Academic literature on the topic 'Chanteurs masculins'

Le Cantu in paghjella est une pratique traditionnelle corse de chants polyphoniques, qui a été reconnue par l’UNESCO comme Patrimoine Culturel Immatériel (PCI) et inscrit en 2009 sur la Liste de Sauvegarde d’urgence. Le Cantu in paghjella, combinant trois registres vocaux masculins, représente un pilier de la culture corse et se chante a cappella dans diverses occasions festives, sociales et religieuses. Le principal objectif du projet I-Treasures est de développer une plate-forme ouverte et extensible pour fournir un accès aux ressources du PCI, permettre l’échange de connaissances entre chercheurs et contribuer à la transmission des savoir-faire rares des trésors humains vivants, par l’apprentissage de chants traditionnels, comme le Cantu in paghjella. Nous présentons dans cet article, le travail effectué avec les chanteurs sur la capture et la transmission de ce type de chant à plusieurs voix. Nous aborderons les technologies permettant de sauvegarder et de transmettre le chant polyphonique corse et comprenant une étude préalable à la mission de collectage afin de recueillir des témoignages pertinents des chanteurs traditionnels sur les différents aspects de leurs pratiques et techniques vocales. Il y sera fait une présentation sur l’utilisation de notre nouveau système de capture de données à l’aide d’un casque multi-capteurs qui permet l’enregistrement simultané de voix multiples et la synchronisation de données acoustiques et articulatoires. Nous verrons comment ce travail peut contribuer aux initiatives locales visant l’amélioration de l’accès aux données sonores, mais aussi aux mesures de sauvegarde d’urgence de l’UNESCO.

Le fado est une chanson d'amour et de nostalgie {saudade) qui est née dans les bas-quartiers de Lisbonne, à la charnière du 18e et du 19e siècles. A partir du 19e siècle, l'instrument qui accompagne le fado est la guitare portugaise (à cordes frappées et pincées). Sa table d'harmonie présente six choeurs ainsi qu'une ouïe ronde tandis que son manche est muni de 17 à 22 frettes et son cheviller se termine en éventail. Cette guitare est issue du cistre classique dans son évolution tardive du 17e siècle, le cistre appelé guitare anglaise. Le Portugais Galráo et l'Anglais Simpson lui apportent des modifications successives. La guitare portugaise atteint les campagnes pour animer la danse. La Severa, incarne au 19e siècle, le grand mythe national du fado. Fille de bidonvilles, elle travaillait dans une maison clause de la Mauraria (quartier de Lisbonne). Cette chanteuse de talent était aussi liée au milieu de la tauromachie équestre, dont le Comte de Vimioso, épris d'elle, était le symbole. Julia Florista ou la Cesarla sont d'autres femmes fadistes illustres. Le fadiste masculin de cette époque est décrit comme un parasite social, qui vit d'expédients et d'harnac. Plus tard, il pratiquera des petits métiers. A la fin du 19e siècle, le fado est chanté dans les jardins potagers de Lisbonne, situés le long des chemins empruntés par les taureaux qui étaient acheminés vers les arènes. Il devient alors un chant de divertissement pour les banquets et les noces. Des noms de chanteurs et guitaristes se détachent tels Antonio Casaca, Caetano Calcinhas, Joâo Black. L'âge d'or du fado se situerait dans les années 1930-50. A partir des années 30, le fado va peu à peu perdre son caractère instantané et spontané au profit du professionalisme, encouragé par la radio. Il évolue alors vers la scène dont Amalia Rodrigues et Alfredo Marceneiro sont les représentants les plus illustres.

L’article situe la vie de musicienne d’une grande chanteuse dont la carrière va du milieu féodal et colonial des cours et des salons jusqu’aux scènes fréquentées par la classe moyenne urbaine d’une Inde indépendante. On y retrouve la question habituellement problématique de l’identité sociale de cette musicienne héréditaire, qui est le corollaire inévitable de l’association entre hommes et interprètes, mais aussi la condition essentielle à l’apprentissage et à la pratique de l’art de la musique. Comment Begum Akhtar a rapidement acquis une réputation en musique grâce à l’appui des nobles, comment elle est « passée » dans le monde respectable du mariage, et comment elle a redéfini son art et sa personne, émergeant comme l’idole nationale de la culture musicale de cour de l’Inde — c’est seulement dans les marges que l’on peut voir tous ces aspects, et ce par le biais d’un kaléidoscope de sources positionnées et de l’expression musicale stylisée d’une artiste dépendante des hommes mais qui a aussi créé des liens musicaux avec des femmes (incluant l’auteure).

Résumé En se basant sur la critique génétique, cette étude fait l'analyse du personnage éponyme de la nouvelle * La folle d'Elvis-, d'André Major. La vision qui nous est rendue du personnage féminin nous vient du personnage masculin. Fascinée par le chanteur américain, la jeune femme est présentée comme une figure de l'altérité: étrange, étrangère, représentante du continent noir de la féminité. Cette lecture est confirmée par l'étude des manuscrits qui ancrent explicitement la problématique dans le texte. Les biffures et les ratures apportées à la version finale ont pour effet d'ouvrir la textualité, défaire du texte un ' tissu de non-dit *, pour reprendre l'expression d'Umberto Eco, où la clarté de la dénotation cède aux résonances de la connotation.

Dans leur analyse des aspects transgresseurs des oeuvres de Frida Kahlo, peintre, et de Paquita la del Barrio, chanteuse, touchant les rapports sociaux de genre qui existent dans la société mexicaine, les auteures examinent la complexité de la relation qui unit la production artistique et la légitimation symbolique du génie et du vécu des femmes. En dénonçant les souffrances que provoque l’infidélité masculine, en présentant la maternité dans ses aspects les plus sombres et en abordant leurs propres désirs sexuels, non seulement ces deux artistes témoignent de leur dissidence personnelle à l’égard des diktats socioculturels de leur époque, mais elles construisent un nouveau langage, des images et des mots pour nommer, voire dénoncer, des réalités féminines jusque-là gardées sous silence parce qu’elles étaient considérées comme trop obscures.

Les enquêtes statistiques relatives aux pratiques culturelles de loisir des Français-e-s font apparaître leur forte dimension genrée : écriture de journaux intimes, chant en chorales ou danse pour les femmes, instruments de musique, rock ou photographie pour les hommes. Comment expliquer que chacun-e s'oriente de manière principale vers l'une ou l'autre pratique de loisir ? Une réflexion sur les modes de construction d'une pratique de loisir comme « féminine » ou « masculine » – des socialisations de l'enfance aux dispositifs constitutifs de cette pratique en passant par les imaginaires associés à ces loisirs – sera ici engagée à la lumière d'une observation prolongée du jazz vocal amateur en France. Sera décrite et expliquée la différenciation genrée observée entre femmes chanteuses et hommes instrumentistes amateurs, et ce alors même qu'aucune règle sexuée ne détermine a priori la place, le rôle et les pratiques musicales des unes et des autres.

This article investigates chanteys (sailing work songs) provided by chantey singer and collector Stan Hugill, contained within Gershon Legman’s unpublished manuscript of erotic folksong. Throughout, I attend to the spectre of underwear and how its absence signifies the loss of power both in terms of erotic action within the songs but also specifically in terms of cultural experiences, present on land, that divested the sailing man of masculine agency and authority. I read underwear as capturing the qualities of castration anxiety identified by Judith Bulter, and the erasure of such coverings, in these songs, forces these figures to haunt the margins of the text, ushering readings of other constraining and castrating realities that attended the sailor. Underwear is the object that stands in the way, binding up and symbolically castrating the male character, rendering him incapable of satisfying his heteronormative duties. Throughout the Victorian era, there were other cultural realities that ‘got in the way’ or impacted the sailor in his presentation of masculine self, and I contend that absent underwear captures such castrating potentials as the change in domestic space, the move from sail to steam power and also the impact of cultural narratives that sometimes barred sailors from gaining employment and meeting their breadwinning expectations.

Abstract While love passes for being a feeling born in the West in the twelfth century, love poetry, in its declamatory or sung form, appeared in the sixth century among the Bedouin of the Arabian desert before flourishing in the Arabic cities, then Persian and finally in Europe. Love passion, excessive in essence, can be said only in excess with its joys and its distress. The man who experiences this state of passion is feminized, finding in the medium of poetry a socially legitimate space to express his emotions, including jealousy, nostalgia or blasphemy. Singing the beauty of the beloved and the disorder she or he inspires is a way of acknowledging his emotional vulnerability and also a mode of love conquest. But if the language of predation can be found in heterosexual and homosexual Arabic or Persian masculine poetry, such language is absent from feminine poetry, this difference revealing the asymmetrical polarity of desire according to gender. Résumé Alors que l'amour passe pour être un sentiment né en Occident au douzième siècle, la poésie amoureuse, sous sa forme déclamatoire ou chantée, est apparue dès le sixième siècle chez les Bédouins du désert d'Arabie avant de fleurir dans le monde arabe citadin, puis persan et enfin occidental. L'amour passion, excessif par essence, ne pouvant se dire que dans la démesure, le discours amoureux est l'expression toujours hyperbolique du pathos avec ses joies et ses détresses. L'homme qui éprouve cet état de passion est féminisé, trouvant dans le médium de la poésie un espace d'expression socialement autorisé pour exprimer ses émotions, y compris celles relatives à la jalousie, à la nostalgie ou au blasphème. Chanter la beauté de l'objet aimé et le trouble qu'il inspire est autant une manière d'avouer sa vulnérabilité affective qu'un mode de conquête amoureuse. Mais si le langage de la prédation est patent dans la poésie hétérosexuelle ou homosexuelle, un tel langage est absent de la poésie féminine, différence révélatrice de la polarité asymétrique du désir selon qu'on est homme ou femme.