi les thématiques littéraires, du fait de sa référence, commune, à la littérature latine biblique et hiératique. Cette thèse examine les chansons pieuses françaises, occitanes et galiciennes d'avant 1350 d'après divers points de vue. L'examen de la tradition manuscrite, de la conscience historique du genre, des auto-désignations, des chansonniers et l'analyse des questions de la théorie littéraire se complètent dans cet essai de définition : que signifie un genre lyrique au Moyen Age, déterminé par sa thématique ? Mon second objectif était de réfuter les faux stéréotypes concernant le statut de l'imitation métrique dans la poétique médiévale et d'élucider son rapport avec le genre " chanson pieuse ", dans la perspective d'une nouvelle définition de la poésie courtoise occidentale
This thesis examines the entire corpus of French, Occitan and Galician religious poetry composed by the troubadours and the trouvères from the 12th to 14th century. Critics, past and present, have largely ignored these poems and considered them poetically poor and uninteresting. Although, the poetry of the troubadours has for the last two decades been a popular object of intertextual analyses, both for the writing and for the interpretation of medieval poetry, religious poetry fails to get the attention it deserves. Through careful analysis, inventory, and comparison of the poems, and by combining different critical positions, I demarcate the corpus, and conceptualise the problems that this poetry presents. To contribute to the accessibility and "readability" of Early Medieval poetry, I try to propose a definition of Lyrical Poetry in its integrity

Cette thèse étudie la vie sociale d'aujourd'hui en Union soviétique àa travers la chanson, miroir social. Elle examine les rapports complexes des créateurs et du pouvoir. C'est aussi une anthologie des principales chansons soviétiques du XXème siècle et de leur thématique. Ce travail présente les trois grandes composantes de la chanson soviétique actuelle : la chanson de variétés "chanson de masse" appelée "l'estrade"), la chanson poétique (les chansons des "bardes" comme Okoudjava, Vvissotski, Galitch et Veronika Dolina, une nouvelle venue) et le rock soviétique. Les analyses sont principalement basées sur la presse soviétique et la presse française. Beaucoup des chansons ont nécessité une recherche avant d'être traduites. La plupart d'entre elles n'ont jamais été ni publiées ni enregistrées de manière officielle sur disque ou sur cassette. Leur signification profonde réside dans l'ambigüité du non-dit. Cette recherche est un moyen de mieux comprendre ce qu'il y a d'unique dans la vie et dans l'âme du peuple soviétique
This thesis is a study of the Soviet social life of today as reflected through song for song is a social mirror. It addresses the complex relationship between creators and political powers. It is an anthology of the main songs of the XXth century and of their topics. On a deeper level, it deals with the three great components of modern-day Soviet song : variety song ("mass song" called "the estrade"), poetic songs (the songs of the "bards" : Okoudjava, Vissotski, Galitch and Veronika Dolina, a new comer) and the soviet rock. The analyzes are based mostly on the Soviet and French press. All the songs have been researched and translated. Many of which have never been published nor recorded. Much of their significance lies hidden in the unsaid. This investigation led to a better understanding of the uniqueness of the social life and the soul of the Soviet people

L’étude de la représentation des personnages marginaux permet de mieux comprendre le paradoxe qui entoure la réception des œuvres concernées. La chanson parvient en effet à créer un message consensuel et efficace en convoquant des personnages auxquels l’auditeur ne devrait pas pouvoir s’identifier. Les trois parties de notre recherche, consacrées à la marginalité sexuelle, à la délinquance et à la folie s’interrogent à partir d’une série d’analyses stylistiques de chansons, envisagées à réception. Ces analyses permettent d’aborder dans toute leur complexité les rapports qui unissent une société aux chansons qu’elle produit. Ces rapports, qui évoluent sans cesse, sont particulièrement significatifs au cours des années qui suivent 1968, période dont les mutations économiques et idéologiques influencent encore notre imaginaire collectif
Analysing the representation of unconventional figures allows a better understanding of the paradox which surrounds the reception of the regarded works. Indeed, songs succeed in creating a federative and efficient message by inviting people to whom the audience shouldn't normally identify with. The three parts of the present work - dedicated to sexual marginality, criminality and insanity- ask the question through a series of stylistic analyses of songs, considered from the reception point of view. These analyses allow an approach of the complex relationships which link a society to the songs she creates. These relationships, in constant evolution, are particularly relevant within the years following 1968, a period whose economic and ideological changes are still acting upon our common imaginative world

Cette étude vise à présenter les possibilités de l'expression concessive dans la poésie des troubadours des XIIe et XIIIe s. D'une figure rhétorique initiale, la concession devient une notion grammaticale dès le XVIIe s. Au XIXe s. Les grammairiens la définissent comme une proposition qui, tout en mettant obstacle à une action, ne l'empêche pas d'avoir lieu. Après la disparition des conjonctions concessives latines, les langues romanes naissantes recréent des moyens grammaticaux afin de combler ce vide. La concession figure dans les premiers écrits occitans du XIe s. , le Boecis et La Chanson de Sainte Foy. Au tournant du XIe s. , Guilhem d'Aquitaine, premier troubadour connu, emploie également la concession. Les 2806 chansons des 461 troubadours étudiés proposent une diversité de structures paratactiques et hypotaxiques qui coexistent. Hormis les extensionnelles scalaires et non scalaires rencontrées dans les locutions figées, les deux locutions conjonctives si tot et si be sont l'instrument par excellence de l'expression concessive grâce à leur particularités syntaxiques, telles que l'antépostion, l'intercalation et postposition de la concessive par rapport à la principale. En outre, une analyse des chansonniers provençaux révèle des rapports de synonymie syntaxique entre les formes concessives et leurs variantes, ce qui semble confirmer les liens de parenté supposés exister entre les manuscrits. Une éventuelle explication de cet emploi se trouve dans la fin'amor qui " se veut sublimation du désir, dans l'inachèvement de la conquête. " Ainsi, les poètes utilisent la concession afin d'exprimer leurs souffrances et leur désespoir face à ce désir inaccompli
This analysis aims to show the possibilities of concessive expression in the poetry of the troubadours of the 12th and 13th century. Initially a figure of speech, this expression becomes a grammatical notion from the beginning of the 17th century. During the 19th century the grammarians describe it as a clause hindering an action that will yet occur. When the Latin concessive conjunctions disappeared, the arising Romanic languages have to recreate new grammatical forms in order to fill in the gap. Concessive conjunctions are already represented in the oldest Provençal writings of the 11th century, Le Boecis and La Chanson de Sainte Foy. In the beginning of the 12th century, Guilhem d'Aquitaine, the first troubadour to be known, also used concessive structures in his poetry. The 2,806 poems of the 461 poets offer a great diversity of paratactic and hypotactic structures coexisting in the poetry. Except for the indefinite relatives that also appear in stereotyped expressions and other conjunctions, the two most important terms are “si tot” and “si be” with their syntactical characteristics like first position, integration and post position in relation to the main clause. Furthermore, the study of Provençal manuscripts reveals a syntactical symmetry between concessive terms and their variants and thus confirms the idea of a relationship among manuscripts. Finally, the frequent use of concessive clauses in Provençal poetry can probably be explained by the “fin'amor” that conveys the opposition between two realities as the impossible love between poet and lady

Ce travail présente, à travers l'étude de trois genres littéraires, la poésie, la chanson et la nouvelle, la décennie soixante-dix en Thaïlande, caractérisée par une agitation et un engagement inhabituels dans ce pays. Engagés contre la présence américaine et l'invasion économique japonaise, défendant la main-d'œuvre, paysans et ouvriers, les étudiants, soutenus par la population, mènent des actions qui aboutissent à la grande manifestation d'octobre 1973 et au départ des dictateurs en place. Une période plus démocratique de trois années s'ouvre alors. Elle sera sévèrement interrompue en octobre 1976, avec le retour au pouvoir des militaires. Après une première partie qui présente la littérature en Thaïlande depuis les origines, au XIIIème siècle, la deuxième partie trace un portrait de la société thaïe à cette époque, d'un point de vue historique et social. La troisième et dernière partie présente des extraits de poésies, de chansons et de nouvelles de la décennie soixante-dix. Les textes, caractérisés par une grande sincérité, révèlent l'espoir d'une société plus juste. Décrivant la condition difficile du peuple, tentant de trouver et de proposer des solutions, appelant à la mobilisation et à la lutte, ces œuvres ont pour vocation d'éveiller la conscience sociale d'une population opprimée mais résignée, d'une part pour des raisons religieuses, d'autre part élevée dans une tradition de respect envers le roi et les dirigeants. Ces écrits, poésies, chansons et nouvelles, qui n'ont certes pas été un détonateur suffisant pour un changement en profondeur, tracent le portrait d'une époque, vu par ses écrivains et ses artistes
This work presents a period in Thailand's history through the study of three different literary genres, poetry, song and short story. The 1970's were marked by an unusual instability and socio-political commitment. Students assembled to fight against the military government's authority, against the American presence and the Japanese economic invasion, defending manpower, peasants and factory workers. Their actions, backed up by the population, would lead to the big march of October 1973 and to the departure of the dictators. The three years period, which followed, was more democratic, though in October 1973 it would be severely interrupted by the return of the military to power. The first part of this work presents Thailand's literature from its origins to the XIII century; the second part depicts Thai society during the 1970's, from a social and historical perspective. The third and last part of this study presents extracts of poetry, songs and short stories from the 1970's. The texts are characterised by a great sincerity, revealing the society's hope for a greater justice. These works describe the people's difficult condition, they try to find and suggest solutions, calling for mobilisation and resistance. They aim to awaken the social conscience of oppressed and resigned people, resigned because of religious beliefs and because they are educated in the tradition that shows respect towards the king and the leaders. These writings, poetry, songs and short stories, which have not been enough to initiate a deep change, however, do bare passionate witness to this era

"Gaufrey" est une chanson de geste tardive de 10746 alexandrins dont le seul manuscrit, daté de la deuxième moitié du XIVème siècle, est conservé à la Bibliothèque de l'Ecole de Médecine de Montpellier. Elle s'insère dans un ensemble de sept chansons du cycle des Barons Rebelles, " Gaufrey " suivant " Doon de Maience " et précédant " Ogier le Danois ". L'étude de la langue met en évidence la dominante picarde du manuscrit. L'étude littéraire, à partir d'une étude croisée des personnages, recherche les liens qu'établit le poète entre sa chanson et celles qui l'ont précédée. Epopée, merveilleux et romans mêlés caractérisent cette chanson de geste tardive, sans qu'on y décèle la " décadence " d'un genre. Le personnage de Gaufrey est présenté comme l'aîné des douze fils de Doon de Mayence, et le père d'Ogier ; avec le fils aîné de Garin de Monglane, Hernaut de Biaulande, il va devoir délivrer son père, Doon, et Garin capturés par les Sarrasin. Le rôle du traître est joué par un des frère auprès de Charlemagne. Mais les deux véritables héros sont d'une part un vassal de Garin, Robastre, d'autre part une jeune Sarrasine, Flordespine, dont les ruses vont animer l'action
"Gaufrey" is a 10746 alexandrines epic poem whose single manuscript, dated from the second half of the fourteenth century, is preserved at the Montpellier Ecole de Médicine Library. It is part of a group of seven poems from the Rebel Barons cycle, " Gaufrey " following " Doon de Maience " and preceeding " Ogier le Danois ". The study of the language reveals a chief characteristic of Picardy. The study of the characters searches the connections between the poem and those who preceeded it. Epic, supernatural and romance are combined in this late epic poem without any " decadence ". Gaurfey is the oldest of the twelve sons of Doon de Maience, and the father of Ogier ; with the oldet son of Garin de Monglane, Hernaut de Biaulande, he has to rescue his father, Doon, and Garin captured by the Saracens. Grifon, the traitor and Gaufrey's brother, is presented as Ganelon's father. He slanders his brother near Charlemagne. But the two genuine heroes are on the one hand Robastre, on the other hand a young saracen woman, Flordespine, whose tricks will animate the action

Notre étude se fonde sur un corpus homogène de chansons françaises composées entre c. 1400 et 1425. Le répertoire pris en considération a été établi à partir des anciens cahiers (V à VIII) du manuscrit Oxford bod. 213. Nous avons sélectionné, sur critère stylistique, 82 compositions. Celles-ci font montre de nombreuses caractéristiques, notamment structurelles, que nous soulignons dans notre étude à travers l'exemple, principalement, des chansons attribuées à Richard Loqueville et Pierre Fontaine. Ces deux compositeurs témoignent, dans leurs compositions respectives, d'une grande cohérence stylistique et d'une maîtrise remarquable de certains idiomes qui s'apparentent à des « formules récurrentes et stéréotypées ». En cela, ils peuvent être considérés comme de parfaits représentants de l'esthétique musicale communément désignée sous l'appellation du « nouveau style ». La première partie de notre étude porte principalement sur la mise en évidence et l'interprétation fonctionnelle de certaines « formules » rythmiques dont l'emploi systématique au sein des chansons étudiées impose le sentiment d'une grande homogénéité du répertoire. La seconde partie de ce travail souligne plus spécifiquement l'aspect « protéiforme » du corpus étudié et témoigne de l'interchangeabilité de ces « formules ». Nous y formulons de nombreuses hypothèses liées à la transmission du répertoire et à l'influence, souvent manifeste, des scribes dans ce processus. Nous élargissons alors nos discussions à des chansons anonymes et à d'autres compositeurs tels Briquet et Johannes Cesaris. L'ensemble des chansons étudiées est accessible en annexes sous forme de transcriptions
Our study is based on an homogeneous corpus of French songs composed between circa 1400 and 1425. The repertory taken into account appears in the earliest gatherings (V-VIII) of the famous manuscript Oxford bod. 213. On stylistic criteria, we selected 82 compositions, which share many of the characteristics, especially structural, emphasized through our analyses of songs ascribed to Richard Loqueville and Pierre Fontaine. These two composers show, in their respective work, an impressive stylistic coherence and a remarkable control of certain idioms which could be interpreted as “recurring and stereotyped formulas”. Thus, they can be regarded as perfect representatives of the musical aesthetic commonly called the “new style”. The first part of our study shows many structural characteristics and proposes a functional interpretation of certain rhythmic “formulas” which are systematically employed within the studied songs. It mainly discusses the homogeneity of the repertory. The second part of the study underlines more specifically the “inconsistent” aspect of the studied works and show that many of the rhythmic and melodic “formulas” are interchangeable. We propose many assumptions related to the transmission of the repertory and to the influence of the scribes in this process. The second part is mainly exemplified by songs ascribed to Briquet, Johannes Cesaris and by anonymous songs. All the studied songs are accessible as transcriptions in the appendices of our study

Cette thèse est une réflexion littéraire sur le genre oral "sova tsimihety". Le sova est avant tout un chant populaire tsimihety. Un chant traditionnel, remanié sans cesse pour répondre à l'attente d'un public en pleine évolution. Le poète oral Mpisova chante alors la vie, la nature, la société, dieu et l'univers. Mais c'est un chant destiné à créer le "merveilleux" dans ce qui est de plus simple et à démystifier ce qui parait le plus extraordinaire. Mais c'est aussi un chant destiné où la femme reste la femme objet désirée, aimée et vénérée. Ainsi donc, le sova est un chant, une poésie parvenue à son expression suprême où la parole, le chant et la danse se confondent dans une harmonie parfaite. Si le sens premier du mot sova est soleil, lumière éblouissante, extraordinaire, il désigne surtout la danse et le chant merveilleux, la poésie
This study is a literary reflexion about the oral genre "Tsimihety sova". The sova is above all a Tsimihety popular song. A traditional song, reshaped every time to reply to expectation of the public at full evolution. The oral poet Mpisova sings at the time the life, the nature, the society, god and the universe. But this is a song destined to produce the "marvellous" in everything moreover simple, and to demystify everything that appears the most extraordinary. It is also a song of love where the woman is desired, loved and venerated. So the sova is a song, a poetry reached at his supreme expression where talk and dance merge in perfect harmony. If the first sense of the word sova is sun, extraordinary light, it means also dance, marvellous song and poetry

Arnold et Hugo de Lantins, deux compositeurs franco-flamands actifs dans les années 1420-1430, nous ont laissé un ensemble de 32 chansons, dont trois sont d'attribution douteuse. Comme ni les documents historiques ni les données paléographiques ne permettent d'attribuer de ces trois chansons à l'un ou à l'autre, une tentative d'attribution ne peut que reposer sur des critères stylistiques. L'analyse repose sur la reconnaissance de l'organisation des voix en un duo indépendant auquel est adjoint un contraténor secondaire, et en second lieu, sur la distinction entre le contrepoint simple et le contrepoint fleuri. Grâce aux règles énoncées par les théoriciens, il est possible de retrouver le niveau du contrepoint simple en procédant par réductions successives. Ce n'est que dans un second temps que sont abordés les éléments du contrepoint fleuri qui constituent le style proprement dit : éléments rythmiques, harmoniques et mélodiques auxquels est ajouté un développement sur l'imitation. La relation entre la structure poétique et la structure musicale s'appuie sur le modèle prosodique proposé par Graeme Boone. Ce modèle nous permet de montrer comment les articulations poétiques s'organisent par rapport aux articulations musicales, notamment dans le cadre des entrées en imitation. La relation entre la structure poétique et la structure musicale s'appuie sur le modèle prosodique proposé par Graeme Boone; Ce modèle nous permet de montrer comment les articulations poétiques s'organisent par rapport aux articulations musicales, notamment dans le cadre des entrées en imitation. Il ressort que les deux chansons "Chanter ne scay" et "Mon doulx espoir" sont stylistiquement très proches et attribuables à Hugo de Lantins, tandis que les données sont plus difficiles à interpréter pour "ung seul confort". Une extension de la méthode propose de nouvelles attributions mises en doute par les chercheurs
Arnold and Hugo de Lantins, two Franco-Flemish composers florishing between 1420 and 1430, have left us a set of thirsty-two songs, three of which are from doubtful ascription. As neither historical documents nor paleographical data can helps to credit one or the other composer with those three songs, an attempt for an ascription will only rest on stylistic criteria. The analysis firstly rests on the assertion of the organisation of the voices in an independent duet to which a secondary contratenor is added, and secondly, on the distinction between simple and florid counterpoint. On the basis of rules stated by theoreticians, it is possible to reach the level of simple counterpoint by means of successive reductions. It is only in a second phase that the elements of florid counterpoint - which make up style so to speak - are dealt with : rhythmic, harmonic and melodic elements, as well as imitation to which a chapter is devoted. The relation between the poetical and musical structures rests on Graeme Boone's prosodic pattern. This pattern allows us to show how poetical articulations are arranged in relation to musical articulations, particularly in the context of entries in imitation. What emerges is that both songs "Chanter ne scay" and "Mon doulx espoir" are very close on a stylistic level and attributable to Hugo de Lantins, whereas the data for "Ung seul confort" are more difficult to interpret. An extension of the method suggests new ascriptions for the anonymous songs of fascicule III of the Oxford manuscript, and confirms some other ascriptions once questioned by scholars

Cette thèse établit l'histoire du Caveau, société de chansonniers fondée à Paris en 1729, dans le quartier de la foire Saint-Germain, par Piron, Pannard, Gallet, Colle et les deux Crébillon. Cette société s'est perpétuée jusqu'au seuil de la Seconde Guerre mondiale, à travers différents avatars, entrecoupés de quelques périodes de discontinuité : Caveau de Crébillon père (1729-1739), Caveau de Crébillon fils (1762-1777), Diners du Vaudeville (1796-1801), Caveau moderne (1805-1815), Soupers de Momus (1815-1825), Réveil du Caveau (1825-1827), Les Enfants du Caveau (1834-1837), Le Caveau (1837-1915 ), Le Caveau (de l'entre-deux guerres) (1919-1939). Cette pérennité exceptionnelle du caveau s'explique par le fait que ses réunions satisfaisaient à la fois trois grandes tendances françaises : goût de la chanson, goût de la table et du vin, goût de la convivialité. Par ailleurs, le Caveau joua un rôle important dans l'histoire de la création collective : d’une part ses membres collaboraient souvent pour produire "en société" des œuvres diverses (opéras comiques, opéras, comédies, parodies vaudevilles, romans, etc. ); d'autre part tous s'efforçaient d'améliorer, par une critique sincère et constructive, les œuvres personnelles de chacun, lues en cours de rédaction. Parmi les membres les plus notoires citons : Piron, Pannard, Gallet, Colle, Crébillon, Rameau, Saurin, Boucher, Duclos, Helvetius, Marmontel, Laujon, Piis
This thesis tells the history of the Caveau, a society of poet-song writers and singers, founded in 1729, Saint-Germain des Prés, Paris; by Piron, Colle, Gallet, Pannard and the two Crébillon. This society existed with a few interruptions until the beginning of the Second World War through different periods and under diverse avatars. The exceptional longevity ty of the Caveau is explained by the fact that these reunions satisfied three French traits: the love of song, food and wine, and companionship. The Caveau also played an important role in the creation of collective literature. On one side, its members often collaborated collectively in the creation of different works (operas, parodies, comedies, vaudevilles, novels, etc. ). On the other side, each member by constructive and sincere criticisms, helped improve the works of the others in collective readings. Amongst the most notorious members Piron, Pannard, Colle, Crébillon, Helvetius Rameau, Boucher, Marmontel, Laujon, Segur, Desaugiers, Beranger, Charles Nodier, Jules Janin, Gustave Nadaud, Pierre Dupont, Xavier Privas. More than twelve thousand songs were sung at the Caveau over its two centuries of existence and their written music are conserved in the "Clé du Caveau"

Avatar d'antiques interventions chorales, le refrain de la chanson francaise est ou detache ou integre au couplet. La typologie fait appel aux criteres de variabilite (r. Fixe ou a variation) et de position (r. Detache initial; r. Integre epistrophique, epiphorique, antepiphorique). Le r. Detache, strophique compte en principe au moins seize syllabes organisees en quatre cellules receptives; ces contraintes ne concernent pas le r. Integre. Types et fonctions ont connu des fortunes changeantes au xxe s. L'etude semiologique degage des traits contrastifs (externes) opposant couplet et r. ; des traits pertinents, propres au r. (intrinseques) : motivation thematique, qui commande l'autonomie (r. Detache "populaire") ou l'integration du r. (r. "lettre); limpidite, qui reunit implicite et intelligibilite; lyrisme, vecteur des valeurs affectives. S'y ajoutent deux traits contextuels (externes) : rupture et repetition. Quatre fonctions majeures sont attribuees au r. Detache: f. Structurelle (organiser la chanson en ensemble bimodulaire), f. De cloture, f. D'adhesion (seduire), f. De perdurabilite (assurer les conditions de la survie du texte). Participant a une structure strophique unimodulaire, le r. Integre, dont la fonction majeure est poetique, assume la clausule strophique en mettant en exergue le theme de la chanson
The refrain of the french popular song, avatar of ancient choral traditions, is detached from or integral to the verse. Typology uses criteria of variability and position (the initial detached refrain, the epiversal, epiphoric or antepiphoric integrated refrain). The detached versal refrain usually contains at least sixtenn syllables, organised into four perceptual units. These constraints do not apply tothe integrated refrain. The popularity of these types and forms has varied throughout the century. Semiologic study reveals contrasting (external) traits, which oppose verse and refrain and pertinent traits, belonging to the refrain itself. Pertinent (or intrinsic) traits are: thematic motivation, which confers either the autonomy (as in the detached "folklore-type" refrain), or the integration of the refrain (as in the literary or "poetic" refrain); limpidity, which satisfies the need for simplicity and intelligibility); lyricism, vector of affective values. Two external contextual traits may be added : break and repetition. The detached refrain is said to have four principal functions: the structural function (to organize the song in a bi-modular whole); the function of clusure; the function of attraction (to attract or seduce the listener); and the function of perdurability (to ensure the continued popularity of the text). Occuring in a uni-modular versal structure, them integrated refrain; whose primary function is poetic, provides versal clausula by emphasizing the theme of the song

L’objectif général de cette thèse est de contribuer à l’enrichissement des connaissances sur la vie culturelle et musicale des années 1920. En s’appuyant sur l’œuvre de Roméo Beaudry, il s’avère qu’un corpus typiquement associé à la culture anglophone états-unienne peut constituer un jalon déterminant de l’histoire de la chanson populaire canadienne-française. Pour rendre possible une telle équation, les deux premiers chapitres dressent le portrait des lieux de productions et de réception en insistant sur la place octroyée à la diffusion de la chanson. Certaines habitudes et conventions, bousculées au début du XXe siècle, allaient avoir un impact significatif sur le développement des rapports entre les auditeurs, les œuvres, les lieux de réception et les médias. Le chapitre 1 décrit la façon dont ces rapports ont ébranlé les frontières géographiques, langagières et génériques tout en multipliant la diversité musicale et en offrant une plus grande diffusion. Le chapitre 2 suggère que des facteurs dynamiques et complexes tels que les temps de loisirs et les modalités de l’écoute ont pu modifier la réception des œuvres. La pluralité des lieux et des médias contribuait alors à la constitution d’un public hétérogène du point de vue de sa condition sociale et de son mode d’écoute de la chanson. En prenant acte de l’abondance de la musique états-unienne et des chansons traduites en français, la deuxième partie de la thèse démontre que cet imposant répertoire peut signifier autre chose qu’une américanisation, autre chose qu’une forme d’assimilation. Au chapitre 3, j’emprunte à la traductologie, à la littérature et à la musicologie des modèles d’analyse qui permettent l’identification des processus de transformation menant à la traduction d’une chanson. L’adaptation ciblée de la transtextualité de Gérard Genette montre que la transposition d’un texte et la transcription d’une mélodie peuvent maintenir ou modifier radicalement le sens d’une chanson. L’élaboration du modèle et l’analyse spécifique de trois œuvres de Beaudry au chapitre 4 présentent un acteur important du monde de la chanson populaire canadienne-française et font voir comment la traduction et l’imitation peuvent mener à l’appropriation créative d’une œuvre reflétant à la fois une culture locale et continentale.
The overall objective of this thesis is to contribute to the development of knowledge on cultural and musical life in the 1920s. Based on the work of Roméo Beaudry, a repertoire of songs typically associated with the culture of the United States can serve as a milestone in the history of the French-Canadian popular song. In this regard, the first two chapters describe the locations of song production and reception with a focus on the role of music distribution. Habit changes at the beginning of the twentieth century would have a significant impact on the development of relations between auditors, works, reception venues and media. Chapter 1 describes how these relations have shaken geographical, language and generic boundaries while increasing musical diversity and offering a wider music circulation. Chapter 2 suggests that dynamic and complex factors such as leisure time and listening habits may have altered the reception of popular songs. The plurality of locations and medias also contributed to the formation of a heterogeneous public. Noting the abundance of popular music in the United States and the numerous songs translated into French, the second part of the thesis shows that this imposing repertoire can mean something other than Americanization, something other than a form of assimilation. In Chapter 3, translation, literature and musicology studies provide analysis models that allow the identification of the transformation process leading to a song’s translation. The adaptation of Gérard Genette’s transtextuality shows that the transposition of a text and the transcription of a melody may maintain or radically change the meaning of a song. In Chapter 4, the model is applied on three specific songs. At the outcome, Beaudry is defined as an important player in the world of French-Canadian popular songs and it is shown how translation and imitation can lead to a creative appropriation of a work reflecting both local and continental cultures.

La chanson tunisienne est un genre musical apparu vers la fin du dix-neuvième siècle. Aujourd'hui, il domine la pratique musicale en Tunisie, au niveau de la production et au niveau de la consommation. Ce travail consiste en une approche technique puis sociologique de ce genre. L'approche technique englobe une étude du texte littéraire, du support musical et de l'interprétation. L'approche sociologique consiste en une étude "extra-musicale" sur la production puis sur la consommation de la chanson. Cette recherche a permis de définir musicalement la chanson tunisienne, puis d'en établir différentes typologies, en fonction de la forme du discours, du niveau de langue, du mouvement prosodique, de l'aspect sémantique, des rythmes, des modes, de la structure formelle, de la structure rythmico-temporelle, des orchestres, de la conception orchestrale, du type d'exécution, du rôle de la chanson dans la société, des lieux de pratique de la chanson, des modes de perception et des modes de comportement de l'auditeur. A travers ce travail, nous avons souhaité, d'une part, réaliser un document complet sur la chanson tunisienne et, d'autre part, proposer un modèle d'étude pour d'autres manifestations de la chanson dans le monde.

Du 17ème au 20ème siècle, les chansons et cantiques en langue bretonne ont été composés sur timbres, c’est-à-dire sur des airs préexistants, généralement connus du public auquel ils étaient destinés. Les formules désignant ces timbres, précédées de l’expression war don...(sur l’air de…), reprenaient le titre ou l’incipit d’un texte de référence. Le dépouillement des compositions – publiées sur feuilles volantes, recueils, livrets, périodiques ou demeurées à l’état de manuscrits – disséminées dans les bibliothèques publiques et les collections privées a permis d’établir un vaste corpus de plus de 5700 chants comportant ces formules désignatives. L’identification de celles désignées en breton a conduit à la constitution d’un catalogue contenant 873 notices regroupant une ou plusieurs versions musicales du timbre ainsi que l’ensemble des chansons et cantiques retrouvés qui s’y réfèrent. L’analyse de ces timbres, replacés dans leur contexte historique, a également permis, de comprendre selon quels critères ils ont été choisis par les auteurs. C’est donc à travers leur dimension lyrique, rarement étudiée jusqu’à présent, que ce travail souhaite contribuer à une meilleure connaissance des chants profanes et religieux en langue bretonne
From the 17th to the 20th century, songs and hymns in Breton language were often composed to “timbres”, that is to say they were set to pre-existing music already familiar to the public concerned. The formulas naming these timbres, preceded by the expression war don... (to the tune of...), were referring to the title or the incipit of a song. The perusal of compositions – published in broadsides, books, chapbooks, newspapers or in original manuscripts – scattered in public libraries and private collections helped to establish a large corpus of over 5700 songs bearing such formulas. The identification of those written in Breton has led to the constitution of a catalogue containing 873 entries with one or more musical versions of the tunes together with all the songs referring to them. The analysis of these “timbres”, set in their historical context, has likewise helped to clarify the criteria by which they were chosen by the authors. Through exploring and documenting this lyrical dimension, which has rarely been studied so far, this research aims at giving a better understanding of both secular and religious songs in the Breton language

La tradition litteraire d'ogier le danois temoigne d'une longevite exceptionnelle, et d'un corpus particulierement varie. Outre qu'elle a suscite une continuation en decasyllabes et deux remaniements ( en alexandrins puis en prose), la chevalerie osier, chanson de geste du debut du xiiie siecle a inspire plusieurs auteurs, de la fin du moyen age au debut de la renaissance adenet le roi jean d'outremeuse, francois habert), a ete adaptee dans la bibliotheque universelle des romans au xviiie siecle et fait partie du catalogue de la bibliotheque bleue jusqu'a la fin du xixe siecle. L'etude de l'oeuvre permet donc d'interroger le devenir du genre epique apres le moyen age: pourquoi lit-on des textes derives de chansons de geste, comment les ecrit-on? apres avoir determine les conditions de production et de consommation, l'horizon d'attente qu'impliquent es differentes versions, et defini le cadre generique de reference, l'etude s'attache tout d'abord a histoire de la forme epique (structure, procedes litteraires, instance narrative), facteur decisif de la transformation du genre. Dans un deuxieme temps, l'analyse de la thematique des oeuvres permet de mesurer la relative stabilite de la place accordee a la guerre et a la religion, en depit d incertitudes ideologiques croissantes, et malgre le developpement d'un merveilleux d'origine celtique qui ne doit rien a la tradition epique. La derniere partie est consacree a la representation des personnages : l'etude des figures du pouvoir montre que l'interrogation politique portant notamment sur les rapports entre le roi et le heros, son bras arme, demeure un des soucismajeurs de ces textes. Le role nouveau joue par les compagnons du heros, ainsi que l'application partielle de procedes romanesques dans l'elaboration de celui-ci revelent d'autre part les influences qui travaillent le genre, sans pourtant le denaturer completement. Au total, il apparait que c'est precisement le caractere communautaire et patriotique de la legende qui assure la survie de cellefortei'nitt6. ~wres jus(lu'au bout'le texte reste epl(lue~ meme sous une ^ parfois s^srcette pennanence qu1 cause sa perte quand le genre cesse de satisfmre

Ce travail a pour objet l'étude des phénomènes de plurilinguisme dans la chanson française contemporaine. À travers son intermédialité et son oralité, la chanson met en avant les caractéristiques sonores des langues. Elle offre de nombreuses possibilités d'exploiter la diversité de ces dernières sur le plan esthétique. En même temps, cette diversité des langues renvoie elle-même à la diversité culturelle. La chanson plurilingue est entendue comme un support priviligié pour exprimer, construire ou symboliser les multiples dynamismes dans les processus identitaires inter et transculturels. Ces fonctionnements culutrels et identitaires de la chanson multilingue sont mis en avant à travers une approche thématique, notamment dans les parties analytiques. À l'aide d'exemples choisis, cette étude dresse un panorama des différentes formes, fonctions et thèmes de la chanson plurilingue contemporaine.

Le double dit la ressemblance de deux individus qu'il place dans un jeu de miroir. C'est autour de cette idée de miroir que le plan a été construit. En effet, le double se révèle de trois façons : il peut être parfait, imparfait, divergent. La première forme révèle une quasi-identité à travers les différents aspects du portrait physique, moral, social des jumeaux. Toutefois il est certain que la similitude réside dans ce que Dieu a fait, alors que la différence réside dans ce que les hommes ont instauré. La seconde forme est celle des jumeaux univitellins ou bien frères biologiques, demi-frères, frères de lait ou bâtards. Le double imparfait se révèle à travers un partage de l'identique et du dissemblable entre les héros. La fratrie épique ne peut être égalitaire, sinon elle risque d'être meurtrière. La bâtardise est valorisée, étant donné qu 'elle apporte du sang neuf à une société consanguine. Enfin, le double divergent ou complémentaire apparaît au sein des relations familiales, notamment filiale et avunculaire. Le neveu se dévoue à son oncle au point de sacrifier sa vie pour sauver la sienne. Un tel geste, est-il celui du martyr ou un acte suicidaire ? Cette étude a démontré que le récit épique se fonde essentiellement sur deux personnages et non sur un seul et que, dans le substrat de la plupart des chansons de geste, il existe un couple, et, à travers celui-ci, une certaine conception de l'univers héroi͏̈que. La binarité suggère la stabilité de l'univers. Elle constitue la vocation du héros et de son double qui agissent sur trois niveaux : la famille, pays et l'Orient. Le double instaure l'unité, il est là pour rétablir la justice, pour ramener l'ordre dans un monde chaotique. Le double représente la recherche de l'unité perdue
The double tells the resemblance of two individuals whom it places in a play of mirrors. It is structure around this idea of mirrors. Indeed the double appears in three ways : he can be perfect, imperfect or divergent. The first form reveals a quasi-identity through the various aspects of the physical, moral or social portrait of the twins. However, it is certain that similarities lies in what God did, whereas the differences lie in what men established. The second form is that of univitellin twins or biological brothers, half-brothers, foster brothers and bastards. The imperfect double appears through a division of the identical and the dissimilar between the heroes. The epic brotherhood cannot be equalitarian, otherwise it is likely to be fatal. Illegitimacy is valued, since it brings new blood to a consanguineous fellowship. Lastly, the divergent or complementary double appears within family relationships, in particular filial and avuncular. The nephew devotes himself to his uncle to the point of scarifying his own life to save his uncle's. Is such a gesture, that of a martyr, or a suicidal act? This study has shown that the epic narrative is primarily based on two characters rather than a single one, and that, in the substratum of the majority of the Chanson de Geste, there is a couple, and, through it, a certain concept of the heroic universe. The duality implies the stability of the universe. It constitutes the calling of the hero and his double who act on three levels : family, country and the Eastern world. The double establishes unity, he is there to restore justice, to bring back order in a chaotic world. The double represents search fo the lost unity

L'édition des poèmes de Gautier d'Epinal fait l'objet de notre travail de recherche, dans le but de remplacer la vieille édition de Ugo Lindelöf et Axel Wallensköld, parue en 1901. Après un nouvel examen direct de toute la tradition manuscrite, c'est U (BNF, fr. 20050) qui a été choisi comme manuscrit de base. Parmi les plus anciens chansonniers en langue d'oïl, U est un manuscrit à la structure complexe, se constituant au moins de trois sections principales dont la première, très ancienne, n'est pas postérieure aux années 1240. Dans l'introduction, il est question de la description et de l'analyse du corpus de Gautier d'Epinal à l'intérieur de ces trois sections, ainsi que des rapports avec la tradition des autres chansonniers. Deux paragraphes sont consacrés au problème des attributions et à l'analyse des structures formelles des pièces. Les chansons éditées sont précédées des fiches descriptives donnant tous schémas métriques et musicaux, avec une introduction visant à analyser la tradition textuelle propre à chaque pièce. Les textes sont pourvus d'apparat critique négatif, distribué en deux étages. L'étage supérieur accueillit les fautes ainsi que les variantes significatives, tandis que l'étage inférieur est réservé aux variantes graphiques. Le commentaire vise à repérer les liens les plus remarquables avec la production lyrique des trouvères " classiques " et contemporains à Gautier, tout en ajoutant quelques remarques de caractère grammaticale et stylistique. Chaque pièce est accompagnée des transcriptions des mélodies. Le travail se clôt avec un petit glossaire sélectif des 15 pièces prises en compte
The goal of our research is a new edition of the poems of Gautier d'Epinal to replace the old edition Ugo Lindelöf and Axel Wallensköld, published in 1901. Following a fresh and direct study of the complete manuscript tradition, we chose U as the reference text. Among the most ancient songbooks in langue d'oïl, the structure of the U manuscript is complex, consisting of no less than three principle sections, of which the first is very old, dating no later than the 1240s. The introduction provides a description and analysis of the corpus of Gautier d'Epinal contained in the three sections, as well as situating it with the other songbooks of the tradition. Each song is preceded by a description of the metrical and musical schemas, as well as an introductory analysis of the textual tradition of each piece. The lyrics are provided with a negative critical apparatus, distributed on two levels. The upper level deals with the faults and main variations, while the lower level is dedicated to the graphical variations. The commentary aims to highlight the most notable links with the “classical" trouvères who were Gautier's contemporaries, along with some remaks of a grammatical and stylistic nature. Each piece is accompanied with a transcription of the melodies and the work is concluded with a short, selective glossary of the included 15 pieces

Le XIVe et le XVe siècle ont été particulièrement riches en recherches et en innovations musicales. Ils ont aspiré à une meilleure relation de la musique et du texte et au développement de l'expressivité. Ces conditions - liées à un nouvel intérêt pour la nature dans les arts - ont encouragé la création onomatopéique dans les pièces vocales profanes en Italie et en France. Par le rapport privilégié qu'elle impose entre les notes et les mots et par son caractère expressif, l'onomatopée a contribué à l'évolution du langage musical. La notion d'imitation apparait ici secondaire tant le choix des phonèmes relève de l'arbitraire et d'une convention respectée par tous les compositeurs. Dans les formes madrigalesques italiennes et françaises et dans la chanson au XVIe siècle, la fonction de l'onomatopée est d'abord symbolique, ludique, et correspond à la sensibilité expressive des musiciens de ce temps
The 14th and 16th centuries were particularly rich in musical research and innovation, aspiring to a closer relationship between music and lyrics, and to the development of expression. These conditions - tied to a new interest for nature in the arts - encouraged the onomatopoeic creation in Italian and French profane vocal music. By the privileged relationship it imposes between notes and words and by its expressive character, onomatopoeia contributed to the evolution of musical language. The notion of imitation appears here as being secondary, the selection of the phonemes depending mostly on an arbitrary choice and on a convention respected by all composers. In the 16th century Italian and English madrigal forms and French "chanson", onomatopoeia's function is first of all symbolic, diverting, and corresponds to the expressive sensibilities of the period's musicians

Cette thèse s’intéresse particulièrement à une pratique patrimoniale : le tissage berbère. Et précisément, à la relation qui unit la poésie chantée au tissage. Son propos pose des questions d'ordre épistémologique. Faisant de sorte qu'une étude ethnographique basée sur l'enquête du terrain, alimente une réflexion poïétique et esthétique. Cette perspective favorise l'accès à la construction de la connaissance à partir de l'expérience sur un terrain spécifique, imprégné dans la culture berbère. Elle ouvre notamment la voie à la découverte des matériaux qui enrichiront l'invention d'une pratique contemporaine. Ainsi, la recherche se déploie sur quatre axes : Le premier expose la singularité du terrain et de la méthode empruntée pour y accéder et dépasser sa résistance. Le second étudie toute la genèse créatrice d'une œuvre tissée et permet de connaitre le linéament de son processus opératoires, révélant la complexité de cette pratique. Le troisième étudie la spécificité de la poésie berbère accompagnant le tissage et expose le travail et les jeux qui la produisent. Enfin, le quatrième axe où la recherche prend un tournant réflexif pour aborder la singularité de la recherche création d'une plasticienne
This thesis is particularly interested in heritage practice: Berber weaving. And specifically, the relationship that unites the poetry sung to weaving. Raises questions about its epistemological. Doing so based on an ethnographic survey of the land, feeds a reflection poetics and aesthetics. This perspective promotes access to the construction of knowledge from experience in a specific area, steeped in Berber culture. It opens the way for including the discovery of materials that will enrich the invention of a contemporary practice. Thus, the research unfolds in four areas: The first focuses on the uniqueness of the land and borrowed the method to access and overcome resistance. The second study all the creative genesis of a work-woven and can know the lineament of its business processes, revealing the complexity of the practice. The third studies the specificity of Berber poetry weaving and accompanying exhibits the work and games that produce it. In the end, the fourth axis where the research takes a reflexive turn to address the uniqueness of the creation of a visual search

@Entre son apparition au XIème siècle et son déclin progressif à partir du XVIème siècle, la popularité de l'histoire d'Ami et Amile n'a cessé de se confirmer. De nos jours, cette légende est non seulement quasi inconnue du grand-public, mais elle est également, ce qui est plus paradoxal, à la fois très connue et très mal connue des spécialistes. Cela est notamment dù au fait que la branche française n'est accessible qu'à travers ses deux représentants les plus connus - à savoir la chanson de geste et le poème anglo-normand - et que la branche latine n'est guère mieux représentée puisque les éditions dont nous disposons ne concernent que deux textes, et qu'elles sont déjà fort anciennes. Notre travail tentera de répondre à une double problématique, à la fois éditorial et littéraire. Dans un premier temps, nous prposons de compléter le corpus des éditions des traditions latine et française, à la fois en reprenant des éditions existantes mais peu diffusées et en présentant des textes inédits. La seconde partie sera consacrée à une analyse littéraire qui, une fois dressé un état des lieux de la foisonnante tradition littéraire, se focalisera sur l'étude de certains motifs inhérents à l'ensemble du corpus, avant de proposer une nouvelle lecture de la chanson de geste, dans sa double dimension hagiographique et anagogique
@Since its apperance in the XIth century to its progressive decline starting in the WVIth century, the popularity of the Amicus and Amelius legend never waned. Nowadays, this legend is not only nearly unknown to the general public, but also, moreparadoxically, both very well-known and not known well to specialists. This is particularly due to the lack of accessibility of the Frenche branch, essantially represented by its most two famous representatives - i. E. The chanson de geste and the Anglo-Norman poem - and the same lack of accessibility of the Latin Branch, since the editions at our disposal also concern only two texts, and are already quite old. This work will attempt to deals with both the editorial and literary sides of this issue. First, we will complete the corpus of editions of the French and Latin traditions, both returning to existing but little known editions and presenting unpublished texts. The second part will be devoted to a literary analysis which, after having summariezd the extensive literary tradition, will focus on several patterns inherent to the entire corpus, and will then set out a new way to read the chanson de geste, in its dual dimension, hagiographic and anagogic

Ce travail est un travail d'ensemble sur la littérature chevaleresque hispanique. Masse de livres considérable par le nombre de ses lecteurs et par durée de son succès. Les cinq premiers chapitres rappellent les racines médiévales de ces narrations nées à l'ombre des romans français (matière antique et bretonne) ; puis sont étudiées la présence du vers dans la prose romanesque au long de la trajectoire de la littérature chevaleresque (chap. VI à VIII) et les stratégies narratives utilisées par les romanciers pour donner à leurs fictions la couleur de la vérité historique (chap. IX à XVII). On peut conclure au conservatisme profond des romanciers mais aussi à leur capacité de renouvellement : ils usent avec liberté des thèmes et des formes, refusant de codifier par des règles le genre qu'ils cultivent : ainsi les "libros de caballerias" ouvrent la voie à un nouveau roman qui prendra son véritable sens avec l'invention cervantine. Sans eux, sans le travail de leurs auteurs, le roman moderne n'eut pas été le même et il faut déplorer le long et injuste discrédit qui s'attache au genre depuis plus de deux siècles. Une annexe sur la question de l'Amadis complète et précise l'étude de certains des aspects de la production chevaleresque évoqués dans le corps de la thèse
This is a comprehensive study of chivalric literature in Spain from its medieval beginnings up to its last specimens published around 1600. .

Cette thèse revient d'abord sur l'Histoire de la chanson et de la musique populaires de Bretagne. Vient ensuite une partie consacrée au Mouvement breton allant de la Révolution française aux années 1970. Ces années 1970 marquent un réveil de l'identité bretonne, notamment par la musique et le chant, qui se voient modernisés par divers artistes. Cette " vague bretonne " baisse d'intensité à la fin des années 1970, enchaînant alors sur une décennie plus axée sur le travail en profondeur et la formation d'une nouvelle génération de musiciens. Puis vient une nouvelle période musicale faste au début des années 1990. Celle-ci, fortement médiatisée, va faire connaître à un large public une musique diverse et métissée. Chacune de ces périodes est analysée. Ces recherches, enrichies de nombreux témoignages, permettent au lecteur de saisir les moments clefs de cette musique en marche et de cette chanson d'inspiration populaire, qui constituent une des forces de la culture bretonne contemporaine
First of all this thesis, deals with the History of popular Breton singing and music. Secondly, it deals with a study of the different Breton movements which were more or less active from the French Revolution to the 1970's. These very years witnessed an awakering of the Breton identity, notably through music and songs which had been modernized by several artists. This "Breton wave" almost died down in the late 1970's and was followed by a decade during which much research was achieved and a new generation of musicians was forged. Thirdly, it deals with the new musical revival of the early 1990's. By then this music was widely popularized by the media, so a larger audience discovered this new music, both diverse and also hybrid in many ways. Each one of these eras has been analyzed. This bulk of research, completed by artists statements, allows the reader to grasp the main steps that characterized this popular art, which appear to be the major strengh of contemporary Breton culture

Cette etude rend compte de la facon dont la pop muisc apparue en grande-bretagne au debut des annees soixante a marque son epoque en revelant les preoccupations et ideaux des jeunes du babyboom et comment elle a influence a long terme les pratiques culturelles et les mentalites des britanniques en contribuant a la creation d'une culture rock actuelle. La periode etudiee couvre une douzaine d'annees comprises entre le debut du phenomene beatles (1963) et l'apparition du phenomene punk (1975). La premiere partie rappelle brievement la situation economique, sociale et demographique de la grande-bretagne au debut des annees soixante et les traditions musicales populaires en grande-bretagne et leur evolution sous l'influence du rock and roll americain a la fin des annees cinquante. La deuxiemepartie dresse l'inventaire des differents styles de chansons et musiques apparues et developpees au cours de la periode etudiee. Elle montre la diversite des gouts du public britannique, revelee par l'examen des classements des meilleures ventes de disques. Elle analyse le role des media audiovisuels dans le developpement de la pop music et de l'evolution de ses rapports avec la musique populairetraditionnelle. La troisieme partie montre les influences mutuelles entre pop music, rock, et d'autres formes d'expression culturelle, en particulier les arts graphiques. L'etude de la presse de qualite de l'epoque revele la reaction de la culture de la societe etablie face a la nouvelle culture musicale et a l'evolution des moeurs des jeunes ainsi que la facon dont la culture dominante a assimile certains aspects de la culture pop de facon durable.

La formulation de notre sujet de these "reminiscences mythiques et quete initiatique dans la geste de segou" s'inspire du constat qu'il existe une relation trinitaire et consubstantielle entre le mythe fondateur, le scheme initiatique et la chanson de geste. Nous avons donc cherche a etablir que si les mythes et l'initiation appartiennent au domaine du sacre, hermetique et esoterique, la vocation naturelle de la geste est de les vulgariser pour l'entendement du commun. Nous avons circonscrit notre domaine de recherches sur l'etude de douze episodes transcrits et traduits de la geste de segou, racontes par le griot baba cissoko, le chroniqueur daye baba diallo et l'orchestre choregraphique denomme, ensemble instrumental national du mali. Le choix des recits a ete dicte par la chronologie de l'histoire du royaume bambara de segou, notamment, l'origine et la fondation de l'etat, l'apogee des dynasties kouloubali et diara, les guerres d'annexions territoriales et le declin de la puissance de segou, consecutif a l'irredentisme peul du masina. Notre methodologie, si elle se fonde sur des travaux ethnologiques, historiques et linguistiques, a veille a s'en degager essentiellement par l'analyse et la mise en exergue du phenomene de litterarite, en l'occurrence la manifestation de l'oralite dans le recit epique. Conformement a cette optique, nous avons centre notre etude sur les themes de la parole dans son acception mythique et apologetique de verbe-createur, de la notion du divin dans la cosmogenese bambara, du pouvoir politique et de ses aspects hieratiques et hierarchiques, de l'esprit de vie convivial dans la cite, du sens de l'institution familiale en correlation avec les principes normatifs de l'education, de la morale et de la tradition. Pour ce faire, nous avons echelonne le developpement sur les etapes suivantes : en toile de fond nous avons presente un apercu historique des bambara de segou et du kaarta suivi d'une introduction au pantheon et au sanctuaire bambara, dans le dessein de prouver que les reminiscences mythiques et initiatiques de la geste prennent leur source dans les croyances spirituelles bambara. Nous sommes arrive a la conclusion qu'au travers de l'allegorie de la geste de segou, forme degradee ou degenerescente des mythes cosmogoniques et etiologiques, se lit en filigrane la theologie, la politique, l'ethique et l'esthetique du verbe
The formulation of our subject of thesis "mythical reminiscences and rite initiatory quest in segou's verse chronicle (segou's "geste") is inspired by the observation that a trinitarian and consubstantial relationship exists between the underlying myth, the initiatory schema and the epic poem (la chanson de geste). Therefore, we have tried to establish the fact that, if myths and initiation belongto the domain of the sacred, the abstruse and the esoteric, the natural vocation of the verse chronicle is to popularize them, permitting their understanding by the ordinary man. We have defined the scope of our research domain by the study of twelve episodes, that are transcribed and translated from segou's "geste", and told by the griot baba cissoko, the chronicler daye baba diallo and the choreographic orchestra named "national instrumental group of mali". The choice of those narratives was dictated by the historical chronology of segou's bambara kingdom, and notably, the origin of the state foundation, the pinnacle of kouloubali and diara dynasties, the territorial annexation wars and the decline of segou's power, resulting from macina's fulani "irredentism". Our methodology, based on ethnologic, historical and linguistic works, take care to emerge from those works, essentially by the analysis and the highlighting of literality phenomenon, and, as it happens, the expression of the orality in the epic tales. In accordance with this perspective, we have focused our study on the themes of lyrics in their mythical and apologetic meaning of creative word, of the concept of the divine in bambara's cosmogenesis, of the political power and its hieratic and hierarchical aspects, of the spirit of convivial life in the city, of the family institution in correlation with the normative principles of education, of morality and tradition. To reach this aim, we have spaced out the development on the following steps : in backdrop, we have presented an historical glimpse of segou's and kaarta's bambaras, followed by an introduction of bambara's pantheon and sanctuary, with the intention to prove that the mythical and rite initiatory reminiscences of the "geste" take their source from the bambara's spiritual beliefs. We have got the conclusion that, through the allegory of segou's "geste", a deteriorated or, at least, a degenerative form of cosmogonic and etiological myths

L’édition critique de «Renaut de Montauban» d’après la version du manuscrit BNF, fr. 766 a mis en lumière systématiquement, grâce à un apparat articulé en notes et tables synoptiques, le niveau et la technique de remaniement mis en place par un auteur anonyme autour de 1300 avec des buts narratifs précis: dérision dans la représentation de la royauté et sens du burlesque réaliste accrus par rapport aux autres versions traditionnelles. Cette méthode de remaniement s’inscrit dans un système de re-production complexe, alternant exécution orale et transcription écrite et entrainant une re-création continue, qui explique la mouvance chaotique du texte, tout en justifiant ainsi une méthode d’édition mixte (nommée «sémi-bédérienne»)L’étude des différentes branches de «Renaut de Montauban» le long de l’axe temporel, à partir du XIIe s. Jusqu’au XXe, et de l’axe spatial, du Nord au Sud de l’Europe, confirme ce type de re-production textuelle à côté d’autres types de réélaboration ou traduction. L’état de la critique a fait aussi ressortir l’unité de fond du poème, qui doit être placé à mi-chemin entre la chanson de geste pure (telle que le bloc guerrier de la Chanson de Roland) et la chanson d’aventure, qui sera en plein essor au XIVe siècle, mais trouve déjà des prémises dans «Renaut de Montauban» et ses suites cycliques. En effet l’accumulation apparemment contraditoire de thèmes, tons et styles trouve sa cohérence dans l’évolution biographique des personnages, notamment dans la sanctification progressive du héros parallèle au dénigrement du roi
The critical edition of «Renaut de Montauban» according to the version handed down through the BNF, fr. 766 manuscript has systematically outlined, by means of comment notes and synoptic tables, the rewriting degree and technique which an anonymous writer accomplished by the late 13th century. It has also highlighted the narrative aims of this adaptation: an increased mockery in the royalty portrayal, as well as a higher degree of realistic humour compared to the other traditional versions. Such re-writing technique can be set into the complex “re-production” system of «Renaut de Montauban», with alternating oral performances and written transcriptions. That would explain the chaotic “mouvance” of the text and consequently justify a mixed-edition methodology. The detailed analysis of «Renaut de Montauban»’s various offshoots through time (centuries XIV-XX) and space (from France towards Northern and Southern Europe) has confirmed the existence of this kind of textual manipulation alongside other kinds of adaptation and translation. The “status questionis” of critics’ conflicting opinions has pointed out the basic uniformity of the poem. It could be easily placed halfway between the typical chanson de geste (as in the sections of the «Chanson de Roland» that mainly revolve around the theme of war) and the “chanson d’aventure”, which was destined to only flourish well in the 14th century but was anticipated in the narrative cycles related to «Renaut de Montauban». In fact, the accumulation of different themes and tones finds its coherence in the biographical evolution of the characters

L'étude porte sur deux axes : d'abord la typologie, puis, les fonctions des 40 chants (20 "trovas" et 20 "decimas") qui ont été transcrits pour constituer le corpus. Elle met évidence les liens étroits existant entre le texte, la musique, certaines particularités des chanteurs (la voix, les gestes, les vêtements) et le contexte culturel. La méthodologie adoptée est basée sur des fondements théoriques rencontrés dans le cadre de la musicologie, de la linguistique et de l'anthropologie. L'analyse pluridisciplinaire a été réalisée de façon cumulative, sur les éléments structurels des chants (musique et texte), l'analyse linguistique étant faite au niveau du signifiant et du signifié, dans une approche pragmatique. Pour arriver à examiner d'autres rapports texte-musique nous avons appliqué la méthode d'analyse rythmique combinatoire. Les résultats de la recherche ont montré que les "decimas" ont eu une évolution modérée tandis que les "trovas" se trouvent dans un processus de développement remarquable ayant une pluralité de genres au niveau de la musique et de la versification. Les présentations publiques des duels entre "trovadores" ont montré une très grande cohérence entre les discours verbal, musical et gestuel. Les macro et micro-fonctions des différents discours ont été détectées
The study has two sides : one which concerns the typology and one about the song's functions. 40 songs (20 "trovas" and 20 "decimas") have been written to make our corpus. It emphasizes the close links between the text, the music, some peculiartion of the singers (voice, gesture, aklothes) and the cultural environnement. The methodology adopted is built on theoretical basis from different areas, musicology, linguistic and anthropology. The pluridisciplinary analysis was built as a whole, based on the structural properties of the songs (music and text), the linguistic analysis concerns both the "signfiant" and the "signifié". To be able analysis so:me other aspects between text and music we used the methode d'alysis rytmique cominatorie. The results of the research have that the "decimas" had a slow evoluton. On the contrary, the "trovas" are in a process of large developpment with several types for the music and versification. We found a very important cohesion between, text, music and gesture. The macro and microfonctions of the different types of discourses have been pointed up

Notre thèse examine la manière dont certaines oeuvres littéraires du XIIe siècle représentent les étrangers. Les chansons de geste mettent en place une série de stéréotypes qui font que l'auditoire est rarement surpris de la représentation des étrangers, qui vient justement combler une attente. Toutefosi, au fur et à mesure que s'avance le siècle, la notion d'étranger se complique en raison d'un double mouvement d'inclusion et d'exclusion: apparaissent ainsi étrangers en voie d'intégration et indigènes en voie de marginalisation. Ceci est parallèle à l'émergence d'un genre littéraire nouveau: le roman, dont tous les personnages sont étrangers. Ils sont dans une certaine mesure types comme des étrangers épiques mais, en tant que précurseurs de la chevalerie médiévale dont se réclame l'auditoire, ils se révèlent surtout des individus particulièrment ambivalents, dont certains connaissent une réelle valorisation
Our thesis examines how some literary works of the twelfth century depict strangers. The chanson de geste set up a series of stereotypes in such a way that the audience is seldom surprised by the protrait given of the strangers, which as a matter of fact must fulfil some expectations. However, throughout the century, the idea of the stranger becomes more complicated because of a two-fold movement of inclusion and exclusion: it outlines strangers in the process of being integrated and natives in the process of being outcast. This happens at the same time as the birth of a new literary genre: the novel in which every character is a stranger. They appear to some extent as strangers of epics but, as forerunners of the medieval chivalry in which the public claims to have its roots, they turn out to be particularly ambivalent individuals, some of whom being really praised

Cette étude est consacrée à une chanson de geste tardive, longue de 23361 alexandrins, qui clôt le petit cycle épique de Nanteuil. La première partie de l'ouvrage s'attache aux structures narratives : les liens entre cette chanson, la geste de Nanteuil et l'ensemble de la tradition épique sont précisés ; puis le poème est analysé dans ses structures spatiales, temporelles et narratives. La deuxième partie répertorie les procédés propres à l'écriture épique traditionnelle, notamment le rôle de la laisse, les motifs stéréotypés, les formules, et souligne les éléments d'évolution. Enfin, la troisième partie est centrée sur le renouvellement thématique de l'épopée tardive, à travers les figures du héros, de l'androgyne et du saint ; la veine hagiographique, la rémanence du schéma oedipien conduisent à une interprétation de l'imaginaire épique, qui unifie résurgence mythique et inspiration théologique.

Parmi les courants en vogue au cours des dernieres decennies, la "nouvelle chanson" acquiert un cachet tout particulier en catalogne. Elle y fleurit comme un reflexe contre la repression politique toujours en vigueur a la suite de la guerre civile, et elle s'y inscrit dans un contexte culturel et social. Apres une ebauche historique de la chanson en catalogne, nous analysons les figures les plus representatives de la "nova canco". Les "setze jutges" sont les pionniers de ce mouvement. A travers l'analyse sommaire de leurs textes, nous decouvrons deja des messages pleins de revendications. L'analyse plus detaillee de l'oeuvre du leader raimon, d'un francesc pi de la serra anticonformiste, d'un joan manuel serrat lyrique, d'une maria del mar bonet melancolique, d'un lluis llach rebelle, et d'un ovidi montllor anticapitaliste, rend temoignage d'un engagement politique, d'une critique sociale, d'une defense de la langue et de la culture catalanes, de la prise de conscience de l'homme dans le temps, mais aussi de la decouverte de son individualite. Les textes des "cantautors" temoignent de la sorte d'une protestation individuelle qui cherche a s'amplifier dans un mouvement collectif. Les themes-cles du passe, de la terre, de la nuit, de l'esperance-themes qui traduisent un pessimisme certain propre au caractere catalan-, les messages de futur et de cheminement (symbole d'une croisade interieure, d'une connaissance de soi), qui acquierent egalement un sens particulier dans le contexte catalan, l'intention d'etre une demythification dans une societe aveugle, et les techniques de contraste et d'ironie, sont autant d'elements qui contribuent a cacheter cette poesie de typiquement catalane, a voir dans les cantautors des educateurs qui reveillent les consciences endormies et a considerer cette nova canco comme une nouvelle reaffirmation d'un peuple
Among the prevailing currents during the last few decades the 'new song' has a very special flavour in catalonia. It has grown up as a reaction to the continuing political repression in the wake of the civil war, to which it is closely related in a specific cultural and social context. After a historical outline of the song in catalonia the most representative figures of the 'nova canco' are analysed. The 'setze jutges' are the pioneers of this movement. A brief analysis of their texts already leads to the discovery of messages full of demands. A more detailed analysis of the work of the leader raimon, of the anti-conformist francesc pi de la serra, of the lyrical joan manuel serrat, of the melancholy maria del mar bonet, of the rebel lluis llach, of the anti-capitalist ovidi montllor reveals statements of political commitment, of social criticism, of defense of the catalan language and literature, of the awareness of man in time, but also of the discovery of his individuality. The texts of the 'cantautors' are evidence of individual protest widening its scope within the framework of a collective movement. The keythemes of the past, of the soil, of the night, of hope - reflecting a kind of pessimism typical of the catalan character -, the messages of the future and of development (the symbols of an interior crusade and of self-knowledge) are given a special interpretation in the catalan context. These themes, together with the intention of demystification in a blind society and with the techni- ques of contrast and irony, are all elements that contribute to the specifi- cally catalan character of this poetry. They give the cantautors the role of educators waking up sleeping consciences and justify the interpretation of this nova canco as a reaffirmation of a people

Dans cette thèse, nous offrons des hypothèses herméneutiques et un modèle méthodologique visant à l’éclaircissement et à l’élargissement des perspectives s’étant figées autour de la définition-notion d’amour courtois. À l’univocité des théories et au canon liés à cette notion, le présent travail substitue un plan d’analyse plus ample, celui du discours amoureux galloroman : les marges d’un tel objet sont ouvertes à toutes les expressions et représentations érotiques de matrice laïque. Les possibilités hétéroclites du discours amoureux, qu’il est fondamental de considérer comme un ensemble idéologique, culturel et littéraire, sont soumises à une analyse visant à offrir un cadre interprétatif à la fois particulier et général. Afin de réévaluer les fondements de cet objet, notre enquête fait collaborer différents plans critiques et chronologiques : la phase exégétique de cette étude, supportée par l’analyse philologique des textes, s’accompagne de l’étude stylistique et rhétorique des textes. Ce travail procède selon les étapes suivantes : l’identification des motifs et des thèmes génératifs (noyaux de fond) a été suivie par la construction d’un répertoire de prototypes du discours amoureux et par l’étude de leur diffusion selon les époques et les lieux. Cette opération a été supportée par la périodisation du discours amoureux en trois phases distinctes, au sein desquelles le code expressif s’est fixé : dans le Midi, d’abord, dans le Nord de la France et, enfin, dans les réalités urbaines septentrionales et à travers la réception néo-curiale du troisième quart du XIIIe siècle
The aim of this thesis is the elaboration of hermeneutic explanations and a methodological model which allow the clarification and the broadening of traditional perspectives which have formed around the concept of “courtly love”. In order to counteract the univocity of existing theories and to cast fresh light on the canon associated with this notion, this work offers a broader scope of analysis: that of Gallo-romance amatory discourse. The object as it is defined here embraces all its expressions and erotic secular representations. The heterogeneous nature of amatory discourse, which it is essential to consider as an ideological, cultural and literary entity, is subjected to an analysis based on an interpretative framework which is both general and particular. In order to re-evaluate the very foundations of this object, our investigation makes use of various critical approaches and chronological aspects: the exegetical phase of this study, founded on the philological analysis of the texts, is completed by a stylistic and rhetorical analysis. The structure of the work is as follows: the identification of the underlying motifs and themes (noyaux de fond) is followed by the construction of an inventory of prototypes of amatory discourse and by the study of their chronological and spatial diffusion. This procedure is legitimized by the identification of three distinct phases which saw the elaboration and consolidation of the expressive code: this occurred first in southern France, then in the north, and, finally, in the northern urban centres and through the neo-courtly reception which characterized the third quarter of the 13th century

Il s'agit d'étudier globalement, en détail, d'apprécier et de faire connaître une épopée trop longtemps marginalisée, voire méprisée. La perspective d'ensemble est structurale et tient le texte pour un tissu, un système synthétique, signifiant, d'images et de représentations. La première partie veut retrouver, depuis l'époque carolingienne de la Bretagne jusqu'à celle de la composition (vers 1 196-1200), mais aussi à travers la légende épique des bretons, les éléments d'une interprétation historique et politique d'ensemble du poème et esquisser les étapes de sa genèse. Les vikings, Roland et Salomon, la métropole de dol, les Plantagenets et Philippe Auguste sont fondus dans un système cohérent qui vise à construire l'image d'un pays uni et autonome: d'anciennes structures font résurgence pour raconter le présent et rêver l'avenir. La deuxième partie examine la technique littéraire du genre : l'étude presque exhaustive des types de vers, des laisses (longues, mais très structurées), des stéréotypes de pensée et d'expression, permet d'évaluer et la conformité à la tradition épique (i. E. Lyrique) d'une œuvre soupçonnée d'inauthenticité et la souplesse singulière avec laquelle son auteur joue de cette tradition pour imposer sa poétique et son imaginaire propres, "bretonnants". La troisième partie, centrée sur la mise en œuvre narrative du thème religieux (miracles de Charles?), étudie le cadre à la fois réaliste et merveilleux du récit et surtout met au jour sa configuration actantielle: la gloire des francs y est diminuée au profit de celle d'Ysore, archevêque et chef des bretons. L'analyse spirituelle et morale (notamment celle des microtextes folkloriques et hagiographiques) révèle une idéologie marquée par le contemptus mundi et permet d'ébaucher une lecture mythique: les "perspectives" de la conclusion dessinent un programme de recherche. Aiquin, chanson très riche, plus originale que marginale, doit être réintégrée dans le corpus classique de l'épopée française.

Littérature profane en langue vulgaire, la chanson de geste entretient des liens privilégiés avec le sacré, aux yeux des médiévaux eux-mêmes. Littérature épique - profane - et littérature hagiographique partagent non seulement des sources communes, mais également une fonction sociale: célébrer la mémoire de la communauté pour donner sens et légitimité à son action présente
Chanson de geste is secular literature in vernacular language, however it has close links with the sacred, in the eyes of medievals themselves. Secular epic literature and hagiographic literature share not only common sources, but also a social function: the celebration of the community's memory, to give meaning and legitimacy to its present action

Cette thèse de musicologie historique utilise la programmation radiophonique du poste CKAC de Montréal dans l’entre-deux-guerres afin de remettre en question une homogénéité présumée de la chanson folklorisée chez les grandes figures que sont Madame Bolduc, Charles Marchand, Ovila Légaré et l’abbé Gadbois. L’analyse proposée se focalise sur les pratiques de la chanson métissées au folklore canadien-français dans les domaines du chant, de la danse et du conte. Cette démarche est combinée à l’identification d’émissions de radio où les artistes ont des pratiques du répertoire en commun. La thèse met ainsi en évidence deux réseaux de collaborations. Le premier réseau d’artistes, les « Lyriques », assez près de L’Heure provinciale à CKAC, favorise des voix de type classique et bénéficie d’un appui de la critique, surtout à la revue La Lyre. On y retrouve notamment Charles Marchand et ses Troubadours de Bytown, le Quatuor Alouette, le Trio lyrique de Lionel Daunais et La Bonne chanson de l’abbé Gadbois. L’esthétique de la chanson des « Lyriques » est tournée vers l’Europe dans une pratique hybride entre opérette et chanson montmartroise, dans l’esprit de Théodore Botrel et de la diseuse Yvette Guilbert. Le deuxième réseau d’artistes est celui des « Veillées », associé de près à la Living Room Furniture à CKAC, en écho aux artistes des Veillées du bon vieux temps de Conrad Gauthier sur la scène du Monument national. En plus de ce dernier, le groupe des « Veillées » rassemble notamment Ovila Légaré, Madame Bolduc, le violoneux Isidore Soucy et une série de comédiens. L’esthétique de la chanson du groupe des « Veillées » est tournée vers les Amériques dans un métissage de théâtre burlesque et d’orchestres de musique de danse instrumentale canadienne-française, jusqu’à un certain point similaires à ceux de jazz swing, de tango et de rumba. Les ensembles identifiés n’étant pas non plus parfaitement homogènes, il ressort enfin des groupes des « Lyriques » et des « Veillées » quelques artistes en marge ou à la croisée des deux esthétiques. Il s’agit d’une part des chanteurs de variétés Ludovic Huot, Georges Beauchemin, Fernand Perron, Albert Marier et Jean Lalonde, qui combinent l’opérette, les chansons américaines et latines. On pense d’autre part au théâtre lyrique de Jeanne Maubourg, Caro Lamoureux, Roméo Mousseau et Gaston Saint-Jacques, qui oscille entre la chanson sur le mode lyrique léger et les sketches dramatiques. Il y a encore un nombre important de petits et grands orchestres qui accompagnent la musique de danse des hôtels, cabarets et théâtres de Montréal. L’insistance sur les pratiques hybrides de la chanson permet au final de nuancer une perception généralement unidimensionnelle des artistes de la chanson à l’époque, Charles Marchand le folkloriste ou Madame Bolduc la turluteuse, par exemple.
Cette thèse de musicologie historique utilise la programmation radiophonique du poste CKAC de Montréal dans l’entre-deux-guerres afin de remettre en question une homogénéité présumée de la chanson folklorisée chez les grandes figures que sont Madame Bolduc, Charles Marchand, Ovila Légaré et l’abbé Gadbois. L’analyse proposée se focalise sur les pratiques de la chanson métissées au folklore canadien-français dans les domaines du chant, de la danse et du conte. Cette démarche est combinée à l’identification d’émissions de radio où les artistes ont des pratiques du répertoire en commun. La thèse met ainsi en évidence deux réseaux de collaborations. Le premier réseau d’artistes, les « Lyriques », assez près de L’Heure provinciale à CKAC, favorise des voix de type classique et bénéficie d’un appui de la critique, surtout à la revue La Lyre. On y retrouve notamment Charles Marchand et ses Troubadours de Bytown, le Quatuor Alouette, le Trio lyrique de Lionel Daunais et La Bonne chanson de l’abbé Gadbois. L’esthétique de la chanson des « Lyriques » est tournée vers l’Europe dans une pratique hybride entre opérette et chanson montmartroise, dans l’esprit de Théodore Botrel et de la diseuse Yvette Guilbert. Le deuxième réseau d’artistes est celui des « Veillées », associé de près à la Living Room Furniture à CKAC, en écho aux artistes des Veillées du bon vieux temps de Conrad Gauthier sur la scène du Monument national. En plus de ce dernier, le groupe des « Veillées » rassemble notamment Ovila Légaré, Madame Bolduc, le violoneux Isidore Soucy et une série de comédiens. L’esthétique de la chanson du groupe des « Veillées » est tournée vers les Amériques dans un métissage de théâtre burlesque et d’orchestres de musique de danse instrumentale canadienne-française, jusqu’à un certain point similaires à ceux de jazz swing, de tango et de rumba. Les ensembles identifiés n’étant pas non plus parfaitement homogènes, il ressort enfin des groupes des « Lyriques » et des « Veillées » quelques artistes en marge ou à la croisée des deux esthétiques. Il s’agit d’une part des chanteurs de variétés Ludovic Huot, Georges Beauchemin, Fernand Perron, Albert Marier et Jean Lalonde, qui combinent l’opérette, les chansons américaines et latines. On pense d’autre part au théâtre lyrique de Jeanne Maubourg, Caro Lamoureux, Roméo Mousseau et Gaston Saint-Jacques, qui oscille entre la chanson sur le mode lyrique léger et les sketches dramatiques. Il y a encore un nombre important de petits et grands orchestres qui accompagnent la musique de danse des hôtels, cabarets et théâtres de Montréal. L’insistance sur les pratiques hybrides de la chanson permet au final de nuancer une perception généralement unidimensionnelle des artistes de la chanson à l’époque, Charles Marchand le folkloriste ou Madame Bolduc la turluteuse, par exemple.
This music history thesis studies chanson radio broadcasting at CKAC station in Montreal during the interwar period. The data collected challenges an assumed homogeneity of French Canadian folk-influenced chanson legendary icons such as Madame Bolduc, Charles Marchand, Ovila Légaré and priest Charles-Émile Gadbois’ songbook La Bonne chanson. The analysis focuses on chanson influences that meld French Canadian folk music with the performing arts of singing, dancing, and telling tales. The research seeks to point out radio programs where chanson artists share a common repertory. This thesis thus argues that two artist networks coexist. The first network gathers Art Song performers featured on CKAC program L’Heure provinciale. It favours classically trained voices and benefits from the approval of local music critics, especially from magazine La Lyre. This network includes such featured singers as Charles Marchand and the Bytown Troubadours, Quatuor Alouette, Lionel Daunais and his Trio lyrique as well as priest Gadbois’ songbook La Bonne chanson. Chanson æsthetics among Art Song performers is primarily influenced by Europe. The practices blend opera, operetta and Montmartre chanson, in the spirit of Théodore Botrel and French diseuse Yvette Guilbert. The second network is the one of Veillées (Evenings), featured on CKAC program Living Room Furniture. The name itself echoes the fiddle musicians and actors from Conrad Gauthier’s Veillées du Bon Vieux Temps, presented at Monument National. In addition to Monsieur Gauthier, the Veillées network gathers Ovila Légaré, Madame Bolduc, fiddler Isidore Soucy and several actors. Chanson æsthetics of Veillées performers is largely defined by the Americas in a blend of local burlesque comedy and French Canadian fiddle dance music orchestras, similar to those for jazz swing, tango and rumba. Both networks aren’t homogeneous. One finds among Art Song and Veillées artists a few performers standing on the edge of the two æsthetics. A first category features pop romance singers like Ludovic Huot, Georges Beauchemin, Fernand Perron, Albert Marier and Jean Lalonde, combining operetta, American pop songs and Latin rhythms. A second, with Jeanne Maubourg, Caro Lamoureux, Roméo Mousseau and Gaston Saint-Jacques, performs chansons mixing a sweet lyrical tone and drama sketches. A third category gathers all small and large orchestras that perform dance music in Montreal hotels and theaters. In the past, Charles Marchand has usually been depicted in a simple folk performer style. Madame Bolduc has herself been personified as a mere diddling performer during the Stock Market Crash. The thesis focus on cross-pollinating chanson practices enables one to move beyond a general perception that these artists are mostly one-dimensional.
This music history thesis studies chanson radio broadcasting at CKAC station in Montreal during the interwar period. The data collected challenges an assumed homogeneity of French Canadian folk-influenced chanson legendary icons such as Madame Bolduc, Charles Marchand, Ovila Légaré and priest Charles-Émile Gadbois’ songbook La Bonne chanson. The analysis focuses on chanson influences that meld French Canadian folk music with the performing arts of singing, dancing, and telling tales. The research seeks to point out radio programs where chanson artists share a common repertory. This thesis thus argues that two artist networks coexist. The first network gathers Art Song performers featured on CKAC program L’Heure provinciale. It favours classically trained voices and benefits from the approval of local music critics, especially from magazine La Lyre. This network includes such featured singers as Charles Marchand and the Bytown Troubadours, Quatuor Alouette, Lionel Daunais and his Trio lyrique as well as priest Gadbois’ songbook La Bonne chanson. Chanson æsthetics among Art Song performers is primarily influenced by Europe. The practices blend opera, operetta and Montmartre chanson, in the spirit of Théodore Botrel and French diseuse Yvette Guilbert. The second network is the one of Veillées (Evenings), featured on CKAC program Living Room Furniture. The name itself echoes the fiddle musicians and actors from Conrad Gauthier’s Veillées du Bon Vieux Temps, presented at Monument National. In addition to Monsieur Gauthier, the Veillées network gathers Ovila Légaré, Madame Bolduc, fiddler Isidore Soucy and several actors. Chanson æsthetics of Veillées performers is largely defined by the Americas in a blend of local burlesque comedy and French Canadian fiddle dance music orchestras, similar to those for jazz swing, tango and rumba. Both networks aren’t homogeneous. One finds among Art Song and Veillées artists a few performers standing on the edge of the two æsthetics. A first category features pop romance singers like Ludovic Huot, Georges Beauchemin, Fernand Perron, Albert Marier and Jean Lalonde, combining operetta, American pop songs and Latin rhythms. A second, with Jeanne Maubourg, Caro Lamoureux, Roméo Mousseau and Gaston Saint-Jacques, performs chansons mixing a sweet lyrical tone and drama sketches. A third category gathers all small and large orchestras that perform dance music in Montreal hotels and theaters. In the past, Charles Marchand has usually been depicted in a simple folk performer style. Madame Bolduc has herself been personified as a mere diddling performer during the Stock Market Crash. The thesis focus on cross-pollinating chanson practices enables one to move beyond a general perception that these artists are mostly one-dimensional.

François-Marie Luzel (1821-1895) est le folkloriste qui a fait la collecte la plus importante en Basse-Bretagne, tant dans le domaine du conte que du théâtre populaire et de la chanson. Une grande partie de son oeuvre était restée inédite depuis un siècle et il n'existait ni biographie, ni bibliographie, ni inventaire des archives de Luzel. Ce doctorat sur travaux a d'abord pour but de présenter l'édition méthodique en 24 volumes actuellement en cours et de faire le bilan du travail effectué alors que 12 volumes ont déjà paru : exposer les buts poursuivis, la méthode adoptée, les erreurs à corriger et les travaux à envisager pour les volumes suivants. Cette édition s'appuyant sur des travaux préparatoires et complémentaires indispensables, le second but de cette thèse a été de donner une biographie, une bibliographie, un archivage et un classement informatique offrant une synthèse des connaissances acquises. Enfin le troisième but poursuivi a été de situer cette édition dans une perspective historique, de manière à rendre compte, d'une part, des raisons pour lesquelles les oeuvres de Luzel n'avaient pas pu faire l'objet d'une édition cohérente depuis un siècle et, d'autre part, de l'opposition à laquelle cette édition s'est heurtée de la part des milieux nationalistes bretons. Il semble en conclusion que l'intérêt de cette édition soit d'ouvrir sur une analyse de la rhétorique nationaliste
The @folklorist François-Marie Luzel (1821-1895) is known for having put together the largest existing collection of West Breton folktales, popular dramas and folksongs. Nonetheless, for ever a century, his work remained largely unpublished and ignored by researchers, and a biography, bibliography and catalogue of his archives had yet to be done. This thesis aims first and foremost to provide an overview of the publication project, now in progress, of a 24-volume methodical edition of Luzel's works, and -now that 12 volumes have been completed - to give a detailed account of what has been so far achieved : this includes explaining the purpose of this publication, describing its approach, pointing out omissions and planning the contents and order of publication of the remaining volumes. This edition being necessarily based on preliminary and complementary research, the second aim of this thesis is to provide a synthesis of all existing knowledge on the subject, thanks to a biography, a bibliography, a catalogue of archives and a computerized classification of Luzel's works. The third aim of this thesis is to place this edition within a historical context. Indeee, it had to be explained on one hand why, during the past century, it had been consistently impossible to prepare a methodical edition of Luzel's works, and on the other, why the Breton nationalists were opposed to this edition. In conclusion, the principal interest of this publication seems to be the opportunity it provides to study nationalist rhetoric

La sevdalinka, chanson traditionnelle bosnienne, fonctionne comme une représentation identitaire. À travers son contenu poético-littéraire et sa constitution musicale, elle raconte l’histoire d’un peuple, des points de vue historique, politique et socioculturel. Au fil du temps elle a su conserver, dans l’œil des membres de la culture au sein de laquelle elle s’exprime, l’essentiel de son rôle, soit la préservation de cette culture, malgré les développements historiques, changements politiques et modifications socioculturelles. Ce processus de préservation se reflète à travers les fondements de la musique en question étant « la dignité » et « l’équilibre ». Ces derniers se manifestent, tant au niveau poéticolittéraire que musical, respectivement par la nostalgie et la phonostylistique. L’unification de « la dignité » et de « l’équilibre » permet d’atteindre la perception axiologique, qualifiée autrement de la valorisation de la sevdalinka pour son contenu poético-littéraire et musical, sa transmission et sa réception, au point d’être qualifiée d’authentique. Le sevdah est alors atteint, un état de transcendance défini par la contemplation d’un style de vie de sérénité et d’épanouissement émotionnel, de découverte de soi par rapport à soi et aux autres.
Sevdalinka, a Bosnian traditional song, fonctions as a representation of identity. Through its poetical and literary content as well as its musical organization, it narrates the history of Bosnian people, from historical, political and sociocultural perspective. Over time, sevdalinka maintained the essential of its role, the cultural preservation, regardless of the historical developments, political changes and sociocultural modifications. The process of that preservation is reflected through the fundamentals of this music; “dignity” and “balance”. “Dignity” and “balance” are rooted at the poetical and literary levels as well as musical, through nostalgia and phonostylistics respectively. “Dignity” and “balance” are essential in order to achieve an axiological perception, defined by the valorization of the sevdalinka for its poetical and literary as well as musical content, its transmission and reception, to the point of being qualified “authentic”. That is when sevdah is achieved, state of transendance caused by a contemplation of a serene life style and emotional fulfillment, of personal discovery within oneself and within the others

La province du Betsileo est célèbre dans toute l'île de Madagascar pour ses chants zafindraony. Création populaire qui s'opère sans contrôle clérical, ces chants chrétiens reflètent l'histoire culturelle et sociale régionale depuis un siècle. La thèse consacre d'abord cinq chapitres à l'histoire du genre zafindraony : à sa naissance (I), à son expression actuelle (II), à son inscription dans le système littéraire betsileo dont il est issu (III), à sa situation contrastée dans la société duelle d'aujourd'hui (IV et V). La seconde partie, écriture, analyse 180 chants recueillis dans leur contexte. La démarche est en partie ethnologique, en partie littéraire, la performance permettant de saisir le jeu de l'oralité. Le corpus est organisé en fonction des critères de l'oral traditionnel et de l'écrit (importé). Tandis que le courant protestant, attaché à l'écrit, refuse la narrativité au profit de la prière et de la sagesse, l'action de quelques missionnaires jésuites (H. Dubois) a libéré chez les catholiques un puissant courant de création de récits chantés (surtout bibliques) où l'oralité cherche à se reconstituer - particulièrement dans les chants de la mort et de la résurrection du grand héros Rajeso (Jésus) Le ressort commun de ces tantara (histoires) est dans la force de l'aina, le flux vital malgache, que traduisent l'émulation des groupes rivaux, l'alternance des choeurs et des voix, la thématique des récits (renversements de situations, sacrifices, combats) et les circonstances de leur exécution (joutes de chants, veillées, funérailles°. L'ensemble vise au anatra qui est le "conseil" où s'expriment en termes chrétiens les visées traditionnelles de la sagesse malgache : intégration socio-cosmique de l'individu et maintien de la cohésion sociale (fihavanana). Authentique fruit malgache de la rencontre des cultures, ces chants montrent que "chanter, au Betsileo, c'est vaincre la mort. "
The region of Betsileo is famous throughout the island of Madagascar for its Zafindraony songs. These christian songs, a creation of the people which arise without clerical control, reflect the cultural and social history of the region during the last century. The thesis dedicates, to begin with, five chapters to the history of the genre zafindraony : to its birth (I), to its performance today (II), to its place in Betsileo literature whence it has emerged (III), to its complex position within a bi-polarised society (IV and V). The second part, a literary analysis examines 180 songs gleaned from their context. The approach is in part ethnological, in part literary, the performance of the songs allowing the effect of their oral nature to be grasped. The corpus is arranged according to the citerea : oral (traditional) and written (imported). Whilst protestantism, attached to the written word, rejects narrativity in favour of prayer and wisdom, the action of a few jesuit missionaries (H. Dubois) has released amongst the catholics a powerful current of creation of song tales (above a biblical) in which the oral character seeks to reemerge, particularly in songs of the death and resurrection of the great hero Rajeso (Jesus). The common inspiration of these tantara (stories) is the strength of the aina, the malagasy life-force current that is expressed in the emulation of rival groups, the alternation of choirs and of voices, the theme of the stories (the reversal of a situation, sacrifices, fights) and the circumstances of their performance (song competitions, evening gatherings, funerals). All these together have as their end the anatra, the advice, in which the traditional objectives of malagasy wisdom : the socio-cosmic integration of the individual and the maintenance of social cohesion (fihavanana), are expressed in christian terms. An authentically malagasy fruit of the meeting of cultures, these songs show that in Betsileo "to sing is to conquer death. "

Cinq analyses sur l'espace et les décors dans l'épopée (la chanson de Roland, la chanson de Guillaume, la chanson d'Aspremont) et le roman (le roman de Thebes, les Lais de Marie de France) au 12eme siècle, qui s'attachent à l'étude de l'espace représenté - les décors - et à la façon dont il l'est - la "poétique" (qui recouvre tout autant les procédés rhétoriques ou la description formulaire épique que la structure même du chant épique et du texte romanesque). Sont ainsi étudiés les décors extérieurs : la nature, la ville, les champs de bataille, et intérieurs : la cour royale, le cadre architectural, mais aussi le degré de vraisemblance avec lequel les auteurs font évoluer leurs personnages dans les paysages (expression de leurs points de vue, de leur perception spatiale) et surtout les implications esthétiques, idéologiques, intertextuelles de ces décors : le traitement de la lumière; l'expression de l'horreur et du sacre dans l'épopée; les différentes représentations de la royauté; la signification profonde de mises en scène éminemment symboliques
Here are five analyses of space and settings in epic (the chanson de Roland, the chanson de Guillaume, the chanson d'Aspremont) and novel (the roman de Thebes, the Lais of Marie de France) in 12th century; they concern the study of depicted space - settings - and the way it is really depicted - "poetic" (which at once covers rhetorical pro- cesses or epic description, based on obvious phrases, and the structure itself of epic canto and novelistic text). So, outer settings are studied : nature, town, battlefields, and inner settings : the court, architectural surroundings, and also the plausibility stage the authors use to make their characters live in landscapes (expression of their points of view, of their spatial perception) and above all aesthetic, ideological, intertextual implications of these settings : the treatment of light; the expression of horror and sacred in epic; the different representations of kingship and power; the deep significance of emmently symbolical productions